Antes de lo previsto y casi por sorpresa ya tenemos entre nosotros el tráiler oficial de la nueva película de Hellboy, el personaje creado por Mike Mignola y que ya fue llevado a la pantalla en dos ocasiones por Guillermo del Toro. En esta ocasión tenemos nuevo director y nuevo reparto, con Neil Marshall en la silla y con David Harbour como el chico demonio, acompañado por Milla Jovovich y Ian McShane. Su estreno está previsto para el 12 de abril de 2019. Sin mucho más que comentar, os dejamos con el tráiler, tráiler que ya os avisamos que tiene un tono muy, muy diferente al de las películas de Guillermo del Toro y que recuerda más al de las películas de La casa de las ideas que a cualquier otra con reminiscencias a Lovecraft.
Primeras impresiones de 20th Century Boys: el conflicto en su argumento y de la edición Kanzenban de Planeta
Naoki Urasawa es un maestro del thriller en el ámbito del manga. No hace falta hablar de los premios que ha ganado desde que empezó en el mundo del manga en los años 80, tan solo hay que leer los rimeros capítulos de alguna de sus obras para darse cuenta. Y es que no es sencillo para todo el mundo arrancar una historia con la energía que él lo hace. Urasawa consigue presentarte a los personajes y un primer conflicto y antes de que te des cuenta ya te ha metido de lleno en su trama y sencillamente no puedes parar de leer. 20th Century Boys (1999-2006) es una de las obras por las que es tan reconocido junto a Monster (1994-2002) y no es de extrañar, pero ¿por qué?
Hablemos un poco de como Urasawa construye el conflicto. 20th Century Boys empieza con una escena en la que el tema central es la música y luego parece que se olvida de esto. De hecho, para el lector pasa desapercibido y parece que no tiene relación con lo que vendrá a continuación. En las dos siguientes escenas nos desplazamos a otra época para al final acabar en el año donde se desarrolla la trama principal: 1997, donde hay toda la chicha, este es el punto desde el que partimos. Kenji es el encargado de un supermercado, el que antes era la licorería de su padre, mientras debe hacerse cargo de un bebé. Se trata de la hija de su hermana, quien ha desaparecido. Para no entrar en terreno spoiler, diré que un suceso relacionado con un amigo de la infancia de Kenji hace que su antiguo grupo de amigos se vuelva a reunir. Tanto lo de su hermana como lo de su amigo parece estar relacionado a través de un símbolo que crearon cuando eran pequeños.
Ahora bien, ¿a qué venía la escena del principio que he mencionado? ¿Qué tendrá la música que ver en todo esto? La verdad es que no lo sé. Al menos de momento. Más adelante, se nos desvela que el sueño de Kenji era ser guitarrista. El autor aprovecha esto para hacer varias referencias a la cultura rock de los años 60-70 ¿pero tiene esto importancia en la trama? Si una cosa caracteriza a Urasawa es que hay pocas cosas que deja al azar, incluyendo a los personajes. Nos puede presentar personajes de mayor o menor importancia pero a casi todos consigue crearles un trasfondo que casi te obliga a amarlos. Estoy hablando de Donkey, el amigo de Kenji, y de Cho, un detective a punto de jubilarse cuya historia creo que es de las que más me han marcado en este primer volumen. Al fin y al cabo, estas pequeñas subtramas sobre personajes aparentemente menos importantes es otro de los motivos por los que uno no puede abandonar 20th Century Boys, porque esperas seguir encontrándote con personajes con trasfondos similares y necesitas saber si su aparición ha sido en vano o si cumplen alguna función real en toda la trama principal.
Así pues, no solo hay que estar pendiente al descubrimiento del misterio que engloba a todos los personajes, sino también a sus funciones, la música y a los flashfowards dentro de todo el entramado que nos plantea Urasawa. Porque aunque después de tantos elementos presentados en estos primeros capítulos, el primer tomo concluye con algo que considero que es esencial para mantener que el lector no pierda el interés: la definición del papel del protagonista en esta historia.
Sobre el dibujo no hace falta mencionar que es inconfundible, su estilo único y excepcional llevan su firma en cada trazo. Su narrativa visual es muy cinematográfica de manera que la composición de las páginas recuerda a menudo a los movimientos de cámara. Esto ayuda al espectador a meterse más en la historia ya que actualmente la mayoría de las personas están más familiarizadas con el medio audiovisual debido a la televisión, YouTube, etc. La verdad es que hay poco que decir sobre esto, porque se palpa a primera vista.
Para finalizar, hay que hacer una mención a la edición de 11 tomos que Planeta ha editado en España, gracias a la que he podido adentrarme de nuevo a la obra de Urasawa tras el vacío y preguntas con el que me dejó Monster. Voy a hablar también del precio comparándolo, si me lo permitís, con dicha obra del mismo autor editada también por Planeta. En esta última, cada tomo vale un euro menos, la calidad del papel es mucho más alta (si no recuerdo mal es papel satinado) y las paginas están cosidas. 20th Century Boys es un poco más cara, el papel es de menor calidad y las páginas están pegadas, pero lo compensan las páginas a color y la textura de la sobrecubierta.
Hubo un Aquaman en España: El hombre pez de Liérganes
Dentro de poco se estrenará la esperada película de Aquaman, un personaje que atrae a muchos por su origen submarino y personalidad arrolladora. Los personajes de los cómics poco a poco se están convirtiendo en mitos y como todos los mitos y leyendas tienen su eco en la realidad. Muchos de los seguidores del rey atlante tanto en cómic como en la gran pantalla desconocen que hace cuatro siglos hubo un hombre en España que abandonó tierra firme para vivir bajo el agua: El hombre pez de Liérganes.
La historia de Francisco de La Vega Casar data de 1.674 registrándose en varios escritos de entonces y tradiciones orales que aguantaron el paso del tiempo como sólo lo pueden hacer las historias que merecen ser verdad. Francisco, natural de la población de Liérganes ( Cantabria ), fue un chico listo y algo taciturno que abandonaba todos sus quehaceres diarios para pasar horas y horas sumergido en el agua del río. Tanto fue su querencia al líquido elemento que una tarde nadando con unos amigos se perdió en la lejanía y no regresó dándole toda la gente del lugar por muerto. Cinco años después, en la bahía de Cádiz, apareció un ser acuático extraño y escurridizo que nadaba libre por el mar sin acercarse a la orilla. Después de varios días de intentarlo finalmente los pescadores pudieron atraparle en sus redes echándole trozos de pan para llamar su atención. Según el Ayuntamiento de Liérganes cuentan que cuando lo izaron a la superficie pudieron observar que era un joven corpulento y de tez pálida con varias cintas de escamas que atravesaban su cuerpo y las uñas desgastadas por el salitre del mar. El ser sólo pronunció una palabra: Liérganes. El fraile Juan Rosende fue el encargado de acompañar al chico hasta su pueblo natal donde su madre y familiares lo reconocieron de inmediato.
Gaspar Melchor de la Riba, caballero de Santiago, relata cómo lo recuerda igual vestido que desnudo, ya que al chico le daba igual una apariencia que otra, sin pronunciar palabra y haciendo recados sin importancia que le encargaba su madre. De la Riba asegura que cuando le conoció ya no tenía escamas pero sí un cutis muy áspero y las uñas realmente gastadas. Tras pasar un par de años en estas condiciones Francisco un buen día saltó de nuevo a las aguas que nunca habían dejado de llamarle y desapareció para siempre bajo el manto del río. Nunca más se volvió a saber de él. Según Gregorio Marañón, el cual estudió todos los escritos y testimonios del lugar, el chico debía de adolecer de cretinismo, enfermedad cuyos pacientes toleran mucho mejor cuando están debajo del agua. Así mismo afirma que la piel escamada seguramente se debía a una ictiosis adquirida.
Sé que hay muchas personas que como el Sr. Marañón buscan una explicación terrenal y lógica a los sucesos pero los que me habéis seguido en mis artículos o me conocéis personalmente sabéis que yo prefiero dejar este tipo de acontecimientos en la nebulosa de lo diferente y fantástico. Prefiero pensar que la historia ocurrió tal y como se cuenta en los escritos y testimonios de los oriundos de Liérganes. Tal vez Francisco realmente podía habitar bajo el agua y encontró allí la paz y tranquilidad que tal vez se le negó en tierra firme. Me gusta pensar que tuvimos al primer atlante entre nosotros y la leyenda del hombre pez se difundió por todo el mundo como sólo lo hacen los relatos que conllevan un halo de fantasía alrededor suya. El caso es que a todos los que os fascina Aquaman os gustará ahondar en la historia de Francisco sobre el que queda claro que existió y que algo en torno a él sucedió. Os dejo a vuestra elección creer la historia local y adoptada como leyenda o la pragmática y aburrida de las personas que siempre luchan por cepillar esa pátina de fantasía y esperanza con que se barnizan las historias que lo merecen. El hombre pez de Liérganes pronto tendrá su reflejo en el espejo del cine con el esperado Aquaman. Démosle al menos la recompensa del interés y el recuerdo. Muchas veces es lo único que les queda a los seres diferentes.
Un abrazo a todos.
Las cosas que nos hacen felices opina: Las mejores películas de 2018
Se acaba otro año y como es costumbre la última semana del año se llena de listas de lo mejor y lo peor del año. Nosotros no íbamos a ser menos y por la parte que nos toca haremos varios artículos sobre lo mejor de las cosas que nos hacen felices. No hace falta decir que estas listas son subjetivas y cada persona tendrá una diferente. Yo humildemente os dejo la mía desde mi punto de vista. Desgraciadamente no he podido ver todo, pero después de mucho pensar me ha quedado una lista variada y con la que he quedado bastante satisfecho. No olvidéis que son películas estrenadas en España, por lo que encontraréis algunas películas que originalmente se estrenaron en el año 2017, pero que en España por circunstancias de la vida la hemos tenido en las salas en este año 2018.
TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS (12 de Enero)
Director/a: Martin McDonagh conocido por cintas como Escondidos en brujas (20008) y 7 psicópatas (2012) entre otras.
Reparto: Frances McDormand (Fargo), Woody Harrelson (True Detective) y Sam Rockwell (Moon) entre otros
Mildred Hyes es una mujer cuya hija ha sido violada y asesinada. Pasan los días y ve como el cuerpo de policía aparentemente no se esfuerza lo suficiente para encontrar al criminal, por lo que alquila unos anuncios ubicados en la carretera del pueblo denunciando la pasividad de la policía en el caso de su hija, lo que provocará una disputa personal con los agentes.
Probablemente mi película preferida del año. Los amantes del estilo de Los Coen disfrutaran de cada línea de guión mezclando el ingenio y el humor negro. Es crítica, dramática y dura, pero a la vez terriblemente divertida. Da hasta vergüenza sonreír con cada diálogo. Los personajes y sus situaciones logran mantener la atención durante toda la película hasta el final, gracias en gran parte a unas grandes interpretaciones, sobre todo de Frances McDormand y Sam Rockwell. Una película redonda a la que es muy difícil sacar peros.
THE FLORIDA PROJECT (9 de Febrero)
Director/a: Sean Baker, conocido por obras como Starlet (2012) y Tangerine (2015).
Reparto: Brooklynn Prince; Willem Dafoe (Platoon) y Bria Vinaite entre otros.
Una película que cuenta casi en modo documental el drama una madre y su hija en un motel de carretera, dónde intentan seguir adelante a pesar de las adversidades y sus bajos recursos materiales.
La película más indie de la lista y una de las grandes cintas de este año. The Florida Project está ubicada en un típico motel de carretera que tantas historias han dado al cine, pero bien podría estar en cualquier otra parte que sirva como elemento de la américa más profunda. Dramática pero igualmente bella gracias a una fotografía y paletas de colores que dan un gran tono a la cinta. El gran peso de la cinta recae en los actores, que están espléndidos. Sin ellos no funcionaría, Brooklyn Prince de 7 años que ganó mejor interpretación juvenil en los premios de la crítica este mismo año protagoniza la película con una naturalidad impropia de su edad, parece más bien que fuera un juego infantil para ella. Por otro lado, de Bria Vinaite se dice que fue contratada después de que Sean Baker la viera por Instagram, y el famoso de la cinta, el gran Willem Dafoe, que pone la guinda a la obra en una de las mejores interpretaciones de su carrera. La película entra en la lista de lo mejor por el modo de narrar que tiene el drama que ocurren a muchas familias en el mundo; en ocasiones es dura, terrible; pero en otras parece un cuento de niños.
LADY BIRD (23 de Febrero)
Director/a: Greta Gerwig, conocida por su carrera como actriz en películas como A Roma con amor y Greenberg, debuta como directora digiriendo y escribiendo Lady Bird.
Reparto: Saoirse Ronan (The Host y El Gran Hotel Budapest); Laurie Metcalf (Roseanne y The Big Bang Theory) y Lucas Metcalf (El Gran Hotel Budapest y Mancherster frente al mar) entre otros.
Lady Bird cuenta la adolescencia de una chica especial llamada Christine que se llama a sí misma Lady Bird. Veremos sus relaciones familiares y como intenta encontrar su propio camino en plena adolescencia.
Lady Bird es una de las joyas indies de este año, una película talentosa que Greta cuenta como si llevara toda la vida escribiendo películas -aunque realmente lleva años co-escribiendo guiones- Saoirse se siente cómoda en ese papel tan maravilloso que nos brinda, caracterizando a una chica que se ahoga en su propia adaptación a los cambios de la etapa adolescente. La he introducido en la lista porque aparte de conmoverme con su guión y sus personajes, creo que es una de las película más interesantes del año, con ese guión entrañable e inteligente que aparentemente no avanza pero que a muchos adultos sonorá como un déja vu.
YO, TONYA (23 de Febrero)
Director/a: Craig Gillespie, conocido por películas como Lars y una chica de verdad (2007) y La hora decisiva (2016)
Reparto: Margot Robbie (El lobo de Wall Street), Allison Janney (El ala oeste de la Casa Blanca) y Sebastian Stan (Los Vengadores) entre otros.
Biopic de la patinadora sobre hielo estadounidense Tonya Hardyn, que fue acusada y sentenciada debido a que una persona relacionada con ella agredió a su principal rival para Los Juegos Olímpicos de invierno Nancy Kerrigan, llegando a lesionarla y suponiendo el comienzo del final de la carrera deportiva para Tonya.
La historia de Tonya es tan increíble que parece mentira que la película sea biográfica. Artísticamente sublime y con una enérgica Margott Robin y Allison Janney redondean unos personajes carismáticos y grandiosos ya de por sí. El guión y las situaciones son tan surrealistas que podrían haber sido sacados de la mente de Los Coen. Tonya entra en mi lista de lo mejor del año por ser una de las obras más trágicas y divertidas del año. No es una película sobre una deportista, es una película sobre una superviviente.
ISLA DE PERROS (20 de Abril)
Director/a: Wes Anderson, famoso por películas como El Gran Hotel Budapest (2014) que dirige su segundo largometraje en stop motion después de fantastic Mr fox (2009)
Reparto: En las voces de los personajes tenemos a actores de la talla de Scarlett Johanson, Bill Murray, Jeff Goldblum, Edward Norton, Brian Carston y Tilda Swinton.
Nos encontramos en Japón, en un futuro distópico dónde una supuesta epidemia de gripe canina provoca que el gobierno evacue el país de los perros, llevándolos hasta una isla. Esto provoca que Atari, un niño de 12 años se decida ir en busca de su perro Spots.
Que no os confundan los prejuicios, esta película está muy alejada de ser recomendable específicamente para niños. Cada plano de la película es un cuadro, puro Wes Anderson. El diseño artístico es espectacular, los perros están llenos de vida, no están quietos ni un segundo, este stop motion está otro nivel del lenguaje de animación. El éxito de la fantástica Fantastic Mr Fox no fue casualidad, pero esta película añade un buen guión que acompañado al festival visual hace que entre de cabeza en mi lista de lo mejor del año.
DEADPOOL 2 (18 de Mayo)
Director/a: David Leitch. Este señor que ha sido especialista de cine, siendo doble de Brad Pitt y Jean-Claude Van Damme, además es director de películas de acción tan interesantes como John Wick y Atómica. Este año ha tomado el relevo de Tim Miller y nos ha traído una aún más alocada secuela del mercenario bocazas.
Reparto: Como no podía ser de otra manera, Ryan Reynolds vuelve a caracterizar a Deadpool. Junto a él tenemos caras conocidas como Josh Brolin, Zazie Beetz y Morena Baccarin entre otros.
Wade Wilson vuelve a ponerse el traje de Deadpool. En esa ocasión su misión será salvar a un chico llamado Russel de las manos del cyborg Cable. Para lograr esto, tendrá que formar un grupo de super héroes llamado X-Force.
Quizás no haya muchos que hayan puesto Deadpool entre sus preferidas del año, pero no podría ser honesto con vosotros si no incluyera el estreno con que más me he divertido este año. Si te gustó la primera parte de este antiheroe, no te puedes perder esta. Se nota el aumento de presupuesto y la total libertad de este personaje que Ryan Reynolds ha hecho suyo. Esta segunda parte es más explosiva, más intensa, con mejor guión y al menos para mí, más divertida que su predecesora. Los fichajes nuevos que acompañan a Ryan suman, con algunos realmente geniales, con Josh Brolin entre ellos, que hace un gran trabajo como Cable. Después de Infinity War, la mejor película comiquera del año.
VENGADORES: INFINITY WAR (27 de Abril)
Director/a: Los hermanos Russo, que tomaron la saga desde Civil War después de Joss Whedon. Anthony Russo y Joe Russo ya adaptaron la sobresaliente Capitán América: El soldado de invierno.
Reparto: Tenemos a los habituales de nuestro equipo superheróico preferido; Robert Downey Jr, Chris Hemsworth, Benefict Cumberbatch, Chris Evans, Mark Ruffalo, Scarlett Johansson, Chris Pratt, Tom Holland entre muchos otros.
Por fin llega de el momento que todos esperábamos, llega Thanos y con el Guantelete del Infinito completo podría convertirle en algo cercano a una deidad. Como es de esperar, nuestro equipo de super héroes Los Vengadores, intentarán ponerle las cosas algo más difíciles contando con la ayuda además de la Wakanda de Black Panther y unos aventureros espaciales muy especiales. También Spider-Man oposita para convertirse en un Vengador e intentará impresionar al grupo para hacerse un hueco.
Las expectativas eran altas. No solo era Thanos, también era encajar Wakanda, Los Guardianes de la Galaxia y un sinfín de personajes heroicos. Creo que las expectativas en general fueron cumplidas y los hermanos Russo nos han traído una aventura épica y espectacular. Seguramente no llega a sorprender como lo hizo la primera parte de Los Vengadores, pero Infinity War encaja bien las piezas para lograr ser una obra magna del entretenimiento con algunos de los héroes más grandes del cómic.
HEREDITARY (22 de Junio)
Director/a: Ari Aster escribe y dirige su ópera prima Hereditary.
Reparto: Toni Colette (Pequeña Miss Sunshine y Voces en la noche) Alex Wolf (The Naked Brothers Band),Gabriel Byrne (Vikings) y la pequeña Milly Saphiro en su debut.
La película sigue a la familia Graham una vez que su abuela fallece y empiezan a ocurrirles sucesos extraños. Pronto conocerán ciertas conexiones de su abuela con el espiritismo.
Hereditary es la película de terror que más me ha gustado este año, alejándose de ciertos clichés y estereotipos que parecen adueñarse del género. Pocas veces he sentido mayor angustia en una película, no esperes simples sustos, Heditary es una película cargada de emociones en forma de drama familiar; una de las cintas más valientes del año y que junto a una Toni Colette excepcional -de las mejores interpretaciones de este año- le han valido un hueco en mi lista. Hereditary logra hacer una cosa que hemos podido ver también en la serie La maldición de Hill House, y es mostrarnos que en ocasiones el terror viene de los propios acontecimientos y sucesos que nos da la vida.
COLD WAR (5 de Octubre)
Director/a: El Director Pawel Pawlikowski nos trae esta esperada obra después de sorprendernos con la notable Ida (2013) que ganó el Premio Oscar a mejor película de habla no inglesa.
Reparto: Joanna Kulig y Tomasz Kot son la pareja protagonista. En el caso de Joanna ya conocía a Pawlikowski, saliendo en su anterior película Ida.
En la dura época de la Guerra Fría tenemos una historia de amor imposible entre dos personas con carácter e incompatibles de estar juntos. Las situaciones que tendrán a lo largo de los años los volverá a juntar y separar en repetidas ocasiones.
Bella historia de frío amor imposible con un maravilloso fondo musical. Tiene un toque muy clásico pero adaptado a estos tiempos, Joanna Kulig podría ser una estrella del Hollywood antiguo y hace un trabajo espectacular, una de las actrices más fotogénicas que he visto. Tomasz es un galán, quizás demasiado estático en algunas ocasiones, pero sus escenas musicales son fantásticas. Cold War es la película europea del año y no te la puedes perder.
ROMA (5 de Diciembre)
Director/a: El mexicano Alfonso Cuarón nos trae esta obra después de dirigir grandes películas como Hijos de los Hombres (2006) y Gravity (2013).
Reparto: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Marco Graf, Diego Cortina y Carlos Peralta entre otros.
Ambientada en la turbulenta México de finales de los años 60, conoceremos a Cleo, una joven que trabaja como sirvienta en una familia acomodada de un barrio de Ciudad de México llamado Roma. Alfonso se inspira en su infancia para contarnos esta historia, ya que él creció en una familia acomodada y su padre era médico, teniendo similitudes con la familia de la película.
Quizás la película más polémica del año debido a su estreno en Netflix y su escasa presencia en las salas de cine. Pero bueno, ya habrá tiempo de hablar de eso. Roma lleva tiempo con la etiqueta de ser una obra maestra y una de las mejores películas de los últimos años. Debido a estrenarse en pocas salas de cine, solo he podido disfrutarla en Netflix en mi casa, todo fuera eso por cierto. La verdad es que teniendo las expectativas muy altas la película me ha encantado. Roma tiene una media hora lenta, muy visual y la trama avanza muy poco, pero en la segunda parte el ritmo acelera. Cada plano es un cuadro y su blanco/negro queda increíble. Hasta escenas tan grotescas como Cloe recogiendo cacas del perro o el aparcar un coche están filmadas de un modo bello y con mano de cirujano. Cuarón va sobrado, la película está rodada con pinceladas de genialidad, planos larguísimos que recorren la ciudad y la casa. El personaje de Cloe está construido con mucho cuidado y creo que Cuarón ha trabajado mucho con ella en su estreno en su actuación, con mucho talento por otro lado. En general Roma es una película que te encantará o que te dará sueño, pero lo que es innegable es la calidad de la película, que la convierten en una de las mejores obras de los últimos años
Las que casi entraron
No ha sido fácil escoger solo 10 películas y he dejado fuera películas importantes y que recomiendo encarecidamente. Algunas de ellas son Bohemian Rhapsody, Campeones, Call me by your name, Los increíbles 2, La forma del agua, Un lugar tranquilo, Molly´s Game, Misión imposible: Fallout entre muchas otras.
Espero que os haya gustado el artículo y que dejéis vuestra opinión sobre mi lista. Además, sería fantástico que me comentéis con vuestra lista de películas preferidas de este año.
¿Se acerca el fin de Harry Potter?
Bienvenidos a este nuevo post queridos lectores, en el que aprovechando el reciente estreno de Animales Fantásticos: Los crímenes de Grindelwald, cuya reseña se hizo ya en el post y podéis encontrar aquí, he decidido dar rienda suelta a nuestra imaginación para ver a qué parajes se dirige el lore del mago más famoso de todos los tiempos.
Debo agradecer la idea de este artículo a dos colectivos míticos que normalmente se aúnan en uno sólo para llevar a cabo su inquebrantable objetivo de hundir a un producto y no dejar la fiesta en paz: los haters y los más fervientes fanboys, que aunque se nieguen a aceptarlo son lo que Voldemort a Harry Potter, seres de naturaleza innegablemente parecida y que de hecho son inseparables, sin que uno pueda vivir sin el otro. Y aunque no nos guste ni a ti ni a mí, querido lector, no somos una excepción y te lo aclaro aquí. Pero dejando aparte mi patológica tendencia a dejarme en mal lugar llevándome al resto de la humanidad conmigo, si así se nos puede llamar, prosigamos con el artículo.
Encontrábame en una agradable conversación con un grupo de colegas en el momento en el que ya la conversación comenzó a virar a rumbos tormentosos y poco -con razón- explorados, aunque no por ello menos divertidos: comparando sagas de fantasía que habían supuesto un antes y un después en el mundo, en concreto Harry Potter y LOTR. Aquí es cuando uno de los implicados decidió poner las cartas sobre la mesa diciéndome (válgamente Dios) que la segunda podía defecar sobre el figurado (espero) pecho de la primera. Y sí, lectores, sí; el mundo ardió y no voy a decir que no participase. A esto que le pregunté al susodicho que porqué afirmaba de manera tan tajante esto y la respuesta no me sorprendió: que JK Rowling había desvirtuado tanto su propia obra con sus numerosas y poco agraciadas intervenciones, entre ellas las 5 películas de Animales Fantásticos, el octavo libro, aclaraciones sobre sus obras o historietas en Pottermore que la saga se iba a hundir irremediablemente en el mar de manera patética, encima. Y de esto es de lo que vamos a hablar.
En primer lugar, y algo que ya le contesté al valiente canalla es que una gran parte de lo que decía, una muy importante y por la que me parecía una irresponsabilidad moral su intervención era que tenía razón. Pero vayamos por partes. Que el innombrable octavo libro es como una patada en el hígado, ni siquiera atestada por JK enteramente, sino con dos acompañantes de desconocida identidad, que las películas de Animales Fantásticos son para sacar los cuartos y que es bastante vergonzoso que un librito que te explica qué son las ovejitas y vaquitas mágicas haya dado pie a 5 películas o que la autora de una de las mejores sagas de todos los tiempos sea una siesa pesadísima que no deja de poner puntos sobre íes inexistentes pero por las que siente responsabilidad es innegable. Pero quien haya dicho todo eso no entiende nada de la metafísica del universo que lo mueve todo, nada. Es uno de los grandes placeres de todo verdadero fan de HP (o de cualquier cosa) y por el que duerme a gusto, es la comida basura de los fans, el pienso que los mantiene felices. SABEMOS que es una mierda, que es un reclamo en el que se ha puesto una falta de esfuerzo registrable en la historia, que quien hace las películas sigue sin entender cómo es posible que lo que está haciendo funcione, LO SABEMOS. Pero no estamos viendo una grandísima obra de arte en la que busquemos el sentido de la vida, estamos buscando miguitas de lo que en su día nos lo hizo pasarnos como enanos, nos hizo pedir por reyes un palo y corretear enfurecidos por el colegio, o qué diablos, la oficina. Nos gusta gastarnos 8 euros en una entrada que en realidad es equivalente a que digan el nombre de alguien que conocemos, y luego poder salir diciendo que es una mierda mientras planeamos ir el año que viene a la siguiente entrega a escuchar probablemente el mismo nombre. Y eso es lo importante, leñe.
Y bueno, ahora viene la razón más racional pero no más sincera que la anterior; y es que yo sigo sin comprender, aunque sinceramente no creo que la hayan hecho tanto, lo que importa que la pifien una y otra vez con el lore de lo que sea. Que comprendo que dentro de una misma historia si la fastidian los puristas pongan el grito en el cielo, de hecho mirad, hasta lo apoyo. Que arda el mundo. Pero cuando una historia se ha cerrado con éxito, siendo una maravilla que ha conmovido a millones de personas en el mundo y que ha creado algo que jamás se había hecho y que ni se sabía que se podía hacer pues es que es tan sencillo como que es inamovible. Harry Potter es Harry Potter, no Animales Fantásticos, ni el libro que vino años después y que ni cuenta esa historia ni está escrito por la misma persona. Está libre de pecado, de manchas, es inalterable y permanecerá así para siempre, no tiene fin porque no puede tenerlo, sin importar lo que digan los pesados de los fanboys y de los haters. Las miguitas que buscamos con ansia son secundarias, y tan sólo una especie de transbordador a esa historia que nos hizo crecer y creer. Y por eso mismo es por lo que le partí la cara al canalla ese, coño.
Era broma.
Sed felices.
¿O no lo era?
¿Eran mejores los dibujos animados antes? Análisis de la programación infantil. Parte 1
Veréis, este verano estoy cuidando de mis primos pequeños (un chico de 11 y una chica de 8), ya sabéis, para ganar algo de dinerillo y volver a la uni modo trapero, tirando los billetes de cinco por la ventanilla de mi Ford Fiesta…
En fin. Dejando a un lado mi lamentable estado financiero, he de confesar que este pequeño empleo veraniego me ha ayudado a ponerme al día respecto a la programación infantil. Tanto de canales públicos, como privados y hasta Netflix Infantil (con tanta variedad normal que no haya manera de llevarlos a la piscina, hasta a mí me cuesta salir del salón), llevo gran parte del verano empapándome de todo tipo de cartoons, anime y sitcoms infantiles. Como buen ser humano que soy, los recuerdos de mi no tan lejana infancia acudieron rápidamente a mi mente. De este modo, he podido disfrutar de intensas discusiones con mis primos, que han derivado en un intercambio continúo entre las series actuales y las de mi época, desde el primer boom del anime de los 2000s, pasando por la llegada de Disney Channel, el fugaz auge de Jetix, su prematura muerte e incluso los primeros pasos de un Boing recién nacido.
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Obviamente las comparaciones no tardaron en aparecer. El sentimentalismo, la nostalgia, y por qué no decirlo, también el olvido, nos hacen recordar simplemente lo bueno, lo que nos gustaba. Atrás queda todo lo malo, lo aburrido, los doblajes, los guiones repetitivos, los continuará en los momentos menos apropiados… Esto no quiere decir que lo anterior fuese peor, ni un extremo ni otro, todo depende de la calidad del título que coloquemos en la balanza. Por eso, he decidido realizar una mini serie de artículos analizando y comparando lo que se podía ver antes, con lo que se ve actualmente. En esta primera parte, nos centraremos en lo actual.
LA PROGRAMACIÓN INFANTIL ACTUALMENTE
Seamos sinceros, la cantidad de canales infantiles, así como la variedad de las temáticas y de estilos de dibujo conforman la que seguramente sea la mejor oferta infantil de todos los tiempos. Para intentar abordar esto de la manera más óptima, me voy a centrar en las principales cadenas tanto de televisión pública y privada (aunque ello implique dejarme alguna fuera).
CLAN TV
Televisión Española siempre ha tenido claro que este era el espacio para que los más pequeños de la casa pudiesen disfrutar sin miedo a sufrir ningún trauma ni a ver nada inapropiado. Conoce bien cuál es su target, y a falta de competidores es el rey en su terreno. Con una programación dedicada a los niños y niñas de entre 1-6 años, se centra en shows educativos resultones como: Pocoyo, Cleo & Cuquin, Pepa pig o Masha y el oso. También cuenta con alguna para más mayorcitos como el ídolo de masas Bob Esponja, Desafío Champions Sendokai o la serie de Invizimals.
DISNEY CHANEL
El ratón más famoso del mundo es omnipresente aunque parece ser que ha perdido algo de fuelle. El canal de la productora de entretenimiento más grande del mundo parece estar jugando sobre seguro. Con una estructura de sota, caballo y rey, la programación de Disney Channel se cementa sobre cuatro pilares: Phineas y Ferb, La ley de Milo Murphy (también de Dan Povenmire pero sin llegar a la altura de su predecesora), Star contra las fuerzas del Mal y Miraculous: Las aventuras de Ladybug, siendo esta última la única que no está completamente producida por Disney, sino a través de una colaboración con un estudio francés, otro japonés y otro coreano. Todo lo que resta es relleno, bien con series antiguas, spin-offs de sitcoms que en su día funcionaron mejores o peores, y tímidos intentos de nuevas franquicias de este estilo, ya que quedó demostrado que las más icónicas no podían ser superadas.
BOING
Muy a mi pesar, debo conceder la victoria a la cadena de MediasetEspaña. Detesto este grupo de comunicación, primero por permitir la existencia de Telecinco y segundo por ser propiedad de Silvio Berlusconi. Sin embargo, al César lo que es de el César. El canal es muy bueno. Si bien no tiene muchas licencias, las pocas que tiene superan con creces a las anteriores en calidad. Es de las pocas cadenas en abierto que cuenta con anime doblado al castellano. Principalmente son continuaciones de clásicos como Dragon Ball Super, Doraemon, Beyblade Burst o Inazuma Eleven Go, pero también auténticos exitazos en Japón como Yo-kai Watch.
Puede parecer una broma, pero después del enorme desembolso que Disney realizó por los derechos de Marvel, las series de animación de Spiderman, Hulk o los Vengadores se emiten en esta cadena. Aunque el verdadero chiste viene cuando se descubre que DC Superheroes, Young Justice y Teen Titans Go, superan en audiencia a las marvelitas.
Para terminar, quizá una de las claves de su éxito es que cuenta con un target muy amplio. Si bien no llega a superar a Clan, tiene alguna que otra serie más infantil, pero su gran apuesta son las series para más mayores: Gumball, Steven Universe, Hora de Aventuras e Historias Corrientes, la mayoría cortesía de Cartoon Network.
DISNEY XD
Entrando ya en lo privado, este es el resultado de la destrucción de Jetix. Da la impresión de ser un pequeño campo de pruebas para la pública. Con una imagen más atrevida, experimenta con varias franquicias que aparecen y desaparecen continuamente. ¿Algo que destacar? Gravity Falls, sin duda.
NICKELODEON
Esta cadena parece que se quedó atascada en 2007. Si Disney aprendió por las malas que los niños de hoy no quieren sitcoms, este se los quiere meter con embudo. No se puede vivir eternamente de Bob Esponja, hay que reinventarse, y aunque los Rabbids estén simpáticos, no es suficiente.
CARTOON NETWORK
Una cadena que sí ha sabido reinventarse y que vive una edad de plata que bien puede saberle a oro. Si sumas todo lo bueno de Boing, durante más tiempo, más capítulos, y de vez en cuando una pequeña dosis de series antiguas, tienes la que seguramente sea la mejor productora de animación occidental.
CONTINUARÁ… ¿NO?
Y hasta aquí el artículo. Si sois unos nostálgicos, si no sois fans del estilo calarts, o si simplemente pensáis que lo de ahora no llega al nivel de lo que se hacía antes, no os perdáis la siguiente parte. Además, ¿quién sabe?, ¿quizás de aquí salga un Top animación infantil (2000-2010) vs Top animación infantil (2010-2018)?
Por ahora no me voy a mojar, pero si queréis una lucha espacio-temporal que os enfrente con vuestros familiares más pequeños, dejadlo en los comentarios. Si Disney me lo permite, habrá sangre de por medio.
Mezco Toys lanzará próximamente su nueva figura de Popeye
De todos es sabido mi pasión por las figuras de acción. Además del sentido estético que confieren a mi bat cueva está el impagable nexo de unión que construyen desde mi infancia hasta el día de hoy. Aunque mi colección aún no es muy dilatada hay ocasiones en las que no puedo reprimir el deseo de adquirir cierta figura. Y ese impulso irrefrenable es el que siento desde hace unos días con el próximo lanzamiento de Mezco Toys. Popeye el Marino.
Me recuerdo a mí mismo como si fuera ayer, desayunando con apenas seis años y viendo en la tele los dibujos del marinero enamorado de Olivia y cuya fuente de poder y fortaleza se escondía en las latas de espinacas que siempre aparecían en el momento más adecuado para poder vencer a su némesis Brutus. Ahora Mezco Toys va a lanzar al mercado, se supone que en un mes aproximadamente según anuncian ellos mismos en su web, una figura de Popeye tan real que no he podido evitar un estremecimiento al verlo. Con más de veintiocho puntos de articulación y aproximadamente catorce centímetros de altura, el aspecto de esta creación sin duda adornará mis vitrinas en muy poco tiempo. En palabras de la propia casa, la figura presenta dos retratos de cabeza magistralmente diseñados, una mirada severa y un resplandor salado. Popeye viene presentado con su ropa clásica de marinero, un abrigo extraíble, una bolsa de lona con cordón funcional, una brújula, dos latas de espinacas ( imprescindibles ), un catalejo y dos pipas de mazorca de maíz. A eso hay que sumarle hasta siete manos intercambiables y tres sombreros diferentes ( marinero, capitán y estibador ).
Popeye fue creado por Elzie Crisler Zegar en 1.929 y apareció por primera vez en la tira cómica Timble Theatre del New York Evening Journal. Sería en 1.933, tras el gran éxito y popularidad que alcanzó el personaje, cuando se crearon los primeros cortometrajes del marino que debía su fuerza al consumo de espinacas. La referencia al vegetal aumentó tanto las ventas que incluso la ciudad de Crystal City en Texas, dedicada originariamente a la producción de espinacas, erigió una estatua en su honor.
Personalmente la figura me parece una maravilla y su precio bastante asequible ( ochenta dólares ). Si os parece caro os recomiendo que os deis una vuelta por la web de Hot Toys tras lo que ya no os lo parecerá tanto. Cierto es que si sois mucho más jóvenes que yo no sentiréis la llamada evocadora que despierta en mí esta figura y puede que no encontréis mucho sentido en ella. Pero los que rondáis y sobrepasáis el Rubicón de los cuarenta … Seguro que algo me entendéis. Y verlo reflejado con tanto realismo es algo que me carga de ilusión tanto como si me acabara de comer tres latas de espinacas con su envoltorio y todo. Y eso que más tarde se demostró que las espinacas no tenían ni la décima parte de hierro que se pensaba cuando se creó el personaje. Un error en los químicos que realizaron el análisis hizo que el decimal cuantitativo se pusiera en el lugar incorrecto. Error que se subsanó años más tarde. Aunque ya daba igual. Las ventas del vegetal ( que aún así es de los más recomendables que existen ) se habían disparado gracias a las aventuras en el mar de mi querido amigo.
Llevo un ancla tatuada en el corazón desde hace más de treinta años. Fueron muchas mañanas desayunando pegado a la tele mientras mi madre me decía ¨ ¿ Ves ? Come espinacas para ponerse fuerte … ¨ Aquellos antebrazos desproporcionados, esa mirada furiosa y a la vez divertida, el amor por su querida Olivia y cómo siempre resultaba vencedor frente al malvado Brutus. Todo aquello me acompañó en mi infancia y ahora todos esos recuerdos pueden quedar amalgamados en una figura que adquiriré en poco tiempo. Ya estoy imaginando las fotos que voy a poder hacer y las situaciones que crearé. Por no decir que el nivel estético de mi vitrina se verá aumentado exponencialmente. Pero nada de eso será lo más importante. Lo que sentiré cada vez que mire esa figura será lo que compense el precio pagado. Porque cuando la mire ella me devolverá la mirada cargada de recuerdos. Un tipo de recuerdos que no se compran con dinero. Ni se deben dejar en el olvido por mucho tiempo que pase o de arrugas que que pueblen nuestro rostro.
Un abrazo a todos.
Las cosas que nos hacen felices opina: Lo mejor de las series en 2018
¡Ah, la Navidad! Otro año que se va, y otro año que los chicos de Las Cosas que Nos Hacen Felices venimos a contaros nuestras cosillas. Ya el año pasado me pasé por aquí a contaros las mejores series de 2017. Y este año me he venido arriba y os cuento cuales han sido las mejores series de este año que se va.
La Maldición de Hill House
Para mí, uno de los bombazos del año. Una serie a medio camino entre el mejor cine de fantasmas, y un drama familiar con tintes psicológicos. La Maldición de Hill House es, para mí, una serie casi redonda. Si bien tiene algún capítulo un pelín mas flojo y peca de lenta en algunos momentos, el desarrollo de los personajes está bien cuidado y la historia es creativa y bien hilada. Es muy original y a mí, en lo personal, me ha fascinado y dado miedo a partes iguales, aunque a mí me da miedo mi reflejo por las mañanas.
En esta misma web, hemos hecho un pequeño comentario en dos partes de la serie. Por supuesto, la opinión que cuenta aquí es la mía, que os digo que es la leche.
Unbreakable Kimmy Schmidt (4º temporada)
Partamos de la base de que Kimmy Schmidt es la mejor serie que haya existido nunca. Es una paranoia, cómica y divertida, loca sin ser confusa y maravillosamente extravagante, y con los dos mejores personajes que jamás se hayan escrito: Kimmy Schmidt y Titus Andromedon. Kimmy Schmidt es como yo, y la única razón por la que no he hablado tanto como me gustaría en esta web, es solo para evitar las críticas de algún compañero amante de Disney. Pero, puesto que Pedro ya se mete conmigo semanalmente, y este es mi artículo, os digo que la cuarta temporada de Kimmy Schmidt es sencillamente, de lo mejor de 2018.
Jack Ryan
Vaya por delante que no me ha gustado esta serie. No es mi rollo. Es la Misión Imposible de esta década, y eso dice mucho de ellas. La acción por la acción no es lo mío, y Homeland no me dijo nada. Pero ya que os he metido con calzador a Kimmy, también os voy a traer cosas que son objetivamente buenas, y que han gustado mucho. Es el caso de Jack Ryan, aka John Krasinski, que es tan guapo como talentoso. Ha sido uno de los bombazos de este año, y según algún colaborador anónimo, la mejor serie de acción del año. Por ahí se comenta que mejora las películas o las novelas.
Pedro ha seguido de cerca esta serie, así que si queréis saber más, corred a leer sus análisis. Yo os espero aquí.
Bodyguard
Y seguimos con las series de acción, porque este ha sido el año. No es que Bodyguard sea exactamente de acción, sino más un inquietante drama, sobre la guerra, la política, y una atracción asfixiante. La serie está construida de forma maravillosa, creando un clima de tensión y agobio, en el que las intrigas políticas y las tensiones sexuales se entrelazan. Y he de reconocer que, si bien hacia el final el guión se encasqueta un poco, lo cierto es que es un gran trabajo a nivel de guión y actuación. En Las Cosas que nos Hacen Felices, y más concretamente a nuestro omnipresente Carlos, nos ha parecido una de la series del año, sin duda.
Leed aquí el pequeño análisis de la serie que hizo el maestro. Y a aquellos a los que no os este convenciendo con mis eficientes argumentos, deciros que el protagonista es Richard Madden. Yo la vi por eso.
Paquita Salas (Temporada 2)
Una de cal, y otra de arena. Lo que le gusta a todo el mundo en el blog, y lo que me gusta a mí. Paquita Salas ya fue una revelación en su momento, pero esta segunda temporada ha sido incluso más reveladora e impactante que la anterior. Paquita es deslenguada e irreverente, pero también sincera, y tan brutalmente real, que cualquiera de nosotros nos sentimos identificados con alguna parte de ella. No obstante, hay dos capítulos que suponen la gran revelación: el centrado en Lidia San José, un capítulo imprescindible, con una actuación de la mentada digna de un Goya; y ese capítulo final, en el que Paquita se deconstruye a sí misma, sin saber si va a poder construirse de nuevo.
Yo misma hice un pequeño análisis de las dos temporadas de la serie, que podéis leer aquí. Y, por favor, no hagáis caso a nadie más que a mí en este aspecto.
Cobra Kai
Youtube va a reducir (y mucho) su ya reducido número de series de producción propia. Pero no desesperéis, amantes de los 80, porque la secuela de Karate Kid aun tiene recorrido en nuestras vidas. A nosotros, sobre todo al jefe, nos ha gustado mucho. Cobra Kai ha hecho de la nostalgia excelencia, llevándonos a lo que pasó después. Porque después del FIN, las historias siguen, y Cobra Kai la sigue con deliciosa hilaridad. La serie sigue los pasos de los protagonistas de Karate Kid años después, cuando uno de ellos ha triunfado, y otro no. No quiero desvelaros nada, pero…
Si no os lo creéis, podéis leer la crítica de la serie que hizo el jefe del cotarro, que considera esta una de las series del año.
Sabrina
Y, para terminar, mi serie favorita del año. Yo era fan de la bruja adolescente en los 90, pero Las Escalofriantes Aventuras de Sabrina, a medio camino entre serie de miedo churrera y obra de arte adolescente, me ha fascinado. La he devorado entera, y me la he visto otras dos veces más. Personajes coherentes y bien construidos, que evolucionan de forma fascinante, y una historia que va enganchando y construyendo una mitología propia. Además, claro, de que el propio Satán es un personaje recurrente. ¿Cuantas series que no sean Preacher o American Gods pueden vanagloriarse de algo similar?
Pero como suele ocurrir, hasta en las mejores familias hay discrepancias, así que si bien yo escribí una apasionada crítica positiva sobre ella, mi compañero Pablo ha escrito justo lo contrario. No os digáis que no os doy opciones.
Y hasta aquí mi repaso a las serie de este año. El año que viene más. Si todo va bien y me toca la loteria, no sabréis nada de mí hasta el año que viene, que vuelva a traeros las mejores series del año. De nada. Hasta entonces… sed felices.
The Umbrella Academy: el irreverente cómic en el que se basa la futura serie de Netflix
Recientemente, ha salido el tráiler de la serie The Umbrella Academy, producida por Netflix, y basada en un tebeo de superhéroes publicado por la editorial Dark Horse. ¿Otra de superhéroes? Sí, otra más de superhéroes. Parece que, tras la cancelación de Daredevil y el resto de las series de Marvel, la empresa de vídeo bajo demanda no quiere abandonar este suculento mercado. Pero el cómic en el que está basada no es una obra típicamente superheroica, porque su autor no es el típico guionista de superhéroes. Es un escritor que viene del mundo de la música, conocido por una excentricidad que deja su huella en cada viñeta de este magnífico tebeo: Gerard Way, el líder y cantante de la banda My Chemical Romance.
https://youtu.be/US7LjWetGu0
Y, al igual que este no es un cómic de superhéroes normal, no se trata del típico movimiento de marketing por el que se utiliza el nombre de un famoso para promocionar una obra. No vamos a negar que el reconocimiento de Way le ha ayudado a publicar este cómic, pero en él se pueden apreciar un amor y un respeto sinceros por el medio que muchos creadores ajenos al mismo podrían imitar. Su trayectoria posterior en el interesante sello Young Animal de DC prueba que era un fan de la historieta desde antes de dedicarse a ella. Sin más preámbulos, hablemos de lo que hemos venido a hablar. Hablemos de The Umbrella Academy.
Suite apocalíptica
Justo cuando el profesional de lucha libre Tom Gurney derrotó a un calamar alienígena en un combate, 43 niños especiales nacieron en todo el mundo, de los vientres de unas madres que no habían dado signos de estar embarazadas. El millonario Reginald Hargreeves, hombre del Renacimiento, inventor e intelectual, decide adoptarlos, y acaba encontrando a siete de ellos, a los que asigna un número. En cuanto empiecen a desarrollar extraños poderes, los convertirá en un grupo de jóvenes superhéroes. Años después, tras haber tomado caminos separados como adultos, se reunirán al enterarse de la muerte de su padre. Un peligro se aproxima… y puede estar relacionado con Número 7, la única hermana sin habilidades especiales.
Suite apocalíptica, la primera parte de las aventuras de este equipo, es la historia de los X-Men si formaran parte de una familia disfuncional, pero esta descripción no le hace justicia. Way conoce a la perfección los tópicos del cómic superheroico, que retuerce al convertir a sus protagonistas en juguetes rotos que nunca llegaron tan lejos como su padre adoptivo les hizo pensar. Sin embargo, esto no le aporta al tebeo un tono catastrofista: por el contrario, aunque las personalidades de los miembros de Umbrella Academy son realistas y distintivas, el guionista abraza las posibilidades más locas y desenfadadas que ofrece el tebeo de superhéroes.
Sin ocultar sus influencias de este género y la inspiración visual que toma de la serie El Prisionero, Gerard Way consigue crear su propio mundo, en el que aparecen figuras como el zombi-robot Gustave Eiffel, una especie inteligente de simios que convive con la raza humana sin problemas y un supergenio sociópata en el cuerpo de un niño. Los lápices de Gabriel Bá, en la línea del mejor Mignola, contribuyen a crear una atmósfera inconfundible para este tebeo. Pero estos seis números saben a poco y, precisamente por eso…
Dallas
…Way y Bá volverían en otra miniserie, Dallas, para contarnos qué pasaba con los extraños alumnos de Hargreeves después de esta primera aventura. Sin entrar en spoilers, la familia pasa la primera parte de esta historia lamiéndose las heridas y replanteándose su lugar en el mundo. En este sentido, The Umbrella Academy resulta más realista que muchos tebeos superheroicos: los protagonistas no se desahogan monologando sobre sus problemas, golpeando a criminales en un callejón o poniéndose un traje negro con el que vender muchas portadas alternativas en el futuro. Por el contrario, sus reacciones son muy humanas, cayendo en la depresión y hasta en la obesidad. Hay que tener en cuenta que el guionista de esta historia la concibió como una especie de terapia tras pasar por una mala racha en su vida, por lo que conoce bien el tema y lo plasma a la perfección, sin cebarse demasiado.
Pero las amenazas no dejan descansar a esta pobre familia. Esta segunda parte de la historia resuelve una de las incógnitas de la trama original: qué le sucedió a Número Cinco, miembro original de Umbrella Academy que desapareció durante años y volvió sin haber envejecido un ápice. En esta secuela, la persecución por parte de una especie de policía del espacio-tiempo pone en jaque a este pequeño superhéroe y a todos sus seres queridos. Los asesinos Hazel y Cha-Cha, enviados para detenerle, se convertirán en los rivales más persistentes del grupo.
Este tomo mantiene la calidad del anterior, y profundiza más en la historia de sus personajes, a la vez que introduce villanos nuevos que aparecerán en la serie. Esta historia de viajes en el tiempo alcanza niveles de locura que superan con mucho a todo lo que Way había hecho antes, y derrocha imaginación. En este sentido, salvando las distancias, se asemeja a las obras de Jack Kirby o Grant Morrison: introduce una gran cantidad de elementos por página, muchos de ellos no lo suficientemente desarrollados, pero que forman un conjunto fascinantes. Nada que extrañar, ya que el guionista escocés es una de sus influencias reconocidas, y mantienen una relación de amistad.
Conclusión
The Umbrella Academy es una colección extraña y un soplo de aire fresco frente a la mayor parte de series de Marvel o de DC. Sus protagonistas están perfectamente definidos desde el principio, y cada uno supone una vuelta de tuerca de un tópico del género. Spaceboy es el héroe altruista e ingenuo, Kraken es un vigilante de la noche… y así con todos sus hermanos. El principal defecto de este cómic es su brevedad, y la larga espera entre un tomo y otro: en este momento se está publicando la tercera parte en Estados Unidos, después de diez años de espera. La popularidad de Gerard Way y su dedicación a otros proyectos hace que no pueda dedicarle el tiempo oportuno a sus creaciones, que carecen del desarrollo que podría aportarles una serie regular o una sucesión de miniseries más cercanas en el tiempo. Hasta que no solucione este problema, sus personajes destacarán más por su potencial que por lo que realmente son.
En cuanto a su futura adaptación, es imposible no mostrarse escéptico ante un tráiler que suaviza muchos de los elementos más extraños del cómic. A pesar de la tranquilizante presencia de Ellen Page, el mundo que aparece en pantalla apenas se asemeja a la fantasía gótica y superheroica de Way y Bá. Sin embargo, habrá que darle a la serie un voto de confianza, igual que en su momento se le dio al tebeo creado por una estrella del rock.
Crítica de Roma (2018): la última obra maestra de Alfonso Cuarón
Alfonso Cuarón ha realizado películas muy variadas, desde la ficción postapocalíptica a la fantasía young adult más comercial. Está considerado como uno de los más fiables de la hornada de directores latinoamericanos que, junto a otros maestros como Guillermo Del Toro o Iñarritu, ha aportado su granito de arena a la industria del cine anglosajón. Sin embargo, después de una trayectoria de proyectos adaptados a los mercados donde se iban a estrenar, no cabe la menor duda de que Roma es su obra más personal. Situada en la colonia homónima de la Ciudad de México, el director reconoce que se ha inspirado en dos figuras femeninas para crear este filme: en su madre y en la empleada doméstica que tuvo de niño.
Esta película, con una intencionalidad artística mayor que cualquiera de los anteriores proyectos de Cuarón, ha causado mucho revuelo por haber sido nominada a los Óscar, incluso estando distribuida por una plataforma de vídeo bajo demanda como Netflix, y ha encandilado a la crítica en todo el planeta. ¿Merece tantas alabanzas? Repasemos esta cinta para comprobarlo.
México, 1970
No es ningún secreto, como decíamos, que esta película está fuertemente inspirada en la infancia de Cuarón, y en cómo vivió su infancia en la Ciudad de México durante la convulsa década de los setenta. Roma tiene como protagonista a Cleo, la sirvienta de una familia acaudalada, interpretada magistralmente por Yalitza Aparicio. Mientras esta criada apoya a su jefa en sus quehaceres diarios y contempla en silencio algunos de sus problemas, trata de vivir la vida como puede en esta enorme ciudad. Para ella, una visita al cine o una conversación con su amiga es más que suficiente para sacarle una sonrisa, y muestra una actitud humilde y cariñosa hacia todo el mundo.
Cabe destacar, como muchos han hecho, el retrato extremadamente realista que Cuarón hace del México de esta época. Los planos son increíblemente detallados, mostrando el bullicio de las calles de la capital y el lujo de la enorme vivienda, contrapuestos de forma muy inteligente y sin insistir demasiado. La primera mitad de la película, aunque introduce elementos de desarrollo argumental, está dedicada plenamente a meter al espectador en situación mediante una fotografía bellísima que, sin embargo, muestra la miseria vivida por millones de personas. Estos esfuerzos parecen destinados a que el espectador sepa que esto no es solo una película, que se trata más bien de la reconstrucción de una época.
En este sentido, el guión introduce elementos discordantes de manera paulatina, que nos hacen apreciar una realidad soterrada pero no por ello menos evidente: a pesar de su amabilidad hacia Cleo, la familia puede permitirse gritarle cuando hace algo mal. A pesar de que muchos han encontrado un trabajo o una relación estables, algunos jóvenes de la ciudad parecen perdidos, sin rumbo fijo. No se habla de ello, pero hay problemas que luego explotarán. La lentitud de esta primera parte de la trama le sirve a Cuarón para meternos de lleno en la monotonía del día a día, pero a veces se recrea demasiado en el estilo y alarga las escenas en exceso. Sin embargo, se le perdona por lo preciosas que resultan todas ellas.
Masacre del Jueves de Corpus
Aunque la película se centra en la vida de Cleo, no puede ignorar la realidad de la Ciudad de México, y no es ese el objetivo del director. La segunda mitad de la misma, aunque no la nombra explícitamente, se centra en una masacre llevada a cabo por el grupo paramilitar conocido como «Los Halcones» en junio del 71 contra los asistentes a una manifestación estudiantil. El número de muertos sobrepasó los cien, y los hechos fueron cometidos con total impunidad. El gobierno mexicano no se responsabilizó, a pesar de su más que probable colaboración.
El mérito de la película es que, a pesar de que el momento llega de una manera impactante, nos ha ido mostrando antecedentes de forma discreta a través de todo el metraje anterior. Antes de llegar a esta fatídica matanza, el guión nos permite echar un vistazo al origen del mal y comprender cómo una juventud alienada y perdida pudo formar parte de este sanguinario grupo terrorista. Esto hace que las escenas de violencia, crudamente realistas, resulten más terribles todavía.
Es en el tercer acto donde la película revela sus cartas y nos permite apreciar el esfuerzo por introducirnos en la vida de estos personajes. A lo largo de este último tercio, los vemos sufrir como nunca antes, experimentando lo peor que el ser humano tiene que ofrecer. Sin embargo, como siempre, Cuarón ofrece algo de esperanza, consiguiendo evitar un fatalismo que, como el optimismo exacerbado, se habría desviado de su intención primaria: el realismo incontestable de la película. Existe el mal, dice, pero también el bien. Y, cuando se masca una nueva tragedia, nos lo demuestra.
Conclusión
La película, en un sobrio blanco y negro, nos traslada el punto de vista de dos personas muy distintas: Cleo y la Sra. Sofía, criada y ama, que tienen que enfrentarse a los problemas que aparecen, y que aprenderán a las malas que se necesitan mutuamente. Esta obra, a medio camino entre el documental y el cine de crítica social, nos muestra una historia de las muchas que se vivieron en el violento México donde se crió.
Se trata de uno de los estrenos más llamativos de 2018, y quizás sea la película más meritoria de Netflix hasta la fecha. No sé si debe ganar el Óscar, pero estoy completamente seguro de que merece ser nominada.
Análisis de Titans (Titanes). Temporada 1. Capítulo 9
Introducción
Bienvenido Titán o Titánide a tu cita semanal con Titans. Estamos ante el capítulo más peculiar de todos los vistos hasta ahora de Titanes por las razones que voy a dar a continuación. ¡Vamos allá!
Hank and Dawn
El título del episodio nueve de Titanes, Hank and Dawn, ya nos está diciendo por donde van a ir los tiros. Hank and Dawn son los nombres del Halcón y la Paloma y la historia está centrada en ellos, en contarnos el origen de estos dos justicieros emplumados, tomando como punto de partida la situación en la que se quedaron tras lo acontecido en los capítulos 2 y 3 de Titans.
Mientras Hank está cuidando de Dawn en el hospital, comienza a recordar en sueños sus comienzos como vigilante enmascarado, junto con su hermano Don Hall (Elliot Knight), la Paloma original. Conocemos así las circunstancias que les llevaron a dedicarse a la lucha contra el crimen. También somos testigos del trágico encuentro de los hermanos Hall con Dawn Granger y su madre. Encuentro que uniría los destinos de Dawn y Hank tanto en lo sentimental como en lo superheróico.
Si bien en Titans hay diferencias significativas en el origen de este dúo si los comparamos con su versión en viñetas. Ya comenté algo de eso en Análisis de Titans (Titanes). Temporada 1. Capítulo 2. Aquí Don y Hank no son hermanos biológicos, de ideologías y personalidades opuestas, ni deben sus poderes a dos enamoradas entidades místicas del Orden y el Caos, que los convirtieron en sus avatares para que ellos pudieran salvar la vida a su padre, el Juez Irwin Hall, y, de paso, demostrar que lo pasional y lo racional son dos aspectos esenciales del ser humano que no se excluyen sino que se complementan.
Lo que si permanece intacto es el cariño que ambos hermanos se tienen y su deseo de luchar contra lacras sociales como la pedofilia, algo que Hank sufrió de niño por parte de su entrenador. No se da a entender que ambos sean hijos de un juez. Es más, sólo mencionan ocasionalmente a su madre y parece que sus orígenes son más bien humildes, dependiendo de una beca de estudios para salir adelante. Pero la excesiva exigencia y el rigor académico y deportivo les hará abandonarlos a favor de la lucha por una sociedad más justa.
Las injusticias sociales es algo que también ha sufrido la gimnasta y bailarina de ballet Dawn Granger siendo testigo del maltrato de su padre a su madre así como de la incapacidad de esta para abandonarle pese a ello. De ahí que, cuando tanto su progenitora como el hermano de Hank mueran en un desafortunado accidente tras acabarse de conocer en la calle, Dawn empatice inmediatamente con Hank y haga de la causa de este la suya tras encontrar, por casualidad, los trajes del Halcón y La Paloma. No hay ningún gran evento cósmico de por medio que haga que los poderes de la Paloma original pasen a Dawn. ¿De que hablo? ¡Lee mi Análisis de Titans (Titanes). Temporada 1. Capítulo 2!
Mientras Hank ha estado rememorando todo esto en sueños, Rachel se le ha aparecido en varias ocasiones en los mismos, pidiéndole ayuda. Pero no se ha percatado de ello. Será una recuperada Dawn quien reciba el mensaje y le diga a un sorprendido Hank que tienen que buscar a Jason Todd. ¿Quién es Jason Todd? ¡Lee mi Análisis de Titans (Titanes). Temporada 1. Capítulo 6!
Parece que algo gordo se está produciendo y necesitarán toda la ayuda posible. Si tenemos en cuenta que tanto Jason Todd /Robin II, como El Halcón y La Paloma, han sido miembros de Los Titanes, en las viñetas, tal vez no sea descabellado pensar que puedan formar parte del grupo en el futuro.
Valoración Final
Entiendo que un presupuesto limitado y la tendencia a hacer más creíbles y terrenales a los superhéroes, por no mencionar el evitar pronunciarse en cuestiones políticas para no herir sensibilidades, son las causas que están detrás de haber dejado a un lado la faceta mística y política del Halcón y La Paloma. Una pena porque, aparte de eso, la caracterización de los mismos es bastante digna y deja la puerta abierta a nuevas encarnaciones, ya que Dawn menciona a su hermana, Holly Granger, la cual será Halcón en los cómics.
El haberlas tenido en cuenta habría enriquecido más a Titanes. Aún con esto la serie sigue jugando muy bien con el Universo DC, permitiéndose volver a sus personajes secundarios sin que se resienta la trama principal, haciendo así más amena el visionado de la misma y mostrando, de paso, sin miedo pero con cabeza, la variedad de este universo de ficción.
Esto ha sido todo por esta semana Titán o Titánide. Hasta el siguiente episodio, en el que, ya sí, entramos de ello en la recta final de temporada. Si te ha gustado este post ya sabes, ¡comenta y comparte! ¡Muchas Gracias!
La Haka de Jason Momoa en la premiere de Aquaman
Jason Momoa la ha vuelto a liar parda. Como le gusta al actor hacerse notar y en esta ocasión aconteció en la Premiere de Aquaman en Los Ángeles. El vídeo no tiene desperdicio. Veréis al rey de los 7 mares junto a su hijo, al actor que hace de su padre en la cinta, y otros actores y amigos haciendo una haka. La haka como ya sabréis la mayoría de los seguidores es un ritual ancestral maoríe de Nueva Zelanda, que empezó como una danza de guerra para intimidar al enemigo. La Haka se compone de energéticos cantos y sonidos, percusión corporal y expresiones faciales exageradas e incluso teatrales, como sacar la lengua.
La haka es cada vez más famosa en el mundo del deporte, por poner un claro ejemplo ya que los All Blacks, ganadores de 3 mundiales de Rugby lo hacen antes de todos los partidos. Pero no sólo es en el rugby, es un fenómeno social y una parte de la forma de expresarse de algunos atletas además de un modo de vida. Nunca sin faltar al respeto al rival, pero intimidante y algo agresivo. Sin duda Momoa quiso hacer una entrada triunfal y lo consiguió.
Os dejo con el vídeo.
Un saludo y sed felices.
Las películas más vistas de 2018
¡Vaya año de cine hemos tenido! De cara a los estrenos del 2019 ya estamos pensando en cómo vamos a disfrutar muchos metrajes que todavía no están aquí. Tenemos que esperar para los próximos estrenos y por tanto es momento de mirar atrás y comprobar qué ha pasado por nuestras pantallas en los últimos doce meses.
Ha sido un año de sagas, donde lo que más ha destacado son continuaciones o segundas partes de películas que nos gustaron antes. ¿Es eso falta de originalidad? ¡Qué más da mientras lo hayamos disfrutado! Desde luego si hay un estreno que ha destacado por encima de todos es Vengadores: Infinity War, que ha arrasado tanto en taquilla como en crítica, convenciendo a la crítica y haciendo que esta generación haya tenido su momento. Y sobre todo un villano a la altura que nos dejó pasmados en el cine con un simple chasquido de dedos. Y es que Marvel, como sabemos, está en primera línea en cuanto a taquillazos se refiere. Esta película en concreto ha pulverizado muchos récords, incluso superando a los resultados económicos de Titanic en Estados Unidos. Ojo, en categoría mundial “tan sólo” se ha quedado en cuarto lugar, o sea que no está nada mal. ¡Y aún nos queda por ver la segunda parte!
El segundo puesto de lo más visto este 2018 no es tampoco ninguna sorpresa ni algo muy diferente al primer puesto: Black Panther, o sea que Marvel, otra vez, se ha apuntado un tanto. Aunque en esta ocasión la crítica quedó dividida. Pero nos salimos de los superhéroes y vamos a criaturas grandes, conspiraciones que ponen en peligro la Tierra y la especie humana y gente guapa que nos salva. ¿Parecido a los dos primeros puestos, no? En este caso hablamos de Jurassic World 2: El Reino Perdido, que también triunfó en taquilla y ha sido de lo más visto este año. Un lavado de cara a la saga, saliendo de la Isla y metiéndonos en una película de terror donde el monstruo es un velocirraptor dopado y superdotado. ¿Suena extraño verdad? Sí, pero se disfruta en el cine. Y hasta aquí el podio, pero hay mucho más.
Más allá del podio
Marvel colocó otra película en el cuarto puesto, aunque con un estilo mucho más diferente al que no tiene acostumbrados. Estamos hablando de humor salvaje, un héroe, por llamarlo de alguna manera, faltoso y maleducado, una trama que no duda en ser sangrienta, cruel y despiadada… a la par que absurda. ¿Sabéis ya de quién hablamos, no? La segunda parte de Dead Pool también ha conseguido un buen resultado tanto en crítica como en taquilla, por lo que estamos seguros de que volveremos a ver a este personaje tan peculiar en la gran pantalla. Y como de sagas va la cosa el quinto puesto va para los Increíbles 2, que tiene esa esencia que parece pensada para niños pero que luego disfrutan todos los de la familia por igual. Años esperando esta secuela y por fin la hemos podido ver y disfrutar, normal que con tanta expectativa también se cuele entre lo más recordado del 2018.
Y hasta el puesto número diez de lo más visto tan sólo tenemos una película que no es de la saga, que es un lanzamiento nuevo, que no responde a nada anterior… bueno, sí, a un libro. Ready Player One es una película hecha para las nuevas generaciones y bebiendo de los mitificados ochenta. Y se ganó su puesto peleando contra continuaciones como pueden ser Misión Imposible Fallout, Han Solo: una historia de Star Wars, Venom, Antman y la Avispa (sí, Marvel otra vez… algo estarán haciendo bien) o Harry Potter y los Crímenes de Grindelwald, pero como ha salido hace poco todavía no podemos conocer su resultado en taquilla. Eso sí, todo lo que sea este mundo mágico trae legiones de seguidores, como también es el caso de Queen, que musicalmente son mágicos y también tiene muchos fans, por lo que Bohemian Rhapsody también se colocará entre lo mejor de este 2018.
¿No ha sido un mal año verdad? Superhéroes, magia, rock, ciencia ficción y todo ello con un poco de humor. ¿Será el 2019 igual de interesante?
Crítica de Mortal Engines: una estética preciosa con un guion deficiente
Mortal Engines es la nueva saga de novelas juveniles que se adapta a la gran pantalla. Christian Rivers es el director de esta primera película que adapta el primer libro de la saga escrito por Philip Reeve. Puede que Rivers sea el director, pero en este caso el principal protagonista de la campaña publicitaria no es ni más ni menos que Peter Jackson, quien no solo trabaja como productor, también como guionista junto a Fran Walsh y Philippa Boyens. La película se está vendiendo como la siguiente gran saga del director de El Señor de los Anillos y, si bien es cierto que no hay mejor publicidad que esta, la realidad es que conviene reducir las expectativas a la hora de ver este filme, para evitar posibles desencantos porque comparaciones de ese tipo suelen ser bastante peligrosas. Además no hay que olvidar que se trata de una adaptación de un libro juvenil, un género que no ha tenido mucha suerte en las adaptaciones cinematográficas.
Como muchas novelas juveniles, Mortal Engines se sitúa en un mundo postapocalíptico. La humanidad ha conseguido adaptarse a una nueva forma de vida: las ciudades ahora se desplazan y se impone la ley del más fuerte. Londres es la potencia mundial y va “engullendo” a los pueblos más pequeños para así abastecerse. Los protagonistas de la historia son Hester Shaw (Hera Hilmar), una chica que busca venganza, y Tom Natsworthy (Robert Sheehan) un huérfano que lucha por sobrevivir. Sus caminos se cruzarán para cambiar el destino del mundo.
El filme posee una belleza estética destacable, y realiza una buena labor introduciéndonos a este nuevo mundo. Desde la primera escena, que es una de las mejores de toda la cinta, se ve el funcionamiento de las ciudades andantes. En estos primeros minutos, se muestra muy bien las proporciones de Londres en comparación con una pequeña ciudad: se visualiza la grandeza de la primera frente a la pequeñez de la otra. Además, el diseño de la nueva Londres es magnífico, especialmente destaca cómo se incorporan partes clave de la ciudad a esta nueva realidad.
Si bien el apartado de los efectos especiales está muy trabajado, parece que la historia ha quedado relegada a un segundo plano. La creación de personajes es bastante deficiente, el filme está lleno de personajes mediocres en los que no se profundiza y, por lo tanto, no interesan. La excepción es la protagonista, que sí que tiene una motivación clara, y el personaje de Shrike (Stephen Lang), quienes comparten la relación más emotiva del largometraje. Por otro lado, se puede intuir que los secundarios tienen más importancia en la novela, pero aquí pasan totalmente desapercibidos. El villano (Hugo Weaving) es posiblemente, el personaje más deficiente de toda la cinta, es completamente unidimensional. Por otro lado, el componente amoroso deja mucho que desear porque, en primer lugar, la química entre los actores brilla por su ausencia y, en segundo lugar, escasean las escenas en las que se pueda respirar y llegar a conocer a estos personajes. Este último problema deriva de la cantidad de acción que se incluye en Mortal Engines. Normalmente la acción es buena, salvo en algún momento aislado en el que es un poco confusa, pero se echan en falta más momentos tranquilos.
Evidentemente, estos son algunos problemas que conlleva adaptar una novela al medio cinematográfico, pero si no se consigue que la audiencia conozca medianamente a esos personajes es difícil entonces crear tensión en la batalla final, o interés en una posible relación amorosa si el público cree que es inverosímil.
Por otro lado, en algunos momentos, es un tanto predecible, por no decir que hay detalles que sacan por completo de la película. Es chocante ver que la protagonista tiene una manicura perfecta o que se está intentando convencer al público para que crea que Hester es un ser horripilante por tener una cicatriz en la cara cuando estamos ante una película con protagonistas que respetan el típico canon de belleza Hollywoodiense.
En conclusión, es verdad que es una película bastante vacía en cuanto a contenido y que podría haber dado mucho más juego, pero tiene buenas escenas de acción y es estéticamente preciosa. Mortal Engines es una oportunidad perdida, a día de hoy no se ha confirmado la secuela de la película, todo dependerá del éxito de esta primera entrega, pero por ahora los resultados no son demasiado buenos.
