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Retro-análisis: Maverick (1994), cachondeo en el oeste

Bienvenidos al oeste. En 1994 (¡hace 31 años!), Richard Donner y Mel Gibson propusieron un remake en la gran pantalla de Maverick, serie del oeste protagonizada por James Garner allá por 1957 (y que duró hasta 1962). El resultado fue un divertimento donde todos se lo pasaron en grande, plagado de cameos, homenajes y auto-referencias, una gran película que ha soportado más que bien el paso del tiempo.

Al este del oeste

Bret Maverick (Mel Gibson) es un jugador de poker que necesita 25.000 dólares para la cuota de ingreso en una gran partida en la que puede llegar a ganar medio millón. Le faltan tan sólo 4.000 y a lo largo de la película intentará conseguirlos de antiguos conocidos que le deben algún dinerillo.

Por el camino conocerá a Annabelle Bransford (Jodie Foster), otra jugadora que se hace la torpe en más de una ocasión, y al Marshal Cooper (James Garner, el Bret Maverick original), quien está encargado de la seguridad de la gran partida organizada por el comodoro Duvall (James Coburn). Al mismo tiempo, hay otro personaje, medio jugador, medio bandido, interpretado por Alfred Molina, que intentará que Maverick no llegue vivo a la partida.

Maverick está construida sobre una serie de segmentos en los que el personaje de Mel Gibson intenta, en cada uno de ellos, alcanzar su objetivo de recaudar los 4.000 dólares que necesita, hasta llegar a la partida final en la que el juego es lo de menos. Es decir, no es una película de partidas de poker en el oeste. Esa es tan solo la excusa. De hecho, Maverick gana por pura suerte.

Maverick

Hay acción, si, pero lo que prima es el humor, las secuencias cómicas que se sustentan en gran parte en el buen hacer de todos los protagonistas y en el enorme, enorme carisma que siempre ha tenido Mel Gibson. Quizás sea el actor que más lo ha malgastado a lo largo de la historia, pero en 1994 se encontraba en lo más alto y podía permitirse hacer lo que le diese la gana.

Y vaya si lo hizo porque lo que queda claro tras ver Maverick es que todos se lo pasaron en grande. Richard Donner, que a esas alturas ya no tenía que demostrar nada como director, repetía con su actor fetiche y lograba condensar la acción y el humor de Arma Letal sin tanta solemnidad ni trascendencia y lo más importante, sin Joe Pesci, quien se cargó toda la franquicia él solito.

Aquí cuenta también con la complicidad de Jodie Foster (más guapa que nunca y también más simpática), así como de James Garner, quien retoma su papel (más o menos) de la serie y aporta su dosis de auto-cachondeo riéndose de si mismo en más de una ocasión.

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Una de amiguetes

Maverick está repleta de cameos y colaboraciones, desde un habitual de las películas de Clint Eastwood como fue Geoffrey Lewis, interpretando al director del banco que le debe dinero a Maverick, o Graham Greene, famoso por su papel en Bailando con lobos, pasando por famosos cantantes de country, como Carlene Carter, Hal Ketchum, Vince Gill, Clint Black, Waylon Jennings y Kathy Mattea.

Sin embargo hay dos que son más que sonadas. La primera es la de una casi irreconocible y afeada Margot Kidder, inolvidable Lois Lane en Superman (1978), en el papel de una pionera que busca marido desesperadamente, poniendo sus ojos en el pobre Marshall Cooper.

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La otra es la memorable aparición de Danny Glover como atracador de banco, al ritmo de la banda sonora de Arma Letal y afirmando que es demasiado viejo para esta mierda, acompañado del goonie Corey Feldman como uno de sus secuaces.

En resumen, Maverick es una muy buena película. Recuerdo que en su momento me chocó esa combinación de acción y humor en el oeste pero hace unos días, cansado de ver ese churro que es Aquaman y el reino perdido (lo de Nicole Kidman montando en esa especie de caballito de mar mecánico no hay por donde cogerlo) pasé de HBO a otro canal y vi Maverick desde el principio. Me lo pasé muy bien y creo que la aprecié mucho mejor que en su momento. Como dice James Garner en el tráiler, hay que relajarse y disfrutar del viaje, acompañados por la banda sonora de otro grande, Randy Newman. Un saludo, sed felices.

El cómic de la semana: Superlópez Edición Limitada 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Superlópez Edición Limitada 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Superlópez Edición Limitada 1, una edición de coleccionista.

Puede haber debate porque se que muchos coleccionistas del superhéroe creado por Jan estarán en contra de lo dicho en este artículo. Al fin y al cabo estoy recomendando un cómic que se supone que es la «edición definitiva», y para los más puristas no lo es. Pero aún así creo que es la mejor edición que se ha realizado nunca, y no es sólo eso, sino que la intención de SD es seguir con el mismo formato y la misma colección hasta el final de Superlópez. Por lo tanto, bajo mi opinión, este tomo es una de las recomendaciones que he dejado en la web que más satisfecho me han dejado, porque es el principio de una colección que se va a mantener en el tiempo, y será completa, sin cambio de formatos y tamaños. La colección que se merece Superlopez sin ser perfecta, eso si. Porque otra cosa que aquí se hecha en falta son las portadas originales, aunque SD en su cuenta ya ha dicho que vendrán en el tomo 2.

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Esta nueva edición de coleccionista, que según hemos leído en el perfil de Instagram de SD, deberían ser 12 tomos en los que quieren incluir todas las aventuras largas de Superlópez, que fueron 87. Eso nos da aproximadamente 7 historias por tomo. En este primero «solo» vienen 5 historias largas, pero es que no es sólo eso, como se supone que estamos ante la edición numerada y limitada, la definitiva, este primer tomo contiene todas las primeras apariciones del superhéroe nacional más famoso. Y eso empieza con los chistes de la revista Euredit, y luego con las historias cortas aparecidas en diferentes revistas de la época. He leído en foros que faltan algunas hojas que no vienen en este tomo, y gran parte del cabreo de los fans más entendidos en el personaje viene por ese lado. Tengo que añadir que esta primera etapa primigenia, imprescindible para entender posteriormente la evolución de personaje, en un primer momento no gustó al propio Jan. Pero esto sirvió para que Superlópez se asentara como personaje en la España de los 70 hasta que consiguió su primer álbum en solitario a principios de los 80: Las aventuras de Superlópez.

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Y hablando de las historias largas, aquí vienen las cinco primeras que son la anteriormente mencionada Las aventuras de Superlópez, además de El supergrupo, ¡Todos contra uno, uno contra todos!, Los alienígenas y El señor de los chupetes. Cabe mencionar que las primeras aventuras Jan tuvo la ayuda del guionista Francisco Pérez Navaro (EFEPÉ) que es quien realmente tiene los derechos del «Supergrupo» que aparecen en dos álbumes en este tomo. Posteriormente EFEPÉ volvió a colaborar con Jan en 2013 para nuevas aventuras del Supergrupo. Si sois fan del Supergrupo con Superlópez tenéis dos aventuras en este tomo 1 de la edición limitada, y si todo va bien tendréis cuatro aventuras más repartidas entre los tomos 10 y 11, casi al final de la colección.

Con todo esto, y también para los más novatos del personaje, tengo que deciros que para mi los 9 primeros tomos de Superlopez son de las mejores aventuras largas de personajes escritos y dibujados en España, a la altura de las mejores de Mortadelo y Filemón. La diferencia es que a partir del tomo 10 la serie de Jan paulatinamente va empeorando, mientras que los álbumes de dos agentes secretos se mantuvieron en lo alto durante décadas.

Por lo tanto si os gusta el cómic español creo que como mínimo este Superlópez Edición Limitada 1 y en unos meses el tomo 2, son IMPRESCINDIBLES en cualquier comiteca que se precie. Luego ya, si quieres seguir hasta el final de Superlopez en los sucesivos tomos, seguro que merecerá la pena el viaje, pero los dos primeros álbumes son los que tienes que tener y comprar para siempre.

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EDICIÓN DE LUJO, LIMITADA Y NUMERADA Primer volumen de la edición coleccionista de Superlópez. El libro incluye los contenidos publicados entre 1973 y 1981. Incluyendo todos los chistes de Euredit,las primeras historias cortas en la editorial Bruguera y las primeras cinco historias largas. Para finalizar con un amplísimo «Contenido adicional», desde el texto «El creador: Jan», historietas no publicadas desde hace 50 años, las imágenes de los pósteres míticos del personaje y hasta la letra de una canción de Superlópez del grupo Regaliz, Sumérgete de la mano de Antoni Guiral en un viaje apasionante por el mundo de Superlópez, desde sus inicios en 1973 hasta el 1981

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de SD y el enlace a la editorial pinchando aquí.Superlópez Edición Limitada 1

Un saludo y sed felices.

Fede Álvarez ya está trabajando en el guion de la secuela de Alien: Romulus

Fede Álvarez ha confirmado que actualmente está trabajando en el guion de su secuela de Alien: Romulus, y planea ofrecer algo totalmente nuevo para la franquicia….

Steve Asbell, el CEO de 20th Century Studios dice que hay planes para la secuela, y el director Fede Álvarez ya ha dicho que lo único que falta para la firma final con 20th Century Studios es un buen guion, idea con la que están trabajando. Para Fede, lo más importante es tener una buena historia con la cual trabajar sobre ella, y hasta que no tenga un guion adecuado no se pondrá a trabajar en la secuela.

secuela de Alien: Romulus

El director dijo lo siguiente a Gizmodo:

«Bueno, quiero decir, definitivamente queremos hacerlo. El estudio quiere hacerlo. Yo quiero hacerla. Creo que con las secuelas siempre se trata de encontrar la historia adecuada. Yo y Rodo [Sayagues], mi coguionista, tenemos algunas ideas, pero no es hasta que encontramos algo que decimos ‘Ok, esa es una película que vale la pena hacer’ que realmente nos embarcamos en ella. Así que ese es el proceso en el que estamos ahora mismo, intentando encontrar una historia que merezca el tiempo de todos y que merezca el título.

De lo contrario, nunca quieres caer en el error de hacer [una secuela] sólo porque la primera es un gran éxito… [hacer una secuela] sólo porque puedes hacerla, esa es siempre una receta para el desastre».

En otro entrevista para Empire, el cineasta confirma que está en proceso de trabajar en el guion de la secuela, y promete que la película nos llevará «a aguas inexploradas.»

«Rodo [Sayagues, coguionista] y yo estamos trabajando en ello ahora mismo. Estamos entusiasmados por saber adónde puede llegar. Casi hemos marcado todas las casillas de las cosas que quiero ver [en Romulus], y hemos recuperado muchas de las cosas que hacía tiempo que no veía. Dondequiera que vayamos ahora, podemos adentrarnos en aguas inexploradas».

Álvarez también confirma que el plan es seguir a los supervivientes de la película anterior, Cailee Spaeny (Rain) y su hermano androide Andy (David Jonsson).

«Creo que será muy emocionante ir con los personajes que conoces de esta película, a un lugar de la franquicia Alien en el que nunca hemos estado antes, y descubrir cosas que nunca has visto antes».

Veremos a donde nos llevará esta nueva saga que promete nuevas emociones. Posiblemente Alien: Romulus tras las dos primeras partes, puede que sea la mejor película de la franquicia. No es perfecta, pero es lo que hay actualmente y tener una secuela puede ser una buena noticia.

Un saludo y sed felices

Bandidos. Temporada 2. Menos búsqueda de tesoros y más drama.

Empezamos año y Netflix se pone en mode aventura con la temporada 2 de Bandidos. La serie mexicana logró convertirse en un éxito en la plataforma de streaming cuando se estrenó en abril del 2024. Las aventuras a lo Indiana Jones, buscando un tesoro, junto a un reparto bastante eficiente y un tono cómico y liviano, lograron colocarla durante varias semanas entre lo más visto. ¿Conseguirán con esta segunda temporada volver al top ten?

Primero de todo veamos de qué van estos nuevos 7 episodios. Lili y Miguel viven felices y tranquilos, aunque él tiene en mente una nueva aventura que ella rechaza de momento. Todo cambia cuando recibe un mensaje de Regina, su hermanastra, que tiene secuestrado a Leo (Pol Hermoso), un antiguo novio de su juventud. Lili no dudará en dejar otra vez a Miguel para ir a salvar a su ex.

Al mismo tiempo, los aventureros sufren ataques cibernéticos que dejan sus cuentas bancarias a cero. Inés (Mabel Cadena) necesita el dinero para librarse de su exmarido que la amenaza con arrebatarle su hijo. Citlali (Andrea Chaparro) sigue robando por hobbie, pero cuando va a pagar su fianza se encuentra con que no tiene dinero. El resto de componentes del equipo de aventureros corren la misma suerte y acaban con sus cuentas a cero.

Todos recibirán un misterioso mensaje que los convocará a reunirse en casa de Miguel. Allí Lili les pedirá ayuda: para librarse de Regina necesitan encontrar la Lágrima de Fuego.

Reseña de Bandidos. Temporada 1

Bandidos. Temporada 2. Todo gira en torno a Lili.

Recordemos que la primera temporada terminó con una sorpresa inesperada que dejaba a los protagonistas de la serie disfrutando de su éxito. Todos y cada uno de ellos había conseguido lo que buscaba y algunos de ellos se llevaban un extra. Todo parecía indicar que tenía su final feliz y definitivo, pero Miguel (Alfonso Dosal) tiene otros planes… Así que podíamos estar ante una puerta abierta a una segunda temporada que al final se ha materializado.

Bandidos

Si en la primera temporada tuvimos como protagonista a Miguel, en esta toda la atención se centra en Lili (Ester Expósito). En la primera tanda de episodios descubrimos que tras esa fachada de femme fatale se ocultan demasiados secretos, así que los creadores de la serie han decidido que podía ser un cambio que aportara algo más de intriga. Pero lo cierto es que ha sido más decepcionante que prometedora.

La historia de Lili se vuelve aburrida por momentos. Además, acaba quitándole protagonismo a la misma búsqueda del tesoro, algo que es imperdonable. Lamentablemente este hilo de la segunda temporada de Bandidos no tiene el mismo carisma que tenía el de la anterior y es algo que la serie va a pagar. Personalmente se me hizo muy pesado continuar con su visualización, por lo que acudí al X10 en demasiadas ocasiones.

Esta segunda temporada debería de haber tenido más de todo lo que gustó en la primera tanda de episodios. Más acción, más aventura, más misterio, más enigma… Y resulta que todo eso se ha desvanecido en una trama casi absurda con momentos que rozan lo ridículo y con muchas conveniencias a la hora de desentramar los enigmas.

Y por si fuera poco, tenemos una malvada que tampoco funciona como debería. Regina, interpretada por la joven Ximena Lamadrid (Quién mató a Sara), se convierte en el enemigo a batir. Ella será la que irá tras los pasos de los aventureros para arrebatarles el preciado tesoro: las Lágrimas de Fuego. Un personaje que debería ser malvado resulta bastante insulso y hasta patético en algunos momentos.

Tráiler de Bandidos. Temporada 2.

Erase una vez el Oeste (2025) Western versión Netflix.

Netflix nos trae su propia versión de lo que es un western pero para aquellas personas a las que no les gusta ese género: Erase una vez el Oeste, y aunque acabamos de empezar el 2025, todo apunta a que será una de las mejores de este año, por lo menos las críticas así lo dicen. La miniserie cuenta con tan solo seis episodios de una hora de duración cada uno, con una historia atrapante y diversa, ideal para hacer un maratón de sofá, manta y palomitas.

Supongo que no cabe decir que esta serie está adaptada al espectador medio de la plataforma de la N roja, es decir, se trata de una visión muy poco real de lo que sucedió en aquella época, y además han querido ‘actualizarla’ dándole su marca personal, esa que tiene todo lo que se estrena en la plataforma. Así que, si esperas un western al uso, aquí no lo vas a encontrar.

Erase una vez el Oeste

«Es 1857 en el Viejo Oeste. La nación está sumida en la confusión. El dolor domina cada rincón, mientras la inocencia y la tranquilidad pierden la batalla contra el odio y el miedo. La paz, escasa y en retirada, es un tesoro al alcance de muy pocos, al igual que la gracia y la compasión, virtudes raras en estas tierras inhóspitas en las que la única ley que impera es la de la supervivencia.

‘Érase una vez el Oeste’ es una dramatización que analiza el violento conflicto entre culturas, religiones y pueblos, en el que hombres y mujeres luchan y mueren por conservar o dominar esta tierra

Así es cómo Netflix describe a esta historia que pretende mostrarnos otra visión de la conquista del Oeste menos conocida, una historia de miedo y lucha por defender un tierra que está en disputa. Una serie que se está llevándose alabanzas tanto por parte de la crítica como por parte de los espectadores.

Erase una vez el Oeste: violencia y crueldad.

Erase una vez el Oeste sigue el viaje que emprende Sara Rowell (Betty Gilpin) y su hijo pequeño Devin (Preston Mota) en busca de su futuro, y acabarán formando una familia peculiar que intenta sobrevivir al caos y terror que surge en su camino hacia una vida mejor.

La miniserie de Netflix es una dramatización ambientada en esa época, aunque algunos de los personajes y hechos que aparecen son reales. Por ejemplo, la serie perfecciona su historia inspirándose en gran medida en la Masacre de Mountian Meadows, que tuvo lugar en la vida real y que fue liderada por Brigham Young y los hombres mormones que él dirigía. En un intento de tomar y conservar la tierra para sí mismos, ejecutaron una masacre y culparon a los Shoshone.

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Una conquista del Oeste sangrienta y cruel, llena de una violencia innecesaria que nos hace cuestionar quien de los dos bandos era el ‘civilizado’. Sin duda, una versión que escocerá a algunas personas y que hace que nos paremos a pensar sobre esas otras versiones que siempre hemos visto que nos cuentan una historia diferente a la que vamos a ver aquí.

Desde ya aviso de que Erase una vez el Oeste no es una serie agradable. Hay mucha sangre y destripamientos, mucha violencia que muestra una crueldad extrema, y no hay ni un ápice de felicidad, ni un descanso en el que sus protagonistas puedan ver el lado más amable de la vida.

Tráiler de Erase una vez el Oeste.

Adiós a David Lynch (1946-2025), provocador y único

A pocos días de cumplir los setenta y nueve años y tras una ardua lucha contra un enfisema pulmonar, nos dejó David Lych, realizador que, con su sello personal e inconfundible, marcó a fuego la historia del cine con títulos como Terciopelo Azul, Corazón Salvaje, Carretera Perdida o El Hombre Elefante, así como también la de la televisión con la recordada y rupturista serie Twin Peaks.

Había nacido un 20 de enero de 1946 en Missoula, Montana. Siendo hijo de un científico investigador que trabajaba para el Departamento de Agricultura de los Estados Unidos, la infancia de David Lynch fue bastante nómada, ya que su familia debía permanentemente mudarse y reubicarse según adónde fuera asignado el padre.

Desde temprana adolescencia, mostró afición por la pintura y, tras terminar sus estudios secundarios, pasó por distintas escuelas de arte en Washington DC y Boston. Fue en ese deambular que se conoció e hizo amigo con Jack Fisk, en el futuro productor de varias de sus películas. Juntos viajaron a Europa con la idea de formarse con el pintor expresionista austríaco Oskar Kokoschka, pero terminaron desilusionados por no poder contactarle.

De regreso, el joven David decidió no seguir a su familia en una nueva mudanza y prefirió instalarse por su cuenta en Filadelfia, donde los grandes pintores formaban casi una sociedad aun cuando cada uno de ellos trabajara libremente. En la Academia de Bellas Artes de Pensilvania se conoció con Peggy Reavey, quien sería su esposa y madre de su hija Jennifer (a la postre también cineasta).

La pareja se instaló en el vecindario de Fairmount, uno de los más peligrosos barrios de Filadelfia en donde la marginalidad y el delito eran moneda corriente. “Había violencia, odio y suciedad – recordaría más tarde David -. Pero la mayor influencia en toda mi vida fue esa ciudad…”

Fue en Filadelfia, de hecho, donde comenzó a interesarse de manera especial por el cine y a rodar una serie de cortos, algunos de animación, otros live action, otros ambas cosas.

En 1970 y con el objetivo de formarse como cineasta en el Conservatorio AFI, se trasladó a Los Angeles y en ese contexto, de manera independiente, nacería su primer largometraje. Se suponía que Cabeza Borradora (Eraserhead) iba a durar cuarenta y dos minutos, pero terminó durando ochenta y nueve. Cuatro años demandó su realización debido a los costes que implicaba pero, con ayuda de un préstamo de su padre, logró terminarla para 1976 y estrenarla al año siguiente.

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Inclasificable y rodada completamente en blanco y negro, Cabeza Borradora es un filme tan experimental y surrealista que ni siquiera fue aceptado para formar parte de los festivales de cine de Cannes o New York, aunque sí para el de Los Angeles, adquiriendo a partir de ello carácter de culto y volviéndose muy popular en el circuito underground de las llamadas “películas de medianoche”. Logró incluso impresionar al mismísimo Mel Brooks que, de manera sumamente visionaria, definió a Lynch como un genio y sería su compañía Brooksfilms la que le financiaría el siguiente largometraje…

Protagonizada por John Hurt y Anthony Hopkins, El Hombre Elefante (1980) se basaba en la historia real de un hombre deforme en la Inglaterra victoriana y le significó a Lynch el reconocimiento de Hollywood con ocho nominaciones a los premios Oscar (incluyendo mejor dirección y guion adaptado), más allá de que no se haya quedado finalmente con ninguno.

El éxito de crítica y público hizo que Lynch fuera tentado por la industria. Primero George Lucas (otro declarado fan de Cabeza Borradora) lo quiso convencer de dirigir El Retorno del Jedi, pero no se mostró interesado y dijo que Lucas debería dirigir la película por sí mismo para mantener su visión de la historia. Pero después llegó Dino de Laurentiis con otro space-opera y lo convenció de filmar Dune (1984), adaptación de la célebre novela de ciencia ficción de Frank Herbert.

Lamentablemente, fue una fallida experiencia para Lynch y si quieren saber más sobre los motivos, les invito a leer mi retro-análisis, pero sirvió para convencer al director de que lo suyo iba definitivamente por otro lado y su siguiente película fue nada menos que Terciopelo Azul (1986), a mi entender obra cumbre dentro de su filmografía y de la cual también pueden leer aquí el retro-análisis de un servidor.

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La gran mayoría de los elementos que definirán de allí en más el estilo de Lynch están presentes en Terciopelo Azul, una obra tan inclasificable como perturbadora que, protagonizada por Kyle MacLachlan, Isabella Rosellini, Laura Dern y Dennis Hopper, está rodada de modo que no parece llevada por guion alguno y lo que podría en principio ser considerado defecto termina, por el contrario, siendo virtud, ya que, como la vida misma, todo transcurre de una forma natural y a la vez caótica. Y la escena inicial, con ese vecindario en el cual todo parece estar bien hasta que ocurre un imprevisto, es una de las mejores de la historia del cine.

Terciopelo Azul le valió a Lynch su segunda nominación al Oscar como mejor director, aunque una vez más sin conseguirlo. Y a la par que trabajaba en su siguiente película, se abocó a una serie que marcaría un antes y un después en la historia del medio televisivo. Nos referimos, claro, a Twin Peaks que, girando en torno a una pequeña comunidad y una estudiante asesinada, creaba un clima de policial no convencional en el cual se entremezclaban elementos místicos, surrealistas y oníricos.

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El éxito de la serie llevó a ABC a encargar una segunda temporada de veintidós episodios (la primera había tenido solo siete), aunque por otra parte la caída de las cifras de audiencia a medida que la misma avanzaba llevaron a que se le exigiera a Lynch dar a conocer de una vez por todas la identidad del asesino de Laura Palmer, lo cual terminó haciendo a regañadientes y declaró luego estar arrepentido.

Twin Peaks terminó cancelada, pero ello no desanimó a Lynch y mientras su road movie Corazón Salvaje (1990) se alzaba con la Palma de Oro en el Festival de Cannes, se dedicó a trabajar en una película que hiciera de precuela a la serie. Tal fue el caso de Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992) que, si bien tuvo una tibia recepción y fracasó en taquilla, acabó con el tiempo siendo revalorizada por los mismos críticos que en su momento la habían denostado.

En los años siguientes y sin abandonar proyectos televisivos como la sitcom On the Air o la miniserie Hotel Room, dirigió Carretera Perdida (1997), película de corte noir y narración no lineal protagonizada por Bill Pullman y Patricia Arquette.

Y sorprendió luego a todo el mundo con Una Historia Verdadera (1999), bellísima película sin violencia ni sexo que no perturbaba en absoluto y hasta era apta para todo público, pero que era poesía pura al contar la historia de un anciano (Richard Farnsworth) que decidía hacer un viaje de trescientas millas montado a una cortadora de césped para visitar a su hermano (Harry Dean Stanton), al cual sabía enfermo y con quien quería sentarse por última vez a mirar las estrellas como cuando eran niños. De los mejores filmes que se han hecho sobre la ancianidad.

Lynch regresaría al neo-noir y a las historias poco lineales con Mulholland Drive (2001), película que había sido originalmente concebida como episodio piloto para una serie televisiva, pero que acabó estrenándose en cine. Consistente en historias aparentemente no relacionadas que se terminan conectando, le valió al realizador su tercera nominación al Oscar como mejor director, una vez más sin conseguirlo. Y una encuesta de la BBC hecha sobre ciento diecisiete directores de diferentes países, la eligió como mejor película del siglo XXI.

Inland Empire (2006) acabaría siendo su último largometraje para cine, un thriller psicológico de toques surrealistas y experimentales que tenía en el papel principal a su eterna musa Laura Dern. Y si bien nunca anunció después un retiro oficial del mundo del cine (aunque recibió el Oscar honorífico en 2019), se abocó más bien en lo sucesivo a cortos, documentales, videoclips, una tercera temporada de Twin Peaks (aquí nuestros análisis episódicos) y hasta la filmación de un show de la banda Duran Duran.

Es que Lynch, no hay que olvidarlo, siempre fue un artista completo y si bien lo reconocemos más fácilmente por sus películas, también ha sido artista plástico, escritor de libros, autor de teatro e incluso músico, habiendo grabado tres álbumes en estudio que, por supuesto, son absolutamente experimentales.

Hace algunos meses, en agosto de 2024, le fue diagnosticado un enfisema pulmonar muy ligado al tabaquismo que le acompañó prácticamente toda la vida (comenzó a fumar a los ocho años) y el final fue anunciado ayer a través de un comunicado familiar…

Con profundo pesar, nosotros, su familia, anunciamos el fallecimiento del hombre y artista David Lynch. Agradeceríamos un poco de privacidad en estos momentos. Hay un gran hueco en el mundo ahora que ya no está con nosotros. Pero como él diría: mantengan la vista en la dona y no en el agujero. Hace un día precioso con un sol dorado y cielos azules hasta el final”… Algo así como decir “sean felices”, que es lo que siempre decimos por aquí.

Hasta siempre David. Y aunque no hay duda alguna de que tu increíble legado seguirá vigente y vivo a través de tu obra, se te va a extrañar. Gracias por todo, gracias por tanto…

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Teacup (2024) Intriga, misterio y ciencia ficción

Teacup se estrenó en Estados Unidos hace unos meses, de manera que sus últimos episodios coincidieran con Halloween. Supongo que esto es suficiente para hacer pensar al espectador que está ante una serie de intriga y misterio, y también de terror. Y más cuando sabemos que cuenta con James Wan como productor ejecutivo. Uno más uno son dos.

En España tuvimos que esperar hasta inicios de diciembre del 2024 para poder verla en la plataforma de streaming SkyShowtime, en formato de episodios semanales. Cuenta con un total de 8 capítulos de una duración muy corta, alrededor de 30 minutos cada uno. Lo que los convierte en pequeñas píldoras intensas que se devoran rápido y de forma adictiva.

La serie es una adaptación del best seller escrito por Robert McCammon de nombre Stinger. Nos trae una historia de supervivencia que sucede en una granja aislada de Georgia, donde varios de los vecinos de los alrededores han ido a parar después de una serie de extrañas circunstancias.

Teacup es una de esas series donde cuanto menos sepas sobre su trama, es mucho mejor para el espectador. Lo mejor es dejarte llevar por su historia e ir descubriendo poco a poco lo que está sucediendo en ese apartado y solitario lugar. De ese modo, disfrutarás de una historia atrapante y entretenida, que tiene ese terror sutil capaz de crear cierta incomodidad al espectador al mismo tiempo que eres incapaz de no seguir viéndola.

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Teacup: No cruces la línea. No confíes en nadie.

Teacup nos deja claro lo que pretende en su primer episodio. Un comienzo directo que nos presenta de forma muy leve a los protagonistas de esta historia, y que se centra rápidamente más en lo que nos quiere contar que en ellos. Y lo que nos deja es un misterio que atrapa al espectador.

Lo cierto es que los dos primeros episodios de la serie me hizo recordar lo que sentí cuando vi la primera temporada de From. Algo anda suelto por los bosques que rodean las tranquilas y calmadas granjas de esa remota zona de Georgia, donde sus habitantes viven vidas pausadas lejos de la multitud de las ciudades. Y, ese algo es peligroso.

La serie juega con dos clásicos del terror que siempre funcionan. En primer lugar, tenemos al pequeño Arlo, un niño protagonista indiscutible de toda la trama. Todos sabemos que cuando hay niños por medio la cosa se pone tensa. Y en segundo lugar, está la máscara tan característica que ha sido la imagen de presentación de Teacup. Cuando alguien no muestra su cara… algo malísimo sucede siempre.

A eso se une la situación en la que se encuentran los protagonistas de esta historia: atrapados en su propia casa que ha sido delimitada por una preocupante línea azul que es mejor no cruzar. Y, con el trascurso del tiempo, descubriendo que no pueden fiarse de nadie. Esa sensación incómoda se acentúa conforme avanzan los episodios. Poco a poco se irá descubriendo el motivo de lo que allí sucede y la historia que cuenta es escalofriante.

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Yvonne Strahovski, perfecta.

Teacup cuenta con un grupo de protagonistas bastante consistente entre los que destaca Yvonne Strahovski (El cuento de la criada, Dexter). Ella encarna a Maggie Chenoweth, una mujer cuya frialdad la define por encima de todo y que será gracias a ella a la que podrá enfrentarse a esta situación capaz de destruir al más duro. Está casada con James (Scott Speedman), un personaje plano con el que vemos conexión solo al final de la serie.

Los hijos de la pareja son Arlo (Caleb Dolden), un niño inquietante que será parte muy importante de la trama, y Meryl (Émilie Bierre). Junto a ellos vive Ellen (Kathy Baker) la madre de James, viuda desde hace unos años y con una enfermedad degenerativa con la que lidia de forma valiente.

A su granja acudirá la familia Shanley: Rubén (Chaske Spencer), Valeria (Diany Rodriguez) y el hijo de ambos Nicholas (Luciano Leroux). Maggie es veterinaria y tendrá que atender a uno de sus caballos que empezó a autolesionarse unas horas antes de forma inesperada e incomprensible.

Donal (Boris McGiver) y Claire (Holly A. Morris), una pareja de mediana edad que viven cerca de la familia Chenoweth, irá a su granja buscando a su perro. Lo que sucede hará que se queden con el resto de personajes y que juntos intenten buscar un modo de sobrellevar esa extraña situación a la que se enfrentan.

Completan el reparto Rob Morgan como el enigmático Mcnab; Bill Heck como el teniente Olsen; Jackson Kelly como Travis, el joven inseguro e influenciable que busca controlar su vida con poco éxito; Adelina Anthony será Carmen, y Alice Kremelberg es Izzy.

El final de Teacup nos deja la puerta abierta a una segunda temporada que promete continuar con su trama misteriosa pero que puede ser completamente diferente a lo que hemos visto en estos primeros episodios. De momento no se ha dicho nada sobre ella, pero tampoco se ha cancelado, lo cual nos deja con la esperanza de saber cómo continúa esta historia.

Tráiler de Teacup.

Crítica de Palomas negras (2024), ni Keira Knightley salva esta serie insulsa.

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Cuando uno se asoma a la pantalla principal de Netflix, la plataforma de streaming más importante del mundo, uno no puede evitar contemplar las series más vistas como productos tan acelerados como vacíos de contenido (aunque, de vez en cuando, haya sorpresas). Una de las más vista en el mes de diciembre fue Palomas negras, miniserie de espías situada en el Londres navideño. ¿Se trata de una serie tan correcta como olvidable? ¿O es otro exitazo de Netflix a todos los niveles?

Helen es una espía que trabaja infiltrada como esposa de un importante político británico. Su lealtad pertenece a una misteriosa asociación que trabaja al mejor postor llamada Palomas negras. Cuando su amante es asesinado en un incidente que puede tener repercusión internacional, Helen intentará averiguar qué ha ocurrido con la ayuda de Sam, un sicario de la organización vinculado a su pasado.

Palomas Negras es una miniserie de seis capítulos, todos ellos dirigidos por Alex Gabassi, que ya participó en episodios de Raised by wolves, The Crown o The Frankenstein Chronicles (aquí tenéis la crítica de esta olvidada serie victoriana) . Es decir, un director funcional que no sobresale dentro de lo que la serie quiere contar.

Y lo que quiere contar está escrito por Joe Barton, guionista de la desconocida y reivindicable Giri/Haji (también en Netflix) y de The lazarus Project (serión que tenéis en Skyshowtime).

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Sin embargo, si por algo llama la atención Palomas negras es por el protagonismo de Keira Knightley, estrella británica conocida desde hace veinte años por su protagonismo en la trilogía Piratas del caribe. La actriz decidió apostar por una carrera alejada del cine más comercial, con afinidad por las historias de época como Orgullo y prejuicio, Expiación o Anna Kanerina.

Hacía años que Knightley no aparecía en un producto puramente comercial, así que Palomas negras no es solo su regreso al cine de acción, sino su primera serie de televisión.

Por lo tanto, la actriz es el principal reclamo de Palomas Negras. Y no entiendo que ha visto Knightley en el guión de esta serie de espías del montón.

Los 21 mejores espías de la historia del cine

Básicamente, la miniserie aúna dos tramas aparentemente inconexas, aunque condenadas a entenderse al final de esta tanda de capítulos. Por un lado, la muerte de un diplomático chino que amenaza con desencadenar una Tercera Guerra Mundial en la que está involucrado el político casado con el personaje de Knightley. Por otro lado, el regreso del sicario, vinculado a las familias de los bajos fondos londinenses.

Es decir, Palomas negras abarca todo el espectro social del crimen londinense. Desde las altas esferas políticas a los más cutres criminales cockneys. Algo que no termina de encajar del todo bien.

El principal problema de la serie es que su guión deja mucho que desear. Apenas profundiza en alguna de las dos tramas y estas están aderezadas de un toque de humor que no cuaja. Es como una mala versión de las primeras películas de Guy Ritchie.

Además, la serie está repleta de continuos fallos de guión. El principal es que la protagonista es la esposa de un importante político británico pero puede salir y entrar de la casa y liarse a tiros y navajazos por todo Londres sin consecuencias. Su pareja, al menos al principio, no se hace preguntas sobre lo que hace o deja de hacer su mujer y es algo que no me puedo quitar de la cabeza en ningún momento de la serie. Tampoco se termina de profundizar en las consecuencias de la doble vida de la protagonista.

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En este sentido, el personaje de Ben Wishaw (otro enorme actor metido en este desaguisado) es algo más interesante. Un sicario que tuvo que abandonar su vida personal y Londres por su trabajo y que debe volver a la ciudad donde lo dejó todo. Siendo un personaje cuyo cinismo es más apropiado para el tono que se ha buscado a Palomas negras, tampoco se termina de profundizar en su trama porque hay que dedicarle tiempo a la más política.

Junto a ellos, destaca una Sarah Lancashire (ay, Happy Valley, menudo serión) como jefa de ambos en una serie que no destaca ni por su trama convencional de espionaje ni por los toques gamberros que buscaban algo distinto. Al final, por mucho Netflix y mucha Keira Knightley, Palomas negras es, sencillamente, una serie más.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Las Series que nos hacen Felices: Star Trek Voyager, a treinta años de su estreno

Un 16 de enero de 1995 se emitía el episodio piloto de Star Trek: Voyager, serie que ampliaba el universo de la franquicia con un capitán femenino y ubicando la mayor parte de su historia más lejos que ninguna. A treinta años, hacemos valoración de su aporte y legado.

Pocos universos han generado tanta lealtad como el de Star Trek. Nacido en 1966 con la serie original creada por Gene Roddenberry, se extendió luego con otras siete series live action más dos animadas y trece largometrajes para cine, a lo que hay que sumar veintiocho videojuegos, más de ochocientas novelas y tres series continuas de cómics más muchas otras limitadas o cruzadas y hasta una versión en manga. Entre todo ello, Star Trek: Voyager, la serie que hoy nos ocupa al cumplirse treinta años de su primera emisión, tiene sin duda ganado un lugar en el corazón “trekkie”.

Con Michael Piller y Jeri Taylor como showrunners iniciales, la misma fue estrenada un día como hoy pero hace treinta años, siendo la quinta serie de la franquicia y coincidente en emisión con Star Trek: Deep Space Nine, para entonces a punto de estrenar tercera temporada.

Star Trek: The Next Generation había concluido en 1993 con un episodio visto por treinta millones de televidentes y su final creaba entre los fans una sensación de vacío, pues al transcurrir DS9 mayormente en una estación espacial, estaba faltando una serie “de viajes” o “de naves”.

¿Pero cómo contar una historia novedosa cuando ya la serie original y TNG habían supuestamente llegado “adonde nadie ha llegado jamás”? No tenía sentido plantear nuevamente una nave de exploración en misión continua, así que Star Trek: Voyager, justamente, propuso otro enfoque y al hacerlo aportó varias novedades a la franquicia.

De hecho, es la primera serie que transcurre mayormente a bordo de una nave que no responda al modelo Enterprise. La original, ni creo que haga falta recordarlo, tenía a la querida NCC-1701, como también igual la serie animada que vendría después. TNG tenía a la NCC-1701-D que, básicamente, seguía el diseño de la anterior, pero con más capacidad de tripulación y algunas novedades como la holocubierta. Y DS9, ya lo hemos dicho, transcurría mayormente en una estación y si bien podían utilizar naves de tanto en tanto, ninguna adquiría protagonismo como escenario principal.

Lanzada, según la ficción, en 2371 y catalogada con la nomenclatura NCC-74656, la USS Voyager, con sus 343 metros de largo por 116 en su parte más ancha, es más pequeña que la Enterprise-D y tiene menor capacidad (alrededor de ciento cincuenta personas), pero ello la hace a la vez capaz, por ejemplo, de aterrizar en un planeta (cuando alguna de las otras tuvo que hacerlo, fue por emergencia). El diseño, bellísimo por cierto, estuvo a cargo de Richard James y Rick Sternbach, quien ya había diseñado previamente el cubo Borg para TNG.

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La segunda gran novedad con respecto a las series anteriores e incluso a las películas ya realizadas era que no teníamos capitán sino capitana. No es que no las hubiera habido antes en la franquicia, pero siempre eran presencias circunstanciales y nunca con rol protagonista, como era ahora el caso de Kathryn Janeway.

En un principio, el personaje iba a tener el nombre Nicole y sería interpretado por Geneviève Bujold, pero esta, cuya experiencia procedía de rodar largometrajes, no soportó el intensivo ritmo de grabación propio de una serie y abandonó al segundo día. La elegida fue entonces Kate Mulgrew, quien ya había audicionado antes para el papel y tuvo que comenzar a trabajar contrarreloj porque el episodio piloto ya estaba en marcha y con fecha de entrega.

Adonde nadie haya llegado jamás…

La historia se dispara a partir de que la capitana Janeway es asignada junto a la tripulación de la USS Voyager para recapturar una nave tomada por rebeldes Maquis, misión que tiene lugar en la peligrosa zona del Cuadrante Alfa conocida como Tierras Baldías. Logran darle alcance, pero una entidad alienígena de otra galaxia llamada El Guardián (Caretaker) termina, a través de un dispositivo, provocando una ola de energía que afecta a ambas naves y las envía al Cuadrante Delta, es decir a la zona no explorada de la galaxia.

La de los Maquis acaba destruida, mientras la Voyager aguanta a duras penas y con considerable pérdida de vidas, lo cual incluye al primer oficial y a todo el personal médico. La capitana Janeway hace rescatar a los Maquis sobrevivientes y se ve obligada a conformar una tripulación mixta o de lo contrario no les alcanza el personal disponible. Y para evitar un genocidio, hace destruir el dispositivo que les llevó hasta allí y que de algún modo era su boleto de regreso…

Desde ese momento, la Voyager se queda a setenta y cinco mil años luz de casa, sin comunicación alguna y teniendo por delante un viaje de regreso que les demandará setenta años.

Los Personajes

Kathryn Janeway (Kate Mulgrew)

Como hemos dicho, es la primera mujer que, oficiando de capitana, tiene rol principal en una serie de Star Trek. Se caracteriza por un marcado acento del medio oeste norteamericano que la diferencia de los anteriores capitanes (William Shatner era canadiense y Patrick Stewart británico, aunque su personaje francés) y es adicta al café, aunque en el episodio doble final nos enteramos de algún cambio al respecto. Sabe imponer voz de mando cuando es necesario, pero también escuchar a su tripulación y siempre buscará la solución que menos les perjudique.  Ah, y hasta fue objeto de fantasías de Homer Simpson.

Chakotay (Robert Beltran)

De orígenes indígenas, al punto de tatuarse la cara en honor a ellos, había renunciado a la Flota Estelar para unirse a los Maquis pero, tras ser detenido, la capitana Janeway le dará una nueva oportunidad al designarlo nada menos que como su primer oficial. Aun con sus conflictos internos, se convertirá en el complemento ideal para ella, habiendo entre ambos una gran química y una evidente atracción mutua que se palpa en todo momento, pero nunca termina de cruzar la línea.

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B’Elanna Torres (Roxann Dawson)

Si hablamos de personajes con conflictos internos, ella les gana a todos. Por la dualidad que le implica ser un híbrido humano-klingon y por el comportamiento agresivo que desde niña le ha caracterizado y deberá aprender a controlar para convivir con sus compañeros de tripulación. Habiendo abandonado la Academia y uniéndose a los Maquis, terminará no obstante como jefe de ingeniería a bordo de la Voyager, cargo vacante al fallecer quien lo ocupaba.

Tom Paris (Robert Duncan McNeill)

Es el jefe timonel. Con un pasado familiar ligado a la Flota, fue sin embargo dado de baja tras un error que costó la vida a tres oficiales. Frustrado y entregado a la bebida, se conoció con Chakotay, quien lo sumó a la rebelión de los Maquis, pero acabó preso. Janeway lo sacó temporalmente para aportar su experiencia al ir justamente tras ellos hacia las Tierras Baldías y, al igual que el resto, terminó en el Cuadrante Delta. Le costará ganarse el respeto de sus compañeros, pues tanto los miembros de la Flota como los Maquis desconfían de él por su pasado en ambos bandos.

Tuvok (Tim Russ)

El vulcano de la serie era un infiltrado a bordo de la nave de los Maquis al producirse el incidente que arrastró a estos y a la Voyager al Cuadrante Delta. Una vez nuevamente a bordo de la segunda, oficia como teniente y jefe de seguridad hasta que en la cuarta temporada es ascendido por Janeway a teniente comandante. Como buen vulcano, practica la fusión mental y a lo largo de la serie se van revelando poco a poco su pasado y los traumas que el mismo le hace cargar.

Neelix (Ethan Phillips)

A diferencia de los anteriores, es nativo del Cuadrante Delta, siendo un talaxiano que ha quedado sin familia al morir completa la misma durante un ataque haarkoniano a su mundo. Es el chef de la Voyager, aunque también se echará mano de su “localía” cuando haya que relacionarse con razas o pueblos a los que conoce bien: de alguna forma es el guía en territorio desconocido. Su personalidad tiende a chocar con la de Tuvok, pero irán aprendiendo a entenderse y más aún después de que, en la segunda temporada, un accidente del transportador los fusiona temporalmente en uno solo.

El Doctor (Robert Piccardo)

En toda nave de la franquicia que se precie debe haber un jefe médico, pero al morir justamente este junto a todo su equipo, dicha función termina en manos de un holograma sin nombre que originalmente oficiaba como auxiliar para casos de emergencia. Siendo una inteligencia artificial, tiene puntos en común con Data y termina desarrollando interés por el arte (particularmente por la ópera) o por conceptos humanos como el de familia. El actor Robert Piccardo había audicionado inicialmente para Neelix, pero al quedar el personaje en manos de Ethan Phillips, se le sugirió probar suerte con el Doctor. Según propias palabras, no tenía en ese momento idea de lo que era un holograma.

Harry Kim (Garrett Wang)

El asiático-americano es el alférez de la nave y también el más inexperto e ingenuo, pues apenas acaba de salir de la Academia cuando las circunstancias hacen que termine ocupando dicho cargo. El plan de la producción era que el personaje muriera en la tercera temporada, pero cambiaron de idea al publicarse un listado de la revista People que incluía al actor entre las personas más sexies de 1997: por el contrario, se le dio mayor protagonismo.

Kes (Jennifer Lien)

Otra nativa del Cuadrante Delta, cuya especie, los Ocampa, poseen habilidades telepáticas entre otros dones psíquicos. Se desempeña como asistente del Doctor y desarrolla por su cuenta un jardín aeropónico a bordo de la Voyager. Además, es pareja de Neelix y víctima frecuente de sus celos. En la cuarta temporada, sus poderes ponen en peligro a toda la nave y debe salir de la misma, aunque tendrá una reaparición aislada en la sexta.

Siete de Nueve (Jeri Ryan)

La dejamos para el final no por poco importante, sino por ser la última en sumarse. En efecto, se incorpora en la cuarta temporada y ha sido en el pasado una niña a la que los borg asimilaron desde los cuatro años junto a toda su familia. Luego de quedar desconectada del Colectivo y de que el Doctor le elimina el setenta por ciento de sus implantes, será sumada a la tripulación por Janeway, de algún modo su mentora y casi madre, pero con la cual sostiene a la vez una relación de conflicto. Enfundada en su sensual traje de una sola pieza, es el personaje más sexy de la serie y quizás de la franquicia.

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Valoración y Legado

Al momento de estrenarse, Star Trek: Voyager fue la punta de lanza de UPN, canal televisivo que Paramount daba en ese momento a luz. Con veinte millones de dólares de costo, su piloto Caretaker fue el más caro de la historia de la televisión hasta ese momento y la serie se mantuvo durante siete temporadas y ciento setenta y dos episodios hasta su conclusión con el capítulo doble Endgame, emitido el 23 de mayo de 2001.

Es absolutamente lógico que en todo ese tiempo haya habido disparidades y algunos episodios puedan haber sido de relleno, como también que la serie logra tomar rumbo más definido a partir de la cuarta temporada, con la llegada de Brannon Braga como showrunner y la incorporación de Siete de Nueve, pero en líneas generales la serie mantuvo el nivel, así como también viva a la franquicia, al punto de ser hoy muy querida por los fans y estar plenamente integrada al canon con el resto.

Lamentablemente, no hemos vuelto a ver a la capitana Janeway de presencia completa en ninguna otra serie de la franquicia, aunque sí como holograma en la maravillosa serie animada Star Trek: Prodigy, de la cual pueden leer aquí mi reseña y no sé qué esperan para ver si es que aún no lo han hecho (también el Doctor y Chakotay pasaron por allí). Fue muchas veces aludida en Star Trek: Picard y esperábamos su aparición, pero finalmente no ocurrió, como sí la de Tuvok y Siete de Nueve que, además y vuelta a encarnar por Jeri Ryan, será al parecer personaje principal de Star Trek: Legacy, serie de la cual Paramount se demora en dar anuncio oficial.

Star Trek: Voyager innovó en muchos sentidos. Además de tener un capitán femenino y una nave “no Enterprise”, fue la primera serie de la franquicia en utilizar efectos digitales, sobre todo a partir de la tercera temporada, mientras que en las dos primeras se había recurrido mayormente a réplicas o maquetas, teniendo como único momento digital la maravillosa presentación que, diseñada por Amblin Imaging, se hizo acreedora de un Emmy. El tema de apertura compuesto por el gran Jerry Goldsmith es también de los más hermosos y épicos del mundo trekkie.

Pero lo que era fundamentalmente novedoso era el ubicar la historia tan lejos. Años después, en el sexto episodio de la tercera temporada de Star Trek: Picard, hay un momento altamente emotivo cuando al ver la Voyager en el Museo de la Flota, Siete de Nueve (que también está allí presente) explica que “el prestigio de esa nave se forjó mucho más lejos que el de las demás…”

Y en efecto así es. La Voyager llevó al límite esa promesa de “llegar adonde nunca nadie haya llegado jamás” que forma parte del parlamento inicial que todo trekkie conoce de memoria como un rezo laico. Eso no solo dio la posiblidad de crear y presentar a especies nuevas que no conocíamos, sino que al poner a los personajes en semejante situación de aislamiento, sin contacto con el resto de la Federación, la nave pasa a ser su mundo y el viaje de regreso casi una versión espacial de la Odisea, más allá de que en su camino se crucen con algunos viejos conocidos nuestros como Q o los Borg.

El universo trekkie es realmente vasto y difícil de abarcar, así que está la posibilidad de que haya quien nunca le haya dado una oportunidad o echado un vistazo. A treinta años de su estreno, por lo tanto, la invitación a descubrirla está hecha y les aseguro que no se arrepentirán. Y para quienes la hemos visto completa, siempre es una tentación y un placer redescubrirla…

Hasta la próxima y sean felices. Larga vida y prosperidad…

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Tráiler Oficial de Daredevil Born Again en castellano

Ya está, ya tenemos el tráiler oficial de Daredevil Born Again en castellano. Estamos ante un hito histórico dentro de las series Marvel ya que es la primera vez, y parece que por ahora la última, que recupera sus personajes de Netflix para llevarlos a su propia plataforma. Y es que Daredevil y Kingpin tienen tanto peso dentro de la estructura Marvel series, que en Disney + no querían dejar pasar este tren.

Pero no solo es eso, ya que La Casa de las Ideas vuelve a tener a estos personajes incorporados en el Universo Cinematográfico Marvel, por lo que los podremos ver hipotéticamente en otras series o incluso en otras películas. Y digo esto ya que hemos visto a Matt Murdock en series como She-Hulk o en Spiderman No way home, aunque fuera un cameo.

Tráiler Oficial de Daredevil Born Again

Pero lo mejor de todo esto es que Daredevil o Kingpin no vienen solos a Disney +, puesto que regresan otros personajes importantes como Karen Paige, Foggy Nelson y sobre todo Frank Castle, también conocido como The Punisher. Eso sin contar con otros villanos como Bullseye o el Tigre blanco (White Wolf).

El estreno de la serie será oficial el 5 de marzo de 2025, y el tráiler ya da muchas pistas de donde irán los derroteros: Mucha violencia.

Os dejo con el tráiler.

Un saludo y sed felices.

Análisis de Star Wars: Tripulación perdida. Temporada 1. Episodio 7: Vamos a estar en un buen lío.

Bienvenidos al análisis del penúltimo episodio de Star Wars: Tripulación perdida, donde los protagonistas llegan al final de su viaje y donde se revela al verdadero villano de la función, por si alguien tenía alguna duda. Os dejo con el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío.

Bienvenidos a At Attin

Mientras los padres de nuestra tripulación perdida corren por el bosque homenajeando a E.T., el extraterrestre, consiguen enviar una baliza (que se asemeja mucho a la propia nave de E.T.) más allá de la barrera para comunicarse con los chicos, estos han llegado a las inmediaciones de At Attin, protegido por una nube tóxica artificial que impide la entrada de cualquier nave.

No son los únicos. Los piratas, guiados por Jod Na Nawood, también se han plantado a los puertas de At Attin. El único problema que tienen todos es cómo cruzar esa nube tóxica. Buscando ganar tiempo, Jod Na Nawood continúa hablando para evitar que Brutus lo arroje por la esclusa de aire, cual pasarela de barco pirata.

Jod les recuerda a los piratas que el planeta del tesoro está escondido a propósito y que necesitan una llave para entrar: una nave. Y resulta que la única nave que puede volar hacia el planeta sale del hiper-espacio en ese preciso momento.

Kids arrive at At Attin Skeleton Crew

Efectivamente, es la nave de Tak Rennod, que en realidad, una vez liberada de su casco en el episodio anterior, se revela como una nave de la Antigua República capaz de llegar al planeta. En ella encontramos a los niños jugando a ser niños, alegrándose de volver a casa. Excepto Win.

Ahora que la aventura está a punto de terminar, se da cuenta de que pronto tendrá que regresar a su aburrida vida y no quiere hacerlo. Puede que se arrepienta de los peligros mortales del viaje, pero no de la aventura. La diferencia es que esta vez no está solo, ya que el viaje también cambió al resto de la tripulación. Incluso Neel dice que está contento de haber emprendido esta aventura, a pesar de casi morir la mitad de las veces.

Skeleton Crew 7

La nave es capturada por los piratas mediante un rayo tractor, todo un clásico de la franquicia. Tras disparar a Brutus en plena cara, Jod se hace con el control de los piratas y recupera su casco de Capitán Silvo, aunque gracias a la ayuda de SM-33 y tras recibir la transmisión de sus padres, los chicos consiguen escapar.

Lo malo es que Jod / Capitán Silvo se ha colado en la nave, decapita a SM-33 de un espadazo laser y se hace pasar por emisario de la República y parece que no ha habido uno en mucho tiempo, porque la gente en la plaza parece muy sorprendida cuando se abre un pequeño parque y revela una plataforma de aterrizaje bajo tierra. Jod convence a los droides de seguridad de que él es el emisario y debe mantener a los niños a su lado para su seguridad.

La Casa de la Moneda subterránea es, de hecho, una instalación enorme que esconde 1.139 bóvedas, cada una con una cantidad realmente increíble de créditos de oro brillante, cuya mera visión hace reír y llorar de alegría a Jod. El episodio termina con los padres de los niños llegando a la bóveda y abrazándolos, un momento que se ve interrumpido por la llegada de Jod y el encendido de su sable de luz amenazante, dejandonos a las expectativa del episodio final.

tripulación perdida

Long John Silver del espacio

Si alguien destaca en este episodio (como en el resto de la serie) es Jude Law y su personaje, revelado como un auténtico villano. Si hasta la fecha nos parecía una mezcla entre Han Solo y Jack Sparrow, a ratos sinvergüenza, a ratos carismático, un chrlatán de primera clase capaz de salir airoso de cualquier situación, aquí se presenta como un auténtico hijo de p.ta, capaz de dispararle a un tipo a la cara mientras está prisionero y enfrentándose a unos mocosos quejicas y malcriados que se supone son los protagonistas de la serie.

Jod Na Nawood o como quiera que se llame es, desde ya, uno de los personajes más fascinantes de la historia reciente de Star Wars, uno que incluso desafía la representación de los Jedi en la franquicia, si es que es realmente un Jedi caido.

Al mismo tiempo es un tipo carismático y su diálogo con Wim en este episodio (y en algunas escenas de episodios anteriores) parece esconder un profundo dolor que igual nos quedamos con las ganas de descubrir. También es codicioso, egoísta, cruel, codicia el poder y está dispuesto a hacer lo que sea por él y sólo por él.

Jude

¿Descubriremos su verdadero nombre y su origen? ¿Morirá cómo se merece o se escapará gracias a su labia? ¿Tendremos segunda temporada? Nos leemos en el episodio final de Star Wars: Tripulación perdida. Hasta entonces, un saludo, sed felices.

Las cosas que nos hacen felices opinan: Los mangas más esperados de 2025

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¿Cuáles son los mangas más esperados para 2025? La verdad es que la respuesta es complicada de dar porque no sabemos al 100% que mangas se van a sacar en España a lo largo del nuevo año, sólo quizás los primeros meses. Y además tengo que añadir, porque cada uno tenemos un ranking de series, y de gustos que puede variar ostensiblemente. Y es que lo bueno del manga es eso, la variedad de estilos que existen, lo que convierte este arte en una joya que hay que leer y compartir. Pero aún con todo voy a dar 5 series que creo que serán interesantes seguir en 2025.

1. Silent Mobius. MangaLine. Pues si, un clásico que disfrutamos aquí en los años 90, vuelve ahora de la mano de Mangaline para deleite de los más veteranos en una nueva edición de sólo 12 tomacos. Y la premisa de ataques de seres de otra dimensión que hacen peligrar la vida no sólo en Japón sino en el mundo entero parece muy trillada, pero tener en cuenta que este manga esta de hace más de 30 años, lo que significa que fue de los primeros en tener esta premisa en su argumento. Un clásico que hay q leer.

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2. Jujutsu Kaisen. Norma editorial. El manga más vendido en Japón los últimos 4 años llega a su fin en España este 2025 en el tomo 30. Queda poco para terminar con una historia que ha sido tendencia casi un lustro y cuyo anime está también siendo un éxito absoluto. La parte mala de la historia es que los creadores ya han dicho que no habrá secuela ni spin-off, por lo que parece que la historia acaba aquí. Una pena pero prefiero que la serie no se alargue en capítulos de relleno que desmerezcan el manga.

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3. Yu-Gi-Oh!. Planeta Cómic. Tras el éxito del formato 3×1 en títulos como Naturo o One Piece, los amigos de Planeta cómic van a sacar durante el 2025 en formato kanzenban la serie Yu-Gi-Oh! en 15 tomos. En el enlace que os he puesto antes es el de la edición de hace unos años. Si el formato es un kanzenban de lujo como las series anteriormente mencionadas, creo que será un honor tener en la estantería el manga de Yu-Gi-Oh!.

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4. JoJo’s Bizarre Adventure Part VIII: JoJolion. Ivrea. Otra colección que para mi es imprescindible, llega a su conclusión a finales de 2025. Como fan de Jojos, esta parte 8 me está gustando bastante y tiene la salvedad que por licencia con Japón se está publicando en el mismo formato que en el pais nipón, en 27 tomos al contrario que las primeras 7 partes que se publicó en España en una especie de kanzenban más gordos. La parte negativa es que la parte 9 titulada The JOJOLands se está publicando de una manera muy sosegada en Japón, y en españa tendremos que esperar mucho tiempo hasta verla finalizada. A veces me pregunto cuando acabará esta epopeya creada por Hirohiko Araki.

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5. Elden Ring: Become Lord. Norma editorial. Reconozco que un poco de miedo me da este «manga», ya que parece más bien una expansión comercial del producto que una nueva serie salida de la mente de un creador. Pero en esto estamos. La serie se está publicando como webtoon, en formato digital y que se lee en scroll, en viñetas verticales, y a todo color. Destinado a leer directamente en el móvil. Pero debido al éxito de la serie se está adaptando al formato manga, y es ese el que va a publicar Norma editorial durante este 2025.

Los mangas mas esperados

¿Qué os han parecido estos mangas para ir abriendo boca el 2025?
Un saludo y sed felices.

Neil Gaiman acusado de violación y abusos sexuales

Supongo que la mayoría de los seguidores de la web conocen a Neil Gaiman, básicamente porque es uno de los autores modernos de fantasía más importantes del mundo. Algunas de sus obras, que muchas han visto la luz en el cine y la televisión son Sandman, Buenos presagios (Good Omens), Stardust, Coraline, American Gods… Además de ser gran defensor de la integración de la mujer y de las minorías en sus adaptaciones al cine o la televisión. Realmente todo pintaba bien para Gaiman, hasta ahora, ya que parece que las tornas están girando. Y de qué manera. Como reza el artículo «Neil Gaiman acusado de violación y abusos sexuales» es un giro dramático no sólo para el autor, sino para todos los fans del mismo. Y es que según diferentes medios son mínimo ocho mujeres las que han denunciado al escritor.

Según el periódico USA TODAY hasta nueve mujeres le han demandado por diferentes acciones a lo largo de las últimas décadas. Luego ya en periódicos nacionales podemos leer en El mundo o en El País que fueron ocho mujeres que le acusan de violación y de asaltos sexuales sadomasoquistas. Creo que en estos enlaces que os doy podéis leer con más detalles algunos hechos por los que se acusa a Neil Gaiman. Lo único que pido es que si el escritor, por muy genio que sea, es demostrado culpable, que lo pague con todas las de la ley. Si por el contrario se demuestra que es inocente, espero que se limpie su nombre. Pero aún así, si tienes demandas de tantas mujeres, no pinta bien la cosa. Veremos como van derivando las acusaciones.

Neil Gaiman acusado de violación

Netflix no ha podido parar el rodaje de la segunda temporada de Sandman, que recordemos que es una de las series más caras de la plataforma y ya estaba casi finalizada. Eso si, Neil Gaiman ya no aparece en los tráileres, ni en escenas detrás de las cámaras. Parece que Neil Gaiman ya no va a aparecer más en esta serie. Y como estas acusaciones ya llevaban tiempo cociéndose a fuego lento en Estados Unidos, las plataformas se han dado prisa en quitar todo lo que puedan del autor en las mismas. Como he dicho antes no se ha podido parar el rodaje de Sandman, pero si de otras producciones. La serie Los detectives muertos ha sido cancelada por Netflix, asi como la película animada El libro del cementerio por Disney. Y ya no vamos a tener la tercera y última temporada de Buenos presagios (Good Omens), no. Prime Video ha decidido quitar de en medio a Neil Gaiman, que ya no saldrá ni como show-runner, y la saga se acabará en una película. Lo que no sabemos es que pasará con Los hijos de Anansi, un spin-off de American Gods que estaba en desarrollo en Prime Video.

Un saludo y sed felices.

ECC Ediciones Suspende Suministro de Cómics a Tiendas | ¿La Pérdida de Derechos de DC Comics es ya un hecho?

En un reciente comunicado enviado por ECC Ediciones a las tiendas de cómics mediante correo electrónico, la editorial ha anunciado la suspensión ‘hasta nuevo aviso’ del suministro de sus productos.  Es cierto que esto no sorprende a nadie tras la pérdida de los derechos de Skybound e Invencible, y todos los rumores que llevaban meses inundando las redes sociales.

Los problemas económicos de la editorial eran un secreto a voces. Desde hace tiempo, se especulaba sobre la posibilidad de que ECC Ediciones estuviera enfrentando dificultades financieras que ascendían (según rumores) a casi un millón de euros. Esos problemas habrían llevado a las imprentas a dejar de trabajar con la editorial y eso a verse obligada a cerrar.

ECC Ediciones

La pérdida de los derechos de DC Comics es un golpe significativo y fatal para ECC Ediciones, que había sido la encargada de publicar y distribuir los cómics de esta icónica editorial en España desde 2011. Ahora, el futuro de los cómics de Batman y compañía es incierto y los aficionados estamos a la espera de un anuncio oficial sobre quién tomará el relevo en la publicación de estos títulos… Aunque el nombre de una editorial suena con fuerza, ya que publica DC y Marvel en estos países.

Desconocemos cuanto tardará el relevo de ECC ediciones en comenzar a publicar, ni si seguirá las series y formatos que aún están publicando o comenzará desde cero. Nos esperan algunos meses moviditos.

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Más allá de como va a afectar esto a los lectores y tiendas de cómics hay algo de mayor importancia: Las familias que se van a quedar desempleadas si la editorial, finalmente cierra sus puertas definitivamente.

Un saludo y sed felices.