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Marvel colaborará con la Asociación de Golf de los Estados Unidos

Marvel Entertaiment ha llegado a un acuerdo con la USGA ( Asociación de Golf de los Estados Unidos ) para producir productos educativos de golf exclusivos para los jugadores de golf más jóvenes. Este proyecto dará su pistoletazo de salida con un cómic, tanto impreso como en la modalidad digital, donde numerosos súper héroes de la Casa de las Ideas enseñarán las normas básicas de este deporte así como su código de etiqueta.

El cómic se lanzará en Junio coincidiendo con el US Open, uno de los eventos más importante en Estados Unidos junto al Máster de Augusta. En días anteriores al comienzo del torneo, entrenadores, campos de golf, jugadores profesionales y padres podrán encargar su ejemplar en la página web de la USGA.

La historia girará en torno a Tony Stark y otros miembros de los Vengadores que enseñarán a lo largo del cómic el reglamento que envuelve a este complejo deporte. En la portada podemos ver a Iron Man, Black Panther, Ojo de Halcón, Hulk y alguno más intentando hacerse con un buggy desbocado.

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«Estamos entusiasmados con esta oportunidad de presentar y enseñar el juego de oro para una audiencia juvenil de una manera que es completamente única», dijo el gerente general de la USGA, Mike Davis, en un comunicado. «Utilizar el poder del Universo Marvel nos ayudará a presentar el juego a potenciales nuevos jugadores de golf, a la vez que les brinda a nuestros jugadores una nueva y divertida forma de aprender».

«Durante 80 años, los cómics han estado en el centro de Marvel Universe, presentando a los fanáticos de todas las edades nuevas aventuras, ideas y experiencias a través de la narración visual», agregó el vicepresidente de Marketing y Comunicaciones de Marvel Entertainment, Michael Pasciullo. «Estamos encantados de asociarnos con la USGA para usar a nuestros héroes icónicos y esa narración para inspirar a la próxima generación de atletas y golfistas».

La USGA también ha explicado que sus nuevos productos Marvel reemplazarán a los libros de reglas con temática  Snoopy orientados a los jóvenes  que se han publicado durante más de tres décadas. Este movimiento puede ser el resultado de que la organización haya renovado sus métodos para que los nuevos jugadores se interesen en el deporte del golf.

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Amo a los súper héroes y soy un buen aficionado del golf, sin duda el deporte más difícil que he practicado y que una vez te sumerges en su mundo quedas atrapado para siempre. Que Marvel cada vez extiende más sus tentáculos no es ninguna noticia y que su merchandising alcanza todas las cotas tampoco. Es un acierto total este acuerdo que han adoptado con la USGA y el despliegue del proyecto no podría tener un mejor marco. Sin duda el Máster de Augusta tiene mayor alcance pero su pátina chapada a la antigua y su hermetismo lo dejan en un segundo lugar frente a un Open donde el talante es mucho más distendido. Los más pequeños que estén empezando a conocer el golf tendrán un motivo más para engancharse pues de todos es sabido el poder de convicción que tienen estos héroes. Para los que no hayáis practicado nunca este deporte os puedo asegurar que muchas veces tienes que ser un súper héroe para poder acabar la partida dignamente y aún así no es para nada tarea sencilla. Ni siquiera el grupo más poderoso de la Tierra lo tendrá fácil para hacerse con el swing adecuado. Hace mucho tiempo que Marvel hizo hoyo en uno en mi corazón y desde entonces me acompaña en mi caminar diario. Se podría decir que los llevo a ellos en el pecho y a los palos de golf en la mano así que no puedo estar más contento de este nuevo proyecto que ojalá se haga extensivo a Europa y por ende a España. Mientras tanto seguiré vistiéndome el traje y hasta la armadura para conseguir cumplir con mi handicap. Tal vez el truco sea pedirle el martillo a Thor y cambiarlo por el Driver. Sin duda la bola llegaría más lejos, eso sí, una vez que hubiese conseguido levantarlo. Marvel sigue tiñendo nuestra vida con una nueva gama de colores y parece que ningún ámbito se le resiste.

Un abrazo a todos.

Juego de Tronos en retrospectiva: una historia de hielo, fuego y cenizas

En la todavía corta historia de la televisión, pocos san las series que gozan de poder ser llamadas revolucionarias. Juego de Tronos, probablemente haya sido una de las más significativas e influyentes de la historia reciente, que ha sido capaz de elevar los medios de producción hasta límites insospechados y establecerse como un fenómeno mediático superior a lo que fue en su día Perdidos. Una serie que sin duda ha marcado un antes y un después, pero cuya calidad y prestigio han sido puestos en duda recientemente con sus últimas temporadas. Es probable que un producto de semejantes dimensiones ya estuviese condenado a un final insatisfactorio, pero lo cierto es que la recta final no podría haber dejado más controversias. Es precisamente en estos instantes en los que, en pleno frenesí bílico, quizás convenga hacer una pequeña retrospectiva y contemplar su reinado, uno de hielo, fuego y cenizas.

Hielo

Hielo: Si algo nos ha acompañado desde los inicios de la serie, ha sido el frío. Todo dio comienzo con los Stark, los buenos, una familia honrosa y bienintencionada que nos acomodó en un universo de fantasía, cargado de increíbles paisajes y leyendas con dragones, dándonos una falsa sensación de tranquilidad: “un cuento más”. Pero los Stark no son los protagonistas en vano, son nuestro vehículo de inmersión, el contraste necesario para que la serie consiga subvertir unos valores que han sustentado y guiado siempre la mayoría de historias del género, uno especialmente cerrado y anquilosado.game of thrones pop up erstaurant red online

Juego de Tronos es fría y despiadada, y eso es lo que busca desprender desde su planteamiento inicial: una buena familia atrapada en medio de un mundo desalmado, un mundo que, aunque fantástico, es profundamente real. No es casualidad pues que los Stark vivan en el norte, en Invernalia, rodeados de un intenso frío que cala hasta los huesos, un entorno feroz y sin clemencia en el que ellos se empeñan en vivir. Los Stark son la esperanza en un mundo paranoico, distinto pero curiosamente cercano, despiadado pero sin perder coherencia, Juego de Tronos era una fantasía sustentada en la fría realidad, y eso es lo que la hizo destacar.

Fuego

Fuego: Aquellos productos verdaderamente revolucionarios, son aquellos que de un modo u otro, rompen con lo establecido. Juego de Tronos sacudió las convenciones de la fantasía, y el fuego y el frenesí entre los espectadores, no tardaron en aparecer. Pocos hubieran dicho en su momento que cuatro guerreros y unos cuantos dragones serían capaces de revolucionar el mundo como lo han hecho, pero la serie se convirtió en todo un fenómeno de masas. Temporada a temporada, su universo crecía y se enriquecía, rompiendo y creando nuevas dinámicas, explorando relaciones entre personajes y sentando las bases de épicas confrontaciones movidas por la vanidad y el ego.game of thrones

Juego de Tronos consiguió aglutinar en un esquema oxidado algo para todo el mundo: asesinatos, dramas, romances, batallas… La serie se expandía y la bola seguía haciéndose más grande y con ella, nuevos adeptos se sumaban al fenómeno a la vez que Daenerys, reina de infinitos apellidos y ama de lagartijas aladas, empezaba su particular periplo en busca de la liberación de los esclavos y en pos de un reino más justo. Tras la dispersión y exilio de los Stark, fue ella la chispa de la esperanza, una nueva y distinta llama, una de dragón, con el potencial para iluminar el camino, pero demasiado inexperta y joven como para hacerlo.

Cenizas

Cenizas: Quizás el inevitable destino de todo fenómeno de masas, ya que hoy en día parecen estar destinados a la amargura de la insatisfacción o a la desidia de la repetición eterna. A estas alturas Daenerys ya ha criado a unos dragones de considerable tamaño y las posibilidades los Stark para volver a reinar son esperanzadoras, pero un terrible mal se ha ido gestando durante todo este tiempo, uno particularmente frío. La serie ya está consolidada como uno de los grandes acontecimientos televisivos de la historia, pero el final está cerca, tanto como el Ejército de la Noche. Como ya pasó con Perdidos en su día, el ansia de expandirse y explorar, malcrió a unos guionistas que poco se plantearon la clausura y, para cuando se dieron cuenta, se quedaron sin tiempo y sin libros.

Perdidos en el absoluto abismo y con una cantidad de dinero nunca visto en televisión, Juego de Tronos empezó a tambalearse en los momentos de mayor presión y, sin nada en lo que poder inspirarse como habían podido hacer antes, cayeron en el recurso fácil: el fan service. Con un retoño del tamaño del Empire State Building, escogieron la vía de tratar de contentar al espectador, poniendo una tirita en una herida supurante que, con el tiempo, no controlaría el sangrado. Todo empezó con el regreso de Jon Snow, pero por la cercanía a las cinco previas temporadas, pasó desapercibido. Con la forzada contrarreloj, el tamaño de tramas y subtramas los superó y quisieron encarar un final demasiado rápido, sacrificando con el paso de las temporadas la credibilidad y complejidad de los personajes, haciendo de una serie coral e impredecible, algo lineal y con unos pocos protagonistas.El capítulo 5 de la última temporada de Game of Thrones es el peor pero el de mayor rating

Quisieron mantener viva la llama de lo que antaño marcó su serie, pero el fuego se estaba apagando y los pequeños giros e intentos por mostrarse despiadados carecían de potencia, pues no es tanto el hecho de las muertes de personajes importantes o improbabilidad de determinados acontecimientos, lo que de verdad calaba en el espectador era que, a pesar de no haberlos visto venir, tenían un sentido aplastante. Y eso es precisamente lo que le ha faltado a esta temporada: sentido. Unas últimas temporadas secas y apresuradas, faltas de mimo y armonía que tan solo han dejado las cenizas del fuego que antaño ardía.

Juego de Tronos ha sido sin duda una de las grandes series de la historia del medio. Nunca antes se había visto en televisión unas producciones de dimensiones cinematográficas a lo blockbuster. Ha sido una serie que ha contribuido a cambiar la percepción social acerca de lo que es capaz la pequeña pantalla y son muchos los adeptos que ha conseguido sumar. Pocas veces un culebrón ha llegado a semejante envergadura y ha logrado romper tantas convenciones y clichés de un género. Le debemos mucho a Juego de Tronos y, por mucho que nos duela, tenemos que aceptar el desenlace que ha tenido y no firmar una petición para que vuelvan a hacer el final. Seamos consecuentes y aceptemos la realidad pues, como bien plasmó la serie en sus inicios, la vida es fría e insatisfactoria.ned stark 1920

Reseña de El Planeta de los Simios: Visionarios, de Panini

La novela gráfica que nos ocupa es para los fans de la mitología del planeta de los simios una compra obligada. Este cómic está basado en el guion original que Rod Serling escribió hacia la segunda mitad de los años 60 para la futura película que protagonizaría Charlton Heston. Al final, debido a la forma en que planteaba una sociedad de simios tecnológicamente avanzada y que hacía pasarse de los 5 millones de dólares con los que se contaba de presupuesto provocó que su guion fuese reescrito por lo que poco quedaba del relato original que a su vez se basaba en la novela de francesa La Planète des singes, escrita por Pierre Boulle y publicada originalmente en 1963.

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Portada de la primera edición americana de El planeta de los simios (1963).

Pero en agosto de 2018 los fans del planeta de los simios tuvimos la suerte de contemplar por fin las ideas que Serling tenía en mente. Nos llegó en forma de cómic gracias al sello de Boom! Studios y bajo el impulso de 20th Century Fox como uno más de los actos de celebración del cincuenta aniversario de El Planeta de los Simios. El guion de Serling ha sido trasladado en escritura por Dana Gould (Los Simpson, Stan Against Evil) y dibujado por Chad Lews (Avengers Origins). Tras leer el cómic, solo puedo decir que no había mejor pareja para ver por fin este «Visionarios».

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Reservas a la hora de acercarse al cómic.

Entiendo que para muchos lectores acercarse a la historia primigenia del mundo de El Planeta de los Simios pueda resultar perezoso, una vez disfrutado el clásico de 1968 de Franklin J. Schaffner y haber visto las múltiples secuelas, reinterpretaciones y reboots que hemos tenido a lo largo de estos 50 años. Yo personalmente como gran admirador que soy del filme original y tras haberla devorado en varias ocasiones, cuando me enteré de que Panini traía a España el cómic que adaptaba el guion que nunca vimos en la gran pantalla de Rod Serling, no dudé de tenerlo entre mis manos. Contemplar las ideas originales, como funciona la creatividad para crear nuevos mundos y civilizaciones es un aspecto que no podía dejar pasar. Tenemos la oportunidad de ver las ideas de Serling, aunque sea en forma de viñetas y eso es mucho.

El cómic: Aspectos diferenciadores respecto al filme original.

Ya lo decía al principio. En 1963 sale a la luz la novela y pronto 20th Century Fox comienza a preparar la película. Para la adaptación de la obra piensan en una de las mentes más creativas del momento en lo que a ciencia ficción nos referimos, Rod Serling. Un genio televisivo que a finales de los 50 estrena para la pequeña pantalla el serial La Dimensión desconocida ( The Twilight Zone) 156 episodios que se emitieron entre 1959 – 1963  en la cadena CBS (USA).

A partir de aquí aludimos al cómic. Tenemos tres astronautas, siendo nuestro protagonista Thomas, que en la película es interpretado por Charlton Heston con el nombre de Taylor. Tras sufrir un accidente en la nave en la que viajan, la hibernación a la que estaban sometidos los astronautas es interrumpida. Tras salir de la estropeada nave se encuentran a unos humanos que recuerdan demasiado a los prehistóricos, hasta en la forma de comunicarse. La sorpresa es mayúscula cuando Thomas y sus compañeros son apresados por simios. Aquí los simios, a diferencia de la película, visten normal y conducen automóviles, comportamientos muy humanos. Además viven en ciudades que también recuerdan a las nuestras amen de manejar tecnología ciertamente avanzada. Nada que ver en este sentido con el filme donde vemos que los simios viven en chozas.

Cuando Thomas habla el lenguaje de los simios (que es el humano) la historia cobra una mayor relevancia. ¿Quién es? ¿Cómo sabe comunicarse igual que ellos? Conocemos también al Doctor Zaius un malvado personaje que recuerda al de la película. Es en la parte del yacimiento donde encuentran un cementerio humano, donde la maldad de Zaius es revelada al madar destruir el yacimiento y matar a Thomas. El final de la historia es igualmente impactante, cuando Thomas descubre la verdad de donde está. Uno de los mejores finales que nos ha dejado la ciencia ficción.

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Valoración final.

Personalmente he disfrutado del cómic. Le pasa como a Fahrenheit 451 y su reciente adaptación de HBO. Son dos historias distópicas muy clásicas y atrayentes pero que han sufrido múltiples remakes y reinterpretaciones con el cansancio que puede conllevar para el que los disfruta. Ocurrió con Fahrenheit y ese esperpento de película que nos llegó de la mano de la HBO. No obstante a la franquicia de los simios no se le puede achacar lo mismo y es que recientemente hemos tenido en el cine una excelente trilogía y el cómic que hoy os traigo es una delicia tanto visual como argumental. No conocía ni a guionista ni a dibujante y si bien ambos me han gustado, el aspecto visual es lo que más me ha convencido. Un dibujo, el de Chad Lewis, realista y que evoca en cierta medida a la ci-fi retro.

Podéis comprar el cómic pinchando en el enlace a Panini, aquí.

Un saludo y sed felices.

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True Detective Temporada 4. ¿Qué sabemos hasta ahora?

True Detective es una de las series de oro de HBO, así como una de las mejores y más impactantes series detectivescas del panorama actual. Tras el estreno de su tercera temporada este 2019, con interesantes datos de audiencia y una crítica mucho más favorable que en su segunda temporada, todos nos preguntamos qué ocurrirá ahora. ¿Está Pizzolatto, su creador, preparando algo nuevo? ¿HBO a favor de una cuarta entrega? Pues las noticias son buenas, ya que podríamos tener una continuación próximamente.

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Nic Pizzolatto en el set de grabación de True Detective

Nic Pizzolatto presentó a HBO en 2013 el guión de la que se convertiría en la primera temporada de la antología, con un inolvidable Matthew McConaughey y una deliciosa ambientación mística en los oscuros y escabrosos bosques estadounidenses, y la plataforma no tardó en darle el visto bueno. Poco después de su estreno y temprano éxito, decidieron renovarla por una segunda temporada presionando a Pizzolatto para que escribiera un nuevo capítulo de la antología. Las prisas no fueron buenas y la serie se canceló en 2015. Pero poco después, su creador tuvo una interesante idea que decidió plasmar sobre el papel y presentar a la cadena estadounidense. Confiaron en ese nuevo guión y dieron luz verde a una tercera entrega de True Detective. Aquí tenéis los análisis a todos los capítulos.

Ahora toca esperar a que Pizzolatto escriba algo nuevo, ojalá alejándose de su primera temporada y no volviendo a caer en los errores de la tercera, y a que HBO vuelva a apostar por él. Pero ya han ido dejando detalles acerca de sus planes.

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Palabras de HBO

La directiva de HBO ya se pronunció en una entrevista hace apenas un mes al respecto. Según Casey Bloys, presidente de programación de HBO, no hay ningún proyecto en marcha, pero dijo que están a la espera de que Nic proponga una idea: «Con la tercera temporada, nos mostró guiones que fueron geniales, y es por eso que decidimos hacerlo. Así que ahora esperaremos a ver qué está pensando [Nic Pizzolatto]». Son conscientes de que Nic está trabajando en algo pero hasta el momento solamente él sabe en qué: «No he visto nada. Creo que tiene algunas ideas, pero no ha acudido a nosotros con nada».

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Palabras de Nic Pizzolatto

Pizzolatto reconoció a Entertaiment Weekly que tenía varias propuestas. La primera de ellas es una con la que él en particular está muy entusiasmado: «Tuve esta idea, y para mí, creo que es una idea muy fuerte, y sería algo que nunca antes había visto en la televisión». Estas son palabras que albergan algo de esperanza para los fans que creemos que tras la falta de originalidad y bajón de la tercera temporada, la antología necesita remontar para afianzarse de nuevo como uno de los productos estrella de la televisión.

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Sin embargo, esa idea no es lo único que Pizzolatto baraja: «Pero desde entonces, he tenido otra idea de la que he hablado con un actor, y para mí eso sería lo más emocionante que podríamos hacer con True Detective». Sinceramente, esto ya no me entusiasma tanto. Imagino que el actor en cuestión es nada más y nada menos que Matthew McConaughey, y propone traerlo de vuelta en un nuevo capítulo de la antología. ¿Por qué no me gusta? Porque soy de los que cree que eso ya es agua pasada. La primera temporada tuvo un éxito irrepetible, y no por recuperar al actor y querer copiar lo que funcionó hace unos años vamos a poder ver algo de calidad. Espero estar equivocado, esperanza que apoyo en las palabras del propio Nic: «Podría ser una serie diferente, tal vez una película». Si bien podría haber una película protagonizada por el detective Rust Cohle, es imposible que hagan una serie nueva con él.

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Al respecto de su idea estrella, con la que nos contagia la emoción, dice: «realmente quiero hacer [esa idea] para la temporada cuatro», «creo que sería realmente genial para los fans». Pero también manifestó que no cree que vaya a poder logar hacerlo y convertir su idea en una realidad.

¿Qué opináis al respecto? ¿Creéis que True Detective debería cerrar con su tercera temporada o merece algo más?

Sed felices.

 

Reseña de He-Man y los Másters del Universo Vol. 01

Introducción

Entre los meses de abril y mayo ECC Cómics publicó en un tomo el primer volumen de He-Man y los Másters del Universo. He-Man and the Masters of the Universe es una serie limitada de seis números, con la que DC Comics vuelve a encargarse en 2012 de llevar a las viñetas a la famosa franquicia juguetera de Mattel. La primera vez fue en 1982.

A dicha serie limitada, le precedieron 8 cómics, publicados ese mismo año para el formato digital, a modo de presentación del contexto de los Másters del Universo, a través de algunos de sus personajes. El primero de los cuales se ha publicado al principio de este tomo, tal y como está recogido en el primer paperback americano de esta cabecera. Los demás se encuentran en los siguientes paperbacks por lo que es de esperar que podamos ir leyéndolos una vez que ECC los vaya publicando.

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Breve presentación de los Másters del Universo

Quien más quien menos a leído o visto historias de la que fue una de las franquicias más conocidas y rentables de la empresa Mattel, durante la década de los ochenta, así que mi presentación de la misma será breve. Hacia el año 1981, Roger Sweet diseñó para la empresa estadounidense de juguetes Mattel una linea de muñecos que, entre otras particularidades, incluían unos minicomics. En dichos minicomics se explicaban que estos personajes habitaban en un planeta llamado Eternia, gobernando por el Rey Randor y la Reina Marlena, la cual había sido una astronauta terrestre.

Eternia poseía la particularidad de ser un mundo en el que se combinaba la fantasía heroica con la ciencia ficción, por lo que todos los personajes, armas, vehículos, maquinaría y lugares que se presentaban combinaban un poco de ambas cosas. El personaje principal era el valeroso He-Man quien combatía al malvado y tiránico hechicero Skeletor para impedir que se hiciera con el control de Eternia. Tanto uno como otro contaban con sus respectivos aliados y con todo tipo de variopinta parafernalia para así vender el mayor número de productos a los niños. De ahí que las tramas contenidas en dichos minicomics fueran muy simples. Era el bien contra el mal y todos tenían muy claro en que bando estaban, así como sus funciones y objetivos.

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Aún con esta premisa tan simple o, precisamente gracias a ella, la franquicia de  los Másters del Universo fue un éxito inmediato, que se adaptó rápidamente a otros formatos. Principalmente el audiovisual, con varias series de televisión, e incluso se llegó a hacer una olvidable película. También videojuegos y comics-books. A través de todo este material fuimos sabiendo que Skeletor había sido Keldor, el hermanastro mestizo del Rey Randor. Keldor trató de dar un golpe de Estado para hacerse con el control de Eternia. No lo consiguió acabando gravemente herido y desfigurado. Para recuperarse pidió ayuda al malvado gobernante de la dimensión de Etheria, Hordak. Hordak lo curaría y sería su maestro en la magia oscura, convirtiéndolo así en Skeletor. A partir de ese momento Skeletor sólo ambicionaría desentrañar los secretos del Castillo de Grayskull para aumentar sus poderes mágicos y así volver a intentar conquistar el reino de su padre.

El Castillo de Grayskull era la residencia del Rey de Grayskull, un antiguo gobernante de Eternia, antepasado de Randor y Keldor, que moriría impidiendo que Hordak se apoderara de su mundo. Su esencia quedaría contenida en la espada mágica que había forjado para la batalla y su esposa se convertiría en la primera Hechicera de Grayskull, la guardiana del saber de dicha fortaleza. Sería una de las descendientes de esta última la que entregaría la llamada «Espada del Poder» al hijo de Rey Randor, al Principe Adam, para defender Eternia de nuevo. De manera que cuando Adam invocaba el poder de Grayskull se transformaba en He-Man, un ser humano de prodigiosa fuerza, cuya apariencia recordaba al Rey Grayskull.

Esta y otras tramas se iban deslizando a través de las series y de los cómics, pero de forma dispersa, sin demasiado orden. Se echaba de menos una trama central bien elaborada que sirviera de base para el desarrollo de los personajes. Cuando, en 2012, se anunció que DC Comics volvía a hacerse con los derechos de los Másters del Universo y que el guionista de los mismos iba a ser James Robinson, todo hacía presagiar que eso iba a cambiar. Y más con las promesas de Robinson de que iba a convertir a Skeletor en un villano de altura.

Valoración de He-Man y los Másters del Universo Vol. 01

He-Man y los Másters del Universo Vol. 01 empieza fuerte. Tenemos a un Skeletor convertido en dueño absoluto de Eternia, a la que gobierna desde su base de operaciones en el Castillo de Grayskull. Allí tortura a la Hechicera para que le desvele el poder del Castillo, el poder que canalizaba He-Man a través de su espada. Sin que Skeletor se de cuenta de ello, la Hechicera envía su forma astral, con la apariencia de un halcón, para despertar los recuerdos del Principe Adam. Adam vive como un leñador, ignorante de su pasado como He-Man. Esto ha sido obra de Skeletor quien, gracias a un enigmático artilugio con forma de calavera, ha conseguido borrar la memoria a todos los Másters del Universo.

El caso es que esta idea de James Robinson no entusiasmó mucho a los lectores y las críticas de los mismos hicieron que DC lo sustituyera en los guiones por Keith Giffen. Aunque ni uno ni otro se encuentran en su mejor momento creativo, ambos se han caracterizado, en el Universo DC, por la construcción de tramas complejas, a la par que accesibles, poniendo siempre el peso de las mismas en una buena caracterización de los personajes, dado el conocimiento enciclopédico de los mismos y de su historia. Pero, además, resulta que Giffen es friki de los Másters del Universo así que se podría considerar el cambio como acertado. No es así. Hay una trama mínima pero los acontecimientos por medio de los cuales se desarrolla están muy cogidos por los pelos. Hay comentarios a acontecimientos que no tienen lugar en ningún lado, cosas que hay que dar por sentadas, por no estar demasiado bien explicadas, y situaciones que ocurren porque tienen que ocurrir para que avance la aventura. Estamos de acuerdo en que hay unas reglas de juego por las que, en cómics de este tipo, el bien siempre acaba ganando al mal, pero un buen equipo creativo ha de ser capaz de que el lector o lectora ponga en suspensión su incredulidad, dándole así la sensación de que todo puede ocurrir. En esta ocasión no pasa. Se nota un intento por hacer algo más sofisticado que la media, en lo que a los Másters del Universo se refiere. Pero, al final, tenemos un producto que acaba pareciéndose más a los minicomics y cómics tradicionales relacionados con la franquicia de lo que sería deseable. Por lo que hará las delicias de los que ya son frikis de los Másters y poco más.

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Tampoco el dibujo ayuda. Philip Tan y Pop Tan no son, precisamente, los mejores dibujantes de la industria. Aunque es comprensible. No creo que ningún dibujante hot haga cola por dibujar He-Man y los Másters del Universo. Aunque hay que decir que, visto lo visto en los tebeos del pasado, estos artistas logran hacer un producto mínimamente digno. Pero digo lo mismo que con el guión. No parece destinado a atraer a nuevos lectores sino a tratar de satisfacer a los aficionados y/o nostálgicos de este universo. Una pena. Es una ocasión pérdida para darle más complejidad a una franquicia cuyo desarrollo ya no está condicionado por la venta de muñecos. Aunque los comentarios que me llegan de las historias de Dan Abnett, en posteriores volúmenes, son prometedores, así que conservaré la esperanza hasta el final, que esto es el comienzo.

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Crítica de Aladdin: Vuelve el mayor ladrón de Agrabah

Todos conocemos  el clásico Aladdin, su espectacular banda sonora a cargo de Alan Menken y a todos sus carismáticos personajes.

Tras ver los tráilers muchos teníamos la mosca detrás de la oreja cuando se dejó ver una película con cambios drásticos como un nuevo atuendo o un Abu que no acababa de convencer. Pero ante todo, lo que más miedo podía llegar a dar, era la aparente sensación de que «naturalizar» todo aquello captado en la fantástica animación de la primera película, podía dar lugar a un mundo sin magia o demasiado real como para parecer una película de Disney.

Todos nos reímos con lo que parecía, en una desafortunada imagen, un genio lleno de anabolizantes. Y es curioso echar la vista atrás y recordar estos meses donde, al menos yo, pensaba que me iba a encontrar a algo que posiblemente no me llevase de nuevo a ser ese pequeño chaval que tarareaba las canciones.

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A la hora de la verdad, no puedo estar más contento con el resultado final de la película. No solo es una película idónea para ver con lo más pequeños que no conocieron la original en su dia, si no también para recordar cómo fue esta y disfrutarla de nuevo porque si bien no es igual a el clásico de Disney y se han reinterpretado muchas cosas, si conserva la esencia de esta primera.

Mena Massoud es un fantástico Aladdin, es carismático, expresivo y capta toda aquella bondad que definía a el protagonista. Pero si de algo hay que hablar es de una fantástica elección de casting como es Will Smith como genio. Smith calca, y para bien, la energía, positivismo y diversión que ofrece este personaje cada vez que aparece en pantalla. Ambos personajes, y sobretodo Aladdin, siguen de forma lineal el desarrollo de acontecimientos del clásico de Disney, y si bien, en ciertos momentos no aportan nada nuevo  ni nada que no hubiésemos visto en esta nueva película, esta tampoco lo pretende pues se centra más en su divertida puesta en escena que en la historia que ya todos sabemos.

Es destacable también, el vestuario que aparece en pantalla. Con múltiples representaciones de cada personaje además de una figuración que, con el ya mencionado vestuario, llenan la pantalla de luces y colores. Todo esto junto con las coreografías, conforman un buen espacio de entretenimiento y con miles de detalles. También se podría hablar, desde otro punto de vista, de como toda esa suma de vestuario llena la pantalla. En diversos momentos, toda la caracterización llena la escena de forma abrumadora, e incluso con una estética similar a lo que podría ser una fiesta de disfraces, dándonos una Agrabah irreal y estereotipada, sin embargo, prefiero verlo de una forma positiva, aunque siempre destacando que algunos trajes no estan a la altura de ciertos personajes, Jafar entre ellos.

También se debe hablar de una reestructurada banda sonora, que de nuevo recoge las mismas canciones y añade alguna más para Jasmín. Esta banda sonora es bastante acertada y junto con los bailes, tiene una puesta en escena espectacular, pero también hay que reconocer que, al menos en la versión doblada al español, alguna de estas canciones han sido algo edulcoradas dándonos lugar a algunos momentos algo empalagosos.

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La reinterpretación del guión original es evidente, dando un nuevo trasfondo a personajes como El genio, la criada o incluso Jafar, este último es igual, uno de los que peor caracterización tienen, más por temas estéticos que de actuación, una actuación en la que no destaca como Will Smith ni en la que tampoco impone tanto como el Jafar original.

Y es imposible evitar las comparaciones. Es difícil reinterpretar grandes obras de tal forma que conformes una lo suficientemente grande para que no sea eclipsada por la original. Es cierto que hay personajes como Jasmín, que no son como recordamos (lo cual no tiene porque ser algo malo) y, esta última por ejemplo, es la que cuenta con un nuevo enfoque más feminista que no le sienta nada mal al personaje, pero hay veces que se nota cuando el planteamiento de algunas escenas está algo sacado de contexto o metido con calzador. Y es que esos planteamientos, si se hubiesen desarrollado más a la hora de definir los personajes, igual no los encontraríamos tan bruscos.

Por último se debe hablar de los efectos especiales, los cuales, en ciertas escenas, no están a la altura de un presupuesto de 181 millones de dólares. Unos efectos que si en principio son resultones y muestran una serie de apariciones estelares del genio, en ciertos momentos de la película, nos dejan ver a un Abu un poco extraño o a el ya mencionado genio con anabolizantes que en temas de diseño no está muy bien logrado. Además cabe destacar que podemos encontrar alguna parte de la película donde los cromas cantan demasiado o donde podemos ver algún brazo medio recortado del genio.

En conclusión, Aladdin ha vuelto, y es una película que, aun teniendo sus fallos, es totalmente disfrutable para todos aquellos amantes del clásico animado, los musicales y para los más pequeños de la casa. Es más, si algo debo destacar de la sala de cine donde vi la proyección, son las risas y caras de ilusión de los niños que, junto a mi y muchos adultos más, disfrutaron de la película como lo hicimos los demás en su día.

Reseña de La Auditora. La ciencia ficción desde la perspectiva de Jon Bilbao y Javier Peinado

Fascinante, original y profunda, una prueba más de que Jon Bilbao es uno de los mayores talentos de la literatura en nuestra lengua, esta vez soberbiamente complementado con el excelente dibujo de Javier Peinado. Una obra absolutamente recomendable para cualquiera con ojos en la cara.

Paco Plaza

…Bienvenidos a la primera distopía burocrático-onírica patria, cazamascotas y teletransportadores incluidos.

Laura Fernández

Introducción

En Mayo de 2019 Astiberri publicó La Auditora. Una peculiar novela gráfica de ciencia ficción obra del guionista asturiano Jon Bilbao y del dibujante madrileño Javier Peinado, cuyas biografías son incluidas en el tomo a modo de extras.

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¿De qué va La Auditora?

Esta historia va de Mar, una auditoria de la compañía multinacional Robot System, enviada a un pueblecito para investigar si, entre sus habitantes, hay alguna inteligencia artificial escondida. Como suele ocurrir en los lugares pequeños, su presencia no siempre será bien vista y más considerando que su tarea es indagar en las actividades de algunos vecinos de la localidad. Lo que producirá cierto miedo y hostilidad, así como cierta presión por la familia que dirige todo el cotarro empresarial de la zona, que quieren que la auditora termine pronto su trabajo y se marche, para que su presencia no mine su autoridad y prestigio en la zona.

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Por si todo esto no fuera suficiente, Mar también tiene que lidiar con el particular temperamento de su compañero de trabajo, la computadora Automedonte.

Nuestra protagonista tratará de sobrellevar todo esto con la promesa, por parte de Robot System, de que si lleva a cabo este trabajo de forma exitosa será trasladada a otra ubicación con un puesto que le permitará pasar más tiempo con su hijo.

Valoración de La Auditora

En la introducción he escrito que La Auditora es una peculiar obra de ciencia ficción. Desde mi punto de vista lo es porque esta distopía se aleja de uno de los tópicos del género, en el que la acción o el desarrollo de la historia suele tener lugar en una gran urbe que se encuentra a muchos siglos de distancia de nuestro tiempo. En La Auditoria no se da ese contexto futurista sino que la historia tiene lugar en nuestro siglo, en el Siglo XXI. Se puede decir que la expresión el futuro ya está aquí cobra todo su sentido en La Auditora. Sus autores se toman la licencia de hacer avanzar a la robótica hasta tal punto que Robot System puede fabricar autómatas con tal perfección que son indiferenciables de los seres humanos. Esto no será bien visto por estos últimos, que los rechazaran. Circunstancia que llevará a la creación de plataformas sociales a favor de los derechos de los robots.

Para evitar futuros conflictos sociales Robot System abandona la producción de este tipo de robots. Pero no tiene ya control sobre los ya creados, que circulan libremente por el mundo. Muchos de los cuales, fueron adquiridos por las mencionadas plataformas sociales en su defensa, que los liberaron y suelen prestarles ayuda para su mantenimiento, de forma clandestina. Siempre con el noble propósito de facilitarles el poder vivir una vida normal entre los humanos.

Este mundo, que la periodista Laura Fernández describe como retrofuturo, es usado por Peinado y Bilbao como triste recordatorio del desbarajuste existente entre nuestro desarrollo científico técnico y nuestro desarrollo social. Parece que por mucho que la humanidad desarrolle nuevas tecnologías con el propósito de facilitarle la vida, eso no lleva necesariamente aparejado una mayor tolerancia o respeto hacia el otro, hacia el diferente, al que piensa de otra forma. A veces, ya ni se consigue una mayor calidad de vida. Ya, en la misma obra, a través de sus personajes, se nos muestra problemas que continúan siendo propios de nuestro tiempo, como la difícil conciliación entre la vida familiar y laboral, las promesas y expectativas laborales que luego resultan ilusorias, así como la explotación de seres humanos en pueblos fábricas altamente contaminantes, por una minoría privilegiada que sólo los ve como números. Por no hablar del miedo a que el otro, el androide, que bien podría ser una metáfora del inmigrante, me quite el trabajo.

 

https://www.youtube.com/watch?v=8pwbYyC4rUg

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Crítica de El hijo. Pervirtiendo el mito de Superman

En Hollywood hay una alarmante escasez de ideas que produce la sobreexplotación de algunos géneros como el de las películas de superhéroes. Pero la abundancia de estas producciones tiene un lado bueno. Así se puede empezar a ver películas que mezclan a los superhéroes con otros géneros, algo que en los cómics se lleva haciendo desde siempre.

El hijo es un gran ejemplo de esta mixtura de géneros. Por un lado es una historia de superhéroes y por otro es una película de terror. Una mezcla que funciona de mano de David Yarovesky, un director poco conocido que se apoya en un guion de Brian Gunn y Mark Gunn, hermanos del conocido James Gunn. El director de Guardianes de la Galaxia ejerce en este caso de productor.

La idea que se esconde detrás de esta película es singularmente atractiva. Se trata nada más y nada menos de una perversa revisión del origen de Superman. Una pareja de granjeros de los EE UU no puede tener hijos y una noche se estrella en su granja una nave espacial en la que se encuentran un bebe que deciden adoptar. Pero cuando el niño cumple doce años empieza a cambiar, comportándose de manera cada vez más extraña a la vez que descubre que tiene superpoderes. Este descubrimiento hace que el muchacho se vuelva un personaje oscuro y retorcido que no duda en acabar con todo el que se interpone en su repentino deseo de dominar el mundo.

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El cartel de El hijo

 

Estamos ante una película llena de guiños a los cómics en general y a los de Superman en particular (Brandon tiene su propia Lana Lang y atención a cuando su madre le dice al niño que está destinado a ser alguien especial y muy importante por el mundo). La escenografía y la fotografía están bien trabajadas, sobre todo a la hora de mostrar en toda su crudeza y violencia la locura de Brandon, con un toque de realidad y suciedad que sientan como un guante a la cinta (algo muy meritorio teniendo en cuanta el escaso presupuesto disponible).

El joven Jackson A. Dunn da vida a Brandon, el niño protagonista y lo hace manera muy solvente. Al principio se muestra como un personaje adorable, que vive una feliz vida de granjero en la América profunda. El actor va cambiando la expresión, la manera de moverse y de mirar de Brandon mostrando su descenso a los infiernos de manera muy interesante.

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El inquietante protagonista de El Hijo

La trama tiene varios temas complejos. El primero es la atractiva idea de que pasaría si Superman hubiera sido un villano en vez de un héroe. El joven Brandon es un sosias del Clark Kent que todos conocemos y amamos, pero en este caso, nuestro protagonista se tuerce y usa sus poderes para matar y asesinar de la manera más escalofriante posible. La película vira en ese momento al más puro genero slasher, con asesinatos cada vez más truculentos. Yarovesky muestra sus virtudes al hacer que esta transición desde una típica historia de orígenes a una de terror se haga de manera gradual y con buen ritmo.

Otro asunto que llama la atención es la trasformación del protagonista. Contra lo que podía esperarse en un primer momento, Brandon vive en el seno de una familia feliz. Su padre y sobre todo su madre le quieren y le dan todo el cariño del mundo. Su paso al “lado oscuro” no viene dado por una infancia disfuncional o infeliz. Es la propia naturaleza extraterrestre del niño la que hace que se vuelva malvado, algo que un espectador atento puede anticipar en varios momentos de la primera mitad de la cinta. Es muy acertado que esta metamorfosis coincida con la pubertad de Brandon, subrayando que es una época de cambios que en este caso se llevan al extremo.

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Brandon le coje el gusto a la sangre

También es interesante su reflexión sobre la maternidad. Elizabeth Banks encarna a la madre del protagonista, una mujer que tiene tantas, tantísimas ganas de tener un hijo que no duda en adoptar un bebe extraterrestre que no sabe de dónde viene ni que intenciones pueden esconderse detrás de su llegada a la Tierra. El deseo de ser madre es algo superior a todo lo demás, casi una debida obligación. Incluso cuando Brandon empieza a dar muestras de su maldad, su madre sigue protegiéndolo mientras su padre, un solvente David Denman, hace lo que puede ante la situación que se le viene encima. El núcleo familiar y las interpretaciones de los tres actores es una de las grandes bazas de la película.

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Recogiendo un bebe de una nave espacial como si nada

Cuando la película se vuelve decididamente terrorífica el director no tiene miedo en mostrar escenas de gran crudeza, muy cerca del gore. Esto es un acierto a la hora de darle personalidad a la película. El único problema es que una vez que Brandon se pone a matar gente la historia se vuelve un tanto repetitiva.

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Un cristal clavado en el ojo de una de las víctimas de Brandon es el principio del descenso al gore de la película

El hijo es una entretenida película, con una gran idea de partida y un correcto desarrollo que se ve mejorada por una acertada puesta en escena y unas buenas interpretaciones de los actores principales. Te mantiene en tensión hasta un final que no vamos a destripar para que así vayáis a ver una cinta que marida perfectamente el género superheroico con el de terror.

Sangatsu no lion, cuando lo japonés se palpa

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Buenos días queridos lectores, y bienvenidos a esta nueva entrada donde hablaremos de una fantástica obra tanto en papel como en pantalla, aunque nos centraremos en esto último. No hablamos de otra que de la aunque ampliamente reconocida por su calidad, poco vista Sangatsu no lion o March comes in like a lion. Una obra no sólo atípica en sus formas, sino también en lo que es: un spokon, anime de deportes, sobre el shogi. El ajedrez japonés, vaya.

Pero seamos sinceros, el shogi es una simple excusa para hacer un genial, conmovedor, realista y detallado desarrollo de personajes, sorprendentes sobre todo por la cantidad de sujetos que hay y por lo realista de su situación. Para que nos entendamos un poco mejor, os resumiré su sinopsis brevemente. Kiriyama Rei es un chico que estudia preparatoria tímido, que siempre está solo y padece, por lo que podemos ver, una profunda depresión. Lo único que le mantiene conectado con la realidad y que le empuja a salir a adelante es el shogi, ya que de hecho es un prodigio que se convirtió profesional en secundaria y con lo que se gana la vida. Cuando conoce a una familia que le acoge y con la cual empieza a intimar empezará a cambiar y ver la vida de otra manera, al mismo tiempo que conocemos a a sus adversarios y sus respectivos desarrollos a la vez que todas estas relaciones se van entrelazando.

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En primer lugar aclarar que esta es una serie es un slice of life de corte realista y maduro. No hay acción, hay una comedia muy velada y se centra en cómo los personajes evolucionan enfrentándose a sus respectivos demonios internos. Hasta aquí, podrías pensar, parece una serie como muchas has podido ver, pero nada más lejos de la realidad. Si bien es cierto que un slice of life realista que se centre en sus personajes no es tan raro de encontrar, las características particulares de esta obra hacen que sea algo único en su género, y no me refiero a otra cosa que a lo japonés que es, lo absolutamente plausible que es en el contexto y lugar en el que se desarrolla esta historia. En primer lugar, la autora de este manga quiso centrarse en retratar de forma lo más fehaciente posible el mundo del shogi además de que no alejarse de la cultura japonesa en ningún momento. Así vemos cómo se habla constantemente de esta cultura, a través de su cocina(tema recurrente), festividades, costumbres, tradiciones, lugares comunes, lenguaje, educación o el propio shogi. Pero lo más interesante y lo que realmente hechiza es que se plasma el pensamiento japonés a la perfección, a las conclusiones a las que llegan sus personajes, la estructura mental que les ha formado su cultura y que tan diferente es a la nuestra, y además siendo representada con una elegancia y fluidez pasmantes, por lo que es doblemente bueno.

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Supongo que alguien que ha leído el suficiente manga o anime enseguida se da cuenta de que éste fenómeno se repite, y creo firmemente que este es uno de sus grandes encantos, darse cuenta de lo diferente que es el manganime. En todo. Como si viniese de otro planeta. Pero aunque esto no deje de ser cierto, muchas de las obras de mayor éxito se encuentran más o menos occidentalizadas, cosa que en Sangatsu no lion no pasa. Conclusiones a las que nuestros personajes llegan y que a pesar de no ser tontas o de incluso ser profundamente brillantes jamás se nos habrían ocurrido porque para ello hay que pasar por unos puntos que consideremos inaceptables. Y no por considerarlos despreciables ni nada parecido, sino porque son posibilidades que no contemplamos desde nuestra cultura. Siempre me ha dado la impresión de que aquello que caracteriza al país nipón es su transparencia, su sinceridad y su realismo, y es curioso que ello se halle tras un inmenso muro de imposición y represión autoimpuestos. ¿Puede ser que precisamente esa falta de contraste, de apertura, de dar tu opinión, esa férrea convicción de encerrarse en uno mismo porque es lo que hay que hacer es precisamente lo que mantiene a esa sociedad lejos de prejuicios, de tener un pensamiento único como sociedad sobre todas las cosas que nuble tu juicio, tus reflexiones y sentimientos más reales y profundos, puros? Es algo que fascina, porque no deja de sorprender, tan bien reflejado en esta serie, la brutal sinceridad de sus pensamientos, sentimientos, ideales. Aunque sean infantiles o justo lo contrario, despiadados, pesimistas, tristes, alegres, nostálgicos… sean como sean, aceptan esos sentimientos, siempre.

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Y eso es precisamente lo que vemos en esta serie, cómo un chico de 17 sin nadie a su alrededor decide dar la cara a la vida aun no teniendo la más remota idea de cómo hacerlo, sin saber cómo acabará, camina a tientas buscando un camino y pasando por absolutamente todos los sentimientos por los que cualquiera de nosotros podríamos pasar, lejos de ornamentos o excusas. Lejos de puritanismos, de ideas sobre cómo debería sentirse, de barreras a sus sentimientos. La única regla es no involucrar a los demás, como buen japonés. Y eso conmueve al espectador, porque la transparencia y simplicidad de sus emociones y reflexiones traspasan la barrera que haya conseguido erigir cualquier tipo de transformación cultural, además de que esto es acompañado por un diseño de personajes, ambientación, dibujo, música o animación espectacular y de un nivel extraño de ver en series de este género. Las paletas de colores, la edición y montaje que se usan está al nivel de cualquier gran éxito en anime en el apartado técnico, como puede ser por ejemplo el de la primera temporada de One Punch Man.

Una vez dicho esto, y si te gusta el anime o la cultura japonesa, ¿Qué haces que no la estás viendo?

Un saludo y sed felices.

 

El cómic de la semana: Los Picapiedra Integral

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy destacamos Los Picapiedra Integral. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

¡Saludos desde Piedradura! Aunque el cómic de «Los Picapiedra: Integral» de ECC salió a la venta en diciembre del año pasado (aquí lo recomendaba ya una de mis compañeras en la sección de La lista de la compra), ha sido hace poco cuando he podido leerlo. Y aquí me tenéis, más que dispuesto a compartiros mis impresiones de esta maravillosa lectura. He de confesar que hasta que me enteré de la publicación de este cómic por ECC, no tenía ni idea de que Los Picapiedra también tuvieran presencia en este sector. De pequeño veía la serie de dibujos, y con el paso de los años también he podido ver las dos películas que se han hecho de acción real. Pero ésta ha sido mi primera experiencia comiquera con los famosos personajes, y ha sido genial.

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La ciudad de Piedradura.

¿Qué nos ofrece esta historia? A lo largo de los 12 números de esta serie limitada, acompañaremos a Pedro, Vilma y Peebles Picapiedra durante sus vivencias en Piedradura, y también gozarán de protagonismo Pablo, Betty y Bam Bam Mármol, junto a otros personajes bastante peculiares e interesantes como son George Rajuela, el profesor Sargon, el vigilante marciano Gazoo, las mascotas de los Picapiedra, y algunos otros personajes que irán teniendo sus momentos para el lucimiento.

¿Qué hace especial esta lectura? Pues en primer lugar, el tratamiento de muchos temas que o bien son actuales, o nunca pasan de moda, como la fiebre por el consumismo o el auge del materialismo, la explotación laboral, los viajes espaciales y las invasiones alienígenas, el matrimonio como concepto y las razones por las que el ser humano lo elige en lugar de la soledad, la política, la religión y el por qué es diferente de las ciencias, las guerras, el acomodamiento de las clases sociales, el rol que desempeñan en nuestras vidas los animales, el arte y su valor, y muchos otros temas.

Lo anterior es una de las claves del buen poso que deja la lectura, ya que en un principio puede ser difícil pensar que en un cómic de aventuras de personajes de la prehistoria ficticia, puedan tener cabida tantas y tantas reflexiones, pero es que eso mismo es una gran tarjeta de presentación. También hay que mencionar el inmenso trabajo que hace el equipo creativo de esta historia. Por un lado Mark Russell a los guiones, gestando un número fantástico tras otro lleno además de un humor ácido e irónico. Y en los lápices, Steve Pugh hace un trabajo espectacular, regalando una página tras otra de gran calidad. Es uno de esos casos es los que se juntan un buen narrador con la persona adecuada para ilustrar sus textos y darles el empaque necesario para que se eleven por encima de la media.

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La familia Picapiedra.

Por otra parte, para quienes ya hayan seguido alguna vez el mundo de los Picapiedra, no les pillará de sorpresa esas referencias a cosas actuales como marcas de ropa o calzado, de tecnología, nombres de comercios y demás, todo ello renombrado para darle el toque a lo Piedradura. Como es normal, no faltarán ni los coches que funcionan con el movimiento de los pies de sus ocupantes, ni los dinosaurios y otros animales presentes en las vidas de todos y cada uno de los personajes de la ciudad. Veréis cómo va cambiando la vida de los personajes la llegada de la televisión, posteriormente del cine, o la invención de los objetos «chorradas» que la gente comprará ciegamente a pesar de no usarlos. No faltará el poder asistir a los primeros pasos de la religión, que irá cambiando de dios y de doctrina, y también os podrá resultar de interés ver la evolución de la ciencia o la forma de presentarse la política y las cosas que se hacen para ganar votos en elecciones.

Lo sé, os estoy soltando una milonga sobre asuntos que pueden estar presentes en cualquier cómic ambientado en otras épocas, pero recordar… ¡aquí estamos hablando de la prehistoria! Así que creo que podréis disfrutar enormemente leyendo las peripecias de los Picapiedra, los Mármol, y todas y cada una de las personas que viven en Piedradura o han formado parte de las vidas de sus habitantes.

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La portada del cómic.

¿Merece la pena el cómic? SÍ, por supuesto que la merece. Es una lectura que podría despertar vuestro factor nostálgico si os pasa como a mí, que en distintas etapas de vuestra vida ha seguido los Picapiedra, pero es que además estamos hablando de historias dinámicas, llenas de humor, reflexión y crítica, ágilmente narradas y talentosamente dibujadas.  En la portada que precede a cada número os encontraréis que las hacen artistas diferentes, lo cual también es de agradecer para ver cómo habrían sido los personajes en manos de otras personas. Luego al final del tomo os encontraréis más portadas alternativas, algunos bocetos de personajes y de páginas. La única parte que no me ha gustado del tomo es su precio, un tanto prohibitivo teniendo en cuenta que sólo son 12 números. Pero bueno, la edición en sí es buena, con tapa dura y papel de buena calidad.

Y hasta aquí mi reseña de hoy gente, si queréis comentarme cualquier cosa no dudéis en dejarme un comentario. Hasta que volvamos a encontrarnos… ¡yabadabadú!

La película de Sonic se retrasa hasta 2020 debido a los cambios en su diseño

El primer tráiler que Paramount publicó de la película de Sonic provocó que la oleada de fans se quejara del aspecto del emblemático erizo azul en la película. Esto provocó poco después el anuncio de que se modificaría el diseño de Sonic para mejorar su aspecto, lo que dio que hablar debido al alto coste que debería  suponer esto en la película, así como la cantidad de horas que tendrían que invertir para llegar al estreno que se habían marcado. Hoy, el director de la cinta Jeff Fowler ha publicado un tweet confirmando que la adaptación sobre Sonic se retrasaría hasta el 14 de febrero de 2020, en lugar del 8 de noviembre de 2019 como estaba anunciado. En el mensaje también podemos ver el hashtag #novfxartistswereharmedinthemakingofthismovie (ningún artista de efectos especiales ha sufrido daño alguno durante la realización de esta película), por lo que nos alegramos por esos trabajadores que de otro modo tendrían haber trabajado alguna hora extra.

Yo estoy a favor de los retrasos justificados y que mejoren la obra, por lo que creo que Paramount ha hecho bien en asumir que este primer diseño de Sonic, quizás demasiado alejado del original, no ha gustado a la mayoría del público y no era el más acertado. Ahora tienen tiempo para publicar un aspecto mejorado del personaje, y quien sabe si usaran alguno de los cientos de diseños que los fans publicaron y que incluso mejoraban al diseño de la película. ¿Qué te parece la noticia? ¿A favor o en contra? No olvides comentar con tu opinión

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Análisis de Capa y Puñal (Cloak and Dagger). Temporada 2. Capítulo 7

¡Hola, amigos! Bienvenidos al análisis del séptimo capítulo de esta serie adolescente de Marvel, donde el título del mismo es Vikingtown Sound (Sonidos de Vikingtown). Nuestros héroes preferidos siguen protegiendo las calles de Nueva Orleans.

Entramos en la recta final de esta segunda temporada. Las cartas ya están sobre la mesa. Este episodio nos muestra como Andre busca el significado del Veve en la tienda de disco. También como el director y Lia tienen prisioneras a las chicas, entre ella Tandy, en el Hotel Vikingo, mientras Tyrone busca rescatarla. Volvemos a ver a Mayhem en el lado oscuro después de ausentarse un par de capítulos, ¿pasara de villana a heroína?

Pincha aquí si quieres ver el análisis de los anteriores capítulos

En busca de los sueños perdidos

andre y tandy

Tandy despierta en el hotel al que fue llevada inconsciente y tiene una charla con Andre, donde le recrimina por mostrarle visiones que nunca formaron parte de su vida, a lo que el director le responde que ella aun así las vivió. Más enfadada, la joven pregunta por su amigo Tyrone y recibe como respuesta que lo mató frente a ella. Tandy ataca a Andre, pero su puñal de luz nunca aparece entre sus manos, ha perdido la esperanza y por tanto no se manifiestan.

Tandy no es la única chica que está en el hotel, son muchas las manipuladas por las oscuras y retorcidas mentes de Andre y Lia. Entre ellas está la joven Del, que comparte cuarto con nuestra protagonista.

Tal fue el trabajo realizado de fragmentar la mente de cada una de las chicas, que llegaron al punto de perder todas las esperanzas. Puñal las quiere convencer del infierno que están padeciendo, que ella las puede liberar, pero se niegan rotundamente. Todo esto es por miedo, y por pensar que no tienen ni futuro ni sueños. El hombre deja de ser hombre, ser humano cuando se pierden las esperanzas y los sueños, y se vuelve un alma sin sentido ni fin.

Si hablamos de desazón no debemos olvidar a Adina, que se debate entre hacer justicia por si misma y matar a su prisionero Connors, o dejarlo vivo para ayudar en la causa de su hijo. Entre tanta ambigüedad el ex policía, en un acto de hombría y arrepentimiento, le dice a la mujer donde enterró a Billy después del asesinato. La madre de Tyrone le agradece su confesión.

Tyrone y O’Reilly van al invernadero en busca de pistas y descubren que Tandy fue quien estuvo involucrada en la pelea, lo que hace recordar a Ty que ella buscaba al novio de Lia. Esto le lleva hasta el hogar sospechando que algo malo ocultan.

En el hogar, Tyrone conoce a Andre y estos tienen una conversación más que interesante, donde el director logra convencer, sin antes usar sus poderes mentales, que desista en la búsqueda de su amiga. Mientras esto sucedía, Tandy intentaba escapar por su cuenta, pero es capturada por un guardia para luego ser drogada por su compañera de cuarto.

Tras ese encuentro con Tyrone, Andre va en busca de explicaciones al santuario de Chantelle. Transportándose a la dimensión oscura, la vidente le explica que entendiendo el significado del Veve que está allí él podría ascender a Loa, esto curaría su migrañas y calmaría sus dolores.

Estando todavía en la dimensión oscura Andre quiere demostrarle a Chantelle que si lo ayuda a ser un Loa él no usará su poder para promover el mal. Elige un disco de una parte feliz de la vida de la vidente, lo reproduce y luego lo para en seco, lo que ocasiona la muerte de la mujer.

tandy daga

Viendo lo que hizo Andre, Caos rompe todos los vinilos, devolviéndo las esperanzas a todas las chicas raptadas, también a Tandy y Tyrone. La joven vuelve a tener el poder de su puñal y Ty llega hasta el lugar con ayuda de una ambulancia. Tras enfrentarse a varios guardias se rencuentran nuevamente pero Capa cae al suelo en un manto de oscuridad.

Conclusión

El capítulo nos muestra la desesperanza y los padecimientos que sufren las chicas en el hotel. Ellas están convencidas que no van a encontrar otro lugar mejor y ayudan para que no se escape nadie.

Andre, cada vez más obsesionado con saciar sus dolores y multiplicar su poder, mata sin tapujos a Chantelle. Si logra ascender a ser un Loa será prácticamente invencible, dado que hemos visto que los puñales de Tandy son débiles a comparación con el director.

Esta vez se invirtieron los roles, y Tandy deberá ser la que rescate a su fiel amigo que esta tendido sobre ella. ¿Caos, que parecía ser la villana de esta segunda temporada, tuvo una purificación de su alma como Connors?

Kingsman, de Millar, Gibbons y Vaughn. Los problemas de la clase trabajadora.

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Hay muchas posibilidades que Kingsman: servicio secreto (2014) sea una de las mejores películas de espías de estos últimos 20 años. Las razones serían muchas, empezando por una que al hablar de tantas series o películas se suelen dejar últimamente de lado: los actores y las actuaciones. No es sólo que los actores famosos aquí lo hagan bien: es el que el protagonista borda el papel de chico de clase baja que se ve metido en un mundo elitista. Ya podríamos ir a cómo de impresionantes son las escenas de acción (incluída la ya clásica escena de la pelea en la iglesia, de la que habló Fernando), el ritmo constante sin vacíos ni estiramientos de chicle o el asumir las esencias del género desde la aparición del primer James Bond cinematográfico y llevarlas sin complejos a la actualidad. No hay nada de narrativa hueca, todo va al grano, se prescinde de instrospecciones mal entendidas (y que suelen ser un cáncer de tantos productos audovisuales incluso de los que por lo demás están bien hechos) y pasan muchas cosas pero uno no se pierde nada.

Hay una conversación en la película entre el villano y el maestro del protagonista que explica a la perfección el porqué esta película funciona tan bien y ha tenido el éxito que ha tenido:

-Le gustan las películas de espías, señor?

-Hoy en día todas son un poco serias para mi gusto. Pero las antiguas eran maravillosas. Nada como un argumento exagerado e histriónico.

-Aaah, las películas de James Bond, por favor. Cuando era pequeño solía soñar con dedicarme a eso: caballero, espía…

-Siempre he pensado que las películas de James Bond estaban a la altura de su malvado . De pequeño yo soñaba con ser un pintoresco megalómano.

-Lástima que hayamos tenido que crecer.

El origen de la película viene del cómic del mismo nombre guionizado entre Mark Millar y Matthew Vaughn, dibujado por el no menos famoso Dave Gibbons (2012-2013). Por supuesto, dentro del particular y muy lucrativo Millarworld que ha sabido montarse el autor escocés que ya analizó aquí extensamente Pedro. Es curioso cómo la película mantiene los grandes temas y formas del cómic pero desplaza un poco el tema principal del cómic, que no es otro que la desubicación en el mundo actual de las clases trabajadoras y los pobres en general.

Está bien que recordemos que James Bond, el prototipo de los espías desde la primera incursión cinematográfica del personaje en 1962, proviene de las novelas de Ian Fleming. Quien haya pasado por ellas sabrá que allí se destila nostalgia por el pasado imperial inglés, conspiranoia sobre el enemigo interior, mucho nacionalismo inglés, elitismo (el autor no venía precisamente de lo más pobre de Inglaterra) y actitudes que a día de hoy escandalizarían a quien lo leyera de primeras, en especial en relación con las mujeres o con gente no anglosajona. Es un producto, como todos, de su tiempo, y su éxito tuvo que ver en parte por sintetizar bien el espíritu de los tiempos en el momento en que salió al mercado. Las películas, algo posteriores, tienen algo o bastante de estas cosas, pero algo suavizadas con mucho más humor, consciencia de la ridiculez de alguna de estas cosas y más acercamiento a lo pop.

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Así, el cómic del que hablamos nace de la idea de Mark Millar de preguntarse cómo un James Bond de la vida llegó a ser lo que es. Siempre hace sus cómics así, con un «¿qué hubiera pasado si…?» original, continuando con un rosario de escenas violentas o profundamente chuscas y acabando sin hacer en ridículo pero bajando el nivel del principio de la historia. Aunque en este caso es posible que sea el cómic de su particular universo más redondo, en el que el final no solo no es lo más flojo sino que es el colofón perfecto a lo que quiere contar.

El cómic huye del tradicional elitismo de los inicios de cosas relacionadas con los espías, tan abarrotados de aristócratas o hijos de millonarios metidos a servidores del estado, para meternos en un entorno de gente que vive en viviendas sociales. Gente que ve telebasura, que habla mal, que no tiene inquietudes culturales elevadas y que es, vaya, pobre. El protagonista viene de ahí, y su tío, que tiene choques con su madre que vienen de la diferencia de dinero y clase social de ambos, decide que tiene que tener una oportunidad. Una para salir del aquel fango.

Mark Millar nos lleva de la mano del entrenamiento para ser un superagente secreto, con escenas en las que muestra la superioridad del paleto sobre los niños pijos en cosas como robar, disparar o desenvolverse en entornos poco amistosos…y sus enormes problemas para la sutilidad social, en la que los que vienen de entornos con más dinero tienen una ventaja desproporcionada. Hay conspiración para acabar con el mundo, hay un supervillano que podría ser de cualquier película de James Bond (y, vamos a decirlo, menos divertido que el de la película), hay sólo una seducción de una mujer despampanante (que es tratada con una dignidad y respeto que es inaudita en cualquier película o libro de espías parecido) y escenas de acción crudísimas, como es marca de la casa de Mark Millar y que son perfectamente ejecutadas por un más que correcto Dave Gibbons. Pero el cómic prescinde de mucho del espectáculo de humor y tomarse poco en serio a sí mismo que hace grande a la película para, vamos a decirlo, tener como tema central los problemas de venir de una clase social baja.

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Y ahí la clave es el tío del protagonista, agente secreto antes que él, su mentor, su amigo. Alguien que viene del mismo barrio y que sabe lo que es vivir allí. Y salir de allí. Mark Millar a través de él se muestra muy poco indulgente con determinadas actitudes y comportamientos de las clases bajas, especialmente con los más estereotipados. Desde el principio y especialmente al final nos deja clara su postura: no hay que caer en el estereotipo o caricatura que las clases más acomodadas y sus medios de comunicación (es decir, los medios, en general) han fabricado para los pobres. No hay que conformarse con las migajas que te dan con cara de asco. La solución al clasismo institucionalizado en Gran Bretaña debe venir, en la propia lógica  del cómic, por dar una oportunidad de verdad a los más desfavorecidos, confiar en ellos en serio y no verles como cosas insalvables a las que hay que arrojar algo de dinero para que vayan a beber cerveza a sus viviendas sociales y no nos quemen los chalets. El auténtico valor del ser humano es ayudar a los demás, preocuparse de su entorno, darse cuenta que no vive solo y que lo material, siendo básico e importantísimo, no puede convertirse en todo lo que nos preocupe. En las propias palabras del cómic:

«A los medios nada les gusta más que mostrarnos como incapaces y vagos, pero espero haber demostrado que un hombre es capaz de cualquier cosa en la vida. Lo único que necesitamos es una pequeña oportunidad y a alguien que crea en nosotros. Trabaja duro, ayuda a otros y no caigas en el antiintelectualismo fomentado por la gente que quiere ver a los de nuestra clase con cadenas de oro y gorras de béisbol horteras. Solo quieren reírse de nosotros en sus reality shows. Pero tampoco te conviertas en un lacayo del sistema. Recuerda quien eres. Conserva tu mote más tonto si puedes.»

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Aunque lo pueda parecer, Mark Millar no hace un cómic social o político maniqueo y moralista. Hace un cómic de espías, acción, una historia de aprendizaje que tiene, sí, implícito todo un relato evidente sobre las dificultades y prejuicios de la clase trabajadora en el mundo actual. Y se moja sobre las actitudes erróneas y acomodaticias de todos al respecto. Es de manera consciente un cómic que se aleja de los orígenes claramente clasistas y nacionalistas del género de espías para entablar con el lector una conversación sobre las clases sociales. Todo en medio de explosiones, robos, disparos y tramas para destruir el mundo.

Garth Ennis en la misma línea de quitar elementos más de los años 50 que del siglo XXI al mito del superespía bondiano ha hecho hace poco el estupendo «Jimmy Bastards», que ya analizó aquí fantásticamente bien Máximo. Vale la pena echarle un vistazo también.

Sed felices.

Reseña de Johnny Cash, I See A Darkness, de ECC

«Hello, I’m Johnny Cash».

Bienvenidos a este paseo por la música y el cómic. Ambos medios se fusionan en esta maravillosa novela gráfica que nos llega en un estupendo tomo, gracias a la gente de ECC Ediciones, de 224 paginas en formato cartoné , con la inclusión de extras muy jugosos como una galería de ilustraciones y una Biografía de Reinhard Kleist , guionista y dibujante de esta historia. El precio es de 19’95 euros. Quizás los más jóvenes conozcan al hombre de negro (como se conoce a Cash) por la gran película que protagonizaron Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon, En la cuerda floja. Los que no, les recomiendo acercarse a esta joya en forma de cómic. Sin más dilación comenzamos.

Johnny Cash y sus primeros años.

J.R. Cash nació el 26 de febrero de 1932 en Kingsland, Arkansas, siendo sus padres Ray Cash y Carrie Cloveree (de soltera Rivers), siendo el cuarto hijo de siete. Desde muy pequeño la música formó parte de su vida, siendo su vía de escape de unos inicios duros en los que pasaba la mayor parte del tiempo al trabajo del algodón en la plantación que sus padres tenían en Dyess Arkansas. Cuando podía se evadía con su radio. La granja de la familia se inundó en dos ocasiones, como se aprecia en el cómic, por lo cual compuso la canción «Five Feet High and Rising».

Un suceso que marcó su infancia fue la muerte, tras un terrible accidente, de su hermano Jack el mayor de siete hermanos y con el que más se entendía.

Johnny Cash venció a sus demonios internos.

A partir de entonces el camino de Cash gira en torno a la música. Pronto formará una banda, Johnny Cash & The Tennessee Two. A ella se unirá June Carter, quien sería su segunda mujer y cuyos duetos paraban corazones.

Como bien refleja el autor de I See A Darkness, Cash tuvo serios problemas con las anfetaminas a las que recurría debido al contínuo estrés que sufría por los numeros conciertos. Su adicción a las pastillas y al alcohol casi le costó la vida en forma de accidente de tráfico. Tocado fondo se redime con la rehabilitación y con el concierto más importante de su vida, el de la cárcel de Folsom. At Folsom Prison es el primer álbum en vivo del cantante country grabado en la prisión estatal de Folsom, California en 1968. Desde que publicó su canción Folsom Prison Blues en 1955, Cash se interesó en poder dar un concierto en dicha prisión. At Folsom Prison, de 1968, ha quedado para la historia como uno de los mejores discos grabados en vivo.

Este capítulo queda muy bien reflejado en el cómic con el coprotagonismo de Glen Sherley, un recluso de Folsom que escribe una canción, «Greystone Chapel», y consigue hacérsela llegar al cantante. La sorpresa de Sherley al escuchar su canción es mayúscula quedando reflejado para la posteridad en la foto de abajo.

glen sherley
Cash y Sherley

folsom prison

Reinhard Kleist y su visión humana del mito.

El guionista y dibujante alemán utiliza ciertas habilidades originales narrativas que me han llamado la atención. Cuando Johnny canta el artista aleman lo que hace es narrar la canción, lo hace con «A boy named Sue», «The Ballad of Ira Hayes», «Folsom Prison Blues» o «Cocaine Blues», queda como los videoclips pero en cómic.

Johnny Cash 1
En la página de la izquierda se retrata la canción»Cocaine Blues».

Por otra parte, Reinhard huye del mito para contarnos una biografía al uso, sin adornos. Esto como se lee no debemos interpretarlo como algo malo y es que la vida de Johnny Cash fue demasiado intensa como para exagerarla en una adaptación. Como la de otros artistas, la vida de Cash está plagada de los «clichés» que nos podamos imaginar: autodestrucción, pastillas y alcohol, redención, éxitos y fracasos, etc, por lo que el autor huye de darle más drama.

Valoración Final.

Es una muy buena biografía, que opino que se aleja de las habituales «hagiografías» que se hacen de este tipo de artistas. El guion no es lineal, da saltos temporales y mezcla la historia con las canciones, por lo que hay que estar mínimamente atento en su lectura. El dibujo en blanco y negro es muy acertado y sin ser muy detallista te mete de lleno en la historia de manera inmersiva y es que Reinhard Kleist sabe muy bien lo que nos está contando. La obra ha sido galardonada con el Premio Peng al Mejor Cómic Alemán en 2007, Premio Sonderman al Mejor Cómic Alemán el mismo año, Premio Max Und Moritz al Mejor Cómic Alemán en 2018, Premio Les Prix Des Ados al Mejor Cómic Musical en 2009, y nominado a los Premios Harvey y Eisner en 2010. Una lectura que puede ser complementada con la película En la cuerda floja del 2005, el documental de Netflix «Tricky Dick and The Man in Black» o la biografía que escribió Robert Hilburn.

Un saludo y sed felices escuchando a Johnny Cash.

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Johnny Cash I see a darkness cubierta