‘He-Man y los Másters del Universo’ tiene un lugar muy especialen los corazones de los que ya superamos los 40 años y teniendo en cuenta que todo lo que huela a los 80s es susceptible a ser reinventado, pues esta serie no podía ser menos.
Es cierto que cuando se supo que sería Netflix la encargada de este ‘remake’ pues saltaron algunas alarmas, ya que la plataforma suele ser de gatillo fácil a la hora de cancelar proyectos.
‘He-Man y los Másters del Universo’llevaba desde 2007 revoloteando por pasando por diversas manos y estudios a lo largo de los años. A principios de 2022, Netflix tomó oficialmente las riendas y los directores de «La Ciudad Perdida», Adam y Aaron Nee, fueron seleccionados para dirigir este esperado reinicio, junto con el talentoso guionista de «Spider-Man: A través del Spider-Verso», David Callaham, quien coescribió el guion.
Aunque todo parecía un camino de rosas para Eternia y su castillo de Grayskull, según Variety, Netflix ha decidido cancelar este reinicio, para sorpresa de nadie. Esto ha ocurrido a pesar de los informes que sugieren que el gigante del streaming había invertido aproximadamente $30 millones en el desarrollo de la película. Aunque no se han ofrecido comentarios oficiales por parte de Netflix acerca de esta decisión, Mattel, la compañía de juguetes asociada con el proyecto, ha confirmado que la película ya no se encuentra en desarrollo en la plataforma.
En resumen, Netflix vuelve e hacer de las suyas y nos ha dejado con la miel en los labios a quienes esperábamos con ansia las aventuras de los habitantes de Eternia en su lucha contra el malvado Skeletor.
Ahora mismo Mattel se encuentra buscando un nuevo hogar para el proyecto y con ello la esperanza de ver este emocionante universo renacer para una nueva generación de espectadores permanece intacta.
Os traemos las novedades de Planeta Cómic septiembre de 2023
Os dejamos a continuación la nota de prensa y luego el PDF remitido por la editorial:
La vuelta al cole de este septiembre será menos traumática gracias a las novedades que Planeta Cómic tiene previstas para septiembre. La novela gráfica nos ofrecerá dos títulos de calidad internacional: El primero será Seek You (Sobre la soledad), una reflexión oportuna y conmovedora sobre el aislamiento y los anhelos, tanto como individuos como sociedad. El segundo, Limpieza en seco, plantea una decisión arriesgada de una persona desesperada.
El cómic USA brindará la oportunidad de disfrutar de Las muchas muertes de Laia Starr o más acción de la mano de Spawn, el mítico personaje de Todd McFarlane, que ahora cuenta con el arte de Javi Fernández. Star Wars contará con el primer tomo del legendario Tiempos oscuros y una nueva entrega de las novelas protagonizadas por Amidala, La esperanza de la reina.
Los más pequeños de la casa podrán pasárselo en grande gracias a las aventuras bestiales de los Minitwins, guionizado por la periodista Elisenda Roca y con las ilustraciones de Cuchu. No se acaba aquí el material infantil. Además, publicaremos el cómic de Mech Cadet, que inspiró la serie de Netflix homónima y el manga oficial Los Vengadores del futuro, protagonizado por chiqui aspirantes a superhéroes.
La revista Planeta Manga también nos visitará en septiembre con un número repleto de buenas series, historias cortas, ilustraciones y secciones como la de cosplay. Finalmente, el manga creado en Japón vendrá colmado de series shonen top como One Piece, Haikyu, My Hero academia, Kaiju8, Blue Lock, Dragon Ball o Mao. El amor estará representado por Love.com, Llegando a ti y Whispering you a Love Song. Y el seinen nos dejará obras realmente interesantes y únicas como Yuru Camp, El morador de las tinieblas, Nuevo lobo solitario o Hajime no Ippo.
Actualmente, todo lo que tiene éxito en el mundo del cine está destinado a formar parte de un universo. De los superhéroes a Star Wars, ahora es el turno de la saga John Wick, cuyo spin off Ballerina está en rodaje y la serie precuela The continental: From the World of John Wick ya ha sido rodada y Prime Video ha desvelado sus primeras imágenes.
La serie, dividida en tres partes, explorará el origen del icónico hotel de asesinos, parte esencial de la saga John Wick. The continental: From the World of John Wick se centrará en un joven Winston Scott, quien se ve arrastrado al infierno del Nueva York de los años 70 para enfrentarse a un pasado que creía haber dejado atrás.
Winston traza una ruta mortal a través del misterioso submundo del hotel en un angustioso intento de apoderarse del hotel en el que finalmente ocupará su trono.
Colin Woodell se mete en la piel de Ian McShane para interpretar al joven Winston, mientras que el recién llegado Ayomide Adegun toma el manto del fallecido Lance Reddick como Charon. La serie también está protagonizada por Mel Gibson, Mishel Prada, Jeremy Bobb, Ben Robson, Nhung Kate, Jessica Allain y Hubert Point-Du Jour.
A los fans les encantará The Continental “porque al igual que las películas de Wick, es un viaje salvaje y divertido y es único, es colorido, es audaz, es sónico, tiene un elenco de personajes que no vas a encontrar en las películas normales debido al mundo en el que estamos”, señaló Albert Hughes, director y productor ejecutivo.
Y ahora os dejamos las imágenes
The Continental: From the world of John Wick estará disponible en todo el mundo (a excepción de Estados Unidos) en Prime Video en Septiembre.
Falta solo un episodio para acabar la primera temporada de The Walking Dead: Dead City, cuya quinta entrega ha sido climática a la vez que tremendamente gore, trayéndonos varios giros de importancia y, sobre todo, la criatura más horripilante que haya pasado por la franquicia. Creada por Eli Jorné, la serie es emitida por AMC+.
Bienvenidos nuevamente, caminantes del apocalipsis. The Walking Dead: Dead Cityestá llegando a su final y este penúltimo episodio ha tenido un tono con menos acción y más introspectivo, a la vez que intensamente gore y lleno de revelaciones y giros que nos llevan a concluir que prácticamente todos mienten u ocultan algo.
Y mientras celebramos la reciente noticia de que tendremos segunda temporada, pasemos a analizar lo que nos ha dejado esta entrega no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordarles que pueden echar ojo en los respectivos links a nuestros análisis previos tanto de esta como de las otras series de la franquicia.
Retomamos al grupo de Maggie, Ginny, Tommaso y Amaia, quienes, sin noticias sobre Negan, avanzan por las alcantarillas con el objetivo de llegar al Croata y rescatar a Hershel. Los túneles no pueden dar aspecto más dantesco pues el piso está sembrado de muertos cuyas pútridas emanaciones proveen de metano a la ciudad.
Ginny alcanza a distinguir su dinosaurio dentro de la mochila de Maggie, con lo que nos enteramos que finalmente no lo quemó y estoy seguro que todos nos alegramos y ella también. Pero la niña está ansiosa por llegar a Negan y ello irrita sobremanera a Maggie, quien le advierte que no conoce al monstruo que ella sí. Tommaso encuentra unas botellas de oxígeno que, supone, deben ser las que usan los burazi para moverse por los túneles, pero Maggie percibe algo raro y se niega a utilizarlas.
Muñecas
Armstrong mantiene a punta de arma a Negan y está decidido a llegar a los muelles para escapar en barco de la isla. Negan le pregunta si recuerda que le salvó la vida y responde que sea cual sea el motivo por el que lo haya hecho, no fue seguramente por él sino por alguna cuestión pendiente con el Croata. Además, el que le haya salvado, dice, no le exime de haber asesinado a cinco personas, incluyendo un magistrado. Negan replica que esos sujetos casi mataron a su esposa y que él no vio el estado en que la dejaron o habría hecho lo mismo de haberse tratado de la suya…
Por las calles les persigue y rodea una multitud de caminantes: definitivamente, la ciudad recupera para estos la peligrosidad que pierden en parte en zonas rurales ya que pueden surgir escaparate o estar a la vuelta de cualquier esquina.
Negan y Armstrong alcanzan a zafarse de ellos entrando a una tienda en cuyo interior encuentran una extraña y siniestra “obra de arte” hecha con partes de muñecas. Negan se pregunta si será obra de algún artista vanguardista “antes de…” y Armstrong propone que también podría ser de alguien que se volvió loco “después de…”.
Ya veremos que es más lo segundo que lo primero y quienes hemos visto muchas películas de exploradores bien sabemos que cuando te encuentras con alguna obra de aspecto ritual es muy posible que estés cerca de algo realmente peligroso…
El Rey de los Caminantes
De lo que se había percatado Maggie es de que Tommaso ha estado jugando a dos puntas y Amaia, en su ingenuidad, ni siquiera lo supo. Extrajo en realidad de su mochila las botellas de oxígeno que muy convenientemente “encontró”, de lo cual se deduce que toda la situación estaba prevista y posiblemente trabaje para el Croata. Tommaso se quiebra y admite sí, aunque se justifica en que le sorprendió escapando y debió llegar con él a un acuerdo por el cual debía llevarle a Negan a cambio de la utopía de salir de la isla con Amaia hacia un santuario seguro y libre de caminantes.
Amaia se siente decepcionada aun cuando él diga que hizo lo que hizo por ella. Maggie persiste en negarse a utilizar botella o máscara y está cada vez más expuesta a las alucinaciones del metano y se le alternan flashbacks de las dos peores noches de su vida: la de la muerte de Glenn y la del rapto de su hijo…
Para colmo, los muertos que pisan despiertan cada tanto y el camino se convierte en el más horripilante y nauseabundo infierno. Tommaso y Amaia terminan perdiendo la vida: en el caso de él era previsible después de su confesión; en el de ella una verdadera pena…
Maggie queda por lo tanto con la única compañía de Ginny, a quien explica que ocultó el dinosaurio para que Negan no supiera de ella o, de lo contrario, no le ayudaría con lo de su hijo, raptado por el Croata después de robar el grano de su comunidad.
Por accidente, mete el pie dentro de un muerto y su calzado se traba. El más horrendo caminante que hayamos visto se le abalanza encima: parece fusión de varios y, como tal, luce miembros y cabezas por doquier, además de desplazarse por momentos como una araña. Vaya visión espeluznante que inevitablemente nos remite a la “obra de arte” que habían visto Negan y Armstrong. A Maggie se le pone verdaderamente difícil, pero logra eliminarlo atacando directdo con su cuchillo al cerebro de cada una de las cabezas.
Cuando logra liberar su pie, se encuentra con que ya Ginny se ha fugado por las escaleras y más adelante encuentra un muro escrito en sangre con la palabra “mentirosa”. Un flashback nos muestra que el día en que huyó de la comunidad, Ginny había visto que el silo estaba lleno de grano, con lo cual no se sostiene la historia contada por Maggie de que el Croata lo robó…
Lazos Familiares
Armstrong está herido y Negan le ayuda a marchar. Perfectamente podría desarmarlo en ese momento, pero está claro que no tiene intención. En un silla, encuentran un sujeto con un hacha atravesada en su cabeza y la imagen parece afectar fuertemente a Armstrong, no por lo cruenta sino porque relaciona sin dudas con el tal Joel al que encontrara muerto.
Acaban por refugiarse en un bus escolar y, una vez allí, se quiebra y cuenta la historia de su hermano Joel, quien por sus adicciones se puso violento y atacó a su propia madre. La familia acabó expulsándolo y él fue el encargado de dejarlo en Manhattan librado a lo que, con el apocalipsis en marcha, sería su virtual condena a muerte.
La culpa le acompañó desde entonces y sobre todo cada vez que releyó la carta en la que pedía ayuda y que acabó siendo lo último que tendría de su hermano.
La Dama
Llevándose por delante a un caminante como si fuera un insecto en el camino, el Croata llega en auto a un desvencijado teatro en el que un grupo de sobrevivientes más esperpénticos que los que deambulan por las calles está representando algo así como una puesta en escena de Anything Goes, musical de Cole Porter.
Pasando por entre ellos, llega hasta los camerinos en donde le espera alguien de rostro conocido para quienes hemos seguido esa excelente serie que fue Ozark (aquí los análisis de un servidor): es aludida como La Dama y quien la interpreta es la formidable Lisa Emery.
La sorpresa es que el Croata parece rendirle pleitesía y hasta temerle e incluso le besa la mano. Ella le pide explicaciones sobre el paradero de Negan y él busca tranquilizarla con que está en la isla y no puede salir de la misma. De acuerdo a lo que hablan, pareciera que la idea siempre fue traerlo a Manhattan porque tienen un plan para él como caudillo de bandas pero, como sabemos, Negan está bastante “retirado” y lo más posible es que no tenga interés.
Vamos entendiendo entonces por qué el Croata no quiso matarlo en la entrega anterior, así como el motivo por el cual raptó al hijo de Maggie: una garantía de que le llevara a Negan. Y caemos en la cuenta de que ella siempre supo para qué lo quería a su lado en la incursión a Manhattan y nada tuvieron que ver las razones en su momento expuestas…
Wow… ¿Todos mienten?…
Balance del Episodio
Otra vez una gran entrega, por cierto enteramente diferente a la anterior al basarse menos en la acción que en climas y desarrollo de personajes que vamos conociendo mejor y no hablo solo de los que hemos visto por primera vez en esta serie, sino incluso de aquellos a quienes creíamos conocer bien, pero no teníamos idea de qué había pasado en el medio.
Nos hemos encontrado con por lo menos tres giros sorpresivos: Tommaso trabajaba para el Croata, pero de algún modo Maggie también y en ambos casos por extorsión emocional, ya sea con la promesa de una utopía de libertad o de la devolución de un hijo secuestrado.
El tercer gran giro fue, por supuesto, ha sido saber que había alguien detrás del Croata y la dicha de de ver a Lisa Emery en la serie me hace abrigar al respecto la esperanza de que la tengamos con nosotros por largo rato (más ahora que sabemos que hay segunda temporada confirmada), pero a la vez me hace temer que el Croata se desdibuje como villano, algo que ya empezó a ocurrir en esta entrega al verle tan sumiso y obediente.
De cualquier modo, ya sabemos que la lealtad no está entre sus virtudes, así que no podemos prever futuros escenarios ni descartar un enfrentamiento con La Dama, a quien se avizora como una especie de matriarca salida de un filme de cine negro. No sería de extrañar que el Croata pusiera en marcha su propio plan para con Negan que, después de todo, lo dejó con una oreja menos y no es poca cosa.
En cuanto al teatro, me pareció maravilloso como ámbito: todo un muestrario de decadencia que nos hace preguntarnos hasta qué punto el apocalipsis no ha acabado también con la integridad de quienes siguen vivos.
Una pregunta: ¿cuántas mentiras ha dicho ya Maggie o cuántas cosas ha ocultado? No solo le escondió a Negan el dinosaurio de Ginny, sino que además dijo a esta que el Croata robó el grano de su comunidad para no revelar que estaba justamente entregando a Negan, quien tampoco estaba al tanto. Eso sin contar la burda historia que contó a Luther y los suyos acerca de que naufragaron viajando a Canadá. Lo que está claro es que es mejor luchadora que mentirosa porque a la larga todo se le descubre y es cuestión de tiempo (poco, creo) que la verdad llegue a Negan. ¿Qué pasará entonces?
Con respecto a Tommaso y Amaia, creo que fueron sacados de en medio demasiado rápido y todavía tenían potencial, sobre todo porque nunca supieron que Negan mató a Luther y allí había otro posible germen de conflicto que ahora no podrá ser aprovechado.
Por otra parte y más allá de haber tenido menos acción, el capítulo nos entregó algunos de los momentos más espantosamente gore de toda la franquicia. ¿Hemos visto alguna criatura tan horripilante como esa especie de “rey caminante” lleno de miembros y cabezas? Hace acordar un poco a La Cosa y otro poco al monstruo de La Historia de Lisey con alguna reminiscencia del Popolac de Clive Barker, pero a la vez es inconfundiblemente Walking Dead.
Recuerdo que alguna vez hemos visto a dos zombies fusionados, pero esto es algo enteramente distinto desde el momento en que pareciera moverse como un ser integral. ¿Es una mutación provocada por el metano o qué? Ni siquiera estoy seguro de si quiero que me lo expliquen: dicen que las pesadillas dejan de perseguirnos cuando conocemos el motivo, pero… ¿quién quiere eso? Por mí, la pesadilla está bien en donde está y muy lograda visualmente además…
En fin, nos queda un solo episodio para acabar la temporada y no da la impresión de que se vayan a cerrar las tramas principales, menos ahora que sabemos que habrá segunda. Esperemos que no derrapen en el último tramo porque hasta aquí, insisto sin dudarlo, estamos viendo el mejor de los spin-offs de The Walking Dead.
Les espero para el último episodio de la temporada. Hasta entonces y sean felices…
¿Recordáis la serie de animación Gárgolas? La serie de Disney fue pionera en el ámbito de la animación en los noventa al estar destinada a un público más adulto. Destacaba por sus tramas más complejas y esa atmósfera que otorgaba a la serie un aura de para mayores cuando en realidad podían verla grandes y pequeños. Estuvo tres temporadas en antena y desde su cancelación la serie ha quedado siempre para el recuerdo siendo una serie de culto hoy día.
En una entrevista para Belfast Telegraph, Kenneth Branagh ha confirmado que llevará a cabo una adaptación live action de Gárgolas.
De todas formas esta noticia tiene cierta trampa. Por un lado estamos en plena huelga de guionistas y actores en Hollywood con visos a ser larga por lo que conflictos en la agenda podrían dar al traste con este proyecto. Además conviene recordar que este proyecto lleva años sonando y han pasado muchos nombres para la realización, uno de los últimos Jordan Peele.
El creador de la serie Greg Weisman, ha declarado lo siguiente:
«No puedo articular lo emocionado que estoy de volver a escribir historias de Gárgolas, tanto para los fans que regresan como para los recién llegados. Es un placer explorar un mundo poblado por Goliat, todo el Clan de Manhattan, todos sus amigos y cada uno de sus enemigos. Hace tiempo que quería volver a estos personajes y tener esta oportunidad».
La serie presenta a un clan de criaturas guerreras conocidas como gárgolas, que se vuelven de piedra durante el día. Dirigidos por su líder Goliath en el año 994 D.C., protegen el castillo Wyvern y a sus residentes humanos en la costa de Escocia hasta que una traición causa la masacre del clan y un hechizo mágico fuerza a los sobrevivientes a dormir en piedra hasta que el castillo se eleve por sobre las nubes. En 1994, un billonario llamado David Xanatos compra el castillo y lo traslada a su rascacielos de Nueva York, rompiendo el hechizo. Despertando en el Manhattan actual, las gárgolas se deben adaptar a este nuevo mundo y deciden proteger a los ciudadanos de Nueva York. Ahora bien, debido a su aspecto, mucha gente los teme, prácticamente todos… excepto Elisa Maza, una joven policía que ayudará a las gárgolas a integrarse en esta nueva época.
Fundación ha regresado y comenzamos a analizar esta segunda temporada de la serie de Apple TV que, creada por David S. Goyer, se basa con bastante libertad en la célebre saga de novelas de Isaac Asimov considerada como una de las mejores de todos los tiempos en la literatura de ciencia ficción. Desbrozamos lo que nos ha dejado este primer episodio cuyo título es A la Sombra de Seldon…
Bienvenidos nuevamente, psicohistoriadores. Más de un año ha pasado desde nuestro último encuentro para analizar esta serie, pero si sirve de consuelo ha pasado bastante más tiempo para los protagonistas, aun cuando la serie se las apañe ingeniosamente para no cambiar los rostros. Y aquí estamos entonces para hablar de lo que nos ha dejado este primer episodio de la segunda temporada de Fundación que, después de la acción trepidante de la anterior, pareciera iniciarse con un ritmo calmo y casi de transición.
Veamos, por lo tanto, qué ha pasado en todo este tiempo en Términus, Trantor y Synnax mientras parece avecinarse una guerra. Antes de entrar directamente al episodio, cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
A la Sombra de Seldon
Comenzamos en blanco y negro con Seldon discutiendo acaloradamente consigo mismo. Se pregunta una y otra vez por qué puso a Gaal en esa cápsula en lugar en enviarla a Términus, se tilda de “niño caprichoso” y se recrimina el no haber compartido su plan con más gente para que pudieran ayudarlo. La particular escena se cierra con la voz en off de Gaal diciendo que “cualquiera puede tener éxito, pero solo un loco hacer algo grandioso”.
Lejos de allí o quizás cerca, Salvor y Gaal se han encontrado en el inundado Synnax, tal como viéramos al cierre de la temporada anterior. La noticia de que Salvor es su “hija” es muy impactante para Gaal, sobre todo por el hecho de que es mayor, pero esas son el tipo de cosas que permiten los viajes criogénicos y la fecundación de embriones.
Toman conciencia de que ha pasado un siglo desde su última vez despiertas y que quizás todos aquellos a quienes conocieron o quisieron puedan ya estar muertos. Se preguntan qué estará pasando en la galaxia y si se habrán ya producido la crisis final y consecuente derrumbe. Una tiene visiones del futuro y la otra del pasado, pero necesitan conocer el presente…
Valiéndose del Radiante que Gaal lleva consigo, ven dos líneas divergentes que, como los clásicos cables de los explosivos de Hollywood, son una azul y otra roja. Mientras una indica lo que debería haber sido la continuidad normal de la historia según el plan de Seldon, la roja marca por dónde discurrió finalmente y presenta nudos que identifican momentos de crisis.
Les urge salir de Synnax, pero solo pueden hacerlo en la nave de Salvor que se halla bajo las aguas. Necesitan trabajar juntas: Gaal puede contener más tiempo la respiración por haber crecido en un mundo acuático y Salvor sabe cómo reflotar la nave y ponerla nuevamente en funcionamiento pues, según dice, no está hecha para estropearse con un poco de agua o de coral.
La tarea es complicada y Salvor casi muere sin aire, pero es salvada a tiempo por Gaal, que le pasa del suyo. Así, Salvor logra reactivar la nave para que ascienda a la superficie, pero ahora es Gaal quien casi muere y debe ser auxiliada por ella…
El Enemigo Interior
Day está teniendo sexo con Demerzel cuando irrumpe sorpresivamente en la cámara un asesino con pinta de ninja que la decapita a ella o lo que sea que le haga, pues en realidad le secciona por el medio cabeza y rostro dejando expuestos sus circuitos. No puede con Day, quien da fácil cuenta de él, pero llegan más y acaban provocándole a este una fea herida por fallarle su escudo de invulnerabilidad.
Aun con solo media cabeza, Demerzel interviene para salvarlo y le lleva a una cápsula regeneradora antes de que la toxina con que le han inoculado acabe con él. Day no deja que le seden: no confía en nadie y dice temer acabar congelado y reemplazado por otro: un temor que nunca hubiera cabido a un miembro de la dinastía clonada y que viene a demostrar que su línea está definitivamente adulterada.
Los asesinos responden a una orden conocida como Ángeles Ciegos y, en efecto, les falta la vista en todo sentido: no solo los ojos sino también las cuencas, como el Tuerto Willy en Los Goonies.
Ya recuperado y hablando con Dusk, Day reflexiona acerca de sentirse distinto y se pregunta hasta qué punto el genoma estará ya desviado de la matriz original, pues está claro que se aleja cada vez más a medida que pasa el tiempo.
Por otra parte, está próximo su matrimonio con la reina Sareth I (Ella-Rae Smith) e intenta sin éxito atar cabos con el atentado sufrido. Arribada a Trantor, ella le entrega en obsequio pigmentos tradicionales de su mundo de origen y él le regala una réplica en bronce de Trantor.
En lugar de agradecerlo, Sareth ve en ello un acto de soberbia y estrechez de miras, como si el Imperio fuera solo Trantor y no hubiera nada más allá. Las noticias confirman sus palabras: en los límites del Imperio ha sido hallado flotando ingrávido un cuerpo que echa por tierra aquella versión de la mega erupción que habría acabado tanto con Términus como con la expedición militar hacia allí enviada (recordemos que todo fue un engaño montado Seldon para que así lo creyeran).
Al parecer, Términus no solo sigue en pie sino que además ha florecido como una gran metrópolis y está formando en los límites una alianza que crece y pone en peligro al Imperio. Si en Trantor no lo descubrieron antes fue porque estaban demasiado distraídos con los sucesos de palacio y la adulteración de la línea genética.
Dawn quiere extirpar cuanto antes la cabeza de la serpiente, pero Day prefiere estar seguro antes de ir a la guerra y cree que hay más enemigos adentro que afuera…
Sombras
Han pasado ciento setenta y tres años desde el exilio a Términus y hay un nuevo guardián. Después de más de un siglo, las alarmas se han encendido y la Bóveda ha despertado. Suponen que puedan estar ante una nueva “venida” de Seldon y quizás esté llegando la guerra que él anunciara como inevitable.
Pero la conciencia cuántica de Seldon está no solo atrapada en la Bóveda sino también en el Radiante que Gaal tiene en su poder, lo que nos lleva a que una de ambas es una copia o las dos lo son; lo cierto es que tenemos entonces más de un Seldon. Le vemos, de hecho, atrapado en una gran celda de cristal en donde tiene flashbacks de su infancia y se cruza con Yanna, su amada esposa (Nimrat Kaur), y con Kalle (Rowena King), poetisa y matemática que ayudó a diseñar el Radiante. Solo puede sacar en conclusión que se halla dentro del mismo…
En el flashback, tiene recuerdos de su madre y de cómo él logró que un objeto tridimensional se hiciese bidimensional en su sombra. Una genialidad infantil celebrada por su madre, pero no por su padre, que le propinó un golpe por destruir su libro. Haciendo analogía, debe buscar la forma de que lo cuatridimensional se proyecte de manera tridimensional para poder salir del Radiante: pasar de Platón a Einstein, digamos…
Escape Cuántico
En Synnax, Salvor está sintiendo atracción por Gaal y se ampara en que ambas son lo único que queda del mundo que han conocido, pero Gaal está insegura y yo también al tratar de definir la relación que podría estar surgiendo. ¿Lésbica? ¿Incestuosa? ¿Edípica? ¿Las tres cosas a la vez?
Por lo pronto, logran rescatar la nave pero al ponerla a flote, una tormenta les mete en problemas y no pueden despegar. Salvor insiste en que necesitan a Seldon, pero Gaal no confía en el genio que ella misma ha encerrado en la botella y de quien dice que solo le importa llevar adelante su plan sin importar los sacrificios que implique.
Pero Seldon es más rápido y resolviendo el acertijo cuántico que le plantea la falsa Kalle, logra logra aplanar las dimensiones (como quiera que eso se entienda) y ya está allí para decirle a Gaal que tienen que “ajustar cuentas”.
Balance del Episodio
Así como la entrega con que concluyó la primera temporada no había tenido, a mi juicio, la fuerza de un cierre, la que abre la segunda tampoco la tiene de inicio. No hay siquiera grandes revelaciones y pareciera más bien un episodio de transición hacia lo que sea que venga, pues está claro que para esta altura no podemos tomar a los libros como referencia y así como la dinastía clonada se aparta de la matriz original y las líneas históricas del plan de Seldon, también la trama se aleja cada vez más de las novelas de Asimov…
Desde ya que ello no es necesariamente bueno ni malo. Ya he hablado en análisis previos de lo difícil de adaptar una historia como esta, pero por cierto no hubiera estado de más que por tratarse de un inicio de temporada recuperásemos algunas referencias como para saber en dónde estamos parados y que no olvidemos que, en definitiva, esto es Fundación.
En ese sentido, yo tenía esperanzas de que la segunda temporada nos acercase más a Fundación e Imperio, segundo libro de la trilogía original convertido posteriormente por las precuelas en cuarto de la saga. De hecho, creo no equivocarme al decir que prácticamente todos los fans de Asimov estaban pendientes de algún atisbo que indicara la aparición de ese personaje que todos esperamos ver, pero hasta ahora la única referencia asimoviana más o menos firme es esa mención fugaz y aislada a la Segunda Fundación dentro del monólogo inicial en que Seldon discute consigo mismo.
De hecho y ya que hablamos de referencias literarias, la historia de esta segunda temporada pinta más shakepereana que asimoviana, con intrigas palaciegas a la orden del día y un soberano que desconfía de su entorno a la vez que se interroga sobre su existencia: por cierto, inmenso trabajo de Lee Pace.
También es para destacar lo de Jared Harris encarnando a un atormentado Hari Seldon que, al igual que Day pero por razones diferentes, está igualmente cruzado por planteos existenciales y no es para menos cuando no sabes si eres conciencia cuántica, Bóveda, Radiante, original o copia.
Lo de la relación entre Gaal y Salvor puede ser interpretado como discurso inclusivo, pero lo que le da un toque ciertamente original es la particular relación filial que a ambas une y torna el asunto especialmente complejo.
De lo que no sé qué pensar es de la relación pasional que Day sostiene con un androide: me trajo a la cabeza el relato de Asimov titulado Satisfacción Garantizada, que recuerdo haber leído en la antología Con la Tierra nos basta y que después fue incluido también en El Robot Completo, que recopiló todos sus relatos sobre robots escritos entre 1940 y 1976. Pero en la saga Fundación no hay sexo alguno hasta llegar a Los Límites de la Fundación, penúltimo libro de la misma.
En fin, no se puede decir que haya sido un mal episodio, pero sí que ha estado lejos del gran impacto que debería haber producido un arranque de temporada con más giros y revelaciones. Se advierte, sí, un mayor esfuerzo en desarrollar personajes ahora que los guionistas se han liberado de la carga de tener que explicar la psicohistoria: algo de eso había adelantado el propio David S. Goyer en recientes declaraciones.
Pero todavía no podemos saber hacia dónde marcha la historia y, dando por descontado que no seguirá las líneas marcadas por Asimov en sus libros, no sería malo que al menos encontrase o reencontrase algunas de ellas. Hasta la próxima y sean felices…
Niebla de invierno no es el único contenido producido en la India que tiene Netflix, que ya tiene películas como RRRo de series como Un buen partido, sino que se trata de una muestra más de una de las ventajas de las nuevas plataformas: la posibilidad de asomarse al entretenimiento y la cultura de otras partes del mundo, principalmente de mercados que difícilmente podríamos disfrutar en la televisión en abierto. En este caso, pese al entorno donde sucede, la trama y su género resultarán más que familiares al público occidental, con unos temas y unos arquetipos que nunca pasan de moda.
Un cuerpo entre la niebla de invierno
Una pareja que van a pasar tiempo juntos en las afueras de Punjab se encuentra de pronto con algo inesperado: un cadáver con la garganta cercenada y una herida en la cabeza. Una vez que la policía investigue el lugar del crimen, descubrirá que se trata de un hombre que ha vuelto del extranjero para casarse, junto a un amigo que le acompaña a su boda y que ha desaparecido. La riqueza y notoriedad de la familia de la víctima hará que muchos se interesen por el caso y que las autoridades deseen cerrarlo cuanto antes.
Mientras tanto, los dos agentes protagonistas tienen sus propios problemas: mientras que uno de ellos tiene una fuerte discusión con su hija, otro decide sentar la cabeza por fin y casarse. Pero los obstáculos con los que se encontrarán en el caso no solo pondrán en peligro su vida privada, sino su vida a secas.
Escala de grises en la niebla
En Niebla de invierno, como en casi todas las buenas historias de misterio, lo que menos importa es la resolución. La serie destaca por una cuidada ambientación que nos lleva a los bajos fondos y a unos ecosistemas urbanos bastante sórdidos donde todo el mundo oculta algo y nada es lo que parece.
Por momentos, más que en el género policíaco como tal, este producto parece inspirarse en otro tipo de narración que muchas veces se ha cruzado con el mismo: el género negro. Esto no solo se nota en los antagonistas, muchas veces guiados por motivos pasionales y con sus propias subtramas, sino en sus personajes principales.
Los dos policías que investigan el asesinato se sitúan dentro de una incómoda escala de grises: no solo recurren a la violencia y a métodos que rozan la ilegalidad, sino que son dos hombres con multitud de taras e incapaces de llevar una vida personal mínimamente funcional.
Hay aspectos de sus personalidades que nos resultan desagradables y que podemos atribuir a diferencias culturales, pero es evidente que los creadores de la serie quieren mostrarlos como individuos atormentados. Se trata de ese tipo de antihéroes tan comunes en el género, unos tipos duros y turbios pero con buen corazón.
Niebla de invierno tiene algunos problemas, y el principal de ellos es su excesiva duración. Esa característica, tan común en las series que se estrenan en plataformas, hace que una parte importante de su metraje se haga tediosa en comparación con sus momentos más logrados. A veces, este producto consigue construir una atmósfera que no podría lograrse con una menor duración, pero el resultado final se resiente por culpa de un guion que no ha sabido recortar cuando era necesario y que pide demasiado al espectador antes de mostrar sus cartas.
Además, aunque no impide disfrutar de la investigación, puede que haya un choque cultural para el público occidental, ya que la serie trata temas como los matrimonios concertados o la brutalidad policial de un modo que puede resultar incómodo para gran parte de la audiencia extranjera. Uno puede pensar que Niebla de invierno presenta algunas situaciones para criticarlas o para reflexionar sobre ellas, pero a veces se limita a mostrarlas. Es algo que no me molesta personalmente, pero sí podría molestar a otros.
Conclusión
Niebla de invierno no es una serie excepcional, pero sí un buen producto que seguramente pasará desapercibido. Con un planteamiento llamativo, un desarrollo algo accidentado y un final emotivo que cierra perfectamente la investigación, se trata de una historia a la que estamos acostumbrados, pero narrada con destreza y profesionalidad. A veces, solo hace falta eso.
Los musicales son uno de los fuertes de Riverdale y el último de la serie no podía ser la excepción. Analizamos lo que nos ha dejado el decimocuarto de esta temporada final cuyo título es, justamente, Archie: El Musical. La serie, creada por Roberto Aguirre-Sacasa y emitida por The CW, puede ser vista en España a través de Movistar+.
Hola otra vez, riverdaleros. Después de dos semanas nos reencontramos para analizar otro episodio de Riverdale que viene, en este caso, con un título prometedor, pues bien sabemos que los musicales siempre han funcionado en la serie y así ha vuelto a ser en una entrega verdaderamente hermosa y emotiva, de esas que nos hacen entender por qué vamos a extrañar Riverdale aun cuando tantas veces nos hayamos quejado.
Pero a diferencia de cualquier musical antes representado, no hubo esta vez recreación de alguno mundialmente conocido sino que fue ciento por ciento original: una apuesta que a la serie aún le faltaba hacer y que está bien que haga cuando ya está en cuenta regresiva para despedirse.
Pasemos ya a analizar este decimocuarto episodio de la séptima temporada o, si así lo prefieren, capítulo 131 del listado total. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordarles que pueden leer aquí nuestros análisis anteriores.
Crisis Existencial
Con el visto bueno de Featherhead, Kevin y Clay están escribiendo un musical con la idea de presentarlo para la primavera aunque la aprobación final, claro, dependerá de él.
Han escogido como tema central su último año en el instituto y puesto como personaje central a Archie, lo cual fastidia a varios por sentirse en la obra como segundones, además del tratamiento estereotipado que se da a cada uno. Jughead se marcha diciendo que siempre consideró a la comedia musical como un género menor y Reggie hace lo propio arguyendo que lo suyo no es cantar.
Por su parte, Betty, Veronica, Cheryl y Toni están disconformes con que se las presente como muchachas desesperadas, “amienemigas” que se arrancan los ojos por el amor de un Archie que no está particularmente interesado en ninguna. Kevin y Clay anuncian que van a reescribir la canción, pero ahora quieren hacerlo ellas por cuenta propia y, haciendo gala de sus vínculos, Veronica contacta a Cole Porter para que se encargue.
Archie tampoco está muy feliz con el papel que le toca: un absoluto indefinido que no sabe qué camino tomar en la vida. Su guion es reescrito para simplificar su conflicto y reducirlo únicamente a dos personas entre las cuales no puede decidirse y que son, obviamente, Betty y Veronica.
Aunque no lo diga, le incomoda que el personaje tenga mucho de él y, al comentárselo a Jughead, dice que su conflicto real no es entre las dos muchachas, sino entre el baloncesto y la poesía.
Citando a Albert Camus, Jughead lo ve como una crisis existencial y considera que su problema es simplemente decidir, no importa entre quiénes o qué, lo cual queda perfectamente graficado cuando, en un momento realmente divertido, no sabe qué opción tomar al preguntarle Pop si quiere su sándwich con sopa o ensalada. Pero las palabras de Jughead le resultan inspiradoras y ahora entiende que necesita decidirse por algo.
Tiempo de Decisiones
Cheryl y Toni proponen a Kevin y Clay escribir una canción que hable sobre la historia personal de ellos cuatro. Lo hacen: la canción es hermosa y el ensayo funciona realmente bien, con las muchachas haciendo dúo por un lado y los muchachos por otro, aunque complementándose a la perfección. Pero cuando Toni manifiesta ansiedad por ver la repercusión en el escenario, Kevin las anoticia de que la canción no será incluida en el musical, sino que simplemente la escribieron para cantarla entre ellos y de manera privada…
Argumenta que Riverdale es muy provinciano y no está aún preparado para algo tan queer, aunque quizás lo esté en un futuro y, llegado ese momento, incluirán la canción en el musical. Las muchachas están decepcionadas y renuncian a participar de la obra: contarán con ellas solo cuando ese futuro llegue. Ya bastante tienen, dicen, con actuar en la vida real para además tener que hacerlo sobre el escenario: un radical cambio de postura con respecto a las relaciones cruzadas que, como disfraz, acordaran dos episodios atrás.
Pero Cheryl y Toni no son las únicas que se sienten mal con ocultar sus sentimientos mutuos. Betty y Veronica han quedado prendadas una de la otra después de la convivencia y las llamadas telefónicas (temí que hubieran dejado en el olvido esa subtrama), todo lo cual se les ha despertado nuevamente tras la canción que interpretaron juntas.
Veronica confiesa que ha besado a Archie, pero que sus sentimientos ya no están con él sino con Betty, que desde su lado manifiesta lo mismo.
Casi como si hubiera sido invocado, Archie irrumpe en el lugar para comunicarles que ha tomado la decisión de no volver a besar a ninguna de las dos: sin saberlo, prácticamente les ha resuelto un problema. No es su única decisión fundamental: también ha decidido bajarse del musical por su salud mental y hace saber al tío Frank, para su disgusto, que se dedicará a la poesía y no al baloncesto…
Ha llegado el momento de representar la obra ante Featherhead, lo cual se hace con Julian haciendo de Archie y Clay de Jughead. El director aplaude encantado pero al hablar luego en privado con Kevin, le comunica que finalmente no habrá musical para la primavera. Se basa en que todavía están muy latentes los últimos conflictos con los “comunistas” y que además es difícil vender una obra original, por lo cual recomienda redirigir los esfuerzos para una puesta de Oklahoma!.
La noticia es devastadora para Kevin, sobre todo en un momento en que además sus padres se están separando y siente culpa de ser el motivo, más allá de que su madre le asegure que para ella es su hijo sin importar qué sea o qué elija.
Lleno de tristeza y soledad, interpreta al piano una canción recién compuesta que habla del valor de la amistad y la necesidad de que los amigos siempre estén. En ese momento llega Archie para agradecerle que el musical lo ayudó a ordenar su vida y, preguntándole por la canción, se sienta al piano a acompañarle. Luego van llegando Betty y Veronica, después Chery y Toni, obviamente Clay y poco a poco todos para terminar cantando la canción y confundiéndose en un abrazo general.
Un emotivo final que, otra vez y como ocurriera con el episodio anterior, tiene clima de despedida…
Balance del Episodio
Entrega bella y emotiva. El que se haya basado en un musical original y no en uno ya escrito ha sido una gran apuesta y una agradable sorpresa: las canciones han sido realmente buenas y todos se han lucido en las interpretaciones (por cierto, Casey Cott está cantando cada vez mejor siendo que siempre fue uno de los más limitados). Es una pena que el musical no vaya a ser representado en la ficción sobre un escenario o al menos así se supone si ha sido el último de la serie.
El episodio ha alternado momentos divertidos con otros tristes y ha puesto el eje no solo sobre la importancia de las decisiones sino también, y de manera complementaria, sobre lo difícil que es librarnos de nuestras propias contradicciones y prejuicios: para muestra alcanza con la primera canción en la cual Kevin, en definitiva una víctima de los estereotipos, proyecta en el resto los suyos propios.
Es bueno además que se haya rescatado la historia de atracción mutua entre Betty y Veronica, sobre la cual no puedo dejar de preguntarme si las chicas olvidarán todo cuando Tabitha (¿se acuerdan de ella?) recomponga todo el desmadre temporal post-cometa. También lo es que Jughead y Archie hayan vuelto a tener una charla de amigos como hacía rato no tenían, ya que el primero venía demasiado involucrado en su propia historia y casi sin conexión con el resto. De hecho, pareció que volvíamos a eso cuando anunció que se bajaba del musical…
No es que no haya habido puntos débiles. La separación de los padres de Kevin cayó de otro planeta: no nos venían contando nada al respecto y casi ni habíamos tenido oportunidad de conocer a la madre. Se hace difícil, entonces, sentir empatía por lo que a Kevin le pasa por dentro o entender qué relación establece con su propia historia personal a partir de la ruptura con Betty.
También puede verse algo extraño que, ya sobre el final, todos los que entran en la sala de ensayo conozcan la letra de la canción que Kevin dice acabar de componer y que Archie, de hecho, leía del papel hasta un momento antes. Pero bueno, habrá que tomarlo como parte de esa fantasía de los musicales de los cincuenta en que no se sabía de dónde venía el sonido de los violines mientras iban caminando por el parque: el musical es un género con sus propias reglas y se aceptan o no.
Y de todos modos nada de todo ello quita que hemos visto una gran entrega y que el corazón se nos acelera ante lo cerca que estamos del final. Por lo pronto y vistos los dos últimos, está claro que los episodios van tomando un carácter de despedida que se acentúa cada vez más: mejor ni pensar en lo que viene y dejar que simplemente llegue.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy, en pleno mes de julio, os presentamos las novedades de Dolmen Editorial, previstas para agosto de 2023. Vamos allá …
Novedades Dolmen Editorial. Agosto de 2023
Tenemos nuevas publicaciones y reediciones de importantes obras como han sido los dos tomos de Arrowsmith y la edición definitiva de Baños de Pleamar (podemos leer reseña de la edición anterior si pincháis aquí), de Isaac Sánchez (Loulogio).
Una vez dicho esto, voy a hacer las dos recomendaciones que más me llaman la atención, del catálogo de agosto de Dolmen Editorial.
«Las aventuras dominicales de Johnny Hazard siguen centrados en Oriente, donde las secuelas de la Segunda Guerra Mundial aún están dibujando un mapa diferente.
El mundo está al alcance de la ruta de un avión y los vencidos (personajes pintorescos como el señor Krag, el barón Debris y sus comparsas Flotsam y Jetsam, el barón Takana) se buscan la vida traicionando o contrabandeando o planean hacer detonar con bombas atómicas la flota americana en el Pacífico para iniciar de nuevo una contienda de los hijos del sol naciente contra los hijos de imperio económico recién nacido.
Homenajes a Alfred Hitchock, templos perdidos en la selva y búsqueda de tesoros que preludian a Indiana Jones… aventura en estado puro».
«¡TIENES DERECHO A PERMANECER EN SILENCIO… Y COMPRAR ESTE CÓMIC!
La ciudad futurista de Mega-City está infestada de criminales, dispuestos a arriesgar sus vidas en torpes arranques de ingenuidad.
Enfrente, el Juez Dredd tiene un único propósito vital: detener a todos y cada uno de esos delincuentes y meterlos entre rejas, y no dejará que nadie se interponga entre él y su misión.
en el caso de que lo hagan, tendrán que vérselas con… la Jueza Anderson.
Este tercer volumen del Juez Dredd contiene las últimas tiras de prensa del Juez Dredd, publicadas en el diario Daily Star a finales de los años ochenta e inéditas en España hasta ahora.
La serialización diaria de las tiras, la mitología ya creada del personaje y la madurez creativa de John Wagner y Alan Grant hacen de este volumen un extraordinario compendio de acción y humor, que cuenta con dibujantes clásicos de la talla de Ian Gibson (La balada de Halo Jones), Steve Dillon (Predicador) o Barry Kitson (Empire)».
Estas han sido nuestras dos recomendaciones. Más abajo, os dejo el pdf completo, con las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de agosto.
Bienvenidos un sábado domingo más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos One piece 2 (3 en 1). Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
One piece 2 (3 en 1), la versión definitiva del manga más vendido de la historia
Como la mayoría sabréis, One Piece es el manga más vendido de la historia. No por ello significa que sea el mejor, ni el que más ventas tenga por tomo, sino que sencillamente, a lo largo de sus más de 100 tomos (y la cuenta sigue) es el manga que más ejemplares ha vendido y con cierta diferencia.
Se que parecería que podría ser Dragon Ball, y en una cosa la serie de Akira Toriyama gana a One Piece, que son en ejemplares vendidos por tomo. También, por ejemplo podemos decir lo mismo de otras series que han arrasado en los últimos años, como Guardianes de la Noche (Kimetsu no Yaiba), pero se han extendido menos en el tiempo. Dragon Ball fueron 42 tomos y Guardianes de la noche 23. One Piece ya lleva más de 100 tomos y la cuenta sigue. Aunque proporcionalmente haya vendido menos unidades por tomo, esos 100 tomos barren en ventas a las anteriormente mencionadas.
Y aquí estamos, con la nueva edición de One Piece, la llamada 3 en 1. Y ojo porque la edición normal sigue en Japón y España su curso. La edición 3 en 1 es la que empieza desde el tomo 1, desde el principio, y es perfecta para nuevos lectores. Entiendo que todo esto tiene por detrás el apoyo de la serie de Netflix, ya que desde Planeta Cómic creen que se generará una expectación sin precedentes. Y para esos nuevos seguidores será más fácil empezar por una nueva colección, que por otra que va por el tomo 103. Vamos me parece lógico e inteligente.
Luego por otro lado tengo que decir que esta edición (la de 3 en 1) en principio es una edición que mejora a la original, y además proporcionalmente más económica. Pensad que en cada tomo de estos se aglutinan tres de la serie regular. El problema es que si hacemos la colección con este formato (yo la estoy comprando) tendremos un retraso de muchos años. Espero que tenga una cadencia bimestral y poco a poco recorte con la edición normal.
Pues a lo que iba, este manga de Eiichiro Oda aparte de ser de alta calidad, y eso que en los primeros tomos aún estaba tomando el pulso, tiene ahora esta versión deluxe en español. ¿Y que tiene de diferente? Básicamente además de tener el triple de páginas, es de un tamaño mayor, dejando espacio en blanco en la parte de las páginas que va pegado a la encuadernación. Y esto es una mejora increíble, porque uno de los mayores problemas de la edición regular es que los dibujos y diálogos más pegados al lomo no se pueden ver bien. Una mejora bastante importante. Otra mejora es que son tomos con solapas y quedan muy chulos. Y la parte estética más bonita, es que como el lomo es bastante grueso, se puede ver en su esplendor el logo de One Piece, además de la saga en la que se encuentran actualmente. Precioso. La saga además viene en la portada, arriba en rojo. En los primeros tomos estaremos en la East Blue Saga, y queda perfectamente reflejado en cualquier comiteca. Una edición de lujo.
Ahora ya no hay excusa para hacerte desde el principio con One Piece, el manga más vendido de la historia que además tiene serie propia en Netflix.
Por cierto recomiendo leer este artículo de la web:
El Capitán Kuro se ha hecho pasar por el mayordomo de Kaya, la chica más rica del pueblo. Su plan consiste en atacar la aldea, matar al joven y heredar su fortuna. Luffy, Zoro y Nami saben lo que su amigo Usuff siente por Kaya; por eso deciden ayudarle y plantar cara a los piratas. Monkey D. Luffy está dispuesto a todo: ¡ésta va ser una guerra sin cuartel!
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy es un día triste para todos nosotros. Ha fallecido Francisco Ibáñez. Un grande entre los grandes se ha marchado y nosotros estamos tristes.
¡Gracias Maestro! ¡Gracias por todo lo que nos has dejado!
Francisco Ibáñez nos ha dejado. Que D.E.P.
Francisco Ibáñez, uno de los mejores creadores españoles de historietas o cómics, “padre” de personajes tan populares y queridos como Mortadelo y Filemón, ha fallecido a los 87 años.
Así lo ha anunciado en su cuenta de TwitterPenguin España, que transmite con enorme tristeza desde Penguin Random House Grupo Editorial que esta mañana ha fallecido en Barcelona el gran dibujante e historietista.
Con enorme tristeza desde Penguin Random House Grupo Editorial comunicamos que esta mañana ha fallecido en Barcelona el gran dibujante e historietista Francisco Ibáñez. + pic.twitter.com/Fr9N1hm25R
La editorial ha resaltado la lucidez y sentido del humor de Ibáñez, que pese a su avanzada edad, ha estado trabajando hasta el último momento. Según Penguin España, Ibáñez ha sido la “figura más importante del cómic español”.
Ha sido el autor más reconocido a nivel nacional e internacional. Si bien su personaje favorito de entre todas sus creaciones, era Rompetechos, la fama a nivel mundial le vino por Mortadelo y Filemón.
Ahora lamento no haber movido hilos para entrevistarlo aquí. Entre la vorágine del día a día pensaba que «ya tendría tiempo«. Pero me equivocaba.
Mis primeras lecturas de tebeos fueron (como no) Mortadelo y Filemón. A los que siguió El Botones Sacarino, Rompetechos y Pepe Gotera y Otilio. Luego vinieron los superhéroes, Conan, Astérix y Obélix y Tintín. Pero los primeros, nuestros personajes.
Francisco Ibáñez Talavera nació en Barcelona, el 15 de marzo de 1936. Su padre era de origen valenciano y su madre andaluza. La familia tuvo cuatro hijos, incluyendo al Maestro.
A los once años de edad, consiguió que se publicara un dibujo suyo, por primera vez, en la revista Chicos.
Estudió Contabilidad, Banca y Peritaje Mercantil. Posteriormente, empezó a trabajar como botones en el Banco Español de Crédito. Compaginó este trabajo con el de dibujante en diversas revistas de la época.
En 1957 abandonó su trabajo en banca y decidió dedicarse íntegra y profesionalmente a la historieta. Trabajaba mucho y con muchísima calidad (lo podemos ver en toda su obra).
El 20 de enero de 1958, publicó la primera aventura de Mortadelo y Filemón en la revista Pulgarcito.
Ya en los años 60′ vinieron La Familia Trapisonda (1958), 13 Rúe del Percebe (1961), El Botones Sacarino (1963), Rompetechos (su personaje favorito nació en 1964), Pepe Gotera y Otilio (1966).
Tras el inmenso éxito que supuso Mortadelo y Filemón e influido clara y notablemente por los grandes maestros de la BD (André Franquin, Morris, René Goscinny …), se dedicó em exclusiva a estos dos inconmensurables personajes, a los que renovó y los enfocó a historias paródicas de una agencia de espionaje (la famosa T.I.A.).
Para aquellos lectores noveles, que puedan estar leyendo estas líneas, quiero que sepan que las siglas T.I.A., bajo el férreo mando del Superintendente Vicente, significan: Técnicos de Investigación Aeroterráquea.
¡Ahí es nada!
En 1985, Ibáñez rompió su relación con Bruguera y se marchó a la rival Editorial Grijalbo, donde nos regaló series como Chicha, Tato y Glodoveo (de profesión sin empleo), o 7 Rebolling Street.
En 1987, la Ley de la Propiedad Intelectual hizo justicia y otorgó la propiedad de los autores para ellos mismos. Este año, Ibáñez pasó a formar parte de la plantilla de Ediciones B.
A partir de aquí vino la serie de animación de Mortadelo y Filemón, luego vinieron las películas de animación y (casi) recientemente, las películas de los dos agentes de la T.I.A..
Francisco Ibáñez fue capaz de producir hasta 40 páginas semanales. En muchas de sus entrevistas daba las gracias y pedía perdón a su esposa e hijas, por todo ese tiempo en que estaba en su mesa de dibujos y que le sustraía a su familia.
«Cuando ya no esté y la gente pregunte: ¿Quién era Ibáñez? Yo les puedo dar una rápida respuesta: Ibáñez fue un gilipollas que trabajó, trabajó y trabajó».
Desde la familia de Las cosas que nos hacen felices, queremos dar nuestro más sentido pésame a sus hijas Sonia y Nuria y sus nietos.
Descanse En Paz, Maestro. Gracias por todos los buenos momentos que nos has hecho pasar. Seguiremos disfrutando de las miles y miles de páginas que con tanto amor hiciste. Nos has dejado y hoy …
Me las prometía yo muy felices cuando vi anunciado Bird Box Barcelona, esta película es un spin-off de A ciegas, película de Sandra Bullock que a día de hoy podría estar entre las quince mejores cintas originales de Netflix.
Así, se ha decidido ampliar este universo apocalíptico y en vez de traernos una secuela nos han traído un spin-off donde vemos cómo ha afectado el suceso de A ciegas en Barcelona. Interesante idea que luego a la postre ha quedado a medio camino.
Y es que Bird Box Barcelona tenía todo para no solamente estar a la altura de su predecesora sino superarla, con una estrella como Mario Casas y con los hermanos Pastor en la dirección, realizadores curtidos en el género con dos muy buenas películas como son Infectados y Los últimos días. Además a Casas lo acompañan Georgina Campbell, Michelle Jenner, Leonardo Sbaraglia, Diego Calva, Gonzalo de Castro, Lola Dueñas o Patrick Criado, entre otros.
Pero nada más lejos de la realidad, Bird Box Barcelona nada en las aguas cinematográficas de lo anodino, del sí, no está mal, pero viendo el potencial habido considero que ha sido una oportunidad perdida.
El fin del mundo en Barcelona
Pongamos un poco de contexto. En el universo de Bird Box, la gente comenzaba a suicidarse debido a que contemplaban unas misteriosas criaturas que aparecían de la nada. El modus operandi consiste en que tales criaturas influyen en los pensamientos de todo aquel que fija su mirada en ella, obligándoles a quitarse la vida.
Sin embargo ya en la cinta original se hablaba de los «videntes», personas «inmunes» a los impulsos suicidas pero que a cambio se convertían en una especie de lacayos de las criaturas que tratan de obligar a otros humanos a abrir los ojos y morir en consecuencia. Esto lo aprovecha Bird Box Barcelona para alejarse un tanto de su predecesora, pero no acaba siendo suficiente.
Ya puestos en contexto en ‘Bird Box Barcelona’ conocemos a Sebastián (Mario Casas), un padre desesperado que busca reunirse con su hija. En su búsqueda se juntará con una serie de supervivientes Sofía (Naila Schuberth), una niña alemana y Chloe (Georgina Campbell) una mujer inglesa que es la protectora de la niña. El objetivo de los tres es llegar al Castillo de Montjuïc, ya que parece ser el sitio más seguro de Barcelona.
Una cinta apocalíptica demasiado genérica
A Bird Box Barcelona hay poco que achacarle negativamente y es que la película está técnicamente lograda, con esa atmósfera inquietante, tiene a su vez buenas interpretaciones sobre todo del lado femenino y en definitiva la película es entretenida en sus 100 minutos, pero a su vez me ha resultado terriblemente genérica causándome cierto hastío por momentos.
Y es que el guion de los hermanos Pastor visita lugares trillados del género (algo que ya le sucedía a la original). Además se echa en falta más vistas de esa Barcelona apocalíptica que luce realmente bien en pantalla pero para mi gusto poco tiempo ya que la cinta está ambientada sobre todo en espacios cerrados, algo que es entendible si tenemos en cuenta que en la ciudad, en los entornos abiertos, pululan las criaturas.
Buenas ideas que pretenden alargar este universo
La idea de los videntes funciona bien, dando un nuevo enemigo además de las criaturas. Además, el final de la película resulta estimulante para una nueva visita a este universo por lo que habrá que ver cómo funciona Bird Box Barcelona, pero no me extrañaría que en breve se confirmasen nuevas películas.
Consideraciones finales
Bird Box Barcelona destaca por su despliegue de medios y por las vistas de esa ciudad condal que luce muy bien en el contexto apocalíptico. Es una cinta entretenida que sufre algún lastre consecuencia de caminos trillados del género. El personaje de Mario Casas es interesante y el mejor de la película, pero sus vaivenes emocionales traicionan el espíritu y el concepto de la premisa de esta secuela o spin-off.
En definitiva Bird Box Barcelona es una película interesante sin más para los amantes del cine apocalíptico que en cuestión de días olvidarán en ese cajón de sastre infinito que es Netflix.
Los productores del fenómeno global ‘A ciegas’ presentan ‘Bird Box Barcelona’, una ampliación de la película que cautivó al público en 2018. Una fuerza misteriosa ha diezmado la población del planeta, y Sebastián lucha por sobrevivir en las calles desiertas de Barcelona. Mientras intenta salir de la ciudad con otros supervivientes, surge un peligro aún más siniestro.
Es decir, con la experiencia que nos da el fracaso podemos afrontar casi cualquier cosa (relativa a videojuegos). Es por eso que hemos decidido dar una oportunidad al más maldito de los videojuegos de la saga Resident Evil de los que están numerados, es decir, los clásicos. La entrega cero. La primera cronológicamente en cuanto a historia.
Meterse en algo así como Resident Evil Zero suele tener problemas. Las grandes cosas lo son en parte por el momento sociológico, tecnológico e ideológico en que aparecen. Disfrutar de algo grandioso en otra época con valores o sociología muy distinta suele ser complicado y pedir un esfuerzo por parte del que lo intenta.
Pero vamos a relajar la raja: en verdad no estamos en este caso. En realidad estamos ante el caso de algo estructuralmente clásico (Resident Evil Zero repite muchos de los patrones de las primeras tres entregas y el Code Veronica), pero de todos ellos es el más rompedor…y en su momento el más polémico y casi unánimemente el menos favorito de todos los clásicos.
Lo primero que hay que decir es que en el momento en que sale (2002) es absolutamente despampanante artística y visualmente. El remaster que uno puede jugar en PC no aparece a los ojos como algo desfasado ni viejuno (quitando, como en Resident Evil Remaster, las animaciones faciales casi totalmente robóticas y rígidas). Va en la línea del remake y luego Remaster de Resident Evil 1. Donde ya hay varios peldaños bajando es al hablar de los personajes o de los propios villanos.
Rebecca Chambers era un añadido erótico-festivo para Chris en Resident Evil 1, la chica mona, inocente y jovencita. Aquí hace el mismo papel siendo la protagonista pero, como tantas cosas, ver su historia en Resident Evil Zero hace incomprensible muchas de las características o actitudes que tiene luego en la mansión Spencer en Resident Evil 1.
El otro personaje jugable, Billy, tiene algo más de chicha y carisma, pero no deja de ser un dúo de personajes que tienen teóricamente algún tira y afloja romántico o a saber qué demonios que no lleva a ningún sitio. Con esto tenemos ya la primera bomba: en 2022 llevamos a dos personajes, pudiendo alternar entre ellos con un botón, siendo necesario separarlos para hacer algunos puzzles o incluso enfrentarnos a jefes en solitario.
Al final, suele decirse que esta novedad en Resident Evil Zero bebía de uno de los padres espirituales de la saga, Sweet Home, en donde podíamos separar a los personajes e ir por separado también.
Aquí la idea en principio no está mal. La Inteligencia Artificial del personaje que no llevemos nosotros es mediocremente competente (tampoco hace mucho más que disparar sin parar o seguirnos) y los puzzles por separado tienen su gracia, brillando sobre todo en el inicio de la partida, en el tren, que es quizás la mejor parte de todo el juego.
¿Es mejor un sistema así de limitadote que el de Resident Evil 5, con una compañera capaz de gastarse curaciones por su cuenta y desparramarse en enormes entornos tridimensionales? Pues para ser honestos es inmensamente menos frustrante. Aunque deberíamos hablar largo y tendido en otro artículo de que llevemos más de dos décadas sin superar la Inteligencia Artificial que ya tenía Metal Gear Solid 2 en 2001 .
Llegando a este punto hay que hablar de El Tema. Es decir, del sistema de inventario. Originalmente los Resident Evil basaban en el limitadísimo inventario (6-8 espacios para coger objetos) parte de su gracia. Hay muchas críticas a la necesidad de estar yendo y viniendo para coger cosas nuevas; hay quienes los defienden. En su contexto, como todo, ritmo y mecánicas jugables sientan como un guante incluso hoy, pero con contextos, ritmos y mecánicas hechas de nuevas se da de bruces contra el suelo.
En Resident Evil Zero tiene lo peor de dos mundos. Por un lado, los personajes tienen el inventario más pequeño posible y, a la vez, no tenemos baúles para dejar los objetos, por lo que tenemos que irlos dejando por el suelo. Aquí, jugando de nuevas te da hasta ansiedad por aquello de saber que vas a cambiar de zona y no sabes si vas a poder tener a mano todas esas curaciones y cosas explosivas para tratar con quien no quiera dialogar contigo.
Por otro lado, tienes ir y volver más que prácticamente nunca con el añadido que realmente no hay tantas rutas alternativas para evitar enemigos/ahorrar tiempo como en la magnífica mansión Spencer de Resident Evil 1 o algo menos la comisaría de Resident Evil 2. Los tamaños de los mapas son menores y cambias antes de aires, es verdad, pero aún y con todo la planificación no es divertida como en Resident Evil 1 Remaster, Resident Evil 2 o Resident Evil 2 Remake. Aquí es tediosa. Y da igual que lleves a dos personajes: vas a ir casi ocupadísimo todo el juego a poco que lleves 1 arma, munición y algo de curarte. O vas en pelotas casi o a dar vueltas.
Capítulo aparte están los enemigos. En Resident Evil Zero se salieron un poco del molde, habiendo zombis, claro, pero variando mucho los tipos de cosas a las que disparar o de las que huir. Debido a la limitación del inventario (podemos llevar pocas armas o munición), ningún jefe es precisamente una esponja de balas, aunque nuestros personajes también tendrían serios problemas para ganar una pelea contra un niño de 10 años (especialmente Rebecca: por dios, muchacha, ve al gym o sube alguna escalera alguna vez).
La cosa es que aquí nos encontraremos con monos, zombis que son medio sanguijuelas, murciélagos gigantes, escorpiones gigantes…nos tiran a medio zoo encima, Pueblo. Pero bueno, el juego en japonés se llama «peligro biológico«, así que menos llantos. Esto va de monstruos y cosas mutadas.
Posiblemente tiene algunos de los enemigos más irritantes de la saga. Mister X en Resident Evil 2 daba miedo con solo oír sus pisadas. Nemesis en Resident Evil 3 podía ser complicado como se apareciera en un momento malo. Pero estaban bien pensados y todo el mundo recuerda sus enfrentamientos con ellos…
Aquí, enfrentarte con un maldito mono es tan irritante como patético o frustrante; más te vale llevar la escopeta y empezar a pegarle tú antes o te mete un combo mortal que ni Daigo. Es lo opuesto a Nemesis, Míster X o los licker: solo son irritantes, no dan miedo, son injustos jugablemente hablando.
Y, bueno, luego están los leech zombie, un enemigo que se come toda la munición que tengas como no adivines o por casualidad no te dé por tirarle cócteles molotov o le frías con cosas explosivas, por no decir que su alcance para dar guantazos es ridículamente largo y quita muchísima vida. Todo esto unido a su mayor aliado: las cámaras fijas, que siempre le beneficiarán para que no veas cómo te pega desde su casa. De nuevo un enemigo irritante del que nadie siente las más mínima nostalgia ni nada similar.
Hay que decir que es complicado avanzar en Resident Evil Zero. La dificultad viene por la gestión ridícula del inventario a niveles extremadamente tediosos, como hemos dicho. Tampoco, repetimos, los jefes son muy complicados (al revés). Hay algún puzzle nivel Resident Evil 1, lo cual es de agradecer, pero la dinámica a la que lleva ese inventario pequeño y ese dejar las cosas en el suelo es matadora. Especialmente cuando el personaje intenta coger objetos que no debe y tienes que estar casi acertando píxel a píxel para coger la escopeta y no la gasolina. Es agotador.
Tampoco es que la historia sea la repanocha (aunque en Resident Evil casi es lo de menos: conforme avanza la saga hasta culminar en Resident Evil 6 todo es cada vez más bobo) y no son los dos protagonistas más carismáticos del mundo. Qué decir del malo malísimo: es complicado ser más olvidable, tener menos personalidad y no parecer una mezcla venida a menos de Birkin + Wesker.
En resumen, un juego que tiene de aprovechable básicamente el principio del juego en el tren, genial en casi todos los sentidos, y alguna parte con puzzles posterior. Especialmente sonrojante el final del juego, que es casi un «nada de esto ha pasado, jajaja, saludos». Pero en fin, no siempre se gana, que diría Lobezno.
Aun y con todo es mejor videojuego que Resident Evil 5, Resident Evil 6 o The Callisto Protocol. También es mejor que el videojuego que ha hecho tu sobrino chico al acabar la FP como prácticas de final de ciclo formativo, siendo este ampliamente mejor que The Callisto Protocol, como bien ilustra Baity Bait:
La nueva entrega de Outlander retoma la trama revolucionaria e introduce un giro inesperado con un personaje al que considerábamos muerto. Analizamos el cuarto episodio de esta séptima temporada, que lleva por título Una Mujer por demás Incómoda. La serie, creada por Ronald D. Moorey basada en la exitosa saga de novelas de Diana Gabaldon, es emitida por Starz, pudiendo ser vista en España por Movistar+ y en América Latina por Star+.
Bienvenidos, una vez más, forasteros y viajeros del tiempo, para analizar otra entrega de Outlander, en este caso la cuarta de esta séptima temporada. Un episodio de ritmo pausado que, aun con algunas inverosimilitudes y encuentros demasiado casuales, retoma al menos la trama de la revolución americana y pareciera dar a la temporada un rumbo más definido, además de traernos el regreso de un personaje al que ya no creíamos volver a ver…
Pasemos ya a analizar esta entrega, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Duendes en Lallybroch
Comenzamos con los esposos Mackenzie en el siglo XX y más específicamente en 1980: de hecho, vemos ya a los niños bastante crecidos. Brianna y Roger están remodelando Lallybroch, pero los presupuestos se vuelven astronómicos. A la vez, el pequeño Jeremiah está dando algunos problemas como destruir un radiodespertador y echarle la culpa a los duendes: si no saben lo que es un radiodespertador es porque tienen menos de cuarenta y cinco años y jamás tuvieron uno…
Obviamente, Brianna no toma en serio a su hijo, pero Roger parece intrigado de que haya mencionado duendes en lugar de hadas, banshees o brujas, más caras a las tradiciones escocesas. Por otra parte, ha encontrado el oro dentro de la bala de mosquete y por un momento sugiere la posiblidad de que Jeremiah pudiera ayudar a encontrar el lugar en que se halla el resto, pero Brianna no ve con agrado la idea y prefiere que, por su bien psíquico, el niño crezca fuera de misterios y viajes en el tiempo, lo cual hasta ahora y por lo que se aprecia, tampoco es que dé mucho resultado…
El Mensajero
En el siglo XVIII, nos encontramos con que el clima revolucionario ya está del todo instalado y letreros por las calles que promocionan la declaración de independencia son arrancados intempestivamente por los “casacas rojas”, entre ellos William. Toca a este presenciar una escena de lo más desagradable cuando un oficial quema a una prostituta por haberle ocultado una enfermedad y es celebrado por el resto de la tropa. Molesto, reacciona (algo tarde, diré) y logra extinguir el fuego, pero es inútil: la pobre mujer ya está exánime.
Al otro día, el capitán Richardson le llama a su despacho, pero no para regañarle ni arengarle, sino, por el contrario, para felicitarle por su valentía en enfrentarse a todo el resto. Lo considera, de hecho y por eso mismo, como el sujeto ideal para llevar un mensaje hasta Dismal Town, localidad junto a un gran pantano en que se hallan acantonados tres militares aliados que se apellidan respectivamente Cartwright, Carver y Harrington. Por un momento fugaz me vino a la cabeza la película 1917…
El Regreso de los Muertos Vivos
Jamie y Claire están camino de embarcar hacia Escocia junto a Ian. Por el camino, el primero está desesperado por hallar manzanas con el argumento de que estarán tres meses en alta mar (¿no es demasiado?) y teme al escorbuto. Ian, en tanto, sigue traumado por haber dado involuntariamente muerte a la señora Bug y está obsesionado con la amenaza de su esposo Arch, a quien cree ver acechando detrás de cada árbol. No es que tema por él, sino por sus tíos, ya que la sentencia de Bug fue precisamente que, para hacer justicia, debía perder “algo que valga la pena”.
Jamie logra calmarlo momentáneamente, pero las cosas se complican impensadamente al llegar a la ciudad y reencontrarse con Cornelius Hartnett, patriota fundador de los Hijos de la Libertad que pretende reclutarlo para la milicia y le pone prácticamente entre la espada y la pared al darle como única alternativa el designar un reemplazo en su lugar.
Ello obliga a aplazar por algún tiempo el viaje a Escocia y si bien Jamie prometió a su hermana que le llevaría a Ian, nunca especificó cuándo. Claire está dispuesta a acompañarlo al frente argumentando que necesitarán médicos. Ian dice que ofrecerá sus servicios a Hartnett para llegar hasta los aborígenes y convencerlos del bando a tomar en la revolución. Lo que más preocupa a Jamie es, sin embargo, la posiblidad de combatir contra su propio hijo, algo que había querido evitar partiendo hacia Escocia…
Pero la mayor sorpresa se la lleva Claire cuando en las calles se cruza con… ¡Tom Christie! No solo eso, sino que este le estampa un beso en plena boca antes de que llegue a reaccionar.
Ambos se consideraban mutuamente muertos: ella por pensar que ya habría sido ajusticiado tras asumir como propio el crimen de Malva y él por enterarse del incendio a través del periódico. Incluso le pregunta si Jamie también sobrevivió y aunque dice alegrarse cuando le responde que sí, pareciera dejar escapar algún deje de desilusión…
Consultado acerca de cómo se salvó, Tom dice que el gobernador le conmutó la pena al darse cuenta de que era culto e instruido y podía ayudarle en tareas de secretario. Podrían haber pensado algo más imaginativo, pero bueno: un deus ex machina (otro más) de los que abundan en la serie.
Y si aun queda más terreno para nuestro asombro, Jamie se toma con toda tranquilidad no solo el saber vivo a Christie, lo que no sería nada, sino también el asunto del beso, al punto de incluso preguntar a Claire si le gustó. Pareciera que todo eso les alimenta el morbo y así caemos en una de las clásicas escenas fanservice anticlima e innecesarias para la trama pero no seguramente para mantener el interés de una parte del público. Lo peor es cuando él recuerda con mórbido placer que ella le pinchó varias veces el trasero con sus “asquerosas agujas”…
Cuáqueros
En el camino hacia Dismal Town, una serpiente espanta a la cabalgadura de William, que se encabrita y huye al galope dejándole en el suelo y con una rama incrustada en el antebrazo. Por suerte (no hay que olvidar que esta es la serie de las grandes casualidades), se cruza con Ian, que lo asiste extrayéndole las astillas y vendándolo, aunque está claro que necesita otro tipo de atención.
Conversando, se ponen al tanto de sus amistades y relaciones, particularmente de que Ian conoce al padre de William por ser amigo del suyo: no le dice nada, desde luego, de que sean primos entre sí. Lo lleva hasta la cabaña de los hermanos Hunter, cuáqueros que, según ha indagado, son lo más parecido a médicos por los alrededores.
El primer diagnóstico de estos es terrible y pretenden amputar el brazo. William dice que prefiere morir, pero Ian le convence de que no tiene alternativa y que debe reunir valor para la drástica cirugía. Por fortuna, sin embargo, la sierra da con la bilis que envenena el brazo y la hace salir, por lo que ya no hace falta la amputación: vaya rapidez la de estos hermanos para dar diagnósticos y vaya fortuna que la sierra, por azar, diera justo con la infección porque, de lo contrario, William tendría para estas horas un brazo menos…
Hay cierta atracción mutua entre Ian y la muchacha cuáquera, cuyo nombre es Rachel. Él, no obstante, se marcha para cumplir con su misión y deja a William al cuidado de los hermanos junto con unas monedas para que se compre un nuevo caballo y… el crucifijo de Jamie.
Pero cuando William vuelve en sí, también hay de su parte cierta afinidad con Rachel que se nota particularmente mientras ella le afeita: también aquí pareciera haber un triángulo pidiendo pista…
William se sorprende gratamente al saber que ella conoce al tal Cartwright y podría llevarlo ante su presencia, aunque su semblante se ensombrece al enterarse que tanto ella como su hermano adhieren a la revolución que él combate.
Marchando junto a la Muerte
Vueltos al siglo XX, vemos a Brianna teniendo una audiencia laboral en la planta de una corporación, pero el ser mujer pareciera ser una traba y más cuando lo que requieren es una secretaria y sus credenciales para la solicitud son de inspectora. Con acidez, dice no entender “qué parte del trabajo de un inspector requiere de un pene” y, valiéndose de los conocimientos hidráulicos adquiridos en el siglo XVIII, señala uno a uno todos los problemas que tiene la represa de la compañía y que bien podrían devenirle a futuro en pleitos legales.
La cuestión es que regresa a casa con el trabajo bajo el brazo pero, contrariamente a lo que podía esperarse, la noticia no cae bien en Roger, quien manifiesta preocupación de los compañeros que pudieran tocarle y el modo prejuicioso en que podrían tratarla. Él juró a sus padres que la cuidaría y no sabe si en el nuevo contexto será capaz de hacerlo…
Amén de ello, el pequeño Jeremiah sigue causando problemas. No solo tiene tendencia a encerrar a su hermana, sino que ahora además han desaparecido las galletas y dice que fue un nuckelavee, demonio con forma de caballo de la mitología nórdica. Admite que lo de los duendes no era cierto, pero afirma que esto sí lo es y Roger, que parece creerle todo, se muestra intrigado de cómo puede su hijo estar al tanto de tal criatura mitológica. No veo por qué: ¿no había libros en 1980?
De regreso al siglo XVIII, una última escena nos muestra a la milicia revolucionaria marchando hacia Fort Ticonderoga mientras Claire reflexiona en off acerca de la mezcla de valor y temor con que los hombres van hacia la guerra: como si la muerte marchase junto a cada uno de ellos…
Balance del Episodio
Me llaman la atención los abruptos cambios de ritmo en esta temporada de Outlander, con momentos en que la trama se acelera y otros en que se cuece a fuego lento como en este episodio, que pareciera una entrega de transición a lo que viene, aunque a la vez da por fin a la historia un eje y ello es bienvenido. Tenía que reaparecer la revolución americana como aquí lo ha hecho y si los Fraser se embarcaban hacia Escocia se esfumaba uno de los conflictos potencialmente interesantes de la historia: el de poner a Jamie ante la posiblidad de enfrentarse a su propio hijo.
El giro que ni por asomo vimos venir fue la reaparición de Christie, de quien justamente me preguntaba en el análisis anterior si debíamos dar su muerte por sentada sin más. Contando a Adso, ya es el segundo “gato de Schrödinger” que sale de la dualidad y solo nos queda Brown, de quien sería bueno que en algún momento nos contaran si Jamie lo mató realmente o no: la reaparición de Christie me da alguna esperanza… Eso sí: la historia de cómo escapó a la horca fue bastante pobre e inconsistente, por no decir sin imaginación…
Por otra parte, sus sentimientos hacia Claire hacen entrar la historia en zona extraña. No se me ocurre que podamos estar ante un triángulo más o menos creíble, pero es rara la forma en que la cuestión es asumida por Claire y lo mismo por Jamie, de quien cabía esperar alguna reacción más intempestiva o violenta. ¿Qué quedó de aquel rudo escocés de las montañas que conocimos en la primera temporada?
Ysi hablamos de personajes que han cambiado, Christie es otro: la beatífica sonrisa de Buda que exhibe de un tiempo a esta parte no se condice con el carácter autoritario e intolerante que le hemos conocido y más aún siendo un hombre que dice haber condenado a su esposa por “prostituta y bruja”. Pero a la vez podría dar lugar a un tratamiento interesante del personaje si aciertan en manejarlo más como contradicción que como evolución.
Curiosamente, los mejores momentos y diálogos tuvieron que ver con la religión. El vínculo filial entre Jamie y William, por ejemplo, queda representado en el crucifijo, cuya significación en la historia excede a la iconografía cristiana y puede competir con la bala de mosquete por ser el Macguffin de la temporada.
También es interesante, en la misma línea, cómo Rachel justifica su adhesión a la revolución en el don de la libertad que Dios otorga: un fundamentalismo pseudo religioso común a muchos discursos patrióticos. O las dudas de Roger acerca de si al cambiar la historia habrá interrumpido el plan de Dios o, por el contrario, fue parte del mismo…
Es interesante asimismo que Ian y William se hayan encontrado, más allá de lo poco creíble de la forma. Y parte de ese interés reside en que solo uno de ambos conozca el parentesco que les une, perfectamente graficado cuando Ian señala que su perro Rollo reconoce a William como “de la familia”. Por cierto, muy buen desempeño de Charles Vandervaarten el papel de este último.
En cuanto al triángulo que podrían llegar a tener con Rachel, quizás hubiera merecido más tiempo de desarrollo para que supiéramos más de ella, que hasta aquí parece una muchacha de “ir al frente” y no sé hasta qué punto ello congenia con su filiación religiosa…
No sé cómo tomar los aspectos mágicos que persisten en aparecer en esta temporada, pues la serie siempre mantuvo como regla no escrita que la única magia residía en las gemas y los viajes en el tiempo. Pero en el episodio anterior hemos tenido a Jamie soñando con Jeremiah y ahora este parece seguirle por el camino de lo sobrenatural con duendes y caballos demoníacos. Qué tanta realidad tendrá todo esto no lo sabemos, pero llama la atención que Roger no se manifieste del todo incrédulo.
Por último, pero no menos importante, el tratamiento de la misoginia y su verosimilitud al ser puesta en contexto de época. Divertido y ocurrente, por cierto, el comentario de Brianna acerca de la no necesidad de un pene para ser inspector, pero es difícil de creer que en 1980 hubiera salido del lugar con empleo después de decirlo. Más creíble me parece el comentario conservador de Roger al sentir culpa de no estar cuidando a su esposa.
En el balance, no ha sido un mal episodio a pesar de ciertas incongruencias y demasiados encuentros casuales. Por lo menos ha ayudado a direccionar la temporada sobre un eje determinado y ha introducido un giro interesante con lo de que Tom está vivo, lo que de algún modo hace que la trama de los Christie no esté tan cerrada como parecía dos episodios atrás.
Agradeciendo su tiempo en leer, les espero e invito a analizar la próxima entrega. Hasta entonces y sean felices…
