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Análisis de Fundación. Temporada 2. Episodio 9

Penúltimo episodio de la segunda temporada de Fundación, actualmente de las mejores en emisión en lo que a ciencia ficción respecta. La serie, creada por David S. Goyer e inspirada en la célebre saga de Isaac Asimov, es emitida por Apple TV+.

Penúltimo episodio de la segunda temporada de Fundación, actualmente de las mejores en emisión en lo que a ciencia ficción respecta. La serie, creada por David S. Goyer e inspirada en la célebre saga de Isaac Asimov, es emitida por Apple TV+.

Bienvenidos una vez más, psicohistoriadores. Ya nos queda una única entrega para cerrar esta segunda temporada de Fundación y, mientras cruzamos los dedos por una tercera, repasamos lo que nos ha dejado el noveno episodio que, parafraseando el famoso eslogan introductorio de Star Wars, se titula Hace mucho y no muy lejos (por cierto, ya veremos que no es el único nexo).

Una entrega que viene con acción, épica, lucha y muchas definiciones, incluyendo la caída de la Fundación que se venía avizorando. Sin más trámite, pasemos a analizarla, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

La Historia de Demerzel

Comenzamos en Trántor, donde un flashback con la voz de Cleon I nos lleva seis siglos atrás para contarnos de un pequeño príncipe que un día encontró en los muros del palacio un pasadizo no transitado por miles de años y una camára en la cual se hallaba una figura fragmentada fácil de reconocer como Demerzel.

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Esta le contó tener dieciocho mil años de edad y llevar cinco mil de cautiverio, así como que su forma femenina era solo una de las tantas que había tenido en el pasado. También le habló de las guerras que enfrentaron a humanos y robots hasta que, vencidos estos últimos, fueron marginados y eliminados siendo ella la única “sobreviviente” por obra y gracia del emperador Aburanis, quien la retuvo para torturarla (ante lo que ella debió fingir dolor), pero sobre todo para no perder el último ejemplar de una “especie” que podía servirle en el futuro.

Por años, nos sigue contando Cleon, el joven príncipe (claramente él), la guardó como su secreto y la visitó regularmente para escuchar sus historias (me viene al recuerdo la princesa Scheherezade, narradora de Las Mil y Una Noches). Y mientras él crecía, también lo hacía su obsesión, negándose incluso a liberarla a pesar de sus pedidos y cancelando cada boda que se presentaba por no poder evitar la comparación con quien constituía su preciado tesoro…

Ya adulto y con el rostro de Day, le dio una libertad solo parcial, no permitiéndole salir de su cámara ni transferirse a otro cuerpo, lo que la haría conservar para siempre el aspecto con que la había conocido. Le insertó las antiguas Leyes de la Robótica, pero reconfiguradas para que él fuera el único humano al que no pudiera hacer daño: de hecho, le pidió que lo estrangulase y no pudo hacerlo.

Todo ello fue tomado por Demerzel como una nueva forma de encarcelamiento, pero no tuvo más remedio que acceder y acatar. Cleon, mientras tanto, estaba envejeciendo sin descendencia. Fue entonces que acordaron crear la dinastía genética mientras ella permanecía como consejera y ganaba alguna libertad más, especialmente de movimiento.

Cuando el relato de Cleon finaliza, ya Dusk y Rue saben quién tiene verdaderamente el control…

Cumbre en la Bóveda

Tal como viéramos en el episodio anterior, Bel Riose ha capturado a Mallow y Constant. Ella dice que hay algo que pueden darle y él lo sabe, pero la conversación es interrumpida cuando se presenta Day que, recién llegado de Trántor y con Poly como prisionero, quiere bajar a Términus para conferenciar.

Al hacerlo, le presenta sus respetos el guardián Sermak, pero la cosa se pone tensa cuando Day pide ver la Enciclopedia que, se suponía, iban a preparar allí y que, desde luego, no existe. No solo eso: también descubre que el edificio de la iglesia es en realidad la fachada de un gran taller dedicado a producir la tecnología que últimamente viene sorprendiendo tanto al Imperio.

Day quiere saber cómo logran sugestionar a las masas y pide a Poly que le muestre alguno de sus trucos. Este transforma una pieza de hierro en oro, pero Day no queda muy impresionado por verlo solo como barata exhibición de alquimia. Poly objeta que no es magia sino ciencia que consiste en aplicar a la materia la suficiente cantidad de energía para transformarla (interpreto que dominan la fusión nuclear).

Pero Day está allí para ver al supuesto “fantasma” de Seldon, así que pide ir a la Bóveda. Al acercarse, llaman su atención las banderas en el suelo y se le pone al tanto de las competencias entre los niños. De pronto, Seldon está detrás suyo (literal) y lo invita a conferenciar en su “oficina”. Intenta convencerlo de que retire las naves, pero Day no muestra interés y exige, por el contrario, que la Fundación retire las suyas además de un anuncio público diciendo que la psicohistoria estaba equivocada y el Imperio, finalmente, no caerá.

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Seldon dice que la psicohistoria no depende de su voluntad y lo que está escrito ocurrirá de todas formas. Day objeta ser distinto al resto de quienes integraron la dinastía genética, pero una furiosa decepción hace presa de él cuando Seldon le replica que los casos individuales existen y están contemplados, pero que él no es uno de ellos…

No obstante, le dice también que se pueden introducir en la matemática puntos de inflexión y a tal fin le ofrece el Radiante a cambio de que deje en paz a la Fundación, pero Day le recuerda que el mismo fue hecho bajo autorización imperial y le está ofreciendo, por lo tanto, algo que ya tiene…

Agujas al Ataque

En el espacio tiene lugar una épica batalla entre la Invictus, nave otrora imperial que, modificada, responde a la Fundación, y un escuadrón de “agujas imperiales” al mando de Glawen. La escena tiene mucho de Star Wars o Battlestar Galactica y seguramente no hubiera gustado a Asimov escuchar explosiones en el espacio o ver maniobrar a los cazas como si fueran aviones pero bueno, esto es la serie y no la saga de libros…

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Sea como sea, el combate se resuelve en favor de las agujas, que logran inutilizar a la Invictus, aunque la de Glawen en particular ha sido dañada y se pierde todo contacto, lo cual angustia a Riose al imaginar lo peor…

Genocidio

Day sale de la Bóveda con más ínfulas de mesías que nunca. No solo mata a Sermak, sino que da orden de hacer lo propio con todos allí a excepción de los científicos, a quienes quiere como prisioneros. Más aún: puesto al tanto de los últimos acontecimientos en órbita, dispone que la Invictus sea estrellada contra el planeta en lo que sería literalmente un genocidio.

Demerzel muestra decepción al ver en qué se ha convertido y ya momentos antes Seldon le había advertido al respecto: se echa a sí misma la culpa de no haberlo podido evitar y anuncia que regresa a Trántor, donde hay asuntos que atender. Su decisión y sus palabras afectan claramente a Day, pero no lo hacen desistir de su plan…

Ya en la nave, este se reencuentra con Riose, de quien espera que ejecute sus órdenes. Pero el general está envuelto en vacilaciones, pues se acaba de enterar que Glawen sigue vivo y ha caído en Términus, lo cual significa que sucumbirá al desastre planetario una vez que la Invictus se estrelle.

Glawen, no obstante, lo alienta a cumplir sus órdenes para no exponerse a corte marcial o, peor aún, asesinato, así que atormentado y despidiéndose con todo el dolor del alma, Riose confirma la orden mientras unos desesperados Mallow y Constant ven cómo el planeta es arrasado. Una última imagen de Poly lo muestra clavando su bandera junto a la Bóveda mientras, desde la nave imperial, Day sonríe maliciosamente ante el dantesco espectáculo con la satisfacción de haber (aparentemente) cambiado el destino…

Un Rescate y un Regreso…

En Ignis, continúa llevándose a cabo el ritual de transferencia para que la conciencia de Tellem pase al cuerpo de Gaal, pero es interrumpido cuando, en hábil jugada, Salvor bloquea todas las señales telépatas valiéndose de los mismos discos que le hacían de bozales en su foso de cautiverio.

Logra así rescatar a Gaal y llevarla al Beggar´s Lament, del cual ha descubierto que sigue en el planeta y no lejos de allí. Como era de prever, sin embargo, son alcanzados por Loron y Tellem, ya repuestos del bloqueo. El primero lucha con Salvor fuera de la nave y a la entrada, mientras intenta desorientarla presentándose en su mente como Hugo Crast. Ella, finalmente, logra aislarlo en la esclusa y elimina el oxígeno hasta darle muerte…

En el interior, Gaal se bate en duelo mental con Tellem, quien también juega sucio al arrastrarla a la visión de Salvor muerta. Pero el tiro le sale por la culata pues, al hacerlo, oye la voz del Mulo llamándola y, presa del terror, le ve venir amenazador hacia ella…

Aprovechando el momento de turbación, alguien la golpea con un hacha y resulta ser Seldon: no un nuevo holograma sino su versión corporizada, lo cual evidencia claramente su aspecto maltrecho y manchado de sangre, todo muy humano. Desencajado, deja caer una y otra vez el hacha sobre Tellem y se justifica en que no le caía bien: momento algo slasher, pero no podemos decir que no lo disfrutamos…

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Balance del Episodio

Parece ser que Fundación, en su formato de serie, se ciñe a la fórmula de Juego de Tronos al concentrar lo más épico o decisivo en el noveno y penúltimo episodio de cada temporada. Así fue con la anterior y vuelve a ser con esta, lo cual, siguiendo la lógica, presagia un cierre más tranquilo, pero con definiciones.

Esta entrega nos ha mantenido prendidos de principio a fin y sigue confirmando lo que ya hemos dicho acerca del alto vuelo de la temporada y de la serie en general más allá de las diferencias con las novelas de Asimov. La historia de Demerzel y de cómo Cleon se obsesionó al punto de querer estar con ella para siempre, aunque más no fuera como clon, ha estado interesante y ayuda a entender mejor el sentir y accionar de Day: por cierto, otro trabajo descomunal de Lee Pace

La obsesiones del personaje tienen mucho de mito griego: en la idealización que de Demerzel hace y en su obstinada persistencia en querer torcer el destino, se cruzan Pigmalión, Salmacis y Edipo, entre otros. A la vez, el clima de traición a su alrededor rezuma tragedia shakespereana y, aun cuando no se hayan leído los libros, está claro el camino de Riose, ahora que ha perdido al ser que amaba por mesiánico capricho del Imperio. Y considerando que Glawen le venía insistiendo en rebelarse, es posible que vea en ello el mejor homenaje.

Pero no es solo Riose: todo en torno a Day se está pudriendo, ya sea en Trántor, en la flota o en la propia Demerzel, en quien pareciera haber definitivamente muerto algo y ya no lo ve a él de la misma forma después del genocidio que ha perpetrado y que ella ni siquiera quiso quedarse a ver.

Es cierto que las Leyes de la Robótica y sus configuraciones le impiden actuar en su contra, pero quienes hemos leído las historias de robots de Asimov sabemos que esas cosas siempre encuentran lagunas o zonas oscuras generadas por la propia lógica. Lo que es seguro es que Demerzel no dejará las cosas así, pues está visto que, aun siendo robot, es capaz de experimentar algo cercano al arrepentimiento o la culpa cuando falla en sus objetivos o programación. No suena descabellado, entonces, que busque enmendar sus propios errores.

Tampoco creo que Constant, por más prisonera que esté, vaya a quedarse de brazos cruzados ahora que ha perdido a su padre, a Poly y, en definitiva, a la Fundación, que finalmente ha caído. Por cierto, la caída tiene un carácter bastante distinto al de los libros, en que el Mulo tiene ya para esa altura un papel fundamental.

Pero aquí seguimos esperando por el Mulo y se ve cada vez más claro que la tercera temporada será la suya a la luz de persistentes señales que así lo anuncian. Y creo que el pánico de Tellem al verle y oírle acaba de confirmar que su comunidad tiene relación con la inminente llegada del personaje.

La batalla espacial ha tenido su épica, aunque me generó algo de desencanto el papel de la Invictus, de la cual todo hacía prever un papel más importante: digamos que no llegó a verse qué era lo que tantos temores generaba y su final fue demasiado rápido o fácil, más allá de los mencionados toques Star Wars que harán las delicias de muchos pero quizás hagan chirriar los dientes a los más intransigentes lectores de Asimov.

En definitiva, una gran entrega e insisto en que estamos viendo una gran serie de la cual quiero pensar que tendremos siquiera un par de temporadas más. Por lo pronto, el próximo episodio viene a cerrar la actual y les espero aquí para desbrozarlo cuando llegue.

Hasta entonces y sean felices…

‘Hijo de nadie’ de Sallybooks | El último viaje de 2 amigos

‘Hijo de nadie’ es una historia escrita por Massimo Rosi y dibujada por Ramiro Borrallo en un tomo único de 172 páginas publicado por Sallybooks en España. Agradezco que esta editorial continúe apostando por traernos una amplia serie de cómics autoconclusivos de autores gran variedad de autores, muchos de ellos nacionales.

¿Qué motiva al último de los guardas a proteger al último rinoceronte de su especie de las amenazas del mundo exterior y la codicia sin escrúpulos del hombre?  Tal vez un fuerte sentido del deber, tal vez una misión, o simplemente la amistad que les une.

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Rosi nos cuenta una historia bastante emotiva en la que nos encontramos en un mundo en el que conseguir un bien mayor ha llevado a la caza y aniquilación de toda una especie animal.  La cura para el cáncer ha sido hallada, se encuentra en los genes de los rinocerontes albinos y no se ha conseguido clonar científicamente, así la caza de estas hermosas criaturas es algo que se llega a considerar un acto de bondad.

Con esta temática volvemos al pasado con la temática del expolio que sufrió África por parte de los países desarrollados a finales del siglo XI y principios del XX con ese afán por ‘descubrir’ los secretos del continente. Situación que llevó a la caza indiscriminada de muchas especies.

Todo ocurre en este futuro próximo que se encuentra bastante apegado a la realidad actual. Es cierto que tiene las justas pinceladas de ciencia ficción y eso es algo muy interesante que hace pensar al lector que lo que está sucediendo nunca lo haría en la realidad. Parafraseando al Bruce Wayne de Ben Affleck: Una bella mentira.

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AQUÍ OS DEJO EL RESTO DE RESEÑAS DE CÓMICS DE NUESTRA WEB


Nuestro protagonista es el último sobreviviente de una tribu en la misión para proteger al rinoceronte albino y como deberá emprender un viaje para evitar que su amigo caiga en manos del cazadores y acabe siendo otra víctima más. Si solo esta trama fuese interesante ya sería motivo suficiente para hacerse con este tomo, pero Rosi nos cuenta más.

‘Hijo de nadie’ trata el maltrato animal y el colonialismo y los pone encima de la mesa para que nos demos cuenta que eso no es algo del pasado lejano, es una realidad que en ocasiones obviamos o desconocemos.

Son tantos los temas interesantes de esta obra, que sabe a poco y por momentos se queda corta en algunos de ellos al tratarse de una historia cerrada.  Ojalá hubiésemos tenido otras 100 páginas más para profundizar más en algunos aspectos y mostrarnos esa cruda realidad de África.

Pese a toda esa temática mencionada, este cómic también tiene tiempo para mostrarnos mucha acción durante el viaje de nuestros dos protagonistas y como se van cruzando con aliados y enemigos tan atractivos como esa dupla.

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Ramiro Borrallo es el artista a cargo del apartado gráfico y se desenvuelve a la perfección para transmitir al lector las emociones de ‘Hijo de nadie’. Quiero hacer hincapié en como las expresiones faciales consiguen plasmar momentos muy dramáticos de la obra.

Conclusión

‘Hijo de nadie’ es una lectura muy recomendable, ya que consigue aunar mucha acción y una trama muy potente y eso es algo a tener en cuenta. Es cierto que personalmente me hubiese gustado que algunas historias hubiesen tenido mayor profundidad y protagonismo.

Poner sobre la mesa parte de la problemática africana con esta obra de ficción ha sido todo un acierto y agradezco que se haya hecho de forma directa pero sin lanzárnosla a la cara de forma forzada. El lector siempre debe poner de su parte para que esto sea un trabajo en equipo.

Pese a que tendremos mucha acción en ‘Hijo de nadie’, su mayor virtud está en los momentos valle de la trama, pues de ellos nacerán las mayores reflexiones.

Una propuesta interesante que me ha sabido a poco, aunque funciona muy bien para narrar la historia y hacernos recapacitar si el fin justifica los medios.

Como curiosidad, mencionar que tendremos epilogo de Víctor Santos.

Aquí os dejo la portada de ‘Hijo de nadie’ y la web de Sallybook donde podéis encontrarla:

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Un saludo y sed felices.

Fargo vuelve a finales de año y os mostramos las primeras imágenes

Fargo es una de las mejores series de los últimos años y se habla muy poco de ella. Sus dos primeras temporadas fueron antológicas (nunca mejor dicho), la tercera fue también muy buena y aunque la cuarta (analizada por episodios en esta web) fue dos peldaños inferior suponía igualmente una buena temporada.

Fargo

En esta ocasión Fargo, en su quinta temporada, se ambientará en 2019 en los ya familiares paisajes del norte del medio oeste estadounidense.

El reparto de esta quinta temporada no decepciona y así tenemos a Jon Hamm, Jennifer Jason Leigh y Juno Temple.

Fargo

Temple interpreta a un ama de casa con un misterioso pasado en la cárcel. Hamm es Roy Tillman, un sheriff y predicador de Dakota del Norte y némesis del personaje de Temple.

Al parecer, los actores han preparado sus papeles a conciencia por lo que cabe destacar los acentos del medio oeste, algo muy conseguido al parecer.


EN CF: UN ACERCAMIENTO AL UNIVERSO DE FARGO


Además de Hamm y Temple, no se nos puede olvidar hablar del personaje de Jason Leigh, como la suegra multimillonaria de Lyon, Lorraine Lyon, Completan el elenco el desventurado hijo de Roy, Gator Tillman (Joe Keery de Stranger Things), el despistado esposo de Dot (David Rysdahl de Oppenheimer), el asesor de Lorraine, Danish Graves (Dave Foley de The Kids in the Hall), el misterioso vagabundo Ole Munch (Sam Spruell de Blancanieves y el cazador) y los diputados Indira Olmstead (Richa Moorjani de Never Have I Ever) y Witt Farr (Lamorne Morris de New Girl)).

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La quinta temporada de Fargo se estrenará en Estados Unidos el 21 de noviembre. En España los derechos de la serie pertenecen a Movistar+. Al parecer la estrenará el 29 de noviembre con dos capítulos el día de estreno.

Para amenizar la espera os dejo con la maravillosa banda sonora de Jeff Russo.

Un saludo y sed felices.

Justified: ciudad salvaje, regreso más que justificado

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Rayland Givens ha vuelto. El final de Justified, hace casi 10 años, nos dejó huérfanos de una de las mejores series de la década pero, para alegría de todo fan que se precie, Justified: ciudad salvaje ha aterrizado en Disney+ (quién lo iba a decir) para ser una de las series del año.

Os dejo con el enlace al artículo donde repasamos la serie original y os aviso de que, al final, HABRÁ UN SPOILER ENORME, con lo que ya es responsabilidad vuestra continuar leyendo.

Bienvenidos a Detroit, ciudad salvaje

15 años después del final de Justified, Willa (Vivian Olyphant) la hija de Rayland Givens (Timothy Olyphant), nos ha salido un poco díscola. De camino a un campamento/reformatorio, Rayland y su retoña son asaltados por un par de desgraciados que no saben con quién se han metido. Eso pone en marcha una cadena de acontecimientos que llevan a Rayland a Detroit en su calidad de agente judicial, donde tendrá que dar caza a Clemens Mansell (Boyd Holbrook), asesino de un juez y de todo aquel que se meta en su camino.

Justified: ciudad salvaje cambia la América profunda de Kentucky por la urbe corrupta de Detroit, con personajes llenos de aristas, diálogos marca de la casa (Elmore Leonard estaría orgulloso) y una trama mucho más oscura, mucho más noir que la serie original.

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Para el espectador, es un placer reencontrarse con el personaje de Rayland, sin que parezca que ha pasado el tiempo, aunque los años no pasan en balde. Timothy Olyphant sigue luciendo el sombrero como nadie. Su carisma está más que demostrado y él es el auténtico y único Rayland Givens, aunque más envejecido, más maduro e intentando la tarea más difícil de todas, la de ser padre.

También se le nota más maduro a la hora de encarar su trabajo y es que si en Justified salíamos a muerto por episodio, en Justified: ciudad salvaje se nos muestra más comedido. Tanto que nos pasamos la serie esperando a que Rayland desenfunde, lo que (no os mentiré) resulta algo frustrante.

De entre los nuevos personajes que pueblan esta ciudad salvaje, destacamos a Carolyn Wilder (Aunjanue L. Ellis), abogada de ética cuestionable, y a Marcus «Sweety» Sweeton (Vondie Curtis-Hall) personaje complejo que no desentonaría nada en Harland.

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Mansell vs. Crowder

Tenemos que hablar de Mansell. Debemos hablar de Mansell. Es obligatorio. Justified, la serie original, no se entiende sin Boyd Crowder, ese reverso tenebroso de Rayland Givens encarnado por el magistral Walton Goggins, por lo que las comparaciones son inevitables. ¿Está Clement Mansell a la altura de Boyd Crowder? Respuesta: no.

No me entendáis mal. Mansell es un buen villano que pone en aprietos al protagonista hasta el episodio final pero, en comparación con Crowder, sale perdiendo. Sí, Boyd era malvado pero también maquiavélico, inteligente, sarcástico, cínico y desprendía un inmenso carisma por todos lados. Era de esos villanos que uno no quiere que atrapen porque se acaba el show y espera que la persecución dure eternamente.

Por contra, Clement Mansell es malvado, peligroso y un psicópata de manual, aparte de un auténtico gilipollas interpretado por un Boyd Hollbrook que ya empieza a hacerse cansino encarnando una variación del mismo personaje. Está visto que cuando a los directores de casting les piden un villano arquetípico que dé miedito y sea peligroso, marcan el número de Hollbrook directamente.

Tanto es así (Y OJO QUE AQUÍ VIENE EL SPOILER) …

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… que al final del último episodio, cuando Rayland ya se ha retirado, recuperan a Walton Goggins para retomar el personaje de Boyd y hace que, en diez minutos, nos hayamos olvidado del paleto de Clement Mansell y estemos salivando ante la posibilidad de una segunda temporada donde Rayland persiga a Boyd de nuevo.

Esto plantea la pregunta de si Justified: ciudad salvaje tendrá segunda temporada. De momento no hay nada confirmado pero queremos más. Queremos más chulería de Rayland Givens, más sombrero, más duelos a pistola (que aquí se han quedado cortisimos), más Detroit, más Harland, más personajes made in Elmore Leonard y más, más Walton Goggins y Boyd Crowler. Ojala que sí.

Un saludo, sed felices y no os perdáis Justified y Justified: ciudad salvaje, ambas en Disney+.

Novedades Reservoir Books de septiembre, octubre, noviembre y diciembre de 2023. Cómics y libros.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Reservoir Books, correspondientes a los meses de septiembre, octubre, noviembre y diciembre. Tenemos libros, tenemos cómics … En resumen …

¡Las cosas que nos hacen felices!

Reservoir

Novedades Reservoir Books

Septiembre, octubre, noviembre y diciembre 2023

Comunicado de Reservoir Books:

«En Reservoir Books estrenamos el trimestre en la colección #Roja&Negra con Pirineo Noir, de María Pérez Heredia, un thriller literario ambientado en el Pirineo aragonés, en la estela de Gillian Flynn y Joyce Carol Oates, llamado a convertirse en una de las novelas negras más destacadas del trimestre.
También este otoño supondrá el regreso de Lars Kepler con más de 17 millones de lectores en 40 idiomas, con la que ha sido calificada como su novela más negra y salvaje, El Hombre espejo, una historia que, además, se encuentra en plena producción de su adaptación televisiva.
Y hablando de televisión, en octubre vuelve el «rey de la crónica negra», Carles Porta, con Crímenes: siete historias de oscuridad, su formato más adictivo sobre los crímenes reales más increíbles que cuenta con un importante contenido extra: los guiones completos de la miniserie sobre El Crimen de la Guardia Urbana, con el desenlace del juicio».

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Novedades de autores clásicos

«Vuelve a #ReservoirGráfica la gran autora, Marjane Satrapi con Mujer, vida y libertad, un volumen colectivo de no ficción gráfica que conmemora el inicio de la revolución del velo en Irán. Coincidiendo la publicación de este esperado libro, Reservoir Books publica, en coedición con Elkar, por primera vez Persépolis en euskera. El gran clásico de la novela gráfica de este inicio de siglo.
¡Macanudo sigue creciendo! Liniers deleita a sus miles de seguidores con Bienvenidos a otro lado , un nuevo libro que reúne las mejores tiras que se publicaron en los periódicos estadounidenses de mayor prestigio.

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En octubre llega El gran libro de Cuttlas, la edición definitiva de uno de los personajes míticos del cómic español, «el vaquero minimalista que vivía entre duelos a muerte y reflexiones filosóficas» (El País) cuando se cumplirá un año de la desaparición de uno de los ilustradores más importantes de nuestro país».
Series que llegan a su fin 
En septiembre llega El pájaro y la serpiente el enigmático cierre del ciclo Las tres noches «macabro y bello» (El Cultural), que consagra a Borja González como el autor más sugerente y singular de la novela gráfica en España.
Octubre nos trae La última cena de los veteranos de Carlos Giménez, una novela gráfica en la que el gran maestro de la historieta española pone el punto final a su gran serie, Los profesionales: el mejor retrato interior de la industria del comic español.

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Debuts destinados a convertirse en clásicos
La inevitable ceguera de Billie Scott estrena el mes de noviembre, y parte de esta particular premisa: imagina que eres pintora y, cuando estás a punto de realizar tu gran debut en una galería de arte, descubres que te vas a quedar ciega en quince días. Recientemente nominada a cinco premios Eisner, Zoe Thorogood está sacudiendo el mundo del cómic y Reservoir Books publica la primera novela gráfica de la autora.

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Y guardamos una joya para acabar, una de las mayores apuestas del trimestre en #ReservoirNarrativa: Tener la carne, la primera novela de la premiada dramaturga Carla Nyman. Un delirante thriller almodovariano en la costa de Almería que entrelaza la Virginie Despentes de Fóllame, con la parte más salvaje de Cristina Morales y la parte más sucia de Andrea Abreu».

Y hasta aquí el comunicado de Reservoir Books. Justo más abajo, os dejo el pdf con todas las novedades previstas para septiembre, octubre, noviembre y diciembre.

Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

Cyberpunk 2077: nada de esto fue un error (o sí)

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Hoy toca hablar de Cyberpunk 2077. O lo que es lo mismo del fichaje de Figo por el Real Madrid, del cambio de forma de hacer los donuts o del tocomocho de Heroquest 25 aniversario. O quizás no tanto. En todo caso tenemos que hablar del porqué este videojuego era esperado como la llegada al paraíso del rol, las iras posteriores y como está ahora el juego, tres años después de haber salido.

De la historia de Cd Projekt ya es pura leyenda de la Historia de los videojuegos: unos señores polacos que hasta entonces hacían localizaciones en polaco de juegos de rol que compran el motor de un videojuego de rol (Aurora Engine) a la desarrolladora por excelencia occidental de videojuegos de rol (Bioware, los de Baldur´s Gate, KOTOR, etc). Deciden comprar por dos duros los derechos una saga de libros de un señor polaco y sacan el primer The Witcher, que tiene un éxito moderado. Pero amigos, que se hizo con dos palos. Llegó una segunda parte, aún mejor y la madre del cordero: The Witcher 3, que directamente arrasó a niveles obscenos en ventas y críticas (entre ellas la nuestra).

De ahí que los polacos del alma, con sus buenas palabras y sus aires simpáticos, anunciaron que iban a hacer un videojuego de un clásico de los juegos de rol de papel y dados de los años 80: Cyperpunk. Megacorporaciones, gente con trozos de su cuerpo sustituidos por ordenadores, mucha gente vestida de forma supermolona, katanas, pistolas, saltos de 200 metros, conspiraciones dentro de conspiraciones y mucho más. Hecho por los simpáticos truhanes de The Witcher 3. Además salía Keanu Reeves. Estábamos todos como monas esperando que saliera.

La historia de cómo salió hace tres años Cyberpunk 2077 es también Historia. En consolas salió total y absolutamente injugable. Ni poniendo mucha voluntad. Era algo a medio hacer que salió como juego ya hecho. En ordenador tenía algún pase más, pero seguía siendo un completo desastre. De ahí vino el show de motes, que si Ciberbug, que si etc. Hubo quienes dijeron y popularizaron lo de «lo peor de Cyberpunk 2077 no son los bugs, es xxx», que casi podemos decir que es ya el «hay que comer donde veas camiones que eso es que el sitio es barato» de los videojuegos. Pero desde este sacrosanto sitio hemos jugado a Cyberpunk 2077 tres años después de su lanzamiento, siguiendo la no menos sacrosanta recomendación inmortal de Guybrush Threepwood, y de eso hablaremos a continuación.

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Guybrush threepwood, referente.

Lo primero a decir de Cyberpunk 2077 a estas alturas de 2023 es que, resumidamente, está bien. Este «está bien» es más o menos ir a ver el blockbuster veraniego al cine, entretenerse con las explosiones, las persecuciones y en general el buen trabajo técnico, salir del cine echándote unas risas con quienes vayas y acordarte años después que la viste. Con esto queremos decir que en 2023 nadie pierde el tiempo jugándolo y por lo general gusta a quien lo prueba a día de hoy. Con esto no queremos decir que se haya acabado todo lo malo o que el juego vaya a revolucionar algo, claro.

Cyberpunk 2077 es muy muy espectacular a la vista. Es cierto lo de que cada pocos minutos ves escenas o partes que podrían ser fondos de pantalla artísticos. Es verdad que la parte artística del videojuego es sobresaliente y abruma. Pero, ayh, incluso tres años después está espantosamente optimizado y hacer volar los ordenadores y arder en llamas a los portátiles incluso a niveles normalitos. Uno de los fuertes del juego también es todo lo sonoro: ya no solo la banda sonora espectacular de rock o tecno sino el espectacular elenco de dobladores y traductores al castellano. Acentos sudamericanos, asiáticos, etc, perfectamente localizados al español. Expresiones barriobajeras reales como pocas veces se han escuchado en un videojuego (sale incluso el clásico «no jodas – pues no te agaches»).

Pero, ¿y la jugabilidad? Hay varias jugabilidades. Está la habitual, que es movernos en primera persona en un mundo abierto enorme (básicamente una ciudad gigantesca y algo del extraradio del alrededor) para ir a los puntos donde se inician las misiones. Podemos llegar a ellos a patita, en vehículo o por transporte rápido. Cuando nos vamos acercando casi siempre recibiremos una videollamada de alguien explicándonos qué hay que hacer, si matar a alguien, rescatar a alguien, meternos de manera sigilosa y hackear algo, etc. Hay variedad y cantidad en las misiones, todas tienen su historia de porqué se nos pide esto o lo otro.

Algunas son de hablar con varios personajes y convencerles. Otras de llevar a un hombre que se ha puesto un transplante en la entrepierna a urgencias, que le duele. En otra acompañamos a un asesino que se ha redimido y quiere retransmitir en directo su ejecución para dar un mensaje. Es más o menos normal que podamos tomar distintas decisiones en cada una, lo cual está bien, pero no hay un sistema de reputación o moralidad, sintiendo que cada misión y sus decisiones morales son como islas. The Witcher 3 también era así, claro. Aunque The Witcher 3 era maravilloso en que el final dependía de muchas decisiones realizadas a lo largo de la aventura. Aquí en Cyberpunk 2077 los finales dependerán de una decisión final terminando, que está algo condicionada por cuales misiones hayamos hecho y cuales no. Es mucho menos complejo y fascinante, por más que sí que tenga su intringulis cómo va a acabar nuestro personaje.

Podemos decir que Cyberpunk 2077 tiene una hoja de personaje más o menos aceptable e intuitiva, como muchísimas habilidades a seleccionar. Cada poco tiempo estamos subiendo de nivel y poniendo nuestro nuevo puntito de habilidad a otra habilidad. Hay un poco de todo, desde lanzamiento de cuchillos a mejorar los hackeos de mil modos a soportar más daño a regenerarnos a hacer cosas salvajes con una espada. La mecánica de subida de nivel frecuente-muchas opciones de habilidad funciona realmente bien. Y se nota en el juego, es decir, al ser tan frecuente no puede ser superpotente de cada vez, pero la acumulación en un mismo sentido (por ejemplo, mucho al manejo de pistola o de hackeo) sí se termina notando.

Aunque todo el desparrame visual, auditivo y de habilidades tras un rato termina teniendo calvicies. Porque Cyberpunk 2077 es un juego muy fácil. Sin subir nada en hackeo podemos hackear a enemigos como si no hubiera mañana, exceptuando alguno aislado. Sin subir en cosas de sigilo nos podemos colar sin pensarlo mucho en casi cualquier lado con facilidad. Podemos subir mucho la pistola pero usamos un rifle de francotirador como si fueramos Zaitsev. El personaje sí nota cuando usamos algo que hemos subido mucho, pero conforme pasa el juego notamos que en el modo normal de dificultad vamos en Modo Dios casi. Los enemigos tienen una inteligencia artificial muy normal y estándar en el mundo de los videojuegos, es decir, poca cosa. Así podemos gustarnos mucho hackeando a unos, disparando a otros, volviéndonos invisibles para saltar rebanando cabezas por la espalda mientras lanzamos granadas. Hay mucha variedad de afrontar las peleas y podemos fliparnos cosa mala, pero, insistimos, cuando nos maten es por sobrarnos a niveles humillantes para los enemigos.

Ir en moto, disparar a los enemigos o movernos en sigilo está bien llevado, pero conducir un coche es un horror en Cyberpunk 2077. Es decir, es ir sobre una balsa de aceite, dando unos bandazos de cuidado. Además, aunque atropellemos a gente y la matemos la policía no nos perseguirá. O si nos bajamos y rajamos el cuello a alguien: carrerita de 15 segundos y arreando. Esto, lo siento, es casi lo peor del juego y da algo de risa. Matas a alguien delante de policías, corres un poco (apenas segundos) y pasan de ti. Las persecuciones de la policía yendo a por ti, acosándote y poniéndotelo jodido ya estaban en GTA 3 de 1999. Será un mundo despiadado en el que es un sindios todo, pero hombre, la policía debería aguantar más de 10 segundos persiguiéndote. O los cazarrecompensas corporativos: ¿cómo narices puedo liarla en edificios de megacorporaciones y luego no mandan a gente con cosas afiladas a por mí?. Da la sensación que puedes matar casi a quien quieras y como quieras, venga la gente que quiera. Y cuando te sueltan a hordas de zumbados a por ti es divertidísimo, pero choca que luego los personajes se agobien por que en tal misión los enemigos tienen 20 soldados. Pero por dios, que eso no es nada.

Explorar en Cyberpunk 2077 a pesar de los lugares comunes sí tiene premio. Hay misiones escondidas, con las secundarias que por momentos recuerdan en altura y originalidad a las de The Witcher 3. Hay misiones que se completan explorando buscando pintadas o rastros de taxis-robot perdidos (cadena de misiones inolvidable). Hay muchísima chatarra por todos lados, como es normal, para poder crear nuestras armas, armaduras y municiones. En armas hay variedad incluso dentro de la misma categoría. Por ejemplo, hay pistolas inteligentes (disparas a una zona y las balas buscan al enemigo), las hay de potencia (las balas rebotan) y las hay que cargas el disparo y sueltas uno más potente. Cada arma o armadura tiene por lo normal varios espacios de modificaciones. Es más: como era de esperar el propio personaje protagonista puede modificarse todo el cuerpo prácticamente.

En Cyberpunk 2077 es igual de importante qué habilidades subimos con cada nivel que cuales son las modificaciones que hacemos al cuerpo. Si preferimos piernas que nos permiten dar dobles saltos, pieles que nos permiten regenerarnos o mejor que nos den más blindaje directamente. Pensándolo bien quizás sean más poderosos los implantes, pero es algo que no modificaremos tantísimo: son muy muy caros. Pero los mejores valen la pena.

Respecto a la historia principal de Cyberpunk 2077 decir que está bien. Tenemos a Keanu Reeves acompañándonos casi todo el juego y la trama tiene reminisciencias de Matrix y de los clásicos módulos del juego de rol de dados y papel ochentero. Tiene sus giros de guión, sus enemigos obvios esperándonos, sus personajes que cambian de bando y una gozosa batalla final muy de superproducción. Sin ser algo inolvidable no solo se limita a cumplir sino que tiene sus giritos de vuelta divertidos y puñeteros. Los personajes de las misiones tanto principales como secundarias tienen su alma y no son particulamente genéricos, siendo lo suficientemente distintos y trabajados como para ser creíbles.

El que haya llegado aquí podrá pensar que Cyberpunk 2077 es un videojuego que deja sabor agridulce…tres años después de haber salido. Y algo de eso hay. Toda esa barbaridad visual, auditiva, artística. Toda esa creación artística, desde la propia estética a la psicología de los personajes que nos encontramos. Esa enorme variedad de habilidades, de afrontar las cosas y de misiones diferentes. Ese ritmillo de subir de nivel cada poco e ir subiendo en habilidades. Hay mucho que funciona bien y por lo que vale la pena…pero ya hemos comentado lo que al final le lastra: errores de mecánicas que hacen conducir coches algo insufrible, sistema de castigos por cometer delitos casi totalmente inexistente, optimización espantosa tres años después, niveles de desafío por momentos inexistentes.

Y sí, es la sensación que tenemos. De un videojuego divertido y apasionante en muchas cosas, recomendable si se compra con oferta, al que le lastran muchas decisiones erróneas que tienen toda la pinta de ser cosas de base decididas con prisas.

Sed felices.

 

The Equalizer 3. Un fantástico cierre a la saga

“Empiezo a creer de todo corazón que es aquí donde debo estar”.

Una persona puede crear unos vínculos allá donde va y esos vínculos pueden llegar a arraigar en una nueva familia. Es lo que le ocurre a Robert McCall en un pequeño pueblo italiano, Altamonte. McCall llega allí de manera fortuita; herido de muerte es recogido por un Carabinieri que lo lleva al benefactor y médico del pueblo. Ellos no hacen preguntas. McCall lleva una herida de bala en el dorso. «Si preguntan, se ha caído».

Robert conoce la violencia, ha vivido de ella toda su vida. Por eso cuando llega a Altamonte y ve la amabilidad lugareña queda prendado. Desea dejar atrás toda esa violencia. Pero a veces el destino te persigue y en forma de Camorra italiana el mal vuelve a presentársele cara a cara a Robert McCall. 9 segundos es todo lo que necesita nuestro protagonista.


EN CF: LAS 10 MEJORES PELÍCULAS DE ACCIÓN DE DENZEL WASHINGTON


 

The Equalizer 3: Contra la mafia italiana

McCall es un tipo que no elude el conflicto, si en la primera película se enfrentaba a la mafia rusa en América y en la segunda a la corrupción y traición de los suyos, en esta tercera entrega se enfrenta a la mismísima camorra italiana en su mismísimo territorio.

Antoine Fuqua, Denzel Washington y Richard Wenk firman una fantástica trilogía de acción que pasará a la historia por ser de las más infravaloradas. Quizás por compartir época con John Wick, The Equalizer no ha tenido el ruido que merecía.

Para la tercera parte Fuqua lleva a McCall a la redención. Nuestro protagonista es un justiciero, un vengador. En su última acción es herido de muerte y todos sus actos se le aparecen en forma de pesadilla. Aunque mata por hacer el bien, le queda en la conciencia. Es hora de redimirse, de encontrar la paz y Altamonte es el sitio perfecto.

Lo que me gusta de la trilogía de The Equalizer es que se toma su tiempo para presentar  a la gente que rodea al protagonista y a este con su entorno para finalmente ponernos un conflicto.

Así veremos en la primera mitad la relación de Washington con la gente del pueblo de la costa del sur de Italia. Una trama en la que algunas veces se nos escapará alguna sonrisa y es que es imposible aburrirse viendo actuar a Denzel. La naturalidad de sus gestos y su amabilidad hacen que veamos que detrás del justiciero hay una gran persona que solo quiere vivir en paz con los suyos.


EN CF: DIEZ MUERTES MEMORABLES DEL CINE


 

La Camorra en The Equalizer

En los últimos años ha cambiado la visión de la mafia italiana que teníamos desde El Padrino. Si antes iban impecablemente vestidos e iban en coches lujosos ahora en los últimos años se nos presentan como matones con chupa y moteros. Así son los mafiosos a los que McCall hará frente cuando ataquen al pacífico pueblo de Altamonte.

He de decir que una vez que se desata la acción estamos en los mejores minutos de la trilogía, una catarsis de la violencia que solo se verá parada cuando uno de los dos bandos, McCall o la Camorra, no quede en pie.

The Equalizer 3

La más deudora de géneros

The Equalizer 3 tiene claros homenajes al spaghetti western y al giallo. Y es que en esta ocasión Robert McCall va a aterrorizar a quienes normalmente están en el poder de hacerlo. Esta es la entrega más gore de la saga. Fuqua se desmelena en esta ocasión y nos entrega escenas de pavor y dignísimas del quebrantahuesos Seagal (este mote se lo puso el gran Boquerini). La secuencia del protagonista en la mansión del villano es brutal en todos los sentidos.

No todo es oro lo que reluce

Donde quizás se entorpece un poco la película es en la trama paralela de la agente de la CIA, una siempre formidable Dakota Fanning, pero que sinceramente amuerma un poco todo lo que con ella acontece siempre que no está compartiendo pantalla con Denzel.

He de decir que por un momento me hice una paja mental de las mías y busqué una conexión «sinsentido» entre esta cinta y El fuego de la venganza.

The Equalizer 3

Valoración Final

The Equalizer 3 es un fantástico cierre para la saga. Sin florituras, sin desgaste, así se acaba una saga. Tres buenas películas en la que cuesta elegir cual es la mejor (si acaso yo veo la segunda un peldaño por debajo de las otras dos).

En un año en el que se han estrenado grandes secuelas de acción como Tyler Rake, Misión Imposible o John Wick, The Equalizar 3 las ha adelantado por la derecha siendo quizás la mejor de todas ellas.

Un saludo y sed felices.

 

Crisis en Tierras Infinitas (Edición Deluxe): El viaje más épico jamás contado a través del multiverso de DC 38 años después de su publicación

Decir que ‘Crisis en Tierras Infinitas’ es una leyenda en el mundo de cómic y que es una de las obras maestras de DC no es una exageración. Este evento ha dejado una huella imborrable en la historia del noveno arte y ha redefinido el concepto de crossover. Su ambiciosa historia y su elenco de personajes icónicos nos trajeron una trama repleta de acción, emoción y sorpresas, además de reescribir el mundo de DC en los cómics.

Una de las principales fortalezas de ‘Crisis en Tierras Infinitas’ radica en los múltiples multiversos que se ven involucrados en esta apasionante trama con versiones alternativas de los héroes y villanos de DC. Partimos de la premisa de una crisis que amenaza con destruir todas las realidades existentes (que no eran pocas)  y la lucha de los héroes para salvar este multiverso, ese es el eje central de nos mantiene pegados a cada página de esta extensa obra.

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El guionista Marv Wolfman y el dibujante George Pérez logran un equilibrio perfecto entre la escala épica de la trama (la destrucción total) y los momentos íntimos y dramáticos de los personajes, por algo es una obra que todo fan de la editorial de Burbank debería tener en su estantería.

Uno de los aspectos más destacados de Crisis en Tierras Infinitas es la inclusión de un vasto elenco de personajes provenientes de distintas realidades y épocas. Todos han sido convocados en esta lucha desesperada para salvar las diferentes existencias de este multiverso (palabra que se va a repetir mucho en este artículo.  No puedo más que elogiar la manera en la que se entrelazan las historias, las acciones y decisiones que cada personaje involucrado y como las individualidades afectan al conjunto de la trama. Lo realizado por el equipo creativo es un trabajo soberbio.

Con tanta destrucción podríamos caer en un entretenimiento vacuo o con demasiada acción y poca trama, pero Wolfman y Pérez no caen influenciados por el espíritu de Michael Bay y nos entregan algo muy profundo en que ningún personaje aparece por que sí, todos tienen su papel en esta odisea.

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Los enfrentamientos entre los héroes y villanos icónicos nos muestran batallas épicas mientras la historia continúa avanzando sumando más y más tensión a los acontecimientos.

Por esto y por muchos más detalles que es mejor no desvelar,  ‘Crisis en Tierras Infinitas’ ha tenido un impacto que ha llegado a día de hoy, 38 años después de su lanzamiento y que ha conseguido que la obra de Wolfman y Pérez esté en todas las listas de mejores cómics de DC y del noveno arte en general.  Todo esto dejando a un lado lo que conllevó este evento para la editorial con el reinicio y redefinición de personajes.

‘Crisis en Tierras Infinitas’ se convirtió en un hito, aunque también fue todo un riesgo al finiquitar lo que se había construido durante tanto tiempo. Después ya no le ha temblado tanto el pulso a DC para realizar reinicios, aunque ninguno ha llegado a calar, incluso el afamado Flashpoint palidece ante este.

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Conclusión

‘Crisis en Tierras Infinitas’ es una innegable obra maestra del cómic que merece un lugar destacado en el panteón de los dioses comiqueros, de la historia de DC y de los superhéroes en general.

Lo tiene todo: Una ambiciosa trama, un elenco de personajes icónicos, un impacto duradero y una habilidad para mantenernos emocionados, interesados y en tensión a lo largo de todas sus páginas.

‘Crisis en Tierras Infinitas’  no es solo un evento, es toda una experiencia  inolvidable que Marv Wolfman y George Pérez dejaron para la posteridad.

Una historia épica que definió el concepto mismo del crossover en el mundo del cómic. No son solo viñetas, son una parte muy importante de la cultura pop. ‘Crisis en Tierras Infinitas’ es un testimonio del poder y la grandeza de los cómics de superhéroes, y seguirá siendo una referencia obligada para los fanáticos y creadores de historias durante generaciones venideras. Si creéis que exagero os insto a leer esta obra, tanto en su formato de lujo como en su versión pocket y disfrutadla como estoy seguro que lo harán vuestros hijos y nietos.

Incluso CW y su ‘Arrowverso’ intentaron plasmar parte de la grandeza de este cómic, pero no lo consiguieron.

Aquí os dejo también la opinión de los eruditos de esta sacrosanta web:

El cómic recomendado de la semana: Crisis en Tierras infinitas

Los distintos mundos de DC (III): Crisis en Tierras Infinitas

 

Aquí os dejo el enlace a la Edición Deluxe de ‘‘Crisis en Tierras Infinitas’ de ECC Ediciones y su portada:

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Un saludo desde el sótano de la Batcueva.

Retro-Análisis: Contact (Contacto, 1997), la eterna pregunta sobre si estamos solos

Hoy en nuestra sección de retro-análisis, revisitamos Contact (Contacto), filme de Robert Zemeckis de 1997 que, basado en una novela de Carl Sagan y protagonizado por la siempre superlativa Jodie Foster, adquiere mayor relevancia y legado al ser visto a través del tamiz del paso del tiempo.

Existen dos posibilidades: estamos solos en el universo o no lo estamos. Y ambas son igualmente aterradoras”… La cita corresponde a Arthur C. Clarke y aunque no está incluida en Contact, filme de Robert Zemeckis que hoy nos ocupa, podría perfectamente funcionar como resumen. Se trata, precisamente, de una película que aborda las preguntas que a la humanidad genera la posibilidad de vida extraterrestre inteligente y se plantea cómo podría ser el primer contacto.

Además y como atractivo extra, está basada en una historia de Carl Sagan, quien, en una combinación de las más difíciles de encontrar, fuera prominente científico e investigador, a la vez que gran divulgador e incluso se atrevió a escribir una novela, tal el caso, justamente, de Contact, publicada en 1985 y a la cual la película adapta.

De hecho, Contact es en realidad una historia concebida para el cine ya desde sus orígenes, puesto que Carl Sagan y su esposa Ann Druyan la venían pensando para una película desde 1979, pero diversos problemas fueron demorando el proyecto hasta que, cansado de idas y vueltas, él decidió publicarla como novela.

La idea de llevarla al cine fue retomada en los noventa, primero con Roland Joffé como director, pero se bajó del proyecto. Se apuntó entonces a Robert Zemeckis, quien declinó el ofrecimiento por no gustarle el final que pretendía Warner con “aliens angelicales abriendo el cielo y haciendo un show de luces”. Se contrató entonces al australiano George Miller (Mad Max) que, de hecho, fue quien trajo a Jodie Foster, pero la realización marchaba tan lenta que acabó despedido y volvieron a llamar a Zemeckis, esta vez con control artístico absoluto.

La Historia

La película comienza con una de las más impactantes escenas con que se haya iniciado filme alguno de ciencia ficción. Una toma del planeta Tierra se va alejando y, poco a poco, vamos viendo el resto de los mundos del sistema solar para luego seguir hacia las estrellas y finalmente ver la galaxia desde el espacio profundo. Y a medida que ello va ocurriendo, oímos de fondo transmisiones radiales nuestras que en algún momento habrán salido hacia el cosmos y andarán ahora perdidas por allí afuera o, quizás, hayan sido captadas por alguien…

El personaje principal es Ellie Arroway (Jodie Foster), científica que trabaja en el programa SETI a la caza, justamente, de transmisiones extraterrestres. Los flashbacks nos muestran que de niña (interpretada por Jena Malone) y estimulada por su padre (David Morse), mostraba ya una fascinación especial por la observación de las estrellas, así como por las transmisiones radiales en onda corta: de hecho, se convierte en clave el momento de captar una procedente de Pensacola, Florida, que le lleva a dibujar el lugar tal como lo imagina y que, ya veremos, tendrá fuerte significación simbólica hacia el final.

Ya de adulta y combinando sus dos pasiones, se desempeña en el observatorio de Arecibo, Puerto Rico, pero el programa se halla en problemas por la intención oficial de retirarle fondos, en lo cual se halla involucrado el fastidioso asesor presidencial David Drumlin (Tom Skerritt). Al ocurrir finalmente el cierre, Ellie queda totalmente descorazonada, pero dos hechos reencaminarán su vida para bien…

Por un lado, conoce a Palmer Joss (Matthew McConaughey), un profundo creyente que en algún momento quiso ser sacerdote, pero acabó dedicándose más bien a la teología y a escribir sobre ciencia y religión. Al ser ella atea, se genera un interesante antagonismo y, paradójicamente, atracción mutua.  Por otra parte y en el aspecto laboral, un misterioso y genial empresario llamado S. R. Hadden (John Hurt), ofrece a Ellie la posiblidad de seguir con lo suyo de rastrear señales del espacio, pero esta vez en el proyecto de Very Large Array (Nuevo México).

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Es allí donde, finalmente y en forma de secuencia de números primos, pesca una transmisión procedente de la estrella Vega, a veinticinco años luz. Una vez traducidos los mensajes a imágenes, se halla contenido en ellos nada menos que el discurso de apertura de Adolfo Hitler en los Juegos Olímpicos de 1936 (primera emisión televisiva que pasó a la estratósfera), pero también una serie de dibujos que se corresponden con instrucciones para construir una nave espacial. En otras palabras: alguien allá afuera ha dicho en primer lugar “recibido” y, en segundo, “les estamos esperando”…

El Legado de Sagan

Cuando uno revisa la recepción crítica que la película tuvo en su momento, comprueba que fue en general buena y punto, pero viéndola hoy en retrospectiva, se pueden apreciar mejor sus méritos y legado. Por cierto: Sagan no llegó a verlo, ya que falleció siete meses antes del estreno y el filme, en ese sentido, es perfecto reflejo de sus ideas, dudas y convicciones o, lo que es lo mismo, su mejor legado. Obviamente, le está dedicado…

El primer contacto, de hecho, presenta rasgos ya por él imaginados y planteados a modo de hipótesis en sus libros de divulgación o en la excelente serie Cosmos: Un Viaje Personal.  Lo de los números primos, por ejemplo, ya estaba allí sugerido como ejemplo de posible forma de determinar si una señal es de origen inteligente o no.

Sagan fue también uno de los grandes impulsores del programa SETI, con lo que la película tiene algo de autobiográfico, inclusive en las disputas con el poder político pues, lejos de ser un conformista, mantuvo siempre un tono contestatario y descreído con respecto al mismo.

En su única experiencia como novelista, tiene mucho de Arthur C. Clarke, en cuya obra es bastante recurrente el tema de la súper civilización que entra en contacto con la humanidad (El Fin de la Infancia, 2001, Cita con Rama). Y las conexiones no terminan allí: muchos desconocen que Sagan fue uno de los consultores científicos durante el rodaje de la mítica 2001: Una Odisea Espacial, de Stanley Kubrick (aquí análisis).

Racional al extremo pero a la vez profundamente humanista, creó una historia que, desde luego, rezuma rigor cientíco por todos lados, introduciendo, por ejemplo, los conocimientos que, en ese momento recientes, se tenían sobre los agujeros de gusano.

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Una Lograda Adaptación

Cuando uno compara la novela con la película de Zemeckis (guion de James V. Hart y Michael Goldenberg), encuentra cambios que conllevan pérdidas y ganancias, afortundamente más lo segundo que lo primero. El más obvio es que, a pesar de los ciento cincuenta minutos de metraje, la trama lleva un ritmo mucho menos pausado porque, claro, el cine implica otra paciencia.

El conflicto entre ciencia y religión está igual de presente que en la novela, pero con un rol mucho mas central, ya sea en la atracción de opuestos entre Ellie y Palmer o en la presencia de un movimiento cristiano fundamentalista cuyo demente líder (Jake Busey) intenta sabotear el proyecto de construcción de la nave.

De hecho, ese primer contacto con alienígenas remueve creencias (otra vez nexo con Clarke) y genera en ámbitos religiosos una hostilidad que se transmite al político. Así, interpelada en el Congreso a los fines de determinar su aptitud moral para representar a la humanidad ante un eventual contacto, se le pregunta a Ellie si cree en Dios, ya que no sería bueno que alguien que no lo hiciera fuese nuestro primer representante…

Sería un error, no obstante, reducir la película a simple alegato contra la religión. En todo caso, sí contra sus formas más anquilosadas o recalcitrantes, pero la fe tiene un importante lugar en la historia y en más de una forma: la tiene, desde ya, Palmer, casi un sacerdote sin sotana, pero también Ellie al confiar ciegamente y sin pruebas en los propósitos de los alienígenas. La conclusión quizás sea que el progreso, en definitiva, implica siempre algún momento en el cual haya que cerrar los ojos…

Y ya que hablamos de Ellie, su personaje es más interesante en la película que en la novela. Mucho tendrá que ver que le dé vida una garantía de solidez como Jodie Foster, pero también que, a diferencia de la “savant” (por momentos insoportable) que es en el libro, esté aquí más cruzada por tormentas internas, dudas e inseguridades que pueden hasta provocarnos identificación.

Matthew McConaughey, otra garantía, funciona para ella como perfecto complemento y también punto de quiebre, pues será después de conocerle que ya no estará tan segura de las cosas. Y allí hay que otorgarle un puntazo a Zemeckis porque su llegada, contrariamente a la de Foster, es ciento por ciento mérito suyo.

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El elenco, además, incluye a James Woods, gran actor al que lamentablemente se ha encasillado en personajes turbios o corruptos (también aquí), así como al mencionado Tom Skerritt, eterna e injustamente condenado a secundario. Ni qué decir de John Hurt, actor de la hostia si los hay, o la siempre magnífica Angela Bassett dando vida a una jefa de gabinete presidencial que, por momentos, pareciera ser la única que da bríos a Ellie con lo suyo.

Como la Realidad

Zemeckis logra que un filme sobre contacto alienígena se vea creíble y ello no es poca cosa. No solo por el estricto racionalismo científico, sino también por la sensación de realidad que le da al incluir a reconocidos reporteros de la CNN o al propio presidente Bill Clinton como protagonistas.

Por cierto, tanto desde la cadena de noticias como desde la presidencia se quejaron de que no se les haya pedido autorización. Es cierto que ya Zemeckis tenía experiencia al haber hecho interactuar a Tom Hanks con Richard Nixon o John F. Kennedy, pero allí el tono de broma estaba claro, mientras que aquí se toman frases reales de Clinton para insertarlas en otro contexto y lo mismo ocurre con afamados periodistas o conductores televisivos, entre ellos Larry King.

Como en aquella célebre transmisión radial de Orson Welles, el conjunto genera sensación de programa informativo y por momentos parece que, más que una película de ficción, estuviéramos siguiendo noticias en tiempo real. Con ello, el filme consigue que veamos la historia no solo posible sino también bastante actual y más que cualquier invasión marciana.

Y no viene mal la alusión porque apenas un año antes se había estrenado Independence Day, donde la visión sobre los alienígenas y el poder político es diametralmente opuesta, además de estar la película tan plagada de lugares comunes y detalles inverosímiles que no hay forma de que luzca creíble.

De hecho y extrañamente, hubo al momento de estrenarse el filme quien se sintió estafado por no mostrarse los alienígenas en el final. Por el contrario, creo que es un gran acierto de Zemeckis el no haber actuado como lo hubiera hecho su mentor Steven Spielberg, quien estropeó una gran película como Encuentros en la Tercera Fase con un final que da vergüenza ajena (algo parecido hizo, pero con algo más de criterio, en A. I. Inteligencia Artificial).

No diré de qué modo se presentan los alienígenas en Contact, solo que remite en algún punto (y otra vez) a 2001. Y no es que no me gusten las películas que muestran extraterrestres; de hecho, me encantan, pero hay que ver el tipo de propuesta. En una historia como esta, en la cual los mismos se presentan a la humanidad como infinitamente más avanzados, inaccesibles y casi etéreos, creo que lo mejor es no hacerlo y que, en todo caso, nos quede la idea de que cada uno pueda darle la forma que más se parezca a lo que conoce o tiene en mente.

Haciendo una analogía, Palmer dice haber “visto a Dios”, un concepto tan elevado que asumirá distinto aspecto según quién lo imagine y me viene a la cabeza un excelente relato de Philip K. Dick titulado La Fe de Nuestros Padres. Con los alienígenas no es diferente: tal como aquí se los presenta, están tan por fuera de nuestra comprensión que no nos queda más remedio que remitirlos a imágenes que conocemos…

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En otro orden de cosas, una importante diferencia entre novela y película es la ausencia de la guerra fría en la segunda. Tiene sentido: estábamos en 1997 y la misma era ya un recuerdo, como también la Unión Soviética. En el libro, anterior a la caída, el conflicto entre potencias tenía un lugar central y a la larga llevaba a que la solución fuera la colaboración más que la confrontación, línea muy semejante a la que planteaba (otra vez) Clarke en 2010: Odisea Dos, pero más marcadamente Peter Hyams en la adaptación cinematográfica de 1984 (aquí retro-análisis a cargo de un servidor).

El cambio es lógico, pero le quita algo de carácter internacional a la resolución de la historia, ya que en la novela eran cinco los lugares a ser ocupados en la nave y ello daba lugar a una mayor diversidad. En la película solo hay sitio para uno y acaba ocupado por una estadounidense.

Por cierto y más allá de los interesantes diálogos y debates a que da lugar, la forma de resolver quién será el elegido es uno de los detalles menos verosímiles de la cinta: el otro es la facilidad con que un fundamentalista religioso puede infiltrarse en la NASA durante un lanzamiento (aunque, a decir verdad, ya no sabemos qué pensar después de las Torres Gemelas). Lo que sí resulta premonitorio es que dicha agencia gubernamental comience a ser reemplazada por la iniciativa privada, tal como hoy estamos viendo con una carrera espacial que ya no es entre Estados Unidos y la Unión Soviética, sino entre Jeff Bezos y Elon Musk, a los cuales el personaje de Hurt remite bastante.

Por último, la banda sonora de Alan Silvestri y la fotografía de Don Burgess acaban de dar lucimiento al conjunto, lo mismo que los efectos visuales, que no se ven hoy para nada envejecidos y que tienen su gran momento durante el viaje con la secuencia del “agujero de gusano”. Y el final, lejos de ser cerrado y unívoco, nos deja dudando qué es lo que ocurrió exactamente; pero para bien, no para mal…

Valoración Final

Vista hoy, Contact es una película a la que, sin llegar a ser denostada, no se dio en su momento justo lugar ni reconocimiento. Viene a llamar nuestra atención sobre cuán poco probable es que estemos solos en la vastedad del universo a la vez que nos lleva a reflexionar sobre nuestras creencias o, quizás mejor, nuestra fe sin importar en qué.

Rigurosa en lo científico y sólida en los aspectos técnicos, constituye además el legado y quizás despedida de Carl Sagan, como también y a mi humilde juicio, una de las mejores películas de Zemeckis aunque no sea habitualmente reconocida como tal.

Obtuvo una única nominación al Oscar por sonido, pero perdió contra la (otra vez en mi humilde opinión) sobrevaloradísima Titanic (aquí retro-análisis), que arrasó con todo en esa entrega. También una única al Globo de Oro, en ese caso para Jodie Foster como actriz protagónica. Mejor la trataron los Premios Hugo (máximo galardón dentro de la ciencia ficción en cualquiera de sus formatos), que la vieron ganadora como mejor presentación dramática.

Y así como hemos señalado las obvias influencias de 2001, no es menos cierto que Contact influyó sobre mucho de lo que vino después: sin ir más lejos, Interstellar le debe muchísimo y repite a Matthew McConaughey. Si nunca le han entrado o dado una chance, no es tarde para hacerlo…

Hasta la próxima y sean felices…

El cómic de la semana: Arrowsmith 2 Tras las líneas enemigas

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Arrowsmith 2 Tras las líneas enemigas. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Arrowsmith, la última obra del maestro Carlos Pacheco

Arrowsmith es una gran obra de dos grandes autores, Kurt Busiek y el legendario dibujante español Carlos Pacheco. Este segundo tomo es un homenaje al gaditano que lamentablemente murió de ELA en noviembre de 2022.

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Arrowsmith se había considerado como una de las obras cumbres de Carlos Pacheco, y quizás la más importante fuera de las grandes editoriales: Marvel y DC. Y ahora podemos disfrutar de esta gran obra a título póstumo porque este tomo 2, este esperadísimo tomo ha salido después de la muerte del gran Carlos Pachecho.

Como anécdota os tengo que contar que una de las últimas voluntades del genio gaditano fue que sus cenizas se mezclaran con la tinta de esta edición de Dolmen en España. Si tienes el cómic, si tienes la primera edición (espero que vengan varias más en un futuro) tienes una esencia del maestro en tu biblioteca.

También me gustaría hacer mención a que han pasado casi 20 años entre la publicación de la primera historia (primer tomo) y la segunda (este tomo). Muchas personas (incluido un servidor) creíamos que nunca tendría una continuación, pero aquí estamos cerrando el círculo ¿para siempre?.

En este caso los señores de Dolmen han sido cucos para hacerse con los derechos de esta obra y sacarla en un nuevo formato grande, en tapa dura y cuidando todos los detalles, además de publicar el segundo tomo inédito. Recuerdo que en Estados Unidos se publicaron como limited series de grapa de 6 números cada una. La edición en tomo vino después.

Lo que si que desconozco es si Carlos habrá dado permiso a Busiek pueda seguir con la saga con otro autor, o ya se acabó para siempre. Arrowsmith es una coproducción entre Busiek y Pacheco, y pinta que posiblemente no se expanda más el maravilloso universo que han creado estos monstruos del 9º Arte.

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En este tomo de Arrowsmith hay algún cambio respecto al primero publicado originalmente en Estados Unidos. En primer lugar el entintado. Si en la primera ocasión ese honor recaída en su amigo Jesús Merino, esta vez lo entinta Rafa Fonteriz, y os aseguro que cumple con creces. Parece que le ha venido bien este cambio de look a Pachecho.

Y en segundo lugar el color, que pasamos del colorido de Alex Sinclair al más opaco, y más acorde con esta saga y ambientación de José Villarrubia. Por tanto, puedo decir que este tomo 2 de ArrowSmith incluso supera al original

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Por cierto, hace unos años, aquí en Las Cosas que nos hacen felices hicimos una entrevista a José Villarrubia que espero que os guste. Os la dejo aquí debajo.

El joven Fletcher Arrowsmith, teniente del Cuerpo Aéreo de Ultramar, es enviado a una misión secreta y peligrosa dentro de territorio prusiano. Su objetivo es rescatar a una princesa de las garras del enemigo y detener un plan letal que podría destruir toda Europa.

Por el camino, Fletcher viajará a reinos mágicos, se encontrará con monstruos y trolls, y descubrirá los secretos ancestrales de la magia que utiliza para volar y que se encuentra detrás de la propia guerra. El equipo creativo formado por Kurt Busiek (Marvels, Vengadores, Superman) y Carlos Pacheco (X-Men, Los Cuatro Fantásticos, Siempre Vengadores) nos sumerge de nuevo en el fantástico mundo de Arrowsmith. El paso de los meses, las despedidas siempre inesperadas a efímeros amigos, la adrenalina del combate y la crudeza de esta Primera Guerra Mundial han hecho mella en sus protagonistas, pero la esperanza, el valor y el optimismo del joven Fletcher siguen intactos, soñando con que la paz llegue algún día al Viejo Continente.

Este volumen contiene Arrowsmith: Behind Enemy Lines #1-6, la última obra de Carlos Pacheco, así como cincuenta páginas de extras que incluyen bocetos, diseños y lápices del dibujante gaditano, una entrevista con Kurt Busiek y portadas alternativas de algunos de los mayores talentos de la industria del cómic norteamericano.

Sin más os dejo a continuación enlace a Dolmen editorial y justo debajo la portada del tomo en España. Arrowsmith vol. 2 Portada 1 600x893 1

Un saludo y sed felices.

Los 10 mejores héroes de acción del siglo XXI

Qué sería de nosotros sin el cine de acción. Como emblema del cine comercial, el género ha alumbrado la mayor parte de los éxitos comerciales de los últimos cuarenta años, desde que Steven Spielberg y George Lucas acuñaran aquello del blockbuster con Tiburón y Star Wars.

Aunque el cine de acción siempre se ha asociado a figuras como Arnold Schwarzenegger o Sylvester Stallone, lo cierto es que, en estos veintitrés años de lo que llevamos de siglo XXI, el paradigma del género ha cambiado y, con ello, sus héroes también.

Es el momento de repasar los que, a mi juicio, son los mayores héroes y heroínas del género desde el año 2000. Habrá alguna que otra vieja gloria dando sus últimos coletazos, actores de prestigio reconvertidos en busca de papeles protagonistas y, directamente, nuevas leyendas destinadas a permanecer en la mente de los aficionados al género.

Comenzamos.

  1. Gerard Butler

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Entre tanto calvo con músculo, sorprende la constancia y el buen hacer en taquilla de este galés con aspecto de leñador recién levantado que alcanzó el estrellato fílmico con sus abdominales recreados con CGI en 300 pero que se ha instalado con comodidad como protagonista de películas de acción con sabor a serie B que funcionan como un tiro en un tarde tranquila de fin de semana.

Para profundizar en la carrera de este infravalorado actor, aquí tenéis un artículo de esta sacrosanta web sobre sus mejores películas.

  1. Bruce Willis

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Desgraciadamente alejado de las cámaras por una enfermedad neurológica y con una serie de películas infames en sus últimos años, no hay que olvidar que Bruce Willis mantuvo el tipo como héroe de acción crepuscular en la primera década del siglo XXI y primeros años de la segunda. Aunque las películas de la saga Jungla de Cristal de esta época son malas a más no poder, no hay que olvidar películas como Lagrimas del sol, Red, Hostage o, sobre todo, esa joya tan infravalorada y desconocida como 16 calles.

Las 10 mejores películas de Bruce Willis

  1. Matt Damon

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Vale, Matt Damon es un actor con una carrera de mayor prestigio que el de los llamados héroes de acción. Pero no se puede olvidar que Damon fue el atípico protagonista de la excelente trilogía de Bourne (de la cuarta entrega mejor no hablamos). Gracias a la cámara de Paul Greengrass, Damon se convirtió en un amnésico espía cuyas escenas de acción marcaron tendencia y son historia del cine del género.

  1. The rock

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Antiguo luchador de la WWE, The Rock ha sido el primero de estas estrellas del espectáculo que realmente se ha asentado en el cine (atrás quedaban los intentos de Hulk Hogan o André el Gigante).

Aunque comenzó con una andadura similar a la de estas estrellas, su buen ojo pronto le hizo recalar en la saga A todo gas, todo un emblema del cine de acción de este siglo cuya calidad mejoró a partir de la quinta entrega, en la que su Hobbs hace su aparición para hacer sombra (y, finalmente, desatar una rivalidad) con Vin Diesel.

A partir de ahí, su protagonismo en distintas películas de dispar calidad pero incuestionable éxito de taquilla le ha llevado a convertirse en toda una estrella que ha recalado en la televisión (su serie Ballers, en HBO), aventuras destinadas a todos los públicos como Jungle Cruise, el cine de superhéroes con Black Adam o superproducciones en Netflix como Alerta Roja o la próxima Red One.

Sin embargo, yo lo sigo prefiriendo en la infravalorada Dolor y dinero, peliculón de sir Michael Bay. Desde luego, un tipo calvo, fuerte y con sentido del humor.

  1. Liam Neeson

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Probablemente, el actor más inesperado de todos los que se encuentran en la lista.

Liam Neeson, nacido en 1952, era todo un actor de prestigio. Era Schindler en la película de Spielberg. El revolucionario del IRA Michael Collins en la película de Neil Jordan. Y también elevó la categoría de La amenaza fantasma con su buen hacer como Qui Gonn Jinn.

De repente, en 2008 y con 56 años y un lento declive destinado a grandes papeles secundarios (su Ras Al Ghul en Batman Begins o su papel en Gangs of New York) estrenó Venganza, película con espía retirado al que le secuestran la hija y empieza a repartir yoyas por París. Todo un peliculón que sacaba partido de los inmensos 1,93 de un actor que jamás había usado sus habilidades interpretativas para escoger personajes con una férrea y oscura determinación.

A partir de ahí, películas como las secuelas de Venganza, Infierno Blanco, Sin identidad o Non-Stop le auparon a la cima del cine de acción. Eso sí, en los últimos años sus estrenos han descendido a una calidad más propia de la serie Z.

  1. Charlize Theron

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A la hora de hacer esta lista he descubierto que, en el cine y en la vida, soy más de calidad que de cantidad. Solo así se explica que una actriz con menos de cinco películas adscritas al cine de acción se encuentre en el quinto puesto.

Pero es que Charlize Theron, actriz que pasó de ser una cara bonita a finales de los 90 a ganar el Óscar en 2003 por Monster y convertirse en una de las actrices más importantes del mundo, también ha plantado un par de semillas en el cine de acción de las que no se olvidan.

Hablo, claro está, de esa barbaridad que es Mad Max: Fury Road, una continuación de la saga con Mel Gibson en la que ella, Imperator Furiosa, es la verdadera protagonista de la función. Luego llegó Atómica, esa locura disfrazada de trama de espionaje en la guerra Fría con plano secuencia deudor de John Wick en forma de pelea a cara de perro en una escalera en la que la actriz lo da absolutamente todo.

  1. Denzel Washington

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Todo un mito de la interpretación que, a la hora de calzarse el traje de héroe de acción, ha aportado su innegable presencia. Aunque ya en los años 90 coqueteaba con el género, su irrupción está relacionada con dos directores.

El primero es Antoine Fuqua, quien le otorgó el papel que le daría su segundo Oscar en Training Day. A partir de ahí, Washington ha colaborado con el director en la infravalorada saga The Equalizer o en el remake de Los siete magníficos.

El segundo y más importante fue el malogrado Tony Scott, el hermano menos conocido de Ridley (sí, el director de Gladiator, Blade Runner o Alien) y con un talento innato para el cine de acción. Suyas con esa maravilla que es El fuego de la venganza, a la que continuó una asociación feliz formada por Deja Vu, Asalto al tren Pelham o Imparable y que solo pudo terminar con el triste fallecimiento del director.

  1. Jason Statham

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Si con héroe de acción nos ceñimos a esos actores cuya carrera está compuesta al 90% de películas del género, Jason Statham sería el primero de esta lista. Bueno, Jason Statham y su carisma, porque es increíble su capacidad para molar en cada una de las películas en las que participa.

Comenzó como secundario habitual del Guy Ritchie más reconocido (Lock & Stock, Snatch, cerdos y diamantes) para luego iniciar su leyenda como actioner con la saga Transporter, su participación fundamental en Los mercenarios (queda claro que Sylvester Stallone le considera su sucesor) y películas más disfrutables como Crank, The mechanic o Asesinos en serie. En los últimos años, su aportación al cine de acción se ha reconocido, nuevamente, gracias a la saga A todos gas, a partir de la cual ha retornado con Guy Ritchie en todo un peliculón como es Despierta la furia y la más flojita Operación Fortune.

Filmografía comparada de Jason Statham y Dwayne The Rock Johnson

  1. Keanu Reeves

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Con una carrera excepcional (por el contraste entre bodrios con auténticos logros en la historia del cine), Keanu Reeves es un actor peculiar. Protagonizó una película fundamental en el cine de acción de los 90, Le llaman Bodhi, y reventó medio mundo con Matrix en el final de siglo.

Años después, con una carrera en franco declive, estrenó directamente para vídeo John Wick, una película de acción dirigida por dos antiguos coordinadores de especialistas que apostaban por una realización más artesanal en lugar de abusar de los planos cortos marca de la casa Bourne.

El resultado, una saga que, con el boca a boca, algo realmente extraño en el mundo Disney que vivimos, ha ido creciendo entre el público hasta el punto de que su cuarta entrega es uno de los pocos taquillazos de lo que llevamos de año y la saga se ha convertido en, probablemente, la más emblemática del cine de acción del siglo XXI. Lástima que, entre Wick y Wick, Reeves no haya estrenado nada reseñable.

  1. Tom Cruise

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Toda una leyenda viva, lo cierto es que Tom Cruise no solo merece estar en el número 1 de esta lista. Probablemente, también sería el primero de las estrellas cinematográficas actuales. De hecho, no debería aparecer en ninguna lista porque se merece su propia lista. Y punto. Desde Clint Eastwood, ningún actor ha tenido tanto poder a la hora de dirigir su carrera…en una industria actual marcada por las supercorporaciones que coartan a cada vez más estrellas (por esto, entre otras cosas hay huelga).

Pero, ateniéndonos al cine de acción, Tom Cruise protagonizó esa barbaridad que fue Collateral, una película que jamás es lo suficientemente reivindicada. Y, claro, Misión Imposible, una saga que, desde 1996, se ha ido adaptando a los cánones del cine de acción, siempre realizándose con un mimo y un cariño por el espectador que no para de tener recompensar. Su séptima entrega es, ahora mismo, la más valorada de la saga por crítica y público.

Y la mayor parte del mérito es de Cruise. Por elegir a sus directores, guionistas, compañeros de reparto y por jugarse el tipo a lo Buster Keaton, el primer gran héroe de acción de la historia del cine.

Pero es que, encima, no solo podemos hablar de Misión Imposible, su saga emblema. También circulan por ahí la primera entrega de Jack Reacher, la brutal Al filo del mañana y Top Gun: Maverick, una de las mejores secuelas de la historia del cine.

Desde luego, es cuestión de gustos, pero, sin Tom Cruise, nuestra vida sería algo menos feliz.

Crítica de Reality (2023), lo bueno (y lo malo) de apegarse a la realidad

Aunque nos cueste creerlo, hay vida más allá de las plataformas. Entre tanta inteligencia artificial dictándonos lo que debemos y no debemos ver, existen propuestas interesantes que, aunque ni siquiera opten a estrenarse en los cines de nuestro país, al menos podemos ver en plataformas como Filmin. Es el caso de Reality, película que tuvo mucho éxito en el festival de Berlín a principios de año y que se estrenará este 15 de septiembre en Filmin. Una película que os invito a ver y en esta crítica sin spoilers os explicaré el porqué.

Crítica de El club del odio, otra de las joyas de Filmin

Reality está basada en un hecho real poco conocido en nuestro país y con cierta repercusión en Estados Unidos. Básicamente, la película se centra en el interrogatorio que el FBI hace a una lingüista que trabaja para la NSA en su propia casa.

El porqué es bien conocido y podéis leerlo en la Wikipedia, pero no lo mencionaré porque considero que uno se beneficia del visionado de Reality si no se sabe de qué se acusa a la protagonista.

El título no está elegido al azar. Adaptación de una obra de teatro dirigida por la misma directora que debuta en el cine, Tina Satter, Reality no solo es el nombre real de la agente interrogada por el FBI sino toda una declaración de intenciones de lo que quiere aportar la película.

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Porque, en un ejercicio que recuerda a la recreación del juicio de Bárcenas que fue B (una de las mejores películas de política de la historia del cine) , el guión se limita a recoger la transcripción, punto por punto, del interrogatorio. Salvo escasos minutos iniciales y finales, toda la película abarca el interrogatorio. Reality, por tanto, es una pieza teatral con escasas localizaciones y personajes.

En una historia de estas características, la labor de guión y de los actores es fundamental, y Satter consigue exprimir el máximo de ambos aspectos. Lo mejor del guión es como la directora consigue conjugarlo con las imágenes para imprimir tensión desde el primer minuto de la película. Sorprende como, inicialmente, la conversación se centra en temas banales y, sin embargo, somos incapaces de apartar la mirada del televisor. Sabemos que algo no va bien, aunque no sepamos qué está ocurriendo.

Luego están los actores. En Reality destacan los tres actores protagonistas pero, por encima de ellos, hay que mencionar a Sydney Sweeney como la protagonista. Ella es una de las grandes estrellas de Euphoria tanto por su papel interpretativo como por su físico. Y en Reality se aleja de uno y de otro para aportar el retrato de una mujer normal que se ve atrapada en un lío del que es difícil ver salida. Sweeney consigue dar tanta verdad a su personaje que no podemos decir que Reality sea una heroína (ni una villana) al final de la película.

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Tina Satter lo apuesta todo a la realidad de los hechos. Tanto que la película se aleja de cualquier otra propuesta comercial de estas características. Y lo hace en dos aspectos fundamentales. El primero, que engrandece la película, es que se ciñe tanto a la transcripción  del interrogatorio del FBI que da una sorprendente solución elíptica cada vez que el guión aborda algún detalle clasificado por el bien de la seguridad nacional. La idea es clara: mostrar la censura a la que se ve sometida por el pueblo estadounidense. La ironía de un documento público cuyos puntos clave están ocultos a él.

El segundo es que la película se limita tanto a la realidad que…eso, que se limita. Dado que no hay lugar para la ficción, no hay lugar para lecturas más allá de la obvia a la que se llega al final de la película.

En definitiva, Reality es una de las sorpresas del año. Una película que, desgraciadamente, no veremos en cine por su marcado carácter teatral y su excesiva lealtad a los hechos reales, hasta el punto de tomar decisiones experimentales que son todo un acierto. El mayor mérito de su directora Tina Satter es el de exprimir al máximo los escasos elementos con los que cuenta. Es decir, una espectacular y contenida interpretación de una Sydney Sweeney que va para estrella y un guión que sabe extraer tensión de lo banal. Reality es una historia que merece la pena ver tanto por lo que cuenta como por la forma en que lo hace.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Reseña de El Imperio de Trigan. Tomo 2. La Línea Albión de Dolmen Editorial.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos una de mis series favoritas de la ciencia ficción y mi favorita absoluta de la Línea Albión de Dolmen Editorial. Hoy tengo el placer de presentaros El Imperio de Trigan. Tomo2.

Y debo decir que mis géneros favoritos en el noveno arte son la fantasía heroica, la ciencia ficción y el wéstern.

Antes de leer este artículo, podéis leer la reseña del primer volumen de El Imperio de Trigan, pinchando aquí.

El Imperio de Trigan. Tomo 2.

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Este segundo volumen contiene las historias publicadas en Look and Learn, entre el 10 de febrero de 1968 hasta el 28 de febrero de 1970.

Las historias que se narran en este tomo 2 son «La Invasion de Bolus», «Los Tres Príncipes”, «Fragmentos de Otro Mundo», «La Ciudad Perdida», «El Terror del Monte Spyx», «El Rayo de Invisibilidad», «El Arma Definitiva», «El Tirano» y «La Muerte Roja».

«¡Descubre los mundos fantásticos de Trigan!

Continúan las aventuras del clásico de la ciencia ficción de los años sesenta en una cuidada edición cronológica repleta de extras.

Desde la conquista de Bolus hasta el nacimiento de sus tres hijos, el destino tiene reservado para el emperador Trigo toda una montaña rusa emocional en la que tendrá que hacer frente a monstruos, traiciones, exilios, venenos, robots e intentos de derrocamiento con tintes de tragedia griega y unos finales abiertos de infarto.

El trabajo de Don Lawrence en El Imperio de Trigan supuso una revolución estilística sin precedentes en la historia del cómic británico, utilizando un realismo pictórico que convirtió a esta obra en un clásico inmediato y en un referente de la ciencia ficción de los sesenta y los setenta».

Trigan

La presente edición de Dolmen Editorial

Tenemos un tomo en tapa dura, a todo color, en formato 21×27,5 cm. Cuenta con 272 páginas de absoluta calidad y cuenta con un P.V.P. de 39,90€.

La edición cuenta con el lomo de la obra es curvo, bien cosido y se encuentra disponible en nuestras librerías desde el 10 de julio de 2022.

El papel utilizado es satinado y cuenta con un muy buen gramaje. Da gusto tenerlo entre tus manos y el tacto de sus páginas.

Y es que Dolmen Editorial es una de las editoriales españolas que publican sus obras con una calidad sublime.

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El equipo artístico

Mike Butterworth. Guionista. Nacido en Notthingam (Inglaterra) en 1924 y fallecido en 1986 a los 62 años, de un ataque al corazón.

Entró en Fleetway y comenzó su andadura guionizando cómics wéstern en la revista Ranger. Tras abandonar Fleetway Publications, dedicó su vida a escribir novelas.

Don Lawrence. Dibujante. Nacido en Londres en 1928 y fallecido en 2003.

El caso de Lawrence es bastante singular. Debido a su gran calidad, comenzó su carrera dibujando a Marvelman (nosotros lo conocemos como Miracleman).

Al igual que hice en la reseña del primer volumen, quiero aprovechar estas líneas para lanzar un guante a Dolmen Editorial y pedirles que nos traigan Karl el Vikingo, también dibujado por Don Lawrence.

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Valoración de este segunto tomo de El Imperio de Trigan

El Imperio de Trigan es cómic de aventuras que transcurren en un entorno de ciencia ficción, excelentísimamente dibujado y magistralmente editado por Dolmen Editorial.

Es un tebeo ambientado en un planeta remoto, fuera de nuestra galaxia, una space opera, con historias e inspiradas en el mítico Flash Gordon.

Si me permitís el atrevimiento, sus historias me recuerdan muchísimo a las del Flash Gordon del maestro Alex Raymond. Sin embargo y esto es totalmente subjetivo, son más elaboradas que las del bueno de Flash. Me refiero solamente a las de Raymond.

Aquí me permito hacer un pequeño inciso y debo precisar que mis historias favoritas de Flash Gordon son las realizadas por el gran Dan Barry.

Pero volviendo a El Imperio de Trigan … Las historias del cómic se devoran con avidez y no podrás parar de leer cada una de las historias cortas por las que está formado, hasta terminarlas.

Historias muy, muy entretenidas que se encuentran aderezadas por el dibujazo inigualable de Don Lawrence.

Te lees una historia de detrás de otra y no podrás parar hasta acabar el tomo.

Te recomiendo encarecidamente la lectura de El Imperio de Trigan. Te aseguro que mientras lo lees y una vez terminado el tomo …

¡Serás Feliz!

Novedades Editorial Astronave de septiembre de 2023.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy (aunque es muy tarde) os presentamos las novedades de Astronave, previstas para el mes de septiembre. Vamos a verlo …

Astronave

Quiero aprovechar para revindicar la posición de Astronave en el panorama editorial español, como un sello con identidad propia. Si bien es cierto, que la editorial barcelonesa es un apéndice de Norma Editorial, la calidad de sus publicaciones le otorgan una entidad propia.

Novedades de Astronave de septiembre de 2023

Y como es debido … Vamos a recomendar un título de Astronave, para este mes de septiembre:

Nocéano 2. Hola, Avatar.

Astronave

«El segundo álbum de la distopía Nocéano, situado en un futuro en el que los océanos se han secado y las ciudades están dirigidas con mano de hierro por la corporación Systema, es el mundo en el que viven Atari y Tika.

Dos jóvenes inconformistas que se conocieron en el primer volumen y que, en el segundo, van a enfrentarse a un suceso poco común. Los callejones de la ciudad amanecen sembrados de cadáveres de niños y adolescentes.

Como la mayoría pertenecen a lo más bajo de la sociedad, la policía no parece muy interesada en averiguar la identidad de los culpables…

Pero Atari y Tika han averiguado que las muertes podrían estar relacionadas con un nuevo juego de realidad virtual que hace estragos entre la juventud.

Esta investigación podría poner en peligro sus vidas».

Lo tenemos disponible desde el 8 de septiembre, con un P.V.P. de 17,95€.

No obstante, justo más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de Astronave, previstas para este mes de septiembre.

Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!