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Análisis de Riverdale. Temporada 7. Episodio 1

Riverdale ha vuelto para su temporada final y continúan los desmadres espacio-temporales de la anterior, que han llevado ahora a nuestros personajes al año 1955. La serie, creada por Roberto Aguirre-Sacasa, es emitida por The CW y en España por Movistar+.

Hola otra vez, riverdaleros… ¿Cómo han estado todo este tiempo? ¿Cómo se han preparado para despedir a nuestros queridos personajes de Riverdale? Pero no nos apresuremos ni lloremos a cuenta, pues nos queda por delante una temporada completa de veinte episodios y ello significa que tendremos Riverdale hasta agosto ya que no está previsto ningún parón en el verano boreal, cosa que sí ocurría en las anteriores.

La última entrega de la sexta temporada había transportado a Archie y sus amigos a una década de los cincuenta muy reminiscente de los cómics de origen. Pues está séptima y última comienza justamente a partir de allí y, por supuesto, viene muy retro, ya que estamos en la que muchos definen como la mejor de las décadas aunque, como este episodio muestra, no todo lo que reluce es oro.

Pasemos ya mismo a analizar este primer episodio de  la séptima temporada o, si lo preferís, capítulo 118 del listado total, cuyo título es No te preocupes Querida y con el cual comenzamos nuestra larga despedida de Riverdale.  Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordarles que pueden leer aquí nuestros análisis previos…

Un Pasado Alternativo

Tal como habíamos quedado al cierre de la temporada anterior, estamos en los cincuenta y si algo lo demuestra es la presentación de los distintos personajes en estilo Días Felices mientras de fondo suenan Bill Haley & His Comets (muy apropiado considerando que un cometa les llevó allí) con el clásico Rock around the Clock, alguna vez traducido de modo insulso y literal al español como “rock alrededor del reloj” cuando lo más adecuado sería “rock en hora” o “rock a tiempo”.

En efecto, han ido a parar a 1955, pero nadie recuerda lo “anterior” salvo Jughead, quien luce sobre su cabeza una corona como en las viñetas originales, además de vivir con su perro Hot Dog en un vagón abandonado y estar impactado por el bajo precio de hamburguesas y cómics.

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Sin embargo, pareciera tratarse de un pasado alternativo u otra línea temporal: en ella Betty y Kevin son novios, en tanto que el hermano de Cheryl está vivo, pero no es Jason sino Julian Blossom (Nicholas Barasch), aquel hermano trillizo aparentemente absorbido por ella durante la gestación.

Archie parece bastante más cándido, simplote y sin novia a la vista; vive con su madre Mary (Molly Ringwald) y ha perdido a su padre en la guerra de Corea (por razones obvias era imposible que viéramos a Jeff vivo). Mary está muy impactada por la noticia del accidente que le ha costado la vida a James Dean y le hace prometer a Archie que no usará el hot rod que tiene en la cochera, lo cual le obliga a concurrir a la escuela en bicicleta.

La otra Veronica

Como en aquel ya mítico primer episodio de la serie, hay muchacha nueva en la ciudad y es Veronica Lodge, pero no procede de New York como la que conocemos sino de Los Angeles, en donde viene de codearse, según pregona a los cuatro vientos, con la crema de Hollywood.

Tras presentarse en la escuela a puro glamour (“aun en 1955 Veronica Lodge sabía cómo hacer una entrada” comenta en off Jughead), presume de que sus padres Hiram y Hermione protagonizan la sitcom del momento y de que ella misma ha sido seleccionada para una nueva versión de Sinfonía de la Vida (Our Town). Incluso alardeará despues de haber no solo conocido a James Dean sino de haberse también bañado desnuda con él y hasta arroja el bombazo de que era bisexual.

Su presencia y anécdotas despiertan celos en Cheryl (algo menos segura y avasallante en esta versión), a quien su llegada ha quitado protagonismo, pero encandila a los muchachos y de manera especial a Archie, que la mira y escucha con una sonrisa de oreja a oreja y ojos desorbitados. Sin embargo, no es el único que ha quedado prendido de la recién llegada y cuando intenta acompañarla a la salida del colegio, choca con la realidad de que solo tiene una bicicleta y ella acaba apeándose al auto de Julian que, sin miramiento ni culpa, deja a pie a su hermana.

¿La Mejor Década?

Por un profesor del colegio, Jughead se entera de que el cometa Bailey está próximo a pasar sobre Riverdale. Su rostro se enciende, pues piensa que si el mismo les llevó allí, también podría sacarlos de alguna forma. Pero, para su decepción, lo de “próximo” se refiere a que recién llegará en dos años más…

Necesita encontrar a Tabitha : quizás recuerde algo y pueda, con su habilidad cronoquinética, devolverles a su línea temporal. La joven está regresando de Mississippi junto a Toni con motivo de haber presenciado allí el juicio por el homicidio de Emmett Till, muchacho afroamericano de catorce años de edad a quien han matado por coquetear con una muchacha blanca y cuyos asesinos han terminado absueltos. El caso es real y muy conocido, habiendo incluso dado lugar a una película el año pasado: les dejo link por si quieren saber más

Lo que queda claro es que por debajo de su fachada naif, feliz y despreocupada, la época esconde realidades oscuras. Y la idea de que por debajo de un mundo que luce cándido y perfecto hay otro terrible y menos visible remite bastante a Terciopelo Azul (David Lynch, 1986), filme también ambientado en los cincuenta del que pueden leer aquí el retro-análisis de un servidor. “Quien diga que los cincuenta fueron la mejor década de la historia – expresa Jughead en off – necesita un examen psiquiátrico”.

Pero cuando intenta abordar a Tabitha, ella parece apenas conocer poco más que su nombre y claramente no tiene “recuerdos del futuro”. A pesar de la decepción, Jughead le transmite su horror y consternación por lo ocurrido en Mississippi, así como su apoyo para lo que necesite.

Cápsula

Descartada Tabitha, Jughead necesita algo que active los recuerdos de sus amigos y piensa en aquella cápsula del tiempo en la que enterraron sus recuerdos (temporada 5, episodio 3) y que quizás haya sobrevivido al desmadre temporal. En efecto, va a cavar y la encuentra mientras una misteriosa silueta le observa desde la oscuridad. Por alguna razón, no encuentra su gorro de lana imitación corona, pero sí los objetos de los demás.

Sin embargo, cuando los cita para mostrarles el contenido y esperar que les despierte algo, le miran como a un lunático y ni qué decir cuando cuenta que en el futuro alternativo Veronica tenía un casino, Betty investigaba asesinatos y Cheryl era poseída por una bruja. Toca fondo cuando propone que Betty y Archie tengan un momento íntimo con una bomba debajo de la cama para así reproducir el inicio de todo y quizás revertir el proceso. Archie es su amigo y lo aprecia, pero le mira mezclando risa con pena…

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Boletín Matutino

A todo esto, Toni quiere publicar en el Blue & Gold un artículo sobre Emmett Till, pero por más que Betty la apoye en calidad de editora, le manifiesta con tristeza que no habrá forma de pasar el filtro de los Blossom, principales patrocinadores del periódico local.

El ver las impactantes fotografías del joven muerto hacen, sin embargo, que Betty se consustancie de manera especial y elabore un plan B, consistente en leer públicamente un poema de Langston Hughes que hace referencia al asesinato. Para ello, se vale del boletín matutino de Cheryl, quien tiene así una inmejorable oportunidad de recuperar protagonismo y, además, no está pasando por una buena relación con sus padres, por lo que poco puede importarle lo que piensen.

El director Featherhead queda muy decepcionado, pero no así la profesora de literatura que, conmovida, pide en clase a sus alumnos en clase que se explayen acerca de qué les produjo la lectura del poema y qué opinión tienen al respecto.

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Momento de sinceridad

A escondidas de su madre y sabiendo que ni a pie ni en bicicleta va a conseguir una cita con Veronica, Archie saca el auto y, en efecto, se sale con la suya, pero la velada es interrumpida por Cheryl, quien pone en evidencia a Veronica tras haber encontrado en una revista que será Natalie Wood y no ella quien interprete la próxima versión de Sinfonía de la Vida.

Tras el mal momento, Archie intenta consolar a su cita, pero Veronica admite que ha mentido y que está en Riverdale no por decisión propia ni, como dijo, para escapar un poco de la locura de Hollywood, sino porque sus padres prácticamente la desterraron después de que se viera envuelta en el accidente de James Dean por integrar el séquito de chicas que lo acompañaban en otro vehículo.

La cita termina deviniendo para ambos en problemas familiares. Mary rompe en llanto al saber que Archie ha usado el auto a sus espaldas, pues ha quedado muy turbada tanto por el accidente de Dean como por la muerte de su esposo en Corea. Archie la consuela y termina acordando no conducir a más de veinte millas por hora.

Veronica, en tanto, recibe desde Los Angeles una reprimenda por haberse enterado su madre que se ha estado viendo con alguien, lo cual significa que la tienen bajo estricta vigilancia. Por tal razón, cuando los pelirrojos pretendientes se presentan a la puerta del colegio con sus correspondientes vehículos para llevarla a casa, ella opta, en cambio, por irse caminando…

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Ángel Guardián del Tiempo

Tras la repercusión local de la historia de Emmett, tanto Toni como Tabitha están decididas a ayudar a la madre del muchacho a difundirla para que sea conocida y se tome conciencia del daño que provoca el racismo. A tal fin, justamente, Tabitha pide a Jughead la ayuda que en su momento este le prometiera.

Pero durante la noche, él vuelve a ser abordado por ella en Pop´s y, para su sorpresa, no es la misma Tabitha sino precisamente la que ha estado buscando: el ángel guardián con poder de cronoquinesis.

Ella le cuenta que el apocalipsis post-cometa no pudo finalmente ser evitado, así que el evento de extinción ha terminado ocurriendo. Alcanzó, sin embargo, a llevarlos a todos a un tiempo alternativo en el que no recuerden nada para así ocuparse personalmente de ver cómo resuelve la maraña temporal creada. Por mucho que Jughead le ofrezca ayuda, Tabitha insiste en que debe hacerlo sola y que él, al igual que sus amigos, deberá olvidar todo para no provocar más alteraciones en la línea temporal. Prefiere más bien que, junto al resto, continúe la lucha por inclinar hacia la justicia al alternativo Riverdale de 1955.

Con pesar, Jughead acaba aceptando y se despiden con un beso, pero apenas ella se marcha, corre a su máquina de escribir para dejar registro de todo antes de que se le olvide. No tiene tiempo: apenas llega a escribir “inclinar…. hacia… justicia” antes de que sus recuerdos queden borrados. Por otra parte y de manera misteriosa, su desaparecido gorro de lana se halla en la habitación, junto a la máquina…

Balance del Episodio

Para tratarse de un regreso tan esperado, no es una entrega que nos haya volado la cabeza pero tampoco un mal episodio. Quizás le faltó algo de ese golpe inicial que tenían las otras temporadas, pero en parte es inevitable, pues siendo Jughead, durante la mayor parte de la entrega, el único en recordar lo ocurrido “antes”, es bastante lógico que la trama se cocine a fuego lento y los enigmas se resuelvan poco a poco.

En ese sentido, este episodio inicial deja más preguntas que respuestas: no sabemos por qué Jughead retuvo desde un principio sus recuerdos, pero es dable pensar que tendrá que ver con los portales de su búnker. Más misterioso es que la cápsula temporal esté enterrada en el mismo lugar en 1955 cuando Archie y sus amigos la dejarán allí más de seis décadas después y en otra línea temporal. O por qué falta en ella el gorro de Jughead y aparece misteriosamente después en su vagón.

La sensación es que hay alguien manipulándolo todo y no parece que sea Tabitha, ya que sería demasiado obvio al ser la única de quien sabemos que puede desplazarse a voluntad entre realidades espacio-temporales. Sospecho entonces que hay alguien más…

La estética retro, como es habitual en la serie, está muy bien cuidada aunque no todavía del todo explotada. Supongo que ello tiene que ver con la primacía que en esta entrega ha tenido la búsqueda de explicaciones al enigma espacio-temporal, así que se puede presumir que irá en cambio adquiriendo protagonismo con el correr de los episodios y más ahora que Jughead tampoco recuerda nada y nuestros personajes, no sabemos hasta cúando, están por completo confinados a los cincuenta mientras Tabitha vaga por allí tratando de recomponer el desmadre.

He extrañado en esta entrega algunos de los momentos divertidos e incluso disparates que caracterizan a la serie y le dan encanto. Pero se me ocurre que ello tiene que ver con que el racismo y el asesinato del joven Emmett han colocado una pátina de seriedad sobre todo el episodio. Se advierte, como ya fue que dicho, que no se busca la nostalgia per se sino remarcar las terribles realidades ocultas de la época por debajo del frívolo cascarón pin-up con que habitualmente se la recuerda.

Por otra parte, no es la primera vez que la serie asume la temática: alcanza con recordar aquella oportunidad (temporada 6, episodio 11) en que nos vimos llevados a los años cuarenta con sus “leyes crepusculares” o a los sesenta con el asesinato de Martin Luther King.

Veremos qué nos trae el próximo episodio y si comienza a darnos algunas respuestas. De ser así, espero que no todas, ya que me gustaría ver a nuestros protagonistas por algún tiempo más en los cincuenta, una década que, más allá de realidades ocultas o invisibles, les calza maravillosamente bien. No olvidemos que, después de todo, esta historia nació en los cómics y es casi un acto de justicia que termine allí…

Hasta la próxima y sean felices…

Reseña de Alvar Mayor. Tomo1. Dolmen Editorial. Una maravilla del cómic argentino.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros esta maravilla del cómic argentino. Alvar Mayor, tomo 1, editado maravillosamente por Dolmen Editorial. Espero estar a la altura de la obra.

Alvar Mayor … La aventura en estado puro …

Alvar Mayor. Tomo1. Dolmen Editorial.

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En primer lugar, quiero hacer una declaración de intenciones, antes de hablar de la obra. Alvar Mayor pasa a formar parte de mi «top 10» de 2023.

Esta grandiosa serie se encuentra ambientada en Las Américas del siglo XVII. El antaño Imperio Español lleva ya casi doscientos años en el Nuevo Mundo.

En aquellos tiempos, el territorio conquistado era un hervidero de piratas, aventureros de mala reputación y despiadados «cazafortunas«.

Nos encontramos con un Nuevo Mundo sin explorar, lleno de tesoros de antiguas civilizaciones, inmensas selvas inexploradas, fauna autóctona del lugar, totalmente desconocida para los nuevos pobladores …

¿Quién podrá hacer de guía en este desconocido territorio?

Alvar Mayor, por supuesto. Uno de los primeros hombres blancos nacidos en el nuevo continente e hijo de uno de los hombres que acompañó a Francisco Pizarro en la conquista de Las Américas.

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Alvar Mayor es un cómic de aventuras, que inició su andadura en la extinta revista argentina Skorpio. La revista argentina fue editada por Ediciones Record entre 1974 y 1996.

Alvar Mayor fue serializada en Skorpio, de 1976 a 1983, durante la friolera de 57 capítulos y casi 700 páginas. Cada uno de esos capítulos eran auto-conclusivos y constaban (por regla general) de unas 14 páginas de duración.

En España, lo vimos por primera vez en el número 6 de la Revista CIMOC, aunque su publicación en nuestra mítica revista fue demasiado errática e incompleta.

Historias trepidantes, esperadas e inesperadas traiciones, aventuras sin fin … Todo esto nos espera en este primer tomo.

La edición de Dolmen Editorial.

Dolmen Editorial nos presenta esta serie en unos impresionantes tomos en tapa dura, con lomo recto, perfectamente cosido y una calidad de papel excelente.

Las historias se encuentran magistralmente dibujadas por Enrique Breccia en glorioso blanco y negro, que se encuentra maravillosamente reproducido en papel poroso de alto gramaje.

Cada uno de los tomos cuentan con 248 páginas y contarán con un P.V.P. de 34,95€.

Este primer tomo salió publicado el 9 de febrero de 2023. Cuando estéis leyendo estas líneas, aún estaréis a tiempo de haceros con ello.

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Carlos Trillo Enrique Breccia. Dos gigantes de la historieta.

Carlos Trillo. Guionista. Nació en Buenos Aires (Argentina), el 1 de mayo de 1943 y falleció durante unas vacaciones en Londres, el 8 de mayo de 2011, a la edad de 68 años.

Fue un importante escritor y guionista de historietas argentino, que trabajó con los más grandes dibujantes del noveno arte, como Alberto Breccia, Enrique Breccia, Domingo «Cacho» Mandrafina, Horacio Altuna, Juan Giménez, Eduardo Risso, etc …

En 1999, recibió el premio a mejor guionista en el Festival del Cómic de Angouleme.

Entre sus obras más conocidas en España, se encuentran Clara de Noche (dibujada por nuestro Jordi Bernet), Alvar Mayor, El Último Recreo y Las Puertitas del Señor López.

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Enrique Breccia. Dibujante. Nacido en Buenos Aires (Argentina) el 26 de octubre de 1945. Hijo del maestro absoluto del noveno arte, Alberto Breccia.

Inició su andadura en el noveno arte por la puerta grande con La Vida del Che (1968), junto a su padre y con Héctor Germán Oesterheld a los guiones ¡Ahí en nada!

Aunque es uno de los autores más importantes, en nuestro país sus obras han llegado con cuentagotas.

Ya en pleno siglo XX, hizo su debut en Marvel en la serie X-Force. Y debido a su enorme talento a los lápices, no tardó en trabajar también para la competidora DC Comics en Batman: Gotham Knights.

Es un dibujante sobresaliente, digno sucesor de su padre.

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Valoración Final de la obra.

Alvar Mayor es una obra increíble. Un título que merece la pena leer, tener en nuestra estantería y volver a releer una y otra vez, disfrutando de las historias de Carlos Trillo a la vez que disfrutamos del tremendo dibujo de Enrique Breccia.

En estos tiempos en los que sale una obra maestra, al menos una vez por semana y siendo olvidadas un día y medio después de publicarse, me atrevo a decir que Alvar Mayor es una obra de notable alto o quizá sobresaliente.

Está a la altura de las mejores historias del Conan de Roy Thomas y John Buscema en La Espada Salvaje. Quizá haya lectores que difieran de mi opinión, pero yo me he sentido así cuando he acabado este primer tomo.

Lo recomiendo para cualquier aficionado al mundo del cómic y especialmente para los amantes del cómic de aventuras. Estoy seguro que no os vais a arrepentir. Ni mucho menos.

Solamente espero que, cuando acabéis este primer tomo, tengáis las mismas ganas de empezar el segundo. Tal y como yo lo he sentido.

Espero que hayáis disfrutado y sobre todo os deseo, como siempre …

¡Que seáis Felices!

El equipo de Osario Norte coloca una placa dedicada al actor Jorge Rigaud en el Cementerio Parroquial de Leganés

Este año se estrena Osario Norte”, “Los últimos días de San Valentín, un documental que cuenta la vida, pero sobre todo la muerte, del prolífico actor argentino Jorge Rigaud. Tras su paso por Sudamérica, Hollywood y Francia, Rigaud se hace famoso en España por representar a San Valentín en “El día de los enamorados” y “Vuelve San Valentín”, así como gran cantidad de filmes de todo tipo, entre los que cabe destacar “Pánico en el Transiberiano”. Rigaud fallece en extrañas circunstancias tras un accidente de tráfico, sumido en la soledad. Cuando el director de «Osario Norte», José Manuel Serrano Cueto descubre que el actor está enterrado en Leganés, donde él vive, comienza una cruzada para sacarle del olvido.

Placa dedicada a Jorge Rigaud.

El pasado miércoles 5 de abril, a las 11:00h, parte del equipo de Osario Norte, película que se podrá ver en otoño, asistió a la colocación de una placa dedicada al actor nacido en Buenos Aires sobre el que versa este largometraje documental. Jorge Rigaud falleció en 1984 en un geriátrico que se encontraba en la calle Cádiz de Leganés y fue enterrado en el cementerio parroquial de San Salvador de dicha ciudad. Diez años después, en 1995, sus restos se depositaron en uno de los dos osarios del cementerio: en concreto en el osario norte. La película indaga en su muerte y rescata su memoria, así como reflexiona sobre la fragilidad del éxito.


EN CF: OSARIO NORTE SE DEJA VER UNOS MINUTOS EN EL 26 FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA


 

El director gaditano José Manuel Serrano Cueto, residente en Leganés desde hace cerca de 20 años, ha sido el impulsor de este reconocimiento que ahora se le hace en el cementerio parroquial, donde no había nada que recordara a Rigaud. La placa ha sido sufragada por el propio documental y se ha colocado con el permiso del párroco, Jaime Pérez-Boccherini.

En la inauguración estuvieron presentes el actor Pedro Casablanc, el productor del documental, Jorge Rivera, y el propio Serrano Cueto. Los operarios del cementerio fueron quienes procedieron a su colocación.

Para Pedro Casablanc «esto cierra un ciclo de investigación y trabajo de muchos años«. Por su parte, Serrano Cueto destaca «la importancia de tener en Leganés un elemento que recuerde que Jorge Rigaud, un actor muy popular en la España de los 60 y de larga e importante trayectoria en Francia y Argentina, está sepultado en esta ciudad«.

Osario Norte

En la placa puede leerse lo siguiente:

En este osario descansan 

los restos del actor 

JORGE RIGAUD

(1905-1984)

San Valentín

en «El día de los enamorados»

En su memoria y en la de las personas anónimas que lo acompañan.

Placa sufragada por el documental «Osario Norte» con permiso del cementerio parroquial.

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De izquierda a derecha: El realizador José Manuel Serrano Cueto, el actor Pedro Casablanc y el productor Jorge Rivera.

Os dejo con el tráiler.

Análisis de The Mandalorian. Temporada 3. Capítulo 6

The Mandalorian ya había adelantado la incorporación de Christopher Lloyd, icónico actor conocido por sus papeles en Regreso al futuro o Quién engañó a Roger Rabbit, que participaría en su tercera temporada, pero no sabíamos hasta ahora cuál sería su rol. En este episodio, uno de los más sólidos que hemos visto últimamente, visitaremos un nuevo planeta del universo Star Wars y la historia de los mandalorianos seguirá progresando hasta la reunificación de su pueblo. Parece que la calidad de esta serie de Disney Plus va en ascenso conforme se acerca su recta final.

Dos mandalorianos entran en un bar…

Din Djarin y Bo-Katan viajarán hacia un planeta protegido por un grupo de mandalorianos entre los que se encuentran los antiguos compañeros de esta última. Sin embargo, antes de que los gobernantes de este mundo les permitan entrar en contacto con ellos, tendrán que solucionar un problema que ha sufrido dentro de una sociedad aparentemente utópica. Sí, estamos de nuevo ante una misión secundaria.

The Mandalorian

Dentro de este planeta, en el que los antiguos droides imperiales y separatistas conforman la totalidad de la mano de obra, algunos de estos robots han empezado a experimentar un error de funcionamiento que les hace comportarse de manera errática y violenta. Para descubrir qué sucede, los dos mandalorianos investigarán en talleres y locales droides.

The Mandalorian y las guerras clon

Las series de Disney Plus, en especial aquellas en las que participa Dave Filoni, están haciendo un trabajo encomiable por vincular la trilogía original y las precuelas. Hemos tenido a Ahsoka encontrándose con Luke, a Cad Bane enfrentándose a un Boba Fett adulto, a Ewan McGregor y Hayden Christensen… y ahora hemos visto un capítulo entero que se centra en los droides que existían antes de la llegada del Imperio. La franquicia, siendo justos, nunca ha sabido cómo tratar a sus robots, que a veces aparecen como simples instrumentos desechables y otras, como seres con sentimientos. Este es uno de esos últimos casos.

El capítulo humaniza a los droides, con algunas escenas que muestran su disposición a colaborar, y tiene semejanzas superficiales (y quizás intencionadas) con Blade Runner, en la que también se exploraba un comportamiento similar por parte de los replicantes. Por supuesto, la resolución no es tan profunda ni tan magistral, sino que todo acaba formando parte del plan de un científico con aspiraciones separatistas. Más que un episodio de The Mandalorian, esta entrega parece un capítulo de relleno de Star Trek o Doctor Who, pero esto no tiene por qué ser malo a priori.

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Durante los escasos minutos que tiene para brillar, el prolífico Christopher Lloyd demuestra que sigue siendo incombustible con sus más de ochenta años y nos da a un solvente villano que también está relacionado con las guerras clon. La trama de este episodio hace justicia a los pobres separatistas, unos antagonistas que nunca estuvieron a la altura del Imperio y que jamás se enteraron de que estaban siendo manipulados por el mismo canciller al que querían derrocar. El idealismo del pobre doctor llega a dar algo de lástima, sobre todo sabiendo todo lo que sabemos tras ver la trilogía de precuelas.

Así, tenemos un capítulo lleno de cameos y guiños, pero estos están integrados dentro de una historia que funcionaría por sí misma sin necesidad de ellos. Ni siquiera la presencia de Jack Black, afortunadamente mucho más contenido que de costumbre, consigue aguar una pequeña historia que no cambiará la vida de nadie pero que ofrece un entretenimiento sencillo que expande el universo y retoma algunos cabos sueltos que habían quedado. A veces, no se puede pedir más.

Hacia el final del capítulo, la lucha por la posesión del sable oscuro se resuelve de manera inteligente, retorciendo las normas arcaicas de los mandalorianos a favor de los protagonistas. Con un nuevo planeta reconociendo la legitimidad de Mandalore, solo queda pedirle a la Nueva República que haga lo propio. Sin embargo, si estos mercenarios son los que liberaron a Moff Gideon, puede que esto se complique.

Conclusión

The Mandalorian nos ha sorprendido con un capítulo centrado en esos insoportables antagonistas de las precuelas y con referencias a Kuiil, uno de los personajes más queridos de la primera temporada y que ha sido clave en la resolución de este conflicto. El inicio, en el que hemos visto un idilio imposible entre las dos especies dominantes del planeta Mon Calamari, es una muestra de cuánto se preocupan sus responsables de la cohesión de la saga, aunque esta preocupación acabe desembocando a veces en fanservice barato. En lugar de un simple tiroteo para mostrar cuán temibles son estos mandalorianos, han tenido el detalle de humanizar también a los pobres quarren, que casi siempre aparecen como villanos.

En definitiva, y aunque no está a la altura del episodio de Coruscant, se trata de un capítulo que nos hace desear que sea miércoles otra vez para ver a qué nuevas amenazas se enfrentará el pueblo mandaloriano. Eso sí, esperemos que el argumento se centre de una vez en la trama principal para poder tener una resolución satisfactoria.

Crítica de Un marinero en la guerra, brutal retrato de lo que le hace la guerra a la gente normal

Netflix ha estrenado Un marinero en la guerra, una miniserie de 3 episodios que en realidad es la adaptación al formato de la película noruega Krigsseileren, estrenada en septiembre del 2022 y seleccionada para representar a Noruega en la última edición de los Oscar. No hemos visto la película pero da igual. Un marinero en la guerra, tal como nos ha llegado, es de lo mejor que ha estrenado Netflix este año.

Los olvidados de la guerra

Singapur, 1948. Un occidental entra en un tugurio en busca de su amigo Freddie, un auténtico despojo humano, en una escena que nos recuerda a cuando Robert de Niro regresaba a Vietnam en busca de Christopher Walken, quien acaba volándose los sesos jugando a la ruleta rusa. No es el caso. Un marinero en la guerra carece de la épica de El cazador pero a cambio presenta un retrato desgarrador de la guerra y sus consecuencias en la gente normal.

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Berger, Noruega. 1939. Siete meses antes de la invasión nazi de Noruega, Alfred Garnes y su amigo Sigbjørn se disponen a embarcarse en un barco mercante noruego. Alfred, casado con Cecilia y padre de tres hijos, promete a su hija que volverá en 18 meses, que allí donde va no hay guerra y que no correrá ningún peligro. Lo que no sabe es que tardará diez años en volver y que entre medias no correrá ninguna aventura sino que será tratado como carne de cañón y deberá hacer lo que pueda para sobrevivir.

Alfred es el despojo humano que ahoga sus penas en alcohol y drogas en Singapur y Sigbjørn, su amigo, su único amigo, es quien va a buscarle. Cómo han llegado a esta situación es el motor de la serie, una serie que presenta otra visión de la Segunda Guerra Mundial totalmente alejada de los tópicos más habituales del cine.

Krigsseileren

El horror en la guerra y la esperanza en lo cotidiano

Mientras Alfred y Sigbjørn navegan de acá para allá, su familia sobrevive como puede a la ocupación nazi. Cecilia debe lidiar no sólo con intentar conseguir su sustento diario sino con las esperanzas de sus hijos de ver regresar a su padre. Este cotidianidad, este hacer incapie en el aspecto más humano de la historia, sin aspavientos ni falsas imposturas, es uno de los puntos fuertes de la miniserie.

Otro de sus puntos a favor es la interpretación de sus actores, es especial de Kristoffer Joner como Alfred Garnes. Pocos personajes en la ficción hemos visto que lo pasen tan mal y que sean peor tratados en una guerra. A eso ayuda la labor como director (y guionista) Gunnar Vikene, quien huye de planos bélicos espectaculares y se centra en más en el rostro de sus personajes, retrato de las miserias de la guerra.

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Abundan en la historia el uso de elipsis, avanzando el relato de un año a otro, sugiriendo algunos sucesos y mostrando sólo aquellos que son determinantes para el devenir de Alfred, Sigbjørn y Cecilia. En el debe de la historia, quizás haya que señalar que en algunas ocasiones adquiere algún tinte de culebrón pero se perdona fácilmente ante lo desgarrador que resulta el relato.

En resumen, Un marinero en la guerra es una miniserie más que recomendable, un vistazo a los horrores de la guerra, los efectos que tiene en los seres humanos y cómo consiguen sobreponerse a todo, o por lo menos sobrevivir, lo que ya es mucho. Un marinero en la guerra es todo un homenaje a los marinos noruegos que participaron, muy a su pesar, en la Segunda Guerra Mundial y sin los cuales Inglaterra y sus aliados seguramente ahora hablarían en alemán.

Nos rasgamos las vestiduras en demasiadas ocasionas porque Netflix ha cancelado esto, aquello o lo de más allá pero hay ocasiones en las que debemos quitarnos el sombrero porque nos trae historias que ni de casualidad llegan a las salas comerciales, películas y series que nos acercan a otras culturas y a otras filmografías. Me llamo Chihiro fue una de esas ocasiones. Un marinero en la guerra es otra. Un saludo, sed felices.

Cómics. La lista de la compra del mes de abril de 2023

Bienvenido un mes más a vuestra sección preferida. Como todos los meses, os dejamos dos cómics recomendados por crítico que salen a la venta este mes en España. Espero que os puedan sacar alguna duda y que os podamos guiar con alguna joya. También os recuerdo que es nuestra opinión personal, y que puede no coincidir con la vuestra. Allá vamos.

La lista de la compra de cómics de meses anteriores

Juanjo Avilés

  1. Calle peligro 1 de 12. ECC Cómics. 3,20 euros. Tom King y Jorge Fornés, los autores de la magnífica Rorschach, vuelven a colaborar para sumergirse en el lado más oscuro del Universo DC. El escritor deja de lado su gusto por las estructuras narrativas extrañas y jugando con un grupo de personajes marginales presenta una historia coral en la que Starman, Metamorfo y Warlord tiene la genial idea de invocar a Darkseid, con las consecuencias negativas que todos podemos esperar. Y el dibujo de Fornés es tan brillante como de costumbre así que tenemos una nueva serie de obligado seguimiento.

calle peligro

2. Capitán Marvel: Genis-Vell. Panini cómics. 15,50. Peter David regresa a unos de sus personajes fetiche: Genis-Vell, el hijo del Capitán Marvel original, para volver a unir su destino al de Rick Jones y al de Marlo Chandler, la exmujer de Rick. Todo lo bueno de Peter David condesado en una historia cósmica marca de la casa, con diálogos punzantes, situaciones divertidas y giros de guion imprevisibles acompañados de un dibujo de Juanan Ramirez que cumple perfectamente a la hora de plasmar las ideas del escritor.

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Mario Losada

  1. Green Lantern Saga de Geoff Johns. La guerra de los Sinestro Corps. ECC Cómics. 42,5 €. Posiblemente la mejor saga de Geoff Johns en su mítica etapa en Green Lantern. Y además esta vez viene recopilada en un sólo tomo, bastante gordo, eso si, que hará las delicias de todos los aficionados. Ah, y si, considero esta saga mejor que La noche más Oscura. Imprescindible.

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2. Spawn Scorched 1. Planeta cómic. 17,95 €. Spawn está de moda y esta nueva colección es una muestra de todo ello. Tras la colección regular, tras Spawn Rey, tras Spawn Gunslinger, nos llega esta cuarta serie que reune a una especie de supergrupo con todos los engendros del demonio que pululan por su universo cada vez más abierto. Todos los fans de McFarlane no se deberían perder esta serie.

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Máximo Simancas

  1. La araña del olvido. Edición en rústica. Astiberri. 18 euros. En este tebeo de Enrique Bonet se cuenta la historia real de Agustín Peñón, una de las primeras personas en interesarse por el asesinato de Federico García Lorca. En La araña del olvido se explorará el secretismo inicial en torno al crimen de Granada y la influencia del poeta en su olvidado admirador, que influiría a autores como Ian Gibson a la hora de estudiar este suceso.

la arana del olvido las cosas que nos hacen felices

2. Fontanero de almas. ECC Cómics. 19,95 euros. En esta incursión de DC en el terror, viviremos la historia de Edgar Wiggins, un pobre diablo que intentará fabricar su propio Desatascador espiritual para exorcizar demonios pero que acabará desatando un mal terrible sobre el mundo. La colección promete unas buenas dosis de casquería y de comedia de terror.

fontanero de almas ecc las cosas que nos hacen felices

DAve Solis

  1. Alvar Mayor. Tomo 2. Dolmen Editorial. 34,90€. Historias de aventuras, ambientadas en la espesa selva o en pequeños pueblos situados ambos en Las Américas del Nuevo Mundo. Aquí no hay justicia, remordimientos ni misericordia. En estos tiempos inhóspitos, reina la ley del más fuerte e incluso la férrea ley de la Cruz. Quizá solamente el hijo del cartógrafo que acompañó a Pizarro en la conquista de Perú sea una de las pocas personas con un código ético que le hará ayudar a los débiles. Alvar Mayor. Ya era hora de una buena reedición de la gran obra de Carlos Trillo y Enrique Breccia. Alvar Mayor, cuyas aventuras en nada tienen que envidiar a las de cierto Cimmerio al que todos conocemos ¡Esto es un «1» fijo en la quiniela!

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2. Locust. Tomo 1 de 2. Leviathan Labs. 15€. Una cruel plaga ha convertido a la mayor parte de la humanidad en una especie de langostas gigantes. Los pocos humanos supervivientes a a catástrofe luchan por sobrevivir en condiciones extremas. Un joven pescador llamado Max, tratará de salvar a toda costa a su anciana madre ¿Podrá conseguirlo? Ya os hablamos aquí de la presentación de Locust. y por fin lo tendremos disponible. Este mismo mes ¿No os apetece probar?

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Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.

¡Cualquier aportación y/o sugerencia a comentarios! ¡Muchas gracias! ¡Nos leemos!¡Un abrazo!

Oso Vicioso (Cocaine Bear) (2023) | Absurdo y demencial ‘slasher’ con un oso cocainómano

‘Oso vicioso’ es una cinta que, como amante de las producciones que involucran a animales desquiciados, tenía muchas ganas de ver. Cierto es que tenía mis dudas al respecto, sobre todo por ver quien se encontraba sentada en la silla de dirección, ya que sus Ángeles de Charlie o ‘dando la nota’ fueron bastante mediocres y muy alejadas de esta propuesta.

‘Oso vicioso’ está basada en hechos reales (al menos en cierta medida) y nos narra la historia de un cargamento de cocaína que es lanzada desde un avión en medio del bosque y una osa da con parte de ese alijo y se lo come/esnifa. Todo esto llevará a un cumulo de situaciones en las que dicho animal se va a convertir en una bestia descontrolada que se enfrentará a una madre que busca a su hija, una guardabosques, unos pandilleros y los destinatarios de esa droga.

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Básicamente nos encontramos ante un ‘slasher’ al más puro estilo de la serie B en el que la némesis de los protagonistas es este animal cocainómano. Toda esa casquería estará regada con un humor negro que funciona muy bien y que va a conseguir que nos riamos en más de una ocasión.

‘Oso vicioso’ es lo que es, y va dirigida hacia un público que disfrute con este tipo de cine, así que no va a ser del agrado de todo el mundo. Si te tomas en serio esta película estás perdido, ya que todo el guion es un sinsentido (en el buen sentido de la palabra) al que hay que agarrarse y dejarse llevar.

Pese a que nos encontramos ante un ‘slasher’ (como he mencionado) no es terror lo que provoca este ‘Oso vicioso’, ya que ese punto no está explotado (ni se lo propone). Es la mezcla entre el humor y el gore lo que la hace funcionar, como lo hizo con ‘Lesbian vampire Killers’, por ejemplo.

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Elizabeth Banks nos ha entregado un producto que está muy alejado de lo que nos tiene acostumbrados y lo ha hecho de una manera más que solvente. Una historia absurda que nos consigue entretener durante sus 95 minutos y que nos va a dejar momentos muy divertidos.

‘Oso vicioso’ navega por el humor absurdo e irreverente y sale muy bien parado: Desde esos niños hablando sobre cómo se toma la cocaína, hasta el momento en el que la osa se queda dormida sobre el personaje de Alden Ehrenreich.

Si a todo eso le sumamos un elenco que se lo pasa en grande con esos personajes tan disparatados y demenciales que son peores que el propio animal drogado, pues nos encontramos con un coctel que nos va a divertir.oso

Los efectos visuales de la osa funcionan bien en algunos momentos y son más reguleros en otros, pero cuando fallan no te sacan de la experiencia ya que lo importante es reírse con lo que les pasa a quienes se topen con ella.

Conclusión

‘Oso vicioso’ es una cinta muy divertida y absurda que nos va a hacer pasar un buen rato, si somos el público que disfruta con este tipo de cine más pegado a la serie B.

Este ‘slasher’ abandona el terror para centrarse lo demente de la propuesta de un oso asesino puesto de cocaína hasta las cejas y las situaciones extremas que se van derivar de ello.  Y eso lo mejor.

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Aunque es cierto que la presentación de personajes y su desarrollo no se lleva mucho tiempo de metraje, con pocas escenas conseguimos conocerlos lo justo para que nos diviertan sus desventuras por culpa de ese cargamento de droga.

‘Oso vicioso’ es una cinta muy entretenida que se pasa volando y que nos puede sorprender por ese humor tan subido de tono que tendrá en ciertas situaciones. No es una maravilla que vaya a ser digna de estudio, pero merece la pena echarle un vistazo, ya sea por ser la última cinta del fallecido Ray Liotta.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Oso Vicioso’:

Un saludo y sed felices, pero sin sustancias perjudiciales.

Nuevo Tráiler de Spider-Man: Cruzando el Multiverso

 

Ya tenemos el adelanto final de Spider-Man: Cruzando el Multiverso (Spider-Man: Across the Universe), la secuela de Sony dedicada a Miles Morales.  Y seguramente nunca has visto a tantos Spider-Man juntos

El Spider-Man de Miles Morales ha calado profundo en el corazón de los fans. Después de que en 2018 la primera película (aquí nuestra crítica) sorprendiera con sus técnicas de animación y ritmo narrativo al punto de quedarse incluso con un Oscar, era impensable que no tuviéramos una secuela y, en efecto, el estreno de Spider-Man: Cruzando el Multiverso (Spider-Man: Across the Universe) está ya casi a la vuelta de la esquina.

Ya ha pasado más de un año de que conociéramos el primer tráiler y este que ahora nos llega profundiza mucho más algunas cuestiones que aquel nos había anticipado…

Hay más referencias visuales al multiverso y, de hecho, vemos a Miles Morales enfrentarse con versiones de Spider-Man de los distintos universos, lo cual implica un fuerte componente emocional al incluir prácticamente a todos los que hemos conocido, desde los cómics hasta las películas de Sony o Marvel/Disney pasando por los seriales animados televisivos y los videojuegos.  Son, según se anuncia, unos doscientos cuarenta personajes embrollados en una auténtica guerra arácnida.  Y no falta alguna referencia a Doctor Strange.

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En un despliegue visual lleno de epicidad, podemos justamente ver a Morales recorrer ese vasto multiverso en compañía de Gwen Stacy/ Spider-Gwen, así como afirmarse más claramente a su antagonista, que ya nos había sido presentado en la escena post-créditos de la película anterior: nada menos que Miguel O´Hara, el Spider-Man del año 2099, por cierto, uno de los más icónicos y reconocidos por los fans.

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Morales, según oímos, tendrá que hacer una decisión crucial entre salvar a una persona o a todos los universos.  Como genial detalle humorístico, el final del tráiler nos muestra a los distintos Spider-Man recreando uno de los más populares memes del personaje y seguramente ya estarán imaginando a cuál me refiero: aquel que se basaba en una escena de la famosa serie animada de los sesenta y que incluso fue recreado por los tres actores en Spider-Man: No Way Home.

La fecha de estreno es el 2 de junio y la película cuenta con la dirección de Joaquim Dos Santos, acompañado por Kemp Powers y Justin K. Thompson. El portugués-americano, además, está anunciado como director del tercer filme dedicado a Miles Morales, a estrenarse en algún momento de 2024.

En fin, ¿qué les parece el tráiler y cuál es la versión de Spider-Man que más se alegran de ver en el mismo? Les leo…

Hasta pronto y sean felices…

Análisis de Succession. Temporada 4. Capítulo 1.

El principio del fin ha llegado. Por fin HBO Max ha estrenado la cuarta y última temporada de la mejor serie en emisión del momento. Sentaos en el sofá. Encended la televisión. Los Roy han vuelto. Bienvenidos a Succession.

Nuestra recomendación de Succession

Succession: El Mal destripado correctamente al fin

A partir de aquí, spoilers del primer capítulo de la cuarta temporada, titulado La familia Monster.

Succession comienza con un episodio sencillo en cuanto a localizaciones, en los que quedan definidos (al menos aparentemente) los dos bandos de una guerra sin cuartel tras haber eliminado Logan Roy a sus hijos al final de la tercera temporada.

SATURNO, EL DEVORADOR DE SUS HIJOS.

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Es el cumpleaños de Logan Roy, el patriarca de la familia y flamante líder de Waystar co. Económicamente, la empresa va viento en popa y a toda vela. A la adquisición de la plataforma de streaming se añade la compra de Pierce Global Media, la potente empresa de telecomunicaciones cuya compra ya intentó Logan en la segunda temporada.

Sin embargo, Logan no está contento. Algo le falta. Ha perdido a sus hijos, ausentes en la celebración. No me refiero tanto al sentido amor paterno filial, que eso no se estila en esta familia, sino en que no tiene a nadie a quien manipular, maltratar y que luego vuelvan a comer de su mano.

A lo largo de estas tres temporadas, Logan ha oscilado su favoritismo para sucederle en la empresa entre el impulsivo Kendall en la primera temporada, la cerebral Shioban en la segunda y el inseguro e influenciable Roman en la tercera. Ahora, ha perdido a los tres.

A su lado queda la vieja guardia de la empresa, liderados por una Gerry que, como siempre, se maneja con prudencia en los vaivenes del poder. Marcia ha desaparecido y Logan disfruta de la compañía de su “asesora” Kerry.

También permanece el primogénito Connor que, al igual que se plantea gastarse otros cien millones de dólares solo para mantenerse en el 1% de las encuestas estadounidenses y poder tener derecho solo a hablar, aspira únicamente a llegar al 1% de la atención de su padre.

Luego tenemos a Tom, el que mejor ha demostrado jugar sus cartas a lo largo de la serie. Tras aguantar continuas vejaciones de toda la familia y de su esposa, ha dado fe de que el que la sigue, la consigue y ha sido capaz de traicionar a su mujer. Al fin y al cabo y como le dijo a Kendall en la tercera temporada, el padre siempre gana…

Actualmente, ha ascendido hasta ser la mano derecha de Logan y es el principal impulsor del acuerdo con Pierce a través de Naomi. Aunque sigue conservando parte de su patetismo y de su capacidad para medir continuamente su discurso, ya no mantiene esa actitud extremadamente sumisa ante su mujer. Mattew McFayden se merece todos los Emmys habidos y por haber.

Finalmente, Greg, el primo chupóptero, el que ha vendido su alma a Tom solo por ser el último eslabón de la cadena. En el mar de miserables que contemplamos en Succession, tal vez Greg sea el rey. Un hombre capaz de sacrificar a su familia tan solo por disfrutar de las migajas que dejan los demás.

Planteadas las posiciones, cuál es la sorpresa de Logan cuando alguien ha realizado una contraoferta para comprar a Pierce. Ni más ni menos que sus hijos.

LOS HIJOS DEVORADOS

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Tras llegar a niveles insospechados de odio durante las anteriores temporadas, la traición de su padre ha terminado por unir a Kendall, Roman y Shiv.

Los vemos al principio del capítulo montando una idea nueva aprovechando la solvencia económica de la venta de la red social. Una idea que motiva y les aleja de su padre.

Sin embargo, una llamada de teléfono de Tom a Shiv que tiene mucho de venganza y poco de inteligencia les hace sospechar de la compra de Pierce Global Media por parte de Waystar. Y los hermanos se lo piensan.

Roman, contra todo pronóstico, es el más prudente y apuesta por continuar con la idea original que los tres han construido. No por la necesidad de construir un camino propio, sino por evitar nuevos conflictos con su padre, la persona que más miedo le da de este mundo (y con razón).

Kendall, para fastidiar a su padre, y Shiv, para hacerle lo mismo a su marido, apuestan por comprar Pierce y levantar un imperio comenzando por una marca contrastada. O, mejor dicho, buscan volver a enfrentarse a su padre robándole su idea en lugar de apostar por una idea propia alejada de este. Lo que para nosotros es una idea estupenda que permite más enfrentamientos en esta última temporada habla muy mal de estos hijos destrozados por un padre amoral.

Finalmente, los hijos devorados compran Pierce y reinician una contienda ante el enfado de su padre.

EPÍLOGO: UNA GUERRA Y UN MATRIMONIO IRRECONCILIABLE

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Succession mantiene su calidad maestra caminando por los senderos de las anteriores temporadas. Mismo estilo visual, diálogos afilados y brillantes, además de un cuidado diseño de producción. Y sus personajes, claro.

En la escena final, vemos el encuentro entre Shiv y Tom, un matrimonio todavía unido legalmente pero irreconciliables tras la traición de él. Y tras todas las humillaciones que Shiv ha hecho pasar a Tom y que ahora este parece dispuesto a devolverle.

Y, pese a todo, se quieren. Aunque no puedan estar juntos.

Igual que la familia Roy. Sobre el papel, existen lazos de sangre, pero las diferencias parecen irreconciliables aunque, en el fondo, se quieran. A su manera.

Magnífico inicio cuyo único pero es que, con cada capítulo que pasa, queda menos para el final de una serie que nos hace muy felices.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Análisis de Star Trek: Picard. Temporada 3. Episodio 7

Ya restan solo tres episodios para cerrar no solo la tercera temporada sino la serie Star Trek: Picard al completo o, lo que es lo mismo, para despedirnos de nuestro querido capitán Picard y muchos otros personajes igual de entrañables. Mientras tanto, analizamos lo que nos ha dejado esta séptima entrega cuyo título es Dominio. La serie, que tiene a Terry Matalas como showrunner y a Patrick Stewart como actor protagónico, es emitida por Prime Video.

 

Bienvenidos una vez más, trekkies y no tan trekkies, para analizar otro episodio de la temporada final de Star Trek: Picard. Una séptima entrega que ha tenido sus altos puntos emotivos aunque no al nivel de la catarata que fue la anterior, pero que ha hecho avanzar la trama hacia respuestas que parecen estar a punto de conocerse.

El hecho de que el título sea Dominio es perfecta definición, pues ese concepto adquiere más de una connotación a lo largo de una entrega en la cual, además, son centrales la reflexión moral y los planteos éticos. Al análisis, pues, sin más dilación, advirtiendo que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden leer aquí los análisis anteriores.

Un Rostro Conocido

Comenzamos con una emoción fuerte, pues Siete, reemplazando en ausencia a Riker, está en comunicación con… ¡Tuvok! Una alegría ver nuevamente a Tim Russ interpretar al vulcano, pues, salvo alguna aparición animada en Star Trek: Lower Decks, no sabíamos de él desde el final de Star Trek: Voyager. Pero cuidado: nada es lo que parece…

Hay lógica desconfianza a bordo de la Titan, por lo que están abocados a determinar si realmente es quien dice ser. No hay nada extraño en el análisis de voz y se respira cierto alivio cuando dice recordar que Siete solía ganarle seguido en el ajedrez kal-toh.

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Por otra parte, manifiesta no tener información sobre el paradero de Riker y cuando Siete le pregunta por Janeway, responde que esta se halla organizando la logística para la celebración del Día de la Frontera en la cual, justamente, podría llevarse a cabo el temido atentado.

Es la segunda vez que se hace referencia a la ex capitana de la Voyager en relación con un importante cargo jerárquico y, aunque seguimos sin verla, ¿les queda alguna duda de que volveremos a ver a Kate Mulgrew en el personaje? Quizás en el último episodio, pero ya se nos eriza la piel de imaginar el reencuentro con Siete.

Tuvok dice lamentar no poder ayudarlos mucho mientras estén en condición de prófugos, por lo que concertan un planeta de encuentro y, deliberadamente, Siete propone Aklion VII, mundo que un vulcano jamás aceptaría debido, según luego dice, a las “manifestaciones anti-kolinahr”: si han estado escarbando en su memoria al respecto, espero tranquilizarles al decirles que eso no ocurrió en ninguna serie o película de la franquicia, al menos que yo recuerde.

Al aceptar el lugar de encuentro, queda en evidencia el engaño y el supuesto Tuvok se revela como el cambiante que es. Desde ya que nos decepciona saber que no era él, pero al igual que con Janeway, no tengo duda de que le veremos pronto y en versión auténtica: ningún trekkie aceptaría haber esperado tanto tiempo para verle y que nos dejen con esta imagen…

Picard insiste en saber sobre Riker y, mientras el cambiante adopta el aspecto de este, le dice que está casi muerto al igual que ellos. “Estamos solos” sentencia tristemente Jean-Luc, cayendo en la cuenta de que la flota está infiltrada hasta en la más altas esferas…

La Lucha Interior

La apremiante situación plantea la discusión moral sobre las posibles soluciones: Beverly habla de usar un ataque biológico contra los cambiantes, lo que en la práctica se traduciría en genocidio y, después de todo, ya se hizo alguna vez.

No tienen noticias de Worf (recordemos que había prometido volver con Riker) ni logran descifrar qué hay detrás del robo de cuerpos: podrían estar tratando de utilizar el ADN de Jean-Luc y la sangre de su hijo Jack para provocar una infiltración en la celebración del Día de la Frontera.

Geordi LaForge, en compañía de su hija Alandra, intenta aislar la personalidad de Data, pero sin éxito. No hay problema con Lal y B-4, que solo parecieran estar presentes en la memoria, pero distinto es el caso de Lore, que se disputa con Data el control del cuerpo que ambos habitan. No hay forma, dice Geordi con tristeza, de eliminar al primero sin riesgo de perder también y para siempre al segundo (otra cosa que ningún trekkie perdonaría después de tanto tiempo sin ver a Data).

Proteus

Despúes de haber trabajado en conjunto para robar el sistema de ocultamiento de la Bounty, Jack y Sidney parecieran no solo formar una excelente dupla sino además estar desarrollando entre sí algún tipo de vinculación especial que va más allá de la atracción mutua: da la impresión de que él puede leer sus pensamientos y actuar en consecuencia a ellos, lo cual, desde ya, la asusta y ahuyenta.

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Jack quiere entregarse a cambio de Riker, pero su padre no está dispuesto a permitirlo: no obstante, ello le brinda una idea que bien podría servirles para atrapar a Vadic: con falsos mensajes subespaciales en los que dicen tener el núcleo warp inoperante, hacen en efecto que Vadic y los suyos vayan confiados a la Titan y, una vez allí, se encuentren con Jack que, fingiendo entregarse, les dice que el resto están muertos.

Es una trampa: dispara contra los de Vadic y, una vez más con ayuda de Sidney, les obliga a perseguirle hacia el interior de la nave hasta que quedan a tiro de que Geordie pueda aislarles y encerrarlos mediante campos de fuerza. También quedan en esa situación Jack y Sidney, lo cual no sería problema si pudieran transportarles pero, al momento de intentarlo, el sistema falla y descubren que todo es obra de Lore, quien parece haber tomado control completo del cuerpo que comparte con Data. “Solo busca el caos” responde con fastidio LaForge cuando Picard se pregunta por sus objetivos.

No solo el sistema de transporte ha quedado comprometido: también peligran los campos de fuerza. Al hablar con Vadic, esta les habla del genocidio practicado en su planeta contra su raza y vamos entendiendo hacia dónde apunta su proclamada venganza. Picard arguye que la Federación les envió una cura, pero ella replica que ello nunca ocurrió sino que la misma fue llevada casi de incógnito por uno de los suyos, lo cual, desde ya, nos hace pensar en Odo.

Pero allí no terminan sus motivos de resentimiento: además les anoticia de que ella y otros cambiantes fueron usados para cruentos experimentos en Daystrom. El objeto del Proyecto Proteus era aprovechar su capacidad de cambiar formas para convertirles en espías perfectos, pero la cosa se desmadró y la tortura, de manera impensada y no prevista, les hizo avanzar un paso más en la evolución…

Queda claro entonces que la mutación que presentan los cambiantes y que les permite ahora también copiar órganos internos de los humanos, es justamente consecuencia colateral de la acción de estos. La noticia conmociona a Picard y los suyos, pero también a nosotros, que teníamos otra imagen de la Federación. Queda la posibilidad, no obstante, de que la Sección 31 haya actuado por su cuenta: de momento no lo sabemos…

El Enemigo de mi Enemigo…

Sabiendo que quizás sea el único que pueda ayudarles, LaForge intenta “despertar” a Data apelando a emociones y recuerdos compartidos: admite que le convirtió en mejor persona, que quedó devastado por su muerte e incluso se refiere a él como “mejor amigo”, primera vez que Forgie lo hace, mientras que Data sí lo había hecho con él.

En gran secuencia doble, el diálogo se alterna con el de Jean-Luc y Beverly que, en otra parte de la nave, discuten qué hacer con Vadic: “¿Estamos tan cambiados tú y yo como para comprometer todo aquello en que hemos creído?”, pregunta Picard. La escena es grandiosa y el acompañamiento musical no lo es menos…

Pero Lore es hueso duro de roer y sigue en control sobre Data: “el enemigo de mi enemigo… ya sabes el resto”, le espeta a Geordi cuando este quiere saber por qué está ayudando a los cambiantes. Acto seguido, baja los campos de fuerza y libera a los prisioneros, con lo que hay lucha por toda la nave…

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En el exacto momento en que estaban por darle muerte, Vadic se escabulle como masa viscosa mientras, en otro sector, uno de los suyos se lo está haciendo pasar muy mal a Sidney. Vuelve a operar la conexión entre ella y Jack, pero de modo aún más impensado: él parece meterse en su mente y gobernar sus movimientos durante la lucha. Merced a ello, Sidney logra vencer a su atacante pero, por más que Jack le haya salvado la vida y le insista en que confíe, tiene terror de él o lo que haya en su interior.

El recurso a lo emocional por parte de Geordi surte finalmente efecto y, tras una ligera sacudida, Data está “despierto” y en control del cuerpo. De inmediato se dedica a rehabilitar los sistemas de la nave y así Beverly puede consultar las bases de datos de Daystrom sobre el proyecto Proteus. Descubre que inyectaron a los cambiantes un agente estabilizador llamado thelonium-847, que permanece en ellos durante cien años: significa que ya tienen una forma de identificarlos y aunque no se vuelve a hablar del asunto, ese dato puede ser clave en la resolución final…

El Río que fluye

Vadic y los suyos van hacia el puente de mando. Shaw, cada vez más reivindicado de aquella imagen detestable que nos diera en los primeros episodios, dirige una resistencia heroica en el turboascensor, pero acaba maltrecho y capturado. Los atacantes ingresan al puente y Vadic dirige un mensaje a toda la nave: “ a mi nave” enfatiza mientras al activar el comunicador interno se oye el característico silbido de la serie original.

En estremecedor discurso, dice actuar no por crueldad sino por piedad y compara a la condición natural de los cambiantes con la de un río que fluye argumentando que “hay muchos caminos para llegar al mar”. Afirma que están allí para “llevar a Jack adonde pertenece” y, mientras se autoproclama como capitana de la USS Titan, se dirige al joven, donde quiera que se halle, para decirle que es hora de que sepa quién es realmente…

Balance del Episodio

Que la vara había quedado alta tras el episodio anterior es algo de lo que no cabía duda, como tampoco de que El Bounty (me niego a decir La Recompensa) fue, tanto desde el punto de vista emocional como desde el narrativo, una de las mejores entregas ya no solo de la serie sino de toda la franquicia. Ello no debe, sin embargo, impedirnos ver que el que nos ocupa ha sido también un gran episodio y era bastante lógico que mermara un poco la avalancha de emociones tras el vendaval de la semana anterior.

Ojo, un poco: porque estuvieron y no fueron débiles ni pocas. Siguen regresando personajes del pasado de la franquicia y, entre ellos, varios no anunciados. Ya el regreso de Data nos había dejado anonadados aun cuando, viéndolo ahora, era impensable que nos fueran a regresar a Lore y no a él. “¿Cómo diablos iba a hacer una reunión sin Data?” manifestó por estos días el showrunner Terry Matalas y tiene toda la razón del mundo…

Pero había más ases guardados: lo de Tuvok fue un impacto muy fuerte y a pesar de la desilusión de saber que era un cambiante, ha dejado la puerta entreabierta para un verdadero regreso que, doy por descontado, veremos en los próximos capítulos. Y otro tanto para Janeway, de quien ya para esta altura no pueden ser casuales tantas menciones.

Como decíamos al principio, el título del episodio es perfecta definición del mismo y casi podría decirse resumen. Todo lo que ha ocurrido gira en torno a ese concepto ya desde el momento en que se trata de consecuencias de la Guerra del Dominio, pero además está presente en la lucha entre humanos y cambiantes por el control de la Titan, así como en la que Data y Lore libran por el control de un mismo cuerpo o bien la que se avizora entre Jack y Sidney en la medida en que él siga interfiriendo en los pensamientos o actos de ella.

Por cierto, no terminamos de saber aún qué es exactamente Jack y la frase final de Vadic abre aún más interrogantes, pero está claro que parece tener dotes de telepatía, telequinesis o ambas. En ese sentido, también él sostiene una lucha por el dominio de sí mismo contra una esencia que pugna por emerger…

Los dilemás éticos y discusiones morales son también parte central del episodio y, en ese sentido, hay algunos diálogos brillantes. La mención del genocidio como posible solución para evitar un mal mayor nos lleva a pensar, por ejemplo, en las bombas de Hiroshima y Nagasaki, en su momento justificadas bajo pretexto de acabar una guerra. ¿Se puede aceptar cualquier solución o pagar cualquier precio, incluso al coste de las propias convicciones? Esa es en buena medida la reflexión que hace Picard…

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En cuanto a Vadic, yo había temido que el saber que hay alguien por encima suyo pudiera desdibujar su personaje en la medida en que fuera dejando de ser villano principal. Lejos de ello y mientras seguimos aún sin saber quién es la forma incorpórea que, como vaporoso rostro, se comunica con ella para darle órdenes, la realidad es que el conocer su historia y la de los cambiantes nos lleva a entender que sus motivaciones son propias y diferentes. “El enemigo de mi enemigo… ya sabes el resto” dijo en algún momento Lore y se puede hacer extensivo a ella.

¿Pero qué pasará con esa supuesta alianza o la obediencia a sus superiores en la medida en que se acerquen a los objetivos y los suyos puedan diverger de los de ellos? Creo que su sed de venganza puede ser crucial en la definición final y es un gran detalle el que, para dar forma a su odio, haya tomado tanto la forma como el silbido de su torturadora…

Ya que hablamos de silbidos, a muchos puede sorprender el que oigamos seguido el que caracterizaba a las llamadas en la serie original, al igual que otros detalles que parecían ya olvidados por la franquicia. Matalas lo justificó no hace mucho diciendo que así como en nuestra sociedad regresan cada tanto diseños de autos o prendas de vestir que están claramente ancladas en el pasado, no hay motivo para pensar que el futuro no conocerá momentos retro y, en efecto, la historia que cuenta la serie transcurre durante uno de ellos…

Párrafo aparte para la magnífica banda sonora de Stephen Barton, cuyo dramatismo ha dado clima justo al episodio, particularmente en los momentos en que se alternan escenarios simultáneos.  Y lo llamativo (o no) es que esas sesiones de cuerdas remiten bastante a las de la cuarta temporada de Star Trek: Discovery, cuya banda sonora ha estado a cargo de Jeff Russo, responsable también de la de Star Trek: Picard en sus dos primeras temporadas.

En fin, ya nos quedan solo tres episodios y ello solo puede generarnos nostalgia de antemano, pues la serie va concluyendo casi como una coronación de la franquicia al punto de parecer, inclusive, una despedida de la misma. Por suerte no es así, ya que todo el tiempo estamos recibiendo noticias sobre nuevas películas o series del universo trekkie, así como nuevas temporadas de las que ya se están emitiendo, así que a no desesperar.

Les espero para analizar la próxima entrega mientras seguimos en la cuenta regresiva. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…

 

Se viene reboot de Harry Potter: ¿es necesario?

La exitosa saga de novelas de Harry Potter tendrá una nueva adaptación, esta vez a cargo de HBO, y en formato de serie, con la idea de hacer siete temporadas. ¿Cómo la recibirán los fans?

HBO sigue dando noticias. Tras el arrasador éxito de su adaptación del videojuego The Last of Us (aquí nuestros análisis de la serie) y de frente al cambio que supondrá la reconversión de la plataforma HBO Max a simplemente Max, acaban de anunciar que están trabajando en un reboot de la saga de Harry Potter, pero en formato de serie.

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Aunque todavía no se conocen demasiadas precisiones sobre el proyecto, suena fuerte que habrá al respecto importantes anuncios en los próximos días y, por lo que se sabe, la intención es adaptar los siete libros de J. K. Rowling a razón de uno por temporada y, por cierto, con la exitosa autora presente en la realización de la serie del mismo modo que lo estuviera en las películas para asegurar que los guiones se ajusten a las historias originales.

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¿Significa ello que veremos nuevamente la misma historia, pero en serie? Pues si lo ponen de ese modo y por más garantía de éxito que sea el simple nombre de Harry Potter como marca registrada, no pareciera generar demasiado atractivo, ya que no se ve claro el sentido de volver a contar lo mismo que ya se contó a través de una saga de películas que para esta altura son icónicas y que han recaudado más de siete mil millones de dólares a lo largo y ancho del mundo.

Hay quienes dicen, no obstante, que la serie podría incluir historias paralelas o alternas no contadas en los filmes y allí residiría el incentivo extra para verla, pero no hay nada confirmado al respecto y habrá que prestar atención a los inminentes anuncios.

Cabe la pregunta, sin embargo, de si el público y, muy especialmente, los fans, estarán dispuestos a ver nuevos rostros en la franquicia, pues qué duda cabe de que los de Daniel Radcliffe, Emma Watson o Rupert Grint son ya tan fuertemente icónicos para la gente que terminan por ser, de hecho, los rostros de los personajes mismos: hay más gente, por ejemplo, que ubica a Daniel Radcliffe como Harry Potter que por su nombre real. ¿Aceptarán entonces un elenco totalmente nuevo?

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Sospecho que parte de la respuesta estará en quiénes sean los jóvenes actores elegidos o los adultos que les acompañen y cuánta expectativa genere en el público el verles en la piel de personajes tan emblemáticos y entrañables, pero de momento se desconoce quiénes podrían ser esos nuevos rostros.

Lo que sí se sabe es que el proyecto va en serio y que, de hecho, HBO pretende usarlo como punta de lanza para el cambio de rumbo en su plataforma.

En fin, mientras esperamos más definiciones, lo dicho, dicho está y la palabra, ahora, la tienen ustedes. ¿Cómo ven esto del reboot? ¿Lo consideran necesario o les parece una pérdida de tiempo? ¿Les genera alguna expectativa? ¿Creen que podrán aceptar a nuevos actores en la piel de los personajes o consideran que los mismos tienen una personalidad propia más allá de quien los interprete?

Les leo. Hasta pronto y sean felices…

 

Tráiler de Tyler Rake 2. Chris Hemsworth vuelve en lo que promete ser uno de los mayores espectáculos del año

¡Por fin! Ya está aquí el tráiler de Tyler Rake 2, una de las películas de acción más esperadas del año con permiso de John Wick 4 o Misión Imposible.


EN CF:  CRÍTICA DE TYLER RAKE (2020): UN NUEVO (ANTI)HÉROE DE ACCIÓN PARA NETFLIX


 

En esta ocasión Rake tiene que sacar de la cárcel a a familia de un temible gánster georgiano y por lo que vemos en el adelanto va a estar muy complicada la cosa.

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Tyler Rake 2

Si Hemsworth repite, lo mismo pasa con Sam Hargrave tras las cámaras. También vuelve Joe Russo en el guion.

Golshifteh Farahani, Adam Bessa, Olga Kurylenko, Daniel Bernhardt y Tinatin Dalakishvili completan el reparto.

Lo visto en el tráiler es espectacular. Parece que como mínimo esta película va a estar a la altura de su predecesora. En poco tiempo saldremos de dudas. La cinta se estrena el 16 de junio.

Un saludo y sed felices.

Tenemos Impactante Tráiler de Blue Beetle

En medio de la transición cinematográfica de DC llega el estreno de Blue Beetle, uno de los personajes quizás no tan conocidos de los que han pasado por la editorial y cuya película, casi milagrosamente, ha sobrevivido a la oleada de renovación. Echa un vistazo al adelanto…

Blue Beetle (o Escarabajo Azul) es un personaje creado por Charles Nicholas Wojtkoski allá por 1939 que no nació en DC sino en Fox Comics, luego propiedad de Charlton Comics. Sería en esta última editorial que conocería una segunda encarnación en los años sesenta (en la que estuvo involucrado nada menos que Steve Ditko) para luego pasar a manos de DC en los ochenta y ser introducido en su universo a través de Crisis en Tierras Infinitas, el icónico título de Marv Wolfman y George Perez que marcó un reinicio del mismo.

En su primera versión era álter ego de Dan Garrett y sus poderes tenían un origen componente mágico al estar vinculados a un escarabajo sagrado egipcio. En la segunda, lo era de Ted Kord, brillante inventor y dotado atleta que, aunque discípulo de Garrett, carecía de superpoderes y se movía en una aeronave con aspecto de insecto.  Esta versión terminó siendo inspiración para el personaje Nite Owl (o Búho Nocturno) creado por Alan Moore para su insuperable Watchmen.

Una tercera y definitiva versión, nacida en la propia DC Comics a partir de los guionistas Keith Giffen y John Rogers junto al dibujante Cully Hammer, lo presentaba en cambio como Jaime Reyes, adolescente de ascendencia mexicana que, tras hallar un misterioso escarabajo de características robóticas y origen alienígena, se veía equipado con una portentosa armadura que le permitía volar y tener una fuerza sobrehumana, aunque también tenía a veces problemas para controlarla.

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Precisamente en esa tercera encarnación se basa la película de la cual, dirigida por el puertorriqueño Angel Manuel Soto, nos llega ahora el primer adelanto. La misma significa además el salto a la pantalla de cine por parte de Xolo Maridueña, quien da vida a Miguel Díaz en la exitosa serie Cobra Kai y que es justamente el encargado de personificar al héroe del exoesqueleto.

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Como atractivo extra, Susan Sarandon, veterana y legendaria actriz si las hay, interpreta a la villana Victoria Kord, cuyo apellido es claro homenaje al segundo Blue Beetle. Bruna Marquezine, George Lopez y Raoul Trujillo son también parte del elenco.

 

El hecho de que el filme llegue a los cines habla de una mejor suerte que la brutalmente cancelada Batgirl, pero a la vez nos hace preguntar si Warner le dará el apoyo necesario a la hora de difundirla o si, por el contrario, tendrá el mismo sino de escasa promoción sufrido por ¡Shazam!: La Furia de los Dioses.

La respuesta la tendremos cuando se estrene el 18 de agosto. Mientras tanto, ¿cómo ven el traíler y qué expectativas tienen con respecto a la integración del personaje en el nuevo universo de DC? Les leo…

Hasta pronto y sean felices…

Crítica de Criminales a la vista, el regreso de Adam Sandler y Jennifer Aniston en Netflix

Criminales a la vista es la nueva película de Adam Sandler para Netflix. Con mayor o menor fortuna, el actor ha facturado para la plataforma de streaming varias películas y ahora nos trae la continuación de una de ellas, la segunda parte de Criminales en el mar, o Murder Mistery en el original.

El regreso de los Spitz

Criminales a la vista nos cuenta que fue de los Spitz tras su aventura anterior. Resulta que Nick (Adam Sandler) y Audrey (Jennifer Aniston) se vinieron arriba tras resolver un asesinato en el crucero en el que participaban y montaron su propia agencia de detectives. Como era de esperar, el negocio les va fatal hasta que reciben la invitación a la boda de su amigo Maharajah Vikram Govindan (Adeel Akhtar), lo que les dará la oportunidad de demostrar sus habilidades ante un nuevo misterio.

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Criminales a la vista es una comedia made in Adam Sandler aunque menos escatológica que de costumbre, lo que quiere decir que gustará mucho a los fans del actor (que los hay) pero que ese humor tan caca, culo, pedo, pis marca de la casa se ha reducido a la mínima expresión. Eso viene siendo habitual en sus últimas películas. Netflix le paga una pasta y no es cuestión de mosquear a nadie sino de llegar a cuantos más suscriptores mejor.

Esa pasta no sólo se destina al sueldo de Sandler sino que también se muestra en cuanto a la producción y al resto del reparto. Si para Garra se vinieron a Mallorca, ahora Sandler no se priva de rodar en París y en otras localizaciones más exóticas y al mismo tiempo contrata a varios escuderos de cierto caché. Destaca (como no) Jennifer Aniston pero también Mélanie Laurent, Enrique Arce, Jodie Turner-Smith y Mark Strong pidiendo a gritos que le den el papel de Charles Xavier en el UCM.

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Parodiando pero menos

En un primer momento podríamos considerar Criminales a la vista como una parodia de las películas de asesinatos y misterio. Asesinato en el Orient Express o Puñales por la espalda son claros referentes que nos vienen a la cabeza, al igual que el matrimonio formado por Nick y Audrey spitz podrían ser una parodia de otros matrimonios detectivescos, al estilo de Hart y Hart.

Sin embargo Criminales a la vista tiene menos de parodia de lo que pueda tener El misterio de Glass Onion y más de nueva franquicia al servicio de Adam Sandler, Jennifer Aniston y Netflix. La película tiene una cierta entidad propia que le otorga el propio Adam Sandler. Es imposible desligar la película de ese humor que abandera el actor, con el uso de chistes subidos de tono (pero no tanto) y con situaciones absurdas y surrealistas con las que no te queda otra que reírte porque sabes que lo han hecho adrede, que están ahí para ti y que lo hacen con buena intención.

Adam Sandler y su estilo podrán gustar más o menos pero hay que reconocer que en la película hay escenas que no tienen desperdicio. La primera es la parodia del baile tipo Bollywood, donde Sandler y Aniston están como elefantes en una cacharrería y donde se ríen de esa coordinación tan espontánea que muestran todos los actores de musicales a la hora de bailar mientras pretenden que todo se vea improvisado.

Mark Stronh

Las escenas de acción también son para tenerlas en cuenta, como la de la lucha en la furgoneta o la escena final en la Torre Eiffel pero lo mejor es cuando Sandler, a consecuencia de una herida, aparece con la gasa por encima de la ropa, un momento más propio de Aterriza como puedas o Top Secret que de una película que se supone una parodia del género de detectives.

En resumen, que me gustaría decir que Criminales a la vista es un churro y así en Facebook no me dirán que le doro la pildora a Netflix pero la verdad es que es mejor de lo que pensaba, me he reído y ha hecho que Adam Sandler suba en mi lista de actores a considerar. Ya lo hizo con Garra pero es que sigue arrastrando consigo unos bodrios realmente infumables (Jack y su gemela no hay por donde cogerla).

Quizás tiene que ver que el guión corre a cargo de James Vanderbilt, guionista del Spiderman de Andrew Garfield y de esa obra maestra de David Fincher que es Zodiac. el que tuvo retuvo, aunque sea a través de obras de encargo para el lucimiento de otros. Un saludo, sed felices.