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Crítica de Proyecto Salvación, cuando una buena película decide quedarse un rato más de la cuenta

Proyecto Salvación es una buena película de «ciencia ficción» (lo pongo entra comillas) que aporta mucho en las relaciones entre los seres vivos. Si no has visto el tráiler NO SIGAS LEYENDO porque te puedes comer algún spoiler. Aquí no haré ningún spoiler excepto lo visto en el tráiler. Y es que la amistad entre Grace y Rocky va más allá de películas más juveniles tipo ET. Si, esto convierte a la película de ciencia ficción en algo que un viaje por el espacio, esto lo convierte en una cinta que nos dice que la amistad y la camaradería va más allá de nacionalidades y incluso razas de diferentes planetas.

Proyecto Salvación funciona. Y eso ya es mucho decir

Hay películas que sabes desde el principio que van a ser un desastre y, curiosamente, a veces se dejan ver mejor que otras que apuntan más alto. Proyecto Salvación no entra en ese grupo. Aquí hay una intención clara de hacer algo sólido, de construir una historia que funcione y de mantenerte dentro durante buena parte del metraje. Y lo consigue. Bastante más de lo que esperaba, de hecho.

Tiene ritmo cuando tiene que tenerlo, plantea bien sus conflictos y, sobre todo, no trata al espectador como si fuera idiota, que últimamente ya es casi un mérito en sí mismo. No es una película revolucionaria, pero tampoco lo necesita. Juega en un terreno más clásico, más directo, y eso le sienta bien. Hay gente que la comprara con Interstellar, pero creedme que es otra cosa muy diferente.

Crítica de Proyecto Salvación

El problema no es lo que cuenta, es cuánto tarda en contarlo

Aquí viene el pero, que además es bastante claro. La película funciona, pero a veces se me hace un poco largo. Y no un poco, no en plan “bueno, le sobra una escena”. No. Hay momentos en los que notas que la historia ya ha dicho lo que tenía que decir y, aun así, sigue un rato más, como si no quisiera marcharse. Y eso, señores, es para mi mi única pega a la película.

No es que el contenido sea malo, ni que lo que ves sobre de forma escandalosa. Es más una sensación acumulada, de ir notando que el ritmo empieza a resentirse. Que lo que antes fluía ahora se repite, se estira, se recrea un poco más de lo necesario.

Y ahí es donde la película pierde algo de fuerza, porque cuando una historia engancha, lo último que quieres es que empiece a cansarte justo antes del final.

Cuando se pone seria, cuando hay ritmo, funciona muy bien

Lo curioso es que, cuando la película se centra y va al grano, demuestra que tiene músculo. Hay escenas bien construidas, momentos que funcionan de verdad y decisiones que mantienen el interés sin necesidad de grandes artificios.

Se nota que hay una buena base detrás, que el proyecto no está improvisado ni hecho con piloto automático. Hay intención, hay trabajo y hay ganas de que funcione. Y eso se percibe.

Por eso mismo da un poco más de rabia lo del metraje. Porque estás viendo algo que podría ser más redondo si hubiera sabido cortar un poco antes.

Esa sensación de podría haber sido una obra redonda

Es una de esas películas que te dejan pensando en cómo habría quedado con un poco más de tijera. No en plan desastre, ni mucho menos, sino en plan “esto ya estaba bien, no hacía falta alargarlo tanto”.

Y no es un problema raro. Pasa más de lo que debería, sobre todo en producciones que quieren darle más peso a todo, como si más tiempo equivaliera automáticamente a más profundidad. Y no siempre es así.

A veces, lo que de verdad hace que algo funcione es saber cuándo parar.

Crítica de Proyecto Salvación

Conclusión: buena, pero con ese pequeño lastre

Proyecto Salvación es una buena película. Se deja ver, engancha y tiene momentos que realmente funcionan. No es poco. De hecho, es bastante más de lo que ofrecen muchas otras.

Pero también es una de esas que te dejan con la sensación de que habría ganado siendo un poco más corta, un poco más directa, un poco más contenida.

Y es una pena, porque estaba muy cerca de redondearlo del todo.

Aun así, merece la pena. Aunque en algún momento mires el reloj y pienses, sin mala intención pero con total sinceridad, que igual ya podríamos ir terminando.

Un saludo y sed felices.

Invincible (Invencible) Temporada 4: Las consecuencias de ser un heroé (capitulos 1-4)

Luego de un año de espera, se ha estrenado la cuarta y más reciente temporada de Invencible, donde seguimos a nuestro protagonista, Mark/Invencible (Steven Yeun), en las secuelas de su enfrentamiento con Conquest en el final de la temporada anterior y cómo esto ha afectado no solo al mundo, sino también a él mismo, al no comprender por qué sigue siendo un héroe, a pesar de que, en sus propias palabras, ha traído los problemas al mundo.

Lo mejor de los nuevos capítulos

Tras el clímax de la temporada anterior y todo lo ocurrido, es normal que esta nueva entrega comience de forma más calmada, ya que es necesario presentar adecuadamente en qué punto se encuentran todos los personajes. Los capítulos iniciales se centran bastante en los conflictos personales de los protagonistas. Todos los personajes de apoyo atraviesan un momento de inquietudes y problemas, pues parece que todo es más grande que ellos. No importa si hablamos de la familia de Mark o de los demás superhéroes: todos están en una etapa en la que no saben cuál es su propósito. Esto ya se había explorado en temporadas anteriores, pero ahora se plantea a una escala mayor.

En cuanto a Invencible, lo vemos atravesar múltiples dudas y cuestionamientos. Está decidido a hacer lo que sea necesario para proteger al mundo y a quienes ama, pero esto le genera un fuerte conflicto, ya que ya no tiene problemas en matar. Sabe que, a veces, por más que intente evitarlo, la única salida es eliminar definitivamente a las amenazas. Sin embargo, esto plantea un gran dilema: si tiene el poder de decidir qué vida vale más que otra, ¿en qué se diferencia de Omni-Man(J.K. Simmons) , quien asesinó a miles de personas solo porque podía hacerlo?

Los dilemas morales no son algo nuevo en la serie, pero cada vez se profundizan más, ofreciendo una propuesta muy interesante que no suele ser el enfoque principal en las series de superhéroes. El nivel de guion de Invencible es muy alto, y se toma su tiempo para construir el mundo y desarrollar a los personajes, logrando que la acción no sea vacía, sino que tenga un verdadero impacto. Esto la convierte en una de las propuestas más interesantes de las series actuales.

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Ampliación del mundo

En el capítulo 2, en particular, se dedica bastante tiempo a expandir el mundo de la serie, o más bien, su universo. A través de las aventuras de personajes secundarios, los primeros episodios muestran cómo se desarrolla este universo y profundizan en la historia de los viltrumitas. Aunque ya teníamos ciertas ideas, no se había mostrado con tanto detalle hasta ahora, lo cual es un gran acierto, ya que permite entender mejor lo que está en juego y por qué ciertos personajes son tan importantes dentro de la historia.

Esta expansión también sienta las bases del conflicto principal de la temporada, que promete ser el más importante hasta el momento. Con estos nuevos horizontes narrativos, surgen muchos más peligros de los que se creía, así como situaciones que pondrán en aprietos a nuestro protagonista y a todos los que lo rodean. Es uno de los inicios de temporada con mayor cantidad de información nueva, lo que lo hace más interesante y entretenido.

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Personajes

Si algo caracteriza a Invencible es su gran galería de personajes, que fácilmente se ganan el cariño del espectador. En esta temporada, se profundiza aún más en cada uno de ellos. Si bien algunos solo sirven para avanzar la trama, aquellos que reciben mayor protagonismo tienen un desarrollo muy sólido.

Entre los personajes con mayor evolución destacan Robot (Ross Marquand) y Monster Girl (Grey DeLisle), quienes se encuentran en medio de un conflicto al darse cuenta de que, por sí solos, no pueden hacer mucho. Por más que salven vidas e intenten ayudar, nunca logran detener las amenazas de forma definitiva, lo que plantea una interesante disyuntiva respecto al resto de personajes.

En la trama espacial, Omni-Man y Allen (Seth Rogen) protagonizan la parte más interesante hasta el momento. Se sigue desarrollando el conflicto interno de Omni-Man, quien, aunque ha cambiado y ya no comparte la ideología de los viltrumitas, no está seguro de iniciar una guerra contra ellos. Sabe que, al fin y al cabo, es uno de ellos y que un conflicto solo traería más muertes, algo de lo que no quiere formar parte.

Por su parte, Invencible enfrenta un conflicto interno no sobre si debe ser un héroe o no, sino sobre qué tipo de héroe quiere ser. Se cuestiona si su bondad vale la pena o si debería abrazar un enfoque más violento. Esto contrasta especialmente con la situación de Atom Eve (Gillian Jacobs), quien, aunque ha tenido menos tiempo en pantalla, enfrenta uno de los problemas más importantes de la serie, capaz de cambiar el rumbo de la historia. Sin embargo, Mark no puede permitirse dejar de luchar para ayudarla, lo que plantea la idea de que Invencible no solo debe salvar al mundo, sino también a sí mismo para convertirse en el mejor héroe posible.

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Lo malo

A pesar de haber comenzado con buen pie, la temporada no está exenta de problemas. En primer lugar, la animación sigue siendo un punto débil. Aunque se nota que el presupuesto se reserva para las escenas más impactantes, hay momentos en los que la animación no acompaña adecuadamente a la historia y resulta mejorable. Nunca ha sido el punto más fuerte de la serie, pero hay margen de mejora que ayudaría a que las escenas tengan mayor fuerza y no se sientan tan planas.

Por otro lado, no todas las subtramas resultan igual de interesantes. Una de las características de Invencible es el seguimiento de múltiples historias a lo largo de varias temporadas, lo cual suele enriquecer el mundo. Sin embargo, en esta ocasión, algunas no aportan realmente al desarrollo del conflicto principal ni resultan especialmente impactantes. Esto se hace más evidente en el cuarto episodio, que presenta una historia completamente nueva y original para la serie que, aunque en papel suena interesante, en la práctica se siente demasiado aislada y poco relevante para la trama principal.
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La cuarta temporada de Invencible ha comenzado con buen pie, planteando escenarios y tramas bastante interesantes, con un magnífico desarrollo de personajes que siguen siendo tan atractivos como siempre. No obstante, hasta el momento, algunas subtramas no están a la altura de la historia principal, la cual, si continúa desarrollándose como hasta ahora, tiene el potencial de convertirse en una de las mejores de la serie.

Pueden encontrar nuestra opinión de los capítulos de Invencible de las demás temporadas

Retro-Análisis: Network (1976). La película que nos avanzó el poder de la televisión

En los años 70, una época de cambios tanto en el terreno social como político, Network, película dirigida por Sidney Lumet y conocida según países como Poder que mata o Un Mundo Implacable (aun cuando hay más que tratan el tema), nos plasmó el fenómeno de la influencia de los medios en la opinión pública que, quizás cambiando el formato analógico por el digital, perdura hasta nuestros días y siempre con la misma finalidad de base: beneficiarse de la alineación de la gente. Como decimos en el título, Network es la película que nos avanzó el poder de la televisión.

De qué trata Network

La historia se centra en Howard Beale (Peter Finch), un veterano presentador de noticiarios que es despedido por baja audiencia. Hundido y deprimido, anuncia en uno de sus últimos programas la intención de suicidarse en directo en la última retransmisión de su espacio. Algo inexplicable ocurre y es que, a partir de ese día, la audiencia de su espacio va aumentando exponencialmente y la cadena, en lugar de protegerlo, convierte su programa en un show histriónico, en donde un Beale cada vez más inestable mentalmente se convierte en una especie de profeta televisivo.

Paralelamente, la productora ambiciosa Diana Christensen (Faye Dunaway) ve en él una mina de beneficios para la cadena televisiva, empujando la programación de la misma hacia el sensacionalismo y convirtiendo todo en circo mediático. El amigo y colaborador de Beale, Max Schumacher (William Holden), antiguo director de noticiarios, observa con una mezcla de sentimientos (de culpa y lucidez) cómo la cadena deshumaniza tanto al presentador como a la audiencia.

Temas que trata Network

Uno de los temas principales, por no decir el principal de Network, es la deshumanización provocada por los medios y las grandes corporaciones. La forma en que los directivos de la cadena tratan a Beale y la manera en que lo exprimen, no viéndolo como una persona en crisis, sino como un producto televisivo, resulta muy chocante. La enfermedad mental del protagonista se convierte en un recurso para subir el «rating», cosa que revela hasta qué punto el sistema es capaz de aprovechar el sufrimiento de una persona en post del entretenimiento.

La manipulación de las masas, seguramente ligada a lo anterior, sería otro tema que trata la película, enseñándonos cómo, a través del programa de Beale y con un discurso aparentemente auténtico, se puede convertir ese espacio o la televisión misma en un instrumento para canalizar la frustración colectiva mientras nos damos cuenta que en el fondo no llega a transformar nada en profundidad. La película nos sugiere que la televisión ofrece una falsa sensación de participación.

Vemos en una escena cómo, en una calle cualquiera y para desahogarse, la gente grita a través de sus ventanas una frase que el programa tiene como lema. De esta forma, la rabia por las frustraciones de la vida en el día a día quedaría al parecer neutralizada, pero realmente nada cambia ni se ve afectado el sistema que lo rige todo.

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Personajes y actuaciones importantes

Howard Beale. Interpretado de manera magistral por un gran Peter Finch, este personaje mezcla momentos de lucidez con otros trágicos en los que consigue hacernos sentir incómodos. El espectador se debate entre la compasión y el desconcierto al verle en la pantalla, siendo su figura algo así como la de un mártir a punto de ser sacrificado en directo. Esa balanza entre locura y verdad es lo que hace que el personaje resulte tan perturbador.

Diana Christensen. Interpretada también brillantemente por la siempre magnífica Faye Dunaway, representa el triunfo absoluto de la lógica empresarial por encima de cualquier código ético.  Un éxito que representa su valor como persona ya que, contrariamente a lo que ocurre en el ámbito laboral, su vida personal alejada de los focos es un desastre. Es una persona fría y sin capacidad para mantener ninguna relación en la que el núcleo sean los sentimientos. Su ausencia de empatía resume el mensaje de la película: el sistema premia a quienes sacrifican la ética en favor del beneficio.

Max Schumacher. En contraposición a Diana, Max, a quien da maravillosamente vida un veterano William Holden, funciona como una especie de «Pepito Grillo» de la anterior, siendo la conciencia derrotada, alguien que entiende la gravedad de lo que ocurre, pero que, atrapado entre su trabajo, su deseo y su resignación,  participa igualmente del circo en que está.

Elementos para destacar

El estilo y la puesta en escena. Podemos decir que Network se apoya en una puesta sobria, casi teatral, en la cual lo que importan son los diálogos y las interpretaciones. El director opta por una fotografía y planificación que, para reforzar el tono realista, no distrae al espectador.  El contraste entre las frías reuniones de los ejecutivos y la histeria del plató subraya la diferencia entre las decisiones de quienes mandan y las consecuencias humanas que las mismas provocan.

El guion se caracteriza por su ritmo y capacidad para alternar el sarcasmo con otras situaciones desesperantes. Los speeches de Beale son excesivos e incluso melodramáticos, pero encajan en la lógica del circo televisivo que la película critica. El texto se adelanta a debates que hoy en día siguen vigentes, como la confusión entre información y opinión, la teatralidad de la política y la conversión de la televisión en un espacio donde todo se mercantiliza (programas estilo Sálvame de T5), desde la ideología hasta la intimidad.

Vigencia y lectura actual

Una de las cosas más notables de películas como Network o La Cortina de Humo (Wag the Dog, 1997), por nombrar otra que trata temas parecidos, es que si las vemos hoy en día nos damos cuenta de que realmente no han pasado de moda.  Son vigentes por muchas razones y aplicables a canales actuales de nuestra TV o, por nombrar incluso algo de más rabiosa actualidad, las redes sociales. El concepto de que » cualquier cosa vale si con ello sube la audiencia» está totalmente vigente. Se ha extendido a más formatos por la variedad tecnológica que hoy tenemos, pero sigue siendo el mismo.

La polaridad emocional se ha convertido en estrategia habitual para atraer la atención. En ese sentido, la película no se ha quedado atrás ni sentimos que haya envejecido mal, sino más bien todo lo contrario. Incluso podríamos decir que la forma en que muestra dicha estrategia se ve hoy como moderada al ver en qué se han convertido muchos de los canales de televisión con las productoras «majors» buscando beneficiarse del circo mediático.

A quien podemos recomendar Network

Comenzaríamos por recomendar esta producción a todo/a aquel/la que quiera saber dónde comenzó este sistema de alienación de los medios capaz de generar un estado de opinión en la masa. Interesante para quien quiera ver el tipo de cine social que se hacía en Hollywood en los 70 o para aquellos/as que quieran buscar y analizar los mensajes que la película nos muestra como una especie de lección acerca de los peligros a los que incluso hoy en día nos enfrentamos al creernos lo que las redes sociales y otros medios audiovisuales nos ofrecen.

Os dejamos un artículo en donde podréis encontrar 15 películas destacables de la década de los años 70 en Hollywood. AQUÍ

El cómic de la semana: Los Cuatro Fantásticos de John Byrne 3. Obras maestras Marvel

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semanaHoy destacamos Los Cuatro Fantásticos de John Byrne 3Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Los Cuatro Fantásticos de John Byrne 3. Hay etapas que no envejecen. Esta es una de ellas

Hay cómics que lees, te gustan y sigues adelante. Y luego están estos, los que te hacen parar un segundo y pensar “vale, aquí estaba pasando algo serio”. El tercer volumen de Los Cuatro Fantásticos de John Byrne entra directamente en ese segundo grupo, sin pedir permiso y sin hacer demasiado ruido. Para mi este tercer tomo es el final de la mejor etapa de la Primera Familia en su historia. Porque para mi los cuatro fantásticos de John Byrne son parte de la historia. Llegaran luego los tomos 4 al 7, y serán muy buenos, pero nunca como estos tres primeros.

Porque lo curioso de esta etapa es que no necesita postureo. No hay ese intento constante de parecer importante. Simplemente lo es. Byrne coge a la Primera Familia de Marvel y hace algo que parece sencillo pero no lo es en absoluto, hace de si mismo, quizás el autor completo más importante de la industria.

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Cuando los Cuatro Fantásticos vuelven a ser los Cuatro Fantásticos

Leer este volumen es casi como volver a un punto donde todo tenía sentido.  Los Cuatro fantásticos no son solo superhéroes que se pelean con villanos raros, son una familia. Y Byrne lo tiene clarísimo en cada página.

Aquí Reed no es solo el genio que lo sabe todo, es también alguien que a veces se equivoca. Sue no es un personaje secundario que está ahí porque sí, tiene peso, carácter y presencia. Johnny sigue siendo Johnny, con todo lo bueno y lo insoportable que eso implica. Y Ben… bueno, Ben sigue siendo probablemente el corazón de todo esto, con esa mezcla de mala leche y humanidad que funciona siempre.

No hay que reinventarlos, solo escribirlos bien. Parece fácil, pero no lo es tanto viendo algunas cosas que han venido después.

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El problema de leer esto hoy

Que luego vuelves a otras etapas y estamos a años luz de la época Byrne.

Porque este tipo de cómic te recuerda que no hace falta complicarlo todo para que funcione. No necesitas mil eventos, ni giros forzados, ni personajes gritándose en cada página. A veces basta con tener claro quiénes son y dejar que la historia fluya.

Y eso Byrne lo hace aquí con una naturalidad que parece insultante.

Marvel cuando acertaba sin hacer tanto ruido

Este tomo de Los Cuatro Fantásticos de John Byrne 3 es parte de esas etapas que han acabado etiquetadas como “obras maestras Marvel”, y no es por nostalgia barata. Es porque realmente funcionan. Porque resisten el paso del tiempo sin parecer antiguas en lo importante.

Sí, el estilo es de otra época. Sí, el ritmo es diferente al de ahora. Pero lo esencial sigue ahí, intacto. Y eso no pasa tan a menudo como debería.

Conclusión: leerlo es casi obligatorio (aunque no te apetezca ahora mismo)

No es un cómic que necesite que lo defiendan mucho. Está ahí, sigue funcionando y sigue demostrando por qué los Cuatro Fantásticos importan dentro de Marvel.

Y lo mejor es que no intenta convencerte. No lo necesita.

Tú lo lees… y ya está.

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La etapa de John Byrne al frente de La Primera Familia llega a uno de sus momentos más icónicos, un viaje a la Zona Negativa que el oportunista Annihilus aprovechará para atacar el Edificio Baxter.

¡Una excepcional epopeya con dos mundos en juego! Con Daredevil, Hulka y Los Vengadores del lado de Los 4F, Reed y Sue deben tomar drásticas decisiones que cambiarán el futuro del equipo. Además, Galactus ha vuelto, con el mundo natal Skrull en el menú. Y hablando de los Skrull y de alimentarse: ¿qué fue de los primeros cambiaformas que se cruzaron en el camino del cuarteto? ¡Descúbrelo aquí!

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Panini y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Los Cuatro Fantásticos de John Byrne 3

Un saludo y sed felices.

Las 5 películas de extraterrestres imprescindibles para fans de la ciencia ficción

La ciencia ficción ha sido, es y seguirá siendo ese espejo en el que se refleja la parte más sombría del contacto extraterrestre: nuestros miedos, la desconfianza, el pesimismo, la paranoia y el temor a lo desconocido. Entre naves espaciales, robots gigantes y formas de vida alienígenas, este género nos invita a cuestionar nuestra propia naturaleza y a enfrentar dilemas éticos y existenciales que trascienden la propia soberbia inherente a la condición humana.

Aprovechando el estreno de Proyecto Salvación, este listado de películas analiza como hilo conductor la presencia de los extraterrestres como catalizador de historias cinematográficas. Desde la acción trepidante y los bucles temporales hasta la reflexión profunda sobre la comunicación y el tiempo, pasando por la tensión claustrofóbica o la crítica social, cada obra ofrece un enfoque único sobre cómo el contacto con lo desconocido revela lo mejor y lo peor de la humanidad.

Están Vivos (1988)

John Carpenter destapó el tarro de las esencias para mostrarnos su particular visión de una invasión alienígena. Sus extraterrestres suelen ser despiadados (como demostró en La Cosa), y en este caso, los alienígenas nos tienen subyugados porque han tomado el control de la Tierra. A través de su hipnótica capacidad para crear ambientes turbios logra diseccionar con maestría el genuino estilo de vida americano, convirtiendo la cinta en una crítica mordaz a ese capitalismo que convierte en esclavos a los humanos.

Su trama es bastante curiosa: un vagabundo encuentra unas gafas que le permiten ver extraterrestres disfrazados de humanos (para su época, las gafas es algo novedoso que le sirve de divertido juego cinematográfico). Lo que le permite descubrir que están situados en puestos gubernamentales y en la televisión, desde donde propagan mensajes subliminales para mantener a los humanos dóciles y bajo control.

Ante todo, estamos ante una película donde Carpenter se lo pasa en grande, poniendo la carne en el asador con su particular y genial estilo: un heroico protagonista, guiños al western y a la ciencia ficción clásica, alegres peleas que amenizan sus secuencias, tiroteos, escenas terroríficas incómodas y sobre todo… mucha diversión.

Un director con un inmenso talento que logra, con un exiguo presupuesto, concebir una pequeña joya de la ciencia ficción. Una película de extraterrestres poco convencional, ágil y entretenida que sabe crear una crítica feroz al Gobierno y la televisión, en la que los mensajes subliminales difunden mentiras para controlar la narrativa del mundo.

El Gigante de Hierro (1999)

Esta cinta animada logra ser un drama conmovedor inspirado en las películas de ciencia ficción y robots de los años 50. En especial homenajea al film Ultimátum a la Tierra con la que comparte trama: un robot alienígena que llega a la Tierra y es percibido como una amenaza militar. Y ambas cintas tienen robots gigantes y plateados de origen extraterrestre.

La trama del Gigante de Hierro nos narra la amistad que surge entre un niño y un robot alienígena de 15 metros de altura. El robot posee inteligencia, pero al llegar a la Tierra sufre de amnesia. Sus numerosas armas letales sugieren que fue construido por una raza avanzada como máquina de guerra. Algo que le ocasionará muchos problemas y será perseguido por los militares.

Una road movie sensible, en el que los vínculos de la amistad ayudan a sobreponerse a las adversidades. Un viaje de autodescubrimiento y crecimiento personal que logra conmover al espectador, su historia tiene aroma a cuento clásico que se convierte en un entretenimiento inteligente, divertido y apasionante. Destacando que ofrece una calidad visual extraordinaria gracias a su mezcla de animación tradicional en dos dimensiones con la digital.

Su emotivo trasfondo equilibra la crítica velada que se hace al siempre complejo mundo militar-industrial. Sin embargo, en lo que sobresale realmente es en el diseño de los personajes, que logran emocionarnos y divertirnos a partes iguales, gracias a una equilibrada mezcla entre drama y comedia que consigue conmover sin caer en el sentimentalismo. Tiene una animación de gran nivel, con fondos hermosos, una bonita banda sonora y una narrativa que se disfruta de principio a fin. Con todos estos elementos, la película consigue convertirse en una divertida, inteligente y entretenida apuesta por la ciencia ficción. (aquí tienes una crítica sobre la película).

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Distrito 9 (2009)

Una película interesante que no pone a los alienígenas como una especie invasora, sino que buscan refugio y asilo. De esta manera puede indagar en temas como el exilio, la confianza y el rechazo a lo diferente. Sobre todo, un tema tan presente hoy en día como es la inmigración, con sus bulos, medias verdades y sobre todo con los prejuicios raciales.

Un conflicto interesante que desnuda una de las verdades más dolorosas del ser humano, que es la falta de empatía e intolerancia hacia quienes necesitan ayuda o son marginados. Un tema que se traslada con eficacia a la pantalla a través de gobiernos que solo están dispuestos a hacer lo mínimo por los extraterrestres (una temática que ya exploraba una antigua película como Alien Nation).

Hay una alegoría evidente, al estar ambientada en Sudáfrica, ya que las imágenes guardan fuertes paralelismos con la segregación racial del apartheid que se vivió en ese país, y que aún hoy en día afecta a muchos países. Frente a los clásicos extraterrestres malvados, este film nos muestra como, a veces, es la propia humanidad la que es igual de brutal y violenta que los invasores.

Su mayor virtud es alejarse de los clichés de la ciencia ficción con invasiones explosivas, para ofrecer una disección del comportamiento humano realista gracias a un guion coherente. Logra ser entretenida a pesar de los temas complejos que trata y tiene una factura técnica impecable. Cuenta con las dosis justas de acción para no resultar tediosa y con algunos movimientos de cámara destacables que mantienen la atención del espectador. A su favor juega ese tono sutil de documental que le sienta de maravilla a la idea principal del film, logrando que no resulte pesado ni cargante.

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Al Filo del Mañana (2014)

Vamos a la acción pura, esa en la que nos enfrentamos con los malvados extraterrestres. Una cinta de ciencia ficción que tiene más mérito del que se le ha otorgado. Aunque su trama no resulte ser original, sí que es capaz de sorprender con su ejecución, proporcionando una descarga de adrenalina al espectador, gracias a sus inventivos golpes de efecto que surgen con cada repetición.

Su argumento nos cuenta como el mayor William «Bill» Cage, queda atrapado en un bucle temporal durante una guerra contra invasores alienígenas. Cada vez que muere en combate, despierta para revivir el mismo día, adquiriendo habilidades de combate bajo la tutela de una reconocida veterana militar: el Ángel de Verdún.

La película tiene una cadencia vertiginosa que nunca aburre, algo que consigue aligerar de carga emocional el resto del relato o los sentimientos de los personajes. Sin embargo, estos quedan lo suficientemente bien definidos como para que el espectador empatice con ellos y se introduzca en el juego. Todo ello se traduce en un ritmo endiablado que teje espectaculares escenas de acción, con las que se disfruta de una experiencia visual arrolladora.

A pesar de la repetición inherente a su estructura, nunca se vuelve monótona. Esto se debe a un guion sólido que sabe exactamente qué mostrar y qué omitir, permitiendo que el espectador reconstruya los hechos y evitar caer en redundancias. Consigue mezclar con tacto los instantes de tensión con una comedia que aligera el tono violento. Acierta con sus giros narrativos, que nos mantienen enganchados e interesados por una trama que nos guía hacia un clímax sorprendente e inesperado.

Tom Cruise consigue una interpretación redonda (como en Rain Man), en la que deja de ser el héroe perfecto y sonriente para convertirse en un cobarde que ha de aprender a la fuerza. La presencia de Emily Blunt eleva la calidad de la película (que repetirá contacto alienígena en la nueva película de Spielberg El Día de la Revelación). Su personaje rompe con el arquetipo de acompañante para convertirse en una figura clave, fuerte y compleja. La química entre ambos protagonistas funciona sin necesidad de caer en los típicos clichés románticos.

A destacar su rico apartado visual, con escenas de batalla bien diseñadas y coreografiadas envueltas en unos efectos especiales de primer nivel. Aunque quizás su tramo final resulte algo más flojo, deslucido por optar por la vía más convencional, dejando cierta sensación de que podría haberse arriesgado más. Sin embargo, Al Filo del Mañana combina magistralmente acción, humor, intrincados elementos de viajes en el tiempo y clichés del cine bélico, convirtiéndose en una propuesta refrescante del cine de acción y ciencia ficción: ingeniosa, bien interpretada y con identidad propia.

La Llegada (2016)

Una brillante película de ciencia ficción que explora la visión de los extraterrestres de una manera distinta, sutil y delicada. El trabajo de Denis Villeneuve (inmerso en la conclusión de la gran saga de Dune), se inspira en el trabajo del genial Steven Spielberg y su película Encuentros en la tercera fase. En este caso, centrada en una lingüista que corre a contrarreloj en la búsqueda de descifrar el idioma de los alienígenas para aprender todo lo posible sobre ellos, antes de que el ejército los detecte como una amenaza.

Nos encontramos con una historia compleja, que profundiza en el espacio y el tiempo, pero que está muy bien desarrollada gracias a un guion perfectamente ejecutado. Su hermosa fotografía logra sumergirnos en las posibilidades reales de un contacto alienígena, a lo que ayuda su portentosa banda sonora, que sabe cómo ser estremecedora o estridente en los momentos clave de la cinta. Amy Adams está espléndida como protagonista, ya que soporta sobre sus hombros el peso de la película y cuenta con el contrapunto a un solvente Jeremy Renner.

Estamos ante una propuesta de ciencia ficción de gran calidad, que busca la recreación de un ambiente de introspección con planos artísticos que cuidan la presentación de la historia. No busca la acción, sino una experiencia sensorial que despierta los sentidos del espectador ante lo que le están narrando. Gracias a sus imágenes poderosas, sus sonidos envolventes y su música impecable logran cautivarnos de manera brillante.

Una cinta que conmueve de manera tierna, elegante y dinámica, transmitiendo una energía emotiva que inunda cada plano de la pantalla, como si el espacio y el tiempo solo fueran un secreto que la humanidad no ha sabido todavía descubrir.

La Llegada

Bonus Track

La Cosa (1982)

No podía faltar en esta lista, uno de los mejores remakes de la historia de la ciencia ficción: La Cosa. De nuevo John Carpenter trasladó sus habilidades cinematográficas a la pantalla, para crear una obra maestra del terror que pueden infundir los extraterrestres. Su trama nos cuenta cómo un grupo de investigadores en la Antártida, se enfrentan a una amenaza desconocida: un organismo extraterrestre capaz de imitar a cualquier ser vivo que entre en contacto con él.

Un planteamiento que le da la oportunidad para crear una atmósfera cargada de tensión psicológica y paranoia, donde nadie puede estar seguro de quién es aún humano. Aparte de ser un ejercicio claustrofóbico y opresivo del entorno salvaje de la naturaleza, es un estudio sobre la desconfianza que nos conduce al miedo y a sacrificar todos nuestros ideales en pos de la supervivencia.

El aislamiento geográfico se convierte en un elemento narrativo clave, intensificando la sensación de vulnerabilidad y desesperación (algo que también conseguía la interesante The creator). Es en ese temor donde reside la verdadera fuerza de la película, un abrumador suspense terrorífico que contagia a los espectadores generando en ellos la misma inquietud que a los personajes.

A destacar, los soberbios efectos especiales de Rob Bottin que rompieron esquemas en su momento, y que aún hoy en día siguen generando el mismo impacto turbador con las transformaciones físicas y violentas de los personajes (en especial la brutal secuencia del perro y las, ya legendarias, cabezas que se desprenden del cuerpo). No solo impresionan, sino que incomodan profundamente.

La Cosa es un descenso paranoico hacia la locura, la soledad y la amenaza intrínseca de la naturaleza humana cuando se enfrenta a lo desconocido. Una amenaza que se vuelve visceral, violenta y desagradable capaz de despojarnos de toda humanidad. El extraterrestre, que nunca muestra su verdadera forma y que da título a la película, es capaz de aterrorizar al público como ningún otro ser de la galaxia.

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El protagonista, interpretado magistralmente por Kurt Russell (alejado de la comedia de Tango y Cash), funciona como ancla emocional en medio del caos, pero sin la necesidad de caer en el cliché del héroe salvador. Es en realidad una figura pragmática obligada a tomar decisiones difíciles para sobrevivir. En la película, todos los personajes son vulnerables, todos pueden ser sospechosos y esa incertidumbre es precisamente lo que mantiene la tensión constante.

Pero más allá del impacto visual, lo que realmente demuestra la calidad de la película es su manejo del suspense. Carpenter dosifica la información con precisión, consiguiendo que el espectador comparta la misma incertidumbre que los protagonistas. Como ejemplo de planificación tenemos la famosa escena del test de sangre, un ejemplo perfecto de cómo construir tensión con recursos mínimos y una ejecución impecable.

Si hay un punto que puede dividir opiniones es su tono deliberadamente frío y pesimista. No busca consuelo ni respuestas fáciles, y su final ambiguo es una declaración de intenciones que puede resultar tan fascinante como frustrante. Pero lo que hay que reconocer es que ese final enigmático crea una sensación duradera de inquietud que deja al espectador pensando en múltiples interpretaciones.

En definitiva, se trata de un clásico imprescindible que ha influido profundamente en el género de ciencia ficción-terror y que sigue siendo una experiencia intensa, nihilista y perturbadora para las nuevas generaciones. Una obra maestra del terror que sigue congelando las emociones más de cuatro décadas después de su estreno.

kurt Russel y los extraterrestres

Espero que hayas disfrutado de este viaje por las invasiones extraterrestres (también puedes consultar un listado de libros de ciencia ficción). Estas películas no solo destacan por sus efectos especiales o su narrativa innovadora, sino también por la capacidad de emocionar, sorprender y provocar al espectador. Combinando acción, drama, terror y comedia, demuestran que la ciencia ficción sigue siendo un género capaz de generar experiencias cinematográficas profundas, memorables y universales.

 

‘Zeta’ (2026) de Amazon Prime: El espionaje español enseña los colmillos en un nuevo thriller que cumple

‘Zeta’ no es perfecta, está muy lejos de eso, pero es una excelente demostración que en nuestras tierras podemos realizar cine de entretenimiento con el folclore político y las leyendas negras patrias.

Si buscas un thriller de acción de esos que se disfrutan en el sofá con un buen bol de palomitas, ‘Zeta’ es excelente para eso. La nueva apuesta de Amazon Prime Video, dirigida por Dani de la Torre, nos mete de lleno en las alcantarillas del espionaje español con ese toque internacional de las cintas de espías de Hollywood.

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Uno de los grandes aciertos de la película es, precisamente, su atmósfera y lo bien que enhebra varios frentes como el narcotráfico, ETA y el CNI. La trama arranca con el asesinato simultáneo de varios exoficiales de la inteligencia española, y funciona a la perfección para meternos de lleno en la historia y mostrar la parte más oscura, opaca y menos amable del Centro Nacional de Inteligencia (CNI) español.

Aquí no hay héroes elegantes vestidos de esmoquin ni misiones imposibles e idealistas para salvar el mundo. Lo que ‘Zeta’ nos ofrece son sombras, secretos inconfesables de un pasado manchado de sangre durante la ‘Operación Ciénaga’ en Colombia, y tácticas de dudosa moralidad institucional. Un acercamiento a lo que era la España de los G.A.L. Es un enfoque muy cínico y realista que le sienta genial al guion. Se agradece que la historia no tenga miedo de ensuciarse las manos y mostrar a los servicios de inteligencia como maquinarias frías para los que el fin justifica los medios.

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Es cierto que estamos ante una cinta que se deja muchas cosas en el tintero para ir a la misión y no ahonda mucho en los personajes más allá de lo que concierne a la misión y a nuestro protagonista.

A nivel interpretativo, el elenco es un bloque sólido que cumple con muy buena nota. Mario Casas asume con una naturalidad pasmosa el peso de ser este operativo letal, eminentemente físico y de mirada taciturna. No soy fan del Mario Casas de ‘A 3 metros sobre el cielo’, pero he de reconocer que el actor ha ido perfeccionando este tipo de roles de hombre atormentado y de pocas palabras. ‘Contratiempo’ y ‘El practicante’ son dos cintas en las que el intérprete demuestra su buen hacer. Entre otras tantas.

Casas convence como héroe de acción gris y se encuentra respaldado por unos secundarios que aportan solidez. Mariela Garriga, en el papel de la agente Alfa, funciona y su química con Iago funciona porque no cae en clichés románticos baratos, sino en una alianza de conveniencia. Por su parte, siempre es un auténtico lujo ver a Luis Zahera en pantalla; su sola presencia llena la escena, aportando esa mezcla de peligro, simpatía y carisma inconfundible.

Sin embargo, la película tiene algún altibajo en su ejecución técnica. Si hay que ponerle un «pero» evidente, es sin duda su primer tramo de acción, concretamente la persecución inicial. Sorprende encontrar una secuencia rodada de una forma tan extraña y torpe por momentos. Lamentablemente, el montaje resulta poco acertado y las decisiones de cámara la convierten en una escena carente de cualquier tipo de tensión dramática. Es un bache importante al principio de la cinta que te saca un poco de la película.

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Pero afortunadamente, la cinta sabe redimirse con creces a medida que avanza el metraje. Si la primera persecución es un tropiezo, toda la secuencia de acción que tiene lugar en la mansión es, sencillamente, canela en rama. Aquí es donde ‘Zeta’ pone toda la carne en el asador y demuestra su verdadero potencial. Es una escena brutal, rápida y coreografiada con una precisión milimétrica. Visualmente es un espectáculo formidable, utilizando el enorme espacio de la mansión, la iluminación y un rítmico sonido de los disparos para crear una danza de fogonazos. Solo por la adrenalina pura que destila ese tramo, el visionado ya está más que justificado.

Conclusión

En resumen, ‘Zeta’ es un pasatiempo de primera categoría. Un thriller que sabe sobreponerse a sus pequeños tropiezos iniciales apoyándose en un elenco muy solvente, una trama sobre las cloacas del Estado fascinante y unas escenas de acción que terminan volando muy alto.

Quizás hay demasiados giros de guion en la parte final de la cinta que hacen que todo se vuelva demasiado enrevesado, pero eso no le resta que sea un divertimento que te hará pasar algo más de dos horas con un thiller de espionaje ‘made in Spain’ de lo más palomitero.

Eso sí, cumple con el cliché del cine de espionaje de visitar muchos países en poco tiempo para que la trama parezca más global, aunque eso ya está demasiado manido, la verdad y le quita algo de frescura.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Zeta’:

Un saludo y sed felices.

El festival de música de cine SONAFILM dedicará su octava edición al cine épico e histórico con Trevor Jones y Roque Baños como invitados estrella

Hace pocos días el equipo directivo de SONAFILM, concedió en la sede madrileña de la SGAE una rueda de prensa en la que esclareció algunas cuestiones fundamentales de su próxima edición.

El Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta SONAFILM, celebrará su octava edición con una amplia programación entre el 31 de julio y el 22 de agosto de este verano.

Todas sus actividades se desarrollarán en localidades de la comarca alicantina de la Marina Alta: Ondara, Dénia, Calp, Beniarbeig, Jávea y Pego. De esta manera se apuesta por desarrollar el evento en un entorno estival perfecto para el disfrute del público.

Se ha anunciado que la temática de este año será el cine épico e histórico, y para ello el festival ha confirmado la asistencia de destacados compositores vinculados al audiovisual nacional como Federico Jusid (El secreto de sus ojos), Arnau Bataller (Mediterráneo), Aránzazu Calleja (Akelarre), Juanjo Molina (Crushed Wings), Iván Martínez Lacámara (La Casa de Papel), Álvaro Peire (Zorro) y Maite Arroitajauregi (Akelarre).

Además, la gran noticia ha sido la presencia de dos grandes y laureados compositores de cine relacionados con el género épico e histórico. Uno nacional y otro internacional.

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Equipo de SONAFILM en la sede de la SGAE

Trevor Jones

Trevor Jones a sus 77 años, es un compositor musical sudafricano que carga a sus espaldas toda una trayectoria cinematográfica. Nominado varias veces a los premios británicos BAFTA, Jones es autor de partituras tan emblemáticas como las de Excalibur (1981), Dentro del laberinto (1986), El último mohicano (1992) o Cristal oscuro (1982).

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Roque Baños

El compositor español Roque Baños, de 57 años, ha ganado tres veces el Premio Goya y es responsable de algunas de las partituras más míticas del cine contemporáneo español como las de Alatriste (2006), Las 13 rosas (2007) o Adú (2020). Un imprescindible en música de cine española actual.

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La elección de ambos compositores no es casual, ya que su carrera en el cine los relaciona estrechamente con la temática a la que se adscribe este año el festival SONAFILM.

Su presencia se hará notar en el concierto de clausura del festival, el día 22 de agosto a las 23:00h, cuando tendrá lugar «La era de los imperios», una intrepretación en directo a cargo de la Universal Symphony Orchestra dirigida por José Martínez Colomina. Los compositores mentados tendrán una participación especial.

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El festival dará comienzo el sábado 1 de agosto a las 22:00h en la en Pati de la Casa de la Cultural de Pego con el concierto «Brass Titans Fire & Film» interpretado por la Universal Brass Ensemble de José Martínez Colomina. 

Durante el resto de los días de programación tendrán lugar conciertos de especial interés como el del miércoles 5 de agosto a las 22:30 en Jávea: «Cine de Barrio», interpretado por la Bad Education Band de David Quevedo; o «Esencia de mujer en concierto», el 21 de agosto a las 20:00h en Dénia, interpretado por Asociación Unicornio.

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Las entradas para este maravilloso festival veraniego en la costa levantina estarán disponibles pronto en la web oficial de SONAFILM: www.sonafilm.es

Muchas gracias por leerme e ¡id al cine!

Sed felices. 

 

 

Análisis de Star Trek: Starfleet Academy. Temporada 1. Episodio 9

Continuamos analizando Star Trek: Starfleet Academy (Academia de la Flota Estelar), la serie que, creada por Gaia Violo, es la duodécima (novena en live action) de una franquicia que en este 2026 cumple sesenta años. El noveno episodio y penúltimo de la temporada, que hoy nos ocupa, se titula Noche 300 y viene con un reencuentro muy fuerte que reconfigura las piezas de cara a lo que viene. La serie puede ser vista por Skyshowtime para España y Paramount+ para América Latina.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Aquí otra vez para analizar un nuevo capítulo de Star Trek: Starfleet Academy cuando queda ya solo uno para finalizar una primera temporada que pinta para dejarnos más que satisfechos después de no haber empezado tan bien, pero la cruel ironía es que nos hemos encontrado en la semana con el anuncio de que la próxima será la última. Una triste noticia que, además, deja a la franquicia sin serie a la vista de aquí a un tiempo, ya que a Star Trek: Strange New Worlds le quedan por emitir dos temporadas, que serán las últimas y habrá que ver si en algún momento llega al anunciada Star Trek: Año Uno.

Creo que Starfleet Academy paga el precio de sus primeros tres episodios y, de hecho, yo venía, en estos análisis, preguntándome si los mismos no habrían hecho ya alejarse a muchos fans. Habida cuenta de que la serie no ha respondido en audiencia es posible que así sea y sería una lástima, porque mejoró mucho después y está concluyendo su primera temporada con un balance que pinta para positivo. ¿Demasiado tarde quizás? Es posible. Como La Rueda del Tiempo (aquí nuestros análisis), que mejoró ostensiblemente sin que muchos de los fans de la saga literaria se enteraran porque ya la habían abandonado.

En fin, habrá que tratar de no llorar y, por el contrario, celebrar que todavía tenemos una temporada más por delante. Ignoro qué tan avanzada estará la producción de la misma (tengo entendido que bastante), pero espero que aún no lo suficiente como para no poder darle a la historia un cierto final, que es lo que merece. Mientras tanto, seguiremos aquí analizando los capítulos que sigan llegando y, de momento, vamos al que nos ocupa.

El episodio está dirigido por alguien muy querido por los fans de la franquicia como Jonathan Frakes, en lo que constituye su debut en tal rol para esta serie, pero ya ha desfilado por varias del universo trekkie. Hay mucho para contar, así que nada mejor que comenzar a hacerlo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en esta web los análisis previos, tanto de esta como de otras series o películas de la franquicia.

Análisis de Star Trek: Starfleet Academy

Análisis de Star Trek: Discovery

Análisis de Star Trek: Picard

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds

Análisis de Star Trek: Voyager

Análisis de Star Trek: Lower Decks

Análisis de Star Trek: Prodigy

Crítica de Star Trek: Sección 31

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Mensajes Encriptados

Esta vez la bitácora inicial corre por cuenta de Ake, quien nos pone al tanto de que, como indica el título del capítulo, ha llegado la noche 300, lo cual implica el cierre de año en la Academia, con lo que ello conlleva de fin de un ciclo y prólogo de otro para los cadetes. Nos cuenta además, que están en camino a Betazed para la ceremonia de asunción del nuevo gobierno, tal como justamente había quedado convenido.

Vance se comunica holográficamente para informarle que ya saben qué buscaba Braka en la base atacada, pues ha robado una variante sintética de Omega puro conocida como 47-Omega que muy posiblemente recordemos de Star Trek: Voyager y que tiene, según dice, un poder de destrucción apocalíptico que ya ha puesto a prueba en una zona espacial deshabitada, pero que no hay modo de prever qué trama hacer en el futuro con la misma.

Entretanto y del lado de los cadetes, Jay intenta con distinta suerte involucrar a sus compañeros en un ritual gastronómico klingon para sumarlos a su clan, pero Caleb da impresión de ni siquiera estar allí; su cabeza está en otro lado y, de hecho, se retira. Después de un encuentro algo incómodo en los corredores con Tarima, se encierra en su habitación para escanear frecuencias activas en busca de mensajes de su madre y en ello está cuando es sorprendido por la presencia de Sam.

Esta se encuentra algo depresiva, pues ahora, que tiene incorporados flamantes recuerdos de niñez, es como si toda su vida se redefiniera y no puede evitar sentirse algo tonta o ingenua al recordar su etapa previa en la Academia. Caleb busca darle ánimo con que, ya sea con recuerdos de infancia o sin ellos, siempre fue para el resto alguien genial, querible para el resto y eficiente cada vez que la necesitaron.

En cuanto a su búsqueda, dice que para esta altura su madre ya debería haberlo contactado, por lo que infiere que quizás no pueda hacerlo o bien los mensajes están encriptados de un modo que él no logra descifrar. Sam sugiere que la clave debe ser alguna palabra de su infancia que ella sepa que solo él conoce y así es como a la mente de Caleb acude el recuerdo de Ishaani, luna de su mundo natal cuyo nombre funcionaba para él casi como anagrama del de su madre (Anisha), quien solía referirse a la misma como “nuestra luna”…

En efecto, al introducir la palabra, aparece una larga lista de mensajes que su madre estuvo enviándole durante casi dos años. Se emociona hasta las lágrimas y comprueba que hay desde saludos de cumpleaños hasta indicaciones de propia ubicación para que la encuentre, diciéndole incluso en el último de esos mensajes que la encontrará en Ukeck, mundo que se halla por fuera de los límites de la Federación.

Con la buena nueva, Calem va en busca de Nahla para ponerla al tanto y pedirle autorización para salir en su búsqueda, pero al ingresar al puente de mando advierte que no es el mejor momento: Ake y Kelrec están en pleno análisis de la situación actual y dicen que hay en los límites de la Federación muchas naves Venari creando un cerco de minas 47-Omega, por lo que habría que prohibir cualquier excursión fuera de la misma.

Consciente pues de que no está dado el contexto para obtener autorización alguna, se marcha sin decir palabra y dispuesto a actuar por propia cuenta. Su plan es robar una lanzadera, pero una vez más se encuentra con Sam y esta le dice que no podrá hacerlo sin ella, pues necesita coordinar el campo warp de la misma con el de la Athena si no quiere acabar como “salsa espacial”.

Y pronto están también allí Darem y Genesis: el primero no es problema porque está totalmente alcoholizado, pero de la segunda ya conocemos su devoción por el cumplimiento de las normas, así que está a punto de ir a delatarlos, pero no llega a hacerlo porque Sam cierra la lanzadera a tiempo y la convierte en compañía involuntaria…

Polizones

Una vez que la lanzadera parte de incógnito con sus cuatro tripulantes, Jay encuentra la tableta de Caleb con los mensajes de su madre y se la lleva a Tarima, que de inmediato entiende qué está pasando y van ambos a hablar con Ake y Reno.

Puesta al tanto Nahla, que se siente responsable por el muchacho, pide permiso a Vance para partir con la Athena una vez que haya dejado al resto del personal en Betazed. Más que autorizarla, Vance se compromete a mirar para otro lado y, en todo caso, le advierte que estarán fuera de los límites de la Federación y nada podrá hacer para auxiliarles o rescatarles si se hallaran en problemas.

Aun sabiendo de tal riesgo, y con la compañía de Reno y el Doctor, Nahla parte en la Athena con destino a Ukeck, aunque pronto sabrán que hay a bordo dos polizones mas que son, obviamente, Jay y Tarima que, no pudiendo dejar a la buena de Dios a sus amigos, se han sumado de incógnito…

Rescate Emotivo

Mientras tanto, y entre problemas técnicos, la lanzadera consigue llegar a Ukeck y el grupo infiltrarse en el mercado local disfrazados de lugareños. Alguien le pone a Caleb un arma al cuello y, para su sorpresa y alegría, es Anisha (Tatiana Maslany), lo que da lugar, desde luego, a un reencuentro que es pura emoción de ambas partes.

Ella cuenta que Braka la hizo salir de prisión, pero se hizo pasar por muerta para sacárselo de encima y se dedica desde entonces a reparar naves. Un momento de tensión se produce cuando ve a los amigos de Caleb y sospecha que puedan ser espías Venari. Él busca tranquilizarla con que son confiables, pero evita deliberadamente mencionar cualquier vínculo con la Flota o la Federación que pudiera ponerla en alerta.

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Ellos se hacen pasar por compradores de repuestos en busca de un relé para la nave (lo cual no deja de ser cierto) y Anisha les prepara uno que les permite ocultarse de los Venari mientras un asombrado Caleb celebra que su madre haya preservado e incluso perfeccionado sus habilidades de ingeniera.

En ese momento, altavoces informan que Venari Ral tomará posesión efectiva del planeta y se da a aquellos que no sean ciudadanos una hora de plazo para marcharse. Anisha les recomienda largarse cuanto antes, pero Caleb anoticia a sus amigos que ha decidido quedarse, generándose escenas de tristeza. A los fines de alejarlos, intenta mostrase desagradable y echa a cada uno en cara sus defectos, pero no funciona: Sam le estrecha igualmente un abrazo como para no soltarlo…

De todos modos, ya no hay tiempo de nada. Los Venari están allí y los jóvenes son detenidos por las fuerzas de seguridad ocupantes que, habiendo encontrado la lanzadera, quieren saber quiénes son y por qué tienen consigo tecnología de la Federación. Ellos se justifican con que son compradores y la madre de Caleb sale sorpresivamente a avalarlos, pero un llamado de Ake complica las cosas y si bien Caleb intenta disimularlo haciéndose pasar por vendedor de insignias de la Flota, ya es demasiado tarde…

Hay intercambio de disparos y Anisha cae herida. Desde la Athena no pueden transportarlos porque los Venari han colocado en torno al planeta una barrera que lo impide, así que, para hacerlo, no queda más remedio que ingresar en la atmósfera con la propia nave.

Una vez que rescatan al grupo, Anisha incluida, la Athena queda sin embargo atrapada entre tres naves con rayos tractores y, con todo el dolor del alma, Nahla toma la crucial decisión de separar el platillo, con el cual logran escapar a impulso warp. Al borde de las lágrimas, no obstante, dice que no entregará la nave así como así…

Pero cuando quieren ingresar a zona de la Federación nuevamente, se encuentran con lo que es casi un campo minado de 47-Omega en torno a la misma. Habida cuenta, Ake ordena enviar un mensaje a Vance para ponerle al tanto de la situación y da instrucción de meter la Athena en una nebulosa para estar a resguardo de los sensores.

En emocionante escena, el Doctor se reencuentra con Sam y se confunden en un abrazo de felicidad mientras ella lo llama “papá”. Se aboca luego a atender a la madre de Caleb y consigue felizmente recuperarla, pero una sombra de preocupación se apodera del rostro de ella cuando descubre en derredor tanta insignia de la Flota y, ni qué decir, al ver entrar a Nahla en la enfermería…

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Balance del Episodio

Starfleet Academy nos ha entregado otra vez un muy buen capítulo (no a mi juicio tan bueno como el anterior, hasta ahora el mejor de la temporada) que vuelve a demostrar que Johathan Frakes sabe lo que hace cuando se pone detrás de cámaras y, por cierto, ya ha pasado por todas las series live action de la franquicia con excepción de Star Trek: Enterprise y, obviamente, la original.

Las entregas que ha dirigido son invariablemente buenas, demostrando no solo su oficio sino también lo bien que conoce la franquicia y me sigo preguntando cómo es posible que nadie le haya asignado aún una película dentro de la misma cuando lleva tan puesta en el corazón la casaca de Star Trek e incluso ha manifestado lo mucho que le gustaría hacerlo.

Un episodio que redefine unas cuantas cosas, pues el reencuentro entre Caleb y su madre plantea un escenario en el cual uno de los dos (o los dos) deberá decidir de qué lado de la historia se pone. La cuestión, claro es que, tras dieciséis años separados, es absolutamente lógico que hayan seguido caminos distintos que los han alejado. Saber que Caleb está ahora en la Flota (y apadrinado por Ake) es para Anisha un golpe duro, pero a la vez la Flota le ha salvado la vida y ello la pone en difícil encrucijada.

Para Caleb el panorama no es distinto, pues en caso de que su madre decida darle la espalda a la Flota, se le planteará el dilema acerca de si seguirla a ella o a sus nuevos amigos, ahora que, mal que mal, ha encontrado junto a ellos un lugar en el universo. Por cierto: estuvo bastante grosero con Jay al levantarse de la mesa durante el ritual…

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Decíamos que Frakes conoce bien la franquicia y en este episodio hemos reconocido varios tópicos clásicos de la misma: la desobediencia a la autoridad en pos de seguir la propia conciencia, el robo de nave, el desprendimiento de platillo y el ingreso en la atmósfera con nave completa, cuyo más reciente antecedente podemos encontrar en Star Trek: Discovery.

Se nos cruzan, por supuesto, muchas imágenes de alguna película o serie y el temido alejamiento del espíritu trekkie parece ya definitivamente sepultado, incluso a riesgo de que se pueda objetar y no sin algo de razón, que hay demasiadas referencias nostálgicas donde deberían haber conceptos nuevos. Lo que es seguro es que nadie puede acusar a la serie de no respetar la esencia…

Hay también algunos detalles fortuitos en el episodio que pueden hacer chirriar. Vaya mala suerte, por ejemplo, la de Caleb en contactar a su madre el mismo día en que los Venari cierran la zona en que se halla. Y vaya buena suerte, por el contrario, el encontrarse con ella en medio de la feria; ignoro las dimensiones del planeta o cuánta sea la porción habitada, pero parece demasiada casualidad…

También llama la atención que algunas cosas sigan funcionando tal cual en el siglo XXXII, como el mencionado desprendimiento de platillo o el ocultarse dentro de una nebulosa para burlar sensores. ¿No se han mejorado en casi mil años los sistemas de detección?

Pero dejando afuera esos detalles, el episodio ha ofrecido sendas y buenas actuaciones de Sandro Rosta y Tatiana Maslany, además de una siempre eficaz Holly Hunter, que me hace temblar un poco cada vez que amaga sobreactuación, pero por suerte son solo momentos, y bien fugaces, como lo son también los del histérico coqueteo entre Caleb y Tarima que, allá por los primeros episodios, me hicieron temer que acabarían devorándose la serie, lo cual, por fortuna, no está ocurriendo hasta aquí.

Habrá que ver cómo sigue lo del campo minado y si el plan de Braka pinta para una nueva Quema o algo así. Lo sabremos en el próximo capítulo que, esperemos, sea un buen cierre para una temporada que, tras los temores iniciales, pareciera estar terminando por aprobar largamente y convertir a la serie en un interesante aporte para la franquicia, más allá de que le hayan ya bajado impiadosamente la guillotina de manera anticipada.

Les espero para analizarlo. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…

Análisis de Outlander. Temporada 8. Episodio 3

Con su tercer episodio, titulado Abies Fraseri, continuamos analizando la octava y última temporada de Outlander, serie de Starz que, creada por Ronald D. Moore y basada en la exitosa saga de novelas de Diana Gabaldon, es emitida para España por Movistar+ y para América Latina por Disney+.

Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Bienvenidos sean una vez más a compartir otro análisis de un episodio de Outlander, en este caso el tercero de esta octava y última temporada. Una entrega que, como la que abriera la misma, vuelve a tener demasiadas tramas superpuestas (claro indicador de que nos hallamos en cuenta regresiva y hay aún mucho de los libros por adaptar) y se advierte prisa por contar demasiado en poco tiempo, además de traernos el capítulo algunas revelaciones que no sorprenden y otras que sí, pero rozan el surrealismo.

Pasemos pues sin más a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí los análisis previos de Outlander y aquí los de su precuela Outlander: Sangre de mi Sangre.

La Carta de la Discordia

En Fraser´s Ridge, Brianna anda de compras por el mercado local junto a Frances cuando alguien la llama de la oficina de correos y, al quedar sola, la niña es abordada por dos sujetos con aspecto de oficiales británicos a cuyos avances responde con agresividad. En tal situación la encuentra Brianna al regresar mientras comprueba que los hombres han venido a ver a Cunningham y le va con el cuento a su padre…

Enterado, Claire, hace una visita a Cunningham para expresarle su preocupación al respecto y este le dice que solo vinieron a traerle algunas pertenencias de su fallecido hijo, entre ellas una pistola que tiene allí expuesta. Le asegura que lo más probable es que no vuelvan a andar por allí.

Desde Savannah, le ha llegado a Claire una carta de John Grey diciendo que William está allí con él y que le gustaría que Brianna fuera a visitarle para hacer un retrato. En cuanto se lo menciona a Jamie, este monta en cólera y se planta en la negativa, aunque está claro que lo que más le irrita es que Claire siga manteniendo correspondencia con John.

Brianna y Roger, no obstante, y ante la eventualidad de que, según el libro de Frank Randall, habrá pronto una batalla en las cercanías, le llevan un plan para aprovechar la invitación oficial e introducirse en la ciudad a fin de aprovisionarse de armas que comprarán con “el oro del francés”. John se niega tajantemente, pero Claire le replica que han ido a verle en busca de bendición y aprobación, no de permiso.

La situación reactiva resquemores del pasado. Brianna, al enterarse de parte de Claire de toda la historia con John y que incluso su madre tuvo relaciones con él, lo toma a risa (demasiado) y casi como confidencia entre mujeres, aunque no lo sea. Divertida, pregunta si deberá llamarlo “papá” cuando lo vea, lo cual, desde luego, no haría mínima gracia a Jamie. No sé por qué tanta súbita complicidad en reírse de él, pero en fin…

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Por lo pronto, Jamie parece volver a ser aquel montañés de la primera temporada y la carta despierta rencores ocultos pero no olvidados, particularmente en relación con lo que Claire hizo mientras creyó que él estaba muerto…

Ella le echa en cara que no puede sacar a John de su vida aunque quiera ni tampoco descargar en su hija y yerno el odio que por él guarda. Jamie dice que no puede perdonar y Claire le pregunta qué hubiera pasado de no contarle nada, pero esa apelación a la propia honestidad no parece conformarlo y sí, en cambio, el que tengan sexo un momento después. Bien sabemos que pueden estar tristes, deprimidos o enfadados, pero siempre, siempre, siempre, solucionan todo con sexo. Y cuando ella le pregunta si eso le ayudó a olvidar, él responde que lo hace cada vez que la toca…

Soldaditos y Escarabajos

William ha regresado a Savannah tras su paso por el campamento británico y transmite a John sus dudas sobre la muerte de Ben, que este no comparte y mucho menos cuando el único argumento es que entre las restituidas pertenencias no estaba el soldadito que le obsequiara y del cual, dice, nunca se hubiera desprendido. Recién me entero que no estaba (¿quedó tan claro en el episodio anterior?) pero, más allá de eso, convengamos en que, como fundamento, no suena muy sólido. Eso sí: todo indica que para esta altura el soldadito es el McGuffin de la temporada.

Por otra parte, John le comenta de un próximo agasajo oficial en el que estará presente el general Leslie, quien tuvo a su mando a Ben y podría despejar sus dudas al respecto. William lo acusa de usar eso como excusa para reinsertarlo en los círculos sociales de los que ha renegado, pero John objeta que, en todo caso y de ser así, cada uno obtendrá lo que busca…

La oferta deja pensando a William que, mientras tanto, decide ir a ver a Amaranthus para llevarle las pertenencias de Ben. No sé por qué, si tiene tantas dudas sobre la muerte de su primo, está tan seguro de que la muchacha es su viuda como dice ser, pero ya para esta altura es evidente que está prendado de ella y que la joven da impresión de ser honesta y hasta quizás algo cándida. ¿Será así?…

La atracción mutua vuelve a despertar, pero hay algo de confusión en William cuando, al verla abrir los cajones para acomodar las pertenencias de Ben, descubre con sorpresa el tan mentado soldadito y, al mostrar él interés, acaba la joven volviéndolo a guardar en el cajón y cambiando tema de conversación…

Le obsequia un chaleco bordado con motivos de hojas y escarabajos que en su momento hiciera para Ben. Imposible una señal más fuerte de que está queriendo cambiar un clavo por otro… o de que lo está manipulando como quizás haya también hecho con su fallecido esposo. No lo sabemos, pero esta chica es rara…

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Por lo pronto, el chaleco recibe elogios cuando él lo lleva puesto a la fiesta y dice incluso que fue hecho por su “prima”, con lo cual da a entender que ya considera a Amaranthus parte de la familia. No sé: hay algo de incestuoso en todo esto, pero bueno, tampoco debería para esta altura sorprendernos en Outlander…

Consigue hablar con Leslie, quien, tras expresarle sus condolencias por la muerte de su primo, ,manifiesta que nunca vio el cuerpo, sino que se enteró del deceso a a través del informe que le dieron. Con el médico del campamento, ya son dos los que no vieron a Ben muerto y las dudas de William aumentan…

Mientras tanto, y para su sorpresa, John se encuentra con Percy o, como lo llama él, “Perseverance”, lo cual cuadra perfecto a sus cargosas intenciones para con él y al hecho de que siga obstinado en la búsqueda de Fergus, pues le pide datos acerca de tal Claudel Fraser, del cual sabe que tendría a su cargo una imprenta y a quien relaciona inevitablemente con Jamie. John esquiva tanto el acoso por debajo de la mesa como el brindarle información y dice que, después de todo, Fraser es un apellido bastante común. No obstante, deja alguna puerta abierta si Percy lo ayuda a encontrar al capitán Richardson.

Regresado de la fiesta, William se reencuentra con Amaranthus y la anoticia de la buena recepción del chaleco. Cuando le pregunta por el sentido de los escarabajos, ella le cuenta que su padre fue naturalista y su abuelo botánico, lo cual explica su nombre (por la planta a la que se suele llamar amaranta o maranta).  Mientras hablan algo sobre Hércules que no entendí, ella le desliza su dedo índice sobre el pecho y va repasando los nombres científicos de los distintos insectos bordados; no sé si será muy romántico, pero antes de llegar al último se están besando…

Doble Parto y Milagro

Volvemos a Fraser´s Ridge, donde Jamie sigue preocupado por el libro de Randall y preguntándose acerca de su destino. La propia Claire desliza que quizás su exesposo podría haber buscado simplemente torturarla psicológicamente con un dato falso a sabiendas de que ella leería también el libro. Y cuando Jamie se pregunta si alguien puede ser tan cruel o sentir tanto odio, surge la comparación inevitable con sus propios sentimientos hacia John. Touché…

Una niña negra cae en busca de Claire pidiendo asistencia para su madre, a punto de dar a luz. Al ver a la mujer, Claire comprueba que espera mellizos y, mientras atiende el parto, aparece montado en ira el esposo (según entendí un exesclavo liberto) queriendo suspender todo y vociferando que no confía en los blancos. Jamie consigue a duras penas calmarlo mientras Claire asiste el nacimiento de uno de los bebés, pero se le complica con el segundo, que viene en sentido invertido…

Logra hacerlo salir, pero cuando intenta reanimarlo, su tristeza evidencia que ya nada puede hacer. En el momento surrealista del capítulo, se le cruzan una luz azul y un recuerdo del maestro Raymond diciéndole que ella tiene justamente una en torno a su cuerpo. De repente, el niño empieza a llorar…

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Tanto Claire como Jamie están confundidos por lo ocurrido: él dice haberle visto en sus ojos esa expresión que ya le conoce cuando no hay nada que hacer. Ella no tiene explicación y le comenta lo de la luz azul diciéndole que tuvo la misma sensación cuando nació Faith. En un fugaz flashback, se le cruza aquella mujer cherokee que, en la cuarta temporada, le dijera que iba a alcanzar la sabiduría ancestral cuando su cabello tuviera el color de la nieve. Le pregunta entonces a Jamie de qué color lo tiene y él responde que lo tiene «de todos los colores de la Tierra«, pero en torno a su rostro es «el de la luna”…

Mosquetes y más Cartas

Jamie hace partícipe a Frances del cairn, un ritual funerario cuyos orígenes se hunden en la prehistoria escocesa. Llevándola al montículo preparado a tal efecto, le entrega una piedra plana (juro que en un momento pensé que era un teléfono móvil) para que la coloque allí y se comunique con su querida y fallecida hermana Jane. La niña cumple el rito, pero el momento emotivo se ve interrumpido al sonar disparos en las cercanías…

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Pidiendo a Fanny que permanezca allí, Jamie va a ver y encuentra a Cleveland, que acaba, según dice, de abatir a dos contrabandistas. El hecho de que se halle en sus tierras y de que siga practicando justicia al modo propio pone furioso a Jamie, pero su discurso reprobatorio se diluye un poco cuando Frances, que ha decidido desobedecerle, llega al lugar y reconoce a los caídos como los hombres malvados que la molestaron en el pueblo, lo cual dibuja una sonrisa de satisfacción en el rostro de Cleveland…

Este se apronta pues a marcharse tras apropiarse del cargamento de mosquetes que los británicos llevaban consigo, pero se detiene al ver a Jamie extraer una carta de la bota de uno de ellos. Intrigado, quiere saber qué ha encontrado, pero el escocés le conmina a terminar de largarse, lo cual Cleveland acepta al hallarse en sus tierras.

Jamie va a ver a Cunningham y le anoticia de la muerte de los dos oficiales. El hombre dice lamentarlo, pero desliga cualquier relación con ellos, aunque la cosa cambia cuando Jamie le lee la carta, supuestamente dirigida a él por parte de un tío de Salisbury, y en la cual le habla de “abies fraseri”, lo que Cunningham define como un abeto de madera muy apreciada que crece en las cimas de las colinas. Pero Jamie reconoce mensajes en código y, más aún, al encontrar otra nota más dentro de la pistola que le dejaron los oficiales ahora fallecidos.

Acorralado, Cunningham admite estar trabajando para la Corona en el reclutamiento de milicianos. Solo un triunfo británico, dice, acabará imponiendo la paz y permitirá incluso que Fraser´s Ridge se mantenga como la comunidad que quiere Jamie. Este dice que no lo permitirá, pero Cunningham lo pone al tanto de que ya son muchos los que se le han sumado e incluso le insta a hacerlo él también.

Jamie, obviamente, da media vuelta y se marcha mientras en sus oídos suena en off la voz de Frank Randall anunciándole un final que se avizora cada vez más próximo…

Balance del Episodio

Después de las buenas sensaciones que me había dejado el anterior y mis ilusorias esperanzas de que la temporada comenzara a tomar otro rumbo, el episodio que nos ocupa es un claro retroceso. Volvemos al apretujamiento del primero, con varias tramas metidas a presión y con calzador, supongo que por el apuro de cumplir con los libros y, muy especialmente, llenar los huecos que han ido quedando al adaptarlos.

Celebro, eso sí (contrariamente a lo que ocurre con muchos fans), el regreso de un Jamie más creíblemente humano y, sobre todo, muy escocés, al punto que la propia Claire lo define como “ un escocés testarudo” en uno de los pocos momentos que me hizo soltar una sonrisa en lo que llevamos de temporada.  Sus ataques de celos y las dificultades para perdonar, sumado a cierto carácter tóxico que en los últimos tiempos suele no permitírsele a los “héroes” de las historias, le acercan mucho más al Jamie de las primeras temporadas contra de la versión absurdamente medida, correcta y moderada que nos quisieron vender luego.

Pero lo que es un despropósito absoluto es toda esa cuestión metafísica-espiritual de la luz azul, pues me molesta mucho cuando una propuesta que se basa en esencia en un único detalle fantástico (en este caso las piedras y los viajes en el tiempo), alrededor del cual construye una historia más o menos realista, termina metiendo como deus ex machina un nuevo detalle fantástico no previsto que, supongo, estará en los libros, pero ello no lo hace menos forzado. Ahora resulta que Claire no solo es una gran doctora, sino que además, y como si fuera el mismísmo Jesús, es también capaz de volver a la vida a los muertos…

Un aditamento, desde luego, por completo innecesario y que, según entiendo, viene a cumplir la función de terminar explicando qué pasó con Faith y por qué (tal como voy suponiendo) terminaremos enterándonos que está viva más allá de la historia que contó el traficante al que Claire diera muerte.

La idea, interpreto, es que nunca fue mentira que la niña naciese muerta, pero lo que nunca supimos es que la luz azul de Claire la revivió y, a partir de ese momento, habría que preguntarle al maestro Raymond si queremos saber cuál fue el derrotero de Faith de allí en más y por qué se la quitó a su madre sin decir palabra.

En cuanto a la trama de William, no sé ustedes, pero yo no confío en la supuesta candidez de Amaranthus (de hecho no me fiaría nunca de alguien que se llame así). Llama la atención su poco duelo: no es que se la vea tan triste por la reciente muerte de su esposo y vaya que le ha llevado poco tiempo volver a enamorarse y besar a alguien…

Es extraño además el modo en que volvió a guardar el soldadito de plomo y desvió con rapidez el tema de conversación. No entiendo por qué William no desconfía de ella cuando sí lo había hecho en un principio, pero bueno, uno de los más antiguos y repetidos lugares comunes dice que el amor es ciego…

Se supo por fin la verdad sobre Cunningham que, sin grandes sorpresas, termina por ser la que Jamie sospechaba y la que todos suponíamos. El dilema, claro, lo tiene ahora justamente Jamie, pues si el hombre está reclutando milicianos entre los propios lugareños, podría ponérselos en contra si intentara detenerlo o expulsarlo de Fraser´s Ridge.

Y lo de la voz de Frank Randall en off es un buen detalle ya que, aun cuando se supone que Jamie nunca la escuchó, tiene lógica que para él suene como la de Black Jack y no es, como la luz azul, un elemento fantástico que se adosa a la historia, sino más bien un karma o trauma que se nos presenta con la suficiente ambigüedad como para que no sepamos si es una voz real o Jamie la imagina

En fin, se nos ha ido ya el tercer episodio y ello nos coloca un poco más cerca del final de la serie, lo cual se advierte en la cantidad de tramas que juegan a la vez y es de temer que ello se incremente de aquí en más. Por lo pronto, veremos hacia dónde evolucionan algunas de las cuestiones planteadas en el capítulo, aunque se me ocurre que no va a haber demasiados giros sorprendentes, sino que todo irá más o menos por donde vamos suponiendo…

Les espero para analizar el cuarto episodio. Hasta entonces y sean felices…

Han anunciado El Señor de los Anillos: Sombras del Pasado y lo primero que he pensado ha sido «por favor, no la liéis»

Ayer se anunció El Señor de los Anillos: Sombras del Pasado y, como siempre que pasa algo con la Tierra Media, la reacción es un poco caótica. Por un lado está el entusiasmo automático, ese que te sale sin pedir permiso solo por ver el nombre de Tolkien en pantalla. Y por otro, una vocecita bastante más cansada que dice “a ver qué habéis hecho ahora”.

Porque seamos sinceros, cada vez que alguien toca El Señor de los Anillos después de lo que hizo J. R. R. Tolkien y de lo que llevó al cine Peter Jackson (la primera trilogía, no la del hobbit), uno ya no entra con los brazos abiertos. Entras con cautela, mirando de reojo, como cuando pruebas algo que huele bien pero no te fías del todo.


Todos los artículos sobre El señor de los anillos en Las cosas que nos hacen felices


 

El Señor de los Anillos: Sombras del pasado sigue adelante oficialmente, con Stephen Colbert escribiendo el guion de una película de acción real ambientada 14 años después de la despedida de Frodo en El retorno del rey.

En una noticia que, sin duda, nadie se esperaba, Warner Bros. ha anunciado (a través de SFFGazette.com) que el presentador de The Late Show, Stephen Colbert, y su hijo, el guionista Peter McGee, están escribiendo El Señor de los Anillos: Sombras del pasado.

El Señor de los Anillos: Sombras del Pasado

El director de El Señor de los Anillos y El Hobbit, Peter Jackson, abrió el vídeo compartiendo novedades sobre El Señor de los Anillos: La caza de Gollum, revelando:

«Andy está haciendo un trabajo fantástico. Tiene un aspecto increíble. El guion está tomando forma muy bien, y creo que va a ser una película realmente buena».

El cineasta continuó diciendo que cuenta con un «compañero muy especial» trabajando en la próxima película ambientada en la Tierra Media, revelando que Colbert, un gran fan de J. R. R. Tolkien, está desarrollando una secuela basada en capítulos de La Comunidad del Anillo que no llegaron a incluirse en la película de 2001.

«Lo que me encontré leyendo una y otra vez fueron los seis capítulos del principio de [La Comunidad del Anillo] que nunca se desarrollaron en la primera película en su día»

«Básicamente son desde el capítulo “Tres son compañía” [Capítulo III] hasta “Niebla en los Barrow-Downs” [Capítulo VIII].»

«Y pensé: “Eh, un momento, quizá eso podría ser una historia en sí misma que encajara en la historia general. ¿Podríamos crear algo que fuera totalmente fiel a los libros y, al mismo tiempo, totalmente fiel a las películas que vosotros ya habíais hecho?”»

¿Qué significa eso? Bueno, la sinopsis confirma que El Señor de los Anillos: Sombras del pasado se desarrolla catorce años después de la muerte de Frodo, cuando Sam, Merry y Pippin se disponen a volver sobre los primeros pasos de su aventura. Mientras tanto, la hija de Sam, Elanor, ha descubierto un secreto largamente oculto y está decidida a desvelar por qué la Guerra del Anillo estuvo a punto de perderse incluso antes de comenzar.

Lo único claro ahora mismo

Más allá del nombre y el anuncio, no hay mucho más que agarrar. El Señor de los Anillos: Sombras del Pasado existe, está en marcha y forma parte de ese intento constante de volver a la Tierra Media una y otra vez.

Todo lo demás está en el aire. Y quizá sea mejor así, al menos por ahora.

Conclusión (con cautela, que es lo que toca)

El anuncio está ahí y es suficiente para que volvamos a hablar de El Señor de los Anillos como si no hubiéramos salido nunca de ese mundo. Pero también deja claro que esto no va a ser fácil. No por falta de ganas, sino por el peso de todo lo que viene detrás.

Así que sí, hay interés. Hay curiosidad. Incluso hay un poco de ilusión, aunque algunos no quieran admitirlo.

Un saludo y sed felices.

Tráiler de Harry Potter y la Piedra Filosofal, la serie de HBO Max

Ya lo tenemos aquí. Ya tenemos el Tráiler de Harry Potter y la Piedra Filosofal. Recuerdo que esta es la serie de HBO Max que se estrenará en Navidades.

No hacía falta. Pero tampoco vamos a hacernos los duros

Ya teníamos Harry Potter y la piedra filosofal. La película existe, funciona, la hemos visto todos y sigue estando ahí tan tranquila. Nadie estaba en su casa diciendo “ojalá reinicien esto desde cero porque no quedó claro”. Pero HBO ha decidido que sí, que adelante, que volvemos a empezar, y acaba de soltar el primer tráiler hace una hora.

Y claro, uno intenta indignarse un poco por coherencia, porque es lo que toca. Pero luego le das al play y se te desmonta el discurso en treinta segundos. Porque sí, no hacía falta, pero tampoco han venido a hacer el ridículo.

Las caras nuevas y ese momento de… ¿me gusta o no me gusta?

Aparecen los nuevos actores y tu cerebro hace lo de siempre, que es ponerse pesado. Comparar sin descanso, poner pegas, acordarse de las películas aunque no quieras. Es automático, no se puede evitar.

Pero lo curioso es que esa resistencia dura menos de lo que esperas. No es que de repente te enamores del reparto, pero sí bajas la guardia. Empiezas a aceptar que esto no va de sustituir lo anterior, sino de hacer otra versión. Y en ese punto, aunque te cueste admitirlo, ya estás más dentro de lo que pensabas.

Tráiler de Harry Potter y la Piedra Filosofal,

El problema de fondo es que ya conocemos el camino

Aquí es donde viene la parte incómoda. Sabemos lo que va a pasar. No hay sorpresa en la historia, no hay misterio en el recorrido. Esto no es descubrir algo nuevo, es volver a algo que ya conoces de memoria.

Y eso puede jugar a favor o en contra. Porque si lo hacen bien, puede ser una adaptación más fiel, más detallada, más completa. Pero si no afinan, el riesgo es que se quede en un “esto ya lo he visto, pero más corto”.

Lo único real ahora mismo

Más allá de opiniones, lo que hay es bastante claro. HBO ha lanzado el primer tráiler de su serie basada en Harry Potter, empezando por La piedra filosofal. Es un reinicio, con nuevo reparto y con la intención de adaptar los libros con más tiempo.

No hay más información. Todo lo demás es interpretación, expectativas y ganas de discutir, que tampoco nos faltan.


¿Qué se sabe ahora mismo de la serie de Harry Potter? Últimas noticias oficiales


 

Un saludo y sed felices.

Alan Ritchson, su vecino y lo que dice la policía

Hay historias que parecen el argumento de una serie mala de sobremesa, hasta que te das cuenta de que no, que ha pasado de verdad. Y entonces ya no sabes si reírte, preocuparte o pensar “vale, Alan Ritchson esto en cualquier momento lo adaptan en HBO»

Lo de Alan Ritchson y su vecino va un poco por ahí.

La cosa, resumida sin adornos

Ha habido un conflicto entre Alan Ritchson y un vecino. Podéis buscar el video del «conflicto» en Internet. No lo voy a poner aquí, lo siento.

Hasta ahí, nada nuevo, vecinos discutiendo es prácticamente un deporte internacional. La diferencia es que aquí hay policía de por medio. Y cuando hay policía, la cosa ya no es “me has quitado el cubo de basura”, sino algo más serio.

Y ahora viene lo importante

Según lo que se sabe, la policía no ha considerado culpable a Ritchson.

Y esto es clave, porque en internet tenemos una tendencia a hacer lo siguiente: leer el titular y luego montarnos una película para decidir quién es el villano. Y luego, si me apetece, si tengo ganas, ya leo el artículo para saber que ha pasado de verdad.

Aquí lo único claro es eso, al menos por ahora, no hay cargos contra él. No hay cargos contra Alan Ritchson.

Alan Ritchson

El problema es el ruido

En cuanto aparece una historia así todo se mezcla.

Pero la realidad es bastante más simple y menos emocionante de lo que internet quiere, ya que no hay una resolución que diga “es culpable”.

No hay confirmación de algo grave probado contra él.

Y eso, aunque parezca poco, en realidad lo es todo.

Lo curioso de todo esto

Que estamos hablando de un actor conocido (especialmente por su físico, que parece que desayuna pesas con proteínas) y de repente lo vemos metido en un lío de vecinos. Suena a chiste, suena a que el vecino es personaje de ficción metido con calzador en una nueva película.

La vida real tiene esa manía de ser bastante menos espectacular y más mundana.

No siempre hay un final claro. No siempre hay un “este es el bueno y este el malo”. Y no siempre tienes toda la información. Pero internet funciona como si sí. Y ahí es donde estas historias se deforman.

Conclusión (o algo parecido)

Lo de Alan Ritchson y su vecino es, en el fondo, bastante más simple de lo que parece ya que hubo un conflicto en el que intervino la policía y no hay culpabilidad atribuida a el actor.

No hay giro final. No hay revelación loca. No hay escena postcréditos. Y si lo pensamos bien, esta disputa es bastante más habitual de lo que nos gusta admitir.

Un saludo y sed felices.

Crítica de Un simple accidente (2025), estupendo thriller con el régimen iraní como telón de fondo.

El cine es un arte político. Y con esto no me refiero a que unas u otras estrellas suelten sus proclamas al ganar un premio. Hablo de la capacidad del séptimo arte para contar historias que remuevan nuestras conciencias. Y, por si acaso no nos enteramos, de rodarlas de una forma que las despierten de una vez. Es el caso de Un simple accidente, película iraní coproducida con Francia y Luxemburgo que ganó el reputado festival de Cannes y que fue nominada al Oscar a mejor película internacional.

Enlace a Un simple accidente en la plataforma Filmin. 

Una familia iraní debe parar en un taller al tener un pequeño accidente con su coche. Allí, uno de los mecánicos cree reconocer en el padre de familia al hombre que le torturó. Decide secuestrarlo y, ante la duda, comunicarse con otros antiguos torturados para que le ayuden a confirmar su identidad.

Es imposible no pensar en Un simple accidente como cine político (que no de política, que para eso aquí tenéis las veinte mejores de la historia del cine). Primero por su contexto. Es una película dirigida por Jafar Panahi, uno de los pocos directores que ha ganado La palma de oro en Cannes, el Oso de oro en Berlín y el León de oro en Venecia. Y también un conocido disidente político iraní al que se le ha prohibido dirigir, ha estado en la cárcel y en arresto domiciliario. Así que la denuncia va implícita en una película cuyo director ejerce su profesión en contra del poder establecido en su propio país.

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Segundo por su mensaje. Un simple accidente no retrata el régimen iraní directamente como si fuera una película basada en hechos reales (véase la estupenda Holy Spider, la película sobre la investigación de un asesino en serie de prostitutas en la Teherán del 2001), sino que utiliza una premisa sencilla para articular una fábula sobre el trauma, la violencia y el perdón.

Porque el puñado de personajes que protagoniza Un simple accidente ha intentado, de una u otra forma, continuar con su vida de forma digna hasta que el pasado se estampa contra ellos. O, mejor dicho, tiene un accidente y para en tu taller. Tenemos al mecánico, a la fotógrafa de bodas, a la novia que se va a casar con un esposo que desconoce su pasado y al tipo que ha sido incapaz de reintegrarse en la sociedad tras lo vivido en las cárceles del régimen.

Este microcosmos es encerrado en una furgoneta, un único espacio que, como La diligencia de John Ford o la cabaña de Los odiosos ocho, enclaustra a cada personaje con sus propios conflictos y a todos ellos con la persona que les destrozó la vida.

Y, por último, llegamos al estilo. El cine, como he dicho antes, también puede ser político por su forma de rodar. Que se lo digan al realismo con el que Steven Spielberg abordó el asalto al gueto de Varsovia en La lista de Schindler. O al travelling con el que Gillo Pontecorvo se recreó más de la cuenta en la muerte de una mujer contra una valla de un campo de concentración. Distintos estilos para sacudir la conciencia del espectador.

En este sentido, Un simple accidente no se recrea especialmente en el drama, sino que maneja un suspense tan tenso como accesible sobre la verdadera identidad del hombre que han secuestrado. ¿Y si se han equivocado? O, es más, ¿Si han dado con su torturador, le devolverán lo que recibieron?

En definitiva, Un simple accidente es una estupenda intriga que, partiendo de una premisa sencilla, construye una metáfora sobre los devastadores efectos del régimen iraní en las personas que viven bajo su yugo. Una película idónea para introducirse en un suspense distinto al hollywoodiense y, sobre todo, para entender el papel del cine como entretenimiento y como despertador de conciencias.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Drew Goddard, el director de «Matrix 5» cuenta novedades de la película

El guionista y director de «Matrix 5», Drew Goddard, ha respondido a los rumores de que Keanu Reeves volverá a interpretar a Neo en la película y explica cómo enfoca esta nueva entrega de la saga.

En abril de 2024 se reveló que Drew Goddard, director de La cabaña en el bosque y Malos tiempos en el El Royale, había sido elegido para escribir y dirigir una nueva película de Matrix para Warner Bros.


Crítica de Malos tiempos en El Royale: lo nuevo de Drew Goddard


Por qué La Cabaña en el Bosque es la mejor película de su género


Drew Goddard

Los rumores sobre un reinicio o una secuela han persistido durante años y, aunque todavía no sabemos en qué categoría encajará esta nueva entrega, los fans esperan que sirva para que la franquicia de ciencia ficción recupere su esplendor.

Matrix se estrenó en 1999 con gran éxito de crítica, seguida de Matrix Reloaded y Matrix Revolutions en 2003. Estas no recibieron una acogida tan cálida como la original, y Lana volvió a la franquicia (sin Lilly) en 2021 con Matrix Resurrections (aquí nuestra crítica).

La película tuvo dificultades para conectar con los fans y fue considerada por muchos una decepción, recaudando 160 millones de dólares frente a un presupuesto estimado de 190 millones. Para ser justos, llegó durante la pandemia y se estrenó en HBO Max el mismo día que en los cines.

Drew Goddard ha dicho:

«No puedo decir mucho, porque todavía estamos en la fase de escritura. Necesito darme espacio para encontrar la mejor historia. Creo que el enfoque será el mismo que utilizo para todo: ¿me encanta?».

«Y me encanta lo que Lana y Lilly Wachowski hicieron con esas películas. Significan mucho para mí y siento que han tenido un profundo impacto en mi voz creativa» «Me tomo esta responsabilidad muy en serio. Siento la responsabilidad de querer estar a la altura de los fans, de los creadores y de mí mismo como fan».

Al ser preguntado sobre si Keanu Reeves y el reparto original volverán, Goddard respondió:

«No puedo hablar de eso»

El verano pasado corrieron versiones de que, tras los rumores anteriores sobre un reboot protagonizado por Michael B. Jordan, el plan era traer de vuelta a Keanu Reeves. Los fans no están precisamente pidiendo a gritos un reboot, así que continuar la historia con un protagonista conocido y un nuevo enfoque podría ser lo que se necesita para ayudar a que la franquicia vuelva a ser relevante.

Un saludo y sed felices.