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¿Arañas gigantes de hielo en la temporada 8 de Juego de tronos?

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15 diciembre, 2018

¿Arañas gigantes de hielo en la temporada 8 de Juego de tronos?

Queda muy poco para la temporada 8 de Juego de Tronos. Humm realmente todavía queda, no nos vamos a engañar, pero como el tiempo pasa muy rápido, a veces ni nos damos cuenta. Os aseguro que todo irá más lento según nos acerquemos al estreno de la última temporada de la serie, que creo que es la más exitosa de la era moderna de la series: Juego de Tronos. Y aquí no hablo de calidad o hablo de mejores o peores interpretaciones, aquí estoy hablando de popularidad, y esta serie es de largo la más famosa en todo el mundo. Es por ello quizás, por lo que se vierten ríos de tinta física y digital.

La última noticia nos llega de mano del propio George R.R. Martin y de su cuenta de Twitter. Hablamos de cuenta oficial. En la misma podemos ver la portada del calendario de 202o con unos jinetes a lomos de unas arañas gigantes. El diseño es alucinante y es de John Howe. ¿Serán personajes de la temporada 8 de Juego de tronos? ¿Serán leyendas del pasado de esta tierra rica en magia y caballeros blancos?

El propio Martin nos la deja caer y dice literalmente:

Aquí hay un adelanto oficial de la portada de John Howe de nuestro calendario SoI & F 2020 con las legendarias arañas de hielo que acosan a las historias más espeluznantes de la hora de dormir del viejo Nan.

Here's an official sneak peak of John Howe's cover art of our 2020 SoI&F calendar featuring the legendary ice spiders which haunt old Nan's creepiest bedtime stories. pic.twitter.com/5Tm0FbPFpC

— George RR Martin (@GRRMspeaking) December 13, 2018

¿Es posible que podamos ver arañas de hielo en la temporada final de Juego de tronos? En una entrevista con el New York Times, Martin insinuó entre risas y juegos de palabras que es una posibilidad.

Puede haber! [Risas.] No diré nada sobre eso. ¡Quizás las arañas de hielo eran solo una leyenda!

Martin parece estar bromeando, pero ¿quién sabe, verdad? Es probable que haya todo tipo de sorpresas maravillosas para los fans durante la Temporada 8, y quizás una de ellas sean otras criaturas de hielo.

¿Qué piensas sobre la inclusión de las arañas de hielo? ¿Será verdad?

Mientras tanto sólo estoy pensando en comprar ese calendario de 2020 que está anunciando George R.R. Martin con diseños de John Howe, que fue uno de los artistas que diseñaron el mundo de El señor de los anillos para la trilogía cinematográfica de Peter Jackson.

Un saludo y sed felices.

El cómic de la semana: Paper Girls Tomo 3

Mario Losada

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15 diciembre, 2018

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El cómic de la semana: Paper Girls Tomo 3

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy destacamos el cómic Paper Girls Tomo 3. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Aquí tenéis el enlace a todos los artículos de la sección de El cómic de la semana

Como siempre, estamos ante una historia que mezcla drama, terror, ciencia ficción, acción y viajes por el tiempo. ¿Es una especie de Stranger Things con chicas? Se podría decir que bebe de una misma fuente pero recordemos, una vez más, que Paper Girs es antes en el tiempo que la serie de Netflix. Digamos que son coetáneas una de la otra y ambas son igual de buenas y apetecibles de ver o leer, según el formato donde te encuentres.

¿Qué tenemos de nuevo en este tomo?

Como más o menos sabréis parece que la trama se empieza a complicar con los viajes en el tiempo y aquí el viaje se traslada a la prehistoria y por tanto eso de las Paper Girls, como profesión, ya queda para el olvido. Lo más importante es que se vuelven a reunir las 4 protagonistas aunque quizás con algún cambio que las marcará para siempre. Los que habéis leído el tomo creo que ya sabéis de que hablo.

Otro detalle, del cual no se si os habéis fijado, es que los argumentos se están dividiendo en 5 números de grapa o lo que es lo mismo, un tomo en tapa dura. Por tanto este tercer tomo se puede decir que alberga en su totalidad la tercera temporada de la serie que engloba los números 11 al 15 de la edición original. Y además después de cada arco argumental los autores se dan un respiro de un par de meses para coger fuerzas y hacer el siguiente. Como las series de la televisión.

Por el momento no puedo decir a ciencia cierta cual de todos los tomos me ha gustado más. Creo que cada uno tiene su visión particular de las cosas, las cuales avanzan a trompicones en una serie juvenil pero que engancha a adultos y jóvenes. No es una locura que esta colección ganara otrora el premio Eisner (los Oscar del 9º Arte) a la mejor nueva serie del año y Brian K. Vaughan al mejor guionista del medio varios años consecutivos por este cómic y por Saga, que quizás se lleve más luces que Paper Girls.

Por el momento el trayecto, o el viaje de las chicas me está gustando (más que entusiasmando) pero el mayor miedo que tengo a la serie es saber como narices se resolverá todo. Con esto no quiero decir que el final sea malo o que lo intuya por lo enrevesado del argumento, no. Lo que intento decir es que Vaughan, por otras obras anteriores como Y el último hombre, adoleció de cerrar bien las obras, o eso me pareció en su momento. Y creedme que eso aún le pasa factura en estas series largas. ¿Qué pasará con Saga? Y lo más importante ¿qué pasará con Paper Girls? Pues la verdad es que creo que aún estamos a medio camino de la resolución de todo este entramado. Aún queda Paper Girls para rato.

También me gustaría destacar la labor del dibujante Cliff Chiang el cual creo que da un realismo a las personas a la vez que puede crear unos mundos actuales y otros de ciencia ficción sin resentir su trazo. Posiblemente Chiang, con su estilo tan característico que conocimos en Wonder Woman, sea un artista tan versátil que una aventura de sci-fi como es Paper Girl se ajuste como un guante a su capacidad para dibujar. Una de las mejores elecciones de este título tiene nombre propio y ese es Cliff Chiang aunque en muchas ocasiones nos perdamos con Vaughan.

Y para acabar tendría que mencionar a Matt Wilson, el colorista de la serie. Gracias a su labor podemos leer el cómic sin necesidad de colores estridentes que hacen daño a la vista, sin necesidad de ensoñaciones idílicas que no tienen que ver nada con un cómic que intenta ser de ciencia ficción, no de fantasía. Para ello además de un buen guión y un buen dibujante, se necesita un colorista de altura ya que su trabajo muchas veces pasa desapercibido, pero en otras muchas con en Paper Girls es una pata más de la silla.

Os dejo el enlace al tomo en la web de Planeta Cómics y la portada debajo de estas líneas.

Un saludo y sed felices.

Jojo´s Bizarre Adventure, segundo arco (episodios 10-26): tendencia a las yoyas (felices)

Raúl Sánchez

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14 diciembre, 2018

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Jojo´s Bizarre Adventure, segundo arco (episodios 10-26): tendencia a las yoyas (felices)

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Ha sido un día duro, ¿verdad? Se ha hecho larguísimo. Hubo momentos en los que has estado ahí, solo, en esa mesa en la que echas horas y horas, deseando huir. Pero eso ya pasó. Dame un abrazo. Estás En las cosas que nos hacen felices. Aquí nadie puede hacerte daño. Bueno, excepto que quieras que te hagamos daño, que tendremos que llamar a Sofía, experta del blog en tiburones. Pero, descartando eso, estás en el lugar de la felicidad. Y, vamos a decirlo, hablando de la serie de la Felicidad.

Es decir, hablamos del segundo arco de Jojo´s Bizarre Adventure (capítulos del 10 al 26), tal y como puede verse en Netflix. Tal y como lo ha creado David Production. El primer arco en hacernos felices ya fue descrito con gran emoción y alegría en un post anterior. No, no me deis las gracias. Y dejad de tirarme ropa interior usada que ya tengo mucha.

No te pierdas el Jojo´s Bizarre Adventure, primer arco (episodios 1-9): bienvenidos a la felicidad

Tras la emoción causada por el extrañísimo y, como siempre, original final del primer arco tenemos más. El segundo arco empieza casi 50 años después de que acabara el primero. Un descendiente (Joseph Joestar) del protagonista del primer arco (Jonathan Joestar) toma el protagonismo en la historia. Es otra de las cosas que hacen grande al manga y luego al anime: cada arco es una época diferente y con personajes distintos…aunque algunos vienen de arcos anteriores. Cada arco, al ser épocas y personajes fruto de tales épocas distintas, tienen personalidades muy diferentes. El muy caballeroso Jonathan Joestar da paso el gamberro, astuto y descarado Joseph Joestar. La gravedad decimonónica que aparece de vez en cuando en el primer arco da paso al ambiente alegre y frívolo de los años 20 del siglo XX en el segundo arco. Pero hay una continuidad argumental (los peligros y adversarios de uno pueden haber sido neutralizados pero tiene implicaciones en la siguiente generación) y nexos entre épocas.

https://www.youtube.com/watch?v=O8hSi_EyKVo

Aparecen personajes, como hemos comentado, de arcos anteriores, envejecidos, como secundarios de lujo que ahora ven como los jóvenes hacen lo que ellos solían hacer. Es una solución bellísima artística que está resuelta de maravilla, de un modo natural y cohesionador. Es la solución no encontrada por el cómic superheroico a tener una serie durante años y años con el mismo título, ya sea por conservadurismo o por haber intentado cosas similares sin mucho acierto.

Una vez llegados aquí creemos que la extrañeza y despiporre desde el momento en que el malvado Dio Brando se pone la máscara en el primer acto no puede dar más de sí. Y os equivocáis, estimado y necesitado de felicidad Pueblo. Este arco se centra casi más que ninguno de los tres primeros en una sucesión de peleas (aunque los enemigos no son precisamente numerosos), pero aun teniendo las inevitables reminiscencias a El Puño de la Estrella del Norte (que fue realmente el manga de los años 80: Bola de Dragón se valoró/copió más adelante) empezamos a ver cada vez más una constante. Es decir, que no la hay.

Por hacernos una idea: en este arco el protagonista participará en una carrera de cuadrigas, a lo Ben-Hur, pero tiradas por caballos-vampiro en un estadio lleno de vampiros. Tendrá que vérselas con soldados nazis con tecnología steampunk, con cañones saliéndoles del cuerpo. Se enfrentará a seres casi todopoderosos con unas canicas. Y usará su más secreta técnica, esa que únicamente usa cuando todo lo demás está perdido…que no revelaré para no estropearos la risa cuando la veáis. Pero que es una genialidad más: en peleas a vida o muerte trascendentes para el mundo es prácticamente lo único que no te esperas. Aunque será en el tercer arco cuando el despiporre y el maravilloso caos creativo encauzado de modo coherente irá aún a más, aquí ya lo empezamos a ver en varias peleas. Que, como suele ser normal, no es una competición de ver quién tiene más unidades de combate, sino un ajedrez y una batalla mental. Una competición de ver quién es más listo, quien aprovecha mejor las habilidades que tiene. Bueno, y también quien ganaría un concurso «Míster Orgullo Gay», vamos a decirlo todo: es también parte de su encanto. Toda la vestimenta glam, toda la estética andrógina, toda la más que evidente fascinación por la moda italiana, todas las poses corporales absurdas. Todo ello, dentro de un carácter, estética y lógica únicos.

Podemos decir, gente que buscáis Felicidad, que de nuevo David Production lo ha vuelto a hacer. En el tema manga vs anime hay de todo y no hay una norma fija, pero aunque podamos decir que el manga es superior el trabajo de adaptación es más que notable. Otra vez han hecho un trabajo de adaptación y modernización al siglo XXI encomiable. Es cierto, como dijimos antes, que se gustan más en las partes más cómicas de la trama y no dedican tanto a las partes más dramáticas. Es cierto que Joseph es un personaje eminentemente raro, extraño y muy poco habitual para un manga/anime de peleas, es cierto que sus momentos de inmadurez y poca seriedad inundan la historia, pero también es cierto que es su mejor amigo el que quizás sale perdiendo con este enfoque. Es una pena.

El ritmo de la historia es idéntico al del manga: lento al poco de empezar y luego acelerando cada vez más, hasta el delirante, extraño y maravilloso final. Es quizás, también, una de las pocas series o mangas en las que aparecen retratados algunos soldados del ejército nazi como personajes con nobleza y que ayudan en la defensa de la Humanidad. Es, otra vez, algo rarísimo que no debe confundirse con una apología del nazismo. Es simplemente un grupo de soldados alemanes que, de hecho, ponen a la Humanidad por encima de su patria. Alguien que pone al ser humano en su conjunto por encima de los intereses de su país no es que tenga poco de nacionalista: es que es complicado de asimilar como fascista.

Y así acaba el segundo arco, también corto, pero muy intenso. Es la preparación perfecta para el siguiente arco, aún no en Netflix, que mejora muchísimo más a los dos anteriores: Stardust Crusaders, el arco más conocido de esta mítica serie japonesa. Y el que, de momento, a mí me hace más feliz. Porque de esto va todo, amado y cansado Pueblo. De ser felices.

Sed felices.

Jojo´s Bizarre Adventure, primer arco (episodios 1-9): bienvenidos a la felicidad

Raúl Sánchez

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14 diciembre, 2018

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Jojo´s Bizarre Adventure, primer arco (episodios 1-9): bienvenidos a la felicidad

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Habrás visto, estimado lector que nos lees desde el trabajo o en el autobús, que en este tu página faltan secciones. Las cosas que nos hacen felices nos llamamos pero no hay sección de comida o del acto sexual de follar. A pesar de toda nuestra sabiduría no llegamos a todo: tampoco vamos a entrar en cuál de las cosas anteriores tenemos más lagunas porque, bueno, tampoco es importante. Aunque, para compensar esa carencia, vamos a hablar de la felicidad. De la verdadera. De la oficial. De la de la película. La que aparece en los vídeos en los que David Hasselhoff hace como que canta.

No te pierdas Jojo´s Bizarre Adventure, segundo arco (episodios 10-26): tendencia a las yoyas (felices)

Seguro que ahora podríamos hablar de las mil maneras de ser feliz, de cada uno es un mundo y demás, pero no. Lo siento. No es verdad. Toda la felicidad del mundo, o casi, está resumida en una única cosa. Podríamos decir que está contenida en un montón de tomitos que Ivrea está publicando en España, pero de todos es sabido que leer es cansado. Cansarse no nos hace felices. Así que lo diremos: hay serie al respecto, la podéis ver en Netflix y cada capítulo dura 24 minutos. El primer arco del manga son los primeros 9 capítulos del anime (que se corresponden con los 3 primeros tomos que sacó Ivrea, los del lomo rojo), y el segundo arco del manga los 17 restantes de la primera temporada (que se corresponden con los 4 siguientes tomos que sacó Ivrea, los del lomo verde). Y la serie se llama Jojo´s Bizarre Adventure. Allá vamos con el maravilloso opening del primer arco. No sólo es bonito estéticamente: es que resume asombrosamente bien todo el primer arco en poquísimo tiempo. En pie, estimados lectores.

Ahora es cuando deberíamos explicar en qué consiste la serie, las razones que hacen que sea buena y demás. Vivimos tiempos oscuros en los que hay que razonar y convencer, en vez de poner un listado en la página cada mes con tres columnas: cosas a ver/leer/jugar, cosas a evitar y cosas a probar si te sobra el tiempo. Nos adaptamos porque os queremos y queremos dar a conocer la buena nueva. Aunque sea muy complicado explicar qué es Jojo´s Bizarre Adventure.

Podríamos decir, al empezar a ver la serie, que es algo así como una serie animada de culebrones ambientados en el siglo XIX, con su ambiente de ricos y sus mansiones. Una simple rivalidad entre dos hermanastros por el amor y la herencia del padre de familia. Con dejes más que claros a El Puño de la Estrella del Norte, pero con más de Candy Candy que otra cosa. Con diálogos tirando a bobos y un desarrollo que tampoco parece que vaya a llegar a mucho. Hasta que el malvado oficial de la serie, Dio Brando, se pone una máscara con oscuros poderes y…empieza realmente la serie. El despiporre. Las vueltas de cabeza sin parar. Todo ello. Cuando Dio Brando renuncia a su humanidad. Y nosotros a volver a aburrirnos.

https://www.youtube.com/watch?v=T2mHPdhiZbg

Aquí pasamos, sin comerlo ni beberlo, de un culebrón decimonónico de ricachos a un manga de monstruos con yoyas y un desfile de personajes a cada cual más estrafalario, pero todos únicos en su diseño. Desde el momento en que Dio Brando se pone la máscara el resto de los capítulos del arco son una explosión de locura, pero no de descontrol como puede encontrar uno en Bobobo, por poner un ejemplo. Es una explosión de creatividad constante encauzada como casi nunca se ha podido ver en manga, cómic o anime. Es sorpresa constante, es trasladarte de nuevo a momentos en los que recuperas, una y otra vez, el sentimiento de la maravilla, de la sorpresa, de una imaginación descomunal puesta al servicio de un método y una regularidad. La felicidad era esto.

No es sólo que el manga anticipe años antes los famosos enfrentamientos de Death Note, en los que cada pelea es realmente como una partida de ajedrez entre los combatientes, en la que todas las batallas son únicas. Es que el propio desarrollo de las peleas es sorprendente: cómo empiezan, las ambientaciones, la dinámica de los combates y las constantes tretas y contratretas. Por no hablar del constante sentido del humor que se plasma en que queda muy claro que todo esto va de ser feliz, que hay autoparodia y que las posiciones absurdas de pelea no están puestas al azar. Mucho del manga o anime de peleas tiene lógicas bobas, pero nos da igual, lo sabemos y nos reímos de ello. Es más: nos reímos de ello y a la vez mostramos que se puede sorprender en cada batalla al lector convirtiendo cada pelea en ver quién es mejor estratega que el otro, no sólo quien es más rápido, fuerte o tiene más unidades de combate.

Todo ello alternando ambientes diferentes, mezclando alta y baja cultura, mezclando referencias descaradas a grupos de rock clásicos con personajes legendarios anglosajones. Hay diseños de moda italiana en las vestimentas o peinados de los personajes, dándoles un toque claramente glam, pero son vergonzosamente mundanos. Lo de abajo con lo de arriba. Ya desde el primer arco en Jojo´s no hay alta y ni baja cultura, es una historia que aborrece tanto del elitismo cultural como del anti-intelectualismo: todo forma parte de la misma maravilla sorprendente aderezada con muchísima estética y lógica pop. De ahí que haya tantos memes de la serie animada y que, en realidad, la serie sea una fábrica de memes andante. En la adaptación animada no hay ningún complejo y se sumergen en ello disfrutando, quizás, vamos a decirlo todo, centrándose mucho en la parte más humorística del manga (que existe) y pasando más por encima de la más tragicómica (que aparece, aunque tiene menos peso). Pero no hay que decir mucho más: la adaptación de estas primeras partes del manga, que son ochenteras a más no poder, se ha concretado en una actualización a estéticas del siglo XXI sin perder en realidad casi nada de su particular estética ochentera. David Production, los encargados de la adaptación, han hecho un trabajo excelente, en un equilibrio rarísimo y extraño que no puede encajar mejor con algo extraño y rarísimo como es el manga original.

Este primer arco es la toma de contacto de lo que luego es el resto: la explosión de locura, el zarandearte en cada capítulo, las referencias pop que te atan a tu mundo y las dinámicas de la historia que te llevan a otro nuevo, coherente, extrañamente coherente, que no descarrila no sabes cómo. Uno que consigue poner en equilibrio una lucha por ver quién besa primero a una chica con una pelea contra un monstruo mientras se sostiene una copa que no puede derramar, sin que eso choque ni parezca seriamente forzado y, además, siendo quienes lo hacen conscientes de lo coherentemente absurdo de lo que se está viendo. Sigue sin ser el mejor arco pero es la introducción, las bases de lo que viene a continuación y la promesa clara de lo que disfrutas y te espera: maravillarte, sorprenderte, ser feliz otra vez. Y otra. Y otra.

Que es, en definitiva, de lo que va todo esto. De ser feliz.

Sed felices.

Las películas de terror más esperadas de 2019

Adriana Sabina Villamizar

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14 diciembre, 2018

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Las películas de terror más esperadas de 2019

Bienvenidos a todos. En Halloween les preparé un artículo especial con la lista de películas más esperadas de 2019. Algo que me inquieta es que la cantidad de películas de este género para el próximo año no es muy extensa. Ojalá en los próximos meses se confirmen muchas más.

Escape Room

15 de marzo

Esta película se iba a estrenar en septiembre de este año. Luego fue cambiada para el 30 de noviembre de 2018 y nuevamente fue pospuesta para el 2019. Se iba a llamar The Maze y ahora se llamará Escape Room. Es del género terror psicológico o thriller psicológico y la trama se trata de un grupo de 6 personas que son encerradas en una habitación y deben cumplir con el desafío de escapar resolviendo varios acertijos. Al principio parece ser algo inofensivo pero se convierte en un desafío por sobrevivir y salir con vida de la habitación.

Está protagonizada por Logan Miller, Deborah Ann Woll, Taylor Russell, Tyler Labine, Jay Ellis, y Nik Dodani.

Cementerio de Animales, Cementerio Maldito. (Pet Sematary)

5 de abril

Basada en la novela Cementerio de Animales de Stephen King, esta cinta protagonizada por Jason Clarke, Amy Seimetz y John Lithgow será estrenada el año próximo después de tener una aterradora antecesora en el año 1989. La sinopsis nos narra que se trata de una familia que se muda de hogar y después de esto sufren la pérdida de su mascota. Tras ser enterrado en un antiguo y extraño cementerio, la familia comenzará a presenciar hechos extraños relacionados con la mascota.

La Maldición de la Llorona

19 de abril

Hace pocas semanas el tráiler de La Maldición de la Llorona empezó a darse a conocer, entusiasmado a más de uno con una versión cinematográfica del la leyenda del folclore latinoamericano. El elenco está formado por Linda Cardellini, Patricia Velasquez, Sean Patrick Thomas y Raymond Cruz.

La Llorona es el espectro en pena de una mujer quien perdió o asesinó a sus hijos y vaga emitiendo un llanto escalofriante lamentando la pérdida de sus hijos. Su aspecto se caracteriza por llevar un vestido blanco, el cabello negro y muy largo que le cubre el rostro, y sus movimientos dan la impresión de que flota en lugar de caminar. Dependiendo del país su historia y origen pueden variar.

https://www.youtube.com/watch?v=kMKnMxkL4FM

Grudge

21 de junio (Estados Unidos)

Será protagonizada por Andrea Riseborough, Demián Bichir, John Cho, Lin Shaye y Jacki Weaver. Dirigida por Nicolas Pesce con ayuda de Jeff Buhler para la elaboración el guión, el cual no estará totalmente basada en las entregas anteriores ni en la historia original de las películas japonesas de Takashi Shimizu.

Ju-On es una saga de películas japonesas de las cuales hay alrededor de diez, que se dice pronto, y cuentan como se originó una maldición en una casa después de que un hombre asesinara a su esposa y su hijo en un ataque de celos. Esto creó un espíritu vengativo que acumuló la irá generada en el momento de la muerte, que según las creencias japonesas este espíritu se sigue manifestando en el lugar donde ocurrió el asesinato.

Annabelle 3

3 de julio

En esta ocasión los actores Vera Farmiga y Patrick Wilson, quienes hemos visto en las entregas anteriores, volverán a retomar sus papeles de Ed y Lorraine, pero de no en roles protagonistas. Esta vez la atención se centrará en Mckenna Grace, quien interpretará a Judy, la hija de 10 años, que estará bajo el cuidado de su niñera interpretada por Madison Iseman. Ed y Lorraine estarán de viaje, por lo tanto fuera de casa, así que quienes estarán mucho más cerca de la muñeca Annabelle serán estas dos chicas. La dirección estará a cargo de nuevo por Gary Dauberman.

La franquicia de El Conjuro tiene más para ofrecer, aunque La Monja no sorprendió lo suficiente, esperamos que Annabelle 3 nos espante como tal película de terror.

It 2

6 de septiembre

Aún no hay tráiler oficial de It: Capítulo Dos, pues la fecha programada está muy lejos todavía. Solo una pequeña sinopsis donde explica que 27 años después de lo sucedido en 1989, los protagonistas vuelven a revivir la desagradable experiencia al tener que regresar a Derry, la ciudad donde crece la leyenda del payaso Pennywise, quien les hizo vivir una pesadilla cuando eran niños.

El elenco adulto está formado por James McAvoy, Jessica Chastain, Jay Ryan, Bill Hader, Isaiah Mustafa, James Ransone y Andy Bean. Bill Skarsgård repite su papel de Pennywise, el payaso, junto con gran parte del elenco infantil de la primera película, incluidos Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Jeremy Ray Taylor, Finn Wolfhard, Chosen Jacobs, Jack Dylan Grazer, Wyatt Oleff y Jackson Robert Scott. ¡A los que sufren de coulrofobia* no les gusta esto!

*Fobia a los payasos.

¡Una gran abrazo, los espero pronto!.

Do Not Feed The Monkeys (PC). Cuando no te da la vida para hacerlo todo.

Pedro Pérez S.

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14 diciembre, 2018

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Do Not Feed The Monkeys (PC). Cuando no te da la vida para hacerlo todo.

¿Un juego donde tomamos el papel de un voyeur? ¿Un juego que mezcla elementos de realidad con misteriosas organizaciones secretas, políticos corruptos y economía basura? ¿El Club de la lucha + Gran Hermano + Inside Job? Esto tengo que jugarlo y analizarlo antes de que se me adelante Raúl Sánchez y escriba una tesis sobre el tema.

Observa a los monos

Acabamos de ingresar en el Club de Observación de Primates, una misteriosa organización que nos ha proporcionado el software para, desde nuestra propia casa, observar la vida de otras personas a través de cámaras hackeadas. Mediante el correo electrónico, nos realizarán preguntas sobre los primates (sujetos) que estamos observando y, en caso de responder correctamente, recibiremos una gratificación económica en nuestra cuenta corriente. Pero no todo es tan sencillo: para prosperar dentro de la organización y tener acceso a la jaula del Gran Primate, tendremos que comprar nosotros mismos más jaulas (cámaras) y en caso de no hacerlo en un tiempo estipulado, seremos expulsados de la organización. Así que, mientras ejercemos nuestras dotes para el voyeurismo, tendremos que trabajar no sólo para comprar las jaulas sino también para pagar el alquiler y nuestra sustento alimenticio.

Ese es el argumento de Do Not Feed The Monkeys, el juego exclusivo para PC que ha desarrollado la compañía española Fictiorama Studios. Un argumento que, a primera vista, puede parecer algo simple y carente de interés pero que esconde uno de los juegos más inteligentes que he visto en mucho tiempo. Esa simpleza aparente viene dada por los gráficos y la mecánica del juego: gráficos pixelados y una mecánica de apuntar con el cursor y hacer click en los objetos, seleccionando las opciones adecuadas y funcionando, en algunas partes del juego, como si de una aventura conversacional se tratara. Simple como el mecanismo de un chupete. Sin embargo esa simplicidad salta por los aires en cuanto empezamos a jugar.

Nada más empezar podemos ver que tenemos tan sólo dos pantallas en las que movernos. La principal simula una mesa de escritorio con nuestro ordenador, donde encontramos nuestra aplicación para vigilar a los monos, el correo electrónico, un navegador para hacer búsquedas y un calendario. Según avancemos en el juego se añadirán otras aplicaciones, como un chat o una aplicación para compras. Lo más importante será el reloj del ordenador, que nos indicará en que hora del día nos encontramos. Eso marcará el tiempo en el que tendremos que hacer determinadas cosas y el avance del juego. La otra pantalla nos muestra la puerta del apartamento, una cama y una nevera. Desde allí atenderemos a las visitas, comeremos y dormiremos para recargar nuestro indicador de energía, determinado a su vez por otros dos indicadores, el de sueño y el de hambre. Si los tres llegan a cero, se acabó nuestra vida como voyeures. Observar al prójimo es sencillo, anotar sus acciones en nuestro cuaderno también. Lo complicado es lo otro, lo que enlaza el juego con nuestro día a día diario, es decir obtener dinero para sobrevivir, comer lo adecuado, dormir lo que toca, lidiar con vecinos gorrones,…. Ahí es donde lo han clavado.

Como si la realidad nos hubiese atrapado, los trabajos que podemos desempeñar implican varias horas con sueldos de mierda que apenas nos permitirán comprar comida basura; las cámaras que debemos comprar para subir de nivel y observar a más monos son carísimas; la casera nos cobra un dineral cada dos días (si, reíros de los alquileres de 800 euros o más que aquí pagaremos 90 euros cada dos días por un cuchitril); total, que no nos llegarán las horas del día para todo ya que, si trabajamos, no podremos vigilar a los monos y si vigilamos a los monos no podremos trabajar o dormir para reponer fuerzas. Encima hay jaulas en las que no pasa nada durante horas y justamente pasa algo cuando estamos durmiendo o trabajando o hemos salido a comprar yogures. ¿Cómo podemos aumentar nuestros ingresos? Pues como todo el mundo sabe, trabajando 8 horas al día y siendo buenas personas no nos va a llegar más que lo justo para sobrevivir así que tendremos que decidir: o somos honrados y cumplimos con lo que la sociedad nos pide o nos lo pasamos todo por el forro y elegimos el camino del triunfador, mandando nuestros escrúpulos a paseo.

Pero, ¿acaso no lo hemos hecho ya al dedicar nuestro tiempo a espiar al prójimo de forma totalmente ilegal? Es en este punto cuando el Do Not Feed the Monkeys, el No alimentes a los monos que nos han dicho al ingresar en la organización, entra en acción. Que te digan que no pienses en elefantes rosas es activar un mecanismo por el que, automáticamente, te pones a pensar en ellos. Que te digan que por nada del mundo interactúes con los sujetos que estás observando es una invitación a tratar de sacar provecho de esas situaciones y más cuando te das cuenta que, algunas de esas situaciones, son lo suficientemente indiscretas y/o ilegales como para no sacar tajada. Es el mercado, amigo. Así pues, ya veréis como dormir, comer, comprar e interactuar con los vecinos no sale rentable y es mejor putear al cartero cegato y quedarte con el paquete de otro para revenderlo en el mercado negro y que sale más a cuenta chantajear a una estrella de cine con fotos comprometedoras que cargar cajas durante 4 horas en un almacén, por muy digno que esto último pueda parecernos.

Menos mal que este chute de realidad se mezcla con las historias que observamos en las jaulas, así como con las noticias que, al empezar cada día, vemos en el periódico que tenemos sobre la mesa. Inmersos en plena campaña política donde está en juego la re-elección de un presidente de dudosa moralidad, que puede que sea apoyado (o no) por un gurú de Internet y las rr.ss., veremos como la sociedad vive inmersa en una vorágine de inseguridad y violencia donde la economía ha llegado a un punto en el que un trabajador le debe dinero a su empresa por ir a trabajar. Vamos, lo normal.

El cartero — Si un cartero cegato llama a tu puerta, quedate con el paquete del vecino

Do Not Feed the Monkeys es, como ya he señalado, un juego muy inteligente y que figura por méritos propios en las listas de los mejores del año, al lado de auténticos pesos pesados. Es imposible no conectar el juego con la realidad circundante. No sólo mira de reojo la vida sino que pone sobre la mesa la moralidad de nuestros actos. Por si fuera poco, la jugabilidad es bastante alta. Al poco de empezar ya te quedas enganchado intentando observar las jaulas y los primates al tiempo que miras el indicador de salud y es entonces cuando todo se te viene encima: tengo que comer, tengo que trabajar, tengo que dormir, tengo que vigilar, trabajar, comer, trabajar, descansar, vigilar, investigar, comer, comprar, café, necesito café. No tengo tiempo para nada y se me va la vida. Menos mal que no hay Netflix en el juego porque ya sería la puntilla definitiva. En mi primera partida acabe en el hospital por agotamiento, donde estuve 5 semanas. Me echaron a patadas del Club de Observación de Primates, la casera me cambió el cerrojo por no pagar el alquiler (aquí no hay derechos que valgan) y la policía me metió entre rejas por voyuer. Lo bueno es que puedo volver a empezar, con nuevas cámaras y nuevas historias, jugando a ser Dios o portándome como un buen mono, sin salirme del camino. Os dejó. Llevo 8 días, me quedan 9 jaulas por comprar, la casera llama a mi puerta, no tengo pasta y en la jaula 8 hay actividad. Un saludo, sed felices y no alimentéis a los monos.

¿Por qué todo el mundo debería ver la primera temporada de Isabel?

Fernando Vílchez

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13 diciembre, 2018

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¿Por qué todo el mundo debería ver la primera temporada de Isabel?

En esta sacrosanta web procuramos defender lo nuestro, siempre que se lo merezca. Así, hemos seguido muy de cerca la producción de Diagonal TV, en la que participaron de forma muy activa los hermanos Javier y Pablo Olivares, a los que admiramos desde que analizamos en profundidad la meritoria El ministerio del tiempo y tuvimos la oportunidad de entrevistar a Javier. Hoy es el turno de recomendar una serie precursora de esta, pero mucho más ambiciosa en su planteamiento. Hablamos de Isabel, biopic de la Reina católica que se divide en tres temporadas. En este artículo abordaremos la primera de ellas y la razón por la cual todo el mundo debería verla.

SU PRINCIPAL VIRTUD ES EXISTIR

Orson Welles, el principal adalid de una adaptación de Don Quijote al cine

Vayamos a lo más básico, y lo más obvio: la historia de España tiene mucho que ofrecer a guionistas y literatos. No solo por acontecimientos de vital importancia para el devenir del mundo occidental, si no por el carácter aventurero que siempre nos ha caracterizado y los grandes personajes que han adornado nuestro pasado. Tan cierto es esto como que la historia de nuestro país ha sido muy desaprovechada, en primer lugar por nuestra industria. Llama mucho la atención la gran cantidad de largometrajes españoles sobre la Guerra Civil y que todavía estemos esperando la gran película sobre la Guerra Civil. Que Stellan Skargard sea un soso Goya dirigido por Milos Forman. Que el Quijote haya sido una obsesión de Orson Welles y Terry Gilliam. Que Cristobal Colon fuera Gerard Depardieu bajo la batuta de Ridley Scott. Que las mejores películas sobre la llegada de los conquistadores a América sean de Werner Herzog y Mel Gibson.

Por eso, aunque pudiera parecer una obligación que la cadena pública emita una serie con clara intención didáctica acerca de la vida de los Reyes Católicos, no deja de ser una sorpresa y toda una rara avis en la televisión española.

UN GUIÓN A PRUEBA DE HIERRO

Todo lo dicho anteriormente queda muy bien, pero uno no disfruta de una serie solo con las buenas intenciones. Isabel tiene un hándicap que echa para atrás desde el primer momento. No, no me refiero a que sea española, si no que, al igual que la maltratada El ministerio del tiempo, sus capítulos se alargan hasta la hora y cuarto. 75 minutos que podrían hacerse muy largos. Por fortuna, no es así. De hecho, apenas hay concesión al relleno. Hay mucho que contar en esta primera temporada de Isabel y no es fácil conseguir que entretenga. Por fortuna, los hermanos Olivares lo consiguen.

La primera temporada de Isabel abarca el periodo que va desde el anuncio del nacimiento de Juana, la primera hija del rey Enrique IV, hasta la coronación de Isabel como reina de Castilla. Entre medias, transcurre una historia en la que la prioridad son las intrigas palaciegas, pero que también maneja otros aspectos del poder con el retrato de varios de sus personajes. Un buen ejemplo es el capítulo dedicado a Pedro Girón, villano al que el destino le acaba jugando una mala pasada por una acción tan maligna como aparentemente intrascedente, lo que acabaría cambiando la historia de Isabel y, por tanto, la historia de nuestro país.

UN CASTING BASTANTE AFORTUNADO

La primera temporada de Isabel cuenta con un reparto con lo más granado de la televisión. Fue muy polémica la elección de Michelle Jenner como Isabel, pero a mí me parece un acierto. Jenner tiene un rostro tan bello como aniñado, lo que crea un curioso contraste entre el aspecto angelical y el estricto carácter de la reina católica, un personaje que en muchos momentos nos acabará exasperando por sus convicciones religiosas.

La réplica se da la Rodolfo Sancho, que ya era santo de mi devoción en el Ministerio del tiempo, y que lo borda como Fernando, un galán amante de la guerra y con talento para la política. La relación matrimonial es de lo mejor llevado de la serie. En lo personal, se desean. En lo “profesional”, a Fernando, un hombre que esperaba poner en su sitio a Isabel, le saca de quicio el carácter de su esposa. La grandeza de uno choca con la del otro.

Pablo Derqui interpreta a un pusilánime Enrique IV, uno de los personajes más complejos de la serie. Un rey que no quiere serlo, indeciso, asaltado por los rumores acerca de su hombría y fácilmente influenciable. Bárbara Lennie es Juana de Avís, su esposa, el personaje con mayor carga dramática de la serie y el principal reflejo de las consecuencias del poder para una familia.

Juan Pacheco, marqués de Villena y el gran villano de la serie, está interpretado magistralmente por Ginés García Millán, que lo borda como un manipulador nato que jamás deja de intrigar con tal de lograr sus objetivos. Os sorprendería la gran cantidad de giros con los que cuenta la trama. Desde luego, George R. R. Martin contaba con material de sobra para inspirar su conocida saga Canción de Hielo y Fuego. Su principal contrapunto es Pedro Casablanc, que cumple como Alonso Carrillo, Arzobispo de Toledo. Además, aparecen Ramón de Madaula como el principal consejero de Isabel, Pere Ponce como otro de los miembros del consejo de la futura reina o Sergio Perís Mencheta como un gallardo Gonzalo Fernández de Córdoba, el que luego sería El gran capitán, uno de los más conocidos militares de la historia.

UNA AMBIENTACIÓN CORRECTA.

Isabel es una serie meritoria también por su limitado presupuesto. No es una temporada que se caracterice por grandes batallas, aunque las dos que aparecen consiguen solucionarse con solvencia. Algo similar a lo ocurrido en la primera temporada de Juego de Tronos. Lo que sí funciona es el uso de interiores, que abunda en la serie, y los ropajes de los actores, que nos ayudan a trasladarnos al siglo XV castellano y aragonés.

CONCLUSIONES

Isabel es una notable serie histórica que refleja la lucha por el poder en la Castilla del siglo XV. Es un fresco sobre la ambición, la política, la guerra y el pensamiento de la época que, además, actúa con fines didácticos al contarnos con todo lujo de detalles sobre los reyes que concibieron España tal cual es ahora. Muy recomendable.

Sed felices!

Análisis de Counterpart. Temporada 2. Capítulo 1

Pablo Ferrer

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13 diciembre, 2018

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Análisis de Counterpart. Temporada 2. Capítulo 1

Ha sido una larga espera pero por fin llegó el día. La serie más conspiranoica y minuciosamente construida del momento ha regresado. Y lo hace pisando fuerte, recordándonos los motivos por los que se ganó ese estatus con un capítulo repleto de matices y anzuelos nuevos con los que, como buen público masoquista y rebuscado que somos, poder regocijarnos y explayarnos en centenares de teorías erróneas y salidas de vueltas. Antes de entrar en materia, dejo por aquí un link a los análisis pasados por si queréis refrescar alguna cosa de la temporada anterior.

Nuevas caras y nuevos dilemas

El capítulo de comienzo con una secuencia marca de la casa: polígrafos, secretismo, tecnología desfasada… En este caso todo contribuye a la presentación del personaje de Naya, una agente de la unidad de contraespionaje del FBI. Durante la entrevista que la mujer tiene con un altavoz, podemos entrever como ella lleva un tiempo siendo sometida a diferentes pruebas para verificar su aptitud para dar el siguiente paso: exponerla a la realidad de la existencia de ambos lados. Dirección la quiere por su habilidad para entender y detectar a los infiltrados para que, con sus propias palabras, «cace a un tipo de espía muy especial». Y no tarda mucho en empezar.

El nuevo y aparentemente más profesional Peter, consciente de las implicaciones de la llegada de Naya al departamento, se halla en una compleja situación al estarle ella exigiendo la captura del embajador Claude Lambert. Pero Lambert sabe demasiado y puede terminar implicándole, motivo por el que Quayle terminará recurriendo a su vínculo con el otro lado: Clare. La situación entre ambos sigue notablemente fría pero al menos hay un entendimiento tácito y hablan sin tapujos de cómo Peter le da constantes chivatazos para que Lambert pueda escapar siempre de sus continuos intentos por atraparlo. Pero su situación ha cambiado con Naya y ahora necesita algo que poder darle para que no se le eche encima. El clima no tarda en ponerse tenso y Clare muestra reticencias a la hora de darle algo. Ambos se ven interrumpidos por el llanto de la niña. Un llanto que en realidad ninguno de los dos parece querer atender, pero eso no es lo único turbio. Cuando por fin Peter se decide a ir, se encierra en una habitación con una sorprendente cantidad de cerrojos y pasa la noche allí. No es hasta el día siguiente que obtiene el chivatazo de Clare que necesitaba: Edgar Brandt, el mensajero y portador de la valija diplomática de la temporada anterior.

El resurgir del pasado

Otro nuevo elemento con el que ha empezado esta segunda temporada, es el regreso de Emily. La antaño en coma mujer de Howard Silk, ha despertado y empieza un lento camino de reinserción y adaptación al mundo de los vivos. El problema aquí es más que obvio: no está volviendo al hogar que dejó. No se sabe exactamente el lapso de tiempo que pasa de una temporada a otra, pero viendo la progresión en personajes como Peter y su dinámica con Clare, no me sorprendería que hubiesen pasado semanas o incluso meses. Esa franja de tiempo es más que suficiente como para que un hombre como Prime se haya acomodado a su nuevo estilo de vida. Es por eso que cuando Emily regresa, nada parece estar en su sitio, aunque para ella ni siquiera sus recuerdos están donde deberían. Si a esa amnesia que padece le sumamos el shock de regresar a un hogar cambiado, la angustia de convivir con un marido distinto y el no sentirse a gusto con ella en sus recuerdos; la estabilidad de Emily no tarda en resquebrajarse y evidenciar que hay algo que no va bien.

Y por si eso no fuera suficiente, Howard y Emily están siendo vigilados. Cuando regresan a casa una noche, Prime se percata de la presencia de alguien observándoles y a pesar de coger un arma y salir raudo en su búsqueda, no consigue darle caza. Pero si algo quedó demostrado en la anterior temporada, es que Prime no es un cualquiera y lo demuestra atando cabos rápidamente, asociando ese repentino espionaje a los quehaceres de la mujer de Peter. Asociación que termina teniendo una confirmación al final del capítulo cuando Clare hace acto de presencia en su casa y ambos mantienen un breve pulso autoritario, en el que ella demuestra estar al tanto de todo lo que pasa.

Tensiones y paranoias

Como he mencionado antes, Naya no tarda mucho en empezar su caza y resulta ser sumamente hábil y perspicaz. Tanto en la conversación con Prime como en la de Peter, consigue ponerlos entre la espada y la pared, mostrándose ya algunas reservas y puntos a explotar en un futuro. Con Prime repara en una sospechosa indiferencia ante lo que para cualquier otro supondría un hecho traumático, siendo este el descubrimiento de que alguien querido te haya estado engañando durante toda la vida. Y con Peter las fisuras son todavía más evidentes al interesarse ella por su fuente tras la captura de Brandt. Peter nunca se ha caracterizado por funcionar bien bajo presión y, a pesar de lo maduro y sosegado que se muestre durante parte de este capítulo, esos vestigios todavía le acechan y se muestra realmente inseguro por primera vez en el episodio. De hecho, eso termina desencadenando en Quayle la necesidad de enfrentarse y revivir de nuevo tensiones con Clare y replantearse su estrategia, llegando al punto de hacerse la grabación final confesando ser Sombra como seguro para proteger a su hija en el caso de que algo le pasase.

Y es que Naya parece que va a tener un rol especial en la temporada, prueba de ello es la continua comunicación que parece estar teniendo con Dirección, estando en ella depositada toda su confianza. Pero, hablando de Dirección, ahondemos un poco en la críptica escena final en la que, ligeramente, se nos perfila un poco su funcionamiento. Parece ser que Dirección son un cúmulo de llamémosles sabios, que se comunican por una suerte de Skype un tanto anticuado y poco ortodoxo. Pero no es en lo rocambolesco del aparato en lo que quiero reparar, sino en la breve conversación que estos 4 individuos mantienen:

AVALON: Todos sabemos quién está detrás de esto…
WEZA: Tiene que ser ella.
KEILBERG: Mira está muerta.
AVALON: Nunca fue probado.
MYXINE: ¿Crees que nos lo ocultaron?
WEZA: Tenemos que contactar.
AVALON: Envíales un mensaje.
¿Todo el mundo de acuerdo? (Avalon termina cerrando la sesión tras decidir que sí)
Conversación final entre los miembros de Dirección

Sin título 4 — Confirmación de que el hombre del final es Avalon

Plantando semillas

Counterpart regresa como si nunca hubiese estado ausente y nos brinda una nueva etapa en la conspiranoica y ficticia Berlín. Un buen capítulo que planta semillas a desarrollar en la temporada a la vez que perfila la progresión y desarrollo de los personajes.

Aldrich está muerto y ha sido utilizado como chivo expiatorio en lo que parece ser una campaña protagonizada por Clare para atar cabos sueltos -como vemos en una de las primeras escenas en la que asesina a Alice, la ex-secretaria de estrategia desertora-. Pero Sombra también recibe un encargo del otro lado especialmente interesante: activar la última célula durmiente. Digo yo, ¿no es mucha casualidad que tras ese nuevo objetivo, Clare haya decidido visitar a Emily? Si resulta ser el caso, célula durmiente nunca fue un término más apropiado. ¿Y qué pasa exactamente con la hija de Clare y Peter? ¿Quién es la Mira de la que hablaban los de Dirección? ¿Qué ha pasado con el Howard que está en el otro lado?

Estas son tan solo algunas de las preguntas que empiezan a acuciar mi mente, pero los misterios y detalles que todavía perviven son numerosos. Y es que Counterpart se está reivindicando como un referente de gestión de información y del secretismo en el mejor sentido posible. Pocas series he visto que estén tan bien pensadas y repletas de plantings y detalles en diálogos o escenarios. Sea lo que sea, veremos qué nos depara Counterpart la semana que viene…

El boom de Re:Zero y el problema de las novelas ligeras en España

Ex colaborador de la web

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13 diciembre, 2018

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El boom de Re:Zero y el problema de las novelas ligeras en España

Re:Zero es sin duda un fenómeno mundial. Desde que su serie de animación se estrenase en 2016, su comunidad de fans no ha hecho más que crecer y crecer. El motivo de su éxito no es del todo seguro, pero quizás puede deberse a la reinvención de la fórmula de Sword Art Online, mantenido sus puntos esenciales, un protagonista perdido con el que es fácil empatizar, un inmenso y variado elenco de waifus a elegir y un mundo fantástico que desconocemos listo para ser explorado.

A nivel personal debo confesar que en su día la serie me pareció entretenida. No es ninguna obra maestra, pero es original dentro del género isekai, y tiene las dosis justas de acción y amor como para captar mi interés. Se ve que no he sido el único, puesto no ha dejado de salir material de la serie desde que terminó su primera temporada. Dejando a un lado los ovas y aquella posible segunda temporada que se avista en el horizonte, Re:Zero está empezando a probar suerte en el ámbito de las letras y el papel. Seguramente los fans más acérrimos ya lo sepan, pero el origen de esta serie se encuentran en las novelas ligeras escritas por Tappei Nagatsuki e ilustradas por Shinichirou Otsuka. La historia comenzó como una novela web, que debido a su éxito fue publicada en físico en el formato de bolsillo japonés. Pero claro, llevo aquí ya un rato hablando de novelas ligeras y todavía no he explicado qué son exactamente. Pues aunque su mismo nombre resulte orientativo, en realidad es algo más complejo. Las novelas ligeras son historias cortas, de unas 50.000 palabras, que se centran en la acción frenética y los diálogos. Se considera pues literatura juvenil y aunque se sobre entiende que no es una lectura excesivamente difícil las hay de todo tipo, más largas, más cortas, más complejas, más sencillas, etc.

11C89E585 930x520 — Ejemplo de novelas ligeras en un estante de una tienda en Japón.

Suelen estar muy ligadas al manga y al anime, pues las editoriales que las publican acostumbran a trabajar o estar relacionadas con otras empresas especializadas en estas disciplinas. El éxito de este formato en Japón se debe tanto a su tamaño (recuerdan a las novelas del oeste esas que leían nuestros abuelos), como a su comodidad a la hora de leerlas, puesto que pueden ser leídas en el metro, en el bus, en un descanso entre clase y clase, etc. Por supuesto, cuando un producto funciona se explota, y una de las ventajas es que debido a su corta duración, un solo autor puede escribir una cada mes o cada dos meses, llegando a publicar unos 4 o 5 volúmenes al año, lo que permite que su precio sea más barato que el de una novela tradicional, costando entre 700￥ y 1100￥ (de 7 a 11€).

El problema surge cuando intentamos adaptar este formato al mercado occidental. Para empezar, la idea del tamaño parece no terminar de convencer a los editores europeos, que se empeñan en publicar las historias como si fueran novelas tradicionales. Las novelas japonesas miden (10.5 cm × 14,8 cm) mientras que las españolas se mantienen en un tamaño A5 (14,8 cm × 21 cm). Para que esto no cante demasiado, el tamaño de la fuente se aumenta haciendo que el libro parezca más largo de lo que es en realidad, cuando lo que se busca es todo lo contrario, “que sea ligero”. Si a todo esto se le suma la compra de licencias, derechos de publicación y el sueldo de los traductores, lo que obtenemos como resultado es este intento de adaptación de la historia de Re:Zero por parte de Planeta Cómic a 20€.

re zero kara hajimeru isekai seikatsu 03 — Portadas de las novelas ligeras de Re:Zero en Japón.

Casos similares se están dando con las novelas sobre las películas de Makoto Shinkai o la famosa SAO, pero claro, en una serie tan extensa como Re: Zero, que cuenta con 9 volúmenes, 2 libros de cuentos y otros 2 de historias alternativas, es una completa locura mantener estos productos a este precio. Para que os hagáis una idea, el primer volumen en físico, original, en japonés, cuesta 626￥ (4,28 € aprox.) en Amazon, mientras que en la misma web, la versión española en físico sale por 19€.

La llegada del manga y las novelas ligeras ya es oficial, pero quizás esa frase de “los fans de Re:Zero están de enhorabuena” se merece las comillas más que nunca.

Las series que nos hacen felices: Walter Melón

José Carlos García

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13 diciembre, 2018

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Las series que nos hacen felices: Walter Melón

¡Hola una vez más gente! Hacía un tiempo que no volvía a hablaros de una serie de dibujos, y ya tocaba hacerlo, en especial si se trata de una que espero que a más de una persona le despierte recuerdos positivos si la conoce. No quiero perder la oportunidad de recordaros que mis dos últimas contribuciones a esta sección de las series que nos hacen felices fueron Colombo y Ash vs Evil Dead, las cuales podéis leer clickando en los títulos. Pues bien, mi elección de hoy, de la que a continuación os dejo el vídeo de la introducción, es la del héroe de alquiler… ¡Walter Melón!

https://www.youtube.com/watch?v=F4uwPpbs09w

Es posible que sea una gran desconocida porque no se emitió en muchos canales y apenas goza de reposiciones, al menos en cuanto a los canales españoles, pero Walter Melón es una serie que adapta libremente la historieta franco-belga de Aquiles Talón del artista Michel Regnier, más conocido como «Greg». Emitida por primera vez en 1997 y por última en 1998, esta serie de dibujos llegó a los 52 episodios. ¿Pocos, muchos? Como en muchas cosas, la respuesta depende de si, en caso de que la hayáis visto, os gustara o no. En cualquier caso, uno se lo pasaba bien viendo las aventuras de Walter Melón junto a su ayudante Erastus Bitterbug.

¿De qué va esta serie? Walter Melón es un héroe de alquiler que se gana la vida sustituyendo a superhéroes de verdad. Cuando éstos no podían estar en activo por distintas razones (por estar enfermos o haber tenido algún tipo de accidente), contrataban los servicios del bueno de Walter, un tipo gordito con una nariz tan larga como la del Pinocho más mentiroso, y que además tenía una suerte de campeonato. Y claro está, tanto Walter como Bitterbug, una vez que reemplazaban a sus clientes, debían hacer frente a los enemigos de turno o las amenazas que surgían durante la sustitución.

¿A quiénes reemplazaba Walter? La lista es larga y famosa, pero hemos podido ver a nuestro rechoncho y simpático protagonista sustituyendo a Batman, las Tortugas Ninja, Superman, al Zorro, a Luke Skywalker, a alguno de los Power Rangers o los Mosqueteros, e incluso a personajes como James Bond o Fox Mulder, y eso por citar tan sólo a algunas de las sustituciones más golosas que se ven a lo largo de la serie.

La experiencia de ver estos dibujos era divertida, porque realmente tenían esa finalidad en sus comienzos, al margen de que terminaran introduciendo personajes históricos para incorporar un carácter más educativo a las vivencias de Walter y Bitterbug. Tanto en sus comienzos como en el final merecía la pena. ¿Acaso no es llamativo ver desfilar por cada capítulo a personajes del cómic, el cine, las series o la historia? Si además de ello se aprendía un poco, pues fantástico. La única pena, al menos en mi caso, es que esta serie desapareciera casi por completo de la parrilla televisiva española pocos años después de ser novedad. Entiendo que hay tantas y tantas opciones para emitir en televisión en cuanto a dibujos animados, que es imposible que todas las series que hemos visto y nos han gustado sigan gozando de su protagonismo en pantalla.

Y como en esta sección me apetece volver a hablar de series que a día de hoy parecen olvidadas o sobre las cuales las nuevas generaciones no conocen su existencia, me parece que ya tocaba darle su momento de gloria a Walter Melón. Es cierto que los capítulos seguían un esquema similar, y que el villano de cada personaje al que sustituyen Walter y Bitterbug es el mismo personaje con distinto papel, pero cuando uno es niño y disfruta con algo, no creo que se coma el coco valorando las ventajas o desventajas de que una serie repita esquema en cada nueva aventura. A fin de cuentas, con el recuerdo de esta serie me viene una sonrisa al rostro, y eso me parece que es un buen botín habida cuenta de la cantidad de años que han pasado desde que la vi cuando empezaban a emitirla en televisión.

Walter Melón 3 — ¡Aquí sólo hay sitio para un Robin Hood!

Y esto es todo por mi parte, espero que para las personas que hayan visto esta serie le hayan venido a la mente algunos recuerdos positivos de la misma, y respecto de las personas que no la han visto pero tengan curiosidad después de leer el artículo, les animo a darle una oportunidad y buscarla por internet. Si queréis compartir cualquier impresión no dudéis en dejar un comentario que os responderé en cuanto pueda. ¡Hasta otra!

Análisis de Doctor Who: Temporada 11. Capítulo 10: La batalla de Ranskoor Av Kolos. Final de temporada

Toni CE

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12 diciembre, 2018

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Análisis de Doctor Who: Temporada 11. Capítulo 10: La batalla de Ranskoor Av Kolos. Final de temporada

Buenos días Whovians y curiosos de Doctor Who, la serie de ficción más longeva de la historia. En Las cosas que nos hacen felices os traemos otra semana más el análisis del capítulo de la semana, finalizando con este capítulo la temporada 11 a falta del especial de navidad que este año lo tendremos para año nuevo, el 1 de Enero de 2019. Además tenemos una buena noticia, y es que esta semana se ha confirmado que Jodie Whittaker volverá a encarnar a la Doctor en la temporada 12, algo de lo que se dudaba según la rumorología. La temporada 12 se estrenará durante el año 2020. ¡Allons’ y!

El siguiente artículo está lleno de SPOILERS, doy por hecho que habéis visto el capítulo o que no os importan que os destripen el capítulo.

En el capítulo de esta semana el guión corre a cargo del Showruner de la serie, Chris Chibnall. EL capítulo ha sido dirigido por Jamie Child, quien vuelve a ponerse a los mandos después de varios capítulos esta temporada. Entre los actores invitados tenemos a Percelle Ascott como Delph, a Phyllis Logan como Andinio y a Mark Addy caracterizando a Paltraki.

La batalla de Ranskoor Av Kolos

Nos encontramos en un páramo desierto alejado de toda civilización, presentándonos dos personajes nuevos: una mujer de mediana edad que parece estar haciendo una prueba a su aprendiz, un chico más joven. Ambos van vestidos con túnicas y tienen unas marcas en los mofletes. De repente, al chico se le iluminan los ojos provocando una reacción en las piedras, hasta que su maestra le pide que pare, ya que un haz luminoso ha aparecido cerca de ellos, lo que parece ser una figura humanoide al estilo terminator. Los dos agachan la cabeza en señal de devoción, pero antes de que podamos ver de que se trata, acaba la escena. Dan la sensación de ser unos religiosos esperando a su mesías.

Volvemos 3407 años después, ahora sí, con la Doctor y el resto del grupo. La Doctor recibe una llamada de ayuda proveniente de planeta llamado Ranskoo Av Kolos. Como no podía ser de otra manera, la Doctor está decidida a conocer la raíz del problema y a ayudar a solucionar sea cual sea el motivo de la pedida de auxilio . Ellos no pasan de largo como el resto, le llega a decir a Graham. Gracias al análisis de la TARDIS saben que el planeta está lanzando ondas psicotrópicas violentes a través de su atmósfera, por lo que la Doctor reparte unos estabilizadores neuronales a cada uno para evitar que estas ondas distorsionen sus mentes. A continuación se teletransportan a una nave que se encuentra en la superficie del planeta anteriormente mencionado, pero una vez que se encuentran allí, se topan con un hombre que apunta a la Doctor con un arma. Una vez que la doctor conversa con él yle explica que ellos no son los malos, esta le da un estabilizador neuronal para estabilizar su mente y consigue que baje el arma. Yaz encuentra un interruptor y consiguen junto a la Doctor poner en funcionamiento la nave. Gracias a esto ven que la tripulación original era de 4 personas y que el hombre que apuntaba a la Doctor es el comandante de la nave. Poco a poco, el comandante va recobrando la memoria y nos dices su nombre: Paltraki. A continuación reciben un mensaje en la nave, se trata de una mujer -con las mismas marcas en los mofletes que los dos personajes del principio- que pide a Paltraki que vuelva con ellos, ya que El Creador así lo ordena. Junto a esta mujer aparece en la videollamada nada más y nada menos que Tzim-Sha, el villano del primer episodio y causante de la muerte de Grace. Tzim-Sha tiene secuestrada a la tripulación de Paltraki y a cambio de su libertad pide que devuelva un mineral que Paltraki tiene en su poder. La doctor inspecciona este mineral con el destornillador sónico, que parece ser es de tecnología Stenza pero no logra conocer demasiado debido a su gran densidad, aunque a pesar de eso no es demasiado pesado y es perfectamente transportable, por lo que la Doctor se lleva el mineral consigo y se ponen en marcha a ayudar a liberar la tripulación de Paltraki.

De camino, Graham y la Doctor tienen una conversación, este le dice que no dudará en vengar la muerte de Grace, a lo que la Doctor le responde que eso le llevaría a ser igual que él, por lo que si le mata dejará de ser su acompañante. Una vez afuera de la nave, en la superficie del planeta ven un terreno desolador, con multitud de restos de chatarra y una espesa niebla. La Doctor reparte en el equipo comunicadores y algunos objetos más por si necesitan abrir puertas, cerraduras o tirar alguna pared. Al horizonte ven una especie de nave flotando y una vez que llegan allí, son succionados al interior. El equipo se separa una vez dentro, la Doctor manda a Paltraki y Yaz a reconocer el lugar mientras que Graham y Ryan intentan salvar a la tripulación de Paltraki. La Doctor irá en busca de Tzim-Sha. Ryan y Graham son sorprendidos por unos robots tiradores, pero estos se disparan entre ellos en un fuego cruzado. Bastante decepcionante la resolución de este peligro.

La doctor en su búsqueda de Tzim-Sha se encuentra con la mujer que vimos al principio del capítulo. Su nombre es Andinio y pertenece a la raza UX, una raza milenaria con solo dos miembros. Indinio quiere recuperar el mineral que tiene la Doctor en su poder. Mientras la Doctor negocia con Indinio, tenemos noticias del resto del grupo: Yaz y Paltraki son atacados por un grupo de robots tiradores, pero son fácilmente aniquilados gracias a la gran puntería de Paltraki. ¿Por qué Yaz siendo policía no usa un arma? Supongo que ya sigue las enseñanzas de la Doctor. Finalmente llegan a un altar en el que se encuentran con más minerales. Por otro lado, Graham y Ryan llegan a una sala dónde encuentran a la tripulación de Paltraki y varias personas más atrapadas en unas cápsulas parecidas a la que usaba Goku en Namek para recuperarse.

La doctor por fin se ve a cara a cara con El Creador. Un Tzim-Sha malherido y 3407 años después desde el día en el que la Doctor le derrotó y mandó a ese planeta, dónde se encuentra atrapado y sin poder morir. Su plan de venganza no es demasiado original, ya que se trata de destruir La Tierra. La Doctor sale corriendo en busca del resto del grupo y los UX. Yaz y Paltraki se encuentran con el otro UX, el joven -o al menos antes- Delph, que se encuentra en un altar de tecnología Stenza. Los dos UX se conectan mediante el altar siguiendo las órdenes del que llaman Creador aunque esto signifique continuar con el plan de destruir La Tierra. Mientras esto ocurre, Graham y Ryan logran a sacar a todas las personas de las cápsulas y todos, excepto Graham, salen de la nave. Graham quiere vengarse de la muerte de su fallecida esposa.

La Doctor y Yaz piensan como detener a los UX. Las dos mentes del grupo dan con una solución que no sea desconectar y matar a los UX. El plan que se les ocurre es bloquear la señal colocándo los estabilizados neuronales a los UX aunque eso signifique verse afectados por las ondas del planeta. ¡Todo sea por salvar a La Tierra! Los UX vuelven a recobrar la conciencia tras colocarles los aparatos. La Doctor les cuenta que El Creador que ellos llaman es una estafa y los ha utilizado para intentar matar a personas inocentes. De repente los minerales se vuelven inestables y no pueden ser más controlados. Los cinco planetas que se encuentran en su interior van a terminar causando un daño colateral si no vuelven los planetas a sus respectivos lugares del universo. Los UX son capaces de lograrlo, pero para seguir con el plan la Doctor llama a su monumento fantasma, apareciendo la TARDIS en su ayuda. Una vez dentro de la nave Delph se conecta a la TARDIS mediante un circuito telepático y logra hacer que los planetas vuelvan a su orden original.

Graham por otro lado se encuentra con Tzim-Sha, al que no es capaz de disparar más allá de herirle en el pie para evitar que ataque a Ryan, que acabó apareciendo en escena. Juntos logran reducirlo y encerrarlo en uno de los contenedores dónde se encontraban los rehenes.Una vez el peligro pasado, el grupo vuelve a juntarse. La Doctor se enorgullece de la valentía de Graham, quien logra vencer sus deseos de vengarse y convertirse en un asesino. Los UX se unen a la tripulación de Paltraki ahora que ya no están corrompidos por un falso Dios. ¿Quién sabe las aventuras que les esperan?

¿Donde está la batalla de Ranskoor Av Kolos?

Creo que después de ver este final de temporada el sentimiento que tenemos muchos fans de la serie es de decepción. ¿Es este un mal capítulo? Pues realmente no es especialmente malo. Es un capítulo entretenido y poco más, pero el problema son las expectativas que teníamos. En las últimas temporadas de New Doctor Who hemos tenido unos finales de temporada épicos,memorables e importantes para la historia, la mayoría firmados casualmente por Moffat. Y este capítulo peca de eso precisamente, de las expectativas que teníamos de un capítulo que podría ser perfectamente el segundo de la temporada o el sexto. Es un capítulo totalmente prescindible, y quizás injustamente pienso que un final de temporada de Doctor Who tiene que tener una trama de peso que tenga consecuencias en la historia. El único giro que ha tenido el capítulo ha sido la vuelta de Tzim-sha, que la mayoría teníamos su vuelta con una equís en la quiniela. No ha sido nada sorprendente y la manera de mostrarlo ha sido como si nadie esperara ese giro. Un villano que una vez más no tiene apenas importancia, más allá de servir para hacer girar y continuar la historia con un elemento de peligro. Un villano sin carisma, sin peligro, el modo que tiene Graham de acabar con él es mediocre, por muy malherido que esté. El monstruo de los dientes puede servir para un capítulo, pero actualmente con tan poco desarrollo de los Stenza no sirve para villano de temporada y no creo que haya demasiados que se alegren de su vuelta. Su voz está muy conseguida, pero en cuanto aspecto técnico sigue sin encajarme, aunque admito que soy de los que prefieren villanos carismáticos en lugar de los de terror. Y otro capítulo escrito por Chris Chibnall que vemos que no funciona a nivel de guión, con un ritmo lento la primera mitad del capítulo y muy rápido los últimos diez minutos. Esperamos que en la siguiente temporada haya cambios de escritores, porque más allá del episodio piloto, los episodios escritos por Chibnall han sido muy normalitos.

Siendo objetivos y eliminando las expectativas depositadas en el capítulo, tengo que decir que el capítulo ha tenido cosas buenas. La trama de los UX me ha parecido muy interesante, así como que haya una raza milenaria con una población reducida a dos personas ha sido uno de los principales elementos que me han hecho estar pendiente del capítulo. El capítulo resulta ser una crítica a la extrema religiosidad y nos muestran como podemos llegar a adorar a villanos como Dioses. También el misterio del mineral ha sido un buen elemento de intriga y bien llevado. Quizás la justificación ha sido demasiado rápida, y como pasa en varios capítulos de la temporada, quizás el guión hubiera sido funcionado mejor con capítulo doble. ¿Quién hubiera dicho que íbamos a echar tanto de menos los capítulos dobles?

Aunque he hecho una valoración de la temporada por encima, voy a esperar al 1 de Enero para sacar conclusiones y escribir bien sobre ello la temporada completa. Aunque podamos ver este especial de navidad como parte de la temporada 12, creo que conociendo que esta se estrenará en el año 2020 deberíamos de sacar una crítica de la temporada completa en el próximo análisis del capítulo de año nuevo. Espero que hayáis disfrutado con mis análisis al menos la mitad que yo y nos vemos el próximo año.

El Vosque, un mundo fantástico como nunca lo habrías imaginado.

Ex colaborador de la web

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12 diciembre, 2018

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El Vosque, un mundo fantástico como nunca lo habrías imaginado.

El Vosque, un reino fantástico habitado por hadas, elfos y otras tantas criaturas mágicas, dormía. Literalmente. Aquella noche todo parecía en calma. Nadie se podía esperar que estaba a punto de llevarse a cabo un asesinato. Pero no uno cualquiera. Si no EL asesinato. A la mañana siguiente todo el reino quedó impactado cuando se supo la noticia. Un asesino había acabado con la vida del Olmo viejo. El rey de los árboles.

Cirano, el consejero del rey (una monarca rechoncho y glotón que ignora todo lo que no tenga que ver con su desayuno, almuerzo o cena), deberá descubrir quién es el sujeto que ha cometido semejante atrocidad. Para ello contará con la ayuda de la Guardia Forestal del reino, también conocida como Los Maderos, la cual se compone de un alquimista pirómano y una pequeña hada aficionada a la bebida. Pero no estará solo en esta aventura. El consejero mantiene una relación en secreto con la semi-elfa Amanda, la traductora oficial del reino, capaz de hablar no solo con las otras razas, sino también con los animales. Todos estos y muchos más personajes increíbles serán los encargados de armar jaleo en el Vosque, y creedme, se lía una buena.

Este maravilloso cómic me pilló completamente por sorpresa. Un gran amigo, experimentado en estas bastas tierras del cómic me lo recomendó, y su inicio no pudo desconcertarme más. Al contemplar su extensión (450 páginas aproximadamente), y tras haber leído recientemente Leyendas de Erohdar de Cosmin F.Stircescu, supuse que lo que tenía entre mis manos era una historia similar, medianamente seria y compleja. Craso error. No por su complejidad, que la tiene, en el mejor de los sentidos, sino por la seriedad. Esta obra es comedia desde su primera página hasta su última viñeta. ¿Quiere decir esto que no se toma en serio a sí misma? Para nada.

20090415 c2 — Primera página de El Vosque

El Vosque es un proyecto que nace en internet. Sus autores, Morán y Laurille, ambos españoles, son a su vez personajes que forman parte de la obra. Morán, el guionista, está obsesionado con el asesinato, pero ha decido que la mejor forma de llevar a cabo sus sádicos deseos es a través del cómic. Debido al poco éxito de su primera obra ¡Eh, tío! ha decido secuestrar a Laurielle, una chica (no-muerta) con un enorme talento para el dibujo pero cuyas historias no terminaban de gustar a nadie. Así pues, con mucha ilusión y a golpe de látigo, ambos se lanzaron a crear un webcomic. En su página web, podéis encontrar el cómic completo, junto con otras historias del mismo universo como: ¡Arded, maderos, arded!, El elfo inhumano o Jaleo Real. Por si fuese poco, también tenéis viñetas extra protagonizadas por los autores e incluso un diccionario de fantasía, por si os resulta ajeno alguna criatura o cualquier otro término específico de su universo.

woodieheperdidolacuenta — Una de tantas historietas sobre los autores

El éxito del sitio web ha sido rotundo, de hecho, no tardaron en sacar las primeras ediciones físicas de la obra. Los 6 primeros capítulos de El Vosque pueden comprarse en pequeños tomos por separado, o en una superedición conjunta, con tapa dura y contenidos adicionales, tales como historias alternativas escritas y dibujadas por otros grandes guionistas y dibujantes, o los primeros bocetos de los personajes. El precio de los tomos ronda los 5€ (y por 2’50€ más, viene firmado y con el dibujo de un personaje a tu elección) mientras que la tapa dura cuesta 30€.

presentacion de el vosque con sergio moran y laurielle — Portada del tomo único de El Vosque

En lo que respecta al guion, El Vosque ha conseguido crear un universo fantástico cómico, propio y original. Destruye muchos tópicos de la fantasía clásica y de los que restan se mofa continuamente. Ambos autores se consideran fans de Terry Pratchet, de modo que podemos imaginarnos por dónde van los tiros. Aún así, la obra tiene la suficiente personalidad propia como para salir airosa a la hora de hacer comparativas. Su sistema de magia es ingenioso, funciona y da pie a varios conflictos interesantes. La naturaleza de sus razas es única, y sus personajes cuentan tanto con un arco personal como con uno conjunto que sumado al gran desarrollo del argumento principal, permite continuos saltos, y un buen ritmo a la hora de avanzar en la historia. Todo esto, queda envuelto en una serie de gags, chistes y situaciones cómicas que se repiten una y otra vez, manteniendo un humor progresivo que hace que cada coña sea mejor que la anterior.

El dibujo tampoco es que se quede atrás. El estilo de Laurielle se siente como un soplo de aire fresco. Apenas deja rastro de influencia japonesa ni europea. Cada trazo, cada pincelada y cada sombreado parecen tener su firma impresa por defecto. Como una marca de agua que se extiende hasta la última viñeta de la obra, la dibujante ha conseguido con aprobado alto llevar a cabo todo cuanto ha deseado. Desde las escenas más estáticas, pasando por las secuencias o los momentos de acción más trepidante, todo se siente natural y fluido. Por su parte, las expresiones son magníficas y transmiten lo que el personaje siente de forma clara y sin llegar a malentendidos. Casi quinientas páginas y se hace ligero. No es nada fácil.

Un universo mágico con mucho trabajo detrás que vale la pena explorar. La cantidad de sorpresas que os podéis llevar son proporcionales al número de carcajadas que genera. Literalmente.

Reseña de La Brigada Lincoln, de Panini

Carlos María Porras Castaños

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12 diciembre, 2018

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«Quien no conoce su historia está condenado a repetir sus errores»

En esta ocasión me toca traeros un cómic muy especial para mí por varias razones. Primeramente porque como historiador y apasionado de los cómics trato de leer todo el material gráfico que sale. Por otra parte hace unos años descubrí a La Brigada Lincoln, dentro de lo que eran las Brigadas Internacionales y desde entonces me ha interesado el tema. Durante la Guerra Civil (1936-1939), más de 35.000 hombres y mujeres de 53 países distintos acudieron a España en auxilio del gobierno de la II República. Todos ellos formaban las Brigadas Internacionales. La Brigada Lincoln a lo largo de 1937 y 1938, estuvo engrosada por unos 2.800 estadounidenses. La unidad se solía componer entre 400 y 600 hombres. Es por ello que La Brigada Lincoln se convierte en mi recomendación del mes desde Las cosas que nos hacen felices.

Pablo Durá, Carles Esquembre y Ester Salguero los artistas de la obra.

La Brigada Lincoln es el homenaje en forma de cómic a los voluntarios americanos que llegaron a España en 1937 para luchar junto al bando republicano en la Guera Civil. El escritor Pablo Durá ha sido el artífice de la obra. Carlos Esquembre el dibujante llegó al pruyecto para sustituir a Antonio J. Rojo que dejó bastantes páginas realizadas y que abandonó por motivos de salud. Para el curioso no debería serle complicado encontrarlas por el tema de la comparación inevitable. Para La Brigada Lincoln, Esquembre rehuye del dibujo superheroico para hacerlo más realista, más fotográfico. Ester Salguero es quien se encarga del color. Es impresionante el trabajo de documentación que a nivel artístico queda patente en vehiculos, uniformes y armas. En este sentido el cómic es una auténtica delicia.

La Historia de la XV Brigada Internacional. La Brigada Lincoln.

El cómic nos narra la génesis de dicha Brigada. Para ello muy acertadamente nos meten un contexto americano en el que vemos a nuestro principal protagonista, Oliver Law, estar dentro del Partido Comunista en Chicago. En ese momento estamos en una lucha social, el pueblo pide trabajo. Conocemos a Oliver como un activo activista preocupado por la situación del país. Además estamos en un momento en el que el fascismo va ganando posiciones en Europa. Así la Internacional Comunista demanda ayuda del exterior mediante la creación de Las Brigadas Internacionales. Los artífices del cómic nos traen la historia de la XV Brigada Internacional apoyándose en personajes que existieron realmente, siendo el protagonista el ya mencionado Oliver Law. No obstante el guionista recurre a otros personajes reales para darles más empaque a la historia y más realismo. Es el caso también de personajes más conocidos para el lector y es que veremos desfilar a personajes históricos como el periodista y escritor norteamericano Ernest Hemingway o la fotógrafa Gerda Taro la ideóloga del seudónimo Robert Capa. Y es que como ella misma aduce en la historia que se nos cuenta, los editores reían al ver una mujer fotógrafa en zona de guerra. Otra mujer que vemos desfilar por las páginas de La Brigada Lincoln es Evelyn Hutchins, conocida como «la conductora de ambulancias». Veremos a la Brigada desde sus principios, la dura instrucción y por fin en combate, enviados como ovejas al matadero primero en la Batalla del Valle del Jarama y posteriormente la Batalla de Brunete con El Cerro del Mosquito como triste protagonista. Sin duda la obra que nos ocupa, La Brigada Lincoln, es una obra sumamente interesante para ver como la sociedad americana se preocupó como el fascismo irrumpió en España y es que la conciencia política del mundo estaba siendo destruido en España y el mundo libre no podía permanecer impasible.

David Simon está interesado en La Brigada Lincoln.

Aunque no pega decirlo aquí en la reseña del cómic, creo que merece la pena recordar que David Simon creador de una de las mejores series de los últimos años, The Wire, anunció hace unos meses que haría una miniserie de seis horas sobre el batallón estadounidense en la Guerra Civil Española con el título de «A Dry Run». Para el guión cuenta con dos pesos pesados como son George Pelecanos y Dennis Lehane.

Valoración Final.

Una de las grandes sorpresas de este 2018. Así resumo La Brigada Lincoln. Realizado con una escrupulosa investigación histórica que se ve en cada página, en las armas, uniformes, tanques, etc. Quizás no es el lugar para decirlo, pero esta obra se hace imprescindible en los tiempos que estamos viviendo actualmente, con un auge de la extrema derecha en buena parte de Europa. Fueron hombres y mujeres que se alzaron contra el fascismo. Ya lo decía con la cita del principio del artículo, no olvidemos nuestra Historia o estaremos condenados a volver a los mismos errores. Un Hurra para La Brigada Lincoln y para Pablo, Carlos y Ester por sacar este cómic. Un saludo y sed felices.

Enlace al cómic La Brigada Lincoln en la web de Panini

Cuatro comportamientos que todos teníamos al empezar a ver anime

Anime / Manga

Carmen

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11 diciembre, 2018

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Cuatro comportamientos que todos teníamos al empezar a ver anime

¡Hola queridos lectores! Hoy me apetecía hacer una reseña un poco más ligera y en la que nosotros, los frikifans del mundo del manganime nos miremos de manera cómplice mientras sonreímos como idiotas. Por lo tanto aquí presento cuatro cosas que hacíamos en nuestros comienzos y desde los cuales, para bien o para mal, hemos evolucionado.

Primero os dejamos con el artículo en formato vídeo. Si os gusta suscribiros al canal.

Me tragaba cualquier ñordo donde, como y cuando fuera.

Y es que sí, cuando se empieza en el mundillo, todo es tan distinto a todo lo que has visto antes que te tragas cualquier despropósito como si fuese la octava maravilla del mundo. Desde series shonen con tramas agujereadas por todos lados y un fanservice absurdo hasta slice of life en los que las lolis y las chicas moe llenan tus pantallas con sus correspondientes chorradas. No se sabe porqué, pero todo lo que entra por tus ojos, a pesar de no ser lo mejor, te parece que «no está mal» y te lo tragas sin rechistar, lo que incluye series de una duración que te hace pensar que has perdido todo derecho a decir «es que no tengo tiempo», animes que no conoce ni el tato y que ni tienen una animación decente y cosas que están en contra de todo en lo que crees.

Luego llega tu amanecer, y por fin la cabeza sale de su sopor para decir… «¿Qué narices? Yo esto no me lo veo ni de blas, qué pérdida de tiempo». Alabada sea la experiencia.

«Yo es que soy otaku».

Normalmente se empieza en este mundillo en tu más tierna infancia, pero cuando te da fuerte es en esos oscuros años que todos queremos olvidar: la edad del pavo. Las modas y las tribus urbanas son lo más de lo más, y ya que lo de los emos te parece demasiado extremo y para pijo no das el pego (en esos años tienes una concepción del mundo muy extraña llena de arquetipos) pues tiras para algo que, bueno, ya te gustaba de por sí. Así que mientras dejas bien claro a cualquiera que esté a tu alrededor que tú formas parte de un grupo y te autoproclamas otaku, algo así has leído por internet, el resto de la humanidad te mira, muy a tu pesar, con absoluta indiferencia y a los sumo pensando «pero qué capullo» con una mezcla de ternura y vergüenza. Para esto hay distintas variantes, pero muchas suelen ir con más eye-liner que ojo, el pelo mal pintado y pulseritas con símbolos que sólo entienden tus congéneres.

Luego ya descubres el significado de la palabra otaku, el que se da en Japón, al principio lo ignoras diciendo que en Occidente no se considera igual, luego te das cuenta de que es algo parecido que tampoco augura nada bueno, se te pasa la tontería, y, en cualquier caso, caes en que no tiene sentido aplicar una palabra japonesa con un significado muy claro a algo que no quieres que tenga ese significado.

903c7d1863dcc94fc3a5dc4db20ea34a — Como te ves

Da igual dónde ver al anime, total, qué mas da.

Cualquier plataforma es buena para ver anime. Desde esa con más publicidad porno que streamcloud hasta esa en la que te tienes que sumergir casi en la deep web para conseguir ver un episodio que no esté censurado con algo incomprensible, como un pato de bañera, en fin, lo que se os ocurra. Y aunque haya una conversación entera de subtítulos que esté fatal redactada o en la que directamente nada de lo que se diga tenga sentido tú lo ves con palomitas y embobado, un poco lo que ocurría en el primer punto. ¿Que alguien paga por ver algo en buena calidad y con unas traducciones buenas? Pero qué panoli. ¿Que alguien lo ve en inglés porque se traduce mejor? Qué tontería. Pero eso sí, luego resulta que no se han enterado ni papa de lo que ha pasado, por ejemplo, en Death Note.

Luego ya te vuelves o más pesado o más exigente según como lo elijas ver (creo que en realidad se solapan) y ya decides ver algo en lo que las caras no estén pixeladas y lo que se dice tenga sentido. Aunque he de decir que yo sigo usándolas y han mejorado mucho jeje.

Los mantras que todos seguimos

Esto incluye toda clase de estupideces que se dicen por ahí y que tú repetías porque bueno, era lo que en tu banda urbana se decía y o tú querías encajar y punto, o no tenías experiencia suficiente para juzgarlo tú mismo y te fiabas ingenuamente de tus senpais. Cosas como «el manga es siempre mejor que el anime» «te tiene que gustar este anime para ser un fan de verdad» o «este género es basura porque sí y ya está. Ah, y esta serie. Y ésta. ME LO HAN DICHO.» El desprecio a las historias animadas, la desconfianza a las adaptaciones anime sin ninguna razón aparte de «es que el manga es el manga» cuando el manga está claramente hecho para ser adaptado, el «todo el mundo decía en mi generación que es que ésta serie era una mierda. Así que lo es y ya está mimimimi. Como el reggaeton.» aunque esta serie siente un precedente… Vamos, en fin, pues los lugares comunes, como siempre.

Luego se te pasa de nuevo esa etapa y te vuelves un poco más flexible, y aunque en general los mangas sean mejores que los animes, lo cierto es que hay bastantes casos en los que ésto se revierte. Pero da igual, que los mantras, mantras son.

Pero es que, ¿sabéis qué? Que bueno, esta época al final la recuerdas hasta con cariño aunque te des mucha vergüenza, y eso está bien. Mejor pasarla en ese momento y no en otro, y mejor pasarla para disfrutar lo que viene depués, ¿no?

¿Y a vosotros?¿Se os ocurren más cosas? ¿Os pasaba?¿Matizáis?

¡Dejadlo en los comentarios y sed felices!

¿Qué tenemos de nuevo en este tomo?

Escape Room

15 de marzo

Cementerio de Animales, Cementerio Maldito. (Pet Sematary)

5 de abril

La Maldición de la Llorona

19 de abril

Grudge

21 de junio (Estados Unidos)

Annabelle 3

3 de julio

It 2

6 de septiembre

*Fobia a los payasos.

Observa a los monos

SU PRINCIPAL VIRTUD ES EXISTIR

UN GUIÓN A PRUEBA DE HIERRO

UN CASTING BASTANTE AFORTUNADO

UNA AMBIENTACIÓN CORRECTA.

CONCLUSIONES

Nuevas caras y nuevos dilemas

El resurgir del pasado

Tensiones y paranoias

Plantando semillas

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El siguiente artículo está lleno de SPOILERS, doy por hecho que habéis visto el capítulo o que no os importan que os destripen el capítulo.

La batalla de Ranskoor Av Kolos

¿Donde está la batalla de Ranskoor Av Kolos?

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Me tragaba cualquier ñordo donde, como y cuando fuera.

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Da igual dónde ver al anime, total, qué mas da.

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