En Japón tienen la costumbre -no discutiré si fea o bonita- de trasladar la mayor parte de sus mangas a anime. Es una costumbre prácticamente inexistente en occidente (pocas veces podemos ver adaptaciones animadas de cómics, tebeos o novelas gráficas), pero que en terreno oriental, hablamos de Japón, funciona maravillosamente bien. El caso de One Piece no podría ser diferente. Este manga nació en 1997 y rápidamente empezó a cosechar éxito en su país natal, por lo que no tardaron ni dos años en poner en marcha su correspondiente versión animada, cuyo primer episodio vio la luz el 20 de Octubre de 1999. Hoy hablaremos de la diferencia que hay entre ambos y para los que todavía no hayáis leído ni visto nada de One Piece, una recomendación sobre cuál seguir.
A la hora de comparar un manga con su anime debemos tener en cuenta cuál es el producto original. En este caso (y en la mayoría), el original es el manga, escrito y dibujado por la persona cuya mente dio vida a todos los personajes, a la historia y a todos los minúsculos detalles que se esconden entre las viñetas. Ese es un gran punto a favor del manga: es el único producto completamente fiel a la idea que tiene el creador de su creación.
Sin embargo, el anime de One Piece nació supervisado por Oda, y en él puede sentirse un cariño y un amor hacia la obra original bastante especial. Las viñetas están plasmadas casi a la perfección, con una animación impecable (para la época claro) y un doblaje japonés magnífico. Podríamos decir entonces que el anime no tiene nada que envidiarle al manga, pero solo en sus inicios, ojo.
Escena del anime de One Piece
El manga cuenta actualmente con 909 capítulos y el anime con 831 episodios (a día en que se escribe este artículo). Esta diferencia reside principalmente en que el manga siempre debe estar muy por delante del anime para tener cierto margen. ¿Cuál es el problema? Pues que con el tiempo ocurrió lo inevitable, los episodios de 20 minutos (con publicación semanal) se acercaron peligrosamente al manga (de también publicación semanal pero con descansos cada mes/mes y medio) y las dos soluciones tomadas a ese problema se han convertido en dos de los grandes puntos negativos con los que actualmente cuenta el anime: El primero, los capítulos soporíferamente largos. Toei Animation llega a ocupar con una mísera viñeta diez minutos del episodio, alarga los planos hasta la saciedad y al acabar los 20 minutos te das cuenta de que no has visto prácticamente nada. Por culpa de esto yo renegué a ver un arco entero en anime (más concretamente el de Dessrossa). El segundo, el relleno. Entre arco y arco existe la manía de incluir una pequeña historia no canónica generalmente aburrida y sin mayor relevancia para cubrir espacio y mantener ese margen necesario de capítulos con el manga. Este relleno suele ensuciar el resultado final de la mayoría de animes, siendo One Piece uno de ellos.
Por otra parte, el que para mí es el gran punto a favor del anime son las batallas. Si bien en el manga poseen una fuerza y una epicidad únicas, poder ver las grandes luchas animadas es una auténtica gozada. Últimamente están perdiendo bastante calidad a causa de la generalizada pobreza que está mostrando Toei Animation, pero todavía siguen siendo partes del anime que los seguidores del manga frecuentamos con emoción. También destacaré de este medio el color (siempre le aporta mucha más vida a los dibujos en blanco y negro) y la banda sonora (no soy muy amigo de los openings, pero el soundtrack orquestal es magnífico).
Misma escena de antes en el manga en el centro. A izq. y der. Arlong, un villano, y Luffy.
Quiero empezar One Piece, ¿manga o anime?
Esto no es más que mi recomendación personal, si preguntáis a otro fan de One Piece puede estar de acuerdo conmigo o completamente en contra, por lo que no podéis tomarlo como una guía definitiva.
· Quiero ponerme al día lo más rápido posible. En este caso lo que te recomiendo sin duda es que sigas el manga al 100% y te olvides del anime. Leyendo puedes conseguir avanzar muchísimo más rápido que con los redundantemente dilatados episodios. Si hacemos cuentas, 20 minutos x 831 episodios da nada más y nada menos que 16.630 minutos, o lo que es lo mismo, 277 horas. Es mucho tiempo, y te aseguro que leyendo el manga podrías ponerte al día en menos de un cuarto de ese tiempo.
· Quiero disfrutar One Piece al máximo. Aquí tienes dos opciones: si crees que tienes el suficiente tiempo/paciencia lo ideal sería que hicieras las dos cosas simultáneamente o por el orden que prefieras (primero manga y luego anime o viceversa), pero si no tienes tanto tiempo, yo diría que empezaras con el anime hasta el momento en que te aburra el innecesariamente largo minutaje de los episodios y te cambies al manga. Después, ya por voluntad propia, visitarás el anime de vez en cuando para ver esos momentos épicos que en el manga quizás no se disfrutan al 100%.
Espero que esta pequeña guía os haya servido para ordenar vuestras ideas sobre lo qué hacer acerca de One Piece. Si tenéis alguna cuestión no dudéis en plantearla en los comentarios.
Bienvenidos una semana más a Lo mejor de la semana, sección donde comentamos las noticias más relevantes acontecidas en estos 7 días y os las traemos fresquitas, pues con este calor qué menos.
LOS EMMY A LA VUELTA DE LA ESQUINA
La 70ª edición de los Emmy, los premios de la televisión estadounidense, ya tiene a sus nominados. Estaba claro que la penúltima temporada del drama fantástico de HBO, Juego de Tronos, estaría entre los nominados, pero esta edición tenemos algunas sorpresas y dos de ellas patrias pues Penélope Cruz y Antonio Banderas han sido nominados por encarnar a Donatella Versace y a Pablo Picasso respectivamente. Aquí los nominados:
Mejor actor principal en serie dramática
Jason Bateman («Ozark»)
Sterling K. Brown («This Is Us»)
Ed Harris («Westworld»)
Matthew Rhys («The Americans»)
Milo Ventimiglia («This Is Us»)
Jeffrey Wright («Westworld»)
Mejor actriz principal en serie dramática
Claire Foy («The Crown»)
Tatiana Maslany («Orphan Black»)
Elisabeth Moss («The Handmaid’s Tale»)
Sandra Oh («Killing Eve»)
Keri Russell («The Americans»)
Evan Rachel Wood («Westworld»)
Mejor actor en serie de edición limitada/ película para TV
Antonio Banderas («Genius: Picasso»)
Darren Criss («The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story»)
Benedict Cumberbatch («Patrick Melrose»)
Jeff Daniels («The Looming Tower»)
John Legend («Jesus Christ Superstar»)
Jesse Plemons («USS Callister»)
Mejor actriz en serie de edición limitada/ película para TV
Laura Dern («The Tale»)
Jessica Biel («The Sinner»)
Michelle Dockery («Godless»)
Edie Falco («The Menendez Murders»)
Regina King («Seven Seconds»)
Sarah Paulson («American Horror Story: Cult»)
Mejor actor de comedia
Donald Glover («Atlanta»)
Bill Hader («Barry»)
Anthony Anderson («Black-ish»)
William H. Macy («Shameless»)
Larry David («Curb Your Enthusiasm»)
Ted Danson («The Good Place»)
Mejor actriz de comedia
Pamela Adlon («Better Things»)
Rachel Brosnahan («The Marvelous Mrs. Maisel»)
Tracee Ellis Ross («Black-ish»)
Allison Janney («Mom»)
Lily Tomlin («Grace and Frankie»)
Issa Rae («Insecure»)
Mejor serie dramática
«The Handmaid’s Tale»
«Game of Thrones»
«This Is Us»
«The Crown»
«The Americans»
«Stranger Things»
«Westworld»
Mejor serie cómica
«Atlanta» (FX)
«Barry» (HBO)
«Black-ish» (ABC)
«Curb Your Enthusiasm» (HBO)
«GLOW» (Netflix)
«The Marvelous Mrs. Maisel» (Amazon)
«Silicon Valley» (HBO)
«The Unbreakable Kimmy Schmidt» (Netflix)
Mejor serie de edición limitada
«The Alienist»
«The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story»
«Genius: Picasso»
«Godless»
«Patrick Melrose»
Mejor actor de reparto en serie dramática
Nikolaj Coster-Waldau (“Game of Thrones”)
Peter Dinklage (“Game of Thrones”)
Joseph Fiennes (“The Handmaid’s Tale”)
David Harbour (“Stranger Things”)
Mandy Patinkin (“Homeland”)
Matt Smith (“The Crown”)
Mejor actriz de reparto en serie dramática
Alexis Bledel («The Handmaid’s Tale»)
Millie Bobby Brown (“Stranger Things”)
Ann Dowd (“The Handmaid’s Tale”)
Lena Headey (“Game of Thrones”)
Thandie Newton (“Westworld”)
Yvonne Strahovski (“The Handmaid’s Tale”)
Mejor actor de reparto en serie cómica
Louie Anderson («Baskets»)
Alec Baldwin («Saturday Night Live»)
Tituss Burgess («Unbreakable Kimmy Schmidt»)
Tony Shalhoub («The Marvelous Mrs. Maisel»)
Kenan Thompson («Saturday Night Live»)
Henry Winkler («Barry»)
Mejor actriz de reparto en serie cómica
Zazie Beetz («Atlanta»)
Alex Borstein («The Marvelous Mrs. Maisel»)
Aidy Bryant («Saturday Night Live»)
Betty Gilpin («GLOW»)
Leslie Jones («Saturday Night Live»)
Kate McKinnon («Saturday Night Live»)
Laurie Metcalf («Roseanne»)
Megan Mullally («Will & Grace»)
Mejor reality de competencias
«The Amazing Race»
«American Ninja Warrior»
«Project Runway»
«RuPaul’s Drag Race»
«Top Chef»
«The Voice»
Mejor programa de sketches
«Saturday Night Live» (NBC)
«Portlandia» (IFC)
«Drunk History» (Comedy Central)
«Tracey Ullman’s Show» (HBO)
«At Home with Amy Sedaris» (TruTV)
«I Love You, America» (Hulu)
Mejor programa de variedades
«The Daily Show With Trevor Noah»
«Full Frontal With Samantha Bee»
«Jimmy Kimmel Live»
«Last Week Tonight with John Oliver»
«Late Late Show with James Corden Late Show with Stephen Colbert»
Mejor película para TV
«Fahrenheit 451» (HBO)
«Flint» (Lifetime)
«Paterno» (HBO)
«The Tale» (HBO)
«Black Mirror: USS Callister» (Netflix)
Mejor actor de reparto en serie limitada o película
Jeff Daniels («Godless»)
Brandon Victor Dixon («Jesus Christ Superstar»)
John Leguizamo («Waco»)
Ricky Martin («The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story»)
Edgar Ramirez («The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story»)
Michael Stuhlbarg («The Looming Tower»)
Finn Wittrock («The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story»)
Mejor conductor de reality
W. Kamau Bell («United Shades of America With W. Kamau Bell»)
Ellen DeGeneres («Ellen’s Game of Games»)
RuPaul Charles («RuPaul’s Drag Race»)
Heidi Klum and Tim Gunn («Project Runway»)
Jane Lynch («Hollywood Game Night»)
VUELVEN LOS ZOMBIES
Una de esas cintas que la audiencia clamaba a gritos por una segunda parte es Zombieland. La cinta de unos casi desconocidos Emma Stone y Jesse Eisenberg, así como Woody Harrelson y AbigailBreslin, llegó a las salas de todo el mundo hace ya 9 años. Mucho se discutió sobre si una secuela era interesante y así pasaron año tras año sin tener noticias de ella, solo unos rumores.
Esta semana hemos sabido gracias a Entertainment Weekly que el reparto original volverá para la segunda parte prevista para salir el próximo 2019. Además, el reparto volverá junto con Paul Wernick y Rhet Reese a guionizar la cinta mientras que Gavin Polone retomará su papel como productor.
TOM CRUISE Y COMPAÑÍA VUELVEN PARA ARRASAR EL VERANO
Misión Imposible: Fallout, la sexta cinta de la saga de Tom Cruise está a nada de aterrizar en los cines. Muchos podrían haber dado su brazo ante el camino que tomó la saca con una segunda y una tercera cintas algo menos interesantes que su primera entrega, pero con Misión Imposible: Protocolo Fantasma la franquicia supo dar un giro muy interesante y placentero a la acción y el thriller mucho más refinados.
Con tanta expectación por saber si esta sexta entrega seguiría la línea ascendente de las 2 anteriores o supondría el bajón e irremediable final de la historia de Ethan Hunt, muchos esperábamos las primeras declaraciones posteriores a la premiere, y hacia mucho que no veía unas declaraciones así:
“Absolutamente fantástica. Esta película te entretiene en todos los sentidos: secuencias de acción increíbles, tensión penetrante y sin duda el mejor final de la franquicia. Mi película favorita del verano, me encanta cada segundo”.
“Feliz de informar que #MissionImpossibleFallout es una película fantástica que está cargada de acción *loca* y momentos de dejarte al borde del asiento. No estoy seguro de cómo Tom Cruise sigue subiendo el listón, pero estoy feliz de que lo haga. Solo la escena de lucha en el baño vale el precio de la entrada”.
“#MissionImpossibleFallout juega en la mismo liga que #RogueNation, es decir, tiene un gran nivel de conjunto. Fácilmente, mi superproducción favorita de 2018 hasta el momento”.
“Es necesario que haya una nueva película de MI cada verano, porque no hay otra franquicia taquillera, libra por libra, tan entretenida y fascinante como se ha vuelto esta”.
“La actuación que Rebecca Ferguson puede hacer a través de un jodido casco de moto es increíble. El bigote de CGI de Liga de la Justicia valió la pena porque la pelea en el baño «Fallout» de Cavill es legendaria. Tom Cruise eres un psicópata, nunca cambies”.
“Misión: Imposible – Fallout es como andar de puntillas por una cuerda floja en las alturas durante 2 horas y media. Momentos impecables, setpieces realmente asombrosas. Henry Cavill es un fichaje fantástico. La mejor película de acción desde Fury Road”.
“Misión: Imposible – Fallout es la verdadera secuela directa de la franquicia. Y en la que más aprendemos más sobre Ethan Hunt. Es el SKYFALL de las películas de M:I. Además, sí, es increíblemente estimulante”.
“Misión: Imposible – Fallout puede ser EL CABALLERO OSCURO de Tom Cruise Chris McQuarrie. Esta es FÁCILMENTE la mejor franquicia de películas en activo, la mejor película de acción del verano, y entre 10 y 100 veces mejor que CUALQUIER película de Marvel. Cruise es la estrella de cine más grande que hay, existió y EXISTIRÁ”.
“Misión: Imposible – Fallout. Esa película es sexo”. (Esta tiene su particular gracia)
«Misión: Imposible – Fallout es completamente mi mierda 10 de 10”.
SCARLETT JOHANSSON DICE «NO»
Si recordáis, la semana pasada hablábamos sobre cómo se le había echado encima Internet a Scarlett Johansson. El por qué fue que la actriz de Marvel participaría en la cinta Rub & Tug interpretando a un personaje transgénero. Internet ardió en odio y cabreo contra la actriz por haber firmado un contrato en vez de dirigir sus ataques a los productores de la cinta, únicos «culpables» de esto.
Así pues, esta semana hemos sabido que la actriz está atenta a sus redes sociales, pues ha decidido alejarse del proyecto. Está fue su declaración al portal out.com:
«A la luz de las cuestiones éticas que han surgido tras mi elección para hacer de Dante Tex Gill, he decidido renunciar a participar en el proyecto. Nuestro aprendizaje sobre las personas transgénero sigue avanzando y he aprendido mucho desde mi primer comunicado, dándome cuenta de lo insensible que era. Tengo gran admiración y amor por la comunidad trans y estoy agradecida de que esta conversación se esté produciendo en el seno de Hollywood. De acuerdo con GLAAD, los personajes LGTB+ cayeron al 40% en 2017 con no representación en ninguna película de un estudio. Aunque me hubiera encantado contar la historia de Dante y su transición, entiendo que muchos opinen que debería ser interpretado por una persona transgénero, y agradezco que este casting haya llevado a una conversación más grande sobre diversidad y representación. Creo que todos los actores deben ser considerados por igual. Mi productora, These Pictures, busca al mismo tiempo entretener y empujar los límites. Estamos deseosos de trabajar con todas las comunidades para llevar estas historias tan necesarias a todo el mundo.»
Comunicado que posteriormente fue agradecido por la presidenta del colectivo GLAAD:
Este anuncio, junto con las voces transgénero que han hablado sobre esta película, son un cambio para el futuro de la representación en Hollywood. Hollywood cambió la forma en la que los norteamericanos entendían la vida de los gays y lesbianas, y la televisión está empezando a hacer lo mismo por personas transgénero y retratos que impactan a críticos y audiencia. La industria del cine tiene la oportunidad de hacer lo mismo.
VIUDA NEGRA EN SOLITARIO
Siguiendo con Scarlett Johansson, ha ocurrido lo que muchos fans de Marvel esperaban: Disney realizará una cinta sobre Viuda Negra. Mucho se ha hablado sobre esto, si era necesario una película, si debería haber acabado en serie de televisión o sobre cuándo el estudio daría el salto.
Según recoge THR, Cate Shortland, directora de Lore, será la encargada de llevar a cabo la cinta con Scarlett Johansson, presuponemos, como protagonista. EL guion correrá a cargo de Jac Schaeffer, guionista de Timer y el corto Frozen: Una aventura de Olaf, algo que quizá no guste a todo el mundo.
SNYDER ES EL SALVADOR SACRIFICADO
Me encanta usar esta imagen
Eso parecen indicar todas las declaraciones que el director, sus amigos, productores y guionistas cercanos han hecho. Todos concluyen que Snyder ha sido el salvador de DC estos años y que el trabajo de Joss Whedon al mando de la Liga de la Justicia ha sido lo peor que ha podido pasarle al cine en mucho tiempo. Por ello, no es raro volver a oír declaraciones que vuelvan a ensalzar su visión al mando del universo superheroico de DC y en este caso todo va dirigido a su primera piedra: El hombre de acero.
¿Recordáis el final, cuando Superman mata a Zod incumpliendo así su máxima de no matar? Esto fue muy criticado por muchos fans, incluso hay declaraciones de algunos que se fueron de la sala cuando el personaje de Henry Cavill le parte el cuello a su enemigo, pero esto, en lo personal, no es lo peor de la cinta. Sin embargo, Cavill ha salido a la palestra a defender que todo lo que pasó iba a ser explicado en la secuela de Snyder, pero como no está, nos fastidiamos:
“La ejecución de Zod habría sido una razón fabulosa por la que Superman nunca mata. Él no mata porque su padre le dijo un día que no lo hiciera. Tomó la decisión porque se enfrentaba a un dilema imposible, y después dice: ‘No me importa si vuelve a ser imposible. Voy a encontrar una forma de hacer posible lo imposible”.
«No tuvimos la oportunidad de mostrar la otra cara de la moneda: ‘Estoy listo para ser Superman y para darle el mejor ejemplo al mundo. De ahí es donde vienen la alegría y la calidez del personaje, que son su auténtico superpoder: él hace que las personas crean en sí mismas. Es una pena, porque habría estado muy bien y habría sido un contraste encantador con la seriedad y la profundidad de El hombre de acero”.
ERA DE ESPERAR QUE ALGUIEN VINIERA A APROVECHARSE
Las películas basadas en hecho reales tienen un interesante tirón. No sé si es el morbo por ver lo que ha pasado antes que leerlo (aunque hay veces que el salto a Hollywood se lleva por delante algunos detalles) o vete tú a saber qué, pero el rescate de los niños en la cueva de Tailandia es de esas oportunidades que la industria no iba a dejar pasar.
El rescate de los niños en Tailandia será llevado al cine, según comenta EW, por la productora Pure Flix, estudio especializado en «películas basadas en la fe». Menudo giro imprevisto pues resulta que el estudio quiere lleva al cine este suceso apoyándose en la inspiración divina:
“No será solo una película, será un homenaje a todos los implicados incluyendo al soldado Saman Kunan, que murió durante el rescate”.
Pues nada, qué mejor que la Iglesia para contar lo que han hecho los hombres, ¿no?
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. El domingo pasado amanecíamos con una triste noticia: la muerte de Steve Ditko, co-creador de Spidermany creador del Doctor Strange. Quizás lo suyo habría sido reseñar su etapa en The Amazing Spider-Man pero hemos optado por por una serie que, en cierta modo, homenajeaba aquellas historias. Hoy es el turno de Las historias jamás contadas de Spiderman, de Kurt Busiek y Pat Olliffe, editada en España en este mismo mes de julio por Editorial Panini.
Homenaje, que no refrito
En la década de los 90 del siglo pasado, nuestro amigo y vecino Spiderman se hallaba sumido en una espiral de oscuridad, culpa, depresión y auto-flagelación. En consonancia con los tiempos, las historias eran cada vez más tenebrosas y deprimentes y si bien habíamos tenido alguna buena historia (vease la muerte de Tia May) la sensación generalizada era que Peter Parker había perdido la alegría de vivir. Para rizar el rizo, a alguna (de)mente pensante de Marvel se le ocurrió aquello de resucitar al clon que Len Wein había tirado por una chimenea. ¡El horror, el horror! El resultado: las ventas cayeron en picado y el fan de toda la vida se alejaba de Spiderman como de la peste. Más o menos como ahora con la etapa de Dan Slott, con la diferencia de que entonces los fans y la venta de cómics todavía importaban en La casa de las ideas (y no como ahora, que todo lo que no tenga que ver con el cine se la trae al fresco).
Así pues, ante este panorama al editor Tom Breevort se le ocurrió lanzar una nueva línea de cómics, con un precio más reducido, con la intención de captar la atención de las nuevas generaciones ya que ni se les pasaba por la cabeza estrenar una película, y ya no digamos que dicha película tuviese éxito. Una de las propuestas fue que Spiderman protagonizase uno de esos títulos. Para desarrollarlo, Breevort optó por la propuesta de Kurt Busiek, que acababa de romper la pana con Marvels. Dicha propuesta consistía en ambientar la serie en el primer año de The Amazing Spider-Man, alejando al protagonista de la depresión noventera que amenazaba con cortarle las venas, recuperar su ambiente de instituto, los secundarios que por allí pululaban y los enemigos de por aquel entonces, los más clásicos. Pero como Busiek es, posiblemente (seguramente) uno de los escritores más brillantes, con mayor talento y con la cabeza bien amueblada que ha dado el cómic de superhéroes, la cosa no se quedó en eso. Busiek aprovechó para introducir nuevos secundarios, recuperados de una viñeta aquí y otra allá de las páginas de Ditko, introducir nuevos aliados y villanos, rellenar huecos, tapar incoherencias y construir una serie de historias a cada cual más entretenida.
Si, aquí tenemos al Capitán Stacy y el origen de su interés por Spiderman
Aunque mi compañero Adrian de la Fuente dice que lo que hizo Busiek fue un refrito, nada hay más lejos de la realidad. El que si hizo tal cosa fue El Maligno, alias Brian Michael Bendis, en Ultimate Spider-Man. Eso si que fue un refrito y de los grandes. Por contra, Kurt Busiek no re-contó las historias sino que se sirvió de ellas como un armazón para, entre viñetas, ampliar aspectos y tratar temas que entonces (principios de los 60) no vimos ni por asomo, como el acoso escolar o el maltrato infantil. Las historias jamás contadas mantienen hoy en día todo su vigor; incluso me atrevo a decir que han soportado mejor el paso del tiempo que las historias de Stan Lee y Steve Ditko, a las que los diálogos y la narración del primero lastran como una losa y las mantienen ancladas en el pasado de tal forma que hacen muy difícil que un lector joven pueda acercarse a ellas y apreciarlas por lo que fueron.
Ojos grandes, telaraña liada
Si el estilo de Busiek, sus historias y sus diálogos, actualizan al Spiderman del instituto, el dibujo hizo otro tanto. Breevort le encargó el trabajo a Pat Ollife, un autor que a la hora de dibujar los rostros del protagonista y sus secundarios recordaba mucho a Ditko. Pero la semejanza se acababa ahí porque Ollife no se cortó un pelo en utilizar todas las aportaciones gráficas diseñadas por Todd MacFarlane: ojos grandes en la máscara, telaraña super-mega-hiper liada y posturas acrobáticas imposibles. Olvidaos también de las viñetas clásicas de Ditko y de su composición de página. Aquí tenemos viñetas grandes, viñetas pequeñas, viñetas cuadradas, rectangulares, triangulares, redondas, a toda página y cualquier variante moderna que podáis imaginar. Es un toque de modernidad que se agradece y que cumple con el objetivo de no espantar al recién llegado.
Esos ojos, esa telaraña, esa pose…
Las historias jamás contadas de Spiderman es un tomo que contiene un puñado de historias que, con todo el respeto a quienes le precedieron, cuentan algo nuevo, algo fresco, un puñado de historias que han soportado más que bien el paso del tiempo desde su publicación y que hacen guiños al lector de toda la vida mientras saludan al recién llegado. Lo repito: no es un refrito pero si lo fuera, ojala todos los refritos fuesen como este. Un saludo y sed felices.
Bienvenidos una vez más a este oscuro rincón de Las cosas que nos hacen felices, en esta ocasión toca quedarnos en casa, comprobar que toda posible salida o entrada esté lo suficientemente bien cerrada y disfrutar de una buena película de terror perteneciente al subgénero que nos atañe para alimentar bien la paranoia.
Si no os apetece, aquí podréis encontrar otros artículos pertenecientes a la sección:
Estás con tu pareja -también puedes estar con un amigo/a o con un familiar- en una casa alquilada en las afueras, pues decidisteis que era la mejor opción para pasar un tranquilo fin de semana juntos. No contabais con que el tiempo fuera tan inestable, pero no os importa porque estáis recogidos bajo una acogedora techumbre a dos aguas. La lluvia repiquetea en las ventana y los truenos nos os dejan escuchar el ruido que se está formando por culpa de un motor que no para de rugir en el exterior. Llaman al timbre y lo que parece, a priori, una frágil joven os pregunta por el teléfono, vosotros, confiados por la portada que se os presenta, la dejáis pasar. Craso error, amigos. Los asesinos os han localizado y comienza una de las peores noches de vuestra vida y, si todo sale bien para ellos, la última. ¿Os suena el argumento? Posiblemente, ya que se trata del típico argumento que nos vamos a encontrar durante el visionado de cualquier película perteneciente al subgénero home invasion. Y de eso trata la entrada de esta semana -motivado por el reciente estreno de Los extraños: Cacería nocturna-, uno en el que vamos a adentrarnos brevemente en el subgénero, destacando todos aquellos filmes que llamaron la atención de un servidor.
Antes de comenzar os tengo que advertir que puede ser que te encuentres algún que otro spoiler en esta entrada, así que cuidado con ellos. Dicho esto, comenzamos:
No respires (2016)
Empezamos esta lista no numerada con una de las sorpresas de su año -aunque para aquellos que conocían los trabajos previos del director no lo fue tanto-, No respires del director uruguayo Fede Álvarez. En esta ocasión, el eje central de la película recae en los asaltantes y no en los asaltados. El filme nos invita a conocer a tres jóvenes ladrones que, por diferentes razones, intentarán robar en casa de una presa fácil a priori, un anciano ciego y solitario poseedor de una pequeña fortuna. Las apariencias engañan y, aunque ciego de verdad, nadie sospecharía que aquel invidente pudiera ser en realidad un retorcido psicópata capaz de hacer cualquier cosa para alcanzar sus objetivos.
Fede Álvarez es capaz de contarnos en sus 88 minutos de duración una historia, aunque sencilla, interesante y que mantiene el suspense casi en todo momento, convirtiendo la lúgubre casa en un escenario ideal en el que encerrar nuestras pesadillas. Cada rincón, cada personaje, cada situación, están medidas al milímetro y, aunque no está carente de momentos inverosímiles –muy difíciles de esquivar en este tipo de propuestas-, los giros de guión no intentan tomar el pelo al espectador y se nota que el director uruguayo tiene un pulso extraordinario para esto de la dirección. Lastima que el final –aunque funciona como un estupendo homenaje al cine slasher– no le hace justicia al conjunto. A destacar la actuación de Stephen Lang como el enigmático hombre ciego.
No diré que no resultó ser una decepción porque lo fue, una gran premisa destruida por un conjunto de malas ideas y uso de clichés que, por suerte, supieron arreglar, en mayor o menor medida, en sus secuelas. Esta vez la propuesta se ambienta en el futuro, un futuro distópico en el que todo está permitido durante un día al año, en ese día puedes cometer cualquier clase de crimen sin represalias. 12 horas en las que todo está permitido, incluido el asesinato. Pero no todos están dispuestos a dejar salir su lado más salvaje y prefieren encerrarse a espera que amaine la tormenta. La familia que nos presenta el filme es de estas últimas, aunque no cuentan con la cantidad de maldad que es capaz de generar la purga.
Una propuesta interesante que su director y guionista, James DeMonaco, no supo llevar a buen puerto, a pesar de los esfuerzos de sus protagonistas -un solvente Ethan Hawke y una Lena Headey no menos solvente- por sacar a flote el decepcionante resultado final. Pero ni la dupla protagonista es capaz de rescatar una película llena de malos giros de guión, carente de ritmo y con unos personajes mal dibujados y repelentes -a destacar el personaje interpretado por el joven Max Burkholder-. A pesar de todo lo malo del filme, merece estar en la lista por ser el inicio de una potable franquicia y por pertenecer al subgénero que nos atañe.
Los extraños (2008)
Esta película tiene todos los ingredientes que toda buena home invasion debe de tener: una pareja desvalida poco conocedora de lo que el destino les tiene preparado, un grupo de asesinos enmascarados dispuestos a hacerles pasar unos minutos finales de lo más desagradables y momentos de tensión propios del subgénero –a la par que casquería bien repartida-. En ningún momento vemos humanidad en los asesinos -a pesar de que la constitución física de cada uno de ellos es normal, utilizan unas mascaras totalmente inexpresivas que impiden ver algo de humanidad en ellos-, son figuras que matan sin remordimiento, sin que veamos racionalidad en sus acciones, como depredadores acechando a sus presas, sin motivaciones aparentes más allá de la de provocar daño al prójimo.
Si podéis echar un vistazo al filme, os lo recomiendo, no tiene una duración excesiva -unos 85 minutos-, es intrigante y tiene unos antagonistas inquietantes que hacen todo el trabajo por los protagonistas. Si preguntan por Tamara, ni se os ocurra abrir la puerta.
Tú eres el siguiente (2011)
En esta ocasión vamos a degustar los mismos ingredientes pero con variaciones que van a hacer de este plato algo único: una familia más numerosa, unos asesinos con mascaras de animales y una singular «presa» que sorprenderá a todos aquellos que le hayan dado una oportunidad al filme. A diferencia de The purge: La noche de las bestias, en ésta nos vamos a encontrar personajes bien dibujados y que van más allá de ser una simple victima -destacando la más que solvente labor de Sharni Vinson como Erin-, situaciones gores pero que no pretenden ser demasiado escandalosas, más «elegantes» y unos giros de guión impropios del género hasta entonces. Un filme valiente, con buenas ideas y con una atractiva dirección de Adam Wingard -quien más tarde firmaría la desastrosa versión estadounidense de Death Note-.
Funny Games (2007)
La mejor de la lista sin ninguna duda, tan buena que ocuparía el primer puesto si se tratara de un top numerado. A pesar de que existe una versión anterior –dirigida por el mismo director diez años antes– que es prácticamente igual que su versión de 2007, merece la pena ver como el director se maneja en la peculiar labor de copiarse a sí mismo. Michael Haneke es un director que no se conforma con seguir la plantilla utilizada en este tipo de propuestas, quiere utilizar los ingredientes pero para realizar un plato totalmente nuevo con los mismos. La reacción de las victimas, el comportamiento de los asesinos, la puesta en escena y los acontecimientos que se irán desencadenando a raíz de las acciones de los personajes, tienen un gusto añejo pero nuevo a la vez -si no tenemos en cuenta que es un remake y por lo tanto pierde parte de esa frescura-.
Si te gustó la original, ¿por qué no te iba a gustar esta? Tiene todo lo bueno de la original y cuenta con una inspirada Naomi Watts que da rienda suelta a todo su potencial interpretativo -también es meritorio el trabajo que hace Michael Pitt-. Supongo que el planteamiento y el reparto de actores son motivaciones suficientes para que el escéptico espectador le de una oportunidad.
Y tras este breve repaso toca despedirme hasta la próxima entrega de Las cosas que nos hacen temblar. Sed buenos y, repito, comprobad bien las cerraduras antes de iros a dormir, si es que podéis. Hasta la próxima y que seáis muy felices.
Las ediciones de lujo de Medusa Cómics suelen ser muy acertadas. Recuerdo las ediciones integrales de Armor Hunters o de Book of Death que son magníficas. También puedo destacar la Reseña de Eternal Warrior. Edición de Lujo 1que realizó mi compañero Adrián.
Lo mismo me hago mayor, pero estas ediciones en tapa dura, en formato de lujo como reza el título de esta reseña me parecen mejores, mejor coleccionables y más fáciles de leer y guardar que la dichosa grapa. La grapa sirve para leer mes a mes una serie, pero sin duda, para guardar en la estantería prefiero una edición de lujo. Y en este punto nos encontramos con Medusa Cómics y su edición de Valiant en España.
RAI es una de las colecciones de Valiant que tuvo su recorrido entre 2014 a 2016 dentro de la editorial. Publicarla ahora en grapa sería un error, las series actuales ya están en el 2018 y sería absurdo llevar un retraso de años. Sacarla al mercado en tomos de tapa blanda hubiera sido otra opción, pero creo que la obra maquetada en tapa dura es muy acertado. Eso sí, cuesta más. Además con este tomo tenemos la obra completa (aunque ponga el 1 en la portada) en un sólo cómic. ¿Pero nos pone en la portada número 1?. Os comento. La colección original duró 16 números, teniendo los 12 primeros recopilados en este tomo ¿qué pasó con los números 13 al 16? ¿se van a publicar? Los últimos 4 números de RAI son parte de la saga 4001 AD, o lo que es lo mismo: una miniserie de Valiant independiente que englobó como tie-in los 4 últimos números de la colección de RAI junto con especiales de X-O Manowar, Bloodshot o Shadowman entre otros. Algo similar al integral de Book of Death que os dije al principio. Si nada falla Medusa debería publicar esta saga en el mismo formato con todos estos cómics de referencia.
Y sí, la acción de RAI transcurre en el año 4001 AD de nuestra era. Lo de AD viene a decir algo así como Anno Dómini (en el año del Señor). Y es que RAI vive en un mundo utópico casi 2000 años de nuestro futuro. En esa fecha la Tierra es un erial y Japón orbita, si tiene una órbita geosincrónica sobre la tierra con diferentes niveles donde vive la población de Japón bajo el control de Padre.En esta especie de mega ciudad flotante todo está controlado y nadie padece enfermedades o pobreza, pero eso si, sin libre albedrío. Existen una especie de disidentes llamados los Radis que intentan cambiar el mundo. Por ejemplo una de sus principales reivindicaciones es liberar a los seres de inteligencia artificial que son los habitantes de Japón pero creados por el hombre. Estos seres carecen de los mismos derechos que los seres humanos aunque sean iguales que nosotros en apariencia y forma. Se les distingue por llevar un círculo azul marcado en la frente.
RAI es una especie de protector de este Japón flotante que tiene 4001 niveles y que responde directamente de Padre siempre que ocurra alguna amenaza. En esta historia se produce algo inusual. Que mueran seres de inteligencia artificial está a la orden del día, pero que mueran humanos asesinados no es tan común. 1000 años han pasado desde el último asesinato de un ser humano y justamente ahora se produce otro. La intervención de RAI se antoja imprescindible en una trama en la que se tendrá que plantear su relación con Padre e incluso su propia existencia.
Los autores de esta obra son Matt Kindt y Clayton Crain. Kindt es el guionista de RAI y aunque tiene buenas ideas y el desarrollo es acertado, en la parte negativa tengo que decir que la acción va a trompicones con situaciones un tanto forzadas. Un ejemplo que me llamó la atención es la búsqueda de la librería analógica. Un punto ciego en Japón, no controlado por Padre, que se resuelve en una viñeta, literamente. En definitiva, una historia muy entretenida pero con algunas lagunas argumentales.
El arte digital de Clayton Crain me parece alucinante. Le descubrí hace años en X-Force, pero reconozco no saber mucho más de él. No se prodiga mucho en el mundo del 9º Arte. Otras obras destacas son Shadowman (dónde debuto), Carnage (Matanza) o Ghost Rider. Si no conocéis su arte no pasa nada, dentro del artículo os he dejado varias páginas firmadas por su excelente dibujo. ¿Os gusta? A mi me apasiona. Por cierto, la saga que continúa este tomo, 4001 AD también lleva su impronta.
A continuación os dejo la portada de la edición española de RAI publicada por Medusa cómics. Espero que la disfrutes.
Hasta la fecha me había resistido a analizar algunos de los personajes del UCM que tienen cabida en esta sección por ser más chulos que nadie, pero como ésta es la sexta entrega de mi sección, he decidido romper el tabique y hoy voy a analizar a…. ¡Tony Stark, también conocido como Iron Man!
Si quieres nuestra ayuda recuerda que somos un pack indivisible.
Es cierto que no es el único chulo que pulula por la cinematografía marvelita, y tampoco será el último que analice en esta sección, donde Star Lord, Lobezno, Doctor Extraño o Thor tendrán su momento de gloria. Sí que quiero recalcar que, aunque Tony Stark surgiese como el personaje de cómic, mi análisis va a centrarse en su papel en el cine. Sí, ambos personajes tienen muchas similitudes, pero en otros sentidos son diferentes.
Vaya por delante que no me imagino un actor mejor que Robert Downey Jr. para interpretar a Tony Stark. Me pasa a ese respecto algo similar a otros personajes que he analizado anteriormente, como Serpiente Plissken, Jack Sparrow, Han Solo…. donde me sería imposible concebirlos siendo interpretados por actores distintos a los que ya han representado esos papeles. Siendo así, Robert Downey Jr. ha convertido en todo un icono al conocido Iron Man, personaje que antes de las películas de Marvel, no ostentaba una posición tan privilegiada en la historia de los cómics.
¿Pero qué majadería nos cuenta este redactor, Tony Stark no era un icono en Marvel? Sí, es un personaje clave en la fundación de Los Vengadores y también surgió en la mejor época creativa de Marvel, pero a nivel de prestigio, ventas y reconocimiento de los lectores, nunca ha gozado de tanto tirón como Capitán América, Spiderman, Thor o algunos otros personajes. De hecho, y salvo en unas pocas etapas, no contaba con artistas de primera fila de la editorial para su propia serie. Menos mal que, aunque genere un interés más centrado en el personaje de cine que el de cómic, las películas de Marvel han hecho que Iron Man sea más conocido y querido por más gente.
Cambio las armaduras por los coches de carreras y mira qué desastre.
¿Por qué merece la pena el personaje? En primer lugar, porque como decía lo interpreta el gran Robert Downey Jr. El actor ha convertido a Tony Stark en un personaje carismático, más chulo que nadie, y que, para bien o para mal, no deja indiferente. Aunque podría causar el desinterés de quienes ya le han visto en demasiadas películas, yo he disfrutado todas sus apariciones, ya fueran en solitario (os recuerdo que tiene su propia trilogía), en grupo (ha aparecido en las 3 películas de Vengadores hasta la fecha y también en Civil War), o como compañero de aventuras de algún otro personaje (como en la última versión de Spiderman).
Tony Stark va siempre de sobrado, como si supiera con certeza que sus decisiones y acciones son las correctas y las que han de seguirse. No siempre es así desde luego, se pasa mucho tiempo enmendando los errores que ha cometido. Pero a pesar de su descomunal ego y amor propio, es un personaje sumamente inteligente y un poderoso aliado en combate. Tiene más dinero del que se pueda imaginar, y no le cuesta nada que cualquier mujer caiga rendida a sus pies, pero por encima de todo eso es más que un playboy. Es cierto que necesita de una armadura para poder ayudar en cualquier combate, pero se ha hecho a sí mismo, cambiando por completo su modo de vida cuando fue secuestrado por un grupo terrorista y tuvo que crear su primera armadura de combate para sobrevivir.
Me gusta coleccionar armaduras, ¿algún problema?
Y sí, aunque le abruma saber que no estamos solos en el universo y que los humanos apenas podríamos hacer frente a amenazas procedentes de otros planetas, intenta (no siempre con buen tino pero sí buenas intenciones) remediar eso. De hecho fue clave en la creación de Ultrón, que como sabréis fue uno de sus mayores errores, pero Ultrón creó a su vez a Visión, lo que al menos hace que el error de Tony tuviese alguna consecuencia positiva. También es todo un mecenas para los Vengadores, aportando no solamente su tecnología y sus invenciones (Máquina de Guerra no existiría sin él), sino aflojando pasta constantemente. Sin su armadura es mucho más de lo que el Capitán América piensa cuando le conoce por primera vez.
En definitiva Tony Stark es uno de los personajes más carismáticos e importantes del UCM, lo interpreta el actor ideal, y me alegra ver la enorme popularidad de la que goza actualmente, provocando que cada vez más personas tengan la curiosidad de leer los cómics de Iron Man, y comprueben que es mucho más que un tío dentro de una armadura. Y hasta aquí mi aportación de hoy. ¡Larga vida a Tony Stark/Iron Man!
Hace unas semanas hemos sabido gracias a Comic-Book Movie que la cinta de Obi-Wan Kenobi en solitario podría entrar dentro del servicio de streaming que Disney tiene planeado sacar el próximo año 2019. Esto, sin embargo, no es más que un rumor no confirmado aún por Disney pero de ser así implicaría que las opciones de ver a Ewan McGregor de nuevo en la pantalla grande con su sable de luz y que en algún momento pudiera interactuar con el resto del universo expandido quedaría en suspenso. Así pues os vengo a hablar de los problemas que podrían acarrear esta decisión de colocar esta película como la baza más importante del servicio en streaming de Disney.
El erróneo concepto de tv-movie
Actualmente el concepto de tv-movie ha cambiado con el paso de los años y con el auge de los servicios en streaming de Netflix, Amazon, HBO o Hulu. El concepto clásico de una cinta de televisión era el de una producción limitada en su presupuesto, su historia y su reparto. Tenemos incontables ejemplos de ello, pero pongamos de ejemplo la película a televisión de IT.
IT, o Eso en España, tuvo una cinta para televisión en 1990. Esta contó con dos partes sumando en conjunto 3 horas y 7 minutos de metraje, algo a lo que una cinta actual no puede llegar si tiene previsto ser estrenada en el cine. Esto se debe simple y llanamente al marketing. Una cinta de animación infantil mejor que no supere la hora y media, incluso si acaba antes mejor. Esto se debe a que el público infantil es menos propenso a estar sentados 2 horas y media en una sala a oscuras que el público adulto. Sin embargo, este último tiene un límite y si bien me hubiera gustado ver la tercera cinta de El señor de los anillos en el cine en su versión extendida, 4 horas y 25 minutos habrían sido demoledores. Así pues IT llegó en dos partes tal como lo hará la nueva adaptación cinematográfica. Sin embargo y ya no solo por la época, ambas producciones distan mucho la una de la otra y dejan entrever que quizá la tv-movie protagonizada por Tim Curry podría haber pasado a un primer plano en vez de quedarse como una película de culto, algo desapercibida, para el fan de King.
Actualmente una tv-movie no es una simple producción con poco presupuesto que mejor no llevar al cine por miedo a las pérdidas. Disney o HBO nos han mostrado que se puede hacer lo mismo que en el cine, pero para el público de casa. Producciones como Muteo Fahrenheit 451, a pesar de su dudosa calidad, han demostrado que los estudios no se mantienen tan recelosos a la hora de soltar billetes para estas producciones.
El problema del casting
Aunque anteriormente he mencionado que los estudios no tienen problemas en soltar dinero y que en muchas ocasiones, como en Fahrenheit 451, estas cuentan con actores de renombre, aún sigue habiendo cierto recelo a saltar del cine a la pequeña pantalla. Muchos actores y actrices lo han hecho, como por ejemplo Big little liascon Nicole Kidman, Reese Witherspoon y Shailene Woodley.
Se sabe que Ewan McGregor sigue muy interesado en volver a dar vida a Obi-Wan, uno de los papeles que más éxito le ha dado, y no creo que tuviera problema en saltar a la pequeña pantalla como ya lo hizo en Fargo, pero ¿sería él el único interesante en el cartel? Como ya he comentado, no todo el mundo acepta interpretar a un personaje en televisión por el recelo que aún hay a estas producciones y muchos de los que sí, lo hacen por su afinidad a un estudio o por el tirón del nombre. ¿Por qué sino Michael B. Jordan, Michael Shannon y Sofia Boutella salieron en la cinta de HBO basada en la novela de Ray Bradbury?
Obi-Wan Kenobi no es un nombre que pasa desapercibido, pero películas tan independientes a veces suelen tirar mucho de un casting interesante para animar al espectador indeciso a verla y aunque McGregor sea un buen reclamo, no sé si es la idea más acertada.
La sombra de la piratería
Lanzar un servicio de streaming nuevo que tenga que competir con compañías ya asentadas como HBO o Netflix, actual reina en este campo, con una cinta de Star Wars directa al salón de tu casa es un boom que Disney podría necesitar como agua de mayo, pero que no sé si es la opción más correcta.
DC y Warner lanzarán este año su servicio enfocado en la mecánica de Netflix pero yendo más allá: producir series y películas propias, pero limitando el contenido a sus creaciones, nada de terceros. Es una apuesta arriesgada, pero es le meca de todo fan de la compañía que quiera ver sus obras audiovisuales. Aun así, este servicio nacerá con la serie Titans bajo el brazo y, como ya comenté en un artículo desgranando el posible futuro de este servicio, puede que con Watchmen al pertenecer HBO a Warner.
Sin embargo, la película de Obi-Wan es de las más esperadas por los fans, sobre todo por los fanáticos cabreados con la trayectoria de la saga actualmente en el cine, y Disney tiene detrás la gran sombra de la piratería. De media una cinta tarda en piratearse unos pocos días en calidades muy malas y en torno a 2 meses tenemos una versión mejorada y, aunque visualmente pobre, siguen siendo descargadas por un público que por recelo o dinero no fue al cine a verla. La segunda temporada de Stranger Things, una de las más esperadas y más importantes para Netflix, fue pirateada a las pocas horas. Netflix sigue recibiendo ingresos porque se abre a un público más amplio, pero el fan receloso de ver una película de Star Wars en televisión y no en el cine acudirá antes a estos métodos que a pagar una suscripción mensual por un contenido que puede no gustarle.
Ya está, he terminado de ver hace poco la segunda temporada de nuestro héroe de Harlem, y mis conclusiones son positivas. Es cierto que la primera temporada dejó el listón tan bajo que no era difícil superarlo, pero no hay que restarle méritos a una segunda y aceptable temporada. Ojo, tampoco es para tirar cohetes, pero sí se merece un aprobado. Sigo pensando que el formato de 13 episodios por temporada de Netflix está matando un poco estas series de superhéroes, excepto en casos como el de Daredevil. ¿No tendría más sentido acortar capítulos si vas a centrarte en una sola trama y un par de villanos?
Porque 13 episodios estarían más que bien si diesen lugar a distintas tramas y/o antagonistas, como pasa en los cómics, donde 13 números de una serie (claro está, influye el guionista que los haya escrito), pueden dar para mucho si se saben explotar bien. Pero bueno, episodios al margen, voy a entrar a valorar los últimos 7 episodios de Luke Cage.
¿En serio no quieres un café Luke?
Por si no leíste mi anterior artículo, donde analizaba los 6 primeros episodios, te dejo el enlace para ponerte al día:
En el final del 6º episodio, tuvimos una gran pelea en Bushmaster y Luke Cage. No era la primera, ya que a lo largo de la temporada se enfrentan varias veces, pero sí que fue muy buena manera de llegar al ecuador de la serie. Por aquel entonces, a Luke ya le había abandonado su novia Claire para reflexionar sobre la relación de ambos, Misty había renunciado una vez más a ser agente de policía, Mariah y Shades iban haciéndose más fuertes a través de algunos negocios legales, y Bushmaster empezaba a dominar el cotarro en Harlem. Como decía, ahí dejé mi anterior análisis.
¿Qué nos deparan los 7 últimos capítulos? Pues muchas cosas. Por seguir el orden, Luke Cage consigue recuperarse tras una nueva derrota ante Bushmaster, y seguirá empeñado en hacer bien las cosas, aunque para ello deba salvarle la vida a alguno de sus enemigos. Misty terminará volviendo al trabajo policial debido a una trágica muerte que involucra a un importante miembro de su comisaría, y Mariah y Shades sufrirán violentos ataques de Bushmaster que les obligarán a ser agresivos y acometer barbaridades para recuperar Harlem.
Este brazo biónico mola Luke.
Desde luego sucederán más cosas, como el rol más importante que tendrá en algunos tramos de los capítulos el padre de Luke, o la hija de Mariah, o uno de los compañeros de Shades (cuya relación os sorprenderá a más de uno cuando ambos hablen de su época en la cárcel). También veremos que Bushmaster empezará a pagar un poco las consecuencias de usar demasiadas veces la hierba que le otorga su fuerza. Aunque eso no es todo, porque poco a poco se irán desmenuzando las cosas relativas al por qué Bushmaster quiere venganza y por qué es como es, del mismo modo que la hija de Mariah descubrirá la terrible verdad sobre la identidad de su padre, que no es quien ella siempre creyó que era.
Eso sí, no olvidemos la parte graciosa de la serie, y es que a Luke Cage le proponen unas cuantas mujeres tomar café con ellas, habida cuenta de que saben que los cafés que toma el amigo Luke, implican sexo y más sexo. Así que, usando la denominación que usa mi compañero Adrián, a veces Luke Cage parece Luke Café. No os perdáis cuando una mafiosa italiana intenta quedar con Luke para un café, porque no tiene desperdicio.
Por otra parte, me gustó mucho la intervención de Danny Rand / Puño de Hierro en uno de los capítulos, porque Luke y él empiezan a tener muy buena química, y nos regalarán buenos momentos de lucha, pero también de confidencias y colegueo. ¿Saldrá Luke en la segunda temporada de Puño de Hierro? Ni idea, pero estaría muy bien.
Señora, ¿se puede creer que Luke se ríe de mi historia del dragón?
Por terminar, la música sigue siendo uno de los puntos fuertes de la serie. Y como me pilló de sorpresa en el capítulo final, os adelanto que la temporada acabará de una manera que no esperaba para nada, y haciendo un homenaje a una de las escenas de la mítica El Padrino parte 1.
En resumen, merece la pena darle una oportunidad a esta segunda temporada de Luke Cage. Sigue sin ser una serie de notable, peeeero, le da mil vueltas a su temporada anterior, y al menos es un progreso. ¿Y a vosotr@s, os está gustando? ¿Qué os ha parecido si ya la habéis terminado? Compartid cualquier comentario que os responderé encantado. ¡Hasta otra!
Bienvenidos una vez más, fieles adeptos de Oda, a un nuevo análisis de One Piece. En esta ocasión, del capítulo 910 del manga, con algo de retraso, mea culpa. Nos trasladamos directamente a algún lugar del océano, donde los mugiwaras huidos de Whole Cake viajan rumbo Wano. Es un capítulo de transición, sin nada importante que destacar, por lo que el análisis será breve y centrado mayoritariamente en las referencias culturales que Oda representa en las viñetas. Comencemos.
Una historia japonesa, más cerca de leyenda aunque considerada como hecho verídico, ocurrida en el s. XIII, cuenta que los mongoles intentaron atacar Japón para someterlo y ampliar sus territorios. El imperio mongol era uno de los más grandes e importantes del momento y dominar Japón no parecía ser algo demasiado complicado, pero llegado el momento, la flota mongólica fue derrotada por un asombroso y destructor temporal que acechaba las costas japonesas. Olas gigantes, un viento con una fuerza inaudita y lluvias torrenciales. Años después, los mongoles intentaron atacar de nuevo Japón pero se encontraron con un panorama similar y la flota volvió a ser destruida. Así, decidieron dejar Japón tranquilo y no volvieron a intentar dominar ese territorio. A este temporal se le denominó «viento divino».
Toda esta historia ha sido trasladada por Oda, y al igual que ocurrió con Japón en el s. XIII, el clima impide la entrada de cualquiera con intenciones hostiles al país de Wano. En este capítulo podemos ver que las olas son gigantes, el viento sopla con fuerza y el mar está lleno de remolinos.
Este es el gran temporal que acecha a los Mugiwaras a la entrada de Wano.
Oda al arte
Un capítulo de transición entre tres de los arcos más locos que llevamos hasta ahora (Whole Cake terminado, el Reverie en su máximo esplendor dándolo todo y Wano comenzando) era inevitable y claramente necesario. No es nada malo, claro que no, pero sí puede resultar algo decepcionante entre tantas joyas como han sido los últimos 10-15 capítulos. Pero Oda es muy listo, y sabe que una transición siempre deja un sabor a poco, a vacío, y es por eso que se le ocurrió una idea que podría aportar algo interesante a un capítulo que de por sí estaba destinado a ser aburrido. Entonces, incluyó unas cuantas referencias al arte y cultura japonesas. Una de esas referencias es la ya comentada anteriormente, pero la excluyo un poco de este apartado porque es algo más genérico, que afecta a Wano y no al capítulo en sí.
La similitud más notoria es el dibujo de una ola, que inevitablemente, a los conocedores de la obra de Katsushika Hokusai, nos ha sorprendido y recordado a su cuadro La Gran Ola.
A la izquierda, la viñeta del manga. A la derecha, el cuadro de Hokusai.
Hay alguna referencia más a este conocidísimo pintor japonés. Otra, por ejemplo, es la viñeta de la cascada, que hace honor al cuadro The Kirifuri Waterfall at Mt. Kurokami.
Manga a la izq. y cuadro a la der.
La leyenda de Kintarō
Existe un personaje muy popular dentro del folclore japonés llamado Kintarō. Kintarō es un niño que podría recordar al Hércules de la mitología occidental por su extrema fuerza, y existen variaciones de su leyenda dependiendo del manuscrito en que se lea o de la abuela que lo cuente, sin embargo, en todas ellas el niño se cría en el monte. Según una de las variantes, su madre lo abandonó (o murió) siendo él un recién nacido y fue criado por una bruja que vivía en la montaña, y según otra de las leyendas, Kintarō fue concebido mediante un rayo enviado por un dragón. Como podéis ver, hay ciertas relaciones entre este personaje y Luffy. Si bien Son Goku y Luffy están basados en el personaje mitológico Sun Wukong, está claro que Oda fundamentó a su personaje cogiendo cosillas de aquí y de allá. Pero, ¿Por qué cuento ahora lo de Kintarō?
Una de las historias que incluyen a este personaje cuenta como Kintarō luchó y derrotó a una carpa gigante, historia que fue trasladada a la pintura en numerosas ocasiones. Y resulta que en el capítulo 910, Oda añadió otra referencia relacionada con esta leyenda.
Dos dibujos de la historia de Kintaro y la carpa gigante.Viñeta del cap. 910 con Luffy sobre la carpa.
Más leyendas japonesas
Hay un mito chino/japonés, derivado de un proverbio que simboliza la perseverancia, que habla sobre una montaña legendaria. Se dice que en la cima de esta montaña, por la que desciende un río, hay un lugar denominado Puerta del Dragón, y que las carpas (un animal muy querido por los japos por lo que se ve) tratan de subir río arriba la montaña, y aquella que lo consigue y pasa por la puerta se convierte en un dragón. Como curiosidad, decir que el pokémon Magikarp está basado en esta leyenda, una carpa que solo chapotea y con esfuerzo termina convirtiéndose en un dragón (su evolución Gyarados).
En este capítulo vemos como un grupo de carpas trata de subir por una cascada a la cima de una montaña y los mugiwaras se ayudan de éstas para poder ascender hasta la cima. Es una evidente referencia al mito.
Ya en Wano
Por si no parece evidente de por sí, hay varias pistas que nos confirman que los mugiwara han llegado a Wano. Son los animales, criaturas, cómo no, similares a ciertas mitológicas japonesas, como el león-perro o el babuino gigante (sabemos que cada isla en One Piece está basada en un país, y al igual que Dressrosa era España, Wano es Japón, y todas estas criaturas y leyendas relacionadas con su mitología apoyan esa idea). Además, el babuino lleva una katana, icono samurái. ¿Qué más queréis?
Babuinus samuraium
La única duda que nos queda tras leer el capítulo es, ¿Dónde están todos? Luffy y el Thousand Sunny han caído en la playa, pero todos los demás están desaparecidos. Yo apuesto por que han caído en algún lugar mucho más cerca de la entrada a la ciudad, y por ende, a Zoro & company.
Y hasta aquí el análisis de esta semana, podéis seguir mi cuenta de One Piece en el twitter @ReportKurohige. Nos vemos en el 911,
Ya tenemos en nuestras manos el Batman #50, un número especial en el queTom King y DC Comics nos invitan la boda del siglo, el enlace de Batman y Catwoman. En este artículo vamos a hacer un análisis en profundidad y con SPOILERS del cómics y de las circunstancias que han llevado a su desenlace. Repito, esta entrada está llena de SPOILERS.
El guionista lleva muchos números preparando el evento, concretamente desde el crossover con Flash de La Chapa, cuando Bruce Wayne se encuentra con su padre y este le dice que lo que quiere para su hijo que este sea feliz (vamos como cualquier padre).
Batman se da cuenta que hay más cosas en la vida que su interminable cruzada contra los malhechores. Y es aquí, cuando toma consciencia de que para ser feliz debe buscar al que ha sido el amor de su vida, Seline Kyle, Catwoman para decirle lo que siente y proponerle matrimonio.
La pedida de mano, en el número 24 de la colección de Batman
La Gata, como no podía ser de otra manera, accede a dicha petición ya que el suyo había sido un romance intenso que se había mantenido vivo a lo largo de los años, sin poderse resolverse por la obsesión del Murciélago por su lucha contra la injusticia.
A partir de entonces la colección ha sido un camino constante hacia la boda (en mi opinión un poco largo ya que la pedida la vimos en el número 24) . Veremos como Selina lucha contra Talia al Ghul, la madre del hijo de Batman, para liberar de sus garras a su amiga Holly Robinson. Viajaremos a un futuro distópico en el que Bruce no sería Batman (cortesía del viajero en el tiempo Booster Gold). Y como colofón tenemos un enfrentamiento con el Joker que nos muestra la visión que tiene el Principe Payaso del mito de Batman y como podría afectarle la boda.
Holly Robinson, la testigo de Catwoman que guarda una importante sorpresa
Hasta que al fin llegamos al momento del enlace, haciéndolo coincidir con el número 50 de la colección para darle más empaque. Llegados a este punto todo el mundo estaba deseando ver la boda y más allá. ¿Cómo sería la relación de los personajes una vez casados? ¿Cómo repercutiría en las colecciones de Batman y el universo DC en general?
El cómic está estructurado en dos partes. La primera, bien dibujada por el español Mikel Janin, nos narra el día de la boda desde la mañana hasta el momento en que se deben dar el sí quiero. Para la segunda King utiliza un recurso que ya le habíamos visto usar: el género epistolar.
Una muestra del arte de Miel Janin
Tanto Bruce como Selina se escriben una carta el uno al otro hablando de sus respectivos sentimientos. El texto de estas misivas aparece en unas spash-pages dibujadas por varios de los artísticas más famosos que ha tenido Batman, tanto a lo largo de su historia, como en esta última etapa: José Luis García Lopez, Thrish Mulvihill, Becky Cloonan, Jason Fabok, Brad Anderson, Alex Sinclair, Lee Bermejo, Neal Adams- Hi-Fi, Tony S. Daniel, Tomeu Morey, Amanda Conner, Paul Mounts, Rafael Alburquerque, Andy Kubert, Tim Sale, José Villarubia, Paul Pope, Mitch Gerads, Clay Mann, Jordie Bellaire, Ty Templeton, Keiren Smith, Joëlle Jones, David Jones, Jim Lee, Scott Williams, Greg Capullo, Fco Plascencia y Lee Weeks.
Una de las splash-pages del comic
Vamos viendo el día de la boda mientras leemos los sentimientos de los personajes hasta la conclusión del evento pero al final… resulta que no hay boda ya que Selina deja plantado a Bruce en el último momento.
En la carta que Catwoman escribe vemos los motivos por los que al final toma esta decisión. La Gata entiende que para Bruce Wayne sea Batman es necesario que sea infeliz, que este enfadado con el mundo y obsesionado con su misión. ¿Qué le lleva a pensar esto? En los números anteriores hemos visto como el Joker le dice que Batman siempre debe estar enfadado para ser quien es o como todo acabo mal en la línea temporal alternativa en la que Bruce Wayne no es Batman.
Y esta sensación se va acrecentado por los comentarios que Holly Robinson (su testigo de la boda), le va haciendo al respecto de la felicidad que van a compartir si se casan y las consecuencias que ello puede tener.
¿Puede un Bruce Wayne feliz ser Batman? ese es el quid de la cuestión
El que al final no haya habido boda es algo que ha enfadado y mucho a gran parte de los aficionados, que se han sentido engañados después de un largo camino que parecía llevar de manera inexorable a la unión de los dos protagonistas.
Más aún viendo la última página del cómic. Tom King nos ofrece un giro que es uno de los más polémicos que hemos visto en los últimos años y que ha divido a la afición entre los que se muestran entusiasmados y los que han puesto el grito en el cielo.
En dicho final vemos a Holly entrando en Arkham para ir a parar a una habitación donde aparece Bane en un trono, dando a entender que todo ha sido un elaborado plan del villano para romper emocionalmente a Batman (recordemos que ya lo rompió físicamente en La caída del murciélago). Y cuando digo todo, es absolutamente todo, ya que Bane aparece rodeado de todos los personajes que han aparecido en los cincuenta números que Tom King lleva al frente de la colección de Batman.
La polémica última viñeta del cómic con Bane y todos sus acompañantes en Arkham
Podría ser un giro magistral pero hay varias cosas que chirrían. Entendemos sin problemas que Bane tenga poder para manipular a Holly Robinson pero nos puede costar un poco más creer que haya podido hacerlo con Gotham Gril (aliada de Batman que se suponía en Europa). Es difícil de tragar que el Acertijo y el Joker trabajen con Bane. Pero hay dos personajes que se me hacen muy difícil de ver en esa última viñeta.
Por un lado tenemos a Skeets, el robot que siempre acompaña a Booster Gold. Así se nos da a entender que la visión alternativa que este muestra a Bruce y Selina podría haber sido manipulado por Bane. Y por otro lado vemos al Batman de Flashpoint, que recordemos era Thomas Wayne, el padre de Bruce y el que le dice que debe buscar la felicidad. ¿Cómo narices ha podido Bane manipular a estos dos personajes? Sólo Tom King lo sabe, aunque el algo complicado de aceptar.
Thomas Wayne, el padre de Bruce que era Batman en Flashpoint.
Al menos el guionista ha colocado a Batman (y a Bane) en un situación interesante y que puedo dar mucho juego en el futuro. Ya veremos cómo continua la saga que King está tejiendo en la serie del murciélago.
En definitiva, Batman #50 es un cómic de personajes, de sentimientos, una historia romántica con momentos muy bellos y emotivos (el mejor, cuando Bruce le pide a Alfred que sea su testigo en la boda) que tocará la fibra sensible a más de uno. La trama va in crescendo, poco a poco, alternando la historia en presente con la parte epistolar con buen ritmo, hasta el polémico final.
Bienvenidos a un nuevo análisis de El Cuento de la Criada. Estamos a tan solo un episodio del final de temporada, y como preliminar nos han traído un capitulo muy interesante, con la apertura de una nueva trama y un hecho desgarrador que será difícil de olvidar. Si no estás al día con la serie, te recomiendo que vayas a verla y vuelvas tan pronto como termines, porque estás a punto de entrar en territorio de SPOILERS.
Tras el parto, June se esfuerza en encapsular sus sentimientos hacia Holly para intentar mantenerse cuerda. Necesita levantar un muro entre las dos y confiar en que va a estar bien, en que Rita y Tía Lydia la protegerán como prometieron, y que Nick estará allí para ella. Aunque hace lo posible por controlarse y mantenerse alejada, este muro se viene abajo tan pronto como la ve, incluso su cuerpo reclama el vínculo madre e hija. Durante el resto del episodio, intenta acercarse tanto como le es posible, acariciando el suelo a través del cual escucha su llanto, captando su aroma en las pequeñas piezas de ropa.
Ver y escuchar la conversación que tiene con Nick es cruel y esperanzador en igual medida. Tuvieron que pasar semanas para que él pudiera conocer el verdadero nombre de su hija, no ha podido tenerla en brazos ni una sola vez. June no puede tocarla, no puede amamantarla, prácticamente no puede verla; y aun así, se dan la oportunidad, por breve que sea, de imaginar un futuro diferente, uno en el que puedan llevar a Holly a la playa y en el que la mayor preocupación sea si comió arena o no.
Ellos se entienden muy bien, pero Nick tiende a encerrarse en sí mismo, nunca lo hemos visto realmente quebrado, y posiblemente no sea algo que vayamos a ver pronto. Por ahora se va a aislar más que nunca debido a la partida de Eden y esto probablemente afecte su relación, aunque el mismo Max Minghellaconsidera que el duelo que su personaje está atravesando va a ser solo en un contratiempo para los dos, no un obstáculo que pueda romper su vínculo. Lo cierto es que la culpa lo está carcomiendo por dentro, con razón diría yo, y es algo que tendrá que cargar para siempre y con lo que deberá aprender a vivir.
Eden
Desde su primera aparición sospeché que daría problemas, nunca imaginé que las consecuencias serían para sí misma. Eden era una adolescente en busca de aceptación, no solo por parte de Nick, también de los Waterford, Rita e incluso de June. Todos ellos la trataron con desdén, no quisieron o no pudieron hacerle un espacio en sus vidas. Fue por esto que quedó flechada ante la mínima muestra de atención de Isaac, un niño de Gilead igual que ella.
Ellos dos son la muestra de que incluso bajo el régimen más estricto, los humanos solemos dejarnos llevar por nuestros sentimientos. La decisión de Eden puede resultar exasperante – mi rostro al ver que no daba su brazo torcer fue el mismo de June-, murió por un amor adolescente, lo cual suena cursi y un poco ridículo. No obstante, fue una gran muestra de valentía; ella era completa y absolutamente devota a su dios, tanto como le exigieron que lo fuera; y el apego a sus principios era tan grande, que puso sus sentimientos por Isaac y su honestidad por encima de su vida. Siguió el consejo de June y lo llevó hasta las últimas consecuencias, tomó el amor donde lo encontró.
El que Nick informara tan rápido su desaparición y no se tomara la molestia de buscarla por su cuenta en primer lugar, dice mucho sobre él. Con esto no quiero decir que sea una mala persona porque evidentemente no lo es, pero no es un héroe. Es un hombre común y corriente que por mera casualidad terminó trabajando para los altos mandos de un régimen cuando simplemente estaba buscando un empleo. No fue hasta que llegó June a su vida que se involucró con la resistencia, antes de esto vivía cómodamente haciendo lo que debía hacer para mantenerse a salvo sin preocuparse por lo que pasaba a su alrededor: seguía ordenes, hacia recados, limpiaba el auto del comandante. Nada heroico o revolucionario.
Si, intentó hacer cambiar de parecer a Eden, pero ya era demasiado tarde. Compartían la misma cama, tuvo muchas oportunidades para ser empático con ella y no tomó ninguna. Las cosas habrían podido ser muy diferente si él hubiera sido más amable, si hubiera intentado conocerla, no de modo romántico porque era poco más que una niña, pero vamos, él era lo más parecido que ella tenía a una familia, y le falló desde el primer momento. Eden era pura e inocente; en definitiva, cada persona que se relacionaba con ella o que evitaba hacerlo, tiene algo de culpa sobre su muerte.
Serena
Esta mujer es un océano de emociones contradictorias; podemos verla humillar a June una y otra vez, cometer actos tan bárbaros como una violación, y al día siguiente observarla conmovida hasta las lágrimas por no poder darle pecho a la que cree su hija; y lo mejor del asunto es que la maravillosa Yvonne Strhovski es convincente en cada faceta.
Predecir el rumbo de Serena en muy complicado. En el momento en que parecía estar encaminada hacia la revolución, cometió uno de sus actos más repudiables. Ahora, acaba de darse cuenta de que el futuro de la bebé que esperó con tantas ansias no está garantizado. De que Nicole/Holly quizá no vaya a poder enamorarse libremente como ella lo hizo de Fred, aunque sabemos cómo resultó aquello. Serena presenció la crueldad de Gilead impuesta sobre una niña, y para ella los niños son lo más importante.
Eso es algo que no podemos cuestionar, dentro de su retorcida moralidad, está dispuesta a hacer lo que sea por su supuesta hija; permitir que June la amantara no es cualquier cosa, puso todo su orgullo y su odio a un lado por el bienestar de la bebé, porque sabía que por más que lo deseara ella no podía proporcionarle lo que necesitaba.
Emily
Arte en las paredes, libros a plena vista, desdén por la cortesía, una aparente relación de confianza con la Marta, a la que como dato curioso han llamado Cora, personaje que en la novela trabaja en la casa Waterford junto a Rita, y que hasta el momento había sido eliminado por completo de la serie. Definitivamente el comandante Lawrence no es lo que podría esperarse de uno de los hombres más importantes de Gilead, mucho menos del arquitecto de la economía del régimen. Es difícil especular sobre este personaje, su esposa dice que es un monstruo, que ideó las colonias sabiendo que estaba enviando mujeres a morir envenenadas; él la arrastra hacia la habitación, pero la violencia que ejerce depende de la subjetividad del observador, puede ser un maltratador que busca callar las verdades de su víctima, o un hombre preocupado que intenta calmar a su esposa en medio de una crisis.
Algo similar sucede con sus comentarios, suenan despectivos, pero tan solo son palabras. Acaba de recibir una criada con importantes antecedentes de insurrección, se descuida un momento y la encuentra leyendo; como reprimenda le pregunta cuál es el castigo por leer, “un dedo, si es la primera ofensa” dice ella, “solía ser una mano. En los viejos buenos tiempos” contesta él; ¿Es una amenaza o es sarcasmo? No queda muy claro. Probablemente no sea coincidencia que el libro en cuestión estuviera abierto de par en par, y que además se trate de Maus, una novela gráfica que relata el testimonio de un superviviente de la Segunda Guerra Mundial.
Contrario a la mayoría de personas en Gilead, él no tiene reparos en hablar del pasado. Comenta que su esposa fue profesora de arte, le pregunta a Emily acerca de su profesión y familia, no se muestra asqueado u ofendido porque sea una “traidora de género” y haya estado casada con otra mujer. Siente curiosidad por lo que sintió al arrollar a los guardias, y muestra signos de comprensión ante la separación de su hijo; da la impresión de que él también tuvo una pérdida de ese tipo e intenta reprimir sus sentimientos al respecto.Lawrence es muy ambiguo, podría estar trabajando ocultamente para la resistencia, o ser un sádico de primera. En una entrevista para Variety, Bradley Whitford –actor que lo interpreta – comparó a su personaje con Robert Mcnamara, secretario de Defensa de Kennedy que murió arrepentido por haber supervisado la guerra de Vietnam durante el tiempo que estuvo en este cargo. Esto da luz a la idea de que sea un hombre en busca de redención, la incógnita sería de qué lado de la ley estaría buscando corregir sus errores. El suyo no es un hogar que parezca estar esperando un hijo, ni Emily la criada ideal; quizá tenga alguna razón oculta para haberla aceptado a pesar de sus múltiples infracciones; no olvidemos que es una científica que pasó más seis meses en medio de desechos tóxicos, sus conocimientos en microbiología podrían serle útiles al padre de la Colonias. En este caso, ella tendría que poner a prueba su postura de que “Cualquiera que ayude a Gilead merece que lo hagan volar por los aires”.
Para terminar, quiero destacar dos cosas. Primero, el comentario de Tía Lydia sobre el parecido entre Holly y su padre, fue hilarante. Segundo y mucho menos agradable, la repulsiva atracción sexual que está sintiendo el comandante Waterford hacia June relacionada con la maternidad, ¿Vieron la reacción que tuvo al ver la perdida de leche de June en la capilla? Casi no podía disimularlo, el hombre es totalmente desagradable.
Ya tenemos las novedades del mes de agosto de Planeta Cómic.
A continuación os dejo la nota de prensa con el pdf.
Os traemos toda la información sobre las novedades de agosto de Planeta Cómic.
Como la mayoría estaremos de vacaciones, estas novedades salen un poco antes de empezar el mes, concretamente el 24 de julio.
Empezamos el repaso con un título muy esperado por los fans de Stan Sakai: Usagi Yojimbo nº 30, una aventura en la que Usagi se encontrará atrapado entre dos viejas amigas, Kitsune, la artista callejera y Chizu, antigua líder de los ninja Neko.
También os traemos el segundo tomo de Transformers Marvel UK, con la recopilación de las obras clásicas y un montón de extras: relatos, diseños y fichas originales de los robots.
Desde Japón llega un nuevo número de Dragon Ball Serie Roja, el número 221, que cierra el segundo arco de Dragon Ball Super.
Otro cierre, en este caso definitivo, es el de Ranma 1/2, el shônen de Rumiko Takahashi nos dice adiós en el tomo 19 de su edición kanzenban. Otras series que se acercan a su final Happy, con el tomo 14 y Nogami Neuro, con el 23.
Como siempre, toda la información en el pdf adjunto.
Fecha de salida: 24/07
¡Os deseamos unas buenas vacaciones y buenas lecturas!
Bienvenidos a los análisis de una de las series más esperadas del año. HBO, que parece haber recuperado el aliento en la competencia con Netflix, estrena Heridas Abiertas, una intriga cuyo prestigio se basa en tres nombres: la eterna nominada al Oscar (cinco veces sin éxito) Amy Adams, el director Jean Marc Valleé y la escritora Gillian Flynn. ¿Queréis saber que me ha parecido? Vamos a sumergirnos en el pueblo de Wind Gap y en la mente de Camille Preaker.
AUNQUE LA MONA SE VISTA DE SEDA…
Vamos a empezar dejando un mensaje claro: ¿Qué es lo que podemos esperar de la serie?
Heridas abiertas adapta la primera novela de Gillian Flynn, autora cuyos libros no he leído pero si he tenido la oportunidad de ver sus adaptaciones: la entretenida Perdida, de David Fincher, y la fallida Lugares oscuros. Las tres tienen como denominador común la intriga provocadora, entretenida y folletinesca tan propia del betseller de estos tiempos. En esta caso, Heridas Abiertas cuenta la historia de Camille Preaker, una reportera traumatizada por unos hechos de la infancia que se ve obligada a investigar sobre la desaparición de dos niñas en su pueblo natal, Wind Gap.
Por lo tanto, tenemos ingredientes vistos una y otra vez: la protagonista atormentada que calma sus culpas en el alcohol, una investigación criminal en un pueblo en el que, aparentemente, nunca pasa nada y el ambiente sureño visto en películas como Arde Mississipi. La cuestión está en qué puede aportarnos Heridas Abiertas que sea fresco y original. Por lo que se ha visto en el primer capítulo (y ojalá me equivoque), poca cosa.
La intriga está cocinada a fuego lento, muy lento. Viajamos a través de la trama siguiendo la mente de la protagonista. Se alternan largos planos de silencio y reflexión taciturna con rápidas imágenes que sugieren recuerdos dolorosos para Camille. Todo ello aderezado con continuos tragos de alcohol.
Se ha querido comparar (un signo muy actual) a Heridas abiertas con Big Little Lies y True Detective, dos series de la HBO con la que comparte poco. De la primera solo comparte al excelente director Jean Marc Vallée. De la segunda, únicamente ese ambiente enrarecido del superficial modo de vida americano rural. Si tuviera que compararla con alguna, sería con The Sinner, interesante intriga de Netflix. Ambas protagonistas comparte un trauma que, parece, ocupará una parte mucho más importante en el argumento que la investigación en sí.
El tener a Amy Adams sosteniendo tu guión siempre es un plus a tu favor. La actriz hace suyo el personaje y utiliza esa mirada hipnótica para captar nuestra atención en los muchos silencios del personaje. No es una serie fácil, y no será recordada por la verborrea de su guión, si no por el significado de sus silencios. Mención especial para Patricia Clarkson como la madre de Camille. La hemos disfrutado poco, pero tiene mérito que no haya caído en la sobreactuación con ese papel de madre histriónica, obsesiva y protectora que parece estar a punto de estallar continuamente. El ambiente que genera Camille a la llegada a la casa familiar es lo mejor del capítulo con diferencia. Un hogar muy Tenessee Williams, en el que las relaciones se mantienen a base de frases hirientes, situaciones tensas y mucho rencor.
Dicho esto, pasemos a hacer un resumen de lo visto en este primer capítulo, antes de llegar a las conclusiones.
LAS PIEZAS SE COLOCAN EN EL TABLERO
El piloto de la serie, que normalmente se utiliza para enganchar al espectador y que este no suelte la serie en lo que queda de temporada, avanza muy lentamente, sirviendo únicamente como presentación de personajes.
Camille Preaker es una periodista alcohólica que recibe la orden de su editor de viajar a Wind Gap, su localidad natal, para escribir un artículo sobre la investigación de la muerte de una chica y la desaparición de otra. El objetivo es enfocarlo desde el punto de vista de una lugareña y como esos acontecimientos afectan a un pueblo de 2000 habitantes cuya economía se basa en la matanza de cerdos.
Camille no quiere volver ni en pintura. Le asaltan imágenes relacionadas con su juventud, con el encuentro desagradable con unos adolescentes y con la muerte de su hermana, a la que parecía envidiar mucho. Que intente borrar el pintalabios del cadáver de su hermana en el funeral de esta dice mucho al respecto. No soportaba verla guapa, más guapa que ella.
A su llegada al pueblo, la investigación no parece tener éxito. Camille apenas puede sonsacar nada al jefe de policía y al inspector que ha venido de la ciudad. Sí que puede hablar con el padre de la primera víctima, cuya conversación es parca en detalles sobre la investigación pero muy reveladora en lo que respecta a la mentalidad misógina de la América rural: Prefiero que la maten a que la violen. Todo lo que guarda ese mensaje es demoledor.
Finalmente, asistimos a la vuelta de Camille a la mansión familiar, una casa de muñecas decorada al detalle, con unos padres vestidos de forma impecable y una hermana que, mientras está en casa, es la Baby Born de la madre (incluso la viste) pero que, cuando sale a la calle, viste los shorts y los tops propios de las adolescentes. A la madre de Camille, con ese tic que me pone muy nervioso, no le hace ni pizca de gracia que Camille investigue en el pueblo. No por el daño que podría ocasionar a las víctimas, si no porque las acciones de su hija podrían arruinar la reputación de la familia. Al igual que en la mencionada The Sinner, Heridas Abiertas habla de lo fundamental que es la educación familiar en la actitud ante la vida. Por lo que vemos en Camille y en las escenas con su familia, su infancia no fue muy feliz.
CONCLUSIONES
Heridas abiertas es una serie en la que HBO ha puesto mucho mimo. Gran escenografía, magníficas interpretaciones y un ritmo no apto para todos los públicos la han elevado a los altares de la crítica seriéfila. Pero no nos engañemos. Considero que un plano es memorable cuando, como ocurre en un buen cuadro, la belleza se suma al significado. Veo mucho intento de trascendencia vacía en este piloto. Mucho sumergirse en el alcohol para decir una y otra vez que Camille está atormentada. Hay detalles muy interesantes (el ambiente familiar, el trauma de la protagonista) pero el piloto de Heridas Abiertas no deja de ser un telefilm de sábado por la tarde. De lujo, pero un telefilm. Espero que mejore con el paso de los capítulos, que analizaré aquí, en Las cosas que nos hacen felices.
A todos nos gusta que se acuerden de nosotros el día de nuestros cumpleaños. Pero no siempre nos felicitan de la mejor manera o vemos que se trata de una formalidad que, aunque se agradece, nos deja un pequeño vacío porque parece un compromiso más que otra cosa. ¡Pero ahora podemos ser novedosos en nuestros mensajes de feliz cumpleaños!
Un simple «feliz cumpleaños» está bien, es correcto y al fin y al cabo cumple con lo que queremos decir, pero nadie se acuerda de algo así. Si quieres que te acuerden de tu felicitación lo mejor es que recurras a una web donde sepas que vas a marcar la diferencia, y lo más importante: hacer que de verdad la persona en cuestión tenga un buen día. ¿Estás dispuesto a felicitar bien un cumpleaños? En las redes sociales es fácil acordarse de quienes cumplen años: facebook, twitter, instagram… todos ellos te recuerda esa fecha tan señalada y todos permiten subir una imagen ¡Aprovechémoslo!
Mensajes de Feliz Cumpleaños, amiga
Hoy es tu día y te mereces lo mejor. ¡Felicidades!
Te notaba más sabia y ahora lo entiendo ¡Eres un años más sabia! Durante doce meses has acumulado experiencias, conocimiento y nuevos saberes…. ¡Pero tampoco te pases, no hace falta cumplir tanto!
No te preocupes, amiga: ¡Para ti no se notan los años pero sí la sabiduría!
¡Ha pasado un año desde la última vez que te felicité tu cumpleaños! ¡Felicidades!
Espero que hagas una fiesta a la altura y que te acuerdes de todos aquellos que hemos estado a tu lado. ¡Feliz cumpleaños!
¡Contigo los años pasan demasiado rápido! ¡Feliz cumpleaños, amiga! Aunque ahora que lo pienso… ¡Igual no deberían pasar tan rápido! ¿Deberíamos dejar de vernos tanto?
Sé muy bien que has pasado el último año de tu vida tratando de ser mejor persona. ¡Lo has conseguido!
Este mensaje de cumpleaños no va a ser uno más, va a ser una declaración de intenciones para que te acuerdes de esta felicitación. De nada serviría de nada cumplir años si no fuese rodeado de los tuyos, aprovechando cada día y creciendo como persona, y tú eres un ejemplo de ello. ¡Feliz cumpleaños, amiga!
Este año es muy especial porque entras en una fase muy especial de la vida. No es un año más, es un cambio de fase y una evolución. ¡Feliz cumpleaños!
Veo un problema: te envidio. Cumples años, eres doce meses mayor y no pareces más vieja. Además te noto más lista. ¿Eso se pega? ¡Feliz cumpleaños, amiga!
Frases de Cumpleaños bonitas
Espero que tengas un día especial lleno de felicidad, amor y diversión. Te lo mereces ¡A disfrutar!
Que tu próximo año esté lleno de felicidad y sonrisa. Espero que atesores muchos grandes recuerdos. Feliz cumpleaños.
Encendamos las velas, apaguemos las luces y celebremos este día tan especial en tu vida. ¡Feliz cumpleaños!
Un día especial en una persona especial… ¡Habrá que celebrarlo de una manera especial!
Es tu cumpleaños, has crecido… y siento que formo parte de eso. Creo que tengo que aprovechar tu cumpleaños para agradecerte todo lo que eres para mi y espero que el camino a tu siguiente cumpleaños lo recorramos juntos. ¡Feliz cumpleaños!
Ahora mismo no hay nada más importante que felicitarte el día. ¡Feliz cumpleaños!
Le deseo a mi amigo un feliz cumpleaños. Y lo digo en alto para que todo el mundo sepa que cumples años y que eres la mejor persona del mundo.
En tu día especial te deseo lo mejor. Que este día maravilloso llene tu corazón de alegría y bendiciones. Ten un cumpleaños fantástico. ¡Feliz cumpleaños!
Eres el Batman de mi vida, el Spiderman de mi corazón, y quiero recorrer el camino de la vida contigo como Sam y Frodo. ¡Feliz cumpleaños!
Este día no tiene número, este día de la semana no tiene nombre, hoy lo único importante es que es tu cumpleaños. ¡Felicidades!