‘The last of us’ de HBO ha llegado a su fin, 9 capítulos que nos han dejado muy buen sabor de boca han acabado hoy.
Este último episodio ha contado básicamente lo que cabía esperar, ya que la trama se ha apegado bastante a la del videojuego, pero debo ponerle (por desgracia) una gran objeción: Su duración.
Hemos tenido un capítulo de 43 minutos para contar un desenlace que debía haberse cocinado a fuego muy lento para que el espectador llegase a empatizar con la decisión de Joel. Pese a la gran calidad que mantiene (eso es innegable) me ha sucedido igual que con toda la escena de la universidad del sexto: Acelerado y demasiado corto.
Reconozco que cuando Ellie y Joel han llegado al hospital, sabiendo todo que restaba por contar, he mirado cuanto quedaba de capitulo y he fruncido el ceño al ver que solo poco más de 20 minutos.
‘Look for the light’ (Busca la luz) debía haber tenido una duración mayor y haberle dado a Joel ese protagonismo redentor que se merecía en ese agónico rescate. Otros 20 minutos hubiesen sido perfectos para aumentar la tensión del momento y la desesperación de este ‘padre’ luchando por la liberación de su ‘hija’.
Sin mostrar una violencia explícita, ‘The last of us’ ha conseguido trasladar la crudeza de todo el acto final en el hospital, aunque con la excesiva celeridad que he mencionado.
Bella Ramsey y Pedro Pascal han hecho suyos a sus respectivos personajes y pese a que mis compañeros y yo realizamos un fancast bastante interesante, estos dos actores son Ellie y Joel respectivamente y sin ninguna duda posible.
Pese a mi queja sobre lo que ha sucedido en este último episodio, ‘The last of us’ es una serie sobresaliente que ha demostrado que se pueden realizar adaptaciones de las grandes historias que se han contado (y se contarán) en los videojuegos. La ficción de HBO está muy por encima de cualquier serie o largometraje que se haya rodado hasta el momento trasladando un título de ese medio.
Muchos podrían acusar a esta serie de ‘Fan service’ por el contar con escenas literalmente sacadas del título de Naughty Dog, pero si algo funciona por qué cambiarlo. La escena de las jirafas es una tontería (entendedme), pero tiene su fuerza y me ha gustado que se haya mantenido. No la considero ‘fan service’, al igual que otras que hemos visto a lo largo de estos nueve episodios.
‘The last of us’ ha sido una propuesta arriesgada al acercarse a un título que, se puede decir, es todo un referente en el mundo de los videojuegos y que podía haber sido otra mala adaptación para acompañar a todas las que hay ya. Craiz Mazin se ha encargado de darle el aporte de calidad necesaria para que eso no pasase.
En líneas generales, la serie de HBO es sobresaliente, sabiendo que esto no es una ficción sobre ‘zombies’ que persiguen a gente y ya está. ‘Los infectados’ son una mera excusa para que se nos cuente una historia sobre personas y lo que el mundo ha sacado de ellas. Lo más corriente es que sea maldad a lo que tienda el ser humano cuando se siente atrapado y acorralado, pero también hemos podido ver que hay excepciones.
Un punto fuerte de ‘The last of us’, son esos personajes que caminan por el filo de la navaja y (por suerte) eso se ha conseguido captar desde el primer momento.
Los paralelismos entre el comienzo de la serie con Joel sosteniendo a Sarah y este último episodio son mas que evidentes y son ese instante de redención que el personaje de Pascal necesitaba para completar el círculo.
Si a todo lo mencionado se sumamos un diseño de producción soberbio, pues nos encontramos con una serie que podría rivalizar con cualquier superproducción de Hollywood, como lo han hecho también las series de Star Wars o Los Anillos de Poder de Amazon.
Con muchísimas luces y escasas sombras ‘The last of us’ es una serie brutal que puede que consiga que más títulos de Playstation u otras compañías sean llevados a la pequeña pantalla de manera adecuada. En SkyShowtime tenemos actualmente la primera temporada de Halo que tengo pendiente de ver.
Conclusión
‘The last of us’ es una ficción que (te guste más o menos la temática) tiene una calidad excepcional y ha sabido plasmar la esencia del título de Naughty Dog de una forma acertadísima.
Casi todo funciona como un motor bien engrasado y los pocos momentos que se podrían considerar ‘menos buenos’ no ensombrecen un producto increíble que supera con creces a todo lo visto hasta el momento en lo que a adaptaciones se refiere.
Obviamente ‘The last of us’ no es solo una grandísima adaptación, sino que es una serie que funciona perfectamente en sí misma y por ello tiene más mérito.
Todo el casting ha sido un acierto, haciendo hincapié en la cuestionada elección de Bella Ramsey que ha callado muchas bocas (incluida la mía), cosa de la que me alegro.
No puedo más que recomendar ‘The last of us’ para quienes busquen una serie de calidad que les emocione y les haga vivir una experiencia apasionante. HBO y Naughty dog pueden convertirse en una pareja bien avenida que nos entreguen muchas historias interesantes.
Deseando (a la par que no) la llegada de la segunda temporada de la vida de Joel y Ellie y de la tercera parte del videojuego si el estudio se decide a ello.
‘El tiempo lo cura todo… aunque esta vez no ha sido el tiempo’.
Se conocieron los ganadores de los Premios Oscar 2023 (para producciones de 2022). Todo a la vez en todas Partes fue la gran ganadora de la noche al quedarse con siete estatuillas, incluida la de mejor película. Algo más atrás Sin Novedad en el Frente, con cuatro. La gran perdedora: Los Fabelman.
Con la conducción del actor Jimmy Kimmel (tercera vez que le cabe tal honor), tuvo lugar anoche y ya en horas de la madrugada para España, la 95° entrega de los Premios Oscar desde el Dolby Theatre de Los Angeles, California.
Todo a la vez en todas Partes se convirtió en la ganadora por excelencia, no solo por haberse quedado con siete premios, sino porque entre ellos están el de mejor película, mejor dirección y mejor actriz principal para Michelle Yeoh. Además, se quedó con los rubros de actor y actriz de reparto: habría que indagar muy atrás para encontrar otro caso en que hayan sido premiados tres actores de una misma película. Montaje y guion original completan las siete estatuillas.
La alemana Sin Novedad en el Frentese quedó con cuatro distinciones (película internacional, diseño de producción, banda sonora y fotografía), en tanto que el recientemente revivido Brendan Fraser se alzó con el Oscar como mejor actor por su papel en La Ballena.
La ceremonia tuvo la particularidad de que por primera vez fue reemplazada la tradicional alfombra roja que hacía de ingreso a los nominados y participantes de la misma.
Esta vez fue de color champán y los responsables Lisa Love (colaboradora de Vogue) y Raúl Ávila (director creativo de la Met Gala de New York) justificaron el cambio con que beneficia más a las estrellas y genera un «efecto más nocturno«. Traduciendo según lo entiendo, el rojo quitaba protagonismo. No sé: a Nicole Kidman y Jennifer Connelly las vi igual de bellas y radiantes que siempre; quizás sea mi ojo poco «fashion«…
Además y tal como se hacía hasta dos años atrás, todas las entregas de premios se vieron en la transmisión, haciendo así oídos a las quejas que el año pasado generó que algunas categorías de menor interés para el público masivo fueran entregadas en off mientras el mundo veía tandas publicitarias. No hablamos, claro, de los premios técnicos, que se siguieron entregando en ceremonia aparte.
Por otra parte, el premio a mejor actor no fue entregado, como es tradición, por el ganador del año anterior: la razón, como es de público conocimiento, es que quien se quedó aquella vez con el galardón fue Will Smith, suspendido de asistir por diez años a la ceremonia debido a la bofetada que en esa entrega (aquí el artículo) propinara a Chris Rock.
De hecho, en su presentación, Kimmel se permitió una ironía al respecto diciendo que si alguien agredía a otro durante la ceremonia sería premiado y tendría un speech de diecinueve minutos…
No fue Smith su única víctima de sarcasmo: también James Camerony Tom Cruise por no estar presentes; más duro con el primero al sugerir un poco en broma y un poco en serio que no estaba allí por la afrenta de no haber sido nominado como mejor director.
También hubo bromas sobre las políticas inclusivas y Kimmel estuvo muy ocurrente al destacar que era una ceremonia altamente inclusiva por estar nominada gente de «todas las zonas de Dublin«.
No faltó el tiro por elevación para las plataformas de streaming al decir que allí había gente que trabajaba muy duro para que las películas se vieran en los cines. Paradoja: el primer premio de la noche fue para el Pinocho de Guillermo del Toro y, de hecho, Netflix se acabaría llevando otros cuatro con Sin Novedad en el Frente.
En las actuaciones de reparto, como antes hemos dicho, los dos premios correspondieron a Todo a la vez en todas Partes y en ambos casos con reconocimientos tardíos: tal el caso de Ke Huy Quan, ex Goonie largamente desaparecido de la industria, así como de Jamie Lee Curtis, que si bien tiene detrás una larga y rutilante carrera, no había sido nunca nominada y a la primera se llevó la estatuilla. ¿Fue mi impresión o Angela Bassett no supo disimular el disgusto?
Por su parte, Black Panther: Wakanda Forever repitió la suerte de su predecesora y se volvió a alzar con la máxima distinción en diseño de vestuario. Otras dos secuelas se quedaron también con un Oscar cada una, tales los casos de Top Gun: Maverick (sonido) y Avatar: El Sentido del Agua (efectos visuales).
La gran perdedora de la noche fue sin duda Los Fabelman pues, con siete nominaciones, la película de Spielberg no logró cosechar ninguna estatuilla. Estoy seguro que al director le habrán venido recuerdos de El Color Púrpura (once nominaciones y cero Oscar). Otro tanto ocurrió con Almas en Pena en Inisherin, también sin premio, e igualmente se marcharon con las manos vacías Elvis y Babylon.
En cuanto a la música, las cinco canciones nominadas fueron ejecutadas en vivo, lo cual permitió contar con figuras de la talla de Rihanna o Lady Gaga, de cuya presencia hasta ayer se dudaba.
También brindó la oportunidad de ver y oír a David Byrne, legendario ex líder y vocalista de Talking Heads, que es uno de los intérpretes y compositores del tema de Todo a la vez en todas Partes y además, recordemos, alguna vez ganador del Oscar por la banda sonora de El Último Emperador.
Una de las perlas de la noche fue protagonizada por Elizabeth Banks, directora de Cocaine Bear, no solo porque estuvo a punto de tropezar y entró en compañía de un «oso», sino porque al elogiar el trabajo de quienes hacen efectos visuales (premio que le tocó entregar) dio como ejemplo que «Batman volando no es real«. Seguro que no, Elizabeth…
A continuación, ofrecemos la lista completa de nominados destacando para cada categoría, en primer lugar y en negrita, al ganador o ganadora.
Naatu Naatu, en RRR. Música de M. M. Keeravaani. Letra de Chandrabose
Applause, en Tell It like a Woman. Música y letra de Diane Warren
Hold my Hand, en Top Gun: Maverick. Música y letra de Lady Gaga y BloodPop
Lift me Up, en Black Panther: Wakanda Forever. Música de Tems, Rihanna, Ryan Coogler y Ludwig Goransson. Letra de Tems y Ryan Coogler
This is a Life, en Todo a la vez en todas partes. Música de Ryan Lott, David Byrne y Mitski; Letra de Ryan Lott y David Byrne
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
Sin Novedad en el Frente
Avatar: el Sentido del agua
Babylon
Elvis
Los Fabelman
MEJORES EFECTOS VISUALES
Avatar: el sentido del agua
Black Panther: Wakanda Forever
The Batman
Top Gun: Maverick
Sin Novedad en el Frente
Bueno, ¿qué les parecen los ganadores?. ¿Están de acuerdo? Como siempre ocurre no solo con el Oscar, sino con cualquier premio, habrá una parte de justicia y otra de injusticia. Quizás el hecho de que la película de Spielberg se haya quedado con las manos vacías sea esta vez demostración de lo segundo…
‘Alone in the Dark’ no podía faltar a esta infame lista de adaptaciones de videojuegos al cine. Con esta cinta viene de la mano su director Uwe Boll(‘Herr Doktor’ como es conocido entre mis amigos) un cineasta que va a ser recurrente en esta sección por su amor por entregarnos Cine Basura con pedigrí.
Con un presupuesto de 20 millones de dólares únicamente recaudó 12,7 y sinceramente mucho fue con el despropósito (palabra también recurrente en esta sección) más grande que nos trajo. No sé de qué manera engañó a Christian Slater y Stephen Dorffpara participar o cuanto les pagó, pero el cineasta alemán siempre suele conseguir estrellas (relativamente conocidas) para sus infumables películas.
‘Alone in the Dark’ (el videojuego) fue el precursor de lo que se conoció como ‘survival horror’ que tan bien se le dieron a los Resident Evil de Capcom. Lo que hace diferente al título de Infogrames es su acercamiento a la obra de H.P. Lovecraft y su atractiva mitología y horror cósmico.
Sinceramente, si Lovecraft levantase la cabeza y alguien le obligase a ver esto, puedo asegurar que le faltarían insultos en inglés y en el resto de idiomas conocidos para describir a Uwe Boll y esta adaptación.
El director nacido en Wermelskirchen tiene el honor de estar en posición de disputarle el título de peor cineasta de la historia de Ed Wood. Méritos no le faltan, la verdad.
Uwe Boll dispuesto a partirse la cara con la crítica
Siendo un niño, Edward Carnby (Christian Slater) tuvo una experiencia que le marcó para siempre; una prueba irrefutable de la existencia de otro mundo, siniestro y aterrador. Por ese motivo, Edward acabó convirtiéndose en investigador de lo paranormal, un detective privado especializado en casos relacionados con fenómenos supernaturales inexplicables. Ahora, el misterioso pasado de Edward está a punto de convertirse en el caso más peligroso al que se ha enfrentado jamás. De forma misteriosa, hasta 19 personas que crecieron en el mismo orfanato que él han desaparecido. (FILMAFFINITY)
En teoría la sinopsis parece que nos va traer una cinta de suspense y misterio (y no engaña) pero está tan mal dirigida y el guion está tan mal escrito que parece la típica historia introductoria en una película para adultos. Los actores y actrices también están al nivel de ese tipo de cintas mencionadas.
Uno de los muchos problemas que tiene ‘Alone in the dark’ es su excesiva dependencia de la sobreexplicación por parte del personaje de turno en lugar de construir un buen dialogo coherente. Un ejemplo divertidísimo es cuando un guardia le suelta (sin venir a cuento) a Aline Cedrac (Tara Reid)que tiene tiempo de sobra ya que no tiene novio. ¿Qué hora es? Patatas traigo, señora.
Y así en tantas ocasiones que llegas a cuestionarte si la raza humana ha llegado a tal grado de estolidez que necesitamos a alguien que nos meta con calzador la historia para que nos enteremos.
Si el guion fuese lo peor de ‘Alone in the dark’ daría las gracias, pero la desfachatez de Uwe Boll no acaba ahí y su dirección es pésima, tanto de actores como de la película en general, junto con un montaje que arruina lo poco salvable.
No hay ritmo, no sientes el terror en las escenas que tratan de serlo y las escenas de acción están resueltas de manera burda y aburrida. El cineasta recurre a un elemento que ya vimos en ‘House of the Dead’ (película que también pasará por aquí) y es poner a los personajes sobre un fondo negro y mover la cámara mucho y muy fuerte alrededor de los protagonistas. Reconozcamos que todos hemos hecho algo similar en los juegos en 3D girando la cámara como locos alrededor de nuestro personaje por mero aburrimiento, sobre todo en las pantallas de carga de Assassin’s Creed.
Es que me faltaría artículo para hablar de todo lo malo de ‘Alone in the dark’, como el uso de la música con esas escenas videocliperas más de los 80 que de este nuevo milenio. Esa escena de sexo entre Christian Slater y Tara Reid al ritmo de ‘Seven Seconds’ de Youssou N’Dour y Neneh Cherryque, aparte de innecesaria, da un poquito de vergüenza.
Conclusión
Esta sección va a acabar con mi cordura (haciendo mención a H.P. Lovecraft) ya que estas películas de las hablo ya las sufrí en su día. Todo sea por los lectores de la web.
Lo mejor de ‘Alone in the Dark’ son los créditos finales, y no solo porque la cinta ha llegado a su fin, sino por poder escuchar también el tema ‘I wish I had a angel’de los grandísimos Nightwish.
Uwe Boll es un mal director, eso es muy obvio, le gusta deleitarse con su propia mediocridad y no busca realizar productos de calidad. Aún recuerdo cuando se atrevió a ofrecerse para adaptar Metal Gear Solid. Muy mal debía estar Hideo Kojima para dejarle a este individuo a la niña de sus ojos.
Solo de pensar en lo que se podía haber creado con la historia tan potente que hay tras el videojuego, y lo que se hizo finalmente, consigue que cualquier fan quiera llevar a esta cineasta ante un tribunal por daños irreparables a la humanidad.
En algunas películas un tercer acto repleto de acción y balas arregla un poco la situación, pero aquí no lo hace porque esas escenas están mal dirigidas y aburren más que los diálogos pésimos de los actos anteriores.
Y ya para rematar tenemos unos efectos especiales de una calidad más que dudable que se aprovechan de la oscuridad para que no se note lo malos que son, el problema es que aun así dan un poco de vergüenza.
‘Alone in the dark’ es una de esas cintas que suponen un reto poder acabar de verlas sin desviar la atención de la pantalla y dedicarse a algo más constructivo como quitarse la pelusilla del ombligo o ver un documental sobre los Koalas.
Aquí os dejo el tráiler de ‘Alone in the dark’ para que lo disfrutéis:
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Usagi Yojimbo saga 6. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Usagi Yojimbo saga 6, otra maravilla del maestro Stan Sakai
Vuelve el maestro Stan Sakai, con un nuevo tomo de su etapa clásica de Dark Horse. Desde Las cosas que nos hacen felices, no paramos de recomendar los cómics de Usagi, y con este Usagi Yojimbo Saga 6, no hacemos una excepción.
Os recuerdo que las aventuras de Usagi las podemos encontrar en 3 etapas
1.- La colección La colección Fantagraphics, ahora recopilados en dos tomos que cuentan los orígenes de este conejo ronin. Aquí encontraremos las historias de Primeras Andanzas, Samurai, El Camino del Vagabundo, La Conspiración del Dragón en el tomo 1, y Cabra Solitaria y su hijo, Círculos, La Historia de Gen en el tomo 2.
2.- La colección Saga, donde encontraremos su etapa más longeva que se desarrolló en Dark Horse, y donde, siendo honestos alcanzó su fama internacional. Esta colección comprenderá 9 tomos. Por lo tanto solo nos faltarían 3 para acabarla
3.- La colección IDW, la actual, la que Planeta Cómic está publicando en tapa dura y a color. La etapa ganadora al Eisner al mejor cómic del año. Y me gustaria resaltar cómic del año. No al mejor NUEVO CÓMIC, o a la mejor reedición o guionista o dibujante. Usagi ha ganado el Eisner (el Oscar) al mejor cómic del año. Por lo tanto si tienes alguna duda de la calidad de este producto, espero que se han disipado.
Por cierto este tomo 6 contiene 3 nuevas historias de gran calidad como Puente de Lágrimas, El Regreso del Alma Negra, La Caza del Zorro. Yo creo que ninguno baja el nivel de los tomos anteriores, e incluso los supera.
Creo que los lectores veteranos seguirán comprando las aventuras de Usagi, puesto que ya enfila su recta final en Dark Horse con las mismas ganas, y la misma calidad de las primeras aventuras. Y además debería atraer a nuevos lectores, lectores noveles que puedan disfrutar de las aventuras del conejor samurái más famoso del mundo, al fin y al cabo es un homenaje a Miyamoto Musashi, el guerrero más importante del antiguo Japón.
Como siempre, Stan Sakai no nos cuenta únicamente las andanzas de Usagi, sino que nos introduce a personajes nuevos, con su propios temores y su pasado incierto, así como a personajes recurrentes y aliados de nuestro conejo. Pero además, en la segunda historia vuelve uno de los villanos más míticos de las primeras aventuras, alma negra de la historia El Camino del Vagabundo.
El conejo ronin recorre una senda cargada de dolor y peligro.
La parte final del siglo XVI en Japón se considera la era de las guerras civiles, pues los señores feudales lucharon entre ellos por las tierras y el poder. Durante la batalla de Adachigahara, el samurái Miyamoto Usagi perdió a su señor, Lord Mifune, ante los ejércitos de Lord Hikiji. Sin clan, Usagi lleva ahora a cabo el peregrinaje del guerrero, en busca de la armonía.
Cuando Usagi se encuentra con Mayumi, que ansia una nueva vida, de mala gana acepta que ella se una a él… pero mientras su mutua atracción crece, Usagi se plantea un desgarrador dilema: ¿es su vida demasiado peligrosa para tener compañía? Luego, Usagi se enfrenta al regreso del demonio Jei, en una serie de angustiosas historias que revelan tanto la suerte final de la espadachina Inazuma como el aterrador origen del Alma Negra. Más tarde, Usagi y Gen viajan por la campiña, se topan con muchos peligros, incluido el tahúr Sakura, traicioneros ninja y zorros embaucadores, que ponen a prueba su honor y su valentía.
Este tomo recopila los cómics Usagi Yojimbo Volumen Tres núms. 95 a 116, incluyendo la parodia homenaje del número 100. La saga de Usagi Yojimbo es la manera perfecta de revivir la perdurable obra maestra de Stan Sakai.»
La perdurable obra maestra de Stan Sakai continúa en este sexto tomo recopilatorio y presenta al conejo ronin recorriendo una senda cargada de dolor y peligro
Netflixha estrenado Luther: Cae la noche, película que cierra la serie protagonizada por Idris Elba. Los fans del personaje no pueden perdérsela y el resto de espectadores tampoco. Se trata de una película que da lo que promete: más Luther, más villanos sádicos y más Idris Elba. Eso si, no está exenta de algunos problemillas. Vamos al lío.
Luther vs. el mundo
John Luther (Idris Elba), inspector rudo, violento, siempre dispuesto a demostrar que es el más listo de la clase, termina en prisión por los muchos desmadres que cometió en su serie. Lo malo es que le queda un caso pendiente: la desaparición de un pobre chico a cuya madre prometió que salvaría (un topicazo del género: no prometas que salvarás a alguien y luego no lo cumples). El sádico responsable se dedica a pinchar al pobre Luther cuando está en la cárcel, así que no le quedará otra que fugarse.
No nos engañemos. Luther: Cae la noche es un episodio de la serie alargado hasta los 140 minutos. Eso no es necesariamente malo. Es más: los fans de la serie saldrán (saldremos) encantados. Si alguien se pregunta si es necesario haber visto la serie (algo que, por otro lado, es más que recomendable), hay que decir que la película también funciona de forma independiente, aunque algo menos de lo que nos gustaría.
Su mejor baza es su protagonista, un Idris Elba que anda sobrado de carisma y del que siempre he pensado que le sobran papeles de tipo duro buenorro y le faltan más en la línea de los que solían darle a Denzel Washington sus nominaciones al Oscar. La presencia de Elba se impone en todas las escenas. Aunque suene a perogrullo, sin él no habría película.
Otra baza a favor de Luther: Cae la noche es su ambientación. De eso en la BBC (co-productora de la cinta junto a Netflix) saben un rato largo. Aquí han puesto más pasta y eso se nota en algunas escenas, como la que transcurre en la cárcel y en la traca final.
Cuando Gollum asoma la patita
Mención aparte merece el villano de la función, interpretado por Andy Serkis. No es ningún spoiler porque desde que aparece, uno ya sabe que es el malo malísimo y más cuando al actor le sale el Gollum que lleva dentro. Sí, Serkis se pasa de frenada en su interpretación en demasiadas ocasiones y su personaje parece una versión del Joe Doe de Sevenposeído por el Joker. Y eso que ya ha demostrado sobradamente que puede contenerse.
Tampoco ayuda que el guionista (y creador de la serie original) Neil Cross se haya pasado de macabro en la trama. Luther: Cae la noche funciona muy bien en su primera parte, cuando presentan el caso, cuando conocemos al villano y cuando Luther se tiene que fugar de la cárcel pero en su segunda mitad, a la hora de afrontar su resolución, es cuando se evidencian las carencias del guión.
A partir de la escena en Picadilly, la película se convierte en un festival de «a ver si podemos poner en escena la burrada más sádica», con algún giro de guion forzado (como el que implica a la jefa de policía y a su hija, que hasta que aparece en pantalla no sabíamos nada de ella) y con una resolución final de esas de «tiene que ser así por mis coj…. de guionista» (con esos buzos que aparecen casi de la nada al final).
Nos sobra la moralina
Luther: Cae la noche no anda exenta de un cierto tufillo moralista, de esos en que parece que el guionista te está leyendo la cartilla. A estas alturas, que nos vengan a sermonear con los peligros de internet ya está demasiado visto. Eso sí, no se cortan a la hora de mostrar que todos los seguidores del personaje de Andy Serkis son varones, blancos, solitarios y que parece que se la machacan con una buena escena gore. ¿De verdad era necesario?. Si hubiesen incluido alguna mujer e incluso una familia entera, con sus hijos adolescentes, habría resultado más perturbador que los pajilleros de toda la vida.
En resumen y para acabar, Luther: Cae la noche es un final para la serie que gustará a los fans de Luther. Como película no termina de dar la talla y se queda en telefilme de presupuesto abultado. Muy bien en su primera hora y bajando mucho en la segunda. Aún con eso no se le puede negar que saben crear tensión y que Idris Elba siempre se sale. ¿Será el nuevo James Bond? Atención a la escena final, que parece una invitación a ello, aunque antes haya pasado del Martini. Un saludo, sed felices.
Llegamos al penúltimo episodio de la temporada de Los Winchester. Está por ver si se resolverán todas las incógnitas planteadas o las dejarán para un posible segunda temporada, algo que a la hora de escribir estas líneas aún no se ha confirmado. Os dejo con el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío.
Lo primero a destacar es el título del episodio, Lágrimas de payaso, que remite a la muy conocida canción de 1967 The Tears Of A Clowm, de Smokey Robinson and The Miracles. Nos introducimos así en el mundo de uno de los monstruos más icónicos y míticos de la cultura norteamericana: el payaso.
Sí, amigos, los payasos dan yúyu y hay incluso una nombre para la animadversión que provocan, la coulrofobia. Antes incluso de Stephen King y su mítico Pennywise, los americanos ya tuvieron a John Wayne Gacy perpetrando atrocidades. En el episodio 2 de la segunda temporada de Sobrenatural, Everybody Loves a Clown, ya elevaron al payaso malvado a los altares de los monstruos así que no es extraño que vuelva a aparecer.
En esta ocasión, Los Winchester nos presentan a un tal Limbo, un payaso que vendió su alma a cambio de ser siempre feliz aunque para eso tenga que atrapar a unos pobres infelices en su tienda interdimensional. Para allá van Mary y John, quienes andan algo cabreados y quisquillosos desde que a él le acusaron de asesinato. Al final, será Carlos quien salvará el día al convencer a una de las primeras víctimas de Limbo de que rompa el hechizo y regrese a la realidad.
Hola, Rowena
Mientras la Scooby pandilla anda de feria, Ada Monroe intenta buscar ayuda para deshacerse de los akrida visitando un local solo para brujas. Allí queda claro que es una bruja de andar por casa, de esas de herboristería. Lo bueno (o lo malo, según se mire) es que en el local contacta con una bruja que dice poder ayudarla. Se trata, ni más ni menos, que de Rowena MacLeod, interpretada por quien le dio vida en Sobrenatural, la actriz Ruth Connell (curiosamente la pareja en la vida real del mismísimo Dios, Rob Benedict).
Los fans de Sobrenatural ya sabemos cómo es Rowena. Miente más que habla y no te puedes fiar de ella. Al final le da a Ada un cristal que le ayudará a acabar con los akrida a cambio de una parte de su alma. Para eso Ada ha tenido que liberar su potencial como bruja, además de darle el arbolito donde encerró a un demonio en los primeros episodios.
Rowena cree que ese demonio puede darle información sobre su hijo y todos esperamos que sí, que le diga por dónde anda escondido el bueno de Fergus y que este se deje caer por la serie porque fue el mejor villano de la original y uno de los mejores de la televisión en los últimos años. Por si hay algún despistado, el hijo de Rowena es Crowley, el alias demoníaco de Fergus Roderick MacLeod, quien vendió su alma a cambio de una polla más grande y acabó por convertirse en el rey del infierno. Con ese currículum, la Scooby pandilla no le dura ni un asalto.
Don’t stop the music
Vamos con las canciones del episodio. Cuando Ada entra en el local brujeril suena The Viper, o sea La Víbora, canción de jazz de Paul Lenart y Bill Novick.
Al llegar a la feria suena Everybody Loves A Clown de Gary Lewis & The Playboys, canción de 1965 que, como hemos dicho, dio título a un episodio de Sobrenatural.
En resumen, ha sido uno de los episodios de Los Winchester que más miedo me ha dado. Lo del payaso da auténticos escalofríos y en este caso el tal Limbo, cuando se enfrenta a John en la sala de los espejos, da pavor. Por otro lado, el episodio es el que más me ha recordado a la serie original, con lo protagonistas en la carretera y estableciendo su base en un hotel. Incluso John adopta la costumbre de Dean de comer a todas horas.
Sin embargo, la resolución final, con la madre de John apareciendo a toda prisa para decirle que han encontrado a un testigo que dice que vio a Kyle entrar en el garaje después de llamar a la policía, no puede ser más forzada. Se nota que hay prisa por llegar al episodio final, que en los EE.UU. ya se ha emitido.
Nosotros tendremos que esperar. Nos leemos la semana que viene en el último episodio de la primera temporada de Los Winchester. Un saludo y sed felices.
Por si algún despistado no lo sabe, Invencible es un cómic cuyo creador y guionista es Robert Kirkman, el mismo de The Walking Dead, pero en mi opinión la obra de Invencible es muy superior a sus zombies.
Invencible presenta: Universo Invencible, otra tuerca más en el mundo de Mark Grayson
No paro de decir qué Invencible es la mejor aportación de Robert Kirkman, pero este autor será siempre recordado por ser el creador de The Walking Dead. Pero bueno, gracias a la serie de televisión, Invencible sigue engrosando sus filas de fieles seguidores que repercute en los fans a los cómics.
Nos guste o no, los seguidores de las series de TV son muchos, pero mucho más numerosos que los lectores de cómics. Por tanto, que se difunda esta magnífica obra en la «pequeña» pantalla es algo positivo por los dos lados, ya que el producto llega a más gente y además parte de los adictos a las series se enganchan al cómic.
Y es que Invencible tiene un mundo por detrás descomunal. No sólo la serie principal, que la recomiendo como agua de mayo, sino sus spin-offs. Y es que todos los personajes que pueblan este maravilloso universo guardan una historia por contar. Y aquí estamos en uno de esos spin-offs.
Invencible presenta: Universo Invencible es una historia del supergrupo de este pequeño rincón del mundo superheróico. Universo Invencible trata a los héroes de los Guardianes de la Tierra así como el asombroso Hombre Lobo o Tech Jacket en un sin fin de aventuras contra otros archienemigos que pululan por todas estas páginas.
Por cierto, la historia que aquí cuentan se situa justo después de los acontecimientos acaecidos en el 102 de la edición americana. Como tenemos la antigua edición de Aleta que acabó ECC, la nueva edición de ECC que ya casi está finalizando y la nueva Deluxe, os recomiendo que situéis esta historia donde corresponde en vuestra comiteca.
Me parece genial que ECC esté apoyando todos estos tomos fuera de colección y además en tapa dura, en formato de coleccionista para todos aquellos que queramos tener el más completo universo Invencible posible.
Independientemente de la calidad de los mismos, tengo que decir que la media es bastante alta, y lo más importante es continuista con las historias narradas en la serie principal. Y eso tambien se nota en los guiones y en el dibujo.
En este caso, en este tomo de Universo Invencible, que por cierto engloba la maxiserie completa de 12 números publicada incialmente en grapa en Estados Unidos, los guiones no corren a cargo de su creador, de Robert Kirkman. En otros spin-off si que tenían la mano del autor, pero aquí ni aparece su sello como argumentista o similar. Pero lo interesante de todo esto es que no se nota en el resultado final, lo cual es una virtud de los creadores, y un alivio para todos los lectores y completistas. Si, Universo Invencible tiene calidad acorde con el producto principal. Phil Hester intenta dotar de diversión y dinamismo a esta historia llena de acción y de superhéroes y villanos, y creo que lo consigue. Sin ser una obra maestra, es notable dentro de este universo. Y si, Todd Nauck, con su peculiar estilo de dibujo, que ya le hizo hacerse un nombre décadas atrás en DC, es continuista con el trazo de las demás series del sello.
Parece que todo se unifica, desde las maneras hasta las formas, y por ello sigo recomendado todo lo que se publica de Invencible. Merece la pena.
EDICIÓN ORIGINAL: Invincible Universe núms. 1-12 USA
Tras los terribles sucesos acontecidos en la serie de Invencible, Dinosaurio ha dejado su huella en el mundo. ¿Podrán los héroes de todo el universo -Invencible, los Guardianes de la Tierra, Tech Jacket, el Asombroso Hombre Lobo y otros- contener los daños? ¿O se avecina el fin del Universo Invencible? Además, los mayores héroes del Universo Invencible se enfrentan a sus mayores amenazas: Ojo Rojo, la Liga de los Lagartos y… ¿¡el matrimonio!?
Perry Mason ha vuelto. La estupenda serie de HBO protagonizada por Matthew Rhys arranca su segunda temporada y nosotros estaremos aquí para analizarla. Si os perdisteis nuestros análisis de la primera temporada, ahí tenéis el enlace. La serie tiene, en cuanto a producción, una calidad estratosférica, la propia de HBO, por lo que no vamos a detenernos en esos aspectos y si más en la trama. Vamos al lío.
En el último episodio de la primera temporada, Perry Mason recibe en su despacho a una nueva clienta, Eva Griffin, protagonista de El caso de las garras de terciopelo, el primer libro protagonizado por el abogado creado por Erle Stanley Gardner. Pues si alguien creía que estaríamos ante la adaptación de la novela que se vaya olvidando.
La segunda temporada de Perry Mason es prácticamente una continuación de la temporada anterior, si bien han pasado algunos meses. Lo dejan claro con ese Capítulo 9 con el que titulan el episodio. De la tal Eva Griffin no sabemos nada pero si sabemos que Emily Dobson, la madre acusada del asesinato de su bebé en la temporada anterior y a la que Mason le consiguió un juicio nulo, se ha suicidado. No es lo mismo ser absuelta que que el juicio sea nulo y eso ha hecho mella en la pobre mujer.
Ni que decir tiene que Perry se siente culpable, o por lo menos en parte responsable. Quizás por eso va mostrando alguna que otra conducta autodestructiva a lo largo del episodio, como la de conducir su moto demasiado deprisa, como llamando al destino. Tampoco ayuda que él y Della (Juliet Rylance) hayan dejado el derecho penal y se hayan pasado al civil. Si, da más pasta pero no es que con eso se ayude a la justicia, precisamente. Más bien al contrario.
Y es que el primer juicio que tenemos en esta nueva temporada es un juicio entre un supermercado y su competencia, una tienda fundada por un ex-empleado que aprovechó las técnicas de marketing (aunque evidentemente en la época en que transcurre la serie no las llaman así) que él mismo había creado para su ex-jefe (un enorme Sean Astin) y las aplicó en su nueva tienda.
El tema recuerda enormemente al tema de los derechos de autor en los cómics, donde profesionales de la talla de Jack Kirby crearon multitud de personajes para Marvel y DC que pasaron a ser propiedad de la editorial, sin que sus creadores vieran ningún redito por ello ni pudieran usarlos fuera de la compañía.
El hecho de que el personaje de Sean Astin sea un empresario sin escrúpulos, sin piedad para con su ex-empleado, al que lleva a un punto de ruina en el que se ve obligado a traspasarle su tienda, no ayuda a que Perry Mason se tome las cosas de forma más moderada. El abogado intentó que ambas partes llegasen a un acuerdo pero su cliente no quiso. Es el capitalismo, amigo.
Más coral, menos Mason
La sensación que nos deja el episodio es que esta segunda temporada será más coral, con un mayor protagonismo de los personajes de Juliet Rylance y Chris Chalk (Paul Drake). De Della vemos como adopta un mayor papel en el bufete, incluso en el juicio, protestando a gritos. Sin embargo su condición de mujer impide que pueda tener mayor relevancia. De Paul vemos como las pasa canutas. Está en el paro y que Mason sea un abogado civil que no necesita un detective, no ayuda nada. Eso le lleva a vivir de la beneficencia de su cuñado hasta que aparece Strickland (Shea Whigham), quien ahora trabaja para el fiscal y necesita a un negro para vigilar a un negro.
Eso si, Perry Mason sigue agobiado por sus fantasmas, más en concreto por el de Emily Dobson, que se le aparece en sueños. Su sentido de la justicia se ve puesto a prueba por el caso en el que trabaja y en este sentido es trascendental la conversación que mantiene con Hamilton Burger (Justin Kirk), en la que vemos que están en lados opuestos de la justicia y que, pese a todo, aun queda esperanza para Mason.
El caso de la temporada
Como ya hemos señalado, la temporada no adaptará El caso de las garras de terciopelo sino que presentará un nuevo caso. A lo largo del episodio (y sin que sepamos que sucederá hasta el final del mismo) se nos presenta a Brooks McCutcheon (Tommy Dewey), el hijo algo tarambana del petrolero Lydell McCutcheon (Paul Raci). Aficionado a las prácticas sexuales extremas, a Brooks lo vemos engañar a su mujer, vacilar a su padre y prometer a la ciudad de Los Ángeles un estadio de béisbol, ese deporte que aquí no entendemos nada pero que nos resulta fascinante.
Al final del episodio, Brooks aparece con un tiro en la cabeza y queda claro que su muerte centrará la trama de la temporada. Según declaraciones del showruner Michael Begler (creador de The Knick junto al otro responsable de la serie), este asesinato se basa en uno real, el de Ned Doheny en 1929 (recordemos que la serie se ambienta algo después, en 1932). Dicho asesinato tuvo lugar después de que su padre se viera implicado en el escándalo del Teapot Dome, que afectó al presidente estadounidense Warren G. Harding.
El plan de Brooks para construir un estadio de béisbol se basa en la historia real del Dodger Stadium de Los Ángeles, que se levantó tras expulsar a más de 1.000 familias de origen mexicano de los vecindarios de una zona conocida como Chavez Ravine. Sabemos por el tráiler que por ahí irán los tiros y que dos hermanos, Mateo y Rafael Gallardo (Peter Mendoza y Fabrizio Guido) serán acusados del asesinato.
Esto parece Gotham
En esta segunda temporada, Perry Mason sigue con ese ambiente noir que nos encandiló en la primera. La corrupción sigue campando a sus anchas en Los Ángeles y parece que no hay ningún policía que se salve, como vemos de la conversación de Brooks con uno de sus socios, un inspector que fue quién se encargó del sabotaje de un baco casino, basado también en dos casos reales, los casos de The Monfalcone yThe Johanna Smith, dos embarcaciones que fueron destruidas por el fuego en los años 30.
El personaje de Anita St. Pierre (Jen Tullock), quien le tira los tejos a Della en el restaurante donde ha quedado con una posible clienta, está basado en la escritora y guionista Anita Loos, autora de la novela Los caballeros las prefieren rubias. Es este un punto algo forzado de la trama. No se si resulta muy creíble que Della, quien se mostró profundamente enamorada de su pareja en la temporada anterior, se juegue su futuro de pareja por un calentón. Veremos como evoluciona.
El terror de De Santis
Antes de acabar estamos obligados a tratar un tema. Cuando uno ve esta segunda temporada de Perry Mason no puede evitar pensar que algunos aspectos que ya estaban presentes en la temporada anterior se han acentuado. Y esos aspectos son de lso que provocas pesadillas al gobernador de Florida, Ron de Santis.
Si, por mal que les pese a muchos y por suerte o por desgracia (y eso que sólo es el primer episodio) la segunda temporada de Perry Mason presenta un marcado componente ideológico y político. Eso ya lo vimos la temporada anterior en muchos personajes, radicalmente cambiados respecto a la serie original. Della Street pasó de virginal secretaria enamorada de su jefe a mujer independiente, emponderada y lesbiana, Paul Drake pasó de blanco rubio a negro moreno, Hamilton Burger es gay y Perry Mason tiene una amante latina.
En esta temporada, el primer caso que vemos presenta a un ex-empleado contra su jefe y el discurso del abogado defensor del primero es para no perdérselo, un elogio del capitalismo y del modo de vida americano, de la posibilidad de conseguir tu sueño. Sin embargo, la resolución del caso le da la vuelta y presenta una exacerbación del modo de vida americano aún más exagerada si cabe. El personaje de Sean Astin queda retratado como un empresario sin escrúpulos, un auténtico hijo de p… sin piedad y Mason traga sapos y culebras.
Por si no ha quedado claro en los tráilers, Perry Mason se enfrentará al sistema y lo va a pasar mal, un sistema que es 100 % americano y al que la serie no ha escatimado palos en este primer episodio. Así que agarraos que vienen curvas. Nos leemos la próxima semana. Un saludo, sed felices.
¡Volvió uno de los animes que más nos mantuvo en vilo durante los últimos años! Finalmente, MAPPA estrenó un especial de una hora de Ataque a los Titanes (Shingeki no Kyojin) que funciona como primera parte de un largo capítulo final.
Vamos al repaso y al análisis con SPOILERS.
El mundo se estremece ante El Retumbar
El capítulo comienza con Eren pequeño, sentado bajo el árbol en el que lo vimos en el primer episodio de la primera temporada. Mikasa le desea buen viaje y él despierta luego “de un sueño muy largo”. Esta es la primera página del manga y no había sido animada hasta el momento.
Tras esta breve escena, comienza la primera parte: “El retumbar”. Estamos en Marley, observando cómo la gente huye horrorizada por la llegada de los titanes colosales que despertó Erenen el capítulo 21 de la cuarta temporada.
Y se intercala con su paso por la ciudad cuando fue por primera vez. En esa ocasión, al poseer las memorias del titán de ataque, ya sabía que los iba a matar a todos. Esto le genera remordimiento, pero frente a Ramzi, el pequeño ladrón que conocimos la temporada pasada, afirma que es para salvar la isla y algo más.
Eren le pide perdón al pequeño, pero en una secuencia cargada de drama vemos cómo muere junto a otras miles de personas que intentan huir en vano. El retumbar arrolla todo a su paso y no hay manera de escapar.
Los preparativos y la caída de la comandante
Mientras tanto, el grupo conformado por Annie, Armin, Mikasa, Hange, Levi, Falco, Gabi, Pieck, Onyankopon y Reiner se acerca en barco al continente. Algunos diálogos nos muestran el estado en el que están, sus decepciones y cuánto confían en que podrán frenar a Eren.
Annie confiesa que no quiere pelear más y por esto se irá en barco con los Azumabito junto a Falco y Gabi. En el momento de la despedida, Reiner le pide perdón por haberla obligado a seguir con la misión de llegar a Paradis e infiltrarse.
Todo parece marchar bien: el avión ya está preparado para ir al fuerte Salta (a donde se dirige Eren), el barco por zarpar, pero aparece Floch, que no había muerto, y realiza una serie de disparos antes de morir. Los tiros dañan el avión y ahora deberán repararlo. El problema es que los titanes están cada vez más cerca.
Aunque Armin se ofrece para convertirse y luchar contra ellos para darle tiempo al resto, es Hange quien toma la iniciativa. Es la comandante y, antes de ir a pelear, le pasa el mando a Armin. La despedida con Levi es la más emotiva.
Hange nos regala una buena escena de acción donde vemos sus capacidades para enfrentar a los titanes. Luego, ya caída, MAPPA nos regaló una hermosa imagen: Erwin y otros soldados la reciben y le dicen que cumplió su papel. Así termina la primera parte.
Las reflexiones en torno a lo que deben hacer
Mientras Onyankopon pilota un avión con menos combustible del esperado, el resto repasa el plan para frenar a Eren y al retumbar. No saben en qué parte estará su amigo pero sí deducen que el titán bestia debe estar adherido en algún lugar.
Pieck sugiere usar el poder del titán colosal de Armin porque sería suficiente para frenarlos a todos. Sin embargo, el nuevo comandante plantea que antes deben poder hablar con Eren. “Será nuestro último recurso”, afirma.
Por esto, se enfocarán en atacar la conexión del titán fundador con el titán bestia. Levi toma la posta y dice que él se hará cargo de Zeke. Tendremos un nuevo round entre estos dos.
Mientras tienen reflexiones sobre sus crímenes y objetivos, en un momento se preguntan cuáles son las intenciones de Eren. Si tiene el poder fundador, podría hacer que los titanes y los eldianos hagan lo que él quiera. Sin embargo, como nota Armin, a ellos no los influyó de ninguna manera.
En esos momentos Eren los transporta a La Coordenada y ellos le piden que pare, que ya está, que el mundo entendió el mensaje. Pero Eren les deja en claro que no frenará el retumbar pero les dice que a ellos les dará libertad para que actúen como les parezca. Y les deja en claro que hablar no servirá, que tendrán que detenerlo.
El mensaje pacifista de Ataque a los Titanes
En otro punto, en el barco que se dirige a Hizuru, Falco tiene una revelación. Al tomar el líquido de la espina dorsal de Zeke puede ver algunos recuerdos del titán bestia. En uno de estos se ve volando sobre las nubes. Parece que tendremos más titán mandíbula en el futuro.
Mientras tanto, un grupo de eldianos se dirige al fuerte Salta para poder huir en los dirigibles que hay ahí. La información se las dio un soldado de Marley que va con ellos amenazado. Pero cuando están llegando los dirigibles ya tomaron vuelo.
El objetivo de las naves es bombardear a los titanes del retumbar y al colosal. Previo a esto, el comandante marleyense brinda un discurso donde, además de aclarar que es el último bastión de la humanidad, hace reflexionar a los presentes.
“Utilizamos el odio hacia Paradis, lo cultivamos, creímos que era la salvación”, plantea, y reconoce que ese odio creó las motivaciones de venganza de Eren. Y promete que si hay futuro no cometerá ese error de nuevo.
Claramente el ataque sale mal y Eren usa a Zeke como una marioneta para atacar a los dirigibles. Algunas bombas caen pero poco efecto tienen sobre los titanes. Ante la decepción de eldianos y marleyenses, llega el avión y da un ápice de esperanza.
Reiner se convierte en titán y logra arrancar al bestia de la conexión con Eren. El resto cae sobre el titán fundador y así termina el episodio.
Ahora queda esperar a la segunda parte que también durará una hora. De este último capítulo, me quedo con la primera parte. La segunda fue una previa del próximo y nos dejó con ganas de más. Veremos cómo MAPPA cierra esta gran historia.
The Mandalorian hace honor a su nombre en esta segunda entrega, con una trama ya completamente centrada en el viaje a Mandalore del protagonista (Pedro Pascal, The Last of Us) para purgar sus pecados. Con la aparición de algunos viejos conocidos de la serie y de Bo-Katan, que seguramente adquirirá una importancia mucho mayor a partir de ahora, este capítulo supera con mucho al anterior y nos recuerda a aquellos momentos en los que la serie fascinó a toda la galaxia.
Las minas de Mandalore
Tras reclutar a un droide para que examine la atmósfera de su planeta natal, Din Djarin se lleva a Grogu con él y comienza a explorar el viejo hogar de su gente, desolado por el Imperio Galáctico. Sin embargo, pese a lo que cree su pueblo, este mundo no está completamente desierto, sino que cuenta con vida. Esto no son buenas noticias para Mando, que acabará en peligro por culpa de los nuevos habitantes de Mandalore.
Por ello, deberá recurrir a su protegido y a Bo-Katan para salvarse. A pesar de las diferencias entre ambos, parecen llegar a un entendimiento y, mientras deciden qué hacer con la información obtenida, luchan codo con codo para sobrevivir al ecosistema hostil donde han entrado.
The Mandalorian: retorno a los orígenes
A lo largo de The Mandalorian, se nos habló de cómo el Imperio arrasó Mandalore sin necesidad de la Estrella de la Muerte. Esta catástrofe, narrada en susurros entre los supervivientes, es determinante para el personaje de Din Djarin y para el devenir del pueblo mandaloriano, y su trauma se ha dejado sentir en cada uno de los diálogos con su gente. La tan esperada visita a este mundo no ha decepcionado, y refleja a la perfección la masacre que hasta ahora solo se nos había sugerido, con una atmósfera muy conseguida y unas escenas de acción rápidas y contundentes.
Este episodio de The Mandalorian, es lo más cercano que ha estado Star Wars al género postapocalíptico, ya que tanto los peligrosos monstruos que intentan acabar con Mando como los robots nos recuerdan a aquellos parajes diezmados por explosiones nucleares o invasiones extraterrestres que tanto hemos disfrutado en el cine, la literatura y el cómic. Este paisaje yermo también sirve para contraponer los puntos de vista de Din Djarin y Bo-Katan: el primero mantiene cierta esperanza, mientras que la veterana de guerra da por perdido su mundo natal.
Cabe preguntarse si Bo-Katan volverá a convertirse en una villana o, al menos, en una aliada difícil para nuestro protagonista. El interés que muestra en los poderes de la Fuerza de Grogu es bastante sospechoso, así como su afirmación de que los mandalorianos lucharon junto a los jedi. Aunque no es del todo falsa, se le ha olvidado mencionar que ella misma se enfrentó a los protectores de la República en numerosas ocasiones durante las guerras clon, como miembro de la Guardia de la Muerte. ¿Está intentando ganarse su confianza para traicionarlo después? Estaremos atentos.
Un viejo conocido de la saga
Los fans más acérrimos de La guerra de las galaxias, que ya reconocieron a la especie de Babu Frik en el capítulo anterior, habrán notado que el robot que acompaña a Mando es R5D4, el droide que el tío de Luke Skywalker iba a comprar en lugar de R2D2 pero al que acabó rechazando por defectuoso. Quizás no se trate del mismo modelo, pero es un guiño muy inteligente: no es necesario saber quién es para disfrutar de la trama, por lo que añade una capa de interés sin alienar a los espectadores casuales. Todo el fanservice de esta saga debería ser así.
Como curiosidad, un cómic no canónico protagonizado por este androide explicó que se trataba de un ser sensible a la Fuerza y que, como tal, decidió sacrificarse para que Luke pudiera tener acceso a los planos de la Estrella de la Muerte. Sin comentarios.
Conclusión
The Mandalorian no ha comenzado con muy buen pie esta temporada, pero este capítulo nos recuerda por qué nos gusta la serie. Mientras que su predecesor sonaba a ya visto, este episodio ofrece algo nuevo a los fans de Grogu y Mando, a la vez que mantiene el tono de aventuras que venía caracterizando a este producto. Su cliffhanger nos invita a seguir el arco de este mandaloriano rechazado por su gente y de los acompañantes que ha ido reclutando a lo largo de los episodios. Esperemos que la entrega de la semana que viene confirme el buen rumbo de la serie.
Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.
Es difícil hablar de esta película del año pasado. Sí, hablamos de «Todo a la vez en todas partes». La película que tiene 11 nominaciones a los Óscars de este año 2023, ha ganado Globos de Oro y no sabemos cuantos premios y nominaciones acumula. La película hecha con 25 millones de dólares y que recauda más de 100 sin ser Disney/Marvel ni Tom Cruise, prácticamente a fuerza de uno de los boca a boca más exitosos de este siglo. Una que empezó maravillando a todo el que la veía y que en cuanto han aparecido las nominaciones y los premios ha empezado a recolectar comentarios despectivos sobre ser una película de autoayuda.
Pero más allá de los premios, la recaudación o el mérito de su éxito comercial vamos a hablar de qué es la película. Como hemos empezado diciendo, es difícil decir qué es «Todo a la vez en todas partes». Vista en el trailer o de pasada es una mezcla de Matrix, Interestelar, Tigre y Dragón, Qué bello es vivir y alguna de las películas en las que salen Jay y Bob Silencioso. Pero eso sería hablar de la ambientación general de la película (Matrix, Interestellar), la parte de las peleas (Tigre y Dragón) o la idea general que está detrás de todo (Qué bello es vivir, Interestelar). Y, siendo deudor de todas ellas y muchas más, «Todo a la vez en todas partes» es mucho más que, vaya, sus partes.
Evelyn es una inmigrante china que malvive de una lavandería en Estados Unidos. Hasta arriba de trabajo, del día a día, de su marido, de su hija…todo se desarrolla hasta que tienen que hacer unos papeleos con una burócrata insensible y despiadada. Parece que «Todo a la vez en todas partes» va a ser algo costumbrista y rompe en el momento de los papeleos en un momento claramente inspirado en Matrix, explotando la trama y derivándola en una de grandes descubrimientos sobre la naturaleza del multiverso, los viajes entre dimensiones alternativas, las habilidades o poderes copiados y las peleas coreografiadas. Todo con un sentido del humor muy particular, absurdo y para nada elevado, vamos a decirlo claramente.
Y, en realidad, podría haberse quedado ahí y «Todo a la vez en todas partes» sería una película divertida, gamberra respecto a los productos y lógicas del cine de Disney/Marvel y resultona. Incluso, vamos a decirlo, con algo más de complejidad en cómo funciona el multiverso que en tantas otras obras. Pero no. Los directores no se conformaron con eso. Quisieron ir más allá. Quisieron transmitir lo que quiso Cristopher Nolan en «Interestellar». Y, vamos a decirlo, lo han hecho mejor. Mucho mejor. Abrumadoramente mejor.
En el momento de teórico climax de este Matrix más El Castillo de Takeshi resulta que no hay nada de épica clásica ni gran batalla. Solo existe el convencimiento de que todo esfuerzo es inútil, que siempre estamos dando vueltas y que nada importa. Es decir, el nihilismo, la apatía, la muerte en vida. Todo simbolizado en un objeto. «Todo a la vez en todas partes» empieza siendo costumbrista, pasa a ser ciencia-ficción con toques de humor absurdo y continúa llevándonos de la mano al tema de los temas. Es decir, al porqué nos levantamos todos por la mañana en vez de pegarnos un tiro.
Nada en todo el multiverso puede detener a la entropía. Y en este punto de desesperación y túnel negro es donde «Todo a la vez en todas partes» pasa a ser otra cosa que no es ninguno de sus referentes. Porque la película toma al personaje de Jonathan Ke Quan, Waymond, el mítico Tapón de Indiana Jones o el «Data» de Los Goonies, que parece un Morfeo oriental al principio y lo transforma en mucho más. No son sus faceta de luchador, de descubridor de las esencias del multiverso o de marido débil las que le terminan definiendo. Es la esencia que hay en todas las posibles versiones de Waymond. Detrás de las más elegantes, de las más patéticas, de las luchadoras o las más sumisas versiones de él hay un fondo común, algo que nunca cambia. Algo que es la clave para destruir la derrota, la depresión y la muerte. No desde la inocencia o la inconsciencia, sino desde la madurez y desde la luz. Todo sintetizado en la filosofía de un Waymond alternativo, que es la de todos al final:
Cuando elijo ver el lado bueno de las cosas no estoy siendo ingenuo. Es estratégico y necesario. Es como he aprendido a sobrevivir a través de todo.
«Todo a la vez en todas partes» se esfuerza en hacernos sentir mal en todos los multiversos cuando vence la Nada y la ausencia de alegría. Y también consigue algo maravilloso a continuación, cuando a partir de los sentimientos comunes de un hombre normal y sencillo consigue construir la respuesta al vacío. A partir de esos sentimientos una mujer normal, cansada y agotada como cualquier persona adulta con gente a su cargo y responsabilidades normales de persona adulta consigue enfrentarse el hastío vital de ella y de toda una época. Al revés que tantas películas, series y relatos políticos apocalípticos, cínicos y paralizantes la película se toma la vida y las pequeñeces de cualquier pringado muy en serio. La película es aquí maravillosa, luminosa, vital pero no ingenua ni infantil, no engaña ni es tramposa ni nos pinta las cosas sencillas y edulcoradas. Consigue con toda su fanfarria, sus chistes con gente saltando sobre consoladores y sus parodias de películas de Pixar tener, dentro de su esperpento, mucho más que rascar que la gran mayoría de cine de ciencia-ficción y comercial.
Porque al final «Todo a la vez en todas partes» nos regala no la luz del ingenuo o del iluminado sino la sencillez madura, la asunción de las cosas grises o repetitivas y el ensalzamiento de los oasis que hace tanta gente normal y corriente. Es una oda adulta dentro de lo absurdo de tantas cosas de la película al romanticismo y a la luz en una época que es totalmente aversa a dichas ideas en público. Es soprendentemente lacrimógena al final, no nos engañemos. Lo busca y no lo esconde. En esta película que disimula espectacularmente sus carencias con las actuaciones gigantescas de sus cuatro-cinco protagonistas sí le podemos decir que el final se hace largo. Sí se hace pesado. Sí se podía contar en menos tiempo.
Del costumbrismo a la ciencia-ficción hasta ser una película emotiva y descaradamente luminosa, eso es «Todo a la vez en todas partes». Al verla por segunda vez es increíble cómo han conseguido equilibrar en ritmo, argumento o narración tres enfoques totalmente distintos a la hora de enfrentarse a una película. Es increíble como tantas veces parece que la locura y la absurdez va a descarrilar la película, pero no lo hace. Es increíble que una mujer como la protagonista, Michelle Yeoh, con 60 años haga de artista marcial, de madre cansada, de salvadora de multiverso, de actriz de película francesa existencialista y lo haga todo bien. Es increíble que Jonathan Ke Quan, como hemos dicho, pueda transmitir lo mismo en todas sus encarnaciones y ser a la vez tan distinto. Todo en la película es la historia de un milagro, desde cómo se hizo, a cómo ha llegado a tener éxito o a cómo transmite lo que transmite. Es un milagro y un oasis en el fondo y en la forma. Da igual qué pase en los Óscar.
Es una película que no puede ser más contraria a los ánimos y desesperanzas apocalípticas, y cínicas tan extendidas. Es una película que no sé si puede hacerlo de una manera más divertida y emotiva, pero que me parece complicado no emocionarse con algo que al final es pan nuestro de cada día. Y es que, al final, puede que la cosa en su raíz sea simple. Y sencilla. No es inocente ni ingenua. Es estratégica y necesaria. Y que sea como hay que aprender a sobrevivir a través de todo.
Continuamos analizando la tercera temporada de Star Trek: Picard que, con Terry Matalas como showrunner y Patrick Stewart como protagonista, es emitida por Prime Video. Hoy, el tercer episodio…
Bienvenidos, trekkies y no tan trekkies, para analizar un nuevo episodio de Star Trek: Picard que, nos ha dejado más que satisfechos. Diecisiete Segundos, tal el título de esta tercera entrega de la tercera temporada, es una reflexión sobre la paternidad, pero también una auténtica oda a toda la franquicia.
Para quienes gustamos de la épica espacial y las cacerías de gato y ratón, el episodio tuvo todos los ingredientes que más nos deleitan y, de regalo, un par de logrados e interesantes diálogos apoyados sobre grandes desempeños actorales.
Pero basta de introducción y pasemos a analizar el episodio advirtiendo, como siempre, que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden leer aquí nuestros análisis anteriores.
Nebulosa
Retomamos a la Titan escapándole a la Verdugo de Vadic. En su huida, recibe algunos disparos, pero alcanza a internarse en la nebulosa y pierde a su perseguidora, pues la interferencia hace que no funcionen los sensores: clara referencia a Star Trek II: La Ira de Khan (para esta altura la película más homenajeada de la franquicia) cuando, huyendo justamente de Khan, la Enterprise se adentra en la nebulosa Mutarapara “igualar condiciones”.
El problema es que tampoco pueden salir de allí, ya que las mismas interferencias que les ponen a salvo hacen riesgosa la utilización del motor warp: de hecho, Riker amonesta al capitán Shaw cuando, de modo imprudente, pretende usarlo. Además, ha recibido daños y tampoco podrán echar mano del mismo si consiguen salir de la nebulosa. No hay, mientras tanto, señales de la Verdugo: “por ahora”, sentencia Picard…
17 Segundos
Un flashback nos transporta años atrás a una charla entre Picard y Riker que gira sobre la paternidad, pues este último, al parecer, ha sido padre hace relativamente poco, pero no está hablando de la niña sino de Thad, lo cual significa que la conversación tiene lugar bastante antes de que este muriera, como supimos en la primera temporada.
Riker recuerda especialmente cuando, a bordo de la Titan, recibió aviso del nacimiento y llegar a la enfermería le demandó los diecisiete segundos que demora el turboascensor y que fueron los más largos de su vida…
Ese dato tendrá relevancia para el resto del episodio y constituye una bella alegoría, ya que diecisiete segundos es precisamente el título, perfecta metáfora del momento único de quiebre en que ser padre hace abandonar cualquier otra obligación …
En algo de eso debe pensar Picard a juzgar por su expresión, pero las palabras de su amigo adquieren para nosotros una doble significación por saber que, si nos ubicamos temporalmente, también él debe ser padre y aún no está anoticiado. Siempre es un eficaz recurso que el espectador conozca algo que los protagonistas no: Hitchcock lo sabía mejor que nadie…
Madre Protectora
Vueltos al presente, Beverly está ayudando a asistir a los heridos de la Titan aun cuando, como es lógico, parezca estar desactualizada en algunas cuestiones. En la enfermería, tiene a solas una intensa conversación con Jean-Luc en uno de los mejores diálogos que lleva la serie. Picard le recrimina haberle ocultado la paternidad y ella repone la imposibilidad de decírselo cuando él estaba de un punto a otro de la galaxia y tampoco quería formar familia por pesarle la imagen de su padre.
Picard le replica que las cosas podrían haber sido diferentes si justamente lo hubiera sabido y nos viene la imagen de Riker abandonando el puente para correr al nacimiento de su hijo, así como las conversaciones de la temporada anterior con Q acerca de las decisiones y distintos caminos que pueden direccionar nuestras vidas.
Beverly dice, además, que fue una forma de proteger a su hijo, pues Picard venía sufriendo un atentado tras otro y ella no quería que el niño llegase al mundo con un blanco en la espalda: ello nos hace preguntarnos si la persecución de que ambos son objeto no tendrá justamente que ver con que Picard sea el padre del muchacho. Por lo pronto, ella dice desconocer los motivos de la tal Vadic.
Jean-Luc se entera de que Jack ya está al tanto de que él es su padre, pero lo rechaza. No se sabe bien qué le recrimina cuando nunca supo de su existencia, pero en algún momento dice que es un organismo sintético y no su padre en sí, algo de lo cual solo podría haberse enterado en las últimas horas. En definitiva, aún no entiendo del todo la actitud del joven…
Té de Manzanilla
Raffi vuelve en sí a bordo de La Sirena y lo primero que ve es a Worf haciendo ejercicios mientras suena la ópera Los Troyanos, de Hector Berlioz: por cierto, el mismo pasaje que escuchaba Picard sobre el inicio de Star Trek: Primer Contacto.
Ella le toma por enemigo y le ataca, pero él logra esquivar el ataque y desarmarla para comentarle que ha preparado té de manzanilla.
Raffi ( o Raffaella, como él la llama) se da entonces cuenta de que él ha sido todo el tiempo su contacto en la flota, quedando así en claro que no le conocía personalmente. Su primera impresión es de fascinación por estar ante alguien que tiene dimensión de leyenda.
Ciertas palabras y actitudes de Worf nos hacen, no obstante, dudar si realmente trabaja para la flota o se mueve por cuenta propia. Por lo pronto, tiene indicios de que el robo del arma ha sido una distracción y detrás hay algo más grande y peligroso. Su pesquisa conduce a un tal Titus Rikka en el Distrito 6 e insta a Raffi para acompañarle a encontrarlo. Hay aquí una dupla que se perfila interesante…
Otros 17 Segundos
A bordo de la Titan, han logrado restablecer el sistema warp, pero no pueden utilizarlo dentro de la nebulosa y, para colmo de males, la Verdugo les ha hallado sin que sepan cómo.
Reciben un par de disparos que les provocan daños y hieren al capitán Shaw que, antes de ser trasladado a enfermería, deja el mando a Riker argumentando que si él los metió en el lío, debe sacarlos…
Riker ordena arrojar un torpedo contra los escudos de la Verdugo pero sin detonarlo y el momento es aprovechado por la Titan para desaparecer nuevamente en la nebulosa, aunque siempre con la presunción de que su perseguidora les encontrará nuevamente.
Jack y Siete se hallan confinados. Él piensa que la Verdugo siempre los encuentra porque sigue el rastro de verterium que deja el motor warp. Escapando de su cautiverio con el soso y manido recurso hollywoodense de dejar nocáut al guardia, llega hasta la sala de máquinas para interrumpir tales filtraciones. Un oficial, o quien parece serlo, le deja inconsciente pero, antes de perder el sentido, Jack ve su rostro cambiar de forma.
La noticia saca a Picard del puente de mando y ahora es a él a quien toca usar los diecisiete segundos de turboascensor para llegar hasta su hijo con el temor de encontrarle ya sin vida: temor que compartimos, pues nos asalta el angustiante deja vu de asociar con Kirk y lo poco que logró conocer al suyo. Falsa alarma: el muchacho vuelve en sí…
Cambiantes
En el Distrito 6 de M´Talas Prime, Worf y Raffi han llegado hasta el tal Titus, quien es interpretado por Thomas Dekker, actor de quien probablemente les resulte más conocido su rostro que su nombre, aunque quizás no lo terminen de asociar en versión adulta. En su momento, ha interpretado a Thomas Picard: ¿lo recuerdan? Aquel hijo imaginario que Jean-Luc tenía durante la experiencia Nexus (una vez más, la paternidad sobrevolando)…
Más aún, le hemos vuelto a ver en Star Trek: Voyager interpretando a Henry Burleigh, personaje infantil de la holonovela de misterio que estaba desarrollando la capitana Janeway. Y si son psicópatas empedernidos de la ciencia ficción como yo, pueden también recordarlo fuera de la franquicia como un adolescente John Connor en esa gran serie injustamente poco valorada que fue Las Crónicas de Sarah Connor.
Pero volviendo a su personaje en esta serie, hay lucha entre él y Raffi al punto que esta parece a punto de matarlo, pero es detenida por Worf, quien le dice que “las ejecuciones son solo los miércoles”. Una buena humorada sobre sí mismo, que en esta versión suya es capaz tanto de rebanarle la cabeza a un ferengi como de tomar té de manzanilla. Dice haber entendido en el último tiempo que hay “momentos para la calma y momentos para el fuego”.
Titus es sometido a un interrogatorio en el cual dice que la Federación está próxima a su fin, pero nada en específico sobre lo que ellos buscan hasta que, en un momento, su cuerpo se convierte en viscosa gelatina ante los ojos y manos del propio Worf que termina por matarlo antes de que logre escapar. Queda claro que hay momentos para el fuego, como también que Titus era un cambiante… Una vez más, Dekker interpreta en la franquicia a un personaje que parece humano pero no lo es…
Si han visto Star Trek:Espacio Profundo Nueve, ya saben sobre los cambiantes (o cambiaformas, según las traducciones), pero quienes escriben esta serie tienen el tino y la delicadeza de explicarlo a quienes no lo hayan hecho: decoroso detalle que deberían aprender los responsables del MCU, que en en este último tiempo pretenden que no solo hayamos visto todas las películas y series sino también que recordemos cada ínfimo detalle.
Worf le cuenta a Raffi (y a quienes no hayan visto DS9), que los cambiantes son una especie que, después de la Guerra del Dominio, se dividió en dos facciones, adoptando una de ellas el terrorismo con el objeto de revivir la misma. Incluso (perdón, pero me emociono) hay una mención a Odo, de quien recordemos que el actor que lo interpretaba, Rene Auberjonois, falleció en 2019: qué inmenso y delicado detalle el homenajear así a quien representó mejor que nadie a los cambiantes “buenos”. Y se nos estruja el corazón cuando Worf dice que ahora integra el GranVínculo para siempre…
Hacia el Pozo
Mientras tanto, en la Titan, se anotician de igual modo sobre los cambiantes, pues el testimonio de Jack revela que hay uno a bordo de la nave. Casi como corolario, la alférez LaForge informa de una explosión que ha dejado inhabilitado el núcleo warp en el preciso momento en que conseguían salir de la nebulosa y pensaban escapar.
La Verdugo emerge tras ellos y pone en ejecución un arma que en la Titan dicen no haber visto nunca. Así, un misil o torpedo les pasa de largo y crea un portal por delante de ellos sin tiempo para que puedan evitarlo. Transpuesto el mismo, se encuentran nuevamente en el corazón de la nebulosa y otra vez con la Verdugo tras ellos.
Ante la renuencia de Riker, Picard sostiene que no queda otra que combatir o, de lo contrario, morir. A tal fin, hace girar la Titan y disparar contra la Verdugo pero un portal que se traga literalmente los torpedos y los hace aparecer por detrás de la Titan.
Los impactos son contundentes y dejan a la nave prácticamente a la deriva mientras se informa que están siendo tragados por el pozo gravitacional del centro de la nebulosa. Riker, con alguna herida y en una escena que nos desgarra el alma, expulsa a Picard del puente mientras le acusa de haberlos condenado a muerte…
Balance del Episodio
Vaya entrega que nos han dado. Quitando algunos detalles menores ya señalados con algún cliché para esta altura insufrible (los puñetazos que dejan inconsciente compiten cabeza a cabeza con las puertas que se abren con un disparo) o bien cierta indefinición de la trama, particularmente en cuanto al sentir y motivaciones de Jack, el resto ha tenido todo lo que nos gusta a los amantes de la franquicia y, salvo que derrapen, podemos aventurar que esta temporada final es, como debía ser, la mejor por lejos.
La paternidad y el vínculo padre-hijo han sido, claro está, los ejes sobresalientes del capítulo y si bien ya algo habíamos tenido en la temporada anterior con los recuerdos de infancia de Picard, la cosa tenía allí un tono más psicótico y el sentido era más bien entender los traumas de este en condición de hijo.
Aquí es muy distinto: se trata de la paternidad como obligación principal que deja en segundo plano cualquier otra, así como de la importancia de dejar un legado. Se me ocurre que el que Picard sepa que tiene un hijo es una forma de que entienda que, aun con sus frustraciones, el largo camino no ha sido en vano.
Los diálogos de Picard, tanto con Riker como con Beverly, han sido brillantes y bien actuados. Particularmente, Patrick Stewart y Gates McFadden se han lucido en el suyo. Y muy bien manejada la analogía con el caso de Riker, de quien el haber perdido a su hijo puede hacer entender a Picard la importancia de preservar al suyo. De manera extensiva, podemos llevar la analogía también a Kirk…
Un solo detalle se les escapó incluir y creo que hubiera calzado de perlas: Worf no hizo ninguna mención a su hijo Alexander, de quien recordemos que Jon Paul Steuer, uno de los actores que lo interpretara, falleció en 2018. Ya sé que aún hay tiempo, pero este era el episodio ideal para homenajearlo. Y ya que hablamos de homenajes, muy conmovedor y casi para las lágrimas el de Odo y Rene Auberjonois.
La serie, sobre todo en esta tercera temporada, es un increíble e inmenso homenaje no solo a Star Trek: The Next Generation, sino prácticamente a toda la franquicia sin quede nada afuera. Tan solo en este episodio hemos tenido referencias a películas como La Ira de Khan, Primer Contacto o Némesis, pero también a series como las ya mencionadas Espacio Profundo Nueve y Voyager: genial el detalle, por cierto, de que Siete tenga en su habitación una réplica de esa maravillosa nave en la cual hizo su formación junto a Janeway.
Inclusive hubo guiño a Discovery, pues cuando Beverly repasa los distintos mundos a los cuales Picard fue convocado, menciona a Sorna Prime. Pues bien, quienes sigan esa serie quizás recuerden que durante la visita de la primera temporada al Universo Espejo, la oficial Tilly era allí conocida, en su versión opuesta, como “la asesina de Sorna Prime”.
Vemos ahora conectarse a las subtramas que hasta ahora no mostraban relación. Lo ocurrido con el edificio de reclutamiento, chupado por un portal y arrojado desde lo alto por otro, es lo mismo que hemos visto en el espacio con los torpedos que, lanzados por la Enterprise contra la Verdugo, terminan cayéndole desde la retaguardia.
Muy acertada además la forma en que se fueron contando las historias en simultáneo, particularmente cuando tanto en el Distrito 6 como a bordo de la Titan, se anoticiaban a un mismo tiempo de que los cambiantes estaban de regreso. Por cierto: Worf y Raffi, como dije, se perfilan como una buena dupla… y quizás Siete y Jack también. Y la alférez LaForge interviene poco pero me está gustando: ya veremos…
A propósito de Worf, subsisten todavía algunas lagunas: para quién trabaja o el porqué de sus cambios, aunque algo deja traslucir cuando da a entender que ha hallado un punto medio entre aquel guerrero casi irracional de los primeros tiempos de TNG y el mediador diplomático y educado que vimos en DS9. El fuego y la calma, digamos…
También nos queda por saber cuál es la verdadera intención de Vadic, qué busca o qué interés particular tiene en Jack. Me da la sensación de que conoce mejor a Picard (e incluso a la Titan) de lo que a primera vista pareciera.
En fin, no tengo mucho más para decir, así que prefiero que me digan ustedes qué les ha parecido esta entrega y cómo están viendo la temporada en general. Nos reencontramos para analizar el cuarto episodio…
Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades del mes de marzo de Distrito Manga, perteneciente a Penguin Randome House Grupo Editorial.
Bandas, pandilleros… ¡y mucha acción! ¡Aterriza el nuevo fenómeno de Nii Satoru que está causando sensación en Japón!
El instituto Fûrin se ha granjeado la peor reputación entre los centros de la zona por tener la media más baja y los alumnos más rebeldes. Haruka Sakura es un joven recién llegado a la ciudad que quiere convertirse en el más fuerte del barrio y así proteger a todos aquellos que le importan. Para conseguir su propósito, lo primero que debe hacer es unirse a una pandilla llamada Wind Breaker, que representa a su instituto y cuyo objetivo es defender la ciudad del resto de bandas y maleantes. Sin embargo, ¡para que lo acepten deberá ganarse el respeto a puñetazos!
Autor: Satoru Nii
Demografía: Shônen
Páginas: 192
Precio: 8,95€
Salida a la venta: 16/03/2023
¡Llega el segundo tomo de Wind Breaker con un enfrentamiento entre las bandas Bofûrin y Shishitôren! ¿Podrá Haruka defender a sus amigos y salir indemne de esta pelea?
¡Da comienzo una reyerta entre las bandas Bofûrin y Shishitôren en la que solo los más duros vencerán! La Shishitôren es una pandilla que solo admite a los más fuertes… ¡y al parecer han venido al territorio Bofûrin con ganas de armar jaleo! Haruka, quien acaba de unirse a la banda del instituto Fûrin para proteger la ciudad, empieza con mal pie y por su culpa se inicia el conflicto con la Shishitôren. Ahora Umemiya, el líder de la Bofûrin, deberá dar la cara y enfrentarse en un combate en el que se jugará la reputación de la banda.
Autor: Satoru Nii
Demografía: Shônen
Páginas: 192
Precio: 8,95€
Salida a la venta: 16/03/2023
No te pierdas lo nuevo de Mika con un BL romántico en el que unos adolescentes aprenderán el significado del amor
Kakeru y Yamato son amigos de la infancia, pero tan distintos como el día y la noche. Kakeru es un estudiante pésimo, aunque posee una habilidad extraordinaria para socializar y entablar nuevas amistades. Yamato, sin embargo, pese a ser un guaperas que tiene enamorado a medio instituto y sacar buenas notas, es un chico introvertido. Aun así, a Kakeru le extraña que nunca corresponda a los sentimientos de las chicas que se le declaran, por lo que un día, tras acabar las clases y quedarse ambos a solas, lo incordia a preguntas la mar de entrometidas. Finalmente, Yamato acaba estallando y le confiesa su amor… ¿Será Yamato capaz de transmitir sus sentimientos y hacer ver a Kakeru que, pese a sus diferencias, es merecedor de su atención?
Autor: Mika
Demografía: Boys Love
Páginas: 152
Precio: 8,95€
Salida a la venta: 02/03/2023
Loki se embarca en una aventura para eliminar las pinturas malditas… ¡Y se encuentra con alguien que podría tener los mismos poderes que Aisya!
Siguiendo la última voluntad de Aisya en su lecho de muerte, Loki inicia su periplo para erradicar las pinturas malditas de la faz de la tierra. En la travesía se encuentra con una joven que, para su sorpresa, se parece a Aisya como dos gotas de agua. Loki, sin embargo, cree que se trata de una pintura del bestiario, así que se dispone a eliminarla. La niña, asustada y malherida, derrama unas lágrimas que caen sobre una de las pinturas, ¡y es capaz de borrarlas! Por si esto fuera poco, cuando la toca con su dedo ensangrentado, la bestia del dibujo cobra vida… ¿Compartirá esta niña los mismos poderes que la bruja?
Autor: Hachi
Demografía: Shônen
Páginas: 200
Precio: 8,95€
Salida a la venta: 02/03/2023
En la cuarta entrega de Complex Age, Nagisa discute con su novio, a quien no le acaba de convencer que haga cosplay… ¡y también descubrirá dónde está Hayama!
Entre la exposición pública a la que se somete y algunas fotos subidas de tono que circulan por internet, al nuevo novio de Nagisa le cuesta aceptar esta afición de su pareja. Por otra parte, Hayama al fin se ha puesto en contacto con ella, aunque parece que no quiere verla en persona; aun así, Nagisa descubre dónde está y decide visitarla sin avisar, pero descubre que su amiga está irreconocible… ¿Podrá convencerla de que vuelva al mundo del cosplay? Por si esto fuera poco, ¡su mejor amiga Kimiko también está pensando en dejarlo para siempre!
Autor: Yui Sakuma
Demografía: Seinen
Páginas: 200
Precio: 8,95€
Salida a la venta: 02/03/2023
¡El soldado D y el resto de los equipos deberán trabajar unidos si quieren aprobar el examen! ¡Ya está aquí la quinta entrega de la nueva obra del autor de Las Quintillizas!
El soldado D decide hacerse pasar por Hibiki mediante sus poderes de transformación para infiltrarse en el nido de Bailong, el lugar donde residen los miembros de la Patrulla. Sin embargo, para ascender deberá superar un examen final que solo uno de cada equipo podrá aprobar. Él y Shion forman parte del equipo rojo, y deberán luchar juntos para robar la llave que acredita la superación de la prueba. Pero los subalternos no se lo pondrán nada fácil, así que el resto de los equipos tendrán que unir fuerzas si quieren tener una oportunidad de formar parte de la Patrulla. ¿Logrará el soldado D seguir pasando desapercibido y subir de rango hasta convertirse en un Dragon Keeper?
Autor: Negi Haruba
Demografía: Shônen
Páginas: 192
Precio: 8,95€
Salida a la venta: 02/03/2023
¡En el quinto volumen de esta comedia romántica, Izumi y sus amigos compiten en una carrera de relevos durante el festival deportivo del instituto!
Ya ha terminado el festival cultural del instituto y, tras un pequeño bache, Izumi y Shikimori están más enamorados que nunca. Ahora es el turno del festival de deportes, y la clase se dispone a formar equipos de cinco para competir en la carrera de relevos. Izumi se juntará con sus amigos y Shikimori para crear un grupo, pero deberá entrenar duro si no quiere resultar una carga para sus compañeros. Con la ayuda de las extraordinarias habilidades de su novia, Izumi se dejará la piel para ganar la carrera y llevar el equipo a la victoria. Con Shikimori a su lado, ¡los días grises de Izumi, siempre perseguido por la mala suerte, han quedado atrás y por delante solo se vislumbra felicidad!
Autor: Keigo Maki
Demografía: Shônen
Páginas: 144
Precio: 8,95€
Salida a la venta: 02/03/2023
¡No te pierdas la tercera entrega del spokon obra del autor de Your Lie in April! ¡Las chicas del Warabi Seinan se enfrentan en un torneo al Urawa Hôsei!
Comienza la fase previa de la prefectura de Saitama para el campeonato nacional de bachillerato. El Warabi Seinan queda segundo de su grupo, lo que les permite avanzar a las eliminatorias. Allí se enfrentarán con las reinas indiscutibles de Saitama: el Urawa Hôsei. En la primera ronda del torneo, Nozomi Onda hace gala de su talento y logra meter un gol, pero al poco rato Alice Adatara, del equipo contrario, le roba el balón y… ¡consigue marcar! Tan solo quedan unos pocos minutos para que termine el encuentro y el Urawa les gana por un tanto… ¿conseguirán las warabis darle la vuelta al partido antes del pitido final?
Autor: Naoshi Arakawa
Demografía: Seinen
Páginas: 376
Precio: 15,95€
Salida a la venta: 02/03/2023
No te pierdas la segunda entrega de Sigue adelante en la que Ôda, tras robarle una de sus ideas a Kuko, descubrirá uno de sus secretos más ocultos…
Kuko es una adolescente de quince años que vive con su padre en Kobe. Siempre con una sonrisa radiante en el rostro, es inseparable de su mejor amiga y compañera de clase, Kiyo. Pero Ou, un chico que estudia el bachillerato de artes con el que se encuentra de camino al instituto, parece entrever los secretos que oculta su corazón. Por otra parte, Ôda al parecer ha visto una de las fotografías de Kuko en su blog de notas y le ha robado la idea para la exhibición de arte. Cuando Kuko lo descubre, en lugar de enfadarse sigue mostrando su típica sonrisa, pero también le empiezan a caer algunas lágrimas… ¿Por qué sigue sonriendo si está triste? ¿Descubrirá Ôda qué oculta Kuko detrás de esta expresión forzada?
Autor: Nagamu Nanaji
Demografía: Shôjo
Páginas: 192
Precio: 8,95€
Salida a la venta: 02/03/2023
Espero que os haya interesado tanto como a mi amigo y compañero Mario Losada, que es un gran aficionado al Manga. También podéis echar un ojo a todos nuestros artículos sobre anime y manga, pinchando aquí.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Moztros, previstas para este mes de marzo de 2023. Vamos con ello …
Novedades de Moztros del mes de marzo de 2023
Siempre me gusta hacer un par de recomendaciones de todas las novedades editoriales que vamos colgando. Esta vez, no puede ser una excepción. Voy a recomendar un par de títulos del catálogo de Moztros, del mes de marzo de 2023.
Rocketeer de Dave Stevens
«Es tiempo de surcar los cielos junto a Cliff y Betty en este hermoso álbum de gran tamaño que presenta la saga original de cómics de The Rocketeer, en una nueva edición recoloreada, remasterizada y completa!
The Rocketeer, creado por Dave Stevens, irrumpió en los estantes de las tiendas de cómics hace más de 40 años.
Desde entonces, esta historia encantadora y bellamente ilustrada que homenajea a las mejores historias pulp presenta las aventuras del piloto de acrobacias Cliff Secord después de encontrar un jetpack experimental.
Con la ayuda de su amigo Peevy, y el apoyo incondicional de su bella novia Betty, Cliff comenzará a recorrer los cielos de Los Ángeles de los años 30. La intriga abunda cuando Cliff se encuentra luchando contra espías enemigos y criminales infames, mientras trata de evitar que su vida personal con Betty sea cercenada por su doble vida como The Rocketeer.
Esta recopilación de aventuras, ganadora del premio Eisner al mejor diseño, presenta toda la saga del Rocketeer de Dave Stevens, además de una gran cantidad de páginas de material complementario de pin ups, bocetos e ilustraciones, que brindan una nueva visión de los procesos de pensamiento del artista mientras desarrollaba The Rocketeer».
«George Pérez, uno de los máximos y mejores creadores de cómics de todos los tiempos, se despidió de la industria a lo grande escribiendo y dibujando Sirenas, una novela gráfica que presenta a un nuevo súperequipo de heroínas que tendrán que defender la galaxia de una amenaza inesperada y reescribir su propia historia.
Sirenas nos cuenta las hazañas de un equipo legendario de heroínas que deberán volver a reunirse para salvar a todos los habitantes del universo de una fuerza intergaláctica que está esclavizando y destruyendo planetas sin piedad.
Sin embargo, un extraño suceso durante la batalla hará que las Sirenas pierdan la memoria y no recuerden quiénes son ni por qué están allí.
Pero eso no es todo, a partir de entonces el resto del universo comenzará a recordarlas como… villanas!
Lo tenemos disponible desde el 2 de marzo.
Justo aquí debajo, os dejo el pdf completo, con las novedades de la editorial Moztros, del mes de marzo de 2023.
Una vez que habéis echado un vistazo a las novedades de Moztros del mes de marzo, Vamos a ver un pequeño avance de todas ellas.
Espero que os hayan llamado la atención y que tengáis ganas que estén en vuestras librerías. Sin más, me despido de todos vosotros.
![Análisis de The Last of us. Temporada 1. Episodio 9 | ¿Una mentira piadosa o egoísta? [Final de temporada]](https://www.lascosasquenoshacenfelices.com/wp-content/uploads/2023/03/portada-the-last-of-us-copia-1-768x432.jpg "Análisis de The Last of us. Temporada 1. Episodio 9 | ¿Una mentira piadosa o egoísta? [Final de temporada]")
