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Anthony Mackie salió a pedir disculpas tras la polvareda que levantaron sus dichos sobre el Capitán América

A poco de estrenarse Capitán América: Brave New World, el actor Anthony Mackie debió hacer las aclaraciones del caso después de la polémica que generó al haber dicho que el célebre personaje de Marvel no tiene por qué representar a América.

Ya todos sabemos que Sam Wilson o, si lo preferís, Anthony Mackie, es quien recibió en legado y de las propias manos de Steve Rogers el escudo del Capitán América: así lo vimos hacia el final de Vengadores: Endgame (aquí nuestra crítica), como después en la serie Falcon y el Soldado de Invierno, de la cual pueden leer en esta web nuestros análisis.

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También sabemos que hay una cierta expectativa por el estreno de Capitán América: Brave New World (aquí tráiler) que, como parte de la Fase 5 del MCU, llega a los cines este 14 de febrero, tanto en Estados Unidos como en España y Latinoamérica.

Precisamente por tal motivo es que Mackie se encuentra por estos días participando de eventos promocionales y ese fue precisamente el contexto en el cual, en reciente entrevista en Roma, pronunció declaraciones que fueron algo tergiversadas y sacadas de contexto en redes sociales.

En concreto, al actor se le había preguntado por los valores que el personaje encarna, sobre todo en relación a que su denominación hace clara referencia a Estados Unidos.  “El Capitán América representa muchas cosas diferentes y no creo que el término ‘América’ deba ser una de esas representaciones – manifestó –. Se trata de un hombre que cumple su palabra, que tiene honor, dignidad e integridad. Alguien que sea digno de confianza…”.

A lo que se refirió, claro, es a que el personaje tiene la suficiente universalidad como para defender valores que no tienen por qué identificarse con una nación en especial pero, claro, no tardaron en aparecer las voces nacionalistas de quienes lo acusaron de poco norteamericano o de renegar de su país, ante lo cual debió salir a responder…

Permítanme ser claro al respecto: soy un estadounidense orgulloso y asumir el escudo de un héroe como el Capi es el honor de mi vida – expresó el actor –. Tengo el mayor respeto por quienes sirven y han servido a nuestro país. Él tiene características universales con las que personas de todo el mundo pueden identificarse”.

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Más allá de la aclaración y de que sus dichos fueron tergiversados, lo cierto es que la polémica volvió a traer a colación un tema casi olvidado como el supuesto nacionalismo que caracteriza al Capitán América como personaje, tanto en su denominación como en su atuendo o escudo.

Recordemos que, creado por Joe Simon y Jack Kirby, el Capitán América apareció por primera vez en las páginas de Timely Comics (predecesor de Marvel) en marzo de 1941, es decir en plena Segunda Guerra Mundial, pero en momentos en que Estados Unidos aún no había ingresado a la contienda y era tema de debate si debía hacerlo de una vez por todas o permanecer neutral.  El cómic era claramente una toma de posición al respecto y era lógico que tuviera entonces en sus orígenes un sentido sumamente patriótico, más allá de que después, Marvel y Stan Lee mediante, tuvieran que redefinirlo.

Y es válida la pregunta: ¿les produjo escozor alguna vez la estética y nombre del personaje?  Yo recuerdo haberlo amado en mi infancia, odiado en mi adolescencia y revalorizado más tarde, ya en mi juventud y una vez vencido el prejuicio nacionalista.  ¿Les ha ocurrido algo parecido?

Mientras tanto y dirigida por Julius Onah, Capitán América: Brave New World llega a los cines el Día de San Valentín y, además de Mackie, son parte del elenco Harrison Ford, Giancarlo Esposito, Danny Ramirez, Liv Tyler y Tim Blake Nelson.  ¿Qué expectativas tienen?  Les leo…

Hasta pronto y sean felices…

Los mangas más vendidos en 2024

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¿Cuáles son los mangas más vendidos en 2024? La lista Oricon ya ha dado a los ganadores del año pasado, y como veréis no nos referimos a calidad o a opinión personal, nos ceñimos a datos, los más vendidos. Y aunque el manga más vendido de todos los tiempos es One Piece, esté no ocupa el primer lugar de 2024, sino otro muy diferente pero que tampoco es una sorpresa, ya que lleva varios años siendo el manga más vendido en Japón, y nos estamos refiriendo a Jujutsu Kaisen.

Y ojo con Jujutsu Kaisen que a lo tonto y a lo bobo ha pasado de los 100 millones de copias globales vendidos en todo el mundo desde el tomo 1, a la altura de otros clásicos como El puño de la estrella del Norte, y no muy lejos de Bleach, con menos de la mitad de tomos publicados.

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Frieren, un éxito bien merecido de un shonen atípico
  1. Jujutsu Kaisen – 7.610.995 copias. Además de liderar el 2024 siendo el manga más vendido del año, lo fue también en años pasados convirtiéndose así en el más vendido desde Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba. Por cierto, el manga acabó en el tomo 30. Los autores decidieron no seguir con la serie y no alargarla en demasía.
  2. One Piece – aproximadamente 5.280.000 copias. No para de crecer la fama y las ventas del manga más vendido de todos los tiempos. One Piece es de lejos el cómic japonés que más unidades ha vendido a lo largo de la historia.
  3. Frieren: Beyond Journey’s End – aproximadamente 4.955.000 copias. Un éxitazo sin precedentes de una historia sobre el ser humano y su mortalidad. Frieren no es un shonen de puñetazos o un shonen convencional, es una historia intimista que está enganchando a millones de seguidores en todo el mundo. En ventas globales ya ha pasado de 20 millones con 13 tomos, lo cual ya lo convierte en éxito. La tendencia es seguir con una proyección ascendente.
  4. Los diarios de la boticaria – aproximadamente 4.695.000 copias. Un manga drama basado en las novelas ligeras que tan de moda están en Japón. No todo son historias de fantasía o ciencia ficción, y Los diarios de la boticaria casi ha conseguido entrar en el podio de 2024.
  5. Blue Lock – 3.881.269 copias. Ojo a Blue Lock que ha pasado de los 40 millones en ventas globales. Eso si, lleva más de 31 tomos, pero son excelentes datos y más si se trata sobre el fútbol, el deporte rey en casi todo el mundo aunque en Japón esté por detrás del beisbol. Para mi un entretenida serie que está dando más ventas de las que yo esperaba.
  6. Kaiju No. 8 – aproximadamente 3.415.000 copias. Un shonen de monstruos (Kaiju) con un desarrollo entretenido, pero que parece que no está tirando en ventas tanto como se esperaba desde el principio.
  7. Kingdom – aproximadamente 3.235.000 copias. Otro clásico de 2006 que sigue publicándose en Japón, como más de 100 millones de copias aunque más de 75 tomos publicados. Otro de esos mangas que siempre tienen un número de fieles seguidores que siguen sus aventuras hasta el final.
  8. Haikyu!! – aproximadamente 3.075.000 copias. Un shonen de deportes como puede ser Blue Lock, aunque esta vez se centra en el voleibol. 45 tomos publicados y más de 70 millones de copias globales. Un éxito deportivo aunque todos lejos de Slam Dunk.
  9. My Hero Academia – aproximadamente 2.910.000 copias. Otra serie que ha finalizado en Japón y que ha pasado de los 100 millones globales. Un éxito más del shonen de peleas directamente relacionada con los superhéroes americanos.
  10. SPY x FAMILY – aproximadamente 2.710.000 copias. Y finalizamos con esas comedias que tanto gustan en el anime como en el manga, y que sin ser la 8ª maravilla ha cautivado a millones de fans en todo el mundo.

Un saludo y sed felices

Crítica de Alice (Subservience, 2024): el futuro es el presente

Con dirección de S.K. Dale y protagonizada por Megan Fox, se ha estrenado en Prime Video hace pocos días Alice (Subservience, 2024), un thriller de temática tan actual que hace difícil catalogarlo como ciencia ficción.

Que las inteligencias artificiales están copando el mundo es una afirmación tan obvia por estos días que termina sonando a verdad de perogrullo más que a advertencia como debería.  Tanto en el cine como en la literatura, el tema es tópico de la ciencia ficción desde hace más de un siglo, pero el fenómeno se ha vuelto tan cotidiano que hoy cuesta encasillar en ese género a películas como Alice (Subservience), producción dirigida por S.K. Dale y protagonizada por Megan Fox que está disponible desde hace algunos días en Prime Video.

La historia se ambienta en un futuro distópico no tan lejano en el cual las inteligencias artificiales están plenamente integradas a la vida de las personas, siendo habitual encontrarlas como médicos, servicio doméstico u obreros de la construcción, por ejemplo. Desde luego que ello genera ventajas (sobre todo para los empleadores por el abaratamiento de costos), pero también conflictos laborales al convertirse la desocupación en moneda corriente.

La Historia

Nick (Michele Morrone) es un padre de clase media cuya esposa Maggie (Madeleine Zima) se halla en el hospital a la espera de un trasplante de corazón. No pudiendo con las tareas hogareñas ni la crianza de sus hijos, evalúa adquirir una IA para que le haga de mucama, cocinera y niñera.

Cuando concurre a hacerlo, no obstante, le asaltan dudas y está a punto de echarse atrás, pero su hija Isla (Matilda Firth) aparece repentinamente de la mano de un androide femenino de deslumbrante belleza (Megan Fox) y ya no puede (ni quiere) negarse. La llevan por lo tanto con ellos y la terminan llamando Alice, como al personaje del libro de Lewis Carroll que Isla está leyendo.

Pero con el correr de los días, el empecinamiento del androide en reducirle a Nick sus niveles de estrés llega a límites preocupantes y, poco a poco, Alice va reemplazando a Maggie en las tareas que habitualmente hacía. Cuando Nick y sus hijos van al hospital en compañía de ella para ver a Maggie, esta se inquieta al ver su belleza y recrimina a su esposo que bien podría haber elegido un anciano mayordomo inglés o algo así. Él se escuda en que fue Isla quien la eligió, lo cual sabemos que es una verdad a medias.

Paralelamente, hay conflictos laborales en la empresa constructora en la cual Nick oficia de capataz. Se pone furioso al enterarse que han decidido reemplazar a todo su personal por simuladores, pero por mucho que proteste, la decisión ya está tomada y es irreversible.

Los obreros, desde ya, están todavía menos contentos y Monty (Andrew Whipp), el más cercano a Nick, le echa en cara ser el único humano que quedó en la planta. Apelando a la culpa, le exige la clave para entrar al depósito de la empresa y destruir a todos los simuladores.

La salud de Maggie, en tanto, sigue empeorando y el nuevo corazón no aparece, en virtud de lo cual Alice se acerca cada vez más a Nick para consolarle y la cosa se pone realmente escabrosa a la luz de las cosas que el androide es capaz de hacer para mantener la estabilidad familiar ante una eventual muerte de Maggie.  No quiero contar más, pero las cosas se ponen cada vez peor para Nick, tanto en su casa como en su trabajo…

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Para todo Servicio

El tema de las inteligencias artificiales y los dilemas que se plantean cuando resuelven problemas por cuenta propia es algo largamente tratado en la ciencia ficción y prácticamente ha dado  lugar a todo un subgénero, especialmente a partir de las historias de robots creadas por Isaac Asimov y los ejercicios de lógica que las mismas proponían al aplicar las tres leyes de la robótica, referencia obligada de allí en más al punto de haber sido inclusive utilizadas por otros autores.

Habida cuenta de los avances al respecto en los últimos tiempos, no sería descabellado (aunque sí estremecedor) aventurar que en poco tiempo más ese tipo de historias dejarán de ser ciencia ficción para pasar a ser simplemente thrillers.

Alice (Subservience), de hecho, transita una delgada línea entre ambos y bien podría ser vista como fusión entre Ex Machina y La Mano que mece la Cuna, sin perjuicio de elementos que remiten a A.I. Inteligencia Artificial, Yo Robot, El Hombre Bicentenario, Atracción Fatal, Las Esposas de Stepford, Terminator, Morgan, Blade Runner, Runaway y tantas otras; incluso algo de la serie Black Mirror.

No es, sin embargo, que la película sea un simple pastiche de todo eso. S.K. Dale es un director interesante y lo ha demostrado con Till Death: Hasta que la Muerte nos separe (2021), agudo e inteligente thriller que tenía también como protagonista a Megan Fox.

Y si bien hay indiscutibles puntos de contacto con todos los títulos mencionados, hay también elementos que diferencian. El primero para destacar es el paralelismo entre la vida familiar de Nick y su mundo laboral, pues muchas veces se han tratado las consecuencias de la incorporación de inteligencias artificiales en ambos ámbitos, pero aquí se va un paso más allá y se apunta a las contradicciones que ello podría generar en las personas…

Al igual que Nick, solemos ser ambivalentes ante la tecnología, generándonos tanto atracción como resistencia: nos fascina a la vez que nos aterra y nos facilita la vida al tiempo que nos aliena. A Nick no le agrada que los trabajadores de su empresa pierdan el empleo por inteligencias artificiales, pero él no se diferencia de sus patrones al hacer lo mismo en casa y adquirir un androide para tareas domésticas que bien podría hacer un ser humano.

Un segundo punto interesante es lo que podríamos definir como una especie de relectura de las leyes de la robótica de Asimov, pero ubicándolas en un contexto de culto al individualismo y a la propiedad privada. Alice no puede hacer daño a nadie, pero su programación prioriza proteger a su usuario principal por sobre otros usuarios y aun en contra de ellos, lo cual, llegado el caso, la puede llevar no solo a matar sin conflicto con sus programas, sino también a enfrentarse con otros robots que protegen de igual modo a sus propios usuarios principales: un estadio superior y aterrador de la cultura del “sálvese quien pueda”.

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Tercer punto: la relación entre inteligencia artificial y sexualidad, algo no demasiado explorado en los filmes mencionados, salvo muy tangencialmente en Las Esposas de Stepford o en A.I. Inteligencia Artificial. Si tengo que hallar una referencia, la encuentro más bien en la literatura y especialmente en Satisfacción Garantizada, relato de Isaac Asimov incluido en su antología Con la Tierra nos basta.   Y no tiene nada de aventurado, por cierto, decir que los robots están destinados a ser el sustituto de vibradores, muñecas inflables y demás juguetes sexuales que pronto serán parte de museos.

Y ello nos lleva a un cuarto punto estrechamente ligado. ¿Hasta qué punto se pueden sentir celos de una IA o considerar como infidelidad que nuestra pareja intime con una de ellas? Lo que Maggie, en tal sentido, siente por Alice no es ni más ni menos que la versión hogareña del resentimiento de los obreros hacia sus “simuladores”. Trabajo y sexo forman hoy día parte de un mismo todo en nuestras vidas y, como tales, son igualmente permeables ante la tecnología: que en un caso sea para dar ganancias y en el otro para obtener placer es una diferencia solo de grado.

Un quinto punto de interés es el introducir Alicia en el País de las Maravillas en forma de metatexto, tal como funciona durante prácticamente toda la película. “Todos estamos locos” dice Alice en un giro del Gato de Cheshire, aunque se puede ver en ello algún paralelismo con I.A. Inteligencia Artificial, donde la novela que actuaba como metatexto era Pinocho de Carlo Collodi, otra historia escrita en el siglo XIX que, como la de Lewis Carroll y fuera de la intención original, terminó tomando estatus de cuento infantil.

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La trama está bien contada y mantiene el interés todo el tiempo. Lo malo es que durante la última media hora (sin duda lo peor de la película) se convierte en un thriller convencional resuelto con lugares comunes harto repetidos como la clásica escena nocturna de rostros iluminados por luces de patrulleros cuando ya todo ha terminado o la víctima que, en el piso y a punto de ser asesinada, es salvada a último momento por la oportuna intervención de un tercero (generalmente amigo, pareja o cónyuge) que ataca al asesino desde atrás.

También hay algún detalle poco verosímil como que el capataz de una importante empresa de construcción ponga como código de apertura algo tan obvio como el año de nacimiento de su hija, o bien poco entendible, como que los cirujanos, siendo robots, no tengan boca: en los seres humanos se entiende la necesidad del barbijo por gérmenes y demás. ¿Y en un androide?…

Hay una correcta actuación de Michele Morrone y una aún mejor de Madeleine Zima dando vida a una esposa que no puede lidiar contra la impotencia de estar postrada en un hospital mientras su esposo, posiblemente, lo está pasando bien con una IA ante la cual ella sabe que no puede competir.

Párrafo aparte merece el crecimiento actoral que, en sombras y con títulos sin tanto cartel, viene teniendo Megan Fox de un tiempo a esta parte. Catalogada muchas veces como actriz sexy pero poco expresiva, es posible que muchos, por no haber visto sus recientes y decentes trabajos en filmes como Rogue (2020) o la antes mencionada Till Death (2021), no se hayan detenido en su evolución.

Sería un chiste fácil decir que interpretar a un robot es lo que siempre debió hacer pero, de manera contraria a lo que habitualmente suele pensarse, es muy difícil interpretar a una IA de manera creíble, pues no se trata de no mover un solo músculo de la cara, sino de moverlos de un modo que parezca humano pero no del todo: que se vea lo suficientemente artificial. Así que los dejo avisados: no vayan a sorprenderse si de aquí a unos años vemos a Megan levantando algún premio como en estos días Demi Moore.

Por lo demás, la fotografía (Charles Lindholm) es más que correcta para una película de presupuesto limitado (está rodada en Bulgaria para abaratar costes impositivos), del mismo modo que son decentes los efectos visuales. Y la banda sonora (Jed Palmer), aunque no memorable y sí bastante estándar para el género (con las infaltables secuencias programadas o notas de sintetizador estiradas), cumple su función para el clima que el filme propone.

Balance Final

Alice (Subservience) entretiene y se deja ver, pero termina siendo menos de lo que podría haber sido. El giro a thriller convencional de la última media hora hace que no vaya a ser recordada como obra maestra ni como filme de culto, cuando en realidad podía…

Aun así y a pesar de sus puntos de contacto con otras películas mencionadas a lo largo del artículo, aporta algunos enfoques interesantes desde lo sociológico y desde lo psicológico, además de mostrar a una convincente Megan Fox en un personaje al que no podemos calificar de “villana”, pues su peligrosidad reside en los propios programas que le han instalado y las contradicciones que los mismos conllevan.

Es que el filme mueve a la reflexión acerca de los actuales desarrollos tecnológicos y del lugar que les damos en nuestras vidas: las IA ya están entre nosotros y el presente, al igual que el futuro, es un gran interrogante.

Hasta la próxima y sean felices…

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Novedades de Nuevo Nueve Editores de febrero de 2025. Este mes … Ricardo Esteban nos presenta uno de los pelotazos del año.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de febrero. Una vez más … Ricardo Esteban nos trae un título del que oiremos hablar durante todo el año.

Novedades de Nuevo Nueve de febrero de 2025

Todo aficionado que conozca de cerca (y de lejos) a Ricardo Esteban, sabe que cualquier título que publique Nuevo Nueve, merece (como mínimo) que nos detengamos en ellos para echarles un ojo.

El año pasado nos trajo (entre otros numerosos títulos) Piezas, de Víctor L. Pinel y Lejos de Alicia Jaraba. Dos títulos que han dado mucho de qué hablar, debido a su grandísima calidad.

Nuevo  Nuevo

Debo recordaros nuestra lista de Los mejores cómics de 2024 (pinchad aquí).

Creo que este mes, Nuevo Nueve Editores nos presenta un cómic realizado por un autor español: Andrés Garrido. Y creo que este título va a dar muchísimo que hablar durante este 2025. Esta obra es …

Carcoma

Nuevo

«Son piratas descartados y condenados que han jurado no volver a poner un pie en tierra y navegar incansablemente hacia lo desconocido mientras esperan una muerte inevitable. Pero el destino decidirá lo contrario y les sumirá en el miedo.
Todos han dejado atrás un pasado torturado que tratan de olvidar. A bordo nadie conoce los secretos de los demás ni saben por qué eligieron unirse al barco Carcoma.
Solo los une el juramento y la obediencia ciega a su capitán, un hombre amargado, alcohólico, intransigente y violento, que gobierna esta tropa con puño de hierro.
Estos piratas desilusionados hacen un descubrimiento sorprendente cuando su barco encalla accidentalmente en una isla desierta: una misteriosa y rara criatura marina».

Este nuevo título de Andrés Garrido, se encuentra disponible para reserva en la web de Nuevo Nueve, pinchando aquí. Lo tendremos disponible en librerías el próximo 17 de febrero.

De todas formas, justo aquí debajo, os dejamos el pdf completo con todas las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este próximo mes.

Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Feliz 2025!

Análisis de Separación. Temporada 2. Capítulo 2.

Bienvenidos de nuevo a las oficinas de Lumon, la empresa con los mejores trabajadores del mundo. Aquellos que no es que vivan para trabajar, sino que, directamente, no tienen vida más allá del trabajo. Bienvenidos a Separación.

Casi tres años después del impactante final de su primera temporada, por fin Apple TV estrena la segunda tanda de capítulos de Separación, distopía en la que una gran empresa inserta un chip en el cerebro de sus trabajadores que les genera una disociación: cuando están fuera de su trabajo (fueri), no recuerdan nada de su vida dentro de la empresa, mientras que dentro de ella (dentro) no recuerdan nada de lo que les espera fuera de Lumon.

Reseña de la primera temporada de Separación

Reseña del 2×01 de Separación 

A PARTIR DE AQUÍ, SPOILERS DEL SEGUNDO CAPÍTULO DE LA SEGUNDA TEMPORADA DE LA SEPARACIÓN.

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Este segundo episodio abarca, prácticamente, el mismo arco temporal que el primer capítulo, solo que centrado en las consecuencias de la revolución dentri para los fueri de los personajes protagonistas de la serie. Nos ayuda a aclarar lo ocurrido pero también a añadir nuevos misterios sobre lo que esconde Lumon.

Empezamos por Helly. Al final de la primera temporada, descubríamos que ella es miembro de la familia Eagan, líder de Lumon. Lo que no sabíamos es que su participación en el proyecto de los Separados es mayor de lo que pensábamos.

Tras recibir un insulto tan breve como expeditivo de su propio padre, Helly procede a retractarse de lo ocurrido y a gestionar la crisis que afronta la empresa.

En primer lugar, apartan a Cobel del liderazgo de la planta separada disfrazándolo de un ascenso a un nuevo gabinete. Cobel detecta la táctica y afirma que se lo pensara, pero no hay nada más peligroso que la destrucción de su propia fe en el sistema, por lo que creo que se convertirá en una baza contra Lumon, aunque su papel no esté claro en esta segunda temporada.

En segundo lugar, nombra a Milchick como nuevo jefe de la planta separada y le encarga despedir a Irving y Dylan.

En un capítulo marcado por la dualidad de sus actores, con distintos papeles en función de encontrarse dentro o fuera de la empresa, Milchick es el único no separado que debe interpretar dos papeles distintos. Para los dentri, es el que controla las condiciones laborales de sus trabajadores. Para los fueri, es un servicio de atención al cliente que busca agradar por encima de cualquier cosa.

Queda claro que el único que interesa a Lumon es Mark. Los demás parecen contratados únicamente para mantener la dinámica de trabajo que permita que Mark avance en el misterioso proyecto Cold Harbor.

Tras comprobar que el único equipo de Macrodatos ha sido todo un fracaso, Helly ordena a Milchick la reincorporación de la plantilla original…incluyendo ella misma.

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En cuanto a Dylan, su trama fueri parece la menos impactante en la narrativa de la segunda temporada. Parece que busca a toda costa un seguro sanitario para su mujer y agradece su reincorporación a Lumon porque, al ser un trabajador separado, ninguna empresa le quiere contratar.

Algo parecido ocurre con Irving aunque un pequeño detalle abre infinitas posibilidades: el ser vigilado por Burt, el trabajador jubilado de Lumon del cual el dentro de Irving se había enamorado. ¿Acaso Burt es capaz de recordar su amor dentro de Lumon? ¿O le está investigando por orden de la empresa? Lo segundo tendría menos sentido, dado que queda claro que Irving es solo un empleado accesorio para el plan que Lumon tiene con Mark.

Y llegamos a Mark. Su hermana muestra preocupación por él, pero también interés. ¿Y si la frase “Está viva” se refiere a Gemma? ¿Cómo puede ser, si Mark reconoció el cadáver?

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Milchick intenta convencer a Mark para incorporarse por todos los medios posibles. Le sube el sueldo un 20%, le asegura mejores condiciones dentro de la empresa y apela a la superación del duelo con su mujer, en el que un día es vivido como un año para Mark.

Finalmente, se incorpora al trabajo con la duda de si ha visto algo dentro de la empresa que le haga pensar que Gemma está viva. El encuentro con Cobel, en el que su lenguaje corporal da a entender que sabe algo, no ayuda a un desconcertado Mark, clave en el proyecto Cold Harbor.

¿Mi teoría? Lumon ha conseguido crear vida en forma de dentris. ¿Acaso hay algo más barato que un trabajador cuya vida radica únicamente en trabajar, sin tener que sustentar una vida más allá de la empresa?

Lo que desconozco es qué papel cumple Mark en el mantenimiento con vida de la dentri de Gemma.

El segundo capítulo de Separación confirma que la serie prosigue con maestría, mostrando la dualidad interpretativa de los actores protagonistas y profundizando y ampliando en su fascinante mitología.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

El papel clave del maquillaje, la caracterización y los efectos especiales en la creación de personajes y mundos fantásticos

El papel clave del maquillaje en el cine, o series es algo que se realiza manualmente, algo que se ha perfeccionado a lo largo de las décadas hasta llegar a la actualizad. Estudiar cine en TAI es un ejemplo claro de como las nuevas generaciones se pueden meter en el maravilloso mundo del cine, y empezando desde cero para intentar cumplir sus sueños. Estudiar maquillaje, caracterización y efectos especiales, tal y como dije en el título del artículo es otra forma de participar en el maravilloso mundo del 9º Arte, pero para llegar a ser un especialista se necesita de mucho estudio y aprendizaje.

Y es que actualmente es imprescindible tener una buena factura en una película. Evidentemente hay que tener un buen guion, buena dirección, buenos actores… y un sin fin de medios que distinguen el cine (o las series) de otros medios como por ejemplo el teatro. Y justo en esto me quiero parar, porque el cine tiene más registros que el teatro, y no por ello digo que sea mejor, solo digo que tiene más realizadores. En el teatro, y sigo con este tema, el guion se antoja prácticamente fundamental, mientras que en la gran pantalla, aunque es importante se puede suplir con una buena realización o un buen montaje, o una buena fotografía. Todo suma en el cine, aunque evidentemente hay patas más importantes que otras.

El papel clave del maquillaje

Y creo que hay conceptos del 9º Arte como el maquillaje, que al fin y al cabo es una caracterización de los personajes, para que en muchos momentos sea clave para dar el salto de calidad en un película (o serie, vuelvo a insistir con lo de serie, porque es una expresión similar al cine). Y es que todo el bagaje actoral de un metraje se cae si tiene una mala caracterización, porque no resultaría creíble. Y es más, incluso puede resultar cutre. Por tanto esto es un ejemplo más de que si tengo un guion fenomenal, pero luego los personajes, o el maquillaje, o la caracterización de los mismos es floja, por no decir mala, finalmente el producto final se nos queda en algo insatisfactorio, algo deficiente.

Y sobre los efectos especiales, tenemos más de lo mismo. Y aquí voy a hacer referencia a Star Wars, la llamada Guerra de las galaxias de 1977, la primera de todas. ¿Alguien cree que esta saga cinematográfica hubiera tenido el éxito que tuvo si los efectos especiales hubieran sido cutres? Pues evidentemente no. Y en esta película se meten en la misma coctelera los efectos especiales, el maquillaje y la caracterización de los personajes.

El papel clave del maquillaje

Las diferentes razas alienígenas, los trajes de combate o la presentación de Darth Vader, sin contar con las diferentes naves, hacen de este tipo de películas un mundo nuevo, y nunca mejor dicho. Por tanto hablamos de que para tener una buena película es necesario que todo conecte correctamente. Por eso pienso que hay aspectos de una producción que lo mismo el espectador medio no los valora lo suficiente, y en este caso me rindo a las personas que están detrás del maquillaje o los efectos especiales. Cosas que damos por sentado que están y que son de calidad, pero que si no están o son cutres pueden tirar por tierra la película entera.

Un saludo y sed felices.

Doctora Aphra #7 Dark Droids | Un final muy satisfactorio y por todo lo alto de segunda etapa

No voy a esconder que me encanta Aphra, que amo sus cómics y que es un personaje que se merece tener presencia (bien escrita) en algún ‘live action’ de Disney sobre Star wars. Este séptimo tomo huele a despedida, al menos por ahora, ‘su continuará’ en la última página nos deja un mal sabor de boca por excelente que ha sido este tramo.

Quiero recordar que el arco argumental de ‘la chispa eterna’ se me antojó un poco cansino y acabé bastante decepcionado con esa trama, pero este final me ha reconciliado con este personaje.

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EN CF: TODOS LOS CÓMICS QUE PUEDES ENCONTRAR RESEÑADOS EN NUESTRA WEB


El cómic arranca con Aphra y Luke Skywalker en un viaje para entrar en un templo jedi olvidado en un planeta de muy difícil acceso. La arqueóloga necesita a nuestro joven amigo para conseguir lo que nada buscan, pero lo que no sabe son sus problemas con la fuerza y eso nos va a dar momentos interesantes.

No es una trama que funciona muy bien por la química entre ambos personajes, este ‘toma y daca’, esa historia al más puro estilo ‘buddy movie’ como las de antaño: ‘Tango y Cash’, ‘Arma letal’, etc. Esa dupla protagónica obligada a trabajar juntos sin que haya afinidad.

Pero no solo ahí se apoya esta primera trama, también tenemos la presencia de otros personajes conocidos por los lectores y amantes de Star wars, de lo que sería el universo Legends que la dan mayor empaque a la trama y la hacen ganar algo de magnitud.

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Este preludio funciona genial y nos hace pasar un buen rato antes de meternos en la trama, algo más oscura, del evento ‘Dark droids‘. Creo que de todas series que se ven implicadas por este evento, es en la ‘doctora Aphra’ es donde funciona mejor. La sensación de peligro que se genera en este guion supera a las anteriores y las situaciones que se nos plantean son mucho más potentes que las vistas hasta el momento.

Este tomo es muy notable, y no solo por haber implementado con acierto, el evento de ‘dark droids’, sino por como eso afecta a los personajes que aparecen. Aphra va a estar al límite en muchas situaciones y eso se va a llevar a de una manera muy orgánica, sus interacciones con personajes de su pasado van a ser emotivas en algunos momentos. Chelli es una mujer que camina siempre en la cuerda floja y aquí por fin la vamos a ver cambiar, evolucionar y demostrar que dentro, muy dentro hay sentimientos y un corazón que late y eso nos conquista en la recta final de este tomo.

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Creo que aquí se alcanza el clímax de este ‘crossover’ y eso ha sido una lectura que me ha atrapado desde el comienzo y que te hace palpar y sentir el peligro que representa esta menta colmena.

Conclusión

‘Doctor Aphra’ 7 ha sido un final de etapa que nos va a dejar con ganas de más y con un final abierto que nos hará odiar y amar a Alyssa Wong por cómo ha dejado la historia. Ojalá ese ‘continuará’ no se nos haga muy largo y que pronto tengamos noticias de nuestra arqueóloga favorita.

Este séptimo tomo ha sido una grata lectura que me ha enganchado (más si cabe) a las aventuras de Aphra y compañía y que me ha demostrado que se pueden hacer grandes historias más allá de los personajes archiconocidos de Star wars.

Decir que tengo ganas de saber y entrar más en el universo de esta arqueóloga es quedarse corto. Aphra, a día de hoy, es el mejor personaje de la etapa Disney para la saga creada por George Lucas.

Aquí os dejo la portada del séptimo tomo de ‘Doctora Aphra’ y la web de Planeta Cómics donde encontrarlo:

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Un saludo y que la Fuerza os acompañe… Siempre.

Crítica de Cónclave (2024), enorme thriller político y eclesiástico, con todo lo que eso conlleva.

Entre las alabanzas críticas que ha recibido The Brutalist y el impactante desmadre de La sustancia, sorprende la inclusión de Cónclave, una película de 20 millones de dólares de presupuesto, en las nominaciones a los premios Oscar. Eso sí, una vez vista, queda claro que el criterio de la Academia es más que acertado. Aunque no hayan incluido a Jurado nº2. Pero esa es otra historia, porque en esta crítica nos centraremos en los entresijos del poder papal…sin spoilers, por supuesto.

Cónclave narra la elección de un nuevo Papa tras el fallecimiento del actual a través del protagonismo del cardenal designado para organizar el cónclave que finalizará con la conocida fumata blanca.

Dirige Edward Berger, cuya carrera se ha situado fundamentalmente en televisión (The terror, Patrick Melrose, Your honor) hasta que lo reventó en Netflix con la adaptación de la novela Sin novedad en el frente, que ganó 4 premios Óscar. Entre ellos el de mejor película de habla no inglesa.

Ahora dirige la adaptación de una novela de Robert Harris, novelista británico especialista en best sellers de los de calidad. Encima, el encargado de adaptarla ha sido el guionista de otra genial adaptación como El topo, una de las mejores películas de espías de todos los tiempos.

Partiendo de un director solvente y un guionista con antecedentes extraordinarios, ¿Qué nos ofrece Cónclave?

Básicamente, la película es puro thriller político, con una serie de candidatos a cada cuál más dispar pugnando por el liderato de una de las organizaciones más longevas de la historia. Un auténtico House of Cards donde desfilan distintos tipos ambición intentando torpedearse los unos a los otros.

Las 20 mejores películas de política de todos los tiempos

Pero claro, no hablamos de una organización sin más, sino de la Iglesia católica, con sus más de dos mil años de tradición, historia y dogma.

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Por lo tanto, una trama repleta de giros e intereses ocultos se ve enriquecida por estos tres aspectos de la Iglesia que confrontan continuamente a esta difícil elección papal.

En primer lugar, la tradición. Ya desde el inicio de la película, la muerte del Papa, contemplamos como se enfrentan abiertamente algo tan natural e inevitable como la muerte con el rito de la tradición. Solo así se entiende la falta de respeto que supone algo tan nimio como entrar en los aposentos de un Papa muerto sin haberse elegido un nuevo Sumo pontífice. O el tener que aislarse del mundo para elegir a uno de los líderes espirituales más importantes de este.

En segundo lugar, la historia. Porque también existen corrientes dentro de la Iglesia. Aquellos que abogan por una mayor integración de las mujeres o la inclusión de todo tipo de condición sexual frente a los que quieren regresar a los tiempos del latín como idioma oficial y a una mayor beligerancia contra otras religiones como el islam.

En tercer y último lugar, el dogma. Porque, ¿Acaso hay algo más irónico que los juegos de poder en una religión que proclama el amor al prójimo por encima de todo? ¿Se puede justificar gastarse todo tipo de putadas en nombre del Amor con mayúsculas, de aquel que implica sacrificarse por toda la humanidad? ¿Se debe hacer para que una religión que alberga a millones de personas de toda clase y condición tengan el mejor líder?

Todas estas preguntas radican en un guión perfecto que es carne de Oscar. Pero, como buena película realizada con talante clásico, bien es sabido que no basta con un buen director y un guión extraordinario.

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Hacen falta actores, y el casting de Cónclave es uno de los mejores de los últimos años.

Hacía años que Ralph Fiennes no estaba mejor. Sorprende lo mucho que fagocita la saga Harry Potter, pero es una pena que este extraordinario actor sea recordado por su Voldemort y no por sus papeles en La lista de Schindler, El paciente inglés, Spider, El jardinero fiel o El menú.

Pero es que este ejemplo de contención actoral no puede estar mejor acompañado por actores sin tanto nombre pero que engrandecen la pantalla con su presencia. Hablamos, claro, de Stanley Tucci (La solución final), John Lithgow (el mejor villano de Dexter, la buena) o Isabella Rossellini (Terciopelo azul).

En definitiva, Cónclave es el ejemplo perfecto de un cine clásico cada vez más desaparecido. Una mezcla perfecta entre una dirección cargada de imágenes potentes, un guión de hierro y unas interpretaciones sobresalientes.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

‘Flow’ (2024) | Una fabulosa lección de amistad y cooperación sin palabras

Con un Globo de Oro bajo el brazo se ha presentado ‘Flow’ en las salas de cine españolas, esta película de animación independiente con un presupuesto de 4 millones de dólares se ha metido en los corazones de muchos espectadores. Esta propuesta del joven cineasta letón Gints Zilbalodises destaca por su capacidad para transmitir el poderoso mensaje universal sobre la amistad y la cooperación sin utilizar diálogos y usando animales para ello.

Como padre de dos ‘michis’ (término en argot felino para hablar de gatos), no podía dejar escapar la oportunidad de ver esta cinta de animación que compite por una estatuilla en la gala 97 de los Óscars. Los adelantos ya me conquistaron desde el primer momento y he de reconocer que lo que ha enamorado.

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Desde la primera escena, ‘Flow’ capta la atención del espectador con su impresionante estilo visual único con toques del archiconocido ‘cell shading‘.  La trama es muy sencilla, ya que la película sigue a un gato negro que debe abandonar la comodidad de su hogar debido a una terrible y repentina inundación.  A este periplo pronto se unirán otros animales como un capibara, un lémur, una garza (o secretario) y un perro. A pesar de sus diferencias, deberán aprender a trabajar juntos para superar múltiples desafíos en este mundo sin humanos.

El guion, como podemos ver, no es nada novedoso y rizando mucho el rizo puede recordarnos al pasaje bíblico del Arca de Noé, pero a pequeña escala, aunque en muchas ocasiones lo importante de las historias es como se cuenten. La ausencia de diálogos permite que la historia se desarrolle de manera visual, lo que añade una capa adicional de profundidad y creatividad a la historia, ya que cada animal tiene un comportamiento y carácter muy diferente.

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Es cierto que ‘Flow’ juega la baza de la ausencia de diálogos para evitar humanizar a los animales y que este viaje tenga cierto toque de realismo.  Aunque también se salta esas normas para que nuestros animalitos protagonistas realicen ciertas acciones dignas de un humano: cómo usar el timón de una embarcación o como tirar de una cuerda para mover dicha barca.

‘Flow’ logra transmitir emociones y mensajes complejos a través de las expresiones faciales y el lenguaje corporal de los personajes. Cada animal tiene su propia personalidad y características distintivas, como alguien que se ha criado con gatos, he de reconocer que está muy bien implementadas las reacciones y movimientos de nuestro protagonista felino.

Esas diferentes personalidades van a llevar a interacciones sean entretenidas, emotivas y divertidas. Desde el primer momento la película consigue que conectemos con los personajes, sintiendo sus alegrías, miedos y triunfos.

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El mensaje central y evidente de ‘Flow’ es sobre la amistad y la cooperación y como un animal de carácter independiente (como son los gatos) se une a otros para formar una pequeña familia para enfrentar obstáculos y peligros. Y como trabajando juntos pueden superar cualquier adversidad.

Todo esto me hace ver a ‘Flow’ como esas fábulas o cuentos que todos hemos leído (o nos ha leído) en las que los animales son los protagonistas y a través de ellos sacamos un mensaje positivo que se `puede trasponer a nuestra vida.

El apartado visual es sobrecogedor, con escenas y localizaciones de fantasía, como el viaje por el interior de la ciudad de piedra. Parajes bucólicos que nos van a dejar con la boca abierta. Pese a que (teniendo en cuenta que los animales que vemos) parece que esta historia está ambientada en La Tierra, tiene cierto punto de mundo ficticio en su arquitectura que hace de esta fábula algo imaginaria.

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La música, para mí es el apartado más flojo de ‘Flow’, ya que hay momentos de tensión o peligro que la composición no está a la altura y les quita mucha fuerza a esas situaciones.

Esta cinta trata estos temas tan universales de manera accesible para todas las edades y eso permitirá que tanto adultos como niños disfruten esta propuesta de maneras diferentes. Interpretando cada uno la historia a su manera, encontrando sus propias lecciones y reflexiones en el viaje de los personajes.

Conclusión

‘Flow’ es una película de animación que se merece su nominación al Óscar (que no creo que gane, siendo sincero) por el gran trabajo visual teniendo en cuenta lo escaso de su presupuesto.

Con su mensaje sobre la amistad y la cooperación, y ese arriesgado enfoque sin diálogos, la película ofrece una experiencia cinematográfica emotiva y cautivadora. Es una obra que celebra la belleza de la colaboración y la amistad, recordándonos que, a veces, las acciones hablan más fuerte que las palabras y que juntos somos más fuertes.

PD: No salgáis del cine cuando empiecen los créditos que hay escena postcréditos.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Flow’ para ir abriendo boca:

Un saludo y sed felices.

Novedades de Astiberri Ediciones de febrero de 2025.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de febrero. Vamos a echarles un ojo …

Novedades Astiberri Ediciones febrero de 2025

Astiberri

Nota de prensa de Astiberri:

«Llega febrero, ¡mes del amor! Y como lo nuestro con los cómics es un flechazo de más de dos décadas, aquí volvemos con otro buen puñado de novedades: dos segundas partes (que sí son buenas), la quinta edición en castellano del Premio Nacional del Cómic 2024 y nuevas historias listas para enamorarte».

No obstante, como ya sabéis, a nosotros nos gusta seleccionar algún título de entre todas las novedades que van a salir y en este caso, hemos elegido …

Las Efímeras. Tomo 2.

Astiberri

«Franny Fox y Bicho se han escapado. La policía les está buscando, pero no son los únicos que les quieren dar caza antes de que las efímeras desaparezcan de Belle River.
Mientras tanto, una madre busca en el pasado una respuesta al feroz crimen cometido contra su hijo. La plaga de insectos parece ser la culpable de los males que han acechado a los vecinos del pequeño pueblo durante décadas, y es el momento de ponerle fin a tan amargo castigo.
Una historia de acoso, maltrato infantil y xenofobia que con este segundo volumen da cierre a esta ​​extraña historia llena de elementos sobrenaturales que comienza con un crimen brutal y violento y que culmina con una inesperada amistad entre una niña solitaria y un fugitivo».

La nueva entrega de Las Efímeras de Jeff Lemire, estará disponible el 16 de febrero. Pinchad aquí para obtener más información.

Además … Debemos recordar que tenemos reseña de nuestro compi Juanjo Avilés, del primer volumen de Las Efímeras pinchando aquí.

Más abajo, os dejamos el pdf completo con todas las publicaciones de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de febrero.

Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: Deseando Amar (In the mood for love, 2000) La belleza del deseo

A principios del siglo XXI, se estrenaron películas excepcionales que, a tan solo 25 años de su lanzamiento, ya han dejado una huella imborrable en la historia del cine. Deseando amar es una de esas obras.  Dirigida por el legendario Wong Kar-Wai, narra la historia de dos personas en el Hong Kong de los años sesenta que se encuentran a causa de la infidelidad de sus respectivas parejas. La cinta no solo es considerada una de las mejores películas de amor de la historia, sino también de las más exquisitamente realizadas.

Nota: Este retro-análisis de Deseando amar contiene spoilers y detalles de la trama, por lo que, si lo desea, puede ir directamente  al subtitulo “Historia de amor sin amor” para no enterarse de partes fundamentales de la misma.

La trama se sitúa en el Hong Kong de los años sesenta, donde una casera busca inquilinos para los cuartos de su apartamento. La primera en llegar es la señora Chan (Maggie Cheung), quien quiere alquilar una habitación para ella y su esposo. Tras cerrar el trato con la casera, se marcha. Poco después, llega el señor Chow (Tony Leung Chiu-wai) buscando también una habitación para él y su mujer, pero al no haber más cuartos disponibles, decide alquilar una habitación en el apartamento contiguo.

Conforme pasan los días, conocemos más sobre la vida de ambos protagonistas. Cada uno lleva una rutina bastante tranquila con sus respectivos trabajos, aunque su vida matrimonial está marcada por la distancia: el señor Chan viaja constantemente por motivos laborales, mientras que la señora Chow trabaja hasta altas horas de la noche.

Esta situación lleva a la señora Chan a frecuentar un puesto de comida, donde ocasionalmente coincide con el señor Chow. En un principio, solo intercambian miradas fugaces, hasta que una noche de intensas lluvias ambos quedan atrapados en el puesto de comida. Es entonces cuando intercambian sus primeras palabras y empiezan a conocerse un poco más.

A medida que pasan más tiempo juntos, entablan una relación basada principalmente en conversaciones. Durante una cena, descubren un detalle revelador: los accesorios de sus parejas son exactamente iguales a los suyos. Este hallazgo les lleva a aceptar una dolorosa verdad: tanto el señor Chan como la señora Chow les están siendo infieles.

En sus charlas, intentan comprender cómo pudo producirse la infidelidad y de qué manera sus parejas llegaron a conocerse. Para ello, realizan pequeños juegos de rol, asumiendo el papel de sus respectivos cónyuges. Sin embargo, nunca logran llegar a una conclusión satisfactoria, ya que siempre aparece algún detalle que contradice sus hipótesis.

Con el tiempo, la esposa del señor Chow le envía una carta desde Japón, donde también se encuentra el esposo de la señora Chan. Esto deja al señor Chow devastado al sentirse prácticamente abandonado por su mujer. A raíz de esta situación, los protagonistas siguen pasando más tiempo juntos, compartiendo detalles sobre sus vidas, aspiraciones y las cosas que les generan una profunda tristeza.

A pesar del inevitable sentimiento de amor que surge entre ellos, ninguno de los dos toma la iniciativa. Ambos se sienten culpables de caer en los mismos errores que sus parejas y, por ello, optan por mantener un perfil discreto frente a los demás.

Dado esto, comienzan a pasar más tiempo fuera de casa, en lugares apartados donde siguen compartiendo momentos. Sin embargo, un día la casera del apartamento comenta a la señora Chan que pasa mucho tiempo fuera. Aunque asegura que no la juzga, este comentario deja pensativa a esta última y decide reducir sus encuentros con el señor Chow.

A pesar de ello, siguen viéndose. En una ocasión, el señor Chow confiesa que le entristece el próximo regreso del esposo de la señora Chan. Le pide practicar una despedida, ya que, después de eso, no podrán volver a verse. La escena culmina con los sollozos de ella, incapaz de contener su tristeza.

Más adelante, los protagonistas tienen una última conversación en la que el señor Chow le revela su plan de mudarse a Singapur. Expresa que siente que no le queda nada en Hong Kong y que la señora Chan nunca dejará a su esposo por él. Aun así, le propone que lo acompañe si consigue un billete adicional. Días después, la señora Chan llora en soledad, dejando claro que no ha podido seguir al señor Chow.

Pasados unos años, el señor Chow, ya en Singapur, se prepara para abandonar su apartamento. La señora Chan lo visita en su ausencia y, al observar las pertenencias de Chow, revive cada recuerdo compartido. Antes de marcharse, deja un cigarrillo encendido como única pista de que estuvo en el lugar.

Con el paso de los años, la señora Chan regresa al antiguo apartamento y descubre que la casera planea mudarse a Estados Unidos. Aprovechando la ocasión, le pide que le alquile el apartamento, y la mujer acepta encantada.

Tiempo después, el señor Chow vuelve a Hong Kong con la intención de buscar a su antiguo casero, pero descubre que también se ha marchado. Durante su breve estancia, pregunta si la casera anterior sigue viviendo en el apartamento contiguo. El nuevo inquilino le informa que ya no está y que en su lugar vive una mujer con su hijo.

Intrigado, el señor Chow se pregunta si esa mujer podría ser la señora Chan. Sin embargo, decide no comprobarlo y simplemente se marcha. Más tarde, se revela que, efectivamente, la señora Chan vive en ese apartamento junto a su hijo.

Años más tarde, en Vietnam, el señor Chow visita las ruinas de unos templos budistas. Pasea por el lugar hasta detenerse frente a un pilar con un pequeño hueco. Allí, se inclina y susurra algo inaudible para el espectador. Con un gesto solemne, sella el hueco con tierra, como si estuviera enterrando un secreto o un recuerdo que nunca será revelado.

La película termina dejando en el aire un aura de melancolía y nostalgia, un reflejo de los sentimientos no expresados y las decisiones que moldearon sus vidas.

Historia de amor sin amor 

A primera vista, la historia de Deseando amar parece extremadamente sencilla; incluso podría dar la impresión de que no ocurre nada debido a las escasas interacciones entre los personajes y a la ausencia de muestras de afecto explícitas entre ellos. Precisamente, es esta sutileza lo que hace que la película sea mucho más interesante.

La cinta nos presenta una historia trágica que muestra la otra cara de una infidelidad. Ambos protagonistas se sienten pequeños ante la situación, deseando en lo más profundo de su ser comprender por qué sus parejas les fueron infieles. Sin embargo, por mucho que lo intenten de mil formas, nunca logran entenderlo del todo.

Creo que esto mismo refleja la naturaleza del amor que sienten los protagonistas. En esta historia, no hay un momento clave en el que ambos se den cuenta que están hechos el uno para el otro. Es un proceso gradual: cuanto más tiempo pasan juntos, más se conocen, más se entienden y más valoran la compañía del otro. En algún punto de la película, aunque no lo veamos de forma explícita, ambos comprenden que también se aman.

Sin embargo, aunque se amen, deciden no dar el paso de estar juntos. Para ellos, hacerlo sería caer en el mismo error que sus parejas y convertirse en las mismas malas personas que los han herido. Además, los numerosos impedimentos que enfrentan les llevan a renunciar a su relación, lo que, paradójicamente, aviva aún más el deseo que sienten el uno por el otro.

Esto queda reflejado en sus miradas, en sus risas y, sobre todo, en su tristeza. Aunque no haya besos ni caricias entre ellos, comparten sus aspiraciones, sus dudas y aquello que les atormenta. Muchas veces, este tipo de conexión puede ser incluso más íntima que un beso.

In the Mood for Love – Golden Age Cinema and Bar

 Una historia prohibida

La película destaca por varios detalles en su dirección, especialmente en el uso de las tomas. Muchas de estas ocurren en espacios extremadamente reducidos, vistas desde ángulos que dan la impresión de que la cámara está escondida. Este recurso refuerza la intimidad entre los protagonistas y la profundidad de su amor. Al mismo tiempo, refleja la tragedia de su relación: por más que sientan ese amor, es algo que no puede ser compartido ni visto por nadie más, quedando confinado únicamente a ellos.

Estos elementos no se aplican únicamente a los protagonistas, sino también a sus parejas. A lo largo de la película, nunca vemos el rostro de los cónyuges, solo escuchamos sus voces. Esto sirve para transmitir cómo los protagonistas perciben sus relaciones: distantes, incompletas y carentes de conexión.

Deseando amar muestra a sus protagonistas como personas llenas de tristeza, sintiéndose frágiles ante la situación que enfrentan. El hecho de que las parejas no aparezcan en pantalla subraya esta desconexión emocional: aunque están físicamente presentes, los protagonistas sienten que no pueden compartir con ellos lo que realmente desearían, y que, en el fondo, el amor en esas relaciones ya no existe.

In the Mood for Love (2000) | MUBI

Pura estética

Wong Kar-Wai ya era un cineasta reconocido gracias a éxitos como Fallen Angels y Chungking Express, que destacaron por la estética peculiar del director, convertida en su sello distintivo. En Deseando amar, esta característica se potencia aún más, alcanzando nuevas cotas de maestría.

La película hace un uso del color extraordinario. Cuando los personajes están solos en sus respectivos trabajos, se encuentran rodeados de colores apagados, como el verde o el azul. Esto refleja la tristeza que ocultan en su interior, una tristeza originada por la infidelidad de sus parejas. Este esquema de colores contrasta con los momentos que comparten ambos protagonistas.

Cuando los personajes están juntos, los colores cambian por completo. En sus encuentros privados, predominan los tonos rojizos que evocan, como sugiere el título, el deseo y la pasión que sienten el uno por el otro. A través del color, entendemos su anhelo y cómo, aunque no lo expresen abiertamente, están profundamente enamorados.

Además, en escenas como las del taxi o cuando están en exteriores, el color rojo no es tan evidente, pero aparece el amarillo. La luz amarilla los envuelve y permanece con ellos en cada toma, transmitiendo que, aunque su amor no pueda ser compartido públicamente, ambos sienten una calidez y felicidad profunda al estar juntos.

In the Mood for Love – Golden Age Cinema and Bar

Quizás, quizás, quizás…

En Deseando amar, dos canciones predominan a lo largo de toda la película: «Yumeji’s Theme» y «Quizás, quizás, quizás».

La primera, un vals, transmite una carga emocional significativa en cada escena donde aparece. Este tipo de música, asociado al romanticismo, se baila en cercanía, un detalle clave para las escenas en las que suena. Estas escenas muestran a los protagonistas juntos, en situaciones donde la proximidad física refleja su conexión emocional.

Cuando los personajes están a solas, podrían dar rienda suelta a su amor y comenzar la relación que desean, pero no se atreven. Esto añade una capa de melancolía al vals: no solo evoca romanticismo, sino también el peso de las oportunidades no aprovechadas. Es como si al recordar esos momentos, alguno de los dos se preguntara qué podría haber pasado si uno hubiera hecho más por expresar ese amor reprimido.

La segunda canción principal, «Quizás, quizás, quizás», aunque para nosotros su mensaje pueda parecer evidente, es importante recordar que esta es una película de producción china. La canción aparece en la segunda parte de la cinta, después de que el señor Chow se traslada a Singapur, y protagoniza, en mi opinión, la mejor escena de la película por su estética y carga emocional.

El tema adquiere un significado especial al reflejar la melancolía y la nostalgia de los acontecimientos pasados. Los protagonistas parecen preguntarse constantemente «¿Y si…?». ¿Y si la señora Chan hubiera acompañado al señor Chow a Singapur? ¿Y si lo hubiera esperado en su apartamento allí? ¿Y si el señor Chow hubiera llamado a la puerta del apartamento?

«Quizás, quizás, quizás» encapsula a la perfección la nostalgia por lo que pudo haber sido, pero no fue. Representa las oportunidades que tuvieron pero no tomaron, y cómo, con una decisión diferente, tal vez su amor podría haber florecido.

Movie Analysis. In the mood for love | by Navya Sethi | Medium

 El significado del final

El final de la película, ambientado en Vietnam, puede parecer carente de sentido a primera vista, pero en realidad encierra un significado mucho más profundo. En este desenlace, vemos al señor Chow caminando por un templo en ruinas, un lugar que simboliza su memoria de la señora Chan y cómo la nostalgia lo acompaña constantemente.

Aunque no sabemos con certeza qué susurra, podemos intuir que se trata de algo relacionado con los momentos vividos a lo largo de la película. Posteriormente, lo cubre con barro, como si quisiera preservar ese recuerdo para siempre, ocultándolo en el templo.

Este detalle subraya cómo el señor Chow sigue anhelando aquellos momentos y sintiendo el peso de la nostalgia. Sin embargo, lo más desgarrador es que ese recuerdo, tan importante para él, es algo destinado a quedar olvidado para siempre.

La película cierra con esta escena y con una frase que resume todo su significado: «El pasado es algo que se puede ver, pero no tocar».

In the Mood for Angkor Wat – 👾 Baklay

En resumen, Deseando amar es una película que, en su superficie, parece contar una historia simple, pero que, gracias a su magnífica dirección y estética, nos narra una trama llena de deseo y nostalgia. Muestra la belleza del deseo no correspondido, y cómo, aunque hay amores que nunca se demuestran ni se concretan, son, en realidad, más intensos y poderosos que muchos otros. Además, esos amores no consumados son los que permanecen en la memoria, los que más se anhelan con nostalgia, dejando una huella imborrable en quienes los experimentan.

 

El cómic de la semana: Black Hammer 8 El fin

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Black Hammer 8 El fin. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Black Hammer 8 El fin… y el principio del fin.

Unos días antes de que salga este tomo a la venta, hemos tenido el placer de leerlo gracias a Astiberri, a los que sólo podemos dar las gracias.

Pues ya llego el final de una de las mejores series de superhéroes independientes de todos los tiempos. ¿El final? Bueno, si es el final de todo lo acontecido, pero la serie sigue en Estados Unidos con historias que continúan a este cómic, y que muy pronto veremos en España. Y no es algo forzado, es algo acorde con la historia. Una historia que como dije antes acaba en este tomo 8, pero aún le quedan unos últimos coletazos.

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Y es que Black Hammer 8 El fin es un tomo que contiene todo lo visto antes, para así cerrar todos los cabos sueltos. Y madre mía que viaje nos hemos pegado hasta llegar a un cómic donde todo lo que esperas que pase, pasa, y además hay giros de guion imprevistos. Estoy profundamente satisfecho con este final de ciclo que nos ha narrado Jeff Lemire. Creo que muchas veces lo más difícil de una historia es cerrar bien todo. Ya es difícil ser original, y muchas veces nos conformamos con que la narración de la historia sea decente, profesional. Pero cuando una obra suele transcender, es cuando esa obra además de tener una buena premisa y estar bien narrada, a su vez, acaba de manera maravillosa. Y Black Hammer tiene un poco de todo. Con este tomo que cierra la historia que nació en el primer tomo, demuestra que todos estos años que hemos vivido con la serie han merecido la pena.

Y es que no son sólo los 8 tomos específicos de la serie principal, son todos los demás tomos que rodean a Black Hammer para conformar una epopeya, que vista en conjunto gana más que si lees los cómics de manera independiente. ¿Cuántos tomos son? Pues a mi me salen 22 tomos en total. Debajo de estas líneas os he puesto el orden de lectura recomendado, para todos los completistas.

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Os dejo el orden de lectura recomendado por Dark Horse:

  1. Black Hammer 1 (Orígenes secretos) – Universo de Black Hammer
  2. Black Hammer 2 (El suceso) – Universo de Black Hammer
  3. Sherlock Frankenstein y la legión del mal – Universo de Black Hammer
  4. Doctor Star y el reino de los mañanas perdidos – Universo de Black Hammer
  5. Black Hammer 3 (La Edad sombría parte 1) – Universo de Black Hammer
  6. Black Hammer 4 (La Edad sombría parte 2) – Universo de Black Hammer
  7. La Era Quantum – Universo de Black Hammer
  8. Black Hammer 45 – Universo de Black Hammer
  9. Black Hammer Calles de Spiral – Universo de Black Hammer
  10. Black Hammer/Liga de la justicia El martillo de justicia – Universo de Black Hammer
  11. Revientacráneos y el Chico Esqueleto – Universo de Black Hammer
  12. Coronel Weird Cosmagogo – Universo de Black Hammer
  13. Barbalien Planeta rojo – Universo de Black Hammer
  14. Black Hammer Visiones 1 – Universo de Black Hammer
  15. Black Hammer Visiones 2 – Universo de Black Hammer
  16. Coronel Weird y El Pequeño Andrómeda – Universo de Black Hammer
  17. Los últimos días de Martillo Negro – Universo de Black Hammer
  18. Black Hammer 5 (El renacer parte I) – Universo de Black Hammer
  19. Black Hammer 6 (El renacer parte II) – Universo de Black Hammer
  20. Black Hammer 7 (El renacer parte III) – Universo de Black Hammer
  21. Los Increíbles Antiadolescentes – Universo de Black Hammer
  22. Black Hammer 8 (El fin) – Universo de Black Hammer

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¿Cómo se escribe un final? ¿Sabemos dónde empieza y dónde acaba todo? El Coronel Weird creía tener la respuesta: todo estaba en el patrón. Pero cuando el Anti-Dios despierta, todos los superhéroes de los múltiples universos deben reunirse para la batalla final. Sin embargo, antes de que se pueda escribir un nuevo futuro, el viejo patrón debe morir.

Black Hammer: El fin es el último paso en la historia principal del universo Black Hammer. Una aventura con múltiples líneas temporales y saltos a través de mundos, nuevas amenazas, nuevos héroes y el largamente esperado regreso de Martillo Negro a la granja. El enfrentamiento final en el mayor desafío hasta el momento jamás concebido por Jeff Lemire para la serie.

Sobre la serie

Tras siete tomos de la serie principal con más de 30.000 ejemplares vendidos en España y un universo expandido a través de una docena de spin offs, la serie Black Hammer llega a su fin. Un hito histórico dentro de la colección de cómic independiente estadounidense de la editorial Astiberri, que comenzó con la publicación del primer volumen en 2017, año en que la serie ganó el premio Eisner a la mejor serie nueva y el premio del Gremio de Libreros de Madrid al mejor cómic. En 2018 fue nominada a Mejor serie regular en los premios Eisner y Mejor libro en los premios Harvey. Desde entonces ha acumulado casi una veintena más de nominaciones entre los principales premios de Estados Unidos.

A lo largo de estos años, por Black Hammer han desfilado algunos de los nombres más importantes del cómic actual como David Rubín, Gabriel H. Walta, Ray Fawkes, Tate Brombal, Caitlin Yarsky, Tyler Crook, Malachi Ward, Tonči Zonjić o Matt Kindt, entre otros.

“Cada momento es esencial para el argumento y para el estado del universo mismo”.

APIT!

“Si eres fan de la serie Black Hammer, vas a entusiasmarte con esta nueva aventura que tiene un peso muy real”.

COMIC CRUSADERS

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Astiberri.Black Hammer 8 El fin

Un saludo y sed felices.

Rumor: Marvel Studios quiere que Robert Downey Jr siga en el papel del Doctor Doom después de Secret Wars

Ya sabemos todos que Robert Downey Jr regresará al universo Marvel en Vengadores: Doomsday y Vengadores: Secret Wars. Hasta aquí todo claro. ¿Pero hay vida para este nuevo villano después de estas películas? Pues el rumor que sacude Internet es el titular ya que Marvel Studios quiere que Robert Downey Jr siga en el papel del Doctor Doom después de Secret Wars.

Marvel Studios tenía a Jonathan Majors como el gran villano de la saga Multiverso, pero debido a toda la polémica en torno al actor, se cancelaron nuevas colaboraciones con el mismo y se tuvo que cambiar al villano sobre la marcha. En la Comic-Con 2024 de San Diego se anunció el regreso de Robert Downey Jr a Marvel, ahora como Doctor Doom.

Marvel Studios quiere que Robert Downey Jr siga en el papel del Doctor Doom

Aunque sabemos que el Downey saldrá en las siguientes películas de los Vengadores, se rumorea que en primer lugar saldrá, aunque sea como cameo, en Los 4 Fantásticos: Primeros pasos. Esto es positivo ya que veremos antes al bueno de Robert, pero también deja en segundo lugar al villano de los 4 Fantásticos en esta primera cinta, le empequeñece. Por si alguien todavía no lo sabe, el Doctor Doom es el principal villano de la Primera Familia Marvel en los cómics, y parece que se va a convertir en el mayor villano de todo el multiverso en esta etapa de La Casa de las Ideas en el cine.

Debido a que el villano es tan importante y popular en los cómics, y que en la gran pantalla será representado por el actor que más carisma ha tenido el estudio, el último rumor, que parece coger fuerza en Hollywood es que Marvel quiere que Robert Downey Jr siga en el rol de Doom después de las películas Vengadores: Doomsday y Vengadores: Secret Wars.

Sería una pena que el Downey Jr y Doom sólo aparecieran en dos películas, y quizás en un cameo de los 4 Fantásticos. Creo que el villano se merece algo más. Pero realmente la última palabra la tiene el actor, y aunque Marvel quiera contar con Robert Downey Jr en más cintas, es él quien debe decidir si continúa o no. Por eso mismo estamos ante un rumor todavía no confirmado.

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Como dato curioso decir que en Vengadores: Doomsday no contaremos con el Doctor Extraño protagonizado por Benedict Cumberbatch. En una entrevista el propio actor dijo que no estaría en Doomsday, para decir después: «¿Es eso un spoiler? Que le den» «el personaje no se alinea con esta parte de la historia.»

También es cierto que los hermanos Russo, los directores de las películas han dicho que el Doctor Extraño saldrá bastante («in a lot») en Vengadores: Secret Wars, por lo que se dispara la teoría que que él y Clea tendrán que subsanar errores los errores del Multiverso causados en la precedentes cintas.

Un saludo y sed felices

Crítica de Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela (2024), los mayores son eternos

Hoy viernes 24 de enero se estrena en cines de España Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela (2024), la ópera prima del tailandés Pat Boonnitipat que apunta directamente al corazón para desgarrarlo en cada uno de sus compases. Los pañuelos son imprescindibles para una cinta efectiva a pesar de sus efectistas mecanismos.

Tráiler de Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela (2024) de Pat Boonnitipat

M (Putthipong Assaratanakul) es un joven holgazán que se pasa el día en casa jugando a videojuegos. Cuando detectan una enfermedad terminal a su abuela (Usha Seamkhum) ve una oportunidad de independizarse, por lo que se acerca a ella con intención de conseguir su herencia. Sin embargo, su abuela es más dura de lo que pensaba y pronto se da cuenta de que quizá es una buena oportunidad para reconectar con ella.

como hacerse millonario cosas felices

Póster de Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela (2024) de Pat Boonnitipat

La emoción a flor de piel

Cuando entramos al pase de prensa y nos dieron un paquete de pañuelos entendimos lo que se nos venía encima. Hay ciertos elementos que apelan a la emoción por ser comunes y de fácil identificación: abuelos, familia, enfermedad… A menudo, se utilizan en el cine para suscitar la emoción y llegar hasta el fondo del espectador. Aunque, como todo, el resultado puede ser mejor o peor; más atronador en su construcción del drama o más meditado y sereno en su representación. La ópera prima del tailandés Boonnitipat queda a medio camino entre el artificio sentimental y la contención, aunque, para ser honestos, bastante más cerca de lo segundo.

Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela (que parece una retorcida frase motivacional muy acorde a nuestros tiempos), lo apuesta todo a la relación entre nieto y abuela y no permite un ápice de sorpresa, pues leyendo la sinopsis casi es posible adivinar la historia completa. No obstante, su fuerza reside en la emoción que emana cada interacción entre los personajes y los gestos mediante los que la relación se afianza cada vez más.

No voy a mentir, el hecho de que la acción transcurra en un país tan lejano como Tailandia, con su cultura y paisajes muy diferenciados a los occidentales, eleva la experiencia (desde aquí) a un estadio superior. Estoy seguro que de ser europea o estadounidense no causaría el mismo impacto, al menos desde lo personal; pues la historia, como digo, no es el «novamás» de la narrativa.

Si en un principio M es apático y desagradable, una vez concluye ha cambiado totalmente, fruto de un viaje moral que Boonninipat refleja dando a su relato un sentido circular: la rima consonante que se produce entre la escena incial y la final es la síntesis de la película. Pero la historia no es solo la de M; la abuela también encuentra un refugio en su nieto en un momento vital en que necesita, por mucho que no lo exteriorice, sentir el cariño y compañía que su familia no le proporciona.

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Los mayores son eternos

Como en aquella cumbre del cine japonés Cuentos de Tokio (1953), la película tailandesa sirve como denuncia ante la falta de cariño de los mayores y toma de conciencia de su necesidad. Mui (Tontawan Tantivejakul) dice algo así como «¿Sabes lo que más aprecian los mayores que nadie les da? Tiempo» en el momento en que M se da cuenta de su cínica actitud y decide reconectar con su abuela. El cambio de parecer es demasiado drástico a mi parecer, pues de una postura de apatía extrema vira en tan solo unos compases a un altruismo sincero y emocional; pero la enseñanza es clara y el último propósito de la película está ahí.

Más de uno saldrá del cine y llamará a sus abuelos inundado en lágrimas, y creo que eso busca Boonnitipat con su película de rimbombante título en espeñol. Lo mayores son eternos y Mui tiene razón pues al final de la vida el tiempo de los seres queridos es lo único que queda.

Los mecanismos en la construcción del drama son efectistas en algunos momentos y algo inverosímiles, la historia no es nada nuevo y algunos asuntos quedan extrañamente inconclusos (la venta de la casa), pero Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela es un alegato precioso en sus pequeños detalles sobre el amor hacia los abuelos, que son, ni más ni menos, aquellos que con su amor nos dieron la vida.

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Conclusión

Me ha quedado una de las críticas más cursis y emocionales que he hecho pero creo que actúo acorde al filme. Lahn mah (nieto de la abuela en tailandés y título original, mucho mejor que el nuestro) es imperfecta pero emocionante en su contenido y esa abuela interpretada por Usha Seamkhum es de lo más tierno que haya visto últimamente. No sé si será un éxito pero desde luego tiene todos los elementos para que así sea, y eso espero, aunque solo sea por procurar más amor a nuestros mayores.

Muchas gracias por leerme e ¡id al cine!

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