Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Planeta Cómic, previstas para este mes de noviembre. Vamos a echar un ojo …
Novedades de Planeta Cómic de noviembre de 2024
Este mes de noviembre celebramos Halloween y Planeta Cómic nos trae una reedición de una de sus míticas series. Por eso, la primera de nuestras recomendaciones es …
1.- Creepy 3.
«Date un festín visual y alimenta tu imaginación con esta deliciosa colección de algunos de los mejores cómics de horror de todos los tiempos, desenterrados de las páginas de la revista Creepy.
Dentro encontrarás obras maestras de Gene Colan, Neal Adams, Angelo Torres, Wallace Wood, John Severin, ¡y un montón de otros virtuosos de lo vil!»
Esta nueva entrega de Creepy, estará en nuestras librerías el 20 de noviembre. Si queréis más información sobre este título, pinchad aquí.
2.- Team Phoenix 4.
«El Team Phoenix logró rescatar finalmente al famoso paciente Alpha, ¡que es nada más y nada menos que Astro Boy!
Pero los problemas no terminan aquí ya que nuestros protagonistas deberán escapar de la Zona Hermética.
Por otro lado, la nave en forma de Phoenix ha sido atacada y se encuentra gravemente dañada, pero gracias al ingenio de Sharaku podrá ser reparada.
Pero… algo horrible ocurre, ¡el tercer ojo de su frente se abre y hace que cambie por completo y que luche en contra de sus amigos!»
Lo tendremos disponible en librerías el 13 de noviembre. Si queréis más información sobre este título, pinchad aquí.
Y estos dos títulos han sido nuestras recomendaciones de Planeta Cómic para el mes de noviembre.
Un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todas las novedades previstas para este mes.
Afrontábamos este tercer trimestre de 2024 sin una clara ilusión cinéfila. Más allá de la Megalópolis de Coppola (una de las grandes polémicas del año) o la secuela que nadie pidió de Gladiator, la sensación era que el 2024 era francamente peor que el año anterior. Salvo por Joker: Folie a deux. Otra secuela que nadie pidió. Nadie hablaba de La sustancia.
Sin embargo, para gozo de los amantes de un cine más libre, alejado de franquicias, precuelas, secuelas y spin-offs, La sustancia ha acabado eclipsando a toda una superproducción como la secuela de Joker, una película que recaudó más de mil millones de dólares. Y lo ha hecho por la vía de la recomendación, que empezó por aquellos críticos que la alabaron en el festival de Cannes como la película más sangrienta y desagradable de su historia.
¿Merece la pena este boca a boca? ¿Es La sustancia una de las películas de 2024? Vamos a ello.
La sustancia cuenta la historia de Elisabeth Sparkles, una actriz madura ganadora del Oscar que presenta un programa de yoga y que es despedida por su edad. Desesperada, la actriz recurrirá a la sustancia, un producto misterioso que es capaz de producir una versión, como dice la empresa que lo diseña, “más joven, más bella, más perfecta”.
La película está enmarcada dentro de un género de terror especial conocido como Body Horror. Aquí no se busca tanto el miedo del espectador como su desasosiego al ver malformaciones humanas grotescas, con tumores o pústulas. La premisa es clara: el cuerpo, el gran altar de la sociedad actual, puede volverse contra nosotros.
Y de eso va fundamentalmente La sustancia. Su historia no es tan original. Al fin y al cabo, no deja de ser una variante del proceso de vampirización visto en El crepúsculo de los dioses o Eva al desnudo pero pasado por el filtro del director David Cronenberg, pionero del body horror. Dos mujeres cuya única meta en la vida es ser admiradas. Ojo, no amadas. No buscan comprensión ni afecto, sino que las quieran por lo que parecen ser. Viven encasilladas en un papel de divas cuya relación con los hombres se basa en la excitación porque es la manera que tienen estos de utilizarlas para sus fines.
Las referencias de la directora Coralie Fargeat no acaban solo en el argumento. Tenemos claras referencias a Psicosis, a El resplandor, a El hombre elefante o a El retrato de Dorian Gray. Tramas clásicas sobre la dualidad y la estética que se combinan y actualizan a la perfección. Porque vivimos en una sociedad en la que la estética y el mostrar lo que los demás quieren está a la orden del día. Otra cosa es lo que se esconde en realidad.
La película se ancla en torno a dos ejes estéticos. Por un lado, la glorificación del cuerpo femenino. Sorprende la mirada de Fargeat, directora capaz de dotar de una mirada masculina a su cámara. Se nota en las escenas de cuerpos femeninos, especialmente el de la joven Margaret Qualley pero también en el de Demi Moore, espectacular a sus 62 años. Este es el más centrado en el personaje joven, con escenas de baile más propias de introducción de película porno que de cine convencional.
Por otro lado, la degeneración de dicho cuerpo a través de toda la trama del personaje de Demi Moore, incapaz de hacer frente a su deterioro en una deriva argumental que nos recuerda al Requiem por un sueño o al Cisne negro de Darren Aronofsky.
Y, finalmente, ambas confluyen en un festival de body horror, un despiporre grotesco, gore y provocador que lleva el mensaje de la película al extremo y aumenta su impacto. Desgraciadamente, esta parte es la que se ha promocionado como la más memorable de La sustancia y puede que lo sea. Su impacto es innegable. Pero no es la más meritoria. Lo directo se convierte en grotesto y la sátira se eleva a unos niveles festivos que hacen desaparecer el desasosiego que producía la película.
Es decir, que la parte más promocionada del film es la que menos me interesa y la que resta puntos a una posible obra maestra.
La sustancia no tendría sentido sin la entrega absoluta de sus dos actrices principales. Tanto física como emocionalmente. Margaret Qualley va camino de ser una de las actrices de su generación. Pero lo de Demi Moore, diosa de los 90 interpretando a diosa de los 90, es otra historia. Su interpretación en ESA escena frente al espejo es lo más terrorífico, por triste, de La sustancia.
En definitiva, La sustancia es una de las grandes películas de 2024. Una fábula sobre el querer ser deseada como única forma de alcanzar la felicidad que impacta tanto por las entregas interpretaciones de sus protagonistas como por su contraste entre el erotismo de los cuerpos y el horror de la putrefacción física. Lástima de un festivo aquelarre final que realza su condición de sátira sobre la sociedad actual pero elimina lo tristísimo de su mensaje. EL terror de La sustancia no deriva en la visión de una teta saliendo de una órbita, sino de la angustia de no poder sonreír. Porque una sonrisa mellada no aparece en Instagram, Facebook o Tinder.
La dupla Gael García – Diego Luna vuelve a reencontrarse en las pantallas tras 12 años desde su última colaboración, esta vez en una historia de boxeo y corrupción que se convierte en el primer proyecto 100 % en español hecho por Disney+.
La nueva miniserie de Disney+, con Marco Ramírez como showrunner, sigue a Esteban «La máquina» Osuna (Gael García), un boxeador que se ha convertido en leyenda en México pero que los años le van pasando factura. En su pelea más reciente es noqueado en el primer asalto, lo que hace que muchos crean que «la máquina» ha dejado de funcionar.
Gracias a su agente, Andy Luján (Diego Luna), y de manera poco ortodoxa, «la máquina» vuelve a tener la oportunidad de redimirse y posicionarse de nuevo como uno de los mejores peleadores del mundo. Sin embargo, una organización se interpone en su camino, poniéndole contra las cuerdas y obligándole a perder la pelea.
La dupla Luna-García
Empecemos por lo mejor que tiene para ofrecer la serie. En este caso, lo mejor logrado sin lugar a dudas es la gran química entre ambos protagonistas. No es de extrañar, ya que desde Y tu mamá también, el público conoce la conexión que comparten en pantalla estos dos actores mexicanos.
En esta nueva miniserie no iba a ser diferente. Cada interacción entre los personajes se siente única y real, como si estuviéramos viendo conversar a dos amigos de toda la vida, con sus diferencias, pero sobre todo con una gran amistad. La interpretación de ambos ayuda mucho a conectar con los personajes, porque, a pesar de ser dos ricos excéntricos, el espectador se apoya en su relación para entenderles y no perder el interés en ellos.
El Boxeo
apreciar que no solo se centra en el momento exacto de la pelea, sino también en todo lo que hay detrás, ya sea en los aspectos positivos o cuando explora el lado más oscuro del boxeo.
Todas las escenas relacionadas con el deporte y el sacrificio que implica alcanzar la cima en una disciplina que acarrea tantas consecuencias están muy bien logradas. Para los aficionados al boxeo, será un placer disfrutar de las secuencias de peleas y entrenamientos, y para quienes no lo son, como es mi caso, os aseguro que os quedaréis un poco más intrigados por el mundo del boxeo.
Los muchos problemas de la serie
Si bien es cierto que tiene muchos aspectos positivos, también tiene varios puntos negativos.
El primero que me gustaría mencionar es que la serie no sabe muy bien lo que quiere ser en muchas ocasiones. La miniserie combina diferentes géneros, como el drama, la comedia y el thriller, lo que provoca una mezcla extraña de escenas. El principal problema es que no se compromete del todo con ninguno de ellos.
Hay infinidad de momentos irreverentes, como los duetos musicales, los problemas de pareja de Andy o su adicción a las cirugías, que no logran equilibrarse con el tono más serio de la serie. Aunque busca generar intriga en torno a la trama de la organización que amenaza a los protagonistas, no logra transmitir del todo esa sensación de peligro debido a la falta de profundidad y al contraste con las escenas cómicas que no encajan bien con las partes más serias.
Un thriller soso
La parte menos interesante de la serie es su trama de corrupción entre organizaciones. Al inicio se presenta la idea de que hay organizaciones más poderosas que controlan el mundo del boxeo, pero esto rápidamente escala hacia situaciones más siniestras, como asesinatos y amenazas de muerte, que se sienten fuera de lugar con respecto al tono que se plantea en el piloto.
Esto también deriva en varias tramas que no llegan a cerrarse bien, como la de Irasema (Eiza Gonzáles), la exesposa de «La Máquina», quien se embarca en una investigación sobre la corrupción en las peleas y cómo estas están amañadas. Sin embargo, esta sub-trama no llega a nada relevante y, si se quitase de la serie, el resultado sería el mismo, ya que no tiene un impacto significativo en los personajes.
Lo mismo ocurre con las alucinaciones de «La Máquina», que al principio pueden resultar intrigantes para el espectador, ya que plantean el dilema de si es más importante dejar un legado en lo que se ama o preservar la propia salud. Sin embargo, este enfoque se va diluyendo poco a poco, porque no tiene mucho impacto en la trama. Aunque ayudan a comprender mejor el trasfondo del protagonista, nunca revelan nada realmente importante y, si se eliminaran, las demás tramas de la serie seguirían funcionando igual.
Merece la pena?
Aunque hayamos mencionado que tiene muchos problemas argumentales, considero que aun así merece la pena verla, ya que la presencia de los protagonistas hace que todo sea más interesante. La serie vale la pena principalmente porque ambos actores, con su increíble química y actuación, cargan con la miniserie y evitan que se pierda el interés.
También quiero destacar que hay momentos brillantes, que no revelaré por spoilers, pero algunas escenas están muy bien dirigidas y logran que apreciemos más a los protagonistas, haciendo que su amistad se sienta genuina y real.
«La Máquina» es una miniserie que no es perfecta, pero aun así consigue ser lo suficientemente interesante como para mantener al espectador enganchado. Con sus momentos de encanto, puede ganarse el cariño del público. Esperemos que Disney+ siga apostando por más proyectos en español, y que este sea el primero de muchos.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de noviembre. Y que no se nos olvide … ¡Celebramos Halloween! ¡Y los amigos de Astiberri lo saben!
Novedades de Astiberri Ediciones de noviembre de 2024
Lo cierto es que la celebración de Halloween se ha introducido en nuestra cultura popular y ya lo tenemos como nuestro. Ya nos lo comentó en un artículo mi amigo y compañero Mario Losada, justo ahora hace un año. Podéis echar un ojo al artículo pinchando aquí.
Y nuestros amigos de Astiberri nos han querido traer un (muy buen) título para que podamos celebrarlo. Por eso la primera de nuestras recomendaciones es …
1.- El Bloque.
«Cuando la muerte de un vecino en un bloque de apartamentos abre una puerta que conduce a la oscuridad, siete vecinos tendrán que adentrarse en un horripilante y demencial viaje para salvar sus propias vidas. Allí donde se encuentra la nada absoluta, él les espera: el verdadero terror.
¿Estuvieron siempre ligados o se reunieron poco a poco, llegando desde sus propios rincones oscuros, como extraños que se entrecruzan en algún juego secreto?
¿O fue el lugar lo que les unió?
La única certeza es que cuando la puerta se abra, nada podrá detener el descenso».
Esta nueva obra de Jeff Lemire y Andrea Sorrentino, estará disponible en nuestras librerías el próximo 28 de noviembre. Pinchad aquí se deseáis más información.
Y la segunda de nuestras recomendaciones es …
2.- Universo 2.
«Universo es una serie que juega con los códigos clásicos de ciencia ficción, añadiéndoles un humor muy corrosivo y gamberro. A través de historias que ocurren en un futuro lejano, Monteys trata temas de actualidad: sexo, religión, amor, multiculturalidad, trabajo…
En este segundo tomo, además de numerosos guiños a las historias del primer tomo, hay historias sobre canibalismo y clones, supervillanos, electroespejos disfuncionales, razas alienígenas, robots deprimidos y mucho más».
Esta nueva obra de Albert Monteys, llegará a nuestras librerías el 14 de noviembre. Si deseáis más información, pinchad aquí.
Y hasta aquí las recomendaciones de las novedades previstas para este mes de noviembre, de Astiberri Ediciones.
Más abajo, os dejamos el pdf completo con todo el catálogo de novedades de noviembre. Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …
La segunda temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon ha llegado a su punto medio y analizamos lo que nos ha dejado el tercer episodio, titulado L’Invisible. Recordemos que la serie, creada por David Zabel y emitida por AMC+, sigue a Daryl y ahora también a Carol en la Francia ocupada… por los zombies, claro.
Hola otra vez, caminantes y sobrevivientes. Hemos llegado a la mitad de la segunda temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon y claramente se advierten puntos de inflexión en la trama y en los personajes. Un tercer episodio en el que nos hemos despedido de un personaje importante y querible de la serie, pero que también nos ha permitido ahondar en el pasado de Genet con un magnífico flashback parisino. No obstante ello, los distintos arcos no han estado a la misma altura, pero ya hablaremos al respecto.
Pasemos a analizar pues lo que nos ha dejado esta entrega, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden echar ojo en nuestra web a los análisis previos, tanto de esta como de las otras series de la franquicia.
Un flashback inicial nos lleva a París cuando la ciudad luz aún resplandecía. Nos enteramos que una aún joven Marion Genet trabajaba haciendo limpieza en el Louvre y que, al momento de iniciarse el apocalipsis, el lugar fue cerrado y su esposo quedó al otro lado de los cristales de la Pirámide Invertida, lo cual le significó a ella presenciar con espanto cómo era mordido en el cuello por un flamante caminante.
Ya en el presente, la Mona Lisa cuelga sonriente en el cuartel de Pouvoir y Genet encuentra a Carol mirándola. Esta última se le presenta diciendo ser una turista americana que quedó en París cuando todo comenzó hace trece años. Al preguntarle a Genet cómo sabe que la Mona Lisa que allí tiene es la auténtica, le responde en tono tan triste como resentido que ella misma la rescató del Louvre cuando “prefirieron salvar el arte antes que las personas”.
Fingiendo sumarse a Pouvoir, Carol tiene oportunidad de presenciar el estilo de Genet como líder cuando esta obliga a uno de sus subordinados a comer del piso la comida que él mismo arrojara instantes antes. Husmeando, descubre que están llevando al cuartel reclusos que son luego fusilados e inyectados en el cuello, lo que evidencia que están haciendo algún tipo de experimento.
Mientras sirve la comida a milicianos y sobrevivientes, Carol busca en vano alguno que hable inglés para preguntarle por Daryl Dixon, pero el único que le entiende y responde es Codron, a quien, con el rostro maltrecho, un par de dedos menos y atado a la pared por el cuello, tienen insólitamente sin vigilancia. Al principio él desconfía de ella, pero por alguna razón le cree cuando dice ser hermana de Dixon y entonces le habla acerca del castillo en las costas de Normandía.
Remy dice después a Carol que el único paraje que concuerda con la descripción es el Monte Saint-Michel y ella le pide que le acompañe, pero él quiere seguir buscando a Julien, así que, tras despedirse, Carol aturde a un guardia y se hace de un caballo para huir en la noche. No llega lejos: los de Pouvoir la están esperando…
Llevada ante Genet, se entera con decepción que Remy la ha entregado a cambio de que le permitan reunirse con Julien. Él le pide perdón y se justifica en que ella hubiera hecho lo mismo por Daryl. Carol pregunta a Genet por los experimentos y esta responde que están formando un superejército para restablecer la paz y el orden. “La guerra que terminará con todas las guerras”, ironiza Carol dejando en claro que ya ha oído esa historia antes.
Preguntada por Genet acerca de quién es y cómo llegó a París, Carol cuenta esta vez la verdad sobre su viaje en avión y la parada en Groenlandia, pero con la salvedad de que afirma haber venido para matar a Daryl. Genet sonríe con un deje de malicia y le ofrece sumárseles para que pueda cumplir su cometido en el ataque que proyectan al Monte Saint-Michel…
Pero cuando llegan a las cercanías del mismo, Carol descubre trágicamente que las palabras de Genet escondían un doble sentido y la ha llevado hasta allí para convertirla en zombie e inyectarla con el suero. “Te dije que matarías a Dixon”, remata sarcásticamente la líder…
En la Fortaleza
En Saint-Michel, Sylvie intenta rescatar a Laurent de su cautiverio, pero descubre tristemente que el niño ya no está allí. Desesperada, sale a buscarlo. Losang intenta calmarla y que entienda la situación, pero la cosa termina en forcejeo y ella cae desde lo alto de las murallas para terminar sin vida en las losas del piso…
Mientras tanto y extrañamente sin ser vistos, Daryl, Isabelle y Fallou llegan al lugar y trepan el monte por su costado más difícil y rocoso. Ya dentro de la fortaleza, ven cómo Laurent es preparado para la ceremonia y descubren con horror que la misma consiste en someterle a la mordedura de un zombie encapuchado, que termina siendo Sylvie…
Con un disparo certero, Daryl atraviesa el cráneo de esta con una flecha y entre el revuelo logran rescatar al niño. El grupo se divide: Daryl se abre camino a puro arco, cuchillo, arpón y arma de fuego, pero por suerte los atacantes son educados y vienen de a uno, esperando siempre que el anterior termine su turno. Laurent, en tanto, es ocultado por Fillou e Isabelle.
A la larga, sin embargo, Daryl termina capturado y es llevado al sótano del castillo. Por más que Losang le pregunte dónde está Laurent, no suelta palabra. Momentos después cae también prisionera Isabelle y, estando ahora ambos en cautiverio, ella pide a Daryl que le cuente una historia: él le habla de un hombre a quien nunca importó nada ni nadie y que viajó desde muy lejos pensando solo en regresar, pero esa situación cambió…
Para desesperación de Daryl, Isabelle es llevada por Losang y los suyos a los fines de sacarle información sobre el niño que, mientras tanto, se halla a salvo con Fallou y dudando si realmente está feliz de haber dejado el destino que para él parecía signado…
Balance del Episodio
Capítulo claramente dividido en tres arcos: el de Genet en forma de flashback, el de Carol y por último el de Daryl, que es también el de Isabelle y el niño. De los tres, el primero ha sido brillante: no solo nos ha permitido conocer el pasado de Genet y entenderla mejor (que no es lo mismo que justificarla), sino que además ha dado por fin a Anne Charrier la posibilidad de desarrollar un personaje que en la primera temporada había quedado bastante cojo y no llegábamos a saber el porqué de sus acciones o el origen de su resentimiento.
El rodaje del flashback ha sido impactante. No tengo la menor idea de cómo habrán obtenido el Louvre para filmar en su interior o se las habrán apañado para tener libre de gente la Place du Carrousel mientras se hacían los preparativos para los Juegos Olímpicos. Supongo que serían altas horas de la madrugada, pero está claro que los escenarios son reales, como también que la escena de Marion y su esposo separados por los cristales de la Pirámide Invertida está entre lo más desgarrador que hasta aquí ha mostrado la serie.
En las palabras de Genet se advierte además un resentimiento clasista. Para ella, los ricos buscaron salvarse condenando al resto. Hay de su parte, además, una muy interesante reinterpretación del arte y especialmente de la sonrisa de la Mona Lisa que, en medio de la situación, luce a mitad de camino entre la tristeza y la burla como testimonio de una muda sobreviviente que permanece inalterada cuando todo se ha desmoronado alrededor.Y la postura de Genet ante el arte agrega matices al personaje y hace acordar a algunos jerarcas nazis que salvaron valiosas obras de arte en contra de las órdenes de Hitler de destruirlas.
El arco de Carol , muy ligado al de Genet, no ha estado mal, aun cuando las casualidades sigan obrando en su favor de manera poco creíble o encuentre insólitamente a Codron sin vigilancia. Pero es interesante cómo sigue mintiendo con tal de conseguir lo que quiere, siendo especialista en adaptar la mentira al interlocutor…
Ello le funcionó bien con Ash y Codron, pero al parecer ha encontrado la horma de su zapato en Genet, quien sabe hacer también del engaño un arte pero de manera mucho más perversa y a veces sin siquiera necesidad de mentir: le prometió a Carol que ella misma mataría a Daryl, pero nunca especificó en qué forma. Y la interacción entre ambas ha sido un punto alto del capítulo, como también el giro final, más allá de que la líder de Pouvoir no nos terminara nunca de generar confianza.
El de Daryl ha sido claramente el arco más débil. Ha tenido, eso sí, el fuerte impacto de ver morir a Sylvie (Laïka Blanc-Francard), que desde la primera temporada y debido a su relación con Laurent era uno de los principales personajes introducidos por la serie: la extrañaremos.
Pero que desde la fortaleza no vieran avanzar al trío con lo tranquilos que caminaban por la playa o que no tuvieran vigilados todos los flancos del monte es de lo más inverosímil y ni qué decir de la facilidad con que rescataron al niño o de los atacantes de Daryl yendo ordenadamente hacia él uno por uno, más allá de lo bien hechas que estuvieron las coreografías.
Y bien, ya estamos ya a mitad de temporada, lo cual es lo mismo que decir en un punto nodal, por lo cual no sería raro que en el próximo capítulo veamos por fin encontrarse a Daryl con Carol, pero no sabemos en qué forma en el caso de ella (aunque cuesta creer que vayan a zombificar a Carol).
Se viene una batalla que pinta interesante y habrá que ver qué decisión toma Laurent, quien decía querer ser un niño normal, pero resulta que ahora extraña ser especial: lo suyo irrita, pero no deja de ser creíble en un preadolescente. Lo que sí es cierto es que la mordedura del zombie no llegó a producirse y seguimos entonces sin saber si en definitiva es especial o no, a la vez que ha quedado en evidencia que no hay grandes diferencias entre la Unión de la Esperanza y Pouvoir o, casi lo mismo, entre Losang y Genet.
A ver qué nos trae el siguiente episodio, con el cual ya entraremos en la segunda mitad de temporada. Hasta entonces y sean felices…
Está de moda el subgénero de los True Crime (series sobre crímenes de gran impacto social y mediático) y si bien es cierto que las historias basadas en hechos reales siempre han existido, la de los asesinos en serie resultan más llamativas. Esta situación es aprovechada por la película de El asesino del juego de citas que, desde Netflix y disfrazado de tenso thriller, nos cuenta la profundidad de la violencia sobrelas mujeres.
Lo mejor del filme es que a través de la historia real de un asesino en serie se desgranan, de manera sutil pero efectiva, todos los fallos sistemáticos de conducta, lenguaje, forma y daño que, aunque no lo veamos, ocasiona el comportamiento machista, ya que son vicios adquiridos que resultan cotidianos pero no por ello menos nocivos. Todo empaquetado en un thriller refinado y astuto que juega con el espectador, pues cuando parece que se dirige a una dirección nos hace una finta para acabar en un final arrebatador.
El asesino del juego de citas nos cuenta la historia de una aspirante a actriz que encuentra una oportunidad en un famoso programa sobre parejas de los años 80. Esta historia se mezcla con fragmentos de la vida de Rodney Alcalá, un infame asesino en serie, que acude al mismo programa como invitado. La trama juega a crear una atmósfera escalofriante sobre el destino de la protagonista, mientras vamos descubriendo el trato que van recibiendo las mujeres de la trama. Destacar un dato textual, Alcalá ya había sido condenado por delitos sexuales antes de aparecer en el programa, un elemento que agrega una capa más de sombras a la película.
Anna Kendrick, con la composición de los planos y a través de sutiles pinceladas, consigue mostrarnos un miedo arraigado en las mujeres ante el estallido de violencia del hombre. Una metáfora del miedo similar a ese monstruo que se oculta en el armario y acecha en las sombras para devorarnos cuando somos niños, con el que las mujeres crecen sin saber a ciencia cierta si van a poder cerrar esa puerta para siempre.
También demuestra, con un guionsobrio, la dureza seca de las palabras que fluctúan alrededor de las mujeres que pueblan El asesino del juego de citas, como por ejemplo en la espléndida secuencia del casting al que se presenta Cheryl, donde los hombres se comunican sin complejos de una manera agresiva/sexual como si ella no estuviera presente. Un machismo que roza la crueldad cuando una de las chicas intenta buscar a un productor para denunciar al posible asesino y la respuesta que obtiene es la burla e incluso el desdén hacia sus peticiones de ser escuchada por la policía.
Todas estas situaciones no se distribuyen en discursos aleccionadores, sino a través de las imágenes que generan la suficiente incomodidad como para hacernos sentir empáticos con las circunstancias que viven esas mujeres. La película va creciendo en una desazón latente que se apoya en las tonalidades frías de su fotografía, una tensión que desfila a través de la mirada de una cámara que ahonda en la inquietud de los espectadores.
El asesino del juego de citas muestra una puesta en escenaaustera pero eficaz, que lidia perfectamente con el tonosubversivo de la película, y es que la violencia siempre parece estar rondando en cada metraje del filme, una violencia implícita en la posición de poder de los hombres que se refleja de manera explícita en la naturalidad con la que Rodney comete sus asesinatos. No se busca contar la vida del asesino en serie, sino de conjugar toda la violencia, los miedos y la crueldad a la que se enfrentan las mujeres bajo la sombra del machismo y que pueden desembocar en la impunidad del asesinato.
En cuanto a los actores, para destacar la solvente actuación de Daniel Zovatto, que logra captar la familiaridad de una persona normal que se transforma en un asesino atroz, una interpretación que gira siempre turbadora entre la sonrisa de Zovatto y la amenaza de su cámara de fotos, instrumento que desencadena la fatalidad de las víctimas. Anna Kendrick demuestra su versatilidad como actriz con una composición al borde del miedo, en cuya frontera se haya la sumisión o la rebeldía. Y una fantástica Autumn Best que demuestra la mayor sangre fría de la historia del cine para dejarnos con un final impactante y difícil de olvidar.
En definitiva, El asesino del juego de citas es una magnífica película que, alejándose de discursos fáciles, narra a travésde sus imágenesque la violencia de género sí desencadena problemas. Una metáfora del miedo permanente a ser asesinada que se sostiene en los pequeños detalles de las situaciones menos previsibles, una gota que puede desembocar en una descarga de violencia. Una violencia a la que miramos desde lejos como si no sucediera en el entorno que nos rodea o, peor aún, que fuera por motivos a los que pudiera darse una justificación.
La película muestra hábilmente las cartas violentas del machismo que se encuentran difuminadas pero presentes todavía en nuestra sociedad. Y por las que todavía, hoy en día, fluye constante, cruel y brutal ese monstruo que acecha detrás de la puerta del armario y que puede salir en cualquier momento con solo mostrar una sonrisa en el instante equivocado.
A continuación os dejamos con el tráiler de El asesino del juego de citas.
‘Jugando entre Cómics’ es una iniciativa de la asociación Triunvirato y las tiendas de comics ‘Cómics Cañadú’ y ‘Draco Cómics’ como alternativa al ocio de la juventud de la costa granadina y de todo aquel que quiera pasarse por el evento.
Ayer, día 21 de octubre, ‘Jugando entre Cómics’ fue presentada, de la mano de Gerardo Romano (concejal encargado del área municipal de Juventud, Fiestas y Eventos del Ayuntamiento de Motril) este evento que tendrá lugar el próximo día 26 de octubre en la nueva Casa de la Juventud en los Álamos de 11:00 a 21:00 horas en y que será totalmente gratuito para los asistentes.
‘Jugando Entre Cómics’ es una excelente opción y un plan perfecto para pasar el sábado en familia, con amigos o incluso conociendo a nuevas personas. Además, habrá sorpresas y premios para los participantes de los concursos, asegurando que nadie se vaya a casa con las manos vacías.
‘Jugando Entre Cómics’ ofrece una amplia variedad de actividades para todas las edades y gustos. Desde un trivial Kahoot sobre juegos de mesa y cómics, hasta concursos de fotografía y dibujo, donde podrás demostrar tus conocimientos y habilidades.
La temática del concurso de fotografía estará centrada en el propio evento y el de dibujo en el manga Dragon Ball del fallecido Akira Toriyama, así que es el mejor momento de rendir un sincero homenaje a un mangaka que ha sido parte de nuestra infancia.
Tampoco te puedes perder la oportunidad de conocer a tus autores favoritos. Entre las 16:00 y las 18:00 horas, podrás asistir a las firmas de libros de autores como Jesús Rivas (Crónica de una asesina), Sal Donaire (Monstruos Ibéricos) y Manué Soto Galeote (Drifter Realms). ¡Lleva tus ejemplares o consíguelos allí para tener una dedicatoria especial!
Durante todo el día se podrá asistir a partidas de juegos de rol y juegos de mesa para todas las edades y de corte más familiar para que todos puedan disfrutar de este ocio.
Si todo esto no es motivo suficiente para visitar ‘Jugando entre cómics, este año, el evento tiene una misión solidaria muy especial. Se habilitará un punto de recogida de juguetes para la ONG “Un niño, una sonrisa”, destinada a niños hospitalizados en la zona. Así que nunca ha sido tan fácil hacer feliz a un niño.
Desde la organización se recomienda que los juguetes sean nuevos, ya que serán entregados a niños y niñas con un sistema inmunitario más delicado, pero también se aceptarán usados en buen estado que serán destinados a otros niños de la zona.
Tanto ‘Cómics Cañadú’ como ‘Draco Cómics’ tendrán un stand donde podrás adquirir tus obras o tu merchandising favoritos o aprovechar para descubrir novedades y dejarse asesorar por los profesionales al frente de dichas tiendas.
Sin olvidar que habrá otros stands con artesanía y camisetas para para los que gusten de adquirir otras este tipo de artículos, además de un ‘Foodtruck’ donde poder disfrutar de todo tipo de Pizzas sin tener que salir del recinto.
Allí estaremospara disfrutar de todas las propuestas y traeros desoues un resumen de lo que ha sucedido en ‘Jugando entre Cómics’. No te pierdas esta oportunidad única de disfrutar de un día lleno de entretenimiento y solidaridad. Un sábado que va a ser espectacular y que ¡Te esperamos en ‘Jugando Entre Cómics’ el 26 de octubre!
Los pases de prensa de Gladiator 2 se han realizado con casi un mes de antelación, y esa es buena señal. Cuando un estudio tiene en sus manos un buen producto, o lo que ellos creen una buena película, se arriesgan al pase de prensa de la crítica con mucha antelación. Sin embargo cuando creen que la película no es tan redonda retrasan hasta el último momento el pase a la crítica para que las críticas negativas afecten lo menos posible a la cinta.
En este caso, con casi un mes de antelación huele a éxito de críticas, aunque luego se verá en taquilla si da frutos o no. Pero es que las primeras reacciones de los especialistas han sido abrumadoramente positivas. Quiero aclarar que por contrato, las críticas en medios especializados no llegarán hasta principios de noviembre, que aún así es mucho tiempo, pero los comentarios en Twitter y en RRSS no se están haciendo esperar. Y aquí os traemos las primeras reacciones.
Matt Ramos “es la mejor película del año y una de las mejores de todos los tiempos”
#Gladiator2 isn’t just arguably the best film of the year, it’s one of the best of all-time.
It’s one of those films that will reinvigorate your love for cinema. It defy’s expectations, the performances are outstanding (denzel just locked in another oscar), the score is just as… pic.twitter.com/SuLDNkORFF
Scott Mantz de KTLA “una secuela épica” “gran acción, efectos visuales asombrosos y actuaciones estelares en todos los aspectos”.
GLADIATOR II is indeed the REAL DEAL! An epic sequel worthy of its Oscar-winning predecessor — great action, amazing visual effects, stellar performances across the board (esp. PAUL MESCAL & DENZEL WASHINGTON)! A return to form for director RIDLEY SCOTT! I was ENTERTAINED! pic.twitter.com/xC9McJAU5p
Jillian Chilingerian “Graben el nombre de Denzel Washington en el Oscar al mejor actor de reparto por Gladiator 2 ahora mismo”.
GLADIATOR 2 is an absolute triumph, Ridley Scott places you in the action of the arena centered on legacy and honor amping up the blood, battles,and biceps for something so deliciously cinematic and Machiavellian. Pedro Pascal, Paul Mescal, & Joseph Quinn certified movie stars. pic.twitter.com/0oy0jjrRUH
Simon Thompson “Gladiator 2 ofrece un festín de escenas de acción épica y traición deliciosamente obscena. En sintonía con el estilo de la original, Paul Mescal lidera un elenco sólido y estelar con aplomo. Denzel Washington, Joseph Quinn y Fred Hechinger son una potencia colectiva”.
#GladiatorII serves up the richest feast in the epic action set pieces and deliciously ribald treachery. Dovetailing stylishly with the original, Paul Mescal leads a solid, stellar cast with aplomb. Denzel Washington, Joseph Quinn and Fred Hechinger are a collective powerhouse 👍 pic.twitter.com/anFnm9rfEl
Erik Anderson dijo: “Gladiator 2 es una verdadera epopeya y la mejor película de Ridley Scott en años. Paul Mescal es una gran estrella de acción sin sacrificar su carácter independiente, un digno heredero al trono. Denzel Washington se come cada línea y vestuario sin exagerar nunca”.
GLADIATOR II is a true epic and Ridley Scott’s best in years. Paul Mescal is a great action star without sacrificing his indie grit, a worthy heir to the throne. Denzel Washington EATS every line and costume without ever overplaying. #GladiatorIIpic.twitter.com/eKY2UqDNPi
Ahora solo queda esperar a las críticas y luego ver por nosotros mismos la película. Desde Las Cosas que nos hacen felices os instamos a que sigáis nuestra web y nuestra próxima reseñas de Gladiator 2.
Si te gustan las comedias facilonas de líos estás de suerte porque Netflix ha añadido a su catálogo Problemas. Se trata de una película sueca dirigida por Jon Holmberg, y está parcialmente basada en la película del año 1988 del mismo título de Björn Skifs. Ambas están protagonizadas por Conny Rundqvist, aunque en esta ocasión el hombre no es profesor de química sino un vendedor en una cadena de electrodomésticos. Pero la intención en ambas es la misma: demostrar que Conny es inocente del crimen que le han acusado de forma injusta.
En esta ocasión, Filip Berg es el elegido de meterse en el personaje de Conny. He de decir que su aspecto desaliñado e inocente ha sido una buena elección ya que encaja perfectamente con todo los líos a los que se va a tener que enfrentar el protagonista de Problemas.
Problemas: Una historia sencilla que no busca impresionar.
Conny es un hombre divorciado que vive una vida sosa y sin aspiraciones. Su única alegría es su hija Julia; y justo será a través de la relación que mantiene con ella como veremos la falta de confianza que tiene en él mismo. Conny vive con el continuo pensamiento de que el nuevo marido de su ex es mejor que él por tener un trabajo de piloto, un adosado y un buen coche; mientras que él es solo un empleado más en una tienda.
Pero su suerte pronto cambiará, y no será a mejor. La casualidad hace que el hombre se encuentre en el lugar equivocado en el momento equivocado, y así será como acabe acusado de un asesinato que no ha cometido.
A pesar de su falta de confianza en sí mismo, Conny mantiene su sentido de la justicia intacto y piensa que su abogado le ayudará a demostrar su inocencia. Pero las pruebas que tiene la policía son demasiado rotundas y no hay modo de apelar. Así que solo le queda buscar al verdadero asesino, algo nada fácil estando entre rejas.
No todo iba a ser malo para el hombre, en la cárcel conocerá a dos personajes bastante peligrosos que tienen una idea en mente que cuadra bastante con lo que Conny quiere hacer. Así que se unirá a su equipo, con la esperanza de encontrar el momento justo en que tenga la oportunidad de poder dedicarse a descubrir la verdad de su detención.
Para ello contará con la ayuda de la joven agente de policía Diana (Amy Deasismont), que no está muy conforme con el modo en que se ha realizado la investigación sobre el crimen del que fue acusado Conny. Entre los dos deberán encontrar al verdadero culpable de los hechos.
Entretenida comedia.
El principal aliciente de Problemas es ver como Conny no es capaz de salir de los líos en que se va metiendo. Esa capacidad que tiene este personaje de ir complicándolo todo es el alma de la película, y sobre ella se basa su comicidad.
Y eso que no estamos ante un personaje simplón que no es capaz de salir de las situaciones adversas; no es el caso. De hecho, el protagonista de la película sueca es un hombre inteligente y con recursos, pero eso le va a dar igual: está condenado a ir de lío en lío, y van a ser unos cuantos.
Eso le da a Problemas una rapidez en la trama que el espectador agradece ya que la historia en sí es muy sencilla. Ese ir y venir de situaciones complejas y divertidas que parecen perseguir a Conny hace que la película sea entretenida y fácil de ver.
La película que Netflix estrenó a principios de octubre podría ser una buena opción para ver en familia si no fuera por varias escenas donde muestran demasiada violencia cuando no había necesidad. Hasta a mi me sorprendieron. Una pena, porque sin ser una gran obra que destaque por nada, Problemas podría haber sido la película familiar del momento.
Planeta sigue en su búsqueda de nuevas series que llamen nuestra atención y fruto de su acuerdo con IDWpublica en nuestro país el primer volumen de Earthdivers: Matar a Colón, una serie de ciencia ficción, concretamente de viajes en el tiempo, pero con ciertas dosis de terror y mucha crítica social a cargo del guionista Stephen Graham Jones y el dibujante Davide Gianfelice.
El resumen de la editorial es el siguiente:Estamos en el año 2112 y el apocalipsis es exactamente como se esperaba: los ríos se desvanecen, los océanos ascienden y la sociedad se desmorona. La humanidad ha perdido la esperanza, excepto por un grupo de supervivientes nativoamericanos que han descubierto un portal para viajar en el tiempo y han averiguado el momento en que la historia dio un brusco giro para peor: América. Convencidos de que la única forma de salvar el mundo es reescribir su pasado, envían a uno de los suyos al año 1492 a una sangrienta misión sin retorno para matar a Cristóbal Colón antes de que alcance el llamado Nuevo Mundo… pero derribar un icono no es tarea fácil, y el futuro pagará un abrumador precio si les sale el tiro por la culata.
Estamos ante la enésima distopía en la que la humanidad se enfrenta a su extinción. Ante la amenaza de la destrucción total de nuestro planeta, los ricos y poderosos se marchan en naves espaciales dejando en la tierra a los mas pobres y desfavorecidos. No hace falta ser un lince para ver la crítica social en este planteamiento que ya hemos visto mil veces, incluso en un mítico episodio de los Simpson.
La gracia de la historia está en lo que hace un pequeño grupo de supervivientes formado por varios nativoamericanos para intentar buscar una solución. Uno de ellos descubre una cueva que permite viajar en el tiempo que estaba oculta bajo un rio. Y entre todos deciden que todo se torció para la humanidad cuando Cristobal Colón descubrió América, dando lugar así a una cadena de acontecimientos que llevaron a la creación de EEUU y al un sistema supercapitalista que llevó a la destrucción de nuestro planeta.
Si, hay que dar un gran salto de fe para aceptar este planteamiento, pero todo viene dado por que el autor, Stephen Graham Jones, es un nativoamericano que quiere mostrar las funestas consecuencias del descubrimiento de América y que más o menos ya todos conocemos. Desde el sometimiento de los pueblos indígenas hasta la muerte de muchos de esos indígenas por las enfermedades que los europeos llevaron a América.
Una vez que tenemos claro el contexto de la obra queda por ver si estamos ante una buena historia, con argumentos para ser interesante más allá de la crítica social. Y la respuesta es afirmativa, pero con matices.
Para empezar, una vez el protagonista viaja al pasado y se embarca en una de las carabelas que llevan a Colón a América, tenemos una historia apasionante en la que hay un descenso a lo infiernos del personaje, teniendo que trasformase en aquello que más odia para llevar a cabo su misión. El bien de la humanidad vale más que las vidas de personas individuales a las que hay que matar para llevar a cabo su misión. Una misión que estará tenido de rojo sangre con momentos muy cercanos al terror. Mención aparte merece la extraña relación que se establece entre el viajero en el tiempo y el propio Cristobal Colón, que en mi opinión no acaba de funcionar del todo bien.
Por otro lado, hay una historia que discurre en paralelo en el presente, en el que los miembros del grupo que se han quedado atrás tienen que descubrir si las acciones de su compañero en el pasado han dado el fruto deseado. Todo lo relativo a cómo funciona el viaje en el tiempo es bastante enrevesado, algo que el guionista utiliza como comodín para presentar personajes que tienen sus propios intereses y que quizá oculten información a los demás.
El principal problema de Matar a Colón es que, aunque parte de una idea muy interesante, se pierde un poco por el camino, ya que la historia acaba resultando bastante confusa, sobre todo la parte que trascurre en el presente, donde nunca estamos realmente seguros de lo que el escritor nos está contando. Y es una pena, porque las escenas en el pasado, aunque empiezan un poco regular, acaban teniendo una fuerza enorme, sobre todo al final. Un final por cierto que no deja nada claro lo que ha pasado, ahondando un poco más en el problema que comentamos.
En cuanto al apartado gráfico solo puedo decir que es de sobresaliente. Davide Gianfelice ofrece unas paginas llenas de detalle, con un gran diseño de personajes y sin tener el más mínimo problema al pasar de los momentos más expositivos a los de acción, donde brilla sin duda en los momentos más crudos, con unas viñetas estremecedoras. Ayuda y mucho la labor al color de Joana Lafuente, con un manejo de los brillos y la ambientación sublimes que hacen que las escenas de los distintos periodos temporales tengan siempre personalidad propia.
La edición de Planeta recopila en un volumen los seis primeros números de la serie Earthdivers, correspondiente a la saga Matar a Colón. Estamos ante un libro de 184 páginas encuadernado en tapa dura que contiene múltiples extras como una introducción a cargo del guionista, varias páginas de bocetos e ilustraciones conceptuales exclusivas, una galería de portadas y una breve muestra del proceso del paso del guion a la página dibujada. El precio de venta es de 18,95.
En resumen, Matar a Colón (Earthdivers) es un comic que parte de una premisa inicial atractiva, que tiene las dosis justas de crítica social para no ser panfletario y un desarrollo de personajes muy interesantes (sobre todo en la parte del pasado). Pero le acaba pesando lo confuso y enrevesado que es todo lo relativo al viaje en el tiempo y lo que ocurre en el presente, que nunca acabamos de entender del todo. Es cierto que en teoría la historia no acaba y debería haber otro volumen más, en el cual todo esto podría explicarse del todo y quedar bien atado, pero de momento, la impresión que queda es la tener una buena historia que no se entiende del todo.
Hacemos hoy repaso de Los Ríos de Color Púrpura (Les Riviéres Pourpres), filme del año 2000 dirigido por Mathieu Kassovitz que, mezclando neo-noir, eco-noir y buddy cop, nos lleva a una apartada y cerrada comunidad alpina en cuyas cercanías ocurren una serie de misteriosos y horrendos asesinatos. En el centro, una dupla actoral de lujo: Jean Reno y Vincent Cassel.
Bienvenidos nuevamente a otro retro-análisis, hoy para revisitar una de asesinos seriales, pero en los Alpes, como es el caso de Los Ríos de Color Púrpura (2000), filme francés de Mathieu Kassovitz que constituyó su tercera experiencia en la dirección después de Métisse(1993) y El Odio (La Haine, 1995), valiéndole esta última el Premio César a mejor película, como también en lo personal el de mejor director en el Festival de Cannes.
Los filmes de asesinos psicópatas venían de una década de esplendor al otro lado del Atlántico con títulos icónicos como El Silencio de los Corderos (Jonathan Demme, 1991), Seven (David Fincher, 1995) o El Coleccionista de Huesos (Phillip Noyce, 1999), pero no se podía decir que el subgénero hubiera todavía pisado fuerte en Europa y eso es lo que vino a hacer la película que hoy nos ocupa.
Los Ríos de Color Púrpura está basada en la novela homónima del escritor y periodista Jean Christophe-Grangé, un especialista en tramas de misterio en las que también juega (al menos en la apariencia inicial) algún aditamento místico o sobrenatural, por lo común relacionado con costumbres o mitos locales de los lugares en que las historias se ambientan. Grangé, de hecho, oficia como guionista de la película en colaboración con el propio director. En cuanto a la dupla protagónica para interpretar a los personajes principales, se recurrió a dos de los actores más interesantes del cine francés del último medio siglo, como lo son Jean Reno y Vincent Cassel.
Para el primero de ambos, el filme constituía un regreso a sus orígenes, ya que tras haber sido prácticamente actor fetiche de Luc Besson en El Gran Azul (1988), Nikita (1990, aquí retro-análisis) o León (1994, también conocida como El Profesional o El Perfecto Asesino), había dado el salto a Hollywood con Misión: Imposible (1996), Ronin (1998) o Godzilla (1998).
En cuanto a Cassel, ya había trabajado a las órdenes de Kassovitz en El Odio, pero también protagonizado otros filmes exitosos de la cinematografía francesa como El Apartamento (1996) o Juana de Arco (1998) e incluso incursionado en la británica con Elizabeth (1998).
La Historia
En una ficticia, pequeña y remota localidad de los Alpes franceses conocida como Guernon ha aparecido asesinado un joven colgando a casi cincuenta metros de altura. Ello no es todo: presenta varios cortes, cuatro costillas rotas y restos de lluvia ácida en las cuencas vacías en que deberían estar sus ojos, además de tener cortadas sus manos y cauterizados los muñones para que no muriera desangrado. En otras palabras, se buscó que sufriera y se mantuviera consciente hasta el final.
Al lugar llega Pierre Niemans (Jean Reno), un inspector de policía procedente de París que se presenta diciendo “yo soy la unidad” cuando el jefe de la fuerza local manifiesta con decepción que esperaba que le enviaran una desde la capital francesa. De pocas palabras y perfil hosco, trabaja solo y sufre de un patológico terror a los perros.
Sus investigaciones lo llevan a una apartada y elitista universidad local que se jacta de ser una de las más antiguas de Europa y cuyo lema reza que sus miembros “controlan los ríos púrpura”. Más que una simple casa de estudio, parece una especie de comunidad cerrada en la cual los profesores y sus hijos se vienen relacionando desde hace varios siglos en un contexto endogámico que, al parecer, favorece enfermedades congénitas.
Allí se desempeñaba como bibliotecario Remi Calois, el joven tan monstruosamente asesinado que fue hallado por una alpinista local cuyo trabajo es básicamente controlar avalanchas a través de granadas (según pude averiguar, eso existe). Y también están ligadas a la institución otras dos víctimas cuyos asesinatos revisten características similares.
Mientras tanto, a doscientos kilómetros de allí, hay un cementerio que ha sido profanado y en particular la tumba de una niña llamada Judith Herault, que ha aparecido pintada con cruces esvásticas.
Al lugar llega el inspector Max Kerkerian (Vincent Cassel), un policía de provincia bastante impulsivo que prácticamente ha sido enviado allí como castigo. Fuma marihuana, odia a los fascistas y sabe artes marciales, lo cual incluso demuestra (bueno, un poco) en una escena bastante fuera de lugar en la película. Es muy riguroso con las palabras: se niega a llamar “asalto” a una “profanación” e insiste en que es “inspector” y no “detective”, término al que encuentra anticuado.
La niña que ocupa la tumba profanada ha fallecido hace veinte años en un accidente al ser embestida por un camión a ciento veinte kilómetros por hora, pero al ver Max las fotos que del cuerpo se tomaron en aquel momento, pareciera bastante más que eso y ni siquiera entiende cómo pudieron reconocerla. Su madre (Dominique Sanda), que está retirada a un convento desde hace ya diecisiete años y ejerce lo que se llama “el voto de las sombras” (es decir que vive en el subsuelo y con mínimo contacto con el resto de las monjas), dice que en realidad fue asesinada por “los demonios”.
En principio, no pareciera haber conexión entre ambas investigaciones y la primera hora transcurre como si se tratase de dos películas paralelas. Ello hasta que las pistas se tocan y, siguiendo la suya, Max acaba encontrándose en Guernon con Pierre, a quien sin conocer hasta allí personalmente, admira desde hace tiempo por el carácter de leyenda que tiene en la fuerza.
A partir de ese momento, la trama adquirirá ribetes siniestros en relación con la antes mencionada comunidad universitaria, así como con una resolución del misterio que parece estar ligada a endogamia y eugenesia. Pero no diré más…
Una Terrorífica Postal Alpina
Hay quienes dicen que a partir de Luc Besson el thriller francés perdería su estilo tradicional característico y comenzaría un marcado proceso de americanización. Algo de razón llevan por más que esto no sea Besson: Los Ríos de Color Púrpura es una película con muchos elementos que claramente la emparentan con El Silencio de los Corderos o bien con Seven, filmes con influencia si los hubo sobre asesinos seriales, tanto para la década de los noventa como para la que siguió.
Más aún: al momento de su estreno fue justamente publicitada como un cruce entre ambos filmes, aberración de marketing que no se me ocurre que pueda haber sido idea del director, sino casi con seguridad de la productora (Gaumont) o la distribuidora (InterCom).
Y no se trata solo de lo argumental o de cómo está construida la trama, sino también de la inclusión de detalles estéticos que son referencia obvia y deliberada, como la víctima crucificada o la persecución de una figura encapuchada, escenas que remiten respectivamente a cada uno de los icónicos filmes mencionados. Agréguese una pátina de gore que no escatima en sangre ni anda haciendo concesiones y que, ya desde la primera escena, nos entra al ojo como un bisturí oxidado con la “dulce” vista de un cadáver sometido a autopsia.
Pero siguiendo con las influencias americanas, también la película tiene mucho de buddy cop, sobre todo a partir de la hora, que es cuando Niemans y Kerkerian se encuentran. Se trata, como recita la fórmula de dichos filmes, de dos policías incompatibles, al punto que el primero, en lugar común también bastante repetido, rechaza en principio de plano la ayuda del segundo.
Pero poco a poco y por fuerza de las circunstancias, ambos se verán obligados a trabajar juntos si es que quieren resolver sus respectivos casos, que no solo pintan muy siniestros sino que además se conectan…
A la larga, todos los caminos conducen a Grenon y hasta pareciera, al menos en principio, haber alguna presencia sobrenatural: la madre de Judith habla de “demonios” y eso no es poca cosa (ni hablar del contexto oscuro y estremecedor en que se halla al decirlo), más allá de que al avanzar la trama lo metafísico se vaya diluyendo y la resolución termine decantando en un terror más terrenal que, en algún punto, tiene algo de Los Niños del Brasil(Franklin J. Schaffner, 1978).
Pero el hecho de que sean reconocibles tantas influencias americanas no debe llevar al error de hacernos creer que el thriller francés se haya simplemente convertido en un mero calco del americano. Los filmes del ya mencionado Besson son una buena muestra de que no es así, exhibiendo sus personajes una frialdad descarnada y muy europea que ha terminado por reinfluenciar a Hollywood.
No es que Los Ríos de Color Púrpura sea ese tipo de película: la trama se resuelve más sobre la intriga que sobre la acción, además de adquirir los personajes un mayor tratamiento psicológico. Pero aun así, el filme tiene también su toque inconfundiblemente europeo y particularmente francés, solo que al ser cine neo-noir y en algún punto eco-noir, se traduce más bien en la paisajística y en las particulares tomas con sus encuadres, movimientos de cámara e impactantes ángulos, muchos al ras de la nieve.
Y allí es donde el filme tiene uno de sus puntos fuertes, pues al localizar la historia en los Alpes, tanto la hábil dirección de Mathieu Kassovitz como la magnífica fotografía de Thierry Arbogast consiguen que la belleza del paisaje se vuelva más sobrecogedora que acogedora, lo cual constituye importante diferencia con el thriller eco-noir made in Hollywood (Dispara a matar, Río Salvaje) en donde se apunta más bien a la contradicción y al contraste entre lo que se ve y lo que ocurre.
Aquí, por el contrario, lo que se ve es parte de lo que ocurre y transmite el mismo terror, pues no podemos menos que sentirnos desvalidos ante el desolado paisaje cubierto por la nieve o ante esos ominosos picos tomados desde abajo y de manera oblicua.
Y las magistrales y osadas tomas de glaciares o cavernas heladas terminan de completar el ominoso cuadro, incluso montando cámara subjetiva sobre una avalancha (es decir como si nosotros fuéramos la avalancha), recurso original que no sé si recuerdo haber visto antes en otro lado y a decir verdad, creo que tampoco después: ni siquiera llego a imaginar cómo fue hecho. Y genial, por cierto, la escena en que Max se arrastra por la nieve mientras una escena de crimen se avizora por detrás.
Mejor en la Forma que en el Contenido
Dicho todo esto, hay que decir que donde la película tiene su parte más débil es en la resolución de la trama. Pareciera difícil pensar que el desenlace de una intriga policíaca pueda verse simplista, confuso, convencional y acelerado al mismo tiempo, ya que algunos de esos conceptos darían impresión de ser más bien contradictorios entre sí, pero créanme que lo consigue. Ignoro si en la novela original sucederá lo mismo porque no la he leído, pero al estar involucrado su autor en el guion, es de creer que no ha de andarle muy lejos y quizás la conclusión sea que al filme le terminaron faltando minutos.
Es por ello que es mejor juzgar a Los Ríos de Color Púrpura como una película que vale más por su forma que por su contenido y en eso, a no dudarlo, sí que se ve muy francesa. El filme se hace grande en las atmósferas y en los climas, en esa sordidez que invade la primera mitad de la película y que hace que no solo el paisaje se vea siniestro, sino también la propia arquitectura de Gernon y particularmente la biblioteca.
Es allí donde la película tiene sus mayores méritos y no en un guion torpemente resuelto, así como también en las estupendas actuaciones de dos actores bien referentes del cine galo posterior a los noventa que se complementan a la perfección en una dupla antagónica a la vez que rebosante de química. Y Jean Reno ya ha demostrado largamente ser un especialista en personajes parcos, malhumorados y monosilábicos.
Del lado débil de sus personajes, hay que decir que la escena de kickboxing en que Kerkerian se toma a golpes con unos skinheads es no solo absurda sino carente de sentido para la trama. Y otro tanto la fobia de Niemans por los perros, un detalle que, como patología, podría haber sido interesante de explotar a lo Hitchcock o De Palma, pero que en la medida en que no tiene demasiada relación con la resolución de la trama termina siendo por completo inconducente.
No obstante y siguiendo con lo actoral, no todo se reduce a la pareja principal: Nadia Farès hace un gran aporte, aunque no diré cuál es su personaje para no revelar detalles de una trama que, después de todo y por muy estándar que sea en su resolución, merece ser vista sin spoiler. E igualmente se luce Dominique Sanda, cuyo personaje pone los pelos de punta.
Valoración y Legado
Los Ríos de Color Púrpura terminó siendo un éxito de taquilla tanto a nivel local como internacional. Dio lugar a una secuela de 2004 titulada Ríos de Color Púrpura 2 (Les Riviéres Pourpres II: Les Anges de l´Apocalypse), repitiendo la misma dupla de policías que, obviamente, vuelven a ser encarnados por Reno y Cassel.
La dirección, sin embargo, no corre ya por cuenta de Mathieu Kassovitz sino de Olivier Dahan, responsable unos años después de la laureada La Vida en Rosa (2007), mientras que la producción y el guion, como en un círculo que se cierra, están a cargo de… Luc Besson. Las críticas fueron dispares, pero quizás en algún momento haya tiempo en esta sección de hablar de ello.
También existió una serie que, con idéntico título y tanto creada como dirigida por Jean Christophe-Grangé, se emitió durante cuatro temporadas entre 2018 y 2022. En la misma, el comisario Niemans es interpretado por Olivier Marchal, pero lo particular es que no forma dupla con Kerkerian, sino con una mujer: la teniente Camille Delaunay, a quien da vida la actriz belga Erika Sainte. Quizás haya también momento de hablar de la serie en esta web, aunque no en esta sección.
Es posible que Los Ríos de Color Púrpura sea una película más de asesinos seriales, pero a la vez no es cualquier película de asesinos seriales, pues el camino de la resolución del misterio termina siendo más interesante que el misterio en sí. El propio director llegó a decir que se buscó deliberadamente evitar lo demasiado explicativo, aunque sería bueno que se hubiera mantenido esa premisa hasta el final.
Con una estética increíble que maravilla y aterra al mismo tiempo más una impagable dupla actoral que está entre lo mejor salido de Francia, la hábil mano de Kassovitz construye un thriller que, por mucho que deba a sus similares americanos, imprime también un sello personal que lo hace inconfundiblemente francés.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Bogavante Johnson Integral volumen 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Bogavante Johnson Integral volumen 1, una de las mejores historias.
Este primer integral de Bogavante Johnson contiene 3 tomos de los 6 que disfrutó en solitario: La mano ardiente, Satán se huele el pastel y !A por el Bogavante!. Los 3 tomos que faltan se publicarán en un futuro Bogavante Johnson Integral volumen 2, que si nada falla lo comentaremos aquí en Las Cosas que nos hacen felices.
Este integral y sus aventuras se pueden disfrutar sin necesidad de leerse nada más. De hecho creo que las aventuras de Bogavante Johnson (este integral y el futuro) puede que sean las mejores del Universo Hellboy, por eso las recomiendo con furor. Aún así he creado en Whakoom, un orden de lectura exclusivo para aquellos que disfrutáis de los integrales en España, que además iré ampliando según se vayan publicando nuevos tomos. Atentos.
Bogavante Johnson Integral volumen 1 está escrito por Mike Mignola y John Arcudi, aunque creo que Mignola sólo es co-argumentista. Los capítulos principales están dibujados maravillosamente por Tonci Zonjic y Kevin Nowlan sin olvidar la aportación de otros muchos autores como Joe Querio, Sebastian Fiumara o Wilfredo Torres. También tengo que resaltar la aportación como guionista de Tonci Zonjic para el relato corto La silla vacía, una especie de introducción a este tomo.
El integral está integrado por historias de carácter pulp, y ninguna baja el listón. La calidad es muy alta, tanto que posiblemente ponga a Bogavante Johnson por encima de cualquier otro título del Universo Hellboy.
Otra característica de este tomo es que compagina historias largas como La mano ardiente o !A por el Bogavante! con el resto de aventuras más cortas y dinámicas, haciendo una lectura muy heterogénea, mezclando guiones más cortoplacistas con otros más elaborados. Y siempre, no olvidemos con ese toque pulp que tanto encandila a las generaciones actuales.
Creo que Bogavante Johnson Integral volumen 1 es un excelente medio de entrada al Universo Hellboy, incluso por delante de los tomos del héroe por excelencia creado por Mignola en el siglo pasado. Sus historias frescas con ese aire pulp, dudo que no maravillen a cualquier tipo de lector, además de engrandecer el cómic americano a la altura del europeo en calidad artística. Puedes leer Bogavante Johnson sin necesidad de haber tenido en tus manos otros tomos de ese maravilloso universo. Eso si, si entras dentro de este mundo de monstruos y fantasía plena, ten cuidado porque engancha.
Otra cosa que querría destacar, y lo digo porque lo ha comentado mucha gente en las RRSS, es el cambio de textura en las portadas. Bogavante Johnson y Cazador de brujas tienen el mismo formato y tamaño que los integrales de Hellboy, AIDP y Abe Sapien, pero bien es cierto que la portada de estas tres últimas series es de tela y con relieve, más caras de producir. Pero es que no olvidemos que Bogavante y Cazador de brujas, aunque tengan tan buenas o mejores historias que las series principales, son series residuales que tienen menos seguidores y menos ventas que las mencionadas anteriormente. Pero aún así las portadas de Bogavante y Cazador son las convencionales de lujo, las de tapa dura con brillo en el título y en el personaje que sale en primer plano. Al menos puedo decir que en la comiteca, en la estantería no desentonan, queda todo perfecto y encaja como un guante.
Realmente no tienes excusa para no leer Bogavante Johnson, quizás el mejor título del Universo Hellboy.
POR FIN LLEGA LA EDICIÓN INTEGRAL DEL JUSTICIERO DE LA PINZA!
Salido de las páginas de Hellboy y A.I.D.P., Bogavante Johnson ha maravillado a propios y extraños con sus trepidantes aventuras pulp. Por fin recopiladas en formato integral, llegan las hazañas del justiciero favorito de Hellboy.
Contiene Lobster Johnson: The Iron Prometheus números 1 a 5, Lobster Johnson: The Burning Hand números 1 al 5, Lobster Johnson: The Prayer of Neferu, Caput Mortuum, Satan Smells A Rat, A Scent of Lotus y “Tony Masso’s Finest Hour” procedente de Dark Horse Presents número 9 publicados en USA por Dark Horse Comics
De vez en cuando y sin hacer mucho ruido (es curioso como los éxitos sorpresa de esta plataforma no suelen venir precedidos por una gran campaña de marketing, sino que por el contrario, se suelen estrenar semi-ocultos entre la marea de lanzamientos de la semana), Netflix logra estrenar alguna buena película de acción, en este caso un film indonesio llamado Fuera de las Sombras.
La película se abre con una escena brutal, explosiva y repleta de litros de sangre, con una estética visual de anime que en algunos momentos me recordó a la brutalidad de la parte final de Kill Bill (esa oda al karate de Quentin Tarantino). Con una coreografía de lucha estilizada, bien rodada, y teniendo una exagerada violencia indicativa del tono de la película, que es no dar tregua al espectador ni a su impetuosa protagonista.
La trama de Fuera de las Sombras no es que sea novedosa (recurre a los patrones clásicos del cine de acción): un clan de asesinos entrenados desde pequeños y que son conocidos por las Sombras del título, realiza encargos que nadie más puede cumplir. Entre esos asesinos letales está nuestra protagonista, la Nº 13, que mientras espera su siguiente encargo establece una relación con un niño cuya madre es asesinada. A partir de su secuestro, Nº13 se enfrenta a toda una red criminal que desatará el caos por toda la ciudad. Esta situación provocará que también acabe enfrentándose a su propia organización que no ve bien la exposición que está teniendo.
Un primer defecto de Fuera de las Sombras es que la relación entre el niño y la protagonista es demasiado liviana, razón por la que no consigue dar profundidad para que entendamos el posible vínculo emocional entre ambos (en este sentido toma de base una trama de El hombre sin pasado, un filme coreano que sí logra darle ese barniz dramático a la relación del personaje con una niña). Fuera de las Sombras es tan directa (algo que también se agradece) que esos pequeños detalles dramáticos, como los flashback de Nº13, acaban por desentonar en su resultado final, con lo que su parte narrativa dramática cojea en la credibilidad de su exposición.
Como decía, Fuera de las Sombras va directo al grano, a las peleas convertidas en una danza hipnótica de sangre, sudor y furia. Una violencia que siempre está presente en las acciones de sus personajes, que son tan despreciables que abarcan toda la mugre de la personalidad que puede desarrollar el ser humano. Esto permite que entendamos la espiral de violencia de la protagonista como un viaje profundo a las cloacas de la humanidad, ese lugar oscuro donde solo la violencia puede permitirte sobrevivir.
Fuera de las sombras (The Shadow Strays), es una película indonesia dirigida y escrita por Timo Tjahjanto (el autor de otro filme interesante de Netflix, The Night Comes for Us). Su reparto está compuesto por los actores Aurora Ribero, Hana Malasan, Taskya Namya, Agra Piliang, Andri Mashadi y Ali Fikry. La producción corre a cargo de las compañías Frontier Pictures y XYZ Films.
La protagonista Aurora Ribero ofrece una interpretación absorbente gracias a la fisicidad que plasma su personaje, mostrando su ansiosa vulnerabilidad en una mezcla de coraje y locura, gracias a una interesante gama de expresiones faciales. En cuanto a las escenas de lucha, demuestra una habilidad corporal ilimitada para las peleas, siendo capaz de captar la brutalidad física que requiere su personaje. El resto de actores están correctos, demostrando su versatilidad para demostrar la vileza, la maldad o la soterrada malicia que subyace en la psique de quien carece de moralidad alguna.
Fuera de las Sombras es una película que abre en canal el infierno que existe en ciertas partes de la tierra, donde no hay lugar para los sentimientosni la bondad. Un lugar donde solo tiene cabida la violencia extrema y en donde impera una sola ley, la de la fuerza bruta que constituye la jerarquía de poder. Gracias a ello disfrutamos de una película de acción en la que dejamos el corazón oculto para que sea la adrenalina la que tome el control de nuestro cuerpo, disfrutando de unas peleas brutales, encarnizadas y entretenidas, así como una marea de sangre en la que puedes regocijarte porque todas las muertes que suceden, y son muchas, son bien merecidas.
Otro de los pequeños pecados de la película es su duración, con un metraje excesivo en el cual se quiere abarcar demasiado. Queda, por ejemplo, difuminada toda la historia acerca de los asesinos del clan Sombra, que no termina de enganchar excepto por un epílogo hecho para dar cabida a una segunda parte. La construcción del mundo de los asesinos no es acertada, ya que queda en segundo plano y no fluye con la trama principal, con un guion demasiado llano que no logra dar brillo a los ejecutores de las Sombras, excepto por leves detalles que se sienten impostados en una trama que, a diferencia de John Wick, no consigue que nos atraigan los misterios de ese submundo criminal.
En definitiva, Fuera de las Sombras es un ejercicio de acción pura, cristalina y sangrienta, donde la calidad de sus escenas de lucha ofrece una coqueta distracción. Unas cuidadas coreografías de artes marciales que, brindando una nueva dimensión al salvajismo, superan con creces a la mayoría de los filmes hollywoodenses y, sumado a ello, las explosiones de sangre que salpican con frenesí la cámara. Las escenas de acción están rodadas con una energía visceral que atraviesa la piel y una nitidez en los combates que quebranta los sentidos, ya sea con armas, espadas o cuchillos: cada pelea refleja la brutalidad y calidad de sus movimientos de combate.
Unas peleas crudas, violentas y despiadadas de unos personajes que no merecen redención ni entienden la vida de otra manera que no sea ejerciendo la violencia. Lo que convierte a la fiereza sanguinolenta de sus imágenes en una gran película de acción.
A continuación os dejamos con el tráiler de Fuera de las Sombras.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos las novedades de ECC Ediciones enero 2025.
Empezamos a desgranar las novedades del nuevo año centrándonos en el sello ECC Cómics. Víctor Santos, el creador de Polar, autor nominado a los premios más importantes de la industria, debuta en ECC Cassandra: La mano izquierda del diablo. Una novela gráfica protagonizada por una mujer en busca de venganza. Siguiendo con los proyectos autorales, se suma a la lista de lanzamientos de diciembre una sorpresa: The Nice House on the Lake: Edición Deluxe en blanco y negro firmada por Álvaro Martínez Bueno. Cada ejemplar estará rubricado por el dibujante cántabro. Una oportunidad única para disfrutar del talento de este impresionante historietista.
Enero marcará el principio del fin de la actual etapa de nuestros héroes y villanos favoritos. El Amanecer de DC llega a su clímax con el evento Poder absoluto, en el que el equipo creativo formado por el guionista Mark Waid y el dibujante Dan Mora desvelarán el plan maestro de Amanda Waller. Los especiales Poder absoluto: Escuadrón Suicida: Dream Team y Poder absoluto: La casa de Brainiac núm. 1 de 2 servirán de prólogo a una historia cuyo núcleo empezará en febrero y cuyos detalles desvelaremos próximamente en nuestra web y redes sociales.
2025 será un año muy especial para los seguidores del Hombre de Acero, puesto que Superman regresará al cine en una película de DC Studios dirigida por James Gunn. Por este motivo, recuperaremos All-Star Superman, la obra maestra de Grant Morrison y Frank Quitely, uno de los cómics que ha servido de inspiración al film. Siguiendo con el krytoniano, a la colección de bolsillo DC Pocket Max se suma Superman: Tierra Uno, la reinvención contemporánea pergeñada por J. Michael Straczynski, Shane Davis y Ardian Syaf. La prima de Superman, Supergirl, también tiene previsto pasarse por la gran pantalla próximamente, en una película cuya base directa será la novela gráfica Supergirl: La mujer del mañana, de Tom King y Bilquis Evely. Un imprescindible que inaugura la nueva línea ECC Prime, cuya presentación ofrecemos en este boletín.
Durante todo el día se podrá asistir a partidas de juegos de rol y juegos de mesa para todas las edades y de corte más familiar para que todos puedan disfrutar de este ocio.
