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Todo sobre el nuevo tráiler de Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha

Mario Losada
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Todo sobre el nuevo tráiler de Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha

Lionsgate acaba de soltar hace apenas unas horas un nuevo y esperado tráiler de Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha (Sunrise on the Reaping), la nueva precuela cinematográfica que nos devolverá de cabeza al universo distópico creado por Suzanne Collins. Con su estreno en cines fijado oficialmente para el próximo 20 de noviembre, la maquinaria promocional de la saga se acelera de cara al tramo final del año.

Esta nueva entrega nos traslada veinticuatro años antes de las vivencias de Katniss Everdeen, situando la acción directamente en el turbulento contexto del Segundo Vasallaje de los Veinticinco. Para esta edición tan señalada, las reglas del juego del Capitolio cambiaron por completo, duplicando el número de tributos y elevando la crudeza de la supervivencia en la Arena hasta límites insospechados.

El traíler pone el foco en la figura de un joven Haymitch Abernathy, explorando los orígenes del personaje mucho antes de convertirse en el cínico mentor que todos conocimos en la trilogía original. Bajo la dirección de Francis Lawrence (un viejo conocido de la franquicia), el proyecto cuenta con un reparto muy sólido encabezado por rostros como Joseph Zada y Mckenna Grace, apostando de nuevo por la tensión psicológica y el drama político que caracterizan a los libros, o eso cuentan los productores de las películas. Luego veremos si la película merece la pena.

Os dejo el tráiler en español:

Resident Evil en el cine: más de veinte años entre zombis, mutaciones y supervivencia

El Escritor Nómada
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Resident Evil en el cine: más de veinte años entre zombis, mutaciones y supervivencia

Desde que Capcom abrió las puertas de aquella mansión perdida en las montañas de Raccoon City, los zombis, las criaturas mutantes, Umbrella y sus experimentos han acompañado a varias generaciones de jugadores y, como era inevitable, terminaron saltando de las consolas a la gran pantalla.

Ahora, en 2026, Zach Cregger vuelve a llevar Resident Evil al cine con una propuesta que pretende recuperar el terror y la sensación de supervivencia de los primeros juegos.

La historia cinematográfica de Resident Evil es también la historia de una franquicia que lleva más de dos décadas intentando descubrir hasta dónde puede alejarse de los videojuegos sin perder aquello que los hacía especiales.

Antes de Alice ya existía Resident Evil en el cine

Aunque para muchos aficionados la historia cinematográfica de Resident Evil comienza con Milla Jovovich, Capcom ya había experimentado con la idea de trasladar su universo a la pantalla mucho antes de que Hollywood pusiera los ojos sobre la franquicia.

En 2000 llegó Biohazard 4D-Executer, una producción japonesa de apenas veinte minutos. Tiene cierto interés histórico: demuestra que Capcom llevaba tiempo buscando nuevas formas de trasladar la experiencia de los videojuegos a otros formatos.

A ella se suma Biohazard 4 Incubate, vinculada a Resident Evil 4 y más cercana a una reconstrucción audiovisual de los acontecimientos del juego que a una película convencional.

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Milla Jovovich y la creación de un Resident Evil cinematográfico

En 2002, Resident Evil llegó a los cines con Milla Jovovich como protagonista y Paul W. S. Anderson detrás de las cámaras. Desde el principio tomó una decisión que condicionaría todo lo que vendría después: no adaptar directamente ninguno de los videojuegos.

En su lugar apareció Alice, un personaje creado específicamente para el cine, atrapado en The Hive, una instalación secreta de Umbrella donde la liberación del T-Virus convierte el complejo en una trampa mortal. Había zombis, laboratorios, pasillos oscuros y criaturas mutantes, pero Anderson se tomó sus licencias creativas y construyó su propia historia.

La película es una digna hija de su época: montaje frenético, estética de videoclip, música industrial y acción propia de principios de los 2000. Sin embargo, conserva algo que sus sucesoras irían perdiendo: una sensación real de vulnerabilidad.

Alice todavía podía sentirse expuesta, los zombis constituían una amenaza y recorrer los pasillos de The Hive tenía algo de inquietante. La película podía estar más cerca del cine de acción que del survival horror, pero existía una incertidumbre básica: no sabíamos qué podía aparecer detrás de la siguiente puerta.

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En 2004 llegó Resident Evil: Apocalipsis, y con ella uno de los escenarios más reconocibles de los videojuegos: Raccoon City. Jill Valentine y Carlos Oliveira se incorporaron a la historia y Nemesis se convirtió en la gran criatura de la película. La película bebía claramente de Resident Evil 3, pero también confirmó un cambio de prioridades. Había más personajes conocidos, más acción y más espectáculo. El terror empezaba a perder terreno.

Con Resident Evil: Extinción, estrenada en 2007, la transformación fue todavía más evidente. Raccoon City había quedado atrás y el mundo se había convertido en un escenario postapocalíptico. El desierto sustituía a los pasillos claustrofóbicos y Alice empezaba a adquirir habilidades sobrehumanas. A estas alturas, preocuparse por encontrar munición empezaba a tener poco sentido cuando la protagonista podía convertirse ella misma en el arma más peligrosa del mundo.

La franquicia ya no estaba intentando adaptar Resident Evil. Estaba construyendo su propio universo de acción. Los zombis seguían ahí, pero cada vez parecían más soldados de relleno que amenazas capaces de poner a Alice en apuros.

Resident Evil: Ultratumba, estrenada en 2010, llevó esa filosofía al territorio del blockbuster. El 3D convirtió las secuencias de acción en auténticas atracciones, mientras Chris Redfield y Albert Wesker ganaban protagonismo dentro de esta continuidad cinematográfica. Pero cuanto más espectacular se hacía Resident Evil, menos espacio quedaba para el terror. Había más explosiones, más criaturas y más acción, pero cada vez el terror tenía menos motivos para aparecer en la pantalla.

En 2012 llegó Resident Evil: Venganza, quizá el ejemplo más evidente de esa evolución. Leon Kennedy, Ada Wong, Jill Valentine, Barry Burton, Wesker, clones y escenarios conocidos se reunían en una película que parecía querer condensar en una sola entrega todo lo reconocible de los videojuegos. Más que una película, empezaba a parecer una reunión de antiguos alumnos de Raccoon City.

Esta es una de las grandes paradojas de la franquicia: cuantos más elementos reconocibles de los videojuegos aparecían, menos se parecía la experiencia a jugar a Resident Evil.

En 2017, Resident Evil: El capítulo final puso punto final a la historia de Alice. Milla Jovovich se despedía de un personaje que nunca había existido en los videojuegos y que, sin embargo, había terminado convirtiéndose en el rostro cinematográfico de la saga. El cierre tenía poco de despedida melancólica y mucho de carrera hacia la siguiente explosión: acción, giros y una resolución atropellada ocupaban el espacio que años atrás había pertenecido al suspense. Alice había sobrevivido a prácticamente todo; el terror, en cambio, llevaba tiempo sin tener tanta suerte.

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Cuando Resident Evil quiso volver a los videojuegos

En 2021 llegó Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City, dirigida por Johannes Roberts, con una estrategia prácticamente opuesta a la de Anderson.

Alice desaparecía y regresaban Claire y Chris Redfield, Jill Valentine y numerosos elementos de los primeros videojuegos. Después de seis películas construidas alrededor de un personaje original, la intención era clara: acercarse mucho más al material original con las reglas de los videojuegos.

La cuestión es que la fidelidad a un videojuego no garantiza que una película reproduzca las sensaciones que provoca jugarlo. La película tenía personajes, escenarios y acontecimientos reconocibles, pero el guion irregular, un presupuesto más limitado y una tensión que no terminaba de consolidarse hicieron que algunos de esos elementos funcionaran mejor como referencias para los jugadores que como partes de una historia dramáticamente sólida.

La película dejó una conclusión bastante más incómoda: la fidelidad al material original no garantiza una buena adaptación. Bienvenidos a Raccoon City tenía la mansión Spencer y buena parte de la iconografía de los juegos, pero acumulaba referencias con más entusiasmo que atmósfera. Se reconocía Resident Evil a primera vista, aunque rara vez conseguía transmitirlo en pantalla.

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Netflix y otra manera de alejarse del videojuego

Cuando parecía que la franquicia podía regresar definitivamente a sus raíces, Netflix tomó otra dirección. En 2022 llegó la serie de acción real, una reinvención que utilizaba distintas líneas temporales y una nueva mitología para construir una historia propia a partir de elementos de los videojuegos.

Lance Reddick era uno de los elementos más interesantes de la serie. Su Wesker se alejaba bastante del personaje de los videojuegos, mientras que la serie intentaba ampliar el mundo de Umbrella en lugar de limitarse a reproducir escenarios conocidos.

El problema estaba en cómo encajaban esas ideas. Los saltos temporales fragmentaban el relato, algunas decisiones de guion alejaban demasiado la historia del tono de los juegos y las referencias a la saga a veces parecían más una colección de guiños que parte orgánica de la narración. La serie fue cancelada después de una temporada y dejó la sensación de otra oportunidad en la que la reinvención terminó pesando más que la identidad.

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Las películas animadas: el Resident Evil que sí pertenece al universo de los juegos

La primera gran apuesta fue Resident Evil: Degeneration, estrenada en 2008. Leon y Claire se enfrentaban a un nuevo brote biológico en una película que destacaba más por su fidelidad al universo de los juegos que por sus virtudes cinematográficas. La animación, hoy claramente envejecida, tenía un acabado rígido y una expresividad limitada. Una película que podía parecer una cinemática de videojuego alargada, pero que tenía una ventaja fundamental: formaba parte del universo Resident Evil.

En 2012 llegó Resident Evil: Damnation, protagonizada de nuevo por Leon. La acción se trasladaba a Europa del Este y ampliaba la mitología de las armas biológicas. La animación mejoraba respecto a Degeneration, especialmente en escenarios, criaturas y acción, aunque las expresiones seguían siendo algo rígidas. El guion era más ambicioso y estaba mejor integrado en la mitología de los juegos, aunque abusaba de la exposición y las conspiraciones.

En 2017 llegó Resident Evil: Vendetta, con Leon, Chris y Rebecca compartiendo protagonismo. La animación ganaba fluidez y las escenas de acción eran más espectaculares, pero el exceso terminaba imponiéndose al argumento. Tiene buenos momentos de acción y aprovecha bien a sus personajes, aunque la trama acumula giros y situaciones cada vez más inverosímiles.

En 2023, Resident Evil: Death Island reunió a Leon, Chris, Jill, Claire y Rebecca en Alcatraz. Su animación es más pulcra y la acción, más esmerada, mientras que la presencia de Jill aporta uno de sus mayores atractivos. El problema es que el guion funciona sobre todo como excusa para reunir a los protagonistas y encadenar combates, dejando poco espacio para el suspense.

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Oscuridad infinita y el regreso de Leon y Claire

A esta línea se suma Resident Evil: Oscuridad infinita (aquí la crítica), miniserie CG de cuatro episodios estrenada por Netflix en 2021. Leon y Claire regresaban para una historia de conspiraciones y bioterrorismo situada después de los acontecimientos de Raccoon City, con la continuidad de los videojuegos como principal vínculo con la saga.

La animación ofrece una buena calidad gráfica y las secuencias de acción están bien resueltas, pero una trama de conspiraciones que tarda demasiado en encontrar su pulso termina lastrando el conjunto. No es una pieza imprescindible dentro de la franquicia, pero sí otra muestra de cómo la animación ha encontrado un camino que la acción real ha buscado durante años: ampliar el universo de Resident Evil sin romper los vínculos que lo mantienen reconocible.

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La hora de Zach Cregger

En 2026, Resident Evil vuelve a probar suerte en el cine con Zach Cregger. El director llega después de Barbarian y Weapons (aquí la crítica), dos películas de terror interesadas en construir tensión, jugar con las expectativas y utilizar aquello que permanece fuera de campo.

Su aproximación parte de una idea fundamental: recuperar la vulnerabilidad y el terror, y conseguir que el espectador vuelva a sentirse como si estuviera jugando. Resident Evil siempre ha tenido espacio para lo absurdo, pero primero necesita conseguir que el espectador vuelva a sentir que hay algo detrás de esa puerta que quizá sea mejor no abrir.

La nueva película no adapta directamente una de las campañas de los videojuegos. El protagonista es Bryan, un mensajero médico interpretado por Austin Abrams que queda atrapado durante una noche de caos y supervivencia. Es una decisión que se aleja de los personajes clásicos, pero también permite a Cregger construir una historia novedosa.

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El reto de volver a dar miedo

Después de tantos intentos, quizá Resident Evil ya no necesite más personajes, criaturas o referencias a los videojuegos. Lo que necesita es algo mucho más sencillo: volver a hacer sentir miedo al espectador.

La película de Cregger tendrá que recuperar la incertidumbre, el peligro y esa sensación de que sobrevivir nunca está garantizado. Después de seis películas de Milla Jovovich, un reboot, una serie y varias producciones animadas, la franquicia ha demostrado que puede sobrevivir en el cine.

Ahora le toca demostrar que todavía puede dar miedo. El próximo 18 de septiembre llegará la respuesta.

 

‘Lanterns’. Episodio 5 | ¿Y ahora qué?

Juanma Martín
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‘Lanterns’. Episodio 5 | ¿Y ahora qué?

El quinto episodio de ‘Lanterns’ me ha dejado muy descolocado teniendo en cuenta que ficción de HBO contará con 8 capítulos. Al terminar de verlo se me ha quedado la sensación de que tiene la contundencia de un auténtico final de temporada. Lo que se ha ido cociendo durante las cuatro primeras semanas se coció a fuego lento, aquí explota en la batalla por Rushville y por acabar con el Manhunter. La trama ya no se guarda nada y pone toda la carne en el asador antes de tiempo. ¿Y ahora qué?

Y no exagero cuando digo que, si este fuese el final de temporada, tendría algunos flecos, pero funcionaría para dejarnos con ganas de una segunda.

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Este episodio es pura acción, todo se ha destapado, ya no hay necesidad de ir con un bisturí, aquí hay que sacar la artillería pesada y todos los hacen. Macon se lleva preparando para este momento durante mucho tiempo y su ejercito privado también.

Aunque es cierto que vamos a ver más de los poderes de los Green Lanterns y de la tecnología de los Manhunters, la serie es comedida y vamos a ver enfrentamientos con armas de fuego como eje principal del conflicto. Todo se acaba convirtiendo en una auténtica olla a presión donde los personajes ya no tienen margen de maniobra.

Sin embargo, para mí,  el gran triunfo de este episodio radica en como pone punto y final a una gran construcción de personajes. La serie se niega a retratar a John Stewart como la encarnación del bien supremo o a Hal Jordan como el arquetipo intachable del héroe veterano. Ambos personajes son presentados con una crudeza moral muy atractiva, atrapados en una espiral donde el fin justifica los medios. A lo largo de la trama, los dos han tomado decisiones éticamente reprobables, han jugado sucio y han cruzado líneas rojas casi imperdonables con tal de salirse con la suya o conservar el control de un arma que se siente más como una maldición adictiva que como un don cósmico.

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EN CF: EL RESTO DE CAPÍTULOS DE ‘LANTERNS’

Esa escala de grises le da una fuerza demoledora a la ‘caída’ de Hal Jordan. Su destino no se siente forzado, sino como un desenlace que se ha ganado a pulso desde el minuto uno. El Hal que vemos aquí está consumido por el peso de los años y el desgaste psicológico; un veterano arrinconado que, por miedo a perder su única razón de ser, se vuelve un personaje gris y que puede recordar su etapa como Parallax. La pérdida del anillo no es solo un revés, sino una consecuencia de haberse empujado más allá del punto de no retorno.

En el otro extremo, la relación de John Stewart con los Guardianes y su propia ambición terminan de redondear este choque de trenes. Lejos del novato inocente o del boy scout incuestionable del comienzo, John demuestra una frialdad y un pragmatismo casi despiadados cuando se ve entre la espada y la pared. No duda en firmar alianzas incómodas para sobrevivir. Verlo operar en esa delgada línea entre el deber y la supervivencia personal le otorga una tridimensionalidad enorme.

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Habiendo dinamitado el tablero tan pronto la trama del manhunter, la gran incógnita es qué va a pasar en los tres episodios restantes. Quemar los barcos en el quinto capítulo es una maniobra arriesgada que cambia las reglas del juego: si esto ha parecido una traca final, el último tercio de temporada no puede permitirse un bajón de intensidad, lo que obliga a la serie a reinventar su propia premisa. Es cierto que tendremos, quizás, la investigación de la muerte de Hal Jordan presentada al final del primer capítulo.

Se ha confirmado la presencia de John Stewart en ‘man of Tomorrow’ así que supongo que acabaremos sabiendo como acaba poseyendo el anillo que ha rechazado. Son muchas dudas para tres capítulos y muchas respuestas que dar.

‘Lanterns’ nos ha dejado en tierra de nadie: sin héroes intachables a los que aferrarnos, con el maestro caído en desgracia y el alumno desencantado rechazando su destino. Lejos de cerrar la historia, este falso final parece ser el prólogo de una deconstrucción total donde lo que queda no es salvar el mundo, sino ver quién sobrevive a las consecuencias de sus propios pecados.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Lanterns’ de HBO:

Un saludo y sed felices.

El inesperado renacer de Supergirl en HBO Max. Del batacazo en cines al triunfo en streaming.

Mario Losada
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El inesperado renacer de Supergirl en HBO Max. Del batacazo en cines al triunfo en streaming.

Supergirl fue un fracaso en crítica y en taquilla, pero muchas veces nos topamos con uno de esos giros de guion industriales que demuestran lo caprichoso que es el mundo del entretenimiento actual. Y es que la cabecera de la Chica de Acero vuelve en «el candelabro» como dirían algunas, aunque por motivos muy diferentes a los que preveían los ejecutivos en su día. La película de Supergirl en HBO Max está dando muy buenos resultados.

Y es que hay un contraste brutal entre el paso comercial de Supergirl por la gran pantalla y la segunda vida que está experimentando en el ecosistema digital. Pero brutal. Para nadie es un secreto que el filme se dio un auténtico tortazo en la taquilla nacional e internacional, acumulando números rojos y quedándose muy lejos de las expectativas financieras que un blockbuster de superhéroes de esta magnitud necesita para salvar los muebles. Sin embargo, tal y como reflejan los datos publicados en las últimas horas, el patio ha cambiado radicalmente desde su desembarco en las plataformas de vídeo bajo demanda.

Supergirl (2026) | Un despegue a medio gas para el nuevo DCU

La alfombra roja del streaming obra el milagro

Contra todo pronóstico, los algoritmos y los datos de audiencia compartidos por los analistas sitúan a la película en lo más alto del Top global de HBO Max, convirtiéndola en lo más visto por los suscriptores durante este fin de semana. Parece que una gran parte del público que optó por ignorar el estreno en las salas de cine (ya sea por pereza, por el desgaste general del género o por la mala prensa previa) ha decidido darle una oportunidad desde la comodidad del sofá de casa.

Este fenómeno ratifica una tendencia que llevamos viendo los últimos años, ya que el público se lo piensa muchísimo más a la hora de rascarse el bolsillo para ir a las salas, relegando un sinfín de grandes producciones a la espera de que lleguen «gratis» al catálogo de streaming.

Al final, lo que en los cines se vivió como una catástrofe económica de manual, se está transformando en un éxito de visualizaciones y conversación digital, demostrando que el personaje todavía tiene tirón entre los fans si se le quita la presión de la taquilla inmediata.

¿Será esto un flotador para James Gunn? ¿Hará que la gente vuelva a confiar en Supergirl (y en Lobo) y les podamos ver en otras películas del Universo Cinematográfico DC? ¿O son solo fuegos artificiales y no darán más lugar a estos personajes en la gran pantalla?

Un saludo y sed felices.

Supergirl Ruthye Kara Lobo las cosas felices

Análisis de The Walking Dead: Dead City. Temporada 3. Episodio 8. Final de Temporada

Rodolfo Del Bene
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Análisis de The Walking Dead: Dead City. Temporada 3. Episodio 8. Final de Temporada

Y llegó a su final la tercera temporada de The Walking Dead: Dead City. ¿Final también para la serie? No lo sabemos aún y el final es bastante ambiguo en tal sentido. Mientras tanto, analizamos el octavo y último episodio cuyo título es Tenebrae, recordando que la serie, creada por Eli Jorné, es emitida por AMC+.

Hola otra vez, caminantes y sobrevivientes. Aquí de nuevo y esta vez ya para analizar el último episodio de la cuarta temporada The Walking Dead: Dead City, que ha adolecido de los mismos problemas que el resto de la misma y cabe preguntarse si podía esperarse algo distinto. ¿Es además el final de la serie? Pues de momento no hay anuncio oficial, aunque se ha ido reforzando cada vez más la idea de que los responsables tienen ideas (espero que más y mejores) para una cuarta temporada.

Mientras tanto, analizamos lo que nos ha dejado este cierre de la tercera, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en nuestra web los análisis previos, tanto de esta como de las demás series que componen la franquicia.

Análisis de The Walking Dead: Dead City

Análisis de The Walking Dead

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Análisis de The Walking Dead: World Beyond

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon

Análisis de The Walking Dead: The Ones who live

Plan para Tres

Comenzamos con Dillard imaginando a sus mascotas zombies con vida y quizás como realmente las veía cuando estaban con él en el bar: divirtiéndose y haciendo competencias con risas de fondo estilo sitcom. ¿O es un flashback?

Sea como sea, y volviendo a la realidad de la peor manera, le vemos extrayendo los dientes de la recién zombificada Renata a fines de convertirla en su nueva mascota y ante la dolida impotencia de Luis, al que tienen prisionero. Dice que en sus épocas de policía encubierto aprendió a representar distintos papeles y convivir con ellos, así que fingió estar loco este último tiempo y quizás haya terminado por estarlo realmente. Damos fe de que sí…

Desde el apartamento en que se ha atrincherado junto a Negan y Hershel, Maggie ve con binoculares cómo están rodeando el edificio con caminantes y estableciendo más allá un perímetro vallado y vigilado. Luis está atado al poste de una señal de tránsito mientras, desde el coche policial y por altavoz, Dillard conmina a Maggie a entregar a Negan…

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Sabiendo que alguien debe sacrificarse, este se ofrece a salir y matarlo aun sabiendo que será lo último que haga, pero Maggie no está dispuesta a permitirlo. A la primera distracción, no obstante y bate en mano, Negan se le escabulle por el patio trasero.

Maggie lo encuentra y busca convencerlo de que no vaya, pero Negan dice que solo así puede evitar que maten a Luis: ella tiene a Hershel, pero él no tiene a nadie y no quiere cargar con otra pérdida. En un giro que lo conmueve, Maggie le replica que la tiene a ella y, si bien nunca le perdonará lo hecho, es lo más parecido a una familia que con Hershel hayan tenido: si van a hacer algo, será entre los tres y con un plan…

Cada uno hace pues su parte. Negan sale del edificio y, tras eliminar a un caminante, cruza la marea zombie arrastrándose por debajo del mismo hasta cruzar el perímetro. Maggie se dirige a las vías de subterráneo y, liberando a los que esperan por ser convertidos en metano, los guía hacia la calle golpeando los rieles.

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Hershel, a mitad de camino entre Bruce Willis y Johnny Weissmüller, se arroja colgado de un cable desde un edificio al otro y atraviesa el cristal de una ventana para terminar llegando al Refugio con la noticia de que Dillard ha mentido y Renata está muerta.

Los caminantes comienzan a invadir las calles y un desesperado Luis está atado al poste. La guardia que lo vigila está a punto de matarlo pero, en escena que veremos a lo largo del capítulo varias veces en distintas formas, alguien la liquida de atrás y en este caso es Maggie…

Liberado Luis, ambos se abren paso a cuchillo y alicate hasta el hospital, donde, en imagen desgarradora, encuentran gruñendo sobre una camilla al zombie de Renata. Por mucho que le duela, Luis sabe que es él quien debe ponerle fin, así que le pide el cuchillo a Maggie y se lo clava en el cráneo…

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Momento Hershel

Entretanto, los matones de Dillard intentan entrar al refugio mientras Hershel y los ocupantes buscan bloquear las entradas. En impensado homenaje a El Resplandor, uno logra romper una puerta, pero le ensartan una gran astilla en modo cuchillo cuando cruza la mano al otro lado para abrirla. Los atacantes abren fuego y consiguen finalmente ingresar, pero detrás vienen los zombies, así que ahora son ellos quienes ordenan bloquear las entradas…

En otro homenaje cinéfilo, uno bravuconea e infunde pánico a los refugiados mientras ametralla el techo y amenaza con hacer una matanza pero, a diferencia de Alan Rickman en Jungla de Cristal, recibe en la cabeza un cuchillo arrojado por Hershel, que hace así gala de su entrenamiento con el mismo. El matón cae al piso sin vida y ni siquiera llegará a caminante, mientras Hershel es ya para esta altura una mezcla de John McClane, Tarzán y Rambo…

Entre Amigos

Dejando trabada una puerta para que Luis no la siga, Maggie parte en busca de Dillard abriéndose paso entre zombies. Negan, en tanto, se cruza con un matón y lo acaba, pero se le aparece el reverendo psicópata y está a punto de morir cuando alguien mata desde atrás a su atacante y ya van dos..

Lo inesperado es que ese alguien es Dillard y el motivo de que lo haya salvado es que había dado claras instrucciones de que nadie matara a Negan, salvo él. Pero ya sabemos que alguien le disparará desde atrás, así que cuando ya Negan arroja su bate y Dillard está por liquidarlo, recibe este desde las sombras un disparo de Maggie. Y van tres…

Aun herido, forcejea con Negan y le pone un arma en la cabeza conminando a Maggie a mostrarse si no quiere que le dispare. Ella lo hace y desliza hacia Dillard primero la pistola y después el cuchillo, pero cuando este parece a punto de terminar con Negan, le asalta un súbito momento de desconsuelo al pensar que estará nuevamente solo si mata a quien fuera en los últimos tiempos su único amigo.

Buscando sonar comprensivo, Negan dice que lo sigue siendo y que pueden volver a jugar a los videogames como antes. Dillard se emociona y parece gustarle la idea, pero le recuerda que él mató a dos de sus amigos, así que es justo que ahora mate a una suya: obviamente Maggie…

Negan intenta convencerlo de que ni siquiera es su amiga y Dillard le pide que lo demuestre matándola, así que, a su pesar, no tiene más remedio que enterrarle el cuchillo y ella cae fatalmente al suelo, o eso parece. Un par de caminantes ingresan generando un momento de confusión y uno va sobre Maggie, que lo ultima con el mismo cuchillo que tiene clavado.

Aprovechando la distracción, Negan logra desarmar a Dillard y lo tiene de rodillas en el piso a merced de su bate cuando este comienza a lloriquear con que quiso convertirse en alguien nuevo, pero no pudo porque su versión vieja siempre reaparece y a la larga uno sigue siendo el mismo.

A Negan le es imposible no relacionar con su propia historia y se conmueve, pero todo es un ardid de Dillard para sorprenderlo y se trenzan a golpes hasta que este consigue arrebatarle el bate y la situación es la inversa a la de instantes antes: “como mirarse en el espejo”.

Pero siempre alguien intervendrá desde atrás y en este caso es Maggie rebanándole con un alicate el antebrazo a Dillard en el preciso momento en que está alzando el bate y llegamos a cuatro. Quiere después rematarlo, pero Negan la detiene y Dillard muere en sus brazos diciendo “gracias, amigo” mientras él le desea que finalmente encuentre lo que estaba buscando…

Socios

Todo vuelve poco a poco a la normalidad. Maggie lidera la recogida de zombies en los camiones mientras por allí anda uno de cicatriz en el rostro y con un solo brazo. El que perdió, por cierto, le viene muy bien a Luis para sus clases de medicina mientras un nuevo moral de Hershel recuerda a Renata. Manhattan tiene vida nuevamente: hay energía eléctrica, el bar está funcionando y Negan juega a los videogames con los refugiados.

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Tras guardar en una caja y de manera simbólica el anillo de Glenn, Maggie va al bar en busca de Negan y, ofreciéndole hacerse cargo de la seguridad del lugar, le desliza sobre la barra la placa de policía que usara Dillard este último tiempo.

Él pregunta quién estará al frente de la comunidad y Maggie dice que ella misma, junto a Hershel, Luis y Solmari. Afirma que creció y que es ahora una persona diferente, entendiendo que puede ser líder y madre al mismo tiempo. Y que allí tienen algo grande que pueden hacer crecer todavía más, pues si bien han recuperado Manhattan, quedan aún otros cuatro distritos.

Negan acepta el ofrecimiento y, después de colocarle ella la insignia en el pecho imitando una ceremonia oficial, le dice que hay algo que quiere que haga y acaban brindando…

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Balance de Temporada

Y… sí. Como hemos dicho al principio, era ingenuo pensar que en cuarenta y cinco minutos se fueran a corregir todos los problemas que había tenido esta tercera temporada, por lejos la más floja. Más aún: al condensarlos en un único capítulo, quedaron exacerbados.

El episodio que acabamos de ver ha sido de principio a fin una colección de los más manidos lugares comunes de Hollywood y del mundo de las series. Pocos clichés tan repetidos como el del tercero que interviene desde atrás del atacante para salvar a quien está a punto de morir y aquí lo hemos visto no una sino… cuatro veces. Si eso no es falta de imaginación para resolver situaciones de la trama, no sé qué lo es…

Ni qué decir de Hershel, súbitamente inteligente y devenido en héroe de acción (que no hagan por favor un spin-off sobre él). No solo sorprende lo rápido que adquirió habilidad para arrojar el cuchillo, sino su capacidad de cálculo para arrojarse con un cable y dar contra la ventana en lugar de hacerse tortilla contra el muro, sin hablar del otro gran cliché hollywoodense de romper y atravesar el cristal sin un solo corte. Al menos John McClane lo desgastaba primero a los tiros: igual de absurdo, pero más original…

De todas formas, estaría personalmente dispuesto a aceptar tanto disparate si al menos hubiera de fondo una buena historia y que se cerrara bien. Pero, en el supuesto caso de que la serie haya terminado, hemos visto un final que parece corresponderse con una diferente de la que vimos iniciarse.

No solo los buenos villanos como el Croata o la Dama han sido eliminados y reemplazados por otros de descarte, sino también personajes secundarios que hacían buen aporte. Tenía, por ejemplo, alguna esperanza de que volviéramos en este último episodio a ver a Armstrong, pero nada: cuando se fue en bote, no pensé que lo estuvieran despachando directamente de la serie…

Algunos de los momentos más interesantes de este capítulo final volvieron a tener como protagonista a Dillard, cuyo súbito cambio quedó más o menos explicado cuando dijo haber estado representando el papel de loco y, al verlo quitar los dientes a Renata entendimos por qué la había dejado en su momento esposada después de asesinarla: no era para metano, sino para mascota…

Pero lo esencial con respecto a Dillard es que fue un personaje que siempre se sostuvo gracias a la brillante interpretación de Jimmi Simpson, a quien el comportamiento errático y esquizofrénico de este último capítulo ha servido para demostrar sus dotes por si aún hacía falta. A pesar de su locura, voy a extrañarlo porque fue una de las pocas incorporaciones valiosas en esta temporada.

Pero el centro de todo, por supuesto, son Maggie y Negan; no hay que olvidar que esta es su serie. Al igual que en el episodio anterior, Lauren Cohan y Jeffrey Dean Morgan han vuelto a mostrar una química excepcional en cada una de sus interacciones pero, claro, nunca puede cerrarnos que acaben como socios, amigos o compañeros…

Ella dice que nunca lo perdonará, pero no es lo que aquí se advierte. Y no tengo nada contra la redención de Negan: puedo llegar a creerla y hasta comprarla, pero no el perdón de Maggie, por mucho que guarde el anillo y quiera dejar atrás el pasado. Creo que hubiera sentado mucho mejor un final en el cual quedaran en paz, pero no amigos, lo cual no tiene sentido y es de lo más inverosímil.

Y ya que hablamos de inverosimilitudes, ¿qué pasó con esa cuchillada al estómago? ¿No le dañó a Maggie ningún órgano vital? Es cierto que mientras se está definiendo la pelea entre Negan y Dillard, llega Luis para asistirla, pero no se ve que haga mucho y, además, ella está lo suficientemente bien como para ponerse de pie e ir a cercenar un brazo…

Ah, y perdón… ya que nombré a Luis. ¿En qué quedó su historia con Maggie? ¿Terminó en amago de un único capítulo? Me pareció interesante oír a Negan decir que quería evitar su muerte para no provocarle a Maggie otra pérdida, pero la verdad es que no hemos visto un vínculo tan grande entre como para justificarlo a tal punto. En fin…

Y lo que se viene es una incógnita. No hay confirmación oficial de cuarta temporada, aunque parece que es la idea y el hecho de que Maggie termine diciendo a Negan que tiene algo para pedirle apunta aún más en tal sentido. De ser así, ¿cómo sigue? Porque si esta temporada ha mostrado tan pocas ideas, no quiero pensar en una hipotética cuarta. Aún así, y tratando de buscarle una lógica, se me ocurre que la cosa podría venir por el lado de esos cuatro distritos de New York sobre los cuales Maggie dice que falta aún trabajar…

En fin, ya lo sabremos. De momento, debo decir que esta tercera temporada se ha quedado muy por debajo no solo de lo que la serie prometía sino de lo que incluso era en sus comienzos. Si hay una cuarta, de todos modos, supongo que aquí estaremos para analizarla y si no, les agradezco haberme acompañado hasta aquí y les espero para la cuarta de The Walking Dead: Daryl Dixon.

Hasta entonces y sean felices…

Presentación y reseña de Relaciones Peligrosas: La memoria como territorio de suspense. Hoy 16 de septiembre, a las 19:00h en Generación X de Tirso.

DAve Solis
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Presentación y reseña de Relaciones Peligrosas: La memoria como territorio de suspense. Hoy 16 de septiembre, a las 19:00h en Generación X de Tirso.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros Relaciones peligrosas, de Koldo Azpitarte y Mikel Bao, que llega a las librerías de la mano de Norma Editorial como una ambiciosa novela gráfica de ficción histórica.

A partir de vidas y acontecimientos reales, la obra construye un relato de intriga, memoria y compromiso político que deja una huella duradera.

Relaciones Peligrosas

Norma Editorial

Relaciones

La protagonista es Enriqueta “Kety” Lewy, antigua colaboradora de Santiago Ramón y Cajal, que regresa a Madrid en 1971 después de décadas de exilio. Su vuelta al CSIC y su relación con una joven bióloga, Estela, abren la puerta a una larga mirada retrospectiva sobre una vida atravesada por la Segunda República, la Guerra Civil, la dictadura, la Unión Soviética y China.

Azpitarte no convierte a Kety en una simple acompañante del Nobel. Al contrario: La sitúa en el centro de una historia en la que Cajal, Irene Falcón, Dolores Ibárruri, Gonzalo Rodríguez Lafora, Sixto Obrador o Rafael Lorente de Nó; forman parte de una red humana, científica y política de enorme riqueza.

El título, tomado de la célebre novela de Choderlos de Laclos, funciona como una advertencia sobre los vínculos personales, las convicciones y las lealtades que pueden condicionar una vida. La narración avanza con el pulso de un thriller de ficción, aunque sus raíces se hunden en sucesos y personajes históricos reales.

Presentación en Madrid

Relaciones

Relaciones Peligrosas se presentará hoy, 16 de septiembre, a las 19:00 horas, en la librería Generación X Tirso, en Madrid. Será una magnífica oportunidad para acercarse a una obra que reivindica el cómic como vehículo para contar historias complejas, adultas y profundamente ligadas a nuestra memoria colectiva.

Generación X Tirso

Calle Conde de Romanones 3. Distrito Centro. 28012 – Madrid.

Hoy 16 de septiembre, a las 19:00h

Pinchad AQUÍ para obtener ubicación.

La cita adquiere especial sentido por el escenario madrileño de buena parte del relato. Madrid no es aquí un mero fondo: Es una ciudad marcada por el recuerdo de la guerra, la represión, el retorno de los exiliados y una sociedad que, en los últimos años del franquismo, empezaba a vislumbrar cambios todavía inciertos.

Relaciones

La edición de Norma Editorial

Norma Editorial publica Relaciones Peligrosas en septiembre de 2026, en una edición de 240 páginas. El volumen presenta una propuesta de largo aliento, concebida para que el lector se sumerja sin prisas en sus personajes y en el contexto histórico que los rodea.

Es una edición que invita a la lectura pausada, pero cuyo ritmo narrativo evita cualquier sensación de lección académica. La documentación histórica está integrada en los diálogos, las relaciones entre personajes y las decisiones íntimas de Kety, de modo que el contexto nunca aplasta la historia: Le hace respirar.

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Pinchad AQUÍ para obtener más información de Relaciones Peligrosas, desde la web de Norma.

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Koldo y Mikel

Koldo Azpitarte firma el guion de una obra que combina reconstrucción histórica y ficción sin caer en el dato exhibido por el dato. Su mayor acierto consiste en utilizar los grandes acontecimientos del siglo XX como marco de conflictos personales: El exilio, la pérdida, la amistad, la decepción ideológica y la necesidad de preservar la dignidad.

Mikel Bao se encarga del dibujo y contribuye decisivamente a la eficacia del relato. Su trabajo da cuerpo a los diferentes tiempos narrativos (el Madrid de 1971, los años republicanos, la Guerra Civil o el exilio) con una expresividad que favorece la intimidad de los personajes y la claridad de una trama poblada de nombres, episodios y escenarios diversos.

Ambos autores demuestran una comprensión plena del lenguaje de la historieta: Texto e imagen se complementan para conducir al lector por una narración extensa, emocionalmente exigente y, sin embargo, muy fluida.

Relaciones

Una lectura necesaria

Debo reconocer que Relaciones Peligrosas me ha encantado. Y tiene todavía más mérito si se considera que mis territorios habituales como lector suelen ser la ciencia ficción, la fantasía, el western y los superhéroes.

Este tebeo no pertenece a ninguno de esos géneros, pero posee algo que comparten las mejores obras de todos ellos: Sabe contar una historia y sabe hacer que nos importe lo que les ocurre a sus personajes.

La obra tiene la estructura y la tensión de un thriller, pero no necesita inventar monstruos ni amenazas imposibles. Le basta con acercarse a una realidad histórica en la que la violencia política, la represión, el miedo, el exilio y las traiciones ideológicas afectaron a personas concretas.

Kety Lewy emerge así como una figura fascinante: Una mujer culta, comprometida, vulnerable y firme, que ha sobrevivido sin renunciar del todo a sus principios.

Relaciones Peligrosas entretiene sin frivolidad, enseña sin adoptar un tono pedante y reivindica la memoria sin reducirla a consigna. Como recuerda la propia obra, perdonar puede ser necesario para continuar, pero olvidar supone abrir la puerta a que determinados errores regresen.

Y conviene no olvidar el pasado para no repetirlo en el futuro. Pero esa es, quizá, otra historia que deberá ser contada en otro momento.

¡Sed Felices!

De sorpresas, consagraciones y alegrías: todos los ganadores de los Premios Emmy

Mario Losada
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De sorpresas, consagraciones y alegrías: todos los ganadores de los Premios Emmy

Hay madrugadas y días posteriores a las grandes galas en los que uno se sienta delante del teclado con una mezcla extraña de cansancio y buen sabor de boca. La industria de la televisión no para, y los Premios Emmy han vuelto a repartir estatuillas en Los Ángeles dejando un mapa de ganadores de lo más interesante. Entre apuestas seguras que ya rozan el estatus de leyenda y algún que otro bofetón de aire fresco, la noche ha tenido de todo. Si te perdiste la gala o simplemente quieres repasar quién se llevó el gato al agua, aquí te traigo el listado completo con los principales triunfadores de la noche.

Apartado de Drama

El drama sigue demostrando que vive un estado de forma envidiable, con tramas que nos mantienen pegados al asiento.

*Mejor Serie Dramática: The Pitt (Ganadora)

Resto de nominados: The Diplomat, The Gilded Age, A Knight of the Seven Kingdoms, Paradise, Pluribus, Slow Horses, Your Friends & Neighbours.

*Mejor Actor en Serie Dramática: Noah Wyle (The Pitt) (Ganador)

Resto de nominados: Sterling K. Brown (Paradise), Gary Oldman (Slow Horses), Mark Ruffalo (Task), Rufus Sewell (The Diplomat).

*Mejor Actriz en Serie Dramática: Rhea Seehorn (Pluribus) (Ganadora)

Resto de nominadas: Carrie Coon (The Gilded Age), Chase Infiniti (The Testaments), Keri Russell (The Diplomat), Zendaya (Euphoria).

*Mejor Actor de Reparto: Tom Pelphrey (Task) (Ganador)

*Mejor Actriz de Reparto: Allison Janney (The Diplomat) (Ganadora)

Premios Emmy

Apartado de Comedia

La comedia siempre busca sacarnos esa sonrisa que tanto necesitamos, y este año la balanza se inclinó hacia propuestas muy celebradas.

*Mejor Serie de Comedia: Widow’s Bay (Ganadora)  

Resto de nominados: Abbott Elementary, The Bear, Hacks, Margo’s Got Money Troubles, Nobody Wants This, Only Murders in the Building, Shrinking.

*Mejor Actor en Serie de Comedia: Matthew Rhys (Widow’s Bay) (Ganadora)

Resto de nominados: Yahya Abdul-Mateen II (Wonder Man), Steve Carell (Rooster), Jason Segel (Shrinking), Martin Short (Only Murders in the Building).

*Mejor Actriz en Serie de Comedia: Jean Smart (Hacks) (Ganadora)

Resto de nominadas: Quinta Brunson (Abbott Elementary), Ayo Edebiri (The Bear), Elle Fanning (Margo’s Got Money Troubles), Lisa Kudrow (The Comeback).

*Mejor Actor de Reparto: Stephen Root (Widow’s Bay) (Ganador)

*Mejor Actriz de Reparto: Kate O’Flynn (Widow’s Bay) (Ganadora)

 

Miniseries, Antologías y Películas para Televisión

Las historias cerradas siguen siendo el refugio perfecto para interpretaciones memorables y directores con una visión muy personal.

*Mejor Serie Limitada o Antológica: DTF St. Louis (Ganadora)  

Resto de nominados: All Her Fault, The Beast in Me, Beef, Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette.

*Mejor Actor en Serie Limitada o Película TV: Matthew Rhys (The Beast in Me) (Ganador)

*Mejor Actriz en Serie Limitada o Película TV: Sally Field (Remarkably Bright Creatures) (Ganadora)

*Mejor Actor de Reparto: David Harbour (DTF St. Louis) (Ganador)

*Mejor Actriz de Reparto: Linda Cardellini (DTF St. Louis) (Ganadora)

 

Otros galardones destacados

*Mejor Reality de Competición: The Traitors

*Mejor Programa de Variedades: The Late Show with Stephen Colbert

*Mejor película televisiva: Remarkably Bright Creatures

*Mejor actriz invitada en una serie dramática: Shailene Woodley (Paradise)

*Mejor actor invitado en una serie dramática: Ernest Harden Jr. (The Pitt)

*Mejor actor invitado en una serie de comedia: Rob Reiner (The Bear)

*Mejor actriz invitada en una serie de comedia: Betty Gilpin (Widow’s Bay)

Una lista que deja claro que la pequeña pantalla sigue encontrando joyas capaces de sorprendernos, emocionarnos y darnos tema de conversación para semanas. Otro año más de los Premios Emmy.

Un saludo y sed felices.

20 años de paciencia y tecnología punta. Duncan Jones nos desvela los secretos de la esperada película de Rogue Trooper

Mario Losada
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20 años de paciencia y tecnología punta. Duncan Jones nos desvela los secretos de la esperada película de Rogue Trooper

El director Duncan Jones (Moon, Warcraft) vuelve a estar en el epicentro de la actualidad friki tras hablar largo y tendido sobre el brutal proceso técnico que ha requerido dar vida a una de las adaptaciones comiqueras más locas de los últimos tiempos, Rogue Trooper.

Una de las cosas más locas gira en torno a los pormenores del rodaje y la producción de Rogue Trooper, la ambiciosa película animada basada en la mítica tira de los cómics británicos 2000 AD (la misma cuna legendaria de donde salió el mismísimo Judge Dredd).

Una odisea tecnológica de cuatro años y un amor de dos décadas

Lo que pocos sabían es que la fijación de Duncan Jones con este personaje viene de muy lejos. Tal y como ha confesado el propio cineasta aprovechando su paso por los festivales de cine, lleva intentando adaptar este tebeo desde hace más de 20 años (llegó a reunirse con los creadores originales en 2001 con cresta incluida antes de ser director de fama mundial).

Para hacer realidad este universo ciberpunk bélico, Jones ha apostado por una mezcla revolucionaria de captura de movimiento con actores reales, animación tradicional a mano y el uso intensivo de Unreal Engine 5. Sin embargo, el camino no fue un camino de rosas digital. El director reconoció que tuvieron que sacar el proyecto a mitad de desarrollo del motor gráfico de Epic Games para pasar por herramientas más tradicionales como Maya, ya que el aspecto inicial cantaba demasiado a videojuego y buscaban un acabado cinematográfico único y orgánico.

Reseña de Rogue Trooper: El Valle de las Heridas. El toque de Garth Ennis a uno de nuestros títulos favoritos de 2000 AD.

De las páginas de 2000 AD a la gran pantalla

Para los despistados que no conozcan la fuente original, el cómic de Rogue Trooper (creado originalmente por Gerry Finley-Day y el legendario dibujante Dave Gibbons de Watchmen) nos sitúa en el planeta tóxico Nu-Earth, en medio de una guerra perpetua entre dos facciones, los Norts y los Southers. La trama sigue a 19, un soldado genéticamente modificado (Infantería Genética) que sobrevive de milagro a una emboscada mortal.

¿Lo más demencial y brillante del concepto? Que sus tres compañeros caídos en combate siguen «vivos» gracias a unos biochips de personalidad integrados en su fusil, su casco y su mochila, dándole conversación continua en plena línea de fuego mientras busca venganza contra el traidor que vendió a su pelotón. Todo ello aderezado por un reparto vocal de auténtico lujo que incluye a Aneurin Barnard, Hayley Atwell, Sean Bean y Matt Berry.

Buscando su hueco en salas

Tras su paso con buenas vibraciones por circuitos de festivales como Annecy y el Festival de Toronto (TIFF), el gran objetivo del director ahora es amarrar una buena distribución en salas de cine de la mano del público antes de dar el salto al streaming. Una propuesta sin filtros, cínica, macarra y profundamente británica que promete hacer las delicias de los amantes de la ciencia ficción con personalidad.

¿Conocíais el cómic de Rogue Trooper? Es un cómic británico mítico perpetrado en la revista 2000 AD. Espero que la película esté a la altura.

Un saludo y sed felices.

«No hago películas aburridas de DC». Zack Snyder rompe su silencio y explica su radical visión de los superhéroes

Mario Losada
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«No hago películas aburridas de DC». Zack Snyder rompe su silencio y explica su radical visión de los superhéroes

Echando un vistazo a las noticias aparecidas en el otro lado del charco, nos topamos con otro de esos debates marca de la casa que consiguen incendiar las redes sociales en cuestión de minutos. El director Zack Snyder rompe su silencio y vuelve a estar en el epicentro de la actualidad para todos los amantes del cine y de los cómics, tras unas declaraciones en las que se moja, y mucho, sobre su etapa en el universo cinematográfico de DC y el motivo por el que sus películas nunca pasaron desapercibidas.

La gran comidilla de los foros especializados gira en torno a la contundente reflexión del cineasta sobre su forma de entender el cine de superhéroes, defendiendo a capa y espada que su mayor pecado (o su mayor virtud, según se mire) fue negarse por completo a entregar productos comerciales moldeados en serie o «aburridos».

Especial Zack Snyder La Liga de la Justicia | Liga de la Justicia (2021) [Con Spoilers]

El coste de arriesgar con iconos de 300 millones de dólares

Durante su última intervención pública repasando su filmografía, Snyder abordó el desgaste y la polarización que generaron propuestas tan densas, oscuras y de autor como El hombre de acero, Batman v Superman: El amanecer de la justicia o el mismísimo Snyder Cut de La Liga de la Justicia (unos proyectos que, por cierto, ya analizamos largo y tendido en nuestros especiales sobre el impacto de su universo fílmico y el eterno debate del Snyderverse en la web).

El director dejó caer que, cuando manejas presupuestos mastodónticos, lo más fácil y seguro para los grandes estudios es apostar por fórmulas previsibles y narrativas planas donde nadie se arriesgue a salir de la zona de confort. Sin embargo, su filosofía creativa siempre ha ido por derroteros completamente opuestos, si vas a volcar mitología moderna en la gran pantalla, la experiencia tiene que ser visceral, grandilocuente, visualmente arriesgada y capaz de generar debate (o controversia directa) en el espectador. O lo amas, o lo odias, pero nunca te deja indiferente.

Zack Snyder rompe su silencio

La sombra del Snyderverse sigue muy alargada

A pesar de que su etapa al frente de los planes principales de Warner Bros. quedó atrás hace tiempo, la comunidad de seguidores sigue recordando con nostalgia aquella época en la que cada fotograma parecía sacado de una novela gráfica de Frank Miller o de un cuadro barroco. Sigo recordando como visualmente la película 300 impactó de una forma brutal en todos aquellos que fuimos al cine por aquella época.

¿Qué opináis de la postura de Zack Snyder? ¿Realmente era un adelantado a su tiempo y no le entendimos? ¿Su cine arriesgaba en una sociedad más plana con los conceptos del UCM? ¿Nunca llegó a calar DC en los fans? ¿Qué pasó con el Snyderverse?

Un saludo y sed felices.

Resident Alien: ¿Por qué esta comedia alienígena debería ser tu próximo maratón?

Lucia Hernández
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Resident Alien: ¿Por qué esta comedia alienígena debería ser tu próximo maratón?

Si estás un poco cansado de los dramas intensos de siempre o de las series de ciencia ficción que se toman demasiado en serio a sí mismas, en este artículo te propongo algo diferente para ver. Hay una joya oculta que lleva un tiempo ganándose el corazón de la crítica y del público a base de humor negro, gamberrismo y un carisma abrumador. Te hablo de Resident Alien, una comedia que parte de una premisa repetida pero que consigue darle una vuelta de tuerca completamente fresca, adictiva y muy divertida.

La trama es sencilla: un extraterrestre aterriza forzosamente en un pequeño y nevado pueblo de Colorado con una misión muy clara: destruir a la humanidad. El problema es que, al perder su nave y su dispositivo de exterminio en el accidente, no le queda más remedio que camuflarse entre los lugareños adoptando la identidad de Harry Vanderspeigle, un médico forense que vivía aislado en una cabaña.

Lo que iba a ser una misión rápida se le acaba complicando de mala manera cuando el pueblo requiere sus servicios médicos, obligándole a interactuar con unos humanos que, para su desgracia, empieza a encontrar bastante interesantes.

Si todavía necesitas un empujón para darle al play, aquí tienes las razones definitivas por las que debes empezar a ver Resident Alien hoy mismo.

¿Por qué todo el mundo debería ver Spartacus (2010-2013)?

1. El recital absoluto de Alan Tudyk

La serie no funcionaría ni la mitad de bien sin su protagonista. Alan Tudyk nos regala una de las mejores interpretaciones cómicas de la televisión reciente. Su lenguaje corporal, las expresiones faciales forzadas para «parecer humano» y su risa desquiciada son una auténtica obra de arte. Tudyk consigue que empatices con un ser que, textualmente, desprecia nuestra especie y quiere borrarnos del mapa. Verle aprender a sonreír, comer pizza por primera vez o intentar modular la voz como si fuera un habitante normal del pueblo es un espectáculo que justifica por sí solo el visionado.

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Lo fascinante de su actuación es cómo logra transmitir constantemente la idea de que hay un ser viscoso y reptiliano controlando un cuerpo humano como si fuera una marioneta rota. Cada paso que da, cada parpadeo a destiempo y su obsesión por imitar lo que ve en las series de televisión (especialmente en Ley y orden) añaden una capa de comedia física brillante. Tudyk maneja los silencios incómodos como nadie, convirtiendo escenas cotidianas como una simple consulta médica en un festival de muecas y malentendidos que te obligan a rebobinar para volver a reírte.

2. El humor negro y el choque cultural

La serie brilla con luz propia cuando explota el absoluto desconocimiento de Harry sobre las normas sociales humanas. Su voz en off analiza nuestro comportamiento como si fuéramos un experimento de laboratorio ridículo y sus interacciones están llenas de una honestidad brutal e incómoda. El guion maneja un humor negrísimo que nunca cae en la crueldad gratuita, equilibrando los momentos de carcajada limpia con situaciones verdaderamente disparatadas.

Resident Alien

Este choque cultural se convierte en una sátira maravillosa sobre las contradicciones de nuestra sociedad. Harry no entiende la cortesía, la hipocresía social ni los tabúes, lo que le lleva a decir verdades incómodas a los pacientes con total frialdad o a celebrar con un entusiasmo desmedido cosas tan mundanas como el sabor del café industrial. La genialidad del guion radica en que, mientras el alienígena se burla de lo estúpidos que somos, el espectador no puede evitar darle la razón en más de una ocasión, logrando un humor inteligente que va más allá del simple chiste de ‘pez fuera del agua’.

3. Un reparto de secundarios que roba escenas

Aunque Harry es el centro de gravedad, el pueblo de Patience (Colorado) está repleto de personajes con capas, rarezas y muchísima personalidad. Desde Asta Twelvetrees (Sara Tomko), la enfermera clínica que se convierte en el ancla emocional de Harry hasta la desternillante y caótica ayudante del sheriff, Liv Baker (Elizabeth Bowen), o el peculiar alcalde Ben Hawthorne (Levi Fiehler). Ningún secundario está de relleno; todos aportan subtramas interesantes que enriquecen el universo de la serie.

Lo mejor es que estos habitantes no son meros trampolines para los chistes del protagonista; tienen sus propios arcos dramáticos y una evolución dentro de la serie. Las dinámicas entre ellos son oro puro, especialmente la entrañable e hilarante relación entre el arrogante sheriff Mike (que exige que le llamen «Big Black») y su infravalorada ayudante Liv, cuyas intuiciones policiales siempre van diez pasos por delante de las de su jefe. Esta coralidad hace que Patience se sienta como un lugar real, un micromundo donde querrías quedarte a vivir a pesar de que hay un extraterrestre planeando una extinción masiva en los alrededores.

4. La relación con Max

Uno de los puntos más brillantes y divertidos de la trama es la relación de Harry con Max (Judá Prehn), un niño de diez años que resulta ser la única persona en todo el pueblo capaz de ver su verdadera forma alienígena a través del camuflaje molecular. Los enfrentamientos entre un alienígena milenario con tecnología destructiva y un crío de primaria atrapado en su habitación dan pie a algunos de los momentos más memorables de la serie. Su dinámica de «odio mutuo» es pura comedia.

Resident Alien

Lo divertido de esta guerra fría infantil es que Harry se rebaja por completo al nivel madurativo del niño. En lugar de usar súper tecnología para deshacerse de él, recurre a madrugar para colarse en su cuarto, insultarle con saña infantil o sabotearle la bicicleta. Max, por su parte, demuestra una valentía desternillante al plantarle cara a un monstruo espacial que le dobla el tamaño, aliándose con su inteligente amiga Sahar para desmontar los planes de Harry. Las escenas en las que ambos discuten y se lanzan pullas cara a cara son, sin duda, de lo más estimulante y adictivo de cada temporada.

5. Es mucho más que una simple comedia

Aunque te vas a reír a carcajadas, Resident Alien no es una sitcom plana de chistes fáciles. Detrás de los gags de extraterrestres hay un misterio central (el asesinato del anterior médico del pueblo), intrigas gubernamentales persiguiendo ovnis y, sobre todo, una exploración sorprendentemente tierna y profunda sobre la soledad, el trauma, la amistad y lo que realmente significa ser humano. La serie tiene un corazón enorme que late con fuerza bajo su armadura de ciencia ficción.

A medida que los episodios avanzan, descubrimos que casi todos los personajes arrastran heridas del pasado: relaciones abusivas, adopciones secretas, crisis matrimoniales o el peso de las expectativas familiares. Harry, al verse obligado a convivir con ellos, empieza a experimentar por primera vez emociones complejas como la empatía, la culpa y el duelo, lo que fragmenta su fría mente alienígena. Ese equilibrio tan delicado entre la comedia absurda de ciencia ficción y el drama humano más genuino, es lo que eleva a la serie y la convierte en una obra redonda que te atrapa el corazón.

Conclusión: Una apuesta segura para tu lista de pendientes

En resumen, Resident Alien es una de esas raras avis televisivas que logra equilibrar la comedia pura, la tensión del suspense y la calidez emocional sin despeinarse. Es ingeniosa, visualmente interesante y tiene un ritmo que hace que los episodios se te pasen volando. Si buscas una serie original, con personalidad propia y que te deje con una sonrisa en la boca al final de cada capítulo, dale una oportunidad a Harry y su disfuncional misión en la Tierra. No te vas a arrepentir.

Además, en un panorama donde las ficciones de ciencia ficción suelen caer en futuros distópicos deprimentes o tramas tan enrevesadas que necesitas un manual para entenderlas, se agradece muchísimo una propuesta que simplemente abrace la diversión inteligente. Es la opción ideal para devorar el fin de semana, de esas que te reconcilian con el formato televisivo y te recuerdan que todavía se pueden hacer historias originales sin perder el sentido del humor.

Así que ya sabes, dale una oportunidad al bueno de Harry antes de que decida apretar el botón de destrucción masiva; te aseguramos que Patience y sus locos habitantes te van a robar el corazón.

Un saludo, y sed felices.

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 4. Episodio 8

Rodolfo Del Bene
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Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 4. Episodio 8

A solo dos episodios del final de la cuarta temporada, analizamos el octavo episodio de Star Trek: Strange New Worlds que lleva por título Órdenes de Magnitud.  Creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, la serie puede ser viste en España a través de Skyshowtime y en América Latina por Paramount+.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. De nuevo aquí para analizar un nuevo episodio de Star Trek: Strange New Worlds y nos toca en este caso el octavo, significando ello que estamos ya a solo dos de finalizar la cuarta temporada para luego esperar por los seis que compondrán la quinta y última.

Una entrega menos heterodoxa que las anteriores, pero muy intensa y emotiva, además de ir marcando cada vez más decididamente el camino por el cual James T. Kirk acabará haciéndose cargo de la Enterprise tras la forzosa (y triste) salida del capitán Pike. Como tal, y ya desde la bitácora misma, se trata justamente de un capítulo en el cual Kirk ocupa un lugar central que es anticipatorio del que acabará teniendo.

Pero vayamos mejor a ver qué nos ha dejado el episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordarles que pueden leer en esta web los análisis previos, tanto de esta como de otras series y películas de esta maravillosa franquicia que, hace apenas días, cumplió sesenta años.

. Análisis de Star Trek: Strange New Worlds

. Análisis de Star Trek: La Serie Original (1966-69, a sesenta años del nacimiento de la franquicia.

. Análisis de Star Trek: Discovery

. Análisis de Star Trek: Picard

. Análisis de Star Trek: Starfleet Academy

. Análisis de Star Trek: Voyager, a treinta años de su estreno

. Análisis de Star Trek: Lower Decks

. Análisis de Star Trek: Prodigy

. Crítica de Star Trek: Sección 31

Señal de Auxilio y Nave Fantasma

Como antes hemos dicho, esta vez la bitácora inicial está a cargo de James Kirk, quien nos cuenta que, en su camino de regreso a la Farragut, ha recalado en la Enterprise para hacerse un chequeo médico, en realidad excusa para ver a La’an tras aquella historia que les quedara pendiente.

En ese momento, se hallan orbitando una luna sin nombre a la cual Pike ha bajado acompañado por un grupo de desembarco íntegramente femenino compuesto por Una, Uhura, Chapel y la cadete vulcana A´Sha.

El motivo es una débil señal de auxilio proveniente de una cueva que, al llegar, encuentran flanqueada por grandes estructuras cristalinas. Al comprobar que no tendrán comunicación ni transporte una vez dentro, informan a la Enterprise que no habrá contacto por una hora.

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A bordo de la misma, Kirk se alegra cuando M´Benga le cuenta que La’an no ha salido en misión, pero el sentir no es recíproco al ser anoticiada ella por Ortegas de que él está a bordo: hasta se arrepiente de no haberse sumado al grupo de desembarco…

Una lanzadera llega súbitamente y con ella el almirante Simon Reeger (Joe Morton), leyenda viviente y héroe de guerra por sus acciones contra los klingon a bordo de la nave Constitution.

Recibido protocolarmente y puesto al tanto de que Pike se halla en misión, informa que necesita la Enterprise para dar caza a una nave misteriosa que, usando un desconocido sistema de camuflaje, viene de llevar a cabo en la colonia de Vaardan una masacre que se cobró las vidas de cinco millones de personas.

Asume el mando de la nave y, al ser informado de que también Una se halla con el grupo de desembarco y no hay por lo tanto primer oficial, pregunta por el siguiente en jerarquía y la cosa recae en Spock, pero la presencia circunstancial de James Kirk cambia todo por detentar un rango superior al del vulcano…

Reeger ordena abandonar la órbita y salir en persecución de la nave, pero Kirk, en su flamante condición de primer oficial interino, cuestiona el dejar abandonado al capitán. El almirante, sin embargo, mantiene la orden argumentando que no hay tiempo para esperarlo, aunque termina aceptando dejar una boya de comunicaciones.

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En privado, sin embargo, recrimina después a Kirk el haberle cuestionado y le confiesa que escuchar su apellido le hizo dudar, pues combatió junto a su padre George, de quien destaca su capacidad diplomática pero no su comportamiento en combate, comentario que deja anonadado a Jim.

Contrabandistas

En la luna sin nombre, Pike y su gente ingresan a la cueva y encuentran un transmisor de la Federación, pero también elementos tecnológicos de distintas culturas. Es una trampa: contrabandistas andorianos les han hecho ir allí y comienza un cruce de disparos que acaba con el grupo capturado.

El líder quiere los códigos de transferencia de la Federación para transportar lo que allí tienen, pero Pike se niega a dárselos, así que, para estupor del grupo, el alienígena toma uno de los cristales de la cueva y se lo clava a A´Sha, anunciando que solo permitirá ir en busca de los elementos médicos necesarios si le pasan los códigos requeridos. Pike se mantiene en la negativa, pero Uhura se siente responsable por la vulcana y, viéndola sufrir, se ofrece a configurar el transmisor…

Medidas Extremas

En la Enterprise, Kirk descubre que tanto la esposa como las hijas de Reeger fallecieron en la masacre de Vaanar, lo que hace evidente que tiene algo personal en el asunto. Va pues a verlo a M´Benga, que lo conoce desde los tiempos de la guerra y ha estado a su servicio. Quiere saber qué tan posible es relegarlo del mando por insania mental y emocional, pero el jefe médico dice que no se puede dar un diagnóstico por la sola presunción de que esté enceguecido por vengarse.

El rastro seguido, entretanto, los lleva a un planeta por fuera de la Federación que se llama Argus 2. Los choques entre Reeger y Kirk continúan, pues cuando este último quiere dar aviso a la Flota, el almirante se niega rotundamente porque quiere mantener silencio radial.

Un problema extra se genera al aparecer un carguero neutral. Antes de que sean detectados, y para no correr riesgos, Reeger ordena arrojarle un torpedo y Kirk se horroriza, pues si bien el plan es solo golpear e inutilizar motores y sistemas de comunicación, no hay garantía de que el carguero no acabe destruido por completo. Las cosas, desde luego, terminan haciéndose a la manera de Reeger y, por suerte, tienen éxito en golpear sin destruir. Pero lo peor aún no ha llegado…

La nave ha ingresado en la atmósfera de Argus 2 y Reeger da por descontado que el planeta es una base de los responsables de la masacre. Como no hay forma de saber en dónde se han posado específicamente, invoca la Orden General 24 para casos extremos y dispone arrasar la superficie completa a pesar de los más de cinco mil que allí viven.

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Para hacerlo, pretende recargar los faseres a través del motor warp, lo cual tendría un efecto devastador, pero Kirk no está dispuesto a avalar semejante asesinato masivo y se escabulle para enviar de todas formas a la Flota el mensaje que Reeger le ha negado, a la vez que va a ver a Scotty para preguntarle cómo reconfigurar los faseres no estando en el puente. Pero el mensaje acaba interceptado antes de salir y Kirk desplazado por Reegel de su puesto en favor de Spock, además de arrestado por insubordinación.

Mientras es llevado por La’an, Kirk intenta hacerla recapacitar sobre lo que están haciendo, pero ella se mantiene firme en su postura de seguir las órdenes. Cuando él le hace un comentario sobre el reloj que lleva (recuerdo de aquella historia compartida en otra línea temporal), aprovecha la distracción para arrebatarle el faser y dejarla aturdida…

Trampa contra Trampa

En la luna sin nombre, Uhura reconfigura el transmisor mientras intenta hacer entrar en razones al líder de los contrabandistas, pero este odia a los humanos, habiendo sido en el pasado parte de la Flota y expulsado. Ella le cuenta que tuvo un amigo andoriano e, invocando el juramente de honor de su especie, le hace comprometer su palabra de que les permitirá curar a A’sha e irse en paz una vez que obtenga lo que quiere.

Pero al poner el transmisor en funcionamiento, el mismo emite un sonido penetrante que afecta solo a los andorianos y, aprovechando el momento, Uhura golpea a uno de ellos y se hace de su arma. Hay golpes e intercambios de disparos, pero cuando Uhura se halla en el suelo y ya a merced del líder, un disparo suyo contra el techo de la cueva provoca un desmoronamiento de cristales que lo acaba sepultando. Tras ello, acude a liberar a sus compañeros y Chapel logra, finalmente, salvar a A´Sha…

El Velo de la Mentira

En la Enterprise, Kirk se dirige a la enfermería e investiga por su cuenta y sin autorización los informes médicos de Reeger, enterándose así que sufrió un traumatismo cerebral al comienzo de la batalla de Zeta Reticuli y, sin embargo, condujo la misma en ese estado. Al llegar M´Benga, se molesta de que ande hurgando informes confidenciales, pero Kirk está aún más irritado de saber que se permitió a Reeger conducir una batalla en las condiciones en que se hallaba…

Va después a ingeniería en busca de Samuel y coincide con su hermano en lo sugerente de que su padre fuera desplazado después de la batalla y Reeger ascendido. Pero además, Samuel le muestra a Kirk el registro de mensajes que George enviara después de aquello y terminan de confirmar que fue él y no Reeger quien llevó a la victoria en Zeta Reticuli, lo que evidencia que cambió las bitácoras para adjudicarse todo el mérito. Kirk necesita que su hermano le haga un favor…

Diagnóstico de Incapacidad

Ya recuperada y acompañada por dos oficiales, La’an es enviada a buscar a Kirk siguiendo sus señales biométricas, que conducen a ingeniería. Pero el Kirk que allí encuentran no es el que esperan, sino Samuel, que luce un golpe en el ojo. James se ha dirigido al sector de los faseres y allí lo encuentran los escaneos, siendo transportado de inmediato al puente de mando en un estado calamitoso por la radiación.

Creyendo haber frustrado el sabotaje, Reeger ordena el ataque contra Argus 2, pero Kirk anoticia que reconfiguró los faseres de tal forma que se destruirá la Enterprise si los utilizan. Reeger exige pues los códigos y Kirk, obviamente, no se los da, haciendo ello que el almirante se ponga cada vez más desquiciado, a los gritos e incluso golpeando a Kirk bajo la incrédula mirada del resto.

M´Benga le anuncia entonces que, haciendo uso de la facultad que como jefe médico le corresponde, lo releva del mando por mentalmente inapto. Reeger no entiende qué le está pasando: dice desconocer sus propias reacciones y acusa a Kirk de haberlo drogado, pero M´Benga se interpone endilgándose la culpa de haberlo hecho…

El ataque, pues, no se produce y la Enterprise regresa a rescatar a Pike y su grupo de desembarco. De la nave misteriosa no hay noticias y, por lo que se sabe, ya ha dejado Argus 2 con destino a las fronteras del imperio romulano.

En enfermería, Kirk se recupera de la radiación y A’Sha de su herida pero, para sorpresa de Uhura, la muchacha vulcana manifiesta que la experiencia le sirvió para entender que la Flota no es su lugar. En su condición de mentora, Uhura lo toma como un fracaso, pero Pike busca hacerle entender que a veces las cosas pueden no salir como uno esperaba a pesar de haber hecho todo bien. No solo eso: la anoticia además de que, debido al valor mostrado en los recientes sucesos, es ascendida a teniente grado junior.

Kirk, mientras tanto, no puede aceptar que M´Benga se eche la culpa de lo que ha hecho él, es decir drogar a Reeger para que perdiera el juicio y fuera más fácil removerlo. Sabe que algo como eso podría dejarlo fuera de la Enterprise, pero el jefe médico ya parece resignado. Además, le cuenta que siempre supo la historia de su padre en la batalla, pero que este no quiso en su momento, y por el bien e integridad de la Flota, arruinar la reputación de héroe que Reeger se había ganado: un héroe ficticio, pero necesario para la unidad.

James habla luego con Samuel y reflexionan acerca de la imagen equivocada que siempre tuvieron de su padre…

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Balance del Episodio

Después de varias entregas en las que SNW jugó a los habituales guiños con otros géneros, nos encontramos con un episodio bien clásico de Star Trek con persecución espacial, malos almirantes (lo que en la franquicia se suele llamar “badmiral”) y dilemas éticos de difícil resolución o ambiguas respuestas.

De hecho, el capítulo deja más de un camino abierto hacia la serie original como el despunte del liderazgo de Kirk, el ascenso de Uhura y, por supuesto, los inminentes alejamientos de La’an y M´Benga o el ya virtual de A´sha. Una pena que hayamos visto a la cadete vulcana tan poco cuando empezaba a caerme bien; podrían al menos haber esperado hasta la siguiente temporada pero bueno, ya está…

Y ya que hablamos de la serie original, el episodio establece claro puente con El Equibrio del Terror (01×08), uno de los mejores y más icónicos de la franquicia. La trama de la “nave invisible” remite inevitablemente y la referencia de que terminó escapando hacia los límites del Imperio Romulano despeja prácticamente cualquier duda.

Un acierto, en ese sentido, el no mostrar a los romulanos ni hacerles interactuar con la tripulación de la Enterprise, pues se supone que no se conocerán hasta entonces. Por un momento temí que estuviéramos yendo hacia un despropósito semejante al de la franquicia Alien, que le hizo perder a la Nostromo su carácter de primer escenario para el encuentro con los xenomorfos. Gran alivio que no haya sido así y saber que humanos y romulanos se terminarán conociendo en El Equlibrio del Terror, como debe ser…

Reeger es uno de esos “malos almirantes” que cada tanto aparecen en la franquicia, pero que hacía rato no veíamos. Y qué bueno ver en el mundo trekkie a Joe Morton después de haberlo visto como el doctor Dyson en Terminator 2: El Juicio Final (1991, aquí nuestro retro-análisis) o el doctor Hamilton en la serie Smallville (aquí análisis de un servidor). Ha entregado un desempeño formidable y una gran interacción con Kirk, a lo que ha colaborado también la buena labor de Paul Wesley.

El capítulo, además, tiene algo de homenaje a las historias de submarinos y, particularmente, a Marea Roja (aquí retro-análisis de un servidor), pues el eje está puesto en el conflicto moral y el duelo verbal entre los antes mencionados del mismo modo que allí ocurría entre Ramsey (Gene Hackman) y Hunter (Denzel Washington). Y el punto de la álgida discusión es básicamente el mismo: disparar o esperar…

Se trata, desde luego, de un debate para nada ajeno a la franquicia, pero que excede a la misma y a quienes en este caso lo protagonizan. ¿Hasta qué punto se debe seguir una orden que se considera injusta o directamente genocida? ¿Y hasta dónde se deben cuidar las formas o jugar limpio cuando de la otra parte hay abuso de autoridad?

El propio Kirk ha incurrido en un acto antiético (pero necesario) al echarle a Reeger la droga en el café, como también M’Benga al cubrirlo y atenerse a las consecuencias, pues está claro que sus días en la Enterprise están terminando más allá de un par de apariciones que el personaje tendrá después en la serie original.

Y la cordrazina, aquí utilizada, es la misma droga que se inyecta accidentalmente McCoy en el ya legendario episodio La Ciudad al Fin de la Eternidad (01×28), llevándole ello a cruzar el portal del espacio y el tiempo para provocar desmadres en la década de los treinta. Volvió incluso a ser mencionada otras veces en la franquicia y, como curioso crossover, también en la serie Misión Imposible, que compartía productores y estudios de grabación con la original de Star Trek.

Lo más flojo del episodio ha sido sin duda la trama lunar, algo superflua y bastante torpe en su resolución. Poco convincente lo de Uhura en plan de heroína de acción y suerte la suya de que los cristales hayan decidido caer sobre el líder andoriano y no sobre ella.

Perfectamente esa sutrama podría no haber estado, salvo por el hecho, claro, de justificar la ausencia de Pike en la Enterprise, aunque resulta bastante inverosímil que tanto capitán como primer oficial se ausentaran juntos. También se puede decir que sirvió para el ascenso final de Uhura, lo que sí creo que nos emocionó a todos.

En definitiva, un gran capítulo más allá de algún bache argumental o de que sus dos tramas no hayan estado a la misma altura. Y por muy bien que lo paso cuando la serie juega a atravesar distintos géneros o busca la parodia, creo que era necesario un episodio que volviera al tronco principal cuando faltan tan pocos para terminar la temporada e incluso la serie. Sí, la cuenta no falla. Nos quedan solo ocho episodios de Star Trek: Strange New Worlds y vaya si duele…

A ver, por lo pronto, qué nos trae el próximo. Hasta entonces y sean felices…

Predator contra el Universo Marvel: Repaso a las distintas miniseries

Carlos María Porras Castaños
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Predator contra el Universo Marvel: Repaso a las distintas miniseries

Hace dos años y medio llegaba a nuestras tiendas especializadas «Predator versus Lobezno», una serie limitada de cuatro números con los que Marvel y Fox daban carta de presentación a los Yautja en el mundo de Marvel. La compra de 20th Century Fox por parte de Disney hizo posible que Marvel Comics obtuviera los derechos de la franquicia de Depredador para publicar nuevos cómics y crossovers oficiales y este Depredador versus Lobezno abría la veda.

Predator versus Lobezno

Lo mejor es el ritmo, a lo largo de los cuatro números el enfrentamiento entre ambos personajes es continuo. Además el guion juega con que cada número representa una época distinta, por lo que la caza le lleva al Depredador un buen tiempo. Esto también sirve para que veamos a distintas versiones reconocibles del mutante Lobezno. Así en el primer número el enfrentamiento tiene lugar en Alaska a principios del siglo XX en un entorno nevado. En el segundo número Lobezno está en el grupo de Equipo X junto a Dientes de Sable. En esta ocasión en la selva sudamericana. En el tercero, estamos con un Lobezno Arma X, con Madripur y Japón como escenarios para acabar con un cuarto número en el que la acción se traslada por fin al presente en la naturaleza salvaje de Canadá.

Sin duda una serie limitada muy entretenida donde lo negativo radica en la parte artística, cuyo dibujo sin estar mal no es nada espectacular para los personajes que tiene en manos, siendo sangrante el caso del Yautja, muy descafeinado representado en el cómic.

Lobezno vs Predator

Nota del cómic: 6,5

Guion: 6

Dibujo: 5,5

EN CF: PREDATOR VERSUS LOBEZNO

Predator versus Pantera Negra

Posteriormente nos llegaría la serie Depredador contra Pantera Negra que enfrenta a los cazadores Yautja contra la nación de Wakanda y su rey. La premisa era bien sencilla y tenía buen punto de partida, un joven Depredador busca demostrar su valía y viaja a la Tierra atraído por el recurso más valioso de Wakanda: el vibranium. Son cuatro números de pura acción y de descarado fan service que yo compro. A mi ya con estas dos miniseries me tenía ganado, pese al gran hándicap que vuelve a ser un apartado gráfico a todas luces flojo.

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Nota del cómic: 6,5

Guion: 6

Dibujo: 5,5

Predator versus Spiderman

Y llegamos la que para mí ha sido la mejor de las cuatro series limitadas, Predator vs Spiderman. Es puro espectáculo. La historia transcurre durante una ola de calor asfixiante que sumerge a Nueva York en el caos y nos presenta a un Yautja renegado llamado Skinner, que no sigue ningún código de honor de su clan y que actúa como un asesino en serie en la ciudad. Un grupo de depredadores llega a Nueva York para eliminar a Skinner y la cosa se complica más cuando hace aparición un espectacular Kraven el Cazador que busca capturar a la criatura. Sin duda Kraven roba el show y se convierte en lo mejor del cómic.

Para ser una historia de Spiderman me ha llamado especialmente la atención lo violento y gore que es este cómic. Y por fin tenemos un apartado gráfico mucho mejor gracias a Marcelo Ferreira que nos presenta un estilo muy dinámico y con ese toque lúgubre que pide la historia. Sin duda, y vuelvo a decirlo, la mejor de las cuatro series limitadas.

Predator

Nota del cómic: 7,5

Guion: 7

Dibujo: 7

Predator mata al Universo Marvel

Llegamos al final con Predator mata al Universo Marvel. Se nota que ha habido un único guionista a lo largo de las cuatro series limitadas, Benjamin Percy. Aquí aúna las anteriores historias convirtiendo este cómic en una especie de batalla final. Así nos encontramos con un Rey Depredador que tiene un nuevo arsenal fabricado con vibranium (conseguido en la segunda serie limitada). Además este Rey cuenta con un apoyo humano que resultará vital en el desarrollo de la histora, Kraven el Cazador, proveniente de la historia de Predator versus Spiderman. Así los Yautja inician una invasión total para convertir la Tierra en su coto de caza definitivo.

Esto ya es un despiporre, veremos a superhéroes marvel mutilados y masacrados de mil maneras. Cosas de salirse de la continuidad que da pie a que Percy se de este tipo de festín. Veremos a nuestros héroes sufrir la peor de las calamidades. Ojo a ese Depredador enfundado con la casaca de Punisher.

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Nota del cómic: 7,5

Guion: 7

Dibujo: 7

Valoración final

Reconozco que he disfrutado mucho estas series limitadas. Son muy tontorronas y muy fiesteras de la destrucción y me lo paso muy bien con ellas, resultando unas lecturas fáciles. Así que las recomiendo a poco que os gusten las dos franquicias.

Por otro lado también estoy siguiendo los crossover de Aliens VS Marvel, de momento con dos series limitadas en el mercado, Aliens vs Vengadores y Aliens vs Capitán América, a diferencia de las de Depredador estas son independientes lo que resta esa intensidad que vemos en las dos últimas series limitadas de Depredador.  Pronto saldrá Aliens vs X-Men. En cuanto acabe los Aliens vs Marvel os traeré también mi valoración global de los crossovers.

Un saludo y sed felices

Retro-Análisis: Vivir (1952). Kurosawa nos regala su carpe diem particular

JordiCD
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Retro-Análisis: Vivir (1952). Kurosawa nos regala su carpe diem particular

Kurosawa nos regala su carpe diem particular a través de Vivir (Ikiru en su título original) la historia de Kanji Watanabe (Takashi Shimura) un funcionario con más de 30 años de experiencia al cual un movimiento del destino le hará plantearse su vida en conjunto.

De qué trata Vivir

Al comienzo de la película Watanabe se nos presenta como un hombre atrapado por la rutina. Lleva muchos años trabajando en una oficina municipal y pasando documentos entre departamentos sin abordar realmente los problemas de sus conciudadanos. Es un simple resorte de un sistema lleno de burocracia e ineficaz como pocos.

Todo su mundo se tambalea cuando en una visita al médico descubre que está enfermo y le quedan pocos meses de vida. A partir de ese momento, Watanabe debe decidir si seguir palideciendo hasta que su destino lo alcance o cambiar su vida de forma radical.

Los temas que trata Vivir y los aspectos que la hacen tan especial

El primer tema que asoma tan pronto comienza la película es el de la burocracia administrativa.  Una que va sumiendo a los ciudadanos en un laberinto de departamentos a los que presentar nuestras quejas, nuestros requerimientos, pero a la vez la forma más simple de conseguir que realmente nada ocurra. Esa es la función que tiene Watanabe y los demás compañeros de trabajo. Encauzar a la plebe hacia los lugares en los que sus plegarias quedan desesperadamente ahogadas en un mar de excusas.

La crítica social (habitual en la filmografía de Kurosawa) es el tema principal que nos presenta Vivir. También el cambio personal y el dilema moral que se nos presenta cuando algo que no esperamos golpea nuestra existencia. Una enfermedad, y aparte terminal…

Qué hacer con el tiempo que queda, pensar en vivir la vida de manera distinta a la que hemos elegido, buscar dejar a los familiares nuestro esfuerzo en forma de ahorros o tal vez pensar en aprovechar hasta el último instante que nos queda tratando de ser felices.

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Ese cambio no llega inmediatamente. Akira Kurosawa nos muestra primero la transformación de Watanabe viendo cómo trata de escapar a su sufrida realidad por medio de distracciones y de vivir la noche hasta las últimas consecuencias.  Una experiencia que le permite conocer un tipo de vida desconocida para él, pero no una solución para su problema.

Posteriormente, conoce a Toyo (Miki Odagiri), una joven empleada de su oficina que le contagia energía, alegría de vivir y que contrasta mucho con la vida que él lleva. Gracias a su interacción con ella, Watanabe comprende que aún puede hacer algo importante con lo que le queda por delante.

Mejorar la vida de los demás. Esa es la conclusión a la que llega Watanabe y que Kurosawa plasma en la película a través del proyecto del parque infantil de un vecindario que lleva reclamando mejoras desde hace tiempo. De hecho, al principio de la película vemos a un grupo de mujeres que presentan a las autoridades sus quejas sobre la salubridad del barrio.

La estructura narrativa es sumamente destacable. Sabemos que Watanabe tiene sus días contados y, para sorpresa del espectador, Kurosawa nos muestra su entierro a mitad de metraje. Lejos de ser algo parecido a un coitus interruptus, desde el momento en que vemos a los diferentes personajes pasar por el sepelio de nuestro protagonista serán ellos quienes nos cuenten la historia del tiempo no visto en pantalla (un subtítulo en pantalla reza que pasaron cinco meses) y qué pasó al final del periodo de cambio de Watanabe.

Desde compañeros de trabajo a responsables políticos de cada departamento, todos nos dan pedazos de las memorias que tuvieron con Kanji. En lugar de optar por una perspectiva donde el propio protagonista nos narre qué piensa sobre su vida, es a través de los compañeros que tuvo a su lado que su figura acaba siendo reconocida como merece. Sus colegas influenciados por sus logros prometen cambiar sus métodos de trabajo pero, como veremos cerca del final, el aparato burocrático sigue su curso sin inmutarse en demasía.

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En el aspecto visual, Kurowawa utiliza recursos efectivos para trasmitirnos el estado emocional de Watanabe. Al principio predominan los espacios cerrados, oficinas y ambientes grises que nos ayudan a entender la realidad en la que vive el Kanji, pero cuando acaba descubriendo cuál es su propósito, la película adquiere una mayor sensación de movimiento y vitalidad.

En medio de este estilo visual que nos enseña cómo cambia el personaje, destacan escenas como la de Watanabe columpiándose bajo la nieve mientras canta una canción en el parque que ha conseguido construir con su esfuerzo, . Es de una emotividad palpable y nos muestra que finalmente ha conseguido la felicidad que buscaba.

En Resumen

Estamos ante una de las mejores películas del genial director japonés, que combina crítica social, drama y reflexión filosófica. Kurosawa consigue que una historia que trata de un simple funcionario acabe siendo una reflexión universal sobre el paso del tiempo y la búsqueda de un propósito. Aunque a alguien con ojos actuales le pueda parecer en algunos momentos una película lenta, debemos entender que justamente esa lentitud es la forma de transmitir la monotonía de la vida de nuestro protagonista.

El mensaje final que nos deja es que no basta con estar vivos, sino que debemos encontrar una razón para sentir que realmente estamos viviendo. Un carpe diem en toda regla pasado por el filtro siempre interesante del maestro Akira Kurosawa.

Os dejamos otro artículo que analiza otra de las grandes obras de Akira Kurosawa, El infierno del odio.

 

El cómic de la semana: Las Hermanas Seasons 1

Juanjo Avilés
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El cómic de la semana: Las Hermanas Seasons 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Las Hermanas Seasons 1.

Hay autores a los que uno se acerca ya con ideas preconcebidas. Rick Remender es uno de ellos. Tras Clase Letal, Ciencia Oscura o Los Sacrificadores, cuesta imaginarle escribiendo algo que no sea áspero, emocionalmente devastador o directamente nihilista. Por eso Las Hermanas Seasons sorprende desde la primera página: es un cómic luminoso, colorido, casi juguetón… pero sin dejar de ser muy, muy Remender. Así que vamos a ver que nos ha parecido esta nueva serie que como viene siendo habitual en el autor, está publicada en nuestro país por Norma Editorial y de la que ya podemos disfrutar de un primer tomo que recoge los cuatro primeros números de la serie original.

El resumen de la editorial es el siguiente: Verano, Invierno, Primavera y Otoño son las hermanas Seasons, hijas de los famosísimos detectives Seasons. Años atrás, sus célebres padres desaparecieron. Obligadas a criarse por sí mismas, esa necesidad creó un vínculo irrompible entre las cuatro. Ahora, ese vínculo es puesto a prueba cuando caen presa de las fuerzas siniestras de una macabra feria circense que esclaviza cada ciudad que visita. La benjamina de las hermanas, Primavera, es la última esperanza viva que queda a la hora de salvar a todos de un destino peor que la muerte. ¿Logrará volver a reunir a su familia y salvar su hogar de una epidemia de egos desatados?

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El tono de la obra recuerda mucho a esa mezcla imposible citada en la promoción: Miyazaki y David Lynch, fantasía y misterio surrealista a la que yo añadiría unas pequeñas gotas de aventura al más puro estilo Indiana Jones. Y es una mezcla que sorprendente funciona. Es curioso como las últimas obras de Remender abrazan la fantasía en faceta más pura y luminosa como en este caso o en Sacrificadores, ofreciendo historias que siguen tratando los temas que le interesan y que elevan el nivel que venia ofreciendo.

En Las Hermanas Seasons la premisa es sencilla y parece sacada de uno de esos cuentos que a todos nos contaban de niños. Lo interesante es cómo Remender utiliza esa estructura casi infantil para hablar de temas muy adultos. La familia a la vez como refugio y como pequeño infierno, la fama como algo a perseguir pero que una vez conseguido no consigue llenar el alma o el ego como virus que lo infecta todo.

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El eje central de la serie es por supuesto la familia, no podía ser de otra manera dadas sus protagonistas y el autor. No hay que olvidar que Remender tiene predilección por las familias rotas. Pero aquí el escritor se acerca a las relaciones familiares desde un punto de vista un poco pesimista ya que las hermanas chocan constantemente, con fuertes discusiones y viejas heridas que salen a flote en el peor momento. Queda por ver si en futuros tomos las Seasons logran dejar atrás ese mal rollo para poder superar los traumas del pasado y enfrentar la amenaza que se cierne sobre ellas.

Porque ese es uno de los principales problemas de este libro, que sirve solo de somera introducción a un mundo y unos personajes que son muy atractivos, pero de los que se saca poca “chicha”. Remender se toma su tiempo, dando a la narración la forma y estructura de un cuento infantil en el que si se escarba un poco se encontrará mucha mala leche. Podemos tomar como ejemplo el primer capítulo, centrado en la persecución de Primavera de una carta que produce múltiples desastres cada vez que se va escapando de sus manos. Pura fabula.

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Después Remender se dedica a presentar a las hermanas protagonistas y mostrarnos los problemas que hay entre ellas. Mientras, una ominosa amenaza que tiene que ver con la desaparición de sus padres va tomando forma. Y nada más. El tomo se lee enseguida y es interesante y divertido, pero deja la sensación de que no ha pasado casi nada.

En el apartado gráfico, Paul Azaceta presenta uno de los mejores trabajos de su carrera. Quien lo recuerde por trabajos anteriores, mucho más oscuros (Paria), puede quedarse descolocado al principio. Aquí su dibujo es dinámico, expresivo y sorprendentemente alegre, sin perder personalidad, aunque abrace influencias europeas y japonesas. Las composiciones son muy originales y están llenas de movimiento, los personajes casi saltan de la página y la feria circense es un despliegue constante de imaginación visual y de mal rollo a la vez. El color de Matheus Lopes es fundamental: vibrante, contrastado, casi excesivo a veces, pero perfectamente alineado con ese tono de cuento y de fantasía que se desprende de cada página. Estamos ante un cómic que entra por los ojos y que invita a detenerse en cada viñeta para disfrutar de sus detalles.

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En cuanto a la edición española, Norma Editorial nos trae Las Hermanas Seasons en un tomo que recopila los números 1 al 4 de la serie original de Image Comics (publicada dentro del sello propio de Rick Remender, Giant Generator). Se trata de un volumen de 128 páginas en formato rústica, con un papel de buena calidad y reproducción cromática muy cuidada, algo esencial en un cómic tan dependiente del color. Incluye extras muy interesantes como varias portadas originales, un pequeño cuaderno de diseños y una breve semblanza de los autores. El precio de venta es de 21 euros.

En resumen, Las Hermanas Seasons es una de esas obras que descolocan para bien. No es el Remender más oscuro ni el más radical, pero sí uno de los más sinceros. Un cómic de aventuras con corazón, un cuento moderno que se puede leer a muchos niveles y que demuestra que incluso los autores más asociados al pesimismo saben hablar de esperanza sin caer en lo naïf. No es perfecto y tiene el hándicap de que este primer libro acaba sabiendo a poco, pero tiene alma y personalidad. Y eso, hoy en día, ya es mucho.

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