Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Savage Dragon 3. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Este julio de 2025, Planeta Cómic ha añadido un nuevo hito a su estantería de fantasía y acción salvaje: Savage Dragon 3, tercera entrega de la cuidada línea recopilatoria que rescata las alucinantes primeras décadas de la saga creada por Erik Larsen. Un tomo de 400 páginas a todo color, formato cartoné de lujo, que reúne los números 22 al 35 del cómic original, incluyendo aquellas historias gloriosas que enfrentan a Dragon con leyendas como Spawn, Hellboy, TMNT (Las tortugas ninja, para que nos enteremos todos)… y ni más ni menos que Dios y el Diablo en el mismo ring. Una pasada y una esperiencia que no te puedes perder.
¿Qué encuentra el lector en Savage Dragon 3?
Equipos explosivos. Crossovers monumentales con Spawn, Hellboy, WildStar, The Maxx y las Tortugas Ninja; una orgía de estilos y universos que vemos en cada viñeta, donde la acción y el humor rocambolesco no descansan .
Hitos emocionantes: Dragon se compromete, tiene un bebé (Rapture), y su vida se expande más allá de Chicago. La saga personal se combina con las explosiones más rocambolescas.
Lo cósmico en casa: la mítica pelea entre Dios y el Diablo muestra qué pasa cuando un tipo verde y musculoso decide subirse al ring entre poderes primordiales.
Es un cómic vivo ya que Larsen se suelta el pelo (y las crestas) con efectividad, humor gamberro y acción absoluta. Una serie forjada en 1993, pero que no parece repetida ni envejecida.
Crecer junto al héroe puesto que el Dragon no es un adolescente de blockbusters. Aquí está casado, con hijo y con responsabilidades… y aún así pega mamporros con alegría.
Crossovers delirantes. Pocas colecciones se atreven a juntar universos tan distintos, y esto no es un cameo frío. Son historias de verdad, con impacto y cachondeo.
¿Ideal para quién?
Para nostálgicos ochenteros y noventeros que recuerdan los crossovers y monstruos callejeros.
Para nuevos lectores que quieran entrar en Image por su lado más cañí y libre.
Para coleccionistas exigentes que desean ediciones de pasta dura, color a capa, y tamaño digno de salón.
Contexto editorial
Este volumen se suma al tomo 1 y 2, completando ya 35 números con planes de seguir en la línea Ultimate Collection que Image lanzó en Estados Unidos años atrás. Savage Dragon brilla con luz propia.
Erik Larsen no solo dibuja: escribe, planifica, layout, todo en uno. Y lleva más de 275 números continuados. Es un formador de universos, un icono indie que convive con mainstream… y lo mejora sin pedir permiso.
Al abrir este tomo sentirás…
Explosión de tinta: el primer capítulo arranca al estilo lupa; machaca, destruye, hace reír, y no se detiene.
Relatos entrañables: el compromiso, la familia, momentos íntimos entre mamporros.
Humor brutal: desde chistes verdes hasta escatología encantadora. El Dragon habla… y se defiende.
Conclusión
Savage Dragon 3 no es solo un tomo más. Es una auténtica bomba de serie ongoing que retoma la tradición de Image Comics: autor en control, estilo personalísimo y libertad total. Si buscas cómic de acción con volumen, humor ocasional, crossovers brutales y un héroe que envejece en carcajadas, este es tu cómic de la semana… con mayúsculas. Lee, disfruta, y déjate llevar por el caos verde que sigue encendiéndose, número tras número.
¡Por fin aparecen recopilados los años formativos de Dragon!
Este descomunal tomo en tapa dura continúa con la nueva y lujosa presentación de las mejores aventuras de Dragon. ¡Incluye episodios en los que forma equipo con Spawn! ¡Hellboy! ¡Wildstar! ¡Maxx! ¡Las Tortugas Ninja! Además: ¡Dragon se promete! ¡Rapture tiene un bebé! Y las clásicas desavenencias entre Dios y el Diablo.
Ya he podido ver Superman, película que debe ser el punto de arranque del nuevo universo cinematográfico de DC cómics y mi opinión no puede ser más positiva. James Gunn, su guionista y director y arquitecto de esta nueva era, ha logrado dar en el clavo con una versión del personaje que se muestra luminoso, positivo, bondadoso y con la esperanza por bandera, muy fiel al cómic.
Ojo, no quiero decir con esto que Superman sea la mejor película de superhéroes de la historia, ni mucho menos. Tiene algunos fallos que la distancian de la grandiosidad de Vengadores Endgame o de la fría perfección del Batmande Nolan, pero aún así es una película muy entretenida, divertida y lo más importante a estas alturas, un gran punto de arranque para todo lo que vendrá después.
La primera decisión acertada de Gunn es hacer que la acción trascurra tres años después de la primera aparición de Superman. Esto nos ahorra los clichés de la típica película de orígenes que son hoy totalmente innecesarios ya que todo el mundo sabe de dónde viene el personaje.
Superman es un héroe asentado y querido por todo el mundo que se encuentra en una situación complicada al inicio de la cinta. Ha evitado una guerra entre dos países inmiscuyéndose en la peliaguda política internacional, asunto que no es del agrado de todo el mundo. Incluso su pareja, una Lois Lane con la que esta empezando una relación romántica y sabe su identidad secreta, tiene dudas sobre si su intervención pueda traer más problemas de los que resuelva.
Superman enseñando músculos
Esta situación es aprovechada por Lex Luthor, el archienemigo de Superman, para empezar una andanada de ataques contra el Hombre de Acero en todos los frentes posibles, minando la confianza del público en el héroe y lo que es peor, el resentimiento de parte del gobierno de EEUU. Esto produce una serie de acontecimientos que llevarán a nuestro héroe a enfrentarse a una situación imposible, de la que solo podría escapar con la ayuda de sus seres queridos.
No voy a desvelar más detalles de la trama ya que merece la pena ir descubriéndola poco a poco, viendo primero cómo se desarrolla el malvado plan de Luthor y cómo Superman logra dar la vuelta a la situación para volver a establecerse como el gran héroe que es. Tampoco nos vamos a engañar: la trama es bastante sencilla y muchos de los giros de guion se ven venir a lo lejos. Estamos ante una película familiar de aventuras y ciencia ficción, ideal para ir a ver con niños y que gustará también a los mayores que acudan a verla sin complejos y con ganas de pasarlo bien.
Superman pierde el favor de la opinión pública
Lo mejor de la cinta es sin duda el trío protagonista y lo bien perfilados que están. El Superman/ Clark Kent de David Corenswet es simplemente perfecto. El actor estadounidense logra que tanto el superhéroe como el periodista sean totalmente creíbles, sobre todo en su personalidad heroica que es la que más tiempo luce en pantalla.
Es cierto que el Superman de Henry Cavill era más impresionante, con una presencia más imponente, pero esta nueva versión logra un mejor equilibrio entre esa necesidad de verse poderoso y a la vez humano, una dicotomía que es esencial para la historia que James Gunn quiere contar. El Superman de Corenswet es una persona buena, bondadosa, que duda en hacer el bien, aunque eso le pueda traer problemas. Es un faro de esperanza para el mundo, lo que siempre ha tenido que ser Superman.
Lois Lane es interpretada por Rachel Brosnahan, logrando que el personaje luzca tan inteligente y perspicaz como en sus mejores versiones. Lois y Clark acaban de empezar a salir y los puntos de fricción entre sus diferentes personalidades pueden ser un problema, sobre todo con dos individuos tan formidables. Pero a pesar de todo Lois descubre que quiere a Superman más allá de lo que creía posible y no dudará en ir en su ayuda cuando sea necesario, mostrándose como una mujer fuerte, capaz y decidida, lo que siempre ha tenido que ser Lois Lane.
Lois Lane, la mujer perfecta para Superman
Y lo mejor de todo, el Lex Luthor de Nicholas Hoult. Por fin tenemos en pantalla un Luthor como Dios manda. Nada de ser un payaso histriónico ni un psicópata trastornado ni un matón macarra. Esta versión del personaje es muy fiel al cómic, presentándose como una verdadera amenaza para Superman gracias a su intelecto, a sus maquinaciones, a su arrogancia y a su total falta de escrúpulos.
Sus motivaciones están claras y esa envidia que tiene hacia el Hombre de Acero por ocupar el lugar en el corazón de la humanidad que debería ser suyo por derecho, es la gasolina que el personaje usa como combustible de su odio. Luthor es un villano por derecho propio que no es un sosia del Joker pero más listo, sino un empresario decidido a acabar con Superman gracias al poder de su intelecto. Lo que siempre ha tenido que ser Lex Luthor.
Las relaciones que se establecen entre Superman y Lois por un lado, de amor y cariño desde el respeto y el reconocimiento mutuo y entre Superman y Luthor por otro, desde la envidia y la inquina del villano hacia el héroe, son el verdadero motor de la película y el mayor acierto de la misma. Y no podemos olvidar la gran sorpresa del filme: Krypto, el Superperro, que contra todo pronóstico acaba siendo un personaje más de la trama y todo un robaescenas sin ser solo el típico alivio cómico y gancho para los más pequeños.
Lex Luthor por fin da miedo y no risa
Por otor lado, Superman no es el único superhéroe que aparece en la película. Ya hemos visto en los traileres que Guy Gardner, Mr. Terrific y Hawkgirl tienen también presencia en la historia formando parte de “La Banda de la Justicia”, un nombre absurdo para un grupo de superhéroes, como los propios personajes comentan muchas veces.
Lo cierto es que Hawkgirl (Isabela Merced) es un personaje bastante plano, mientras que Guy Gardner solo logra destacar por el carisma tanto del personaje como del actor que lo interpreta (Nathan Fillion). Por otro lado, Mr. Terrific (Edi Gathegi) sí que está mejor perfilado y tiene tiempo de brillar, con una participación importante en la trama y su momento de gloria dando cera. Sin olvidar alguna que otra sorpresa sobre la que no quiero hacer spoiler.
Los metahumanos son algo común en este nuevo universo DC
La historia en general tampoco es que sea excesivamente compleja, ni falta que hace. Todo gira en torno al enfrentamiento entre Superman y Luthor, con el plan de villano desgranándose en varias fases.
Vamos a poder ver a nuestro héroe enfrentarse a un misterioso metahumano que le pega una paliza (y cuya identidad es uno de los misterios de la cinta, aunque tampoco hace falta ser muy listo para descubrirla). También pelear contra un kaiju al más puro estilo Godzilla o contra un ejército de supersoldados. Las escenas de acción siempre son necesarias en una película de superhéroes y, en este caso, sin ser de lo mejor que se haya visto, por lo menos están bastante bien resueltas, aunque la de los supersoldados quede un poco desangelada. En relación a este tema, los efectos visuales lucen correctos. A la película le falta espectacularidad en algunos momentos y a veces parece que el acabado es un poco apresurado, pero en general se pueden dar por buenos.
Otro tema a comentar es el uso del humor, algo que siempre es muy importante en las películas y series de James Gunn y que de un tiempo a esta parte es un tema polémico en las cintas de superhéroes. En esta ocasión Gunn está mucho más contenido que en Guardianes de la Galaxia. Normal, ya que Superman es un personaje icónico que no permite que se haga con él lo que le dé la gana como sí hizo con los personajes cósmicos de Marvel, unos desconocidos para el gran público.
A pesar de todo, el humor está presente en toda la cinta, un humor sencillo y blanco, muy familiar, en consonancia con el tono de la película, pero muy bien medido, no llegando a ahogar la historia con tonterías y payasadas. Es de agradecer que James Gunn se haya sabido contener y presente un guion divertido sin exceso de bromas y chistes tontos.
En resumen, Superman es una película que acierta a la hora de representar al personaje como lo que es, un faro de esperanza y bondad para el resto del mundo, un héroe luminoso que no se arruga nunca a la hora defender a los más débiles. Cuenta una historia entretenida y divertida, con un guion sencillo y falto de pretensiones que a la vez se permite el lujo de hacer acertadas metáforas con la situación actual del mundo. Y además sirve de manera perfecta como punto de arranque del nuevo universo DC. ¿Qué más se puede pedir?
En 2013, el mundo de la televisión marchaba viento en popa y a toda vela. Habíamos asistido a la última temporada de Dexter o Breaking Bad y al estreno de House of Cards, la primera serie producida por Netflix. Mientras tanto, en un segundo plano, NBC estrenaba Hannibal, aparentemente una adaptación más de las novelas de Thomas Harris centradas en el psiquiatra Hannibal Lecter que, pese a su fracaso de audiencias, se convirtió en una serie de culto que bien merece un artículo en Las cosas que nos hacen felices.
¿ERA NECESARIO UN NUEVO HANNIBAL LECTER?
Los actores que han interpretado a Hannibal Lecter
Hasta 2013, la saga de novelas de Thomas Harris se había adaptado al cine de principio a fin. Un primerizo Michael Mann estrenó Manhunter, adaptación de El dragón rojo en 1986, con Brian Cox (El patriarca de Succession) como Hannibal.
Y es que, a partir de entonces, el rostro del psiquiatra más conocido de la historia del cine sería el de Anthony Hopkins. No importaba que apareciera unos minutos (así ocurre en El silencio de los corderos y El dragón rojo); su mera presencia servía para generarnos escalofríos. Y más cuando llevaba el mítico bozal que ya es un icono de la historia del cine.
En la primera década de los 2000 se estrenaron Hannibal (2001) y El dragón rojo (2002), ambos taquillazos siempre dependientes de la presencia de Hopkins. Prueba de ello fue que Hannibal: el origen del mal, primera vez que contemplábamos a un Hannibal con un rostro distinto al conocido actor, fue un fracaso de público y crítica.
Así que NBC sorprendió a todo el mundo cuando anunció una nueva adaptación de las novelas de Thomas Harris, veinte años después del exitazo de El silencio de los corderos y con la sospecha de que, sin Anthony Hopkins, la producción estaba abocada al fracaso. Una serie alimenticia más destinada a mantener audiencias pero lejos de la ambición de los éxitos televisivos de la época.
Hasta que se anunció su reparto.
RESPUESTA: ERA NECESARIO UN NUEVO HANNIBAL LECTER.
La relación entre Will Graham y Hannibal Lecter, leitmotiv de la serie.
El showrunner elegido fue Bryan Fuller, que había participado antes en series del montón como Héroes o spin-offs de Star Trek, sin que ninguna de ellas destacara por encima de la media. Tras el éxito de Hannibal, sería el creador de American Gods y otras series de Star Trek.
Sin embargo, lo que sí llamó la atención del público fue, como he dicho antes, la elección de sus tres protagonistas. Hugh Dancy, que había destacado en Disparando a perros, Adam o en Martha Marcia May Marlene, interpretaría a Will Graham, el detective que colaboraba con Hannibal Lecter hasta que descubrió que este era un asesino en serie. Laurence Fishburne, el Morfeo de Matrix, sería Jack Crawford, el supervisor de todos los detectives que han tenido que lidiar con Hannibal. Hasta aquí, más o menos todo correcto.
Lo de Mads Mikkelsen es otro cantar. Porque el actor danés estaba triunfando en toda Europa con películas como La caza o Un asunto real. Lo de su incursión en Hollywood es otra historia, que salvo su papel como villano en Casino Royale (la mejor película de James Bond), su participación había sido mediocre. Y nadie lo veía como Hannibal Lecter por la sencilla razón de que no era Anthony Hopkins.
Pero claro, debe haber un motivo para que tres grandes actores decidan participar en una serie de una cadena menor a priori lastrada por la alargada sombra de las adaptaciones previas del personaje.
Dado que NBC solo tenía los derechos de El dragón rojo, Fuller apostó por centrar la serie en la relación entre Will Graham y Hannibal Lecter.
A lo largo de su saga literaria, Thomas Harris dio más importancia al personaje de Clarice Starling, la novata agente del FBI que debe lidiar con Hannibal y acaba enamorándose de él. Por lo que fuera, el autor no quiso dar más continuidad al protagonista de su primera novela, El dragón rojo. Un agente del FBI cuya mayor virtud (y condena) es una extrema empatía con los asesinos en serie que le lleva a comprender los motivos de un psicópata donde nadie más puede llegar a entenderlo. Y claro, fue el hombre que detuvo a Hannibal, con el que previamente había colaborado trabajando.
Fuller detectó un filón: profundizar en la relación entre ambos y en el mostrar a un Hannibal Lecter que compagina su vida como reputado psiquiatra forense que colabora con el FBI a la vez que asesina y se come a sus víctimas sin piedad.
El elenco principal de la serie
Y claro, también a un Will Graham con tanta dificultad para socializar como capacidad para sumergirse en la mente de los psicópatas.
Así, el elemento vertebrador de la serie será una relación marcada por el intento de Hannibal de corromper a Graham. Al fin y al cabo, si una persona es capaz de pensar como un asesino en serie, ¿quién nos dice que no guarde, en lo más profundo de su psique, un impulso de dominar o, incluso, de quitar una vida humana?
Por lo tanto, Hannibal es una de las series, junto con Mindhunter y Ripley, que mejor aborda la psicopatía. Lo hace a través de la inmersión en las almas de Hannibal Lecter, Will Graham, el resto de personajes secundarios y los distintos asesinos en serie que aparecen a lo largo de sus tres temporadas de vida.
Nuestros análisis de Mindhunter, tanto de la primera temporada (1 y 2), como de la segunda (1 y 2).
Desgraciadamente, el plan que tenía Fuller para siete temporadas (tres abordaban el origen de la relación entre Hannibal y Will, la cuarta adaptaba El dragón rojo, la quinta El silencio de los corderos, la sexta Hannibal y la séptima un final original) se fue al traste por las bajas audiencias.
Pero que eso no os eche para atrás. Hannibal, con sus defectos, tiene un final cerrado que se complementa a la perfección con las películas originales.
A continuación y sin spoilers, voy a desgranar las distintas temporadas de Hannibal por ser francamente distintas entre ambas.
PRIMERA TEMPORADA: EL PROCEDIMENTAL QUE ESCONDÍA ALGO MÁS.
El asesinato como obra de arte, por Bryan Fuller
La primera tanda de trece capítulos se centra en los inicios de la colaboración de Hannibal Lecter con el FBI mientras él sigue cometiendo asesinatos con total impunidad.
La estructura narrativa es la de un procedimental. Esto es, cada capítulo aborda la investigación de un asesino en serie capaz de convertir un crimen en una obra de arte. Porque esa es otra de las señas de identidad de la serie: la capacidad de su creador para convertir una escena macabra en algo bello. Y esto también se aplica a los platos de Hannibal, todos unos estrella Michelín diseñados por el conocido cocinero español José Andrés.
La otra seña de identidad es el hecho de que, como sabemos quién es realmente Hannibal Lecter, lo gozamos viendo como esconde su lado más oscuro (como buen psicópata) y manipula al resto, ya sea Will Graham, Jack Crawford o Alana Bloom. Solo su psicoterapeuta, Bedelia, interpretada por Gillian Anderson (la Scully de Expendiente X) parece entender lo que esconde el elegante psiquiatra.
SEGUNDA TEMPORADA: SE DESTAPAN LAS CARTAS SOBRE LA MESA.
Los distintas obras maestras culinarias de Hannibal
Siendo la primera temporada mi favorita por su capacidad para dejar entrever el verdadero horror entre distintos asesinatos, la segunda mantiene el nivel dividiendo la narrativa en dos partes.
Poco a poco, es inevitable (todos sabemos cómo acabará la historia) que Hannibal acabe siendo descubierto, así que el cerco se va cerrando mientras el FBI sigue resolviendo casos.
Es en su segunda parte cuando la estructura procedimental se diluye para centrarse en el rey de los psicópatas, aquel capaz de manipular a todos e incluirlos en su juego de perversión.
TERCERA TEMPORADA: EL APRESURADO FINAL.
El rey de la perversión
Pese a la presión de los fanáticos (los “fannibals”), la serie iba a ser cancelada al final de su tercera temporada, por lo que Bryan Fuller, que contaba con el respaldo crítico, decidió liberarse de toda atadura y marcarse un David Lynch en su último capítulo de la segunda temporada de Twin Peaks: liberar su arte.
Lo que le salió un poco rana, en la temporada más irregular y de toda la serie.
Aquí ya no tenemos distintos asesinos en serie, sino mucho subconscientes de los personajes, cada vez más metidos en la dinámica perversa establecida por Hannibal. Aquí Fuller se recrea en imágenes tan bonitas y estéticas como vacías.
Y, en su segunda parte, adaptando El Dragón rojo, se apresura para dar un final en una narrativa similar a lo que ocurrió en la última temporada de Juego de Tronos. Los personajes pierden algo de interés e incluso Hannibal pierde parte de su magia al mostrarse tal y como es. Si Mikkelsen arrasaba con su máscara de civismo, Anthony Hopkins gana por goleada mostrando su verdadera personalidad.
Lo que sí es interesante es el vuelco en la relación entre Will Graham y Hannibal. El psiquiatra inicialmente busca corromperlo pero, en ese proceso, comprende que no hay nadie en el mundo tan parecido como el atormentado detective del FBI. Y así, en esa amalgama de sentimientos que oscilan entre el miedo al asesino y la fascinación por la dominación, nace algo muy parecido al amor.
EN RESUMEN
Puede que no sea la serie más valorada por la crítica y haya quedado relegada entre tanto producto estrenado en plataforma, pero Hannibal es una serie imprescindible para todo fan de las intrigas centradas en la psicopatía y los asesinos en serie. Aquellos que vibraron con Mindhunter disfrutarán de una serie mucho más visceral, capaz de extraer arte de las más sorprendentes perversidades y, encima, entretenernos mientras no sabemos si queremos que se castigue o no al psiquiatra más famoso de la historia del cine.
Norma sigue adelante en su afán por ir publicando todos los cómics que pueda del genial Daniel Warren Johnson y ahora le llega el turno a Space Mullet, una obra que tiene un carácter un poco especial. Estamos ante el primer trabajo del autor, que comenzó publicándolo como web-cómic entre 2012 y 2017 y que posteriormente cuando se hizo famoso, Image decidió editar en un recopilatorio en papel que es el que nos trae Norma. Por eso hay que tener en cuenta que, aunque estamos ante una lectura muy entretenida, tiene los típicos problemas de un autor primerizo, sobre todo en cuanto a ritmo y acabado.
El resumen de la editorial es el siguiente:El ex marine espacial Jonah y su copiloto Alphius surcan el espacio intentando ganarse la vida. Viviendo una aventura tras otra, van reuniendo una tripulación de marginados que se irá transformando en una familia dispuesta a enfrentarse unida a los elementos más oscuros del espacio. Space-Mullet es un accesible mundo de ciencia ficción lleno de detalles con unos personajes entrañables y una historia trepidante. Space-Mullet es la primera obra publicada del autor revelación de los últimos años Daniel Warren Johnson. Empezó a autopublicarla online en 2012 y posteriormente fue editada por Dark Horse e Image Comics. En sus páginas encontrarás un cómic de aventuras en el espacio con mucha acción y un tono desenfadado. El arte de Warren Johnson brilla aquí con la espectacularidad en los combates y la emotividad que expresan los personajes. Si has disfrutado de otras obras de Warren Johnson como Do A Powerbomb!, Extremity o Transformers, con Space-Mullet te espera otra buena dosis de diversión.
La historia que Daniel Warren Johnson nos cuenta es la típica de aventuras espaciales, con sus naves, sus conflictos entre grandes organizaciones galácticas, sus marines espaciales, sus aliens y sus escenarios futuristas. No falta nada. Las primeras páginas nos presentan a Jonah y Alphius de una manera perfecta, con mucho mimo y cuidado. Los conflictos del pasado de Jonah son el motor de la trama y a la vez sirven para profundizar en su personalidad y su relación con Alphius. El nuevo trabajo de la pareja es recuperar una grabación de un ataque de los marines espaciales en el que el propio Jonah estaba presente y en el que hicieron una carnicería contra unos indefensos colonos que solo protestaban por sus derechos. Pero como suele ser habitual la cosa se descontrola y acaba con Jonah y Alphius teniendo que huir a New Mars City en busca de atención médica.
En la segunda parte del tomo nuestros protagonistas conocen en New Mars City al resto de personajes que formarán parte de la tripulación. Como mandan los cánones, los inicios de esta relación no serán fáciles ya que tienen intereses contrapuestos, pero al final, todos acabarán unidos formando una familia con la que emprender nuevas aventuras.
La trama de Space Mullet parece el típico divertimento ligero de ciencia ficción. El autor se las apaña para presentar conceptos de lo más interesante, como el conflicto entre los habitantes de Tierra Unida contra los colonos de más allá del planeta natal o un deporte del futuro de carreras y luchas con patines que recuerda al roller derby de la actualidad, pero más pasado de vueltas. A la vez Daniel Warren Johnson se permite el lujo de tratar temas más profundos como el racismo, la desigualdad social que viene dada de las situaciones de extrema pobreza o la manipulación de la verdad que hacen los gobiernos.
El problema está en que se nota que al autor le falta experiencia para mantener un ritmo constante en su historia, por lo que al principio la historia avanza lentamente permitiendo una gran presentación de personajes y escenarios, pero acelera de forma desmedida cuando los personajes arriban a New Mars City. En esta ciudad las nuevas adiciones al reparto principal están presentadas de manera mas atropellada y la trama romántica aparece de forma un tanto abrupta.
En cuanto al apartado gráfico, también se nota el carácter primerizo de la obra. El Acabado general es un poco pobre y los rostros de los protagonistas no acaban de estar bien definidos, amen de resultar un poco confuso en las escenas de acción. Pero a pesar de todo, se nota que estamos ante un gran dibujante que a poco que evolucione lo va a romper (cosa que sin duda ha ido logrando con los años). Sus páginas destilan la potencia y fuerza a la que nos ha ido acostumbrando a lo largo de los años y los diseños de escenarios y naves tienen esa riqueza e imaginación que luego será marca de la casa.
La edición de Norma contiene los cinco números de la edición original agrupados en un tomo en tapa blanca con solapas que recoge la totalidad de la obra en 232 páginas. El único extra es un prólogo a cargo del autor de la obra y el precio de venta es de 29,50 euros.
Hay que ver Space Mullet como lo que es: una obra primeriza de un escritor y dibujante de cómics que con el tiempo ha resultado ser uno de los mejores del medio. Como tal, tiene sus fallos y problemas, tanto en el ritmo de la historia como en el acabado del dibujo, pero ya tenemos presentes las principales virtudes que marcan la carrera de Daniel Warren Johnson. Sus personajes son muy interesantes y están bien desarrollados, su historia es muy divertida, amena y fácil de leer, y su dibujo, con sus problemas, es espectacular y atractivo. En resumen, estamos ante una buena historia de ciencia ficción que hará las delicias de los aficionados. El único pero es que la historia que contiene este tomo se puede considerar como la presentación de los personajes y es una pena que el autor no haya publicado nada más de este universo en el que ha logrado plantar una semilla que tiene mimbres para ser mucho más.
Ed Brubaker y Sean Phillips, Sean Phillips y Ed Brubaker, tanto monta monta tanto. No hay en el mundo de cómic una pareja de autores que lleven tanto tiempo trabajando juntos y además ofreciendo siempre unos altísimos niveles de calidad. Sus historias, thriller de género negro, a veces con algún elemento de otro tipo, por ejemplo el sobrenatural, son una lectura apasionante que yo personalmente devoro con fruición. Podemos tomar como ejemplo las geniales Fatale, Incógnito, Pulp, o Donde vi el cadáver, obras todas mágnificas y muy recomendables. Por eso no dude en hacerme con Las casas de los impíos, el último libro de la pareja que ha publicado en España Norma Editorial como viendo siendo habitual.
El resumen de la editorial es el siguiente:Las casas de los impíos es un emocionante viaje a un mundo de terror de la mano de los exitosos autores Ed Brubaker y Sean Phillips, el premiado equipo creativo detrás de Criminal, Reckless, The Fade Out, Night Fever y Donde vi el cadáver. Un agente del FBI especializado en crímenes de sectas y una mujer con un pasado vinculado a la histeria colectiva por lo satánico en los años 80 se ven arrastrados a la caza de un asesino demente que acecha entre las sombras del submundo ocultista. Natalie Burns creyó en alguna ocasión que había conseguido escapar de su propio pasado, pero… ¿y si todas tus decisiones erróneas no son sino más fantasmas esperándote en la oscuridad?
Estamos ante una obra autoconclusiva de 144 páginas editada originalmente en Image en formato novela gráfica, algo a lo que los autores nos tienen acostumbrados desde hace tiempo. Es lo que tiene haberse ganado el privilegio de escribir y dibujar lo que les dé la gana sin tener que amoldarse a los tiempos de publicación normales.
Esta vez Brubaker elige como eje temático de la historia el satanic panic que llevo a la histeria colectiva a los EEUU en la década de los ochenta. En ese momento estaban en auge las supuestas sectas satánicas y todo el mundo temía que secuestraran (o algo peor a sus hijos). Ese movimiento se vio exacerbado por los telepredicadores que abundan en el país norteamericano y por unos medios de comunicación que encontraron un filón con el que llenar páginas y páginas y minutos de radio y televisión sin el menor rigor informativo.
La protagonista de esta historia es Natalie Burns. De pequeña, junto con otros niños, acuso falsamente a unos monitores de pertenecer a una de estas sectas y de hacer con ellos todo tipo de actos impíos. Con el paso del tiempo se demostró que estas acusaciones (como muchas otras a lo largo del país) eran falsas, pero el daño ya estaba hecho, y los acusados se suicidaron o acabaron teniendo una vida desgraciada por el rechazo social.
Ahora de adulta Natalie es una investigadora muy capaz que intenta, sin lograrlo del todo, dejar atrás su pasado, sabiendo que muchos de sus recuerdos no son sino fantasías autoimplantadas por la histeria colectiva que llevó a la destrucción de buenas personas.
En su último caso Natalie intenta llevar a una joven con su familia después de rescatarla de una secta. Pero todo se complica cuando aparece un agente del FBI para decirle que algunos de los niños que junto ella acusaron falsamente a sus monitores están siendo asesinados. Así que los dos se embarcan en un viaje para avisar a los que quedan vivos e intentar llevar a los responsables ante la justicia.
Brubaker presenta la historia con un doble eje narrativo, presentado por un lado los recuerdos de Natalie de lo que ocurrió en su niñez y por otro el viaje y la investigación para dar con los asesinos que están actuando en el presente. Esto permite al autor profundizar en un fenómeno tan interesante como fue el satanic panic, mostrando al lector como era posible que un país entero se volviera loco de repente por el pavor que daban las sectas satánicas. No hace falta ser un lince para observar el paralelismo que se estable con el presente. No hay más que ver las locas teorías conspirativas de grupos como QAnon, que llevan a gente a creer que hay una red de pederastia comandada por altos cargos del partido democrático que tiene su sede en una pizzería de Washington. En fin.
Y mientras vamos conociendo el pasado de Natalie, nos sumergimos en un viaje de investigación con dos grandes personajes que el autor maneja con la maestría que nos tiene acostumbrados. No en vano es el mejor escritor de género negro del mundo del cómic. Hay que destacar que por fin Brubaker logra presentar una protagonista femenina con carácter y personalidad, más allá del rol de mujer fatal que suele acompañar a sus mujeres. Natalie es una mujer muy interesante, con un trauma profundo que le ha llevado a tomar decisiones cuestionables y que no duda en hacer frente a ellas de la mejor manera posible.
Sobre el apartado gráfico, solo hay que decir que Sean Phillips se mantiene fiel a su estilo, y con eso está dicho todo. El dibujante ofrece lo de siempre, un estilo basado en su enorme capacidad narrativa que permite al lector sumergirse mucho mejor en la historia que nos cuenta su compañero. Su trazo, sucio pero preciso, es perfecto para mostrar la fragilidad de los personajes y esa podredumbre que se esconde en los escenarios más insospechados, perfecto para la historia de Natalie y el ambiente del satanic panic. Mención aparte merece el trabajo de Jacob Phillips al color, ofreciendo siempre la paleta perfecta para los dibujos de su compañero y permitiendo al lector saber en todo momento el marco temporal de la escena ya que ilumina de rojo los pasajes del pasado de Natalie, mientras que usa unos tonos más apagados en el presente.
En cuanto a la edición de Norma estamos ante un tomo en tapa dura de 144 páginas con un precio de venta de 27 euros que contiene todo el contenido original de la obra. El único extra incluido es una breve biografía de los autores.
Con todo esto que hemos comentado parece que la pareja ha vuelto a dar en el clavo para ofrecer una nueva obra redonda… pero esta vez no es así.Es cierto que durante los tres cuartas partes del tomo la lectura atrapa y esa manera de contar la historia principal intercalando pasajes del pasado de la protagonista no puede ser más interesante. Luego todo se tuerce y empiezan a pasar cosas que no tienen demasiado sentido hasta llegar a una gran revelación, una gran sorpresa final, que nos deja demasiado fríos ya que era la única manera de que todo tuviera cierta coherencia. Pero lo peor llega al final, con una conclusión de la historia ciertamente decepcionante. No quiero entrar en spolier pero baste decir que yo según estaba leyendo el tomo no entendía como se iba poder cerrar bien la trama, algo que parece que también pensaba el señor Brubaker ya que el final… En fin, es una verdadera pena que todo el buen trabajo previo se vaya al traste en un cierre que sinceramente, es de lo peor que he leído en mucho tiempo y que desde luego solo será del gusto de los fans acérrimos del escritor.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de agosto. Vamos a echarles un ojo …
Astiberri Ediciones. Agosto de 2025.
Agosto llega con pocas pero potentes incorporaciones al catálogo de Astiberri Ediciones.
Este mes, la editorial apuesta por obras que combinan memoria histórica, narrativa noir y reediciones muy esperadas. Aquí os presentamos lo más destacado:
Inspirada en la experiencia real de las Misiones Pedagógicas en la Alpujarra granadina durante agosto de 1933, esta novela gráfica reflexiona sobre el poder transformador de la cultura en tiempos convulsos.
Con un trazo evocador y una narrativa que mezcla realidad y ficción, Bonet y López Cruces nos sumergen en un viaje emocional y político que resuena con fuerza en el presente.
Doug Headline y Kieran (basado en la novela de Richard Stark)
El icónico personaje creado por Richard Stark regresa en esta adaptación gráfica cargada de tensión, traición y violencia contenida.
Doug Headline y Kieran trasladan con maestría el universo del crimen clásico a la viñeta, con un estilo visual que recuerda al mejor cine negro.
Reediciones destacadas:
Calavera Lunar – Albert Monteys (2.ª edición) Una sátira futurista con tintes filosóficos que vuelve a las estanterías tras agotar su primera tirada.
Gazpacho Agridulce – Quan Zhou (4.ª edición) La historia autobiográfica de una joven española de origen chino que navega entre culturas, humor y contradicciones familiares.
Aunque el calor apriete, Astiberri nos recuerda que el verano también es tiempo de lecturas intensas y con carácter.
Un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todas las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de agosto.
Echad un ojo, disfrutad, cuidadito en la carretera, no olvidéis refrescaros en playa o piscina y sobre todo …
Pocas obras de ciencia ficción tan icónicas como Crónicas Marcianas, como pocas también las que han logrado trascender el género con su calidad literaria. Al cumplirse el 75° aniversario de que fuera por primera vez publicada en 1950 (aunque en español debió esperar hasta 1955), analizamos las razones de la permanencia y vigencia de una obra de Ray Bradbury tan única como universal e imperecedera.
Los años cincuenta fueron especiales. Los ecos del final de la segunda guerra mundial sumados a la paranoia nuclear y anticomunista degenerada en cacería de brujas coincidieron con una súbita sensación de bienestar que, especialmente entre las clases medias norteamericanas, constituyó una de las pocas islas de optimismo del pasado siglo. En medio de ello, la inminencia de la conquista del espacio era caldo de cultivo para la época dorada de la ciencia ficción y en 1950, con la década aun al despuntar (o todavía no despuntada, dirán los matemáticos rigurosos), se publicaba Crónicas Marcianas, de Ray Bradbury…
Por lo común se suele catalogar al libro como novela, pero en realidad es una colección de veintiséis relatos unidos por un denominador común que es la colonización de Marte, de la cual ya se hablaba en ese tiempo a pesar de que aún no hubiéramos puesto un mísero artefacto en el espacio ni mucho menos pisado la Luna. Y el año que Bradbury pone como inicio (1999) sonaba en ese momento muy lejano, pero seguimos hoy sin hollar con nuestros pies el planeta rojo por mucho que Elon Musk o Donald Trump insistan con sus anuncios.
Algunos de los relatos, de hecho, ya habían aparecido previamente en distintas revistas de la época y Bradbury los compiló para formar un todo coherente con otros que eran nuevos pero acordes a la temática y, a los fines de construir una cronología, le colocó a cada uno una fecha de referencia anteponiéndola al título.
Pero no es la colonización de Marte lo único que une a los relatos del libro y, si nos ponemos finos, ni siquiera puede decirse que sea la cuestión principal. Si algo caracterizó siempre a Bradbury es el magistral manejo de la metáfora y, en definitiva, Crónicas Marcianas no habla de otra cosa que de la humanidad y de cómo, vayamos donde vayamos, llevaremos invariablemente nuestros problemas, conflictos y traumas, irrigando con ellos cualquier suelo que pisemos, incluso rojo.
La soledad, la búsqueda, la tristeza, la nostalgia y la frustración son temas que impregnan el libro de principio a fin y es gran mérito del autor el construir sus historias de modo reconocible, pues el Marte colonizado no es muy distinto al Estados Unidos de los cincuenta. Y allí reside quizás uno de los principales elementos que lo distinguen de otros escritores de su tiempo como Isaac Asimov, Arthur C. Clarke o Robert A. Heinlein, a quienes interesaba mucho más que sus futuros se vieran posibles y creíbles.
Bradbury no era alguien a quien le interesase el rigor científico y lo paradójico es que consiguió incluso el respeto reverencial de aquellos a los que sí. Ya se sabía en 1950 que Marte no tenía atmósfera respirable, pero poco le importó a los fines de lo que quería contar. Tampoco (y a pesar de todo lo que admiraba a Julio Verne) se preocupaba demasiado por la tecnología futura, sin pasar en sus historias la misma de esos cohetes que hoy llamaríamos retrofuturistas y que viajaban a Marte por algún principio físico que al autor no le interesó explicar.
Los porches, las camionetas rurales, los cables de teléfono, las radios a transistores, las botellas de gaseosa o los puestos de hot-dogs son lo que los colonos de la Tierra, en su soberbia de especie y naturalizado chauvinismo, llevan a Marte creyendo con ello llevar la civilización o quizás el sueño americano, con sus instituciones, su iconografía y su cultura del ocio.
Y, por supuesto, también llevan al planeta rojo todo aquello que ese mismo sueño oculta pero en lo cual se apoya, como el exterminio aborigen o el desprecio racial. Así es cómo, merced a una enfermedad para nosotros tan inofensiva como la varicela, la civilización marciana se extingue al solo contacto de modo análogo a lo que ocurriera en la Tierra con las sociedades precolombinas al ser diezmadas por las enfermedades llevadas a América por los europeos. Y los negros siguen siendo tratados como negros, en la Tierra o en Marte.
Pero aun cuando Bradbury incluya en su obra crítica social, no lo hace en tono declamatorio o militante, sino en uno lleno de poesía, pues por más que el libro esté escrito en prosa, su lenguaje es poético sin dejar nunca de ser sencillo e increíblemente despojado y ascético. Ray siempre dijo que corregía muy poco sus manuscritos para que no se perdiera la carga emotiva original y la verdad es que se nota.
Ya lo dice de manera inmejorable el gran Jorge Luis Borges en el recordado prólogo por él escrito para la que fuera, en 1955, la primera edición en español:
“Ray Bradbury ha preferido (sin proponérselo, tal vez, y por secreta inspiración de su genio) un tono elegíaco. Los marcianos, que al principio del libro son espantosos, merecen su piedad cuando la aniquilación los alcanza. Vencen los hombres y el autor no se alegra de su victoria. Anuncia con tristeza y con desengaño la futura expansión del linaje humano sobre el planeta rojo… ¿Qué ha hecho este hombre de Illinois, me pregunto al cerrar las páginas de su libro, para que episodios de la conquista de otro planeta me llenen de terror y de soledad?…”
Me es difícil, al repasar los veintiséis relatos, quedarme con solo uno, pues cada uno tiene su propio sentido dentro de la obra e impacta de modo distinto a nuestra subjetividad. Puedo quizás mencionar Los Hombres de la Tierra, en donde los integrantes de la segunda expedición a Marte son, al decir de dónde proceden, encerrados en una institución psiquiátrica junto a muchos otros que, siendo marcianos, dicen sin embargo también provenir de allí.
O tal vez La Tercera Expedición, en que los recién llegados al planeta sufren una alucinación colectiva generada por los marcianos a través de la cual todo lo que encuentran se parece increíblemente a las comunidades que dejaron atrás en la Tierra, con casas victorianas, jardines, columpios, porches y pianos.
O podría ser Y la Luna siga brillando, donde la cuarta expedición encuentra ya a todos los marcianos muertos por la varicela y uno de sus integrantes, enloqueciendo al ver la actitud irreverente y soberbia de sus compañeros, comienza a matarles uno a uno para que nadie pueda seguir arruinando Marte.
O también Reunión Nocturna, en el cual un obrero latino, al regresar a su casa en camioneta y habiendo ya la raza marciana desaparecido, se encuentra sin embargo en la carretera con el fantasma de uno de sus representantes, quien no ha oído hablar jamás sobre los colonos y, diciendo dirigirse a una fiesta, cree todavía estar viviendo en un Marte del pasado rebosante aún de vida.
O el breve pero bellamente estremecedor Los Músicos, en que, jugando alegremente, niños de la Tierra convierten en instrumentos musicales xilofónicos los huesos de los marcianos que han hallado entre sus ruinas.
O bien El Marciano, donde un matrimonio de ancianos se encuentra con un adolescente que quiere vivir con ellos y se parece mucho al hijo de catorce años que alguna vez perdieran por una neumonía, pero resulta que todos los vecinos creen también reconocer en él a un hijo suyo, siendo pues entonces un marciano cambiaformas o, más bien, alguien capaz de alterar la percepción de los demás en busca del afecto familiar que, debido a la desaparición de su raza, ya no tiene.
O por qué no Los Pueblos Silenciosos, en el que Marte se ha despoblado debido a un regreso generalizado de colonos a la Tierra a causa de la guerra que allí ha estallado, mientras un hombre que ha quedado en absoluta soledad se dedica a llamar uno por uno a todos los números de la guía telefónica en la esperanza de que alguien responda. Cuando finalmente ello ocurre, las cosas no van a ser como él desearía y quizás, después de todo, sea preferible la soledad…
Y cómo obviar, por supuesto, El Picnic de un Millón de Años, relato con el que el libro se cierra y en el cual un padre de familia, habiendo sido ya destruida por completo la Tierra debido a la guerra nuclear, reúne a los suyos junto a una fogata para quemar todos los documentos que les unen con el pasado y llevar luego a sus hijos a conocer a los marcianos… en el reflejo del agua.
Crónicas Marcianas sigue siendo al día de hoy una obra única, de esas que parece increíble que hayan sido escritas. Tanto por su tono literario como por su estructura episódica, ha sido imposible de llevar a adaptación cinematográfica, aunque sí tenido algunas muy dignas a miniserie o cómic. Y montones de referencias en la cultura popular…
En la serie Ozark (aquí los análisis de un servidor) es mencionado como analogía para la familia protagonista, que no logra cortar sus vínculos con el pasado ni aun viviendo en un paraje apartado y aparentemente tranquilo. La excelente banda húngara Solarisle ha dedicado un álbum completo a modo de obra conceptual. Y cuando el prestigioso director François Truffaut adapta Fahrenheit 451 (la otra obra icónica de Bradbury) y recrea la comunidad cuyos integrantes se aprenden cada uno un libro de memoria para guardarlo donde no pueda ser destruido, uno de ellos dice con orgullo «Yo soy Crónicas Marcianas, de Ray Bradbury«…
Por más que hoy sepamos muchísimo sobre Marte debido a las misiones allí enviadas, el planeta imaginado por Bradbury nos sigue seduciendo y estamos convencidos de que existe, no solo por lo enquistado de su recuerdo en nuestra mente sino por lo reconocible e identificable que se nos hace. Es un mundo que llevamos en nuestro interior.
Y la pregunta de Borges acerca de qué pudiera tener este hombre de Illinois para generarnos tales sensaciones sigue sin respuesta y, antes de aferrarnos a una objetivación que sería más forzosa que real, lo mejor sería que así siga siendo, del mismo modo que su Marte en nuestras mentes existiendo. Si algo agradezco es haber podido personalmente estrechar la mano del autor y agradecerle por todas sus historias. Y su “thanks for reading them” (gracias por leerlas) me quedó para toda la vida y más allá. Nada que agradecer, maestro. Quizás nos veamos otra vez en Marte…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices; hoy os presentamos las novedades de Planeta Cómic previstas para este mes de julio. Vamos a echar un ojo …
Novedades Planeta Cómic julio de 2025
Planeta Cómic da la bienvenida al verano con un catálogo que mezcla historia, ciencia ficción, manga legendario y superhéroes con tintes épicos.
Este mes, la editorial apuesta por obras gráficas que no solo entretienen, sino que ofrecen una mirada profunda sobre conflictos pasados, luchas personales y fantasías universales.
El catálogo de novedades de cada mes, de Planeta Cómic es de los más extensos del panorama editorial actual. Por este motivo voy a seleccionar las obras que más me llaman la atención este mes, de todo el catálogo.
1.- Santuario 1.
Este primer volumen de Santuario, obra de Ryoichi Ikegami (dibujo) y Buronson (guion), arranca con intensidad y un ritmo arrollador:
Dos protagonistas, dos caminos
Chiaki Asami, secretario de un político, manipula un escándalo para proclamarse como nuevo candidato. Tiene ambiciones políticas claras y usa la intriga como herramienta.
Akira Hôjô, jefe de la yakuza Hokushôkai, busca la cima del mundo criminal. Ambicioso, frío y calculador, lidera con visión estratégica.
Ambos personajes comparten un vínculo complejo, casi íntimo, que se revela poco a poco entre las líneas del poder y la lealtad.
La historia pone frente a frente dos universos que deberían ser opuestos: el político y el mafioso. Pero aquí se entrelazan como si fueran ramas del mismo árbol. La serie plantea una pregunta provocadora:
¿Puede construirse un Japón más fuerte desde las entrañas del sistema?
Lo tenemos disponible desde el 2 de julio.
2.- Eerie 16.
Este volumen recopila los números 75 al 80 de la mítica revista Eerie, publicada originalmente por la Editorial Warren.
Es una antología de terror clásico que mezcla lo macabro con lo fantástico, lo sensual con lo grotesco, y lo victoriano con lo moderno.
Cada historia está diseñada para provocar escalofríos y asombro. El tono es oscuro, con un humor retorcido y una estética pulp que homenajea el terror de los años 70.
Es ideal para lectores que disfrutan del horror clásico con un toque artístico y nostálgico.
Gráficamente, va a ser difícil que leamos una serie superior a Eerie y Creepy. También tenemos disponible, este tomo 16, desde el 2 de julio.
Y hasta aquí las recomendaciones de Planeta Cómic de este mes de julio.
No obstante, justo un poco más abajo, os dejamos el pdf que comprende el número 45 de la Revista forum, con todas las novedades de Planeta Cómic, previstas para este mes.
Echad un ojo, disfrutad, id a la playa o la piscina y sobre todo …
¿Netflix ha tenido razón en cancelar The Sandman después de la temporada 2 antes del estreno? The Sandman temporada 2 regresa… y se despide. Su segunda temporada debutó con un leve 5,3 millones de reproducciones en su semana de lanzamiento, pero ni siquiera llegó a liderar en ningún país. Silencio absoluto en el ruido global. Y así termina una de las adaptaciones más esperadas de DC en streaming.
The Sandman temporada 2: Lo que dicen los números
Según datos oficiales, la segunda temporada no alcanzó ni por asomo la expectación de su primera entrega. Ni un top 1 global, ni cifras virales: apenas 5,3 M de visionados, sin un solo país donde haya sido la serie de habla inglesa más vista. Para una producción de este calibre —alto presupuesto, efectos, mitología pop—, es un batacazo: no solo en datos, sino en la sensación de desconexión con el público.
Opiniones divididas, críticas polarizadas
Incluso la crítica especializada se desató. The Guardian, falto de ternura, calificó la temporada de “pretenciosa y monótona”, apuntando a un Morfeo gris, sin chispa emocional, perdiendo vitalidad narrativa. Otros medios coincidieron: bella, oscura, pero sin ritmo. Algunos ignoraban el humor original, otros subrayaron la narrativa fragmentada que confunde más que emocionar.
Estrategia dividida, problemas reales
Netflix estrenó la nueva temporada en dos volúmenes: seis episodios ya disponibles, más espera para el cierre. Eso, unido al estilo episódico fiel al cómic, dejó una sensación de “ruido sin trama”. A la gente no le basta con bonitas metáforas visuales: quieren una historia que atrape, que no se diluya entre sombras.
No todo es guion o formato. En medio de su estreno, las denuncias públicas contra Neil Gaiman captaron titulares. Aunque Netflix insiste en que la cancelación llega por audiencias, no por polémica, el silencio en promoción y la falta de visibilidad pública han influido. La sombra extratextual ensombrece la recepción.
El legado de una primera temporada
No olvidemos que la primera temporada fue un éxito: alcanzó 127 M de horas vistas, se coló entre lo más visto de 2022, y despertó una legión de fans . Lo que hace este tropiezo es medir la distancia entre un estreno impactante y la fragilidad de mantener la atención sin pulso dramático o conexión emocional.
¿Qué lecciones deja este fracaso?
Un estreno rápido no garantiza continuidad: el binge facilita saltos… pero también fugas si no hay gancho.
Adaptar fielmente no es excusa: la fidelidad puede ser admirable, pero sin ritmo emocional, la audiencia se desvincula.
Contexto importa siempre: mientras una serie lucha fuera de pantalla, recibe daños invisibles que bajan el rendimiento.
Despedida abrupta: dos temporadas era lo previsto, pero la segunda se ve como epílogo forzado, no como apoteosis.
¿Y qué queda de The Sandman en la plataforma?
Netflix retirará la serie después de esta segunda parte. Lo que estaba llamado a ser un emblema de fantasía madura termina siendo una advertencia: incluso con Tom Sturridge brillando, una estética oscura y recursos costosos, sin pulso narrativo, sin ritmo emocional… una historia se apaga rápido.
Conclusión
The Sandman temporada 2 no falla porque sea mala. El fallo está en desconectar. En caer en solemnidad sin arder, en perder corazón bajo capas de nostalgia. Un espectáculo visual sin resonancia es eso: una foto bonita. El público exige más: exige que le cambies algo adentro. Y si no lo haces… el silencio lo gana todo.
Os traemos las novedades Planeta Cómic septiembre de 2025.
Os dejanomos a continuación la nota de prensa y luego el PDF remitido por la editorial:
En esta ocasión, trataremos los cómics de género USA y Star Wars. De temática terrorífica, se publicarán más capítulos de The Walking Dead, así como más entregas de Creepy. Los amantes de los superhéroes podrán gozar de Invencible, Spawn Gunslinger y la serie Alters de Aftershock. La ciencia ficción estará representada por Starhenge y Únete al futuro. Finalmente, Star Wars aportará tres títulos galácticos: La Batalla de Jakku, Inquisidores y Caballeros de la Antigua República.
Puede que sea uno de los superhéroes más conocidos (después de Spiderman, claro) del mundo. Desde su nacimiento en 1938 hasta nuestros días, han existido multitud de series y películas en torno al Kriptoniano. Algunas mejores que otras, por eso vamos a hacer un listado ordenando de peor a mejor todas las películas (a falta de saber que logra James Gunn con su nueva versión) que se han hecho sobre Superman hasta ahora.
El superhéroe noble por excelencia, que se disfraza de humano para pasar desapercibido (como bien explicó Tarantino en Kill Bill), ha logrado triunfar en cualquier tipo de medio, cómics, cine, televisión… representando esa eterna dualidad de esperanza o poder, héroe o dictador, humano o alienígena, una dualidad que camina por el fino alambre de ser un benefactor a poder convertirse en una figura temible. Todas estas ideas se sostienen sobre la base del valor más importante de la humanidad, la bondad.
Una cosa está clara, Superman es fundamental en la historia del cine de superhéroes, ya que sentó las bases para que este género fuera considerado como arte, y que una cinta con personajes en mallas volando también podía tener la calidad necesaria para ser una gran película. Por eso, espero que disfrutes con este ranking sobre Superman (se han quedado fuera las cintas animadas o las series porque si no el post sería interminable), un personaje con una trascendencia perdurable en la cultura popular como símbolo de la justicia y la bondad.
8. Superman IV: En busca de la Paz (1987)
Poco que decir de este desastre de película con unos efectos especiales catastróficos. Fue producida por la, a veces terrible, Cannon Films, que solo querían aprovechar el éxito del personaje para recaudar una buena suma de dinero. Una chapuza que casi le cuesta la vida a nuestro querido superhéroe porque tardó nada más que la friolera de 19 años en regresar a las pantallas de cine.
En resumidas cuentas: un film de cachondeo que representa lo más cutre, grotesco y ridículo del cine, convirtiéndose en el reverso oscuro de la maravillosa Fanta-Ficción de los años 80.
7. Superman III (1983)
Una cinta floja en la que se nota el desgaste de la saga, las ideas creativas son discutibles y su guion parece elaborado después de una buena parranda. Aunque tiene sus virtudes, como el interesante desdoblamiento de personalidad del héroe con el que conocemos al Superman malvado, o la presencia de Richard Pryor que logra generar algunos instantes divertidos. Aunque la película tiene un tufillo a realización desganada, con demasiados elementos extravagantes, a la que falta la chispa y la inteligencia de sus predecesoras.
En resumidas cuentas: un quiero y no puedo sobre el héroe Kriptoniano, que se puede disfrutar una tarde domingo después de haber tomado unas cervezas.
6. Superman Returns (2006)
Una película sosa y aburrida, que se queda en un intento de imitación de la cinta original de Superman. Su director Bryan Singer, no logró replicar el éxito alcanzado con el universo de los ‘X-Men’, por culpa de una realización plana a la que falta dinamismo, vistosidad y escenas de acción llamativas, y eso que contaba con unos buenos efectos especiales. Lo peor de la cinta es que no tiene ningún tipo de carisma, ni siquiera el malvado Lex Luthor, y eso en un film con los ricos personajes que tienen los cómics de Superman es un pecado mortal, una mortalidad que la condena al ostracismo del cementerio de las películas de superhéroes.
En resumidas cuentas: es un tostón que aburre hasta límites inesperados.
5. Batman V Superman (2016)
Una película que resulta entretenida, pero que se merece este puesto en la lista por el pobre y polémico resultado, o tomadura de pelo, del insatisfactorio desenlace con el famoso “Martha”. Una cuestión que se repite durante el metraje de la película, en el que las incoherencias de los personajes y la trama nunca terminan de funcionar, algo que lastra su indudable envoltura épica. Es cuando se desata toda la furia de los superhéroes, donde la cinta logra remontar el vuelo para convertirse en un espectáculo palomitero de primer orden, con unas impresionantes escenas de acción y un enemigo digno que ofrece una batalla memorable.
En resumidas cuentas: la mítica pelea de cómic entre los dos grandes personajes de DC, queda diluida por decisiones poco afortunadas que lastran el tono épico de su propuesta, aunque remonta en una batalla final explosiva.
4. La Liga de la Justicia de Zack Snyder (2021)
He decidido obviar que haydos versiones de la ‘La Liga de la Justicia’y me quedo con la verdadera. Hay que reconocer que la cinta tiene un empaque épico tremendamente entretenido, aun a pesar de su larga duración. Snyder logra construir una aventura con personalidad, emocional e intensa, aunque a veces peca de exceso de metraje con escenas llana y secuencias aburridas. Una cinta que consigue convertirse en el engranaje perfecto para la acción solemne, con una idea interesante que planea sobre el fondo de la película: La oscuridad siempre acecha en las aristas del corazón de los personajes, una sombra densa que puede convertir a los dioses en monstruos.
En resumidas cuentas: Una epopeya que presenta una exquisita factura visual, con unas escenas de acción dinámicas, quelogran una enérgica historia épica que se disfruta a pesar de algunos baches narrativos.
3. Superman II (1980)
Superman II puede incluirse en ese grupo de películas en el que la secuela puede superar a su primera parte, tiene mejores efectos especiales, un desarrollo dramático más profundo, unos actores asentados y cómodos en sus papeles… muchos elementos que podrían definirla como la mejor, excepto por un detalle, su aura icónica, la cual siempre pertenecerá al primer Superman de Donner (esta segunda parte está rodada en su mayoría por el director, aunque fue sustituido por Richard Lester). La cinta mantiene la calidad de su primera entrega, desarrollando ideas interesantes como la Zona Fantasma o descubrir a Superman como un hombre normal. Un film sólido, entretenido y elegante, que logra expandir con inteligencia el universo mítico del hombre de acero.
En resumidas cuentas: Una destacada secuela que conserva el encanto y la magia de su primera parte, añadiendo unas destacables e inspiradas escenas de acción.
2. El Hombre de Acero (2013)
Una cinta que logra captar toda la visceralidad del personaje al enfrentarlo a un enemigo formidable, un villano de altura que ofrece una de las mejores y más contundentes escenas de acción que ha llevado a la pantalla el cine de superhéroes. Tras una primera parte sensible, misteriosa y hasta melancólica, (magnífica y emotiva la muerte del padre de Clark) pasamos a un espectáculo de acción violento, salvaje y eficaz, que logra trasladar a la pantalla toda la magia de los cómics, gracias a unas secuencias de infarto que te dejan sin aliento.
En resumidas cuentas: uno de los mejores acercamientos actuales que se han hecho sobre el personaje, creando una historia moderna y con un apartado visual espectacular.
1. Superman (1978)
Toda la importancia que tiene Superman en el cine (y las cintas de superhéroes), es debido a esta película. Un film que rebosa iconicidad desde sus primeros planos, con una banda sonora extraordinaria del maestroJohn Williams y una presentación de personajes modélica. Una cinta cautivadora que te atrapa por la naturalidad de su propuesta, donde la magia y la fantasía iluminan las imágenes, las escenas y el corazón de los espectadores. La película dirigida por Richard Donner fue la pionera a la hora de construir una gran película de superhéroes, estableciendo las bases para el éxito de este género.
En resumidas cuentas: todavía sigue siendo la mejor película de Superman, un icono cultural que demostró el potencial creativo, artístico y económico del género superheroico. Una obra maestra que definió las bases narrativas para captar la esencia del personaje y trasladarla, sin perder su magia, a las pantallas de cine.
Bonus track
Smallville
No quería terminar este listado sin nombrar una serie que logró resucitar el interés y la fama de Superman. Una serie icónica, divertida y simpática, que nos contaba las hazañas de un joven Clark a medida que iba aprendiendo sobre sus poderes, una historia que deslumbró a toda una generación de adolescentes. Una serie influyente y pionera que abrió el camino para el género de superhéroes en la televisión y que sentó las bases para otras posteriores series televisivas.
Smallville logró conectar con el público por su mezcla de ingenuidad, su romanticismo cándido, sus personajes carismáticos (en especial los antagonistas), unas tramas ligeras, entretenidas y con un leve toque de suspense y elementos sobrenaturales, todo envasado en unos destacados efectos especiales. Gracias a todos estos ingredientes bien mezclados la serie aguantó diez temporadas en antena (y se rumorea una secuela).
Su mayor virtud, fue la sabia elección de explorar la mitología del personaje desde su juventud, algo que permitía poder jugar con elementos nuevos, conocer una parte menos vista de los poderes y de cómo fueron los orígenes de Clark Kent. La historia lograba mostrar el crecimiento del joven héroe, enfrentándose a diferentes conflictos morales, emocionales y familiares, mientras las diversas amenazas sobrenaturales eran cada vez más poderosas. Este enfoque emocional y humano convirtió a Smallville en un referente del género, cuyo legado es ser la producción más influyente en la evolución de las series de superhéroes en televisión. Si queréis ver un análisis mas profundo podéis pinchar aquí.
La web Collider ha dado una primicia que todos estábamos deseando: buenas noticias sobre Vientos de Invierno, la novela que George R.R. Martin lleva persiguiendo desde hace nada menos que 14 años. No hablamos de promesas: hablamos de tinta seca. Vamos por el 75 % completado, con unas 1.200 páginas ya escritas y entre 400–500 páginas aún por terminar. Es una foto del pulso: en pleno avance, y cargada de dimensión.
Un libro más largo que los más voluminosos
Martin no solo confirma que avanza: también recalca que Vientos de Invierno será más grande que cualquiera de sus predecesores. Sí, más que Danza de Dragones que ya pasaba las 1.500 páginas de manuscrito. Es una bestia por tamaño, pero también por lo que significa: la colisión de tramas, consecuencias, conflictos… y fantasmas que no se han ido.
Su carrera es un baile entre crear y paralizarse, entre construir fortalezas narrativas y temer desplomarlas. Pero ahora insiste: “va a ser un libro grande, difícil”, y no solo por el número de páginas, sino por la complejidad de los personajes y el peso de cada historia al borde del final.
¿75 % en 2025? Sí. Pero no es la misma cifra de 2022: ahí Martin ya hablaba de estar a tres cuartos. Ahora, la diferencia no se mide en porcentaje, sino en tiempo: queda claro que ha estado reescribiendo, conectando tramas y afrontando su propio monstruo temático. En resumen: quizás no está más cerca el final… pero sí lo está el impulso definitivo.
La pesada herencia de la espera
No podemos olvidar que la saga de Westeros nació con una promesa de trienios: tres volúmenes, tres años. Martin ha declarado que esto es “la maldición de su vida” (). Esa mezcla de culpa y pasión sigue rebotando en cada blog y entrevista.
Mientras, llega a decir: “Yo envejezco… voy a morir pronto”, y se bromea con que es fan de “escribir lo que ya escribí, pero mejorado”. Pensamientos de un autor atrapado en su propia fregona narrativa.
Complejidad creciente
¿Es solo la expansión narrativa? No. Vientos de Invierno necesita ser el pegamento de tantos personajes, escenarios y vueltas de tuerca: Daenerys cruzando el mar, Arya rompiendo su viaje, las guerras en el Norte y en Essos. Hay que cerrar cabos y abrir nuevos frentes. Y eso exige músculo, no presión.
Más importante: Martin planea resolver no solo esta historia, sino construir el camino hacia Sueño de Primavera, el último libro. Las apuestas se ponen duras: no solo es cerrar un entramado… es preparar el colofón de toda la saga.
¿Qué podemos esperar ahora?
Un manuscrito “mamotreto”, pero con la misma pulcritud y alma que caracteriza su prosa.
Reescrituras finales: aún quedan conexiones por pulir, personajes por cerrar hilos.
Fe real del autor: insiste en que “la prioridad sigue siendo Vientos” .
La paciencia del lector
Para los fans es una montaña rusa: ¿un 75 % que se repite en años? ¿La misma cifra que en 2022? Sí. Pero la diferencia es palpable: Martin no solo ha añadido más páginas, ha reequilibrado estructuras, reescrito arcos enteros. Y eso es progreso con pies.
Conclusión
Sí, Vientos de Invierno sigue sin fecha… pero hoy se siente más cerca, más tangible, más real. No es solo un “ya casi termino”: es el eco de 1.200 páginas que respiran pulso, conflicto y legado. La montaña sigue siendo alta, pero Martin sigue escalándola con resistencia y corazón.
¿Vale la pena esperar? Claro que sí. Porque cada palabra cuenta en un universo que cambió la forma de entender la fantasía moderna. Y mientras tengamos su voz, su fantasía no está congelada. Está avanzando… lento, pero avanzando.
Menuda sorpresa. En plena locura de revivals, Jerry Bruckheimer nos ha sorprendido en una entrevista reciente con Rich Eisen, revelando que ya hay un guionista-director trabajando en la secuela de Marea roja.
Esta noticia llega en un momento en el que la fiebre por la nostalgia de las películas de los 80 y 90 está en auge tras el éxito de Top Gun: Maverick.
En contra de esta secuela juega el factor taquilla, pues Marea roja no fue precisamente un éxito de taquilla. Recaudó 157 millones de dólares frente a un presupuesto de 53. A favor tiene sí otros muchos factores, como que el tiempo la ha puesto en su sitio, que es un grandísimo filme del género de submarinos y el impresionante reparto. Hablamos de actores de la talla de Denzel Washington, Gene Hackman,Viggo Mortensen, James Gandolfini, George Dzundza, etc. Dirigía la película Tony Scott, quizás entre su top 3. Y ponía la banda sonora Hans Zimmer; os dejo con ella.
Pese a que soy gran fan de la película original, (recuerdo perfectamente el día que la alquilé y el momento en que la vi), no estoy muy atraído por la idea de lanzar una secuela de tan gran título. Y os expongo los motivos:
El único actor que podría volver es Denzel y sinceramente lo veo mayor para meterse en un submarino.
En estos 30 años hemos dicho adiós a la leyenda Gene Hackman y al director Tony Scott. No veo forma de honrar el legado con esta secuela tardía.
Recordemos que la fuerza del filme radicaba en el duelo actoral de los dos actores principales y en la moral de ambos. Washington se enfrentaba a Hackman ante la posibilidad de lanzar misiles nucleares en una crisis que podría desembocar en la III Guerra Mundial. Si la película giraba en torno a ellos dos, no tiene ningún sentido la tardía secuela.
Y si se empecinan en hacerla, cuál será el argumento? ¿Otro duelo a ver quien la tiene más grande? Sería un error con Denzel en el reparto y muestra de que no es un buen líder.
Bruckheimer podría lanzar una película de submarinos sin tener que utilizar una segunda parte tras Marea roja. Considero que este es un caso en el cual una secuela no aporta nada a estas alturas.
Sea como fuere estaremos atentos y os traeremos novedades en cuanto las tengamos.
Ayer fue la premier de Superman a pocos días de que el resto de los mortales podamos disfrutarla en cine. No soy muy de hacerle caso a los críticos especializados, pero todos sabíamos que una buena acogida por parte de ese sector podía darle a la cinta el empujón necesario para el que el público fuese en masa a verla.
¿Había miedo? No por lo que James Gunnes capaz de hacer como director y guionista, su filmografía habla por sí sola, sino por el momento actual por el que pasa el cine de superhéroes.
Tras haber leído una gran cantidad de críticas (no las pondré aquí todas), se puede decir que la gran mayoría de la crítica ha sucumbido ante los encantos de David Corenswet y compañía. Se alaba desde la acción, hasta el corazón de la película, pasando por el magnifico trabajo del elenco y lo bien que encaja Krypto en la historia.
Aquí os voy a dejar algunas de estas opiniones para que os hagáis una idea de lo que os espera en las salas de cine.
Opiniones de Superman:
También hay críticas que no comulgan con lo que han visto en la gran pantalla, no son muchas, pero es justo que se las mencione.
