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Las 10 mejores películas de género postapocalíptico

El género postapocalíptico es tan versátil como morbosa la imaginación humana. Cómo acabará el mundo es una pregunta que muchos nos hemos hecho y que, en la mayoría de ocasiones, decidimos ignorar por el bien de nuestra salud mental. Pero, sin duda, los contenidos que tratan estos temas tan escabrosos nos permiten explorar los miedos de cada época: los virus asesinos, las catástrofes naturales, la tan manida guerra nuclear… distintos problemas que acechan a nuestros protagonistas sin cuartel y a los que estos reaccionan de forma muy distinta.

Exploremos, pues, los diez futuros catastróficos más fascinantes del Séptimo Arte, y agradezcamos no tener que vivir en ninguno de ellos.

10. Cartas de un hombre muerto (1986)

Género postapocalíptico

Comenzamos con un filme semidesconocido pero muy interesante, influenciado por el Stalker de Tarkovski y en el que se explora un mundo devastado por el conflicto atómico entre la Unión Soviética y Estados Unidos. De ritmo lento y basando su atractivo principalmente en sus diálogos, la película sigue la historia de un científico que malgasta su tiempo escribiendo cartas a su hijo muerto. Aunque sus imágenes son muy impactantes, la calidad de esta propuesta se sustenta básicamente en el retrato psicológico que se hace de unos supervivientes sin esperanza.

9. Wall.E (2008)

Género postapocalíptico

Una fábula postapocalíptica mucho más agradable que otras a las que estamos acostumbrados, Wall.E nos mete en la piel de un robot dedicado a limpiar los residuos de una Tierra convertida en un gigantesco basurero. Un día, su vida dará un giro inesperado cuando se encuentre con otro androide que aterriza en el planeta y que hará que se embarque en una fascinante aventura. Este filme, tan adecuado para los pequeños como para los mayores, nos recuerda que no será una bomba nuclear la que acabe con nosotros, sino nuestra propia autocomplacencia.

8. Mad Max 2: El guerrero de la carretera (1981)

Género postapocalíptico

Esta película es responsable de que, cuando pensamos en el género postapocalíptico, nos imaginemos a una banda ochentera de motoristas  peinados con crestas horteras. Con una influencia innegable en el mundo de la ciencia ficción y decenas de imitadores en el cine de serie B y el anime, El guerrero de la carretera sigue los pasos de un superviviente del holocausto nuclear que tendrá que salvar a una aldea. Los villanos, una comuna de desaprensivos bandidos, le harán la vida imposible a Max Rockatansky y a unos secundarios inolvidables y divertidísimos. Imprescindible.

7. La Jetée/12 monos (1962/1995)

Género postapocalíptico

Esta entrada contiene dos obras, ya que el clásico de Terry Gilliam 12 monos está basado en el revolucionario corto de Chris Marker conocido como La Jetée, en el que se siguen los pasos de un viajero en el tiempo con el objetivo de prevenir el futuro apocalíptico donde se encuentra. Con un giro extraordinario, una estética única y unas escenas brutalmente horribles, estas dos historias se complementan perfectamente y harán las delicias de los amantes de la ciencia ficción más inteligente. Una curiosidad significativa: mientras que el clásico de los años 60 culpa a la guerra nuclear del fin del mundo, la película de los noventa atribuye el apocalipsis a un virus. Los miedos del ser humano, como se ve, cambian con mucha rapidez.

6. Mad Max: Furia en la carretera (2015)

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La saga Mad Max volvió en 2015 con una cuarta entrega que superó en espectacularidad a cualquiera de sus predecesoras y que, en una época dominada por el CGI, sorprendió a los espectadores con unos efectos prácticos que dejaron a todos con la boca abierta. Enarbolando un claro mensaje ecologista y feminista, George Miller nos presentó a los mejores villanos de la franquicia y nos regaló unas hermosas persecuciones que ocupan prácticamente todo el metraje. Visualmente, una de las mejores películas de los últimos años.

5. Snowpiercer (2013)

Género postapocalíptico

Pero quien filmó la mejor película de género postapocalíptico de la década pasada no fue Miller, sino Bong Joon-ho. El director de la oscarizada Parásitos ya introducía en esta cinta protagonizada por Chris Evans una crítica nada sutil al capitalismo salvaje, contándonos la historia de un movimiento revolucionario que surge en un tren que contiene a los últimos supervivientes de la raza humana. Los gobernantes utilizan el miedo al gélido exterior para oprimir a sus súbditos, presentándonos un conflicto muy claro pero no tan maniqueo como podría parecer en un principio. A pesar de la serie del mismo nombre, esta cinta sigue estando injustamente ignorada a día de hoy.

4. La carretera (2009)

Género postapocalíptico

Al igual que nuestra primera elección, la película que ocupa este puesto no es apta para todos los estómagos. La carretera, basada en la novela de Cormac McCarthy, sigue los pasos de un padre y su hijo que intentarán encontrar un hogar en un erial devastado por una catástrofe que no se nos revela pero que nos podemos imaginar. A pesar de sus escenas de gran dureza y del tono indudablemente sombrío, este filme muestra que hay lugar para la humanidad incluso en las situaciones más extremas.

3. El día de los muertos (1985)

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Pensé en incluir las dos entregas anteriores de la saga de los muertos vivientes dentro de la lista, pero caí en la cuenta de que no eran películas postapocalípticas propiamente dichas, ya que sucedían durante el apocalipsis o los días inmediatamente posteriores. Por suerte, George A. Romero era un director incombustible con una gran imaginación, y nos mostró en El día de los muertos cómo las sociedades formadas por los supervivientes se fueron resquebrajando poco a poco. Su crítica al militarismo (durante los años de Reagan) da lugar a una obra amarga de difícil digestión pero aderezada con las dosis adecuadas de gore y humor.

2. Nausicaä del Valle del Viento (1984)

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Este largometraje está ambientado generaciones después de una guerra que diezmó al mundo, pero se aleja radicalmente de la mayoría de exponentes del género postapocalíptico de la lista. El apocalipsis resulta tan lejano que los protagonistas pueden permitirse cierto optimismo, a pesar de que están enfrentándose a una invasión por parte de un reino rival. Y, sin embargo, ese genio que es Hayao Miyazaki se las arregla para reflexionar sobre las guerras que pueden acabar con el planeta. Una gran aventura con una estética sublime que nadie debería perderse y que casi ocupa el primer lugar.

Quizás no sea necesario decirlo cuando la película del primer puesto ha sido destripada y parodiada hasta la saciedad pero, si alguien puede verla sin haberse comido ningún spoiler, se trata de una experiencia única e irrepetible. Avisamos, pues, de que no se sabe que pertenece al género postapocalíptico hasta el final. Por tanto, avanza solo si reconoces la escena en la que un astronauta cae de rodillas ante una Estatua de la Libertad destruida.

Antes de continuar, me gustaría añadir que hay muchas otras cintas meritorias que no han entrado en la lista, como algunas adaptaciones de Soy leyenda o Logan. Asimismo, hay otros filmes que no entran teóricamente en esta categoría (como la mentada Stalker, Hijos de los hombres o 1997: Rescate en Nueva York), ya que sigue existiendo la sociedad de modo u otro, pero que hay que mencionar porque comparten una estética y unas tramas similares.

Sin más dilación, vamos con el primer puesto…

1. El planeta de los simios (1968)

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Basada en una novela de escasa repercusión y con reescrituras muy profundas, nada hacía augurar que El planeta de los simios acabaría engendrando una franquicia que sobreviviría al cambio de siglo y que se convertiría en uno de los clásicos indiscutibles de la ciencia ficción. Sin embargo, el buen hacer de todo el equipo dio a luz a una aventura trepidante pero que se tomaba sus momentos para reflexionar sobre el devenir del ser humano. En este clásico no hay buenos ni malos, sino un protagonista atrapado en un mundo aparentemente demencial y un antagonista que quiere evitar que los hombres vuelvan a convertir el mundo en un erial pero que, irónicamente, repite sus mismos errores. A pesar de que entregas posteriores reconectarían la causa del apocalipsis en numerosas ocasiones, el final original no deja ninguna duda: ha sido la guerra nuclear.

Les dejamos link con nuestro retro-análisis del filme:

Retro-Análisis: El Planeta de los Simios (1968)

El género postapocalíptico: Conclusión

¿Qué nos lleva a fantasear sobre la caída de nuestra civilización? A saber. Quizás lo hagamos para prevenir a nuestros semejantes de lo que podría suceder o, tal vez, por satisfacer nuestros impulsos más malsanos. En cualquier caso, lo que es cierto es que hay tantos futuros apocalípticos como creadores.

Probablemente, las circunstancias de los años venideros den lugar a nuevos productos que nos revelarán nuevas y creativas formas en las que nuestra normalidad puede llegar a su fin. Esperemos que, como los estoicos protagonistas de estas películas, sepamos soportar el futuro que nos aguarda.

Tropa de Élite: la soledad en que te encierras es el infierno

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Tropa de élite (2007) es una película con la que es fácil obsesionarse. En resumen, es una película brasileña de dos horas que trata sobre el dilema de un jefe de operaciones especiales policiales de Río de Janeiro acerca de quién debe sucederle entre los dos candidatos que tiene. Está basada en un libro de un sociológo brasileño, Luiz Eduardo Soares, aunque su adaptación a película vino del director José Padilha junto a Rodrigo Pimentel, un capitán retirado del grupo de operaciones especiales en cuestión.

En su día tuvo un éxito enorme tanto económico como en críticas a nivel internacional. Hubo un cierto debate acerca de si la película era un alegato fascistoide o más bien una crítica a los excesos policiales. Incluso una de las canciones de su banda sonora fue un éxito internacional, el Rap Das Armas. En fin, da mucho que pensar.

Tropa de élite es una película muy clásica en cuanto a narrativa. Comienza in media res para atrapar la atención del espectador rápido: ni más ni menos que el comienzo de un tiroteo entre la policía brasileña con una de las mafias narcotraficantes de las favelas de Río de Janeiro.

El director José Padilha tiene un acercamiento totalmente crudo de la violencia, en el que todo es rápido, frío y sin ninguna idealización. Toda la violencia en la película tiene una apariencia de documental, lo cual le valió la crítica de banalizarla. En realidad el tratamiento artístico de frialdad de la violencia contribuye a la sensación permanente de horror, soledad y peligro que acompaña al espectador toda la película.

Pero, como decimos, no hay grandes alardes narrativos, siendo la trama tremendamente sencilla a pesar de la cantidad de personajes que hay entre mafiosos, policías, universitarios y demás. Es una virtud enorme de Tropa de élite ser capaz de meter a tantos personajes en dos horas y que  en ningún momento haya realmente confusión sobre ellos, sus relaciones o su evolución.

La película tiene muchos momentos de narración acompañados con la voz en off del protagonista, Nascimento, capitán del grupo de élite policial de Río de Janeiro, el BOPE (en portugués: Batalhão de Operações Policiais Especiais). Es su perspectiva de las cosas la que nos conduce por lo que pasa en la película, relatando el estado de decrepitud, corrupción y degeneración moral de Río de Janeiro a todos los niveles.

Nascimento nos transmite en Tropa de élite su asco por la corrupción generalizada en la policía brasileña, con ejemplos espectacularmente patéticos como el del traslado nocturno de cadáveres por parte de la policía para que estadísticamente cuente a otros distritos policiales.

También su asco por la clase acomodada brasileña, a los que pinta como despreciables pijos alejados sentimentalmente de los sufrimientos de las víctimas de las mafias de los narcotraficantes, cuando no cómplices necesarios del tráfico de drogas por sus hábitos de consumo. Y, por supuesto, la total exclusión de la especie humana cuando habla de los propios narcotraficantes.

En mitad de todo ese escenario de corrupción, depravación moral y soledad aparece para él la única luz en la oscuridad: el BOPE, el cuerpo de operaciones especiales policial en el que no se acepta la corrupción ni la debilidad. El último arma de justicia contra todo el Mal que infecta la sociedad de Río de Janeiro.

El hilo conductor de Tropa de élite presenta al capitán del BOPE narrando su visión del mundo, su necesidad de dejar un trabajo tan tremendamente estresante y sus dudas sobre cuál de los dos candidatos a sucederle puede ser el mejor.

En ese sentido, el grueso de la película va precisamente del ingreso en la policía de estos dos reclutas. Por un lado está Neto, un obseso de la justicia a toda costa así le cueste dar cabezazos en una pared, con grandes problemas para contenerse. Por otro Matías, un estudiante universitario defensor de las reglas, los procedimientos y lo civilizado, hasta el punto realmente divertido de aparecer en algunas escenas discutiendo sobre las teorías del poder y las instituciones de Foucault.

Ninguno de los dos termina tragando con el modo habitual de proceder de la policía brasileña, y es el hartazgo lo que lleva a los dos a intentar formar parte de las operaciones especiales policiales.

Tenemos la clásica parte de entrenamiento militar en que se humilla y acosa sin miramiento a los reclutas, recordando por momentos a la parte inicial de La Chaqueta Metálica.  Aunque en Tropa de Élite el protagonismo cae totalmente en el capitán y sus tácticas de humillación, no teniendo ningún recluta ni remotamente el protagonismo del famoso soldado patoso.

Es decir, aquí la narrativa aparta el dolor y sufrimiento de los candidatos casi totalmente, exaltando el papel de cribador de débiles y corruptos del protagonista. El director brasileño es aún más cruel que Kubrick, que al menos sí nos presentaba los llantos y dolor del recluta patoso o su ya conocido final. Aquí los eliminados desaparecen directamente del relato sin más.

Esta similitud no es la única. La escena final de Tropa de Élite es esencialmente la misma que la de La Chaqueta Metálica. Es prácticamente la misma situación, el mismo momento de tentación de cruzar una línea roja, la misma tensión. Aunque debemos decir que donde en Kubrick hay un plano final largo para recrearse en el momento de conmoción del protagonista, aquí la resolución es rápida y no hay ningún detalle después, en el mismo espíritu de transmitir así el escaso valor de la vida humana.

Tropa de élite transmite con la narrativa toda la sensación de peligro constante y de mentalidad de asedio del protagonista con enorme eficacia. Pero sobre todo no trata al espectador como a un idiota. Es decir, por más que no se ponga a explicarnos las razones profundas de la pobreza o de la corrupción tampoco retrata a nadie como idiota…

Los corruptos siguen una lógica adaptada al sistema económico y social en el que viven, convirtiendo en suicidio cualquier iniciativa estrictamente individual de enfrentarse a ella. Es fantástico el retrato de los mecanismos de la corrupción policial y sus lógicas internas, así como la manera en que es posible aprovecharse de estas.

Se trata con un desprecio impresionante a los niños pijos universitarios, a los que se pinta como corresponsables de la financiación de los narcotraficantes, pero también se trata de manera creíble sus lógicas internas de comportamiento dentro del ecosistema planteado en Tropa de élite.

Y qué decir de los dueños de tiendas o los propios narcotraficantes: en apenas dos horas todo el mundo actúa como engranajes de un reloj. Dicho de otro modo, los pensamientos abiertamente reaccionarios del protagonista son al final pura masturbación: se sitúa en una atalaya de pureza moral en la que actúa como una espada de la justicia de manera aislada, sintiéndose por encima de todo y de todos.

La película es maravillosa por, insistimos, no retratar como idiota ni como inocente a nadie adulto, sino que trata sus comportamientos como consecuencias lógicas de la posición económica y social en que están. Especialmente, por supuesto, al ya inolvidable protagonista cuya voz en off acompaña toda la película.

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La polémica sobre el tratamiento de la violencia o la justificación de los excesos reales de este grupo de élite policial es quizás lo que hemos hablado alguna vez por aquí. Al fin y al cabo basta leer una entrevista con el sociológo Luiz Eduardo Soares, autor del libro en que se inspira la película, para disipar cualquier duda al respecto. Cualquier declaración posterior ha ido en el mismo sentido:

Era necesario, de nuevo, bucear en un universo, ahora policial, buscando una perspectiva sorprendente en relación a los estigmas. De nuevo, necesitaba de cómplices venidos de aquel mundo, que hablaran desde dentro y pudieran escuchar a sus colegas como tales, como compañeros. Yo era amigo de Rodrigo Pimentel, ex capitán de BOPE, desde hacía bastante tiempo y él sugirió que incorporáramos a André Batista al proyecto. La historia de vida de André es una matriz narrativa extraordinaria, vale como una radiografía de Río de Janeiro. Su experiencia, entre lo que ve y vive, entre la guerra de los combates nocturnos en las favelas cariocas y su vida de estudiante becario de derecho en la Universidad Católica, es tal vez una historia nacional. ¿Están, de un lado, aquellos a los que hay que matar y del otro los que son un modelo a admirar?  Esa fractura, que tiene un costado de complicidad y otro de incomunicabilidad, especie de apartheid psicológico, cultural y práctico, ese abismo que separa las dos dimensiones, es sintetizado en el recorrido cotidiano del personaje narrador del “diario de guerra”, inspirada en la vida de André. 

También debería zanjar cualquier debate el hecho de que el propio director de la película dijo abiertamente que la policía en Brasil es peor que los traficantes de drogas. Las intenciones de Tropa de élite son, pues, varias. Montar en dos horas una explicación creíble y adulta además de narrativamente impactante sobre la corrupción y violencia en Río de Janeiro. La construcción psicológica creíble y compleja del discurso justificador de la violencia por parte de responsables policiales en un entorno de pobreza y violento. La exposición de cómo la soledad lleva a la mentalidad de asedio y a la imposibilidad de comunicación o remota empatía entre partes de un conflicto. Se consigue todo esto de manera sobresaliente y de un modo fascinante, consiguiendo llegar con facilidad al gran público.

En definitiva, es posible que como relato de la progresiva soledad y deshumanización del individuo que se verá empujado a usar la violencia no sea inferior a la mismísima La Chaqueta Metálica. Y quizás por momentos sea incluso mejor.

Saludos.

Tráiler final de Gen V. Del mundo de The Boys. Yo a este instituto no voy ni loco

Prime Video nos trae el tráiler oficial de la esperada serie original Gen V, basada en el universo de The Boys. La serie se estrenará en exclusiva en Prime Video con tres episodios el viernes 29 de septiembre seguidos de un estreno semanal hasta el épico final de temporada el viernes 3 de noviembre.

Gen V

Ambientada en el diabólico mundo de The Boys, Gen V expande su universo a la Universidad de Godolkin, la prestigiosa universidad exclusiva para superhéroes donde los estudiantes se entrenan para convertirse en la próxima generación de héroes, preferiblemente con fines lucrativos. Ya sabes lo que pasa cuando los supers se vuelven malos, pero no todos los superhéroes empiezan siendo corruptos. Más allá del típico caos universitario de encontrarse a uno mismo y salir de fiesta, estos chicos se enfrentan a situaciones explosivasliteralmente. Mientras los estudiantes compiten por la popularidad y las buenas notas, está claro que lo que está en juego es mucho más importante cuando hay superpoderes de por medio. Cuando el grupo de jóvenes supers descubre que algo más grande y siniestro está sucediendo en la escuela, son puestos a prueba: ¿Serán los héroes o los villanos de sus historias?

El reparto de la serie está formado por Jaz Sinclair, Chance Perdomo, Lizze Broadway, Shelley Conn, Maddie Phillips, London Thor, Derek Luh, Asa Germann, Patrick Schwarzenegger, Sean Patrick Thomas y Marco Pigossi. Gen V también cuenta con Clancy Brown y Jason Ritter como estrellas invitadas, así como con Jessie T. Usher, Colby Minifie y P.J. Byrne, que retoman sus papeles de The Boys.

Yo no es por nada, pero visto el tráiler creo que estamos ante una serie del nivel de la original. Esto promete… y mucho.

Osario Norte, los últimos días de San Valentín, nos trae cartel y tráiler final

Osario Norte, los últimos días de San Valentín, el largometraje documental escrito y dirigido por el gaditano José Manuel Serrano Cueto viene con novedades y es que en las últimas horas ha sacado el cartel y el tráiler de cara a estrenarse próximamente.

El documental cuenta la vida, pero sobre todo la muerte, del prolífico actor argentino Jorge Rigaud quien fallece en extrañas circunstancias tras un accidente de tráfico, sumido en la soledad. Cuando Serrano Cueto descubre que el actor está enterrado en Leganés, en una fosa común, comienza una cruzada para sacarle de la desmemoria.

El realizador hace con Osario Norte arqueología cinéfila recuperando del olvido al actor argentino, advirtiendo además del peligro de, como él lo llama, “la fugacidad del éxito“, denunciando que instituciones o entidades deberían velar para que los artistas como Rigaud no acabasen relegados al desamparo y olvido tras una vida dedicada al cine.

En el tráiler podemos ver a personalidades del cine como Pedro Casablanc, Paca Gabaldón, Lone Fleming o Eugenio Martín.

Osario Norte está guionizada y dirigida por José Manuel Serrano Cueto, mientras que el montaje, el sonido y la producción corren a cargo de Jorge Rivera. La banda sonora ha sido realizada por la compositora malagueña Isabel Royán.

Osario Norte

 

 

Análisis de Ahsoka. Temporada 1. Capítulo 4

Ahsoka vuelve para darnos el mejor capítulo de esta temporada, con algunos giros inesperados y un punto de inflexión que dará mucho que hablar entre los círculos de fans. Aunque le ha costado arrancar, la serie demuestra que Dave Filoni sabe lo que hace y que este capítulo extendido de Star Wars: Rebels puede tener desarrollos interesantes para el universo de La guerra de las galaxias. Sin más dilación, saltemos al hiperespacio.

La misión de Ahsoka

Ahsoka y Sabine siguen con su misión para impedir que Morgan Elsbeth y sus esbirros alcancen a Thrawn, pero empiezan a surgir imprevistos: los soldados enemigos provocan daños en su nave y el éxito parece cada vez más lejano. Sin embargo, eso no es lo peor: al fin y al cabo, las protagonistas están acostumbradas a las situaciones extremas. Pero, en esta ocasión, se está poniendo a prueba su amistad.

Ahsoka

Y es que, mientras que la prioridad de Ahsoka es impedir que el Gran Almirante vuelva a la galaxia para intentar dominarla, Sabine no puede dejar de pensar en Ezra. Su oponente Baylan Skoll está al tanto de esto y sabe explotar bien las tensiones entre ambas, con lo que la mandaloriana se verá tentada de dejar a un lado la misión.

El atractivo del Lado Oscuro

Ha costado pero, después de tres episodios simplemente correctos, este capítulo es puro Star Wars. Por un lado, tenemos las excelentes escenas de acción, con un entorno reconocible pero alienígena y unos combates de espadas láser en los que sentimos cada golpe. Hasta Huyang tiene un pequeño papel en unas escaramuzas donde veremos intervenir a todos los personajes, cada uno actuando de forma consecuente con su personalidad y actos. Cabe destacar el combate de Ahsoka con el inquisidor, donde se traslada a estos villanos a la acción real de un modo mucho más espectacular que en Obi-Wan Kenobi.

Ahsoka

Pero lo que hizo grande a La guerra de las galaxias no fue únicamente la acción, sino también aquellas míticas escenas en los que los personajes debían tomar una decisión. Anakin asesinando a Mace Windu, Darth Vader revelando su verdadera identidad a su hijo, Lando traicionando al Imperio por sus amigos, Luke siendo incapaz de rematar a su padre y Anakin rebelándose por fin contra su maestro Darth Sidious. Momentos de un enorme peso emocional en los que se hace frente a un dilema y se toma una decisión, acertada o errónea. Y este ha sido uno de esos grandes momentos.

En este caso, ha sido Sabine quien ha decidido traicionar a Ahsoka por la posibilidad de encontrar a Ezra gracias al mapa. Parece probable que acabará redimiéndose, pero es un punto de inflexión para un personaje que quizás intente coquetear con el Lado Oscuro de la Fuerza para despertar esos poderes que no tiene. El soberbio final del episodio, con los villanos cumpliendo su objetivo y ese melancólico «tengo un mal presentimiento» que no se siente forzado, casi nos hace olvidar la decisión de Hera de llevar a un niño a un campo de batalla.

Especulaciones y enigmas

Este episodio contiene algunos guiños, como Ahsoka refiriéndose a Thrawn como «un heredero del Imperio«, el título de la novela en la que debutó. Sin embargo, los espectadores que gustan de especular y elaborar teorías estarán de capa caída por la muerte poco ceremoniosa de Marrok, el espadachín enmascarado que muchos creían que era algún viejo conocido. En su lugar, ha sido derrotado por la protagonista, expulsando una especie de niebla verde como la que soltó Savage Opress al morir en Las guerras clon. Quizás se tratara de un simple esbirro de las Hermanas de la Noche.

Ahsoka

La identidad y objetivos de Baylan resultan más interesantes. ¿Cómo sabe que Anakin era Darth Vader? ¿Se lo habrá dicho Thrawn, que dedujo su identidad, o lo ha descubierto por algún otro medio? ¿Es capaz de leer mentes, como especulan algunos? ¿Cuál es su fin último? Preguntas sin respuesta que, en cualquier caso, nos hacen lamentar la pérdida de un actor que consigue dar vida a un personaje de gran interés.

Conclusión

Es una pena que Ahsoka no se llame Sabine Wren, porque es ella quien verdaderamente lleva el peso de esta historia. Sin embargo, la contundente escena final promete una nueva epifanía para Ahsoka, que ha vuelto a ver después de tanto tiempo (y de su trágico encuentro en Star Wars: Rebels) a su maestro Anakin Skywalker. No sabemos si es una simple alucinación o si se trata realmente de su espíritu, pero lo que es seguro es que el próximo episodio hará que más de uno tenga que sacar el pañuelo para secarse las lágrimas.

Una de las mejores series vuelve a Netflix 3 años después

Después de tener un 100% de notas positivas en Rotten Tomatoes, nota que es insuperable por razones obvias, vuelve a Netflix una de las mejores series 3 años después.

Y hablamos de una serie que en 2021 ya cautivó a propios y extraños, siendo catalogada como una de las mejores de ese año. Nos referimos nada más y nada menos que a Arcane, una serie de animación franco-estadounidense basada en el mundo de League of Legends y que fue presentada por motivo del 10º aniversario del videojuego.[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

las mejores series

Incluso la canción Enemy de Image Dragons pertenece a la BSO de esta serie. Arcane es una serie casi perfecta en animación, en sus personajes y en su trama y fue número 1 en varios países del mundo.

Queda mucho por explorar del universo League of Legends, y nos podemos eternizar con una temporada cada 3 años, pero los creadores y desarrolladores de la serie han primado la calidad total sobre la rapidez, y por tanto esta demora parece (y esperemos que sea así) justificada.

Tal y como se ha revelado en la Conferencia Tencent Video V Vision, la temporada 2 de Arcane se estrenará en Netflix en algún momento del cuarto trimestre de 2024, entre octubre y diciembre. Por tanto 3 años después del estreno de la primera temporada.

En Las cosas que nos hacen felices hicimos 2 críticas de la serie para los que aún no la conozcan o para aquellos que quieran revivir Arcane con nosotros.

Crítica de Arcane actos 1 y 2. Una magnífica serie más alla de League of Legends

Crítica de Arcane acto 3. Un espectacular cierre que nos deja con ganas de más

Como siempre desde la web haremos reseñas y críticas de la temporada 2 de Arcane. Aquí estaremos, como siempre.

Un saludo y sed felices

Novedades Norma Editorial de septiembre de 2023.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Se está acabando el verano y ya mismo estamos viendo las hojas caer de los árboles y Norma Editorial nos presenta las novedades previstas para este mes de septiembre. Echemos un ojo …

Novedades Norma Editorial de septiembre de 2023

De entre todas las novedades de septiembre, del catálogo de Norma Editorial, vamos a intentar seleccionar dos obras. Las que más nos llaman la atención.

Todo ello con el único propósito de ayudar a vuestra cartera. Porque cada vez tenemos más novedades de todas las editoriales.

1.- La Sociedad Paranormal Británica: Tiempos Inmemoriales.

Norma

«SIMON BRUTTENHOLM Y HONORA GRANT INVESTIGAN DOS MISTERIOS EN EL PUEBLO DE NOXTON

Honora espera encontrar información sobre las singulares tradiciones del pueblo y Simon busca a su ayudante desaparecido. Dos investigaciones distintas que no obstante transcurren por el mismo camino… ¡un retorcido camino que conduce al terrible secreto que se oculta tras la inocente fachada de Noxton!

Chris Roberson expande el universo creado por Mike Mignola con una espeluznante historia dibujada por Andrea Mutti y coloreada por Lee Loughridge».

Saldrá a la venta el 22 de septiembre, con un P.V.P. de 20€.

La segunda de nuestras recomendaciones es …

2.- El Gato del Rabino 9. La Reina del Sabbat.

Norma

«NUEVA ENTREGA DE LAS AVENTURAS DEL GATO FILÓSOFO DE JOANN SFAR

La vida pone a prueba las habilidades detectivescas del gato del rabino. Y es que la hija de su dueño, la hermosa Zlabya, ha decidido abandonar el hogar paterno a consecuencia de una disputa doméstica.

¿Sigue viva? ¿Dónde se ha metido? ¿A qué se dedica? Gato y rabino tendrán que averiguarlo mientras siguen a rajatabla los preceptos del Talmud. 

Joann Sfar (La Mazmorra, Teniente Blueberry) nos catapulta al universo más original, maravilloso, disparatado y filosófico de todo el cómic francobelga».

También saldrá a la venta el 22 de septiembre, con un P.V.P. de 23€.

Podéis echar un ojo a toda la colección, publicada hasta el momento, en la web de Norma Editorial pinchando aquí.

Estas han sido nuestras dos recomendaciones. No obstante, más abajo, os dejo el pdf completo con todo el catálogo de novedades de Norma Editorial, previstas para este mes de septiembre.

Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

Crítica de Poquita fe (2023), lo complicado de hacer reír con sencillez.

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De todos los géneros que aborda el mundo del cine y las series de televisión, probablemente la comedia sea el más complicado de todos ellos. Y es que puede ser fácil empatizar con el sufrimiento humano y hacernos derramar unas cuantas lagrimitas. Sin embargo, no es tan sencillo hacer reír a personas de toda clase y condición. En otras palabras, es muy difícil hacer reír. Pero Poquita fe, serie de reciente estreno en Movistar +, consigue hacer posible lo imposible: que todo el mundo la vea, como mínimo, con una sonrisa.

Creada por Pepón Montero y Juan Maidagán, mentes pensantes detrás de películas como Los del túnel o ese serión que fue Camera Café, Poquita fe se centra en Berta y Jose Ramón, una pareja recién entrada en la cuarentena y su rutina a lo largo de un año, plagado de conflictos internos y externos.

Lo que más llama la atención de su título es ese “poquita” que nos transmite sencillez. Porque Poquita fe es sencilla desde su propio planteamiento. Entre tanta serie alargada con relleno de hora por capítulo, tenemos doce capítulos, uno por cada mes del año, de quince minutos cada uno, convirtiendo a Poquita fe en una serie que puedes degustar poco a poco, en pequeños ratos de tiempo libre de tu día a día o engullirla del tirón cualquier tarde de fin de semana.

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Esa sencillez no solo impregna la duración de sus capítulos, sino su propia trama. Berta es profesora de una guardería. Jose Ramón, vigilante de seguridad. A lo largo de la serie no vemos grandes conflictos de pareja. Ni rastro de enredos amorosos o giros argumentales tan espectaculares como poco creíbles…

Sencillamente, vemos sus vidas, una colección de pequeños momentos que, para cada quien, se pueden convertir en enormes obstáculos que nos pueden llegar a atormentar y a los que no les vemos solución. De esas situaciones que esperamos que se resuelvan solas pero, lejos de solucionarse, el tiempo solo va enredando más y más.

Los conflictos pueden ser de lo más variopintos. No querer salir al mismo bar con tu pareja, no haberle dado una moneda al mendigo de tu barrio, que  un niño al que le das clase te vea y solo tenga ganas de llorar… y claro, la familia.

Porque Berta y Jose Ramón serán una pareja, pero como todas las que campan por este pequeño mundo, no están solos. Están los padres de Berta o su alocada hermana. Está el vecino. Está la madre de Jose Ramón. Está la mejor amiga de ella. Y muchos otros personajes.

Poquita fe habla precisamente de eso, de la escasa confianza que tenemos en que el otro, por mucho que lo queramos, comprenda que lo que se nos pasa por la cabeza puede ser una tontería pero a nosotros nos preocupa. Y, de ahí, surge la incomunicación y el no entenderse. Porque todos los problemas que vemos en la serie se resolverían, sencillamente, hablando cara a cara.

Ese esconder lo que nos gustaría y no poder evitar mostrarlo, esa pura neurosis, está contada a través de lo absurdo de las propias situaciones del día a día que se aderezan con réplicas a la cuarta pared, como si de Modern Family o The Office se tratara. Las réplicas son geniales y suelen incluir a todos los personajes recurrentes de la serie o, incluso, a otros que solo aparecen una vez y no volvemos a verlos en los doce capítulos.

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A nuestros protagonistas los encarnan Esperanza Pedreño, que ya demostró la maravillosa comediante que es en Camera Café con ese aspecto ingenuo y excesivamente serio a lo Buster Keaton, el cómico que hacía reír pero jamás se reía. Y José Ramón está encarnado por Raúl Cimas. Ambos están más que acertados como personajes totalmente normales. Tan normales que hacen gracia.

Poquita fe ha sido un éxito merecido para Movistar Plus por lo difícil que es mostrarnos lo complejo de la rutina de una pareja actual con la que es imposible no sentirse identificado. Porque una relación amorosa implica avanzar a través de unos diques tan grandes como las propias inseguridades de cada uno, las de la pareja y las influencias de familia, amigos e, incluso, gente  no tan conocida. Y no solo las muestra, sino que nos hace reír con ellas.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Análisis de Fundación. Temporada 2. Episodio 8

Continuamos analizando la segunda temporada de Fundación, esta vez con el octavo episodio cuyo título es La Última Emperatriz y que viene con un par de revelaciones clave. La serie, creada por David S. Goyer e inspirada en la célebre saga de Isaac Asimov, es emitida por Apple TV+.

Bienvenidos otra vez, psicohistoriadores. La verdad es que esta segunda temporada de Fundación se pone cada vez más interesante y el episodio que hoy nos ocupa, octavo de la misma, ha sido muy rico en revelaciones. Hay muchísimo por contar y por analizar, así que mejor no perdamos más tiempo y entremos ya mismo a ver qué nos ha dejado esta entrega, no sin antes advertir, como siempre hacemos, que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA, además de cumplir en recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

El Pasado Robótico

Comenzamos en el palacio de Trántor, más precisamente en los aposentos de Demerzel, donde, para su sorpresa, Dusk encuentra a Rue y se pregunta cómo ha logrado llegar cuando los corredores de la servidumbre son secreto de estado: aun cuando los conociera deel pasado, como es el caso, ese recuerdo debería haberle sido borrado.

Ella le pone entonces al tanto de que en Dominion han desarrollado un método para recuperar recuerdos, lo que despierta en él especial interés después de las dudas y sospechas que, tres episodios atrás, manifestara sobre posibles lagunas de memoria y recuerdos faltantes en la dinastía genética.

El que Rue conozca los corredores hace, no obstante, hace sospechar a Dusk de su posible participación en el reciente atentado contra Day, pero ella rechaza la acusación argumentando que, después de todo, el matrimonio con Sareth conviene a Dominion. Justifica más bien su presencia allí en que Demerzel se ha convertido en una amenaza para su reina y se cuestiona quién es o qué rol cumple en el palacio. Ante la pregunta, la mente de Dusk parece ponerse en blanco mientras una y otra vez, como si se tratara de un programa, repite: “ella siempre estará aquí, como siempre lo ha estado”.

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Llama la atención de Day un diseño en la habitación que reproduce un sistema de ocho planetas y que es idéntico a otro que se halla en los murales que recrean la historia del Imperio. En el pasado, dice, los robots servían al mismo, pero la crueldad con que fueron tratados les llevó a pedir ser considerados como humanos y, ante la negativa, se volvieron asesinos. Ello quedó en evidencia cuando, en abierta contradicción con la Primera Ley Robótica, el emperador Benefoss fue muerto por uno de ellos…

La consecuencia, sigue narrando Dusk, fue que entraron en guerra primero entre ellos y después contra los humanos. Una vez derrotados, fueron prohibidos, siendo Demerzel el único robot que, se supone, subsiste en la galaxia…

Rescate en Trántor

Todo se apronta para la ejecución de Poly y Constant que, a modo de ejemplo, será transmitida en vivo para toda la galaxia. En su discurso, Day condena la ingratitud de Términus para con la benevolencia de un Imperio que en su momento les permitió exiliarse, además de que hayan hecho alianza con Tespis y Anacreonte, mundos que han practicado el terrorismo.

En escena que remite a Poncio Pilatos, pregunta a la multitud quién de ambos debería morir primero y eligen a Constant. Se coloca entonces alrededor de su cuello una particular guillotina de púas dentadas a la que se conoce como “anillo de tifón” y ella comienza a rezar, siendo seguida por Poly. Day se burla, pero le dura poco, pues como si la oración fuera escuchada, el lugar se sacude violentamente con el arribo de una nave de salto y, al comando, Hober Mallow al rescate…

Épica escena. Day yace herido y sin aura por efecto del salto. Demerzel intenta protegerlo pero, desencajado, él rechaza su ayuda. Presa del terror, ve de pronto a Beki descender de la Spirit y abalanzársele: lo zamarrea como si fuera un trapo y sus fauces están a punto de dar cuenta de él cuando los guardias intervienen a tiempo para eliminar a la bestia. Lástima…

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La polvareda permite a Mallow esquivar los disparos y llevarse a Constant, aunque no llega a rescatar a Poly. La Spirit parte y Dusk exige una respuesta rápida y contundente, pero Day, de manera sorpresiva y como si el estar a punto de morir le hubiese hecho replantear algo, asume una postura más dialoguista al anunciar que partirá a Términus para verse las caras con “el fantasma de Seldon”. Más sorprendente aún es que Sareth le apoye y diga que la boda puede esperar… o quizás lógico, porque claramente le quiere lejos para moverse con tranquilidad…

Day deja interinamente el gobierno en manos de Dawn, a quien pide que cuide de Sareth y ello presagia morbo si consideramos la oferta que ella hiciera a este en la entrega anterior. Está claro que Sareth juega a seguir fragmentando la dinastía pero, en privado, Rue le recrimina no controlar sus emociones: de conocerse su relación con Dusk, dice, podría haber consecuencias funestas para ella y su reino. Aun así, obstinada y caprichosa, Sareth repone que sigue siendo ella quien toma las decisiones…

Mientras tanto y lejos de allí, Bel Riose acaba de presenciar la transmisión de la frustrada ejecución en compañía de Glawen, a quien lo ocurrido da nuevas ínfulas para insistir con que el Imperio no es intocable…

La Mano Izquierda

En Ignis, Gaal advierte la ausencia de Salvor y pregunta a Tellem al respecto; ya antes, se había dado cuenta que algo ocurría con Seldon al sentir que se ahogaba. Tellem le destaca cuán especial es al poder percibir algo así a la distancia y no tiene más opción que admitir que ha matado a Hari y que Salvor se halla “lejos y cómoda”.

Gaal exige verla y es entonces cuando Tellem la pone al tanto de que ella no está en realidad allí y de inmediato la joven se ve en el fondo de un foso sobre el que penden extraños discos que, según se le informa, son “bozales” que bloquean sus capacidades psíquicas.

De hecho, Salvor se halla en un foso similar y hasta allí se llega Josiah, el niño con el cual viniera trabando amistad desde el episodio anterior. Este le pone al corriente de que Gaal será llevada por alguna razón a una mesa en el palacio y Salvor lamenta que Hari no esté allí para ayudarla a neutralizar los discos, pero es entonces cuando una idea despierta en su mente…

Tiene en su poder el Radiante, pues, antes de morir, Seldon le dijo en dónde estaba y ello le da la posibilidad de comunicarse con su versión de la Bóveda. Es así como este se acaba enterando de la superposición cuántica y de que es una copia con información incompleta: en sus propias palabras, una “mano izquierda que no sabe lo que hace la derecha”, lo cual le lleva a la conclusión de que debe haber una Segunda Fundación de la que nada sabe.

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Ahora tiene información que no debería y el plan está de alguna forma alterado: de hecho, ella le habla de mentálicos, de telépatas y de Hober Mallow, cuyo papel será fundamental en la caída del Imperio. Después de ayudar a Salvor a descifrar los discos que bloquean el foso, cae en un pregunta: “Si la mano izquierda no es capaz de apoyar el pulgar en la balanza, ¿entonces para qué lo tiene?”…

Se viene una gran revelación, pues realiza entonces el llamado a Hober Mallow que, en su momento viéramos escrito en la Bóveda, lo cual nos anoticia de que las historias en Ignis y en Términus estuvieron durante todo este tiempo separadas temporalmente. Y el llamado a Mallow, entonces, fue hecho por influencia de Salvor. ¡Wow!: vaya paradoja o círculo vicioso…

Historias Individuales

No es Salvor la única que tiene una conversación con Seldon versión Bóveda. Otro tanto ocurre en Términus, donde a las puertas de la misma este se presenta a un Sermak que, apesadumbrado por la presunta muerte de su hija, le echa en cara que ella murió por tener fe en él. Le acusa de no tener en cuenta a los individuos por atender la gran historia…

Seldon repone que la historia es, en definitiva, consecuencia de recuerdos, decisiones y acciones de individuos, o sea que sí son importantes y tenidos en cuenta. Es la primera vez que, en alguna de sus versiones, muestra algo de empatía o humanidad y no podemos dejar de relacionarlo con la pérdida que él mismo sufrió en el pasado: una historia justamente individual y un recuerdo que también tiene la versión de la Bóveda. No obstante y a pesar de entender el dolor de Sermak, no puede decirle si Constant está viva o muerta.

Arrestados

A bordo de la Spirit, Mallow logra quitar a Constant el anillo no sin algo de azar ni reminiscencias del clásico e insufrible “cable rojo – cable azul”. Ambos lamentan la pérdida de Beki y no haber podido rescatar a Poly, cuya suerte desconocen.

No pueden hacer un nuevo salto porque esa zona del espacio está patrullada por naves del Imperio que descubrirán su presencia. Constant propone aprovechar el momento para tener sexo y así lo hacen, tras lo cual se prometen que cada uno asistirá siempre a la ejecución del otro, tal como ha ocurrido en sus dos momentos de encuentro.

Pero cuando él va en busca del vino que guardaba Poly, la nave se ve iluminada y se oye la voz de Riose informándoles que están arrestados y serán acoplados y abordados de un momento a otro…

El Último Recurso

Un interesante diálogo tiene lugar entre Poly y Day mientras se hallan en viaje a Términus a bordo de la Rubicón. Mientras el primero reflexiona que será el único en ver las dos crisis, el segundo busca hacerle ver adónde le ha llevado su fe. Poly objeta que siempre se trató de ciencia, siendo la religión solo un adorno, a lo que Day replica que es difícil volver a pensar una vez que uno se ha arrodillado y orado, algo que quizás (acotación mía) podría hacerse extensivo a la humanidad toda…

Afirma que hay un orden natural y nada puede resistir un ataque nuclear, pero Poly le enrostra el dicho de los guardianes (y célebre latiguillo del propio Asimov) según el cual “la violencia es el último recurso del incompetente”. Day dice que es una pésima frase, pero probablemente cierta…

Conciencia Eterna

En Ignis, Gaal permanece inmovilizada en la mesa de la que habló Josiah y que luce como altar de sacrificio, pero es más complejo que eso. Tellem cuenta que ser considerada una diosa desde pequeña fue para ella un trauma, piues le condenó a una vida de pasividad hasta que un día se dio cuenta que estaba envejeciendo. Se valió entonces de sus habilidades para transferir su conciencia a una niña, que no es otra que la que vimos dos episodios atrás y que fue su segunda encarnación, pero luego vinieron otras…

Descubrió que podía repetir el proceso indefinidamente y vivir para siempre, pero aumentando sus poderes a cada oportunidad y llegando incluso a captar voces de mundos lejanos. Así fue como le llegó la de Gaal en Synnax: más aún, fue ella quien implantó en su mente la idea de escapar de allí. Otra vez: ¡wow!…

El Poder Real

En Trántor, la ausencia de Day es aprovechada por Dusk para seguir investigando junto a Rue y por Sareth para tener su momento íntimo con Dawn. En el primer caso, descubren en los murales un pasadizo que lleva a una cámara secreta en la cual les recibe una imagen holográfica de Cleon I, quien les anoticia de que en el pasado eso fue una prisión…

En el segundo, Dawn manifiesta no querer que su futuro hijo sea criado por un monstruo como Day, ante lo que Sareth propone eliminarlo a él y a sus clones para que de esa forma que de él en el poder y su hijo sea legítimo heredero. Dawn replica que no es solo eliminar datos o tejidos, ya que son sus hermanos y ella entiende entonces que el verdadero poder dentro de la dinastía lo tiene Demerzel…

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Balance del Episodio

Gran entrega: saltando ininterrumpidamente de un escenario a otro, ha tenido épica, intriga política, diálogos interesantes y revelaciones. La más notable es la de Demerzel, cuyo personaje es muy distinto al de los libros, pero su historia pareciera ahora estar conduciendo al mismo lugar, algo que hablábamos con un lector en los comentarios del análisis anterior.

Hasta se nos ha dado alguna señal visual sobre la cual no quisiera insistir demasiado por probables spoilers, pero que lleva a entender su papel. Solo espero que el mismo no lo expliquen con demasiada prisa, porque su identidad y objetivos se revelan recién en la última novela de la saga y preferiría que tuviéramos serie para rato…

Está claro que su rol es más que de mero protector y aunque a veces pareciera no lograr imponerse sobre la dinastía y, especialmente, sobre Day, la impresión es que las cosas siempre acaban yendo hacia donde quiere. Y las sospechas en el interior de la dinastía se están volviendo cada vez más corrosivas, pues tanto Dusk como Dawn están sacando por cuenta propia conclusiones que pueden llevar a una caída que quizás no venga en la forma que Day pretende …

Al igual que en los libros de Asimov, la trama de la Fundación se empieza a unir con la de sus novelas robóticas, pero habrá que ver cómo encaja en algunos caminos particulares que ha tomado la serie: sin ir más lejos, que Demerzel sea, al menos según parece, el único robot inteligente que queda en la galaxia (en los libros eran pocos, pero había más).

«¿Qué Dios detrás de Dios la trama empieza?», se preguntaba Jorge Luis Borges en su poema Ajedrez y esa es una idea que ha sobrevolado el episodio remitiendo a Platón y su célebre alegoría de la caverna.   Se aplica a la revelación sobre Demerzel y su rol para con la dinastía genética, pero también al Seldon de la Bóveda que, como Dusk, descubre un plan mayor del que nada le han contado. Y se hace extensivo a Poly cuando manifiesta que detrás de la religión siempre ha estado la ciencia.

Las apariciones de Bel Riose fueron pocas pero importantes y presagian escenario conflictivo. No creo que la insistencia de Glawen en rebelarse contra el Imperio sea un dato al azar o que no acabe influyendo sobre Bel si es que aún no lo está haciendo: de hecho, no sabemos si el arresto de Mallow y Constant ha tenido que ver con su lealtad imperial o con algún objetivo propio y no hay que olvidar que la nave en que viajan puede servirle.

Y si hablamos de naves, que Day se desplace hacia el Confín en una llamada Rubicón tampoco suena casual, pues el nombre coincide con el del río que cruzó Julio César al rebelarse con sus legiones contra la República Romana.

¿Y qué hay de Tellem? Vaya que era escabroso su objetivo, que parece desconectado del resto de las tramas. ¿Pero será así?  Siendo su personaje exclusivo de la serie, no hay forma de saberlo, pero sigo pensando que, a la larga, su historia conduce a la del Mulo. Y si atendemos a las palabras de este en el segundo episodio, la de Gaal pareciera ligada a los mentálicos.

Y también allí hay “Dios detrás de Dios”, pues ella se ha enterado que las decisiones que la llevaron a abandonar Synnax no fueron, como creía, suyas. Y que los sucesos de Ignis transcurrieran en distinto momento temporal ha sido una absoluta bomba para quienes creíamos estar viendo una única línea en esta temporada: digamos que también nosotros caemos en la cuenta de que nos han ocultado algo…

En fin, un escenario muy interesante e intrigante en un episodio que en lo personal me ha gustado mucho. ¿A ustedes?

Será hasta la próxima y sean felices…

Cómics. La lista de la compra del mes de septiembre de 2023

Bienvenido un mes más a vuestra sección preferida. Como todos los meses, os dejamos dos cómics recomendados por crítico que salen a la venta este mes en España. Espero que os puedan sacar alguna duda y que os podamos guiar con alguna joya. También os recuerdo que es nuestra opinión personal y puede no coincidir con la vuestra. Allá vamos con La lista de la compra del mes de septiembre de 2023.

La lista de la compra de cómics de meses anteriores

Juanjo Avilés

  1. Nightwing vol. 1: Saltar a la luz. ECC Cómics. 23 euros. ECC empieza a recopilar la que es sin duda la mejor serie regular de superhéroes que se está publicando en la actualidad. Tom Taylor y Bruno Redondo han logrado insuflar nueva vida al Robin original con la sencilla receta de respetar el legado y la personalidad del personaje y ofrecer un acabado visual realmente original y espectacular. Para ello han vuelto a instalar a Nightwing en Blüdhaven para luchar contra la corrupción endémica que atenaza la ciudad. Tendrá que enfrentarse a viejos enemigos como Blockbuster y nuevas amenazas como un tal Sin Corazón. Aunque conociendo a Dick Grayson no le faltará ayuda.

nightwing

2. Vengadores 1. Panini Cómics. 4,60 euros. La etapa de Jason Aaron al frente de los Vengadores ha terminado (por fin, dirán muchos). Así que toca empezar una nueva era con Jed MacKay y C.F. Villa a los mandos. El guionista es una de las estrellas de Marvel y ha dado muestras de que el encargo no le va a venir grande mientras que el dibujante nos va a ofrecer unas páginas espectacularas y cargadas detalle que va a entrar por los ojos de los lectores. Y para empezar nada mejor que reclutar un nuevo grupo de héroes con los que hacer frente a Terminus, aunque en el horizonte se presenta una amenaza que resulta muy familiar.

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Mario Losada

  1. LOBO: Retrato de un bastardo (Grandes Novelas Gráficas de DC). ECC Cómics. 43,5 euros. Inaugurando la línea de Grandes Novelas Gráficas DC, nos viene esta maravilla de Lobo, del primer Lobo con su dibujante estrella Simon Bisley, donde incluyen además de varias historias míticas, las dos primeras miniseries que dieron origen a un mito. Además de hay que destacar los guiones de otros pesos pesados de la industria como Neil Gaiman, Keith Giffen, Alan Grant, Amanda Conner y Jimmy Palmiotti. Todo un must-have.

lobo

2. Spawn Integral 12. Planeta Cómic. 60 euros. Ya sabéis que tengo predilección por Spawn y este mes sale el integral 12. Y lo mejor es que contiene material completamente inédito en España. Y con este volumen sólo quedaría uno para alcanzar la edición en tomos finos y tener así toda la serie desde el número 1. En este integral se incluye el número 200, y sagas míticas como The Gathering Storm o Eye of the Storm. Los fans de McFarlane están de enhorabuena.

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Máximo Simancas

  1. El sgto. Rock contra el ejército de los muertos. ECC Cómics. 23 euros. El sargento Rock es uno de los personajes más conocidos del cómic bélico, principalmente por el dibujo del maestro Joe Kubert, pero también se ha dejado ver de la mano de otros creadores. En esta ocasión, el mismísimo Bruce Campbell guioniza esta miniserie ilustrada por Eduardo Risso en la que el curtido soldado tendrá que enfrentarse a un nuevo enemigo: los muertos vivientes.

el sgto. rock contra el ejercito de los muertos las cosas que nos hacen felices

2. Los Vengadores: Guerra a través del tiempo. Panini Cómics. 16,50 euros. En esta aventura de carácter retro, Paul Levitz y Alan Davis unen sus fuerzas para narrar un enfrentamiento inédito de Los Vengadores contra su mayor villano: Kang el Conquistador. Sin duda, un plato de buen gusto para los aficionados al género de superhéroes más clásico.

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DAve Solis

  1. Héctor y los Almogáraves. Dolmen Editorial. 34,95€. Qué puedo decir … ¡Me encanta el cómic clásico español! El actual también. No os equivoquéis. Pero vamos al asunto … Héctor y los Almogáraves es un tebeo de aventuras guionizado por Fernando Manuel Sesén y magníficamente dibujado por Chiqui De la Fuente (hermano del gran maestro Víctor De la Fuente). Historias de aventuras hechas con oficio, muy entretenidas y excelentemente dibujadas. Lo cierto es que recomendar esta obra, no tiene ningún mérito. Este volumen único contiene la serie completa y estará disponible el 30 de septiembre.

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2. Las Aventuras del Capitán Torrezno. Tomo 1. Astiberri Ediciones. 30€. Por fin se reeditan (y se continúan) Las Aventuras del Capitán Torrezno. Hace muchos, muchísimos años, un viejo funcionario creó sin saberlo una civilización de fundamentalistas religiosos que recolectaban cacahuetes y que añoraban las estufas eléctricas. En mitad de este mundo post-apocalíptico, irrumpió un singular personaje: El Capitán Torrezno. Este volumen 1, contiene los dos primeros números de esta famosa saga, a cargo de Santiago Valenzuela. Adentraos en este universo. No os vais a arrepentir.

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Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.

¡Cualquier aportación y/o sugerencia a comentarios! ¡Muchas gracias! ¡Nos leemos!¡Un abrazo!

Marvel retrasa el estreno de casi todas sus series como Daredevil Born Again, X-Men 97 o Agatha

Marvel retrasa el estreno de casi todas sus series. La huelga de actores y guionistas continua en Estados Unidos (y no tiene pinta de acabar) y sigue dejando retrasos y cadáveres en series y películas.

Actualmente hay una paralización total en Hollywood, lo que está haciendo que desde hace meses no se estén produciendo nuevas películas o series. Continuas cancelaciones o retrasos se están produciendo en Estados Unidos. Ya informamos de que «Dune 2» se atrasaría de noviembre de 2023 a principos de 2024, y ahora tenemos que anunciar otras malas noticias en las series producidas por Marvel.[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

Marvel retrasa el estreno de casi todas sus series

Lo primero que tenemos que decir son buenas noticias: la serie Loki en su temporada 2 seguirá su curso y el estreno se espera para el 6 de octubre en Disney +. Por otro lado la película Marvels, también mantiene su hoja de ruta y se estrenará el 9 de noviembre.

Por ahora todo bien. Ahora la parte mala, los retrasos en las series de Marvel.

Echo, el spin-off de Ojo de Halcón pasa del 29 de noviembre de 2023 a enero de 2024, pero aún sin día fijo en Disney +. La parte buena es que Marvel ha prometido que el mismo día del estreno se emitirán todos los capítulos.

La serie de animación X-Men 97 pasará de otoño de 2023 a la primavera de 2024. Agatha: Coven of Chaos, se pasa a llamar Agatha: Darkhold Diaries y se estrenará en otoño de 2024.

Y ahora la peor parte porque otras series como Wonder Man, Daredevil: Born Again e Ironheart han retrasado su estreno de forma indefinida. A la espera de nuevas fechas.

Un saludo y sed felices.

Análisis de One Piece. Temporada 1: Netflix nos cerró la boca

Finalmente, hacer una buena adaptación de manga o anime a live action era posible: One Piece lo demuestra. La serie de Netflix es no solo dignísima, sino también brillante y el mérito es aun mayor al haber detrás una obra original tan icónica. Analizamos lo que nos ha dejado la primera temporada…

Vaya que sentimos miedo cuando nos enteramos que Netflix iba a hacer una adaptación de One Piece. Miedo no: pánico… Pero cuando (muy mal predispuestos) fuimos a echar un vistazo al primer tráiler hace algunos meses, nuestra expresión comenzó a cambiar y aun sin tener todavía a la vista el producto terminado, el comentario general fue que no lucía tan mal y merecía una chance.

Y no es que nuestro miedo no estuviese fundado: las adaptaciones de manga o anime a live action tienen detrás una pesada historia de la cual Netflix no ha sido único responsable, pero sí formado parte. Sin embargo y habiendo visto ya al completo la primera temporada de One Piece (en mi caso la devoré), los temores quedaron por el camino…

Pasemos a ver qué nos ha dejado la misma aclarando que este artículo no contiene spoilers de la trama en sí: apenas lo mínimo para poder hacer un análisis.  Por otra parte y si así lo desean, pueden echar ojo a la cantidad de artículos que tenemos en esta web sobre One Piece en sus distintos formatos.

Un Universo Pirata

One Piece, por si falta hace recordarlo, es un manga creado por Eiichiro Oda que, publicado por primera vez en 1997 y con más de cien volúmenes a la fecha, se ha convertido en el más vendido de la historia, además de haber dado lugar a una exitosísima serie de anime que, con más de mil episodios en su haber, se continúa emitiendo al día de hoy.

El universo creado por Oda, deudor de Stevenson y de las grandes novelas de piratería, es riquísimo en personajes e historias, pero además dotado de un tono tan surrealista que hacía realmente impensable que la cosa pudiera funcionar con actores. Estamos hablando de un muchacho que se estira como goma, un payaso que se fragmenta en partes, gaviotas que llevan la correspondencia, caracoles que funcionan como teléfonos o megáfonos y todo ello en un mundo oceánico, plagado de islas y con una única y delgada franja continental que le atraviesa y que es conocida como la Línea Roja.

Por cierto, confieso que mi mayor alivio al ver aquel primer tráiler fue ver estirarse el brazo de Luffy y saber así que no estaba en los planes de la serie hacer a la historia menos delirante y más realista, lo que casi sin duda la hubiera vuelto sosa y sin encanto. Supongo que el hecho de que el propio Eiichiro Oda haya oficiado como asesor y productor ejecutivo puede haber tenido que ver en ello, pero sobran ejemplos en que la presencia del autor original no garantiza nada…

Personajes con Carisma

La serie está creada por Marc Jobst, Tim Southam, Emma Sullivan y Josef Kubota Wladyka, quienes, además, se reparten de manera igualitaria la dirección de los ocho episodios: dos cada uno. Esta primera temporada se inicia con la icónica ejecución del pirata Gol D. Roger (Michael Dorman), la cual debía supuestamente servir para disuadir a otros de seguir su camino pero, contrariamente, contribuyó a alentar sueños de piratería y provocar una desbandada general en busca del famoso tesoro One Piece que, según sus últimas palabras, dejó escondido e invitó a buscarlo.

A partir de ello, transitamos la historia de quienes integrarán la emblemática y querible tripulación de los “sombreros de paja”, comenzando por Monkey D. Luffy (Iñaki Godoy) y su sueño de encontrar el mencionado tesoro y convertirse en rey de los piratas, seguido por la ladrona Nami (Emily Rudd) y el cazador de piratas Zoro (Arata Mackenyu), a quien Luffy rescata de su cautiverio en lo que constituye en el manga uno de los momentos más icónicos.

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A ellos se acabarán sumando Usopp (Jacob Gibson), el muchacho de la sonrisa ancha y buen corazón que vive contando dudosas hazañas marinas y, por último, Sanji (Taz Skylar), el mesero seductor que sueña con ser cocinero y posee gran habilidad para la lucha.

Todos cargan con pérdidas en sus respectivos pasados y los flashbacks, bien dosificados y sin jamás saturar ni cortar clima, ayudan a ir deconstruyendo a los personajes, enterándonos así de la amistad de Luffy con el capitán Shanks (Peter Gadiot) o del origen del sombrero de paja y las propiedades elásticas de su cuerpo por haber ingerido la llamada “fruta del diablo” en su variante “goma goma”.

También sabemos de la infancia de Zoro y su amistad con Kuina, la muchacha con la cual se prometieron mutuamente que uno de ambos sería el mejor espadachín del mundo y que le terminaría legando Wado Ichimonji, la temible y especial espada que siempre porta consigo.

O la triste historia de Usopp, esperando a temprana edad el regreso de su padre embarcado y llorando la muerte de su madre, además de dejarlo todo por su mejor amiga, la niña rica Kaya (Celeste Loots), muy enferma y en manos de un pérfido mayordomo que esconde secretos (incluso de identidad) y aspira a quedarse con su astillero. También hay atisbos del tormentoso pasado de Sanji junto al pirata Zeff (Craig Fairbrass) y su búsqueda del Azul Infinito, en tanto que el de Nami es el último en ser visitado y no conviene decir demasiado por los secretos que guarda.

Lo primero para decir de la tripulación es que funciona. A pesar de que les cuesta comenzar a llevarse bien, la química entre los actores se percibe desde temprano y va creciendo hasta demostrar cabalmente por qué están allí. Godoy da a la perfección con el personaje de Luffy, al punto de haber sido elegido por el propio Oda: recrea de maravillas la sonrisa a puro diente y el estilo cínico que le caracterizan sin dejar de lado su gran corazón. Pero todos calzan bien más allá de alguna ligera diferencia de personalidad o fisonomía con respecto al material original y lo más importante es que cada uno de ellos es carismático: difícil encontrar eso en cinco de cinco.

Y la cosa no se agota en ellos: lo mismo vale para Koby (Morgan Davies), el cadete que, a las órdenes del vicealmirante Garp (Vincent Regan), vacila entre sus deberes para con la Marina, que persigue a los piratas, y su amistad con Luffy. O villanos magníficamente recreados, como el propio Garp (cuyo vínculo con Luffy conoceremos avanzada la temporada) o los malvados Buggy, Arlong, Alvida, Kuro o Mihawk, algunos de los cuales, ya veremos, tienen matices y no son a fin de cuentas tan «villanos»…

La fidelidad al material original emociona. Ojo: no es que sea ciento por ciento igual. Podrán objetarse la ausencia de lentes en Kaya o de ceja arremolinada en Sanji, como también que la nariz de Arlong no sea tan larga como en el manga. O la brevedad del duelo entre Luffy y el payaso Buggy (Jeff Ward), así como que este último sea más oscuro y menos cómico. O que algún personaje muera (no diré cuál) cuando en el manga es “solo” herido de gravedad. Pero son todos cambios con buen criterio que respetan la esencia original o hasta le aportan alguna ganancia: es el caso de Buggy, que me gusta más en esta versión siniestra…

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Uno de los problemas que siempre mostraron las adaptaciones de manga a live action ha sido la sobreactuación, pero aquí se las arreglan para convertir eso en virtud al darle los suficientes ribetes de absurdo como para dejarnos claro que la mejor forma de tomarse un manga en serio es justamente no tomarlo en serio, como equivocadamente hicieron muchas adaptaciones con actores.

Y es digno de mención que Netflix no haya cedido a la falsa moralina habitual en los últimos tiempos ni intentado forzar un supuesto producto familiar: como en el manga, hay elementos gore, Sanji fuma y toda la banda bebe alcohol, además de matar cuando las circunstancias lo demandan.

Un Producto Impecable

Netflix no se ha andado escatimando en gastos y cada episodio tiene un costo promedio de diecisiete millones de dólares, lo cual se nota. Pero los costes astronómicos hubieran caído en saco roto si, por ejemplo, se hubiera convertido a la serie en una exagerada y empalagosa exhibición de CGI que, sin embargo y por fortuna, está utilizado en justa medida más allá de lucirse especialmente en monstruos marinos o escenas de estiramiento y fragmentación corporal.

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Pero la escenografía está llena de elementos que, lo sean o no, se ven deliciosamente artesanales sin por eso verse cutres, sino más bien todo lo contrario. Hay un delicado y esmerado trabajo en la recreación de la mansión de Kaya o del Baratie, por ejemplo.  Ni qué decir de los barcos: una maravilla el Going Merry

La fotografía es asimismo encantadora, como también la paleta de colores, que capta de manera maravillosa los tonos primarios del anime sin descuidar matices y claroscuros que la magnífica iluminación acentúa en escenas nocturnas o espacios cerrados.

Son de destacar también los encuadres y ángulos originales que, con primerísimos planos o tomas en “ojo de pez”, logran acercarse bastante al efecto de las viñetas originales, al igual que las pantallas divididas en dos o en tres.

A ello hay que sumar una banda sonora que, en manos de Sonya Belousova  y Gianna Ostinelli (misma dupla de The Witcher) sabe cuándo ser épica y cuándo ominosa, cuándo oriental y cuándo hispánica, cuándo emocional y cuándo dramática.

Por último, pero importantísimo: las coreografías son magníficas y hay puntualmente una o dos por episodio, además de duelos memorables.

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Balance de Temporada

Lo único para decir acerca de esta primera temporada de One Piece es que Netflix lo ha logrado. Ha pasado por encima de todo prejuicio que pudiéramos tener y aprendido de sus errores ( y los de otros) para entregarnos una adaptación que no solo es dignísima, sino también excelente. Se nota que está hecha con gran amor por el manga y el anime, lo cual supongo que será apreciado por los fans si no se dejan llevar por un fundamentalismo cerrado.

Contribuyen al resultado una puesta visual impactante pero criteriosa y un elenco que, mostrando perfecta química, permite una fácil empatía merced al buen desarrollo que de los personajes hace el guion sin abusar del flashback ni empastar la historia principal.

Y si alguno entiende que no estoy encontrándole a la serie un solo defecto, solo puedo decir que en efecto no lo encuentro. O sí, perdón: la versión infantil de Luffy no se parece físicamente a la juvenil tanto como las de sus compañeros de tripulación.  Y ya que hablamos de ello, la de Sanji es interpretada formidablemente por el niño Christian Convery, que se luce de igual modo que en Cocaine Bear o en Sweet Tooth.

Ojalá que esto sirva para entender cuál es el camino de aquí en más. No solo a Netflix, sino a todos quienes vayan a intentar llevar un manga a live action, pues doy por descontado que si esta propuesta es exitosa (hasta donde sé lo es), devendrá en un aluvión de nuevas adaptaciones. De ser así, roguemos para que showrunners, productores y guionistas entiendan el mensaje que acaba de dar One Piece…

¿Habrá segunda temporada? Ya sabemos que con Netflix nunca se puede afirmar nada y más considerando los costes desorbitantes de que antes hemos hablado, pero las cifras de audiencia parecen ser por estas horas alentadoras y ello nos da buenas esperanzas de que la cosa continúe. De hecho, tienen muchísimo material de base para unas cuantas temporadas.

Si aún no han entrado a la propuesta o tienen temor de hacerlo por tantos años de malas adaptaciones, solo puedo decirles que lo dejen de lado y estoy casi seguro de que no saldrán decepcionados. Más aún: amarán la serie. Y si nunca han leído una sola viñeta de One Piece o visto un minuto del anime, tampoco teman: la adaptación es tan buena que permite incluso ser disfrutada sin información previa.

Hasta pronto y sean felices…

Reseña de Chu. John Layman amplia el universo de Chew con una divertida aventura de atracos y viajes en el tiempo

Planeta se apuntó un gran tanto con la publicación en tres volúmenes de lujo de Chew, uno de los mejores cómics que se han publicado en los últimos años. Una vez acabada la serie y con un final casi perfecto, parecía que los fans nos íbamos a quedar un poco huérfanos de ese universo tan extraño y a atrayente fruto de la imaginación de John Layman y Rob Guillory.

Pero nada más lejos de la realidad. Layman ha querido seguir explorando nuevas historias del mundo de Tony Chew así que se ha sacado de la manga Chu, una miniserie centrada en las aventuras de Saffron Chu, una de las hermanas de Tony. Teniendo en cuenta lo muchísimo que me gusto Chew, no me ha quedado más remedio que hincarle el diente a Chu, leyendo el volumen integral que Planeta Cómic ha publicado y que recoge la miniserie completa.

Lo primero que hay que señalar es que Rob Guillory no está a cargo del apartado gráfico que recae en las competentes manos de Dan Boultwood, que se encarga de dotar de cierta continuidad al dibujo de la serie, aunque estableciendo matices que la dotan de personalidad propia.

portada dentro

Otra gran diferencia con la serie madre es el tono. Saffron no tiene nada que ver con su hermano Tony, no pueden ser más distintos. El protagonista de Chew es un policía muy pero que muy estricto y eso hacia que su serie empezará siendo un procedimental de libro, para luego ir creciendo conforme la trama avanzaba. Pero Safrron es todo lo contrario.

Es una cibopar, capaz de saber todo de aquellas personas con las que comparte la misma comida al mismo tiempo. Y también es una criminal irresponsable y cabeza loca con una relación con su hermano muy complicada. Así que en Chu vamos a tener una trama típica de atracos y golpes criminales al más puro estilo Ocean’s Eleven, aunque eso sí, aderezada con el toque particular del universo Chew que tanto queremos y amamos.

El volumen que tenemos entre manos recoge los diez números de la serie completa que forman dos arcos argumentales diferentes, sin que sepamos de momento si tendrá continuidad.

Layman es un tipo muy listo y sabe que esta nueva colección carece del gancho que tenía Chew con la investigación sobre la gripe aviar. Así que lo que hace es presentar una especie de precuela en el primer arco.

De esta manera, logrará atrapar a los fans de la serie al contarnos por ejemplo como se conocieron Tony y su nuevo compañero John Colby y como fueron los primeros pasos de la pandemia. Por eso podemos decir que, aunque no es necesario haber leído Chew para disfrutar de Chu, si que es bastante recomendable haberlo hecho. Así se la sacará mucho más jugo a la historia.

saffron toni
Saffron y Tony, dos hermanos que no pueden ser más diferentes

Y una vez el guionista ha logrado atraer nuestra atención y presentar a los nuevos personajes, Layman se desmelena en un segundo arco que además de robos, poderes relacionados con la comida y personajes extraños, hace que Saffron y compañía acaben incluso viajando en el tiempo.

Pero la gran pregunta sigue en el aire. ¿Chu es tan buena como Chew? Por supuesto que no. Chew es una obra maestra y es muy complicado estar a su altura. Pero de todas maneras ofrece una historia muy divertida con todo lo que nos gusta de la serie madre.

Hay historias locas, personajes estrafalarios, protagonistas carismáticos, giros de guion inesperados y por supuesto, muchos poderes que tienen que ver con la comida. Por eso si te gustó Chew, no lo dudes, con las aventuras de Safron vas a tener un buen rato de diversión asegurado.

viaje tiempo
Las paradojas de los viajes en el tiempo….

En cuanto al apartado gráfico hay que decir que el trabajo de Dan Boultwood es bastante bueno y sigue el tono cartoon de Rob Guillory. Pero queda un par de puntos por debajo al carecer de ese tono feísta y divertido a la vez que tan bien se le da a Guillory.

El dibujo de Boultwood es mas limpio, más cercano a los dibujos animados e incluso al manga y con mayor dinamismo, pero, aunque está bastante bien, carece de la personalidad del de su antecesor.

La edición de Planeta Cómic recoge en un solo volumen en tapa dura los diez números de la serie en un total de 256 páginas. Tiene como extras las portadas originales, varios bocetos, ejemplos del guion de la serie y como queda el mismo una vez dibujado y una pequeña ficha de los autores. El precio de venta es de 30 euros.

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Una de las bandas de Saffron ante su jefe

En resumen, Chu es una obra que, aunque no alcance los niveles de excelencia de Chew, ofrece lo suficiente para ser una compra casi obligada para los fans del universo creado por John Layman y Rob Guillory. Si quieres leer algo divertido y ameno, con personajes interesantes y una historia con muchos giros de guion, esta es tu obra.

Retro-Análisis | Collateral (2004): Oscura, fascinante y repleta de matices

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Bienvenidos amantes del VHS y de la era analógica a otro Retro-Análisis más en esta sección semanal que os trae joyas (o no) del siglo XX (o XXI en este caso) que me gusta rescatar para que los más jóvenes las conozcan y los más veteranos las recuerden.

‘Collateral’, dirigida por Michael Mann y protagonizada por Jamie Foxx y Tom Cruise, es una de esas películas que no te dejan indiferente, tanto por su dirección, como por su fotografía y algunos diálogos y escenas espectaculares. Es un thriller que combina hábilmente acción en las dosis justas, suspense, un apartado visual con muchas texturas y una narrativa excepcional.

La trama es muy sencilla, Max (Fox) es un taxista que recoge a un pasajero llamado Vincent (Cruise) que le ofrece doblar su tarifa normal para que lo lleve a varios sitios de la ciudad antes de las 6 de la madrugada. Pronto descubrirá que ese hombre es más peligroso de lo que aparenta y convertirá esa noche en todo un infierno.

Collateral

A estas alturas no voy a descubrir a Michael Mann (Heat, Corrupción en Miami o El Último Mohicano), así que enfrentarse a una cinta de este cineasta es saber (nos guste más o menos la temática) que estamos ante un producto con un apartado visual brutal que (como he mencionado) tiene tantas texturas que convierte al escenario en un personaje más dentro de la trama. Unas deslumbrantes y coloridas luces nocturnas de Los Ángeles que nos adentran en ese mundo oscuro y peligroso. Cada toma está cuidadosamente compuesta, lo que añade una potencia visual impresionante a la trama.

Solo hay que recordar esa escena con el coyote en medio de la calle con la canción ‘Shadow on the sun’ de Audioslave.

El guion corre a cargo de Stuart Beattie que ha trabajado en algunas cintas de la saga de Piratas del Caribe, la serie de Obi-Wan, Interceptor o Australia entre otras.  Sinceramente, con la trayectoria mencionada, puedo decir que podemos estar ante la mejor propuesta de este escritor. No por la trama en sí, que transcurre de forma muy lineal y sencilla, sino por los diálogos tan bien orquestados.

Nunca se me olvidará esa conversación entre Vincent y Max tras el primer asesinato sobre la diferencia entre el hombre asesinado y las muertes en el tercer mundo.

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Por otro lado, tenemos a la dupla protagonista, con un Tom Cruise entregado a ese personaje con el que consigue equilibrar perfectamente su lado carismático y aterrador para entregarnos un villano que nos va a dejar muchas perlas en los diálogos con Max. Por algo Cruise es considerado uno de los actores con mayor carisma de su generación.

En la otra esquina del ring tenemos a un Jamie Foxx que interpreta a ese taxista encerrado en una vida mediocre y que se engaña a si mismo prometiéndose que algún día tendrá su propio negocio. Un perdedor de manual sin carisma alguno que se ve desbordado por todo lo que significa su pasajero. Un ‘enemigo’ que le hace ver lo patética que es su existencia. Foxx hace crecer a Max y entregarnos unos careos increíbles que hacen más especial aun esta cinta.

El eje central de ‘Collateral’ es esa extraña relación tensa, compleja y con tintes de síndrome de Estocolmo que vemos entre Vincent y Max; si la química entre ambos no hubiese funcionado, estaríamos hablando de un fracaso pero, por suerte para nosotros, funciona como un tiro.

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La banda sonora nos la entrega James Newton Howard (Los Juegos del Hambre, Jungle Cruise) y se ajusta perfectamente a esa atmósfera tensa y repleta de suspense que envuelve a la película de Mann.

Conclusión

‘Collateral’ es una cinta que se aleja de la acción que podría asumirse en la trama y nos entrega escenas en las que la tensión y los diálogos son los protagonistas. Los escasos tiroteos son resueltos con rapidez y de forma más realista, sin aspavientos ni florituras.

Michael Mann realiza un trabajo increíble que le da una mayor potencia a la cinta, enfocando su dirección como si estuviésemos ante una película de personajes y no de acción al uso. Con diálogos densos sobre la ética, la moralidad, el bien y el mal que le sientan como un guante y nos invitan a reflexionar.

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Todo está bien en ‘Collateral’, desde la dirección, al guion y a las actuaciones. Parece que las estrellas se alinearon para que la primera incursión de Tom Cruise en el mundo de los villanos saliese a pedir de boca.

No quiero olvidar los secundarios de lujo que tendremos aquí: Jada Pinkett Smith, Jason Statham (es un mero cameo), Javier Bardem o un irreconocible Mark Ruffalo.

En resumen, ‘Collateral’ es un thriller brutal, hermoso y duro en el que Mann logra crear una atmósfera oscura y fascinante, una digna heredera de ‘Heat’.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Collateral’ para que disfrutéis de este peliculón de Michael Mann:

«Un tipo se sube al metro en Los Ángeles y se muere… ¿Crees que alguien se dará cuenta?»

Un saludo y sed felices.