Hoy ha sido revelado Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos Tráiler final con un elemento tan sorprendente que me ha pegado de lleno: ¡La Cosa (The Thing) con barba de roca! Sí, has leído bien. Ben Grimm no solo está rocoso… sino rocosamente barbudo, y eso marca una promesa clara: estamos ante una historia que respira su propia fortaleza cósmica.
La presencia poderosa de La Cosa
Es un momento breve, pero de esos que se clavan en el pecho. La Cosa contando un chiste, Johnny Storm insuflando energía… y esa barba pétrea que no solo aporta look, sino actitud. Se queda grabada como si fuera un símbolo de madurez, un paso adelante: este Ben Grimm no es el novato emocional de las primeras versiones. Este es un tipo que ha latido, ha crecido, y ahora se muestra preparado para partirla en cuarzo-granito .
Todo el mundo espera que diga la famosa frase: «Es la hora de las tortas», pero nos deja con un mal sabor de boca, porque quien la dice es un secundario que pasaba por la zona, y nunca el propio Ben Grimm.
No se trata solo de barba. En apenas segundos se entrelazan planos de aventura cósmica: Sue Storm con su hijo (Franklin Richards), Mr. Fantástico enfrentando remordimientos y Johnny vireando entre risas mientras la familia se junta. Todo esto desde un tono retro cuando aparece Galactus. La sombra colosal, ese enorme pie atravesando Manhattan… y el tráiler te deja saber que el verdadero enemigo no es local, sino galáctico.
¿Hay algo más 2025 que eso? Un grupo familiar, poderes, una humanidad fracturada… y una amenaza que puede comerse lo que sea.
Sue, Reed y un nuevo camino
El tráiler no es tímido en mostrar que Sue y Reed tienen un hijo. No es un gag: es un punto narrativo clave. Un niño que podría nacer con poderes… o ser catalizador del conflicto. Franklin Richards ya es una realidad. Si ese pequeño viene con habilidades del tamaño de un multiverso…
Lo que nos espera en julio
Este Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos se estrena el 25 de julio de 2025, dentro de la Fase Seis del UCM. El tráiler de hoy es una probada del tono: familia, humor, aventura pero también profundidad emocional… y un enfrentamiento con un villano al nivel de un devorador planetario.
Conclusiones
Este nuevo teaser no solo nos da status update. Nos dice: esto es épica familiar con piedra, carne y cosmos. Veo un equipo más maduro, arriesgando estética, apostando al corazón y abriendo una historia que no será solo batalla… será legado. Me emociona pensar que en julio iremos a la sala y encontraremos un Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos que hable de familia, miedo, poderes… y una barba que define un nuevo hito en su historia.
Se ha publicado una noticia que ha resonado como un cañonazo entre los fans del UCM: Pedro Pascal, que interpretará a Reed Richards/Mister Fantástico en Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos, reconoce que no todos están contentos con su elección.
Sí, leíste bien: uno de los actores más queridos del panorama televisivo, el Mandaloriano, Joel en The Last of Us, y más, está sintiendo ese “incomodo murmullo” popular que dice: “es muy mayor”, “no encaja con la imagen clásica”, “¿por qué no se tatuó el traje antes?”. Y Pascal no lo esquiva. Lo admite, con elegancia brutal.
“Soy consciente…”, reconoce Pascal
En su entrevista con Vanity Fair, Pascal no intentó maquillar la verdad. Hay voces online cuestionando su edad, su apariencia, su encaje con un personaje tan icónico y elástico. Él mismo dijo:
“Estoy más consciente del descontento respecto a mi casting que en cualquier otro papel que he hecho. ‘Es muy mayor. No es el adecuado. Se tiene que afeitar.’”
Y vaya si es un golpe directo: el Rey de Coruscant se está enfrentando al fandom con una sinceridad de impacto. No hay postureo, ni negar la duda: hay valentía. Y también algo más.
La esperanza nace de inesperadas alianzas
Cuando Pedro confiesa que se siente observado con lupa, entra en escena Robert Downey Jr., quien, más que invitar, acogió al nuevo líder de la familia Richards. Pascal lo describe así:
“Es generoso y acogedor… sientes que puedes tener miedo, hambre, ambivalencia.”
¿Y la ironía? Que Tony Stark (el héroe que reinventó el traje y rompió el molde) está siendo mentor de quien ahora lleva el símbolo de la mente maestra, el cuerpo elástico, la familia intrépida.
¿Por qué este debate sí importa?
Porque el UCM, a estas alturas, no es un parche argumental: es un reflejo cultural. Y Mr. Fantástico era el cerebro elástico de los Cuatro Fantásticos, un superhéroe de tire y afloja entre la familia y el infinito. Pascal llega con un aura humana, arrastrando pasado emocional, prejuicios… y eso siempre despierta preguntas poderosas: ¿puede dar vida a alguien tan alejado de la genética Marvel original?
A muchos, le cuesta imaginar un Richards con 50 años, barba visible y mirada de superviviente. Pero también es cierto que el UCM siempre triunfa cuando humaniza lo fantástico. Y Pascal es maestro en eso.
Pedro tiene un reto monumental
Adaptar la figura del genio familiar sin caer en la frialdad. Richards es brillante, pero también padre, esposo, líder.
Equilibrar edad con credibilidad física, y demostrar que puede usar un traje azul sin parecer disfrazado.
Sobreponerse al fandom escéptico, convirtiéndolo en apoyo cuando los trailers empiecen a rodar.
Se necesita carisma, inteligencia… y un poco de la chispa que trajo Downey a Stark.
Y el reparto, ¿cómo encaja?
En la misma entrevista, Pascal menciona que él y sus compañeros de reparto tuvieron una sesión de “deberes” en casa de Downey. Una especie de inicio de familia, brainstorming hogareño y conteo de fe juntos.
No suelta más detalles, pero esa atmósfera de equipo íntimo ya perfuma muy bien la fase de rodaje .
Expectativas y posibles giros
¿Puede Pascal reinventar a Reed Richards como un genio emocional? Si lo logra, puede convertirse en uno de los Cromwell de los suyos.
¿El reparto transmitirá química? Si se sienten cómodos entre ellos, esto puede ir mucho más allá de “otra peli de grupo”.
¿Cómo puede afectar este debate a la recepción? Si él lo acepta y responde con solidez, podría romper las barreras desde los primeros trailers.
En definitiva
Pedro Pascal está consciente del murmullo. No lo disimula ni lo exorciza: lo enfrenta. Eso te dice algo de valentía. Y también de fe en lo que viene.
Sí, el fandom tiene dudas: “¿Es mayor?”, “¿Es suficientemente elástico para un superhéroe de goma?”, “¿Encaja en ese traje azul?”. Pero Pascal ha encontrado a Downey como aliado y eso no es poca cosa.
Estos días marcarán el pulso: primeras clases de reparto, primeros posters oficiales, primeros teasers… y entonces veremos si el corazón vence a la programación.
Solo dos maratones de café me han separado del momento en que el mundo dio un salto y volvió a hacer bramar los motores: Mario Kart World ya está en el Switch 2. Lanzado justo el 5 de junio, esta nueva entrega retuerce la fórmula clásica de Nintendo hasta convertirla en un karting que se siente… absoluto. Como si Combate de Karts se juntara con open-world, solo que con la gracia y el color de una sonrisa que no se borra.
¿Qué lo hace especial?
No te va a valer solo el modo torneo con amigos pijama. Mario Kart World no juega a medio gas: se lanza a un mundo abierto lleno de caminos ocultos, pruebas piradas y rutas secretas. ¿No basta con ir de A a B? Aquí puedes rodar por la selva, chocar con lingotes, explorar ríos y saltar acantilados mientras el eco de la vuelta resuena en tus oídos. Y no es un DLC: está diseñado para jugarse así, desde el minuto uno.
Claves del mundo abierto
Mapas gigantes divididos en biomas: bosque, desiertos, ciudades flotantes… hasta 24 jugadores en locura simultánea.
Modo Elimination: una carrera donde tu peor enemigo eres tú mismo y tus tropiezos. Surrender? Nah.
Técnicas off-roading reales: la tierra sale volando bajo tus ruedas; Mario Kart ha dejado de ser una pista y se ha convertido en una jungla de emociones .
Formula clásica… mejorada
El espíritu Mario está intacto: personajes legendarios, karts personalizables y miles de skins desbloqueables. Pero ahora, esos personajes pueden explorar más allá de los muros de Peach o Bowser. Y el sistema de progresión no se limita al podio: **¿quieres un traje retro, una música nostálgica o un kart “retro-futurista”? Solo explícalo: lo encuentras en ruta.
Banda sonora y sensaciones
200 temas compuestos por un dream-team con Atsuko Asahi y Maasa Miyoshi liderando el setlist, remasterizando nostalgias y creando pistas nuevas que vibran en bucle. Si la música no te emociona mientras trompeas en la arena, deberías chequear tu pulso.
Recepción inicial
Críticas tempranas lo miran con cariño… aunque no sin sus críticas: algunos señalan que la cámara libre en mundo abierto puede generar pérdidas de referencias rápidas. Pero incluso ahí, la sensación general es clara: Nintendo ha pasado de pista a mundo sin perder velocidad.
El feeling: Karting de siempre, en una nueva dimensión. Y no es poco decir.
Reacciones del personal
En redes ya se escucha: “esto no es un Mario Kart… es una expansión del concepto” o “he corrido 3 horas sin repetir ruta, y siento hambre de más”. Y si eso lo refleja un tweet, imagina lo que sientes cuando sientas el viento bajo ese casco invisible.
¿Qué viene ahora?
Eventos mensuales: desafíos nuevos, mods de comunidad y pistas que cambiarán con cada temporada.
Modos extra: se rumorea un Co‑op en mundo abierto, para que coordines rutas épicas con amigos.
Expansión planeada: un DLC anunciado para otoño que añadirá circuito nocturno y bioma acuático estilo Mario Sunshine.
¿Quién debería jugarlo?
Fans de la saga que buscan algo más fresco sin renunciar a la esencia.
Nuevos jugadores: nadie te pide trofeos, solo ganas de explorar, reír y quemar llantas.
Exploradores de mundos: si te va pasear en moto por praderas, este kart es tu pasaporte.
Hay juegos de mesa, y luego están los que te hacen sentir que llevas un sombrero de paja mientras gritas “¡voy a ser el Rey de los Piratas!” con la seriedad de un opositor que no duerme hace dos semanas. Bienvenido a One Piece: Adventure Island, el juego que ha llegado este año como un cañonazo directo a la nostalgia, el vicio lúdico y los traumas de infancia relacionados con Nico Robin llorando.
Este juego es una carta de amor a los fans, pero también una trampa mortal para las amistades débiles. ¿Por qué? Porque aquí todos vais juntos, pero no tanto, todos buscáis tesoros, pero no los compartís, y cuando alguien grita “¡Luffy ha activado el Gear Second!”, sabes que lo que viene es una lluvia de hostias cartográficas que te va a dejar sin dados ni dignidad.
La estructura es sencilla y brutalmente divertida: el tablero representa una serie de islas interconectadas, plagadas de eventos, enemigos, objetos locos y decisiones morales que harían llorar a Sanji. Vas eligiendo rutas, explorando lugares, enfrentándote a Marines, a piratas rivales, y cómo no, a tus propios demonios en forma de una carta de evento llamada “Zoro se perdió otra vez”.
Cada jugador controla un personaje del universo One Piece: Luffy, Zoro, Nami, Usopp, Sanji, Robin, Chopper o Franky. Cada uno con sus habilidades únicas y su estilo de juego, lo que genera dinámicas que se sienten vivas, naturales, como si estuvieras viendo un capítulo del anime pero con dados, gritos y cerveza.
Y aquí es donde el juego brilla: la narrativa fluye sola. Una partida de Adventure Island no se juega, se vive. Te ves discutiendo por si ir a la isla volcánica o a la que tiene un bazar de armas. Te encuentras con un enemigo final antes de tiempo y gritas como Usopp en modo cobarde, solo para acabar haciéndole frente con una combinación absurda de cartas que no tenían sentido… pero funcionan. Porque así es One Piece. Caótico. Precioso. Familiar.
¿Y los componentes? Un festival visual. Miniaturas chulísimas, tokens para cada fruta del diablo, un manual que parece sacado de la biblioteca de Ohara, y unas ilustraciones que hacen que quieras enmarcar las cartas en lugar de jugarlas. Cada isla tiene detalles únicos, cada carta de evento huele a aventura… y cada partida, si la juegas con el corazón (y un par de roncitos), se convierte en un capítulo más de tu propia leyenda pirata.
¿Es competitivo? Sí. ¿Cooperativo? También. ¿Es una locura caótica llena de decisiones cuestionables, suerte injusta y momentos que dan ganas de morder la mesa? Por supuesto. Es One Piece, ¿qué esperabas? ¿Orden y lógica? Anda ya.
En resumen: One Piece: Adventure Island es el juego perfecto para perderse durante horas, cantar Binks no Sake al final de la partida, y mirar a tus amigos a los ojos sabiendo que, al menos por unas horas, todos fuisteis parte de la tripulación más loca del anime.
Aprovechando el estreno de la última entrega del universo de zombis-infectados de 28 días, creados por el dúo Alex Garland–Danny Boyle, vamos a hacer una pequeña lista con las mejores películas sobre zombis, para que puedas disfrutar de la sanguinaria persecución de los muertos vivientes. Este tipo de films se ha convertido en un subgénero dentro del terror, popular, querido y seguido por millones de fans.
Desde que la mítica ‘La noche de los muertos vivientes’ de George A. Romero, convirtió a estos seres en figuras imprescindibles del cine de terror, se han sucedido multitud de películas y series tratando de explotar la fascinación que despiertan estos no-muertos, capaces de mover a las masas para que acudan al cine a ver sangre, cerebros y extremidades arrancadas.
Estas películas nos ofrecen una variedad de experiencias, ya sea en forma de thriller, comedia, drama o una fantasía oscura… cualquier estilo puede funcionar siempre que haya zombis corriendo tratando de matar a gente. Es un género moldeable que tiene libertad frente a las reglas más rígidas del género del terror. Toda esta mezcla de géneros las puedes encontrar en este listado con las mejores películas de zombis.
‘Amanecer de los Muertos’ (2004)
La película que revitalizó el género zombi, una cinta llena de sobresaltos, violencia y un sentido retorcido del humor (para muestra el bebe zombi). La mejor película (del endiosado autor de Rebel Moon) Zack Snyder, cuenta con la mejor escena de apertura sobre una pandemia de la historia del cine. Fue el primero en hacer evolucionar a los zombis alejándolos de la típica y lenta torpeza habitual, para convertirlos en rápidos devoradores de carne. Una realización vistosa, que cuenta con una dirección vigorosa repleta de escenas ágiles y secuencias de acción-terror devastadoras, siendo un soplo de aire fresco para el estancamiento en el que vivían los muertos vivientes a principios de los años 2000.
Amanecer de los Muertos puede ser uno de los mejores films de este subgénero, sus ideas innovadoras, la violenta fisicidad de las innumerables muertes, la representación alegórica del encierro en un centro comercial, como una jaula en la que se espera la entrada al infierno, su capacidad para transmitir elementos narrativos a través del gore alejándose de los sustos fáciles y sobre todo, un guion bien definido que ofrece el espacio necesario a los personajes para crecer (un guion escrito por el arquitecto del nuevo universo DC, James Gunn). Una obra maestra que en la naturalidad de su violencia gamberra tiene su mejor arma.
‘Tren a Busan’ (2016)
El ultimo fenómeno cinematográfico sobre zombis, que logró captar incluso la atención de la crítica especializada para convertirse en un éxito mundial. Una película que consigue mezclar la excelencia del cine de acción coreano con el terror que generan los muertos vivientes. Su sobria puesta en escena logra crear la verosimilitud necesaria para que nos adentremos en su historia. Gracias unos personajes sólidos, que sienten, sufren, padecen y evolucionan.
La mayor virtud de la cinta es que consigue ser puro entretenimiento, no tiene bajones considerables, logrando enganchar al espectador y no soltarlo hasta su escena final. Un film que logra combinar con maestría el suspense, la muerte, el miedo, el gore… y los zombis claro. Todo ello, aderezado por unos correctos efectos visuales y una banda sonora a la altura de las circunstancias. La película perfecta para sentir como al aliento, le cuesta seguir el ritmo frenético de la persecución mortal.
‘Zombies Party’ (2004)
Una divertidísima gamberrada cinéfila con aroma a frikada, que se disfruta como una buena hamburguesa que sabes que no son buenas para el cuerpo, pero la devoras con ganas. Un film que parodia inteligentemente las películas de zombis, que se desgrana bajo una sátira amarga sobre el mundo que nos rodea y un aura pesimista sobre las personas que pululan en él.
Podríamos discutir si en realidad es una comedia, ya que está compuesta por sketches con el corrosivo humor británico, pero su potente crítica social en la que se representa a la humanidad como muertos vivientes depresivos, su homenaje descarado a Romero y otras cintas sobre zombis, sus gotas selectas de gore y su mezcla de drama, suspense y acción, hacen difícil asegurar que se pueda definir exclusivamente como una comedia. Lo que esta claro es que te divertirás con la mala baba que desprende todo su metraje.
‘Guerra Mundial Z’ (2013)
Una cinta algo denostada, que creo que no se merecía tan mala fama. Reconociendo que tiene el aroma de un blockbuster veraniego, con personajes superficiales, su porción de tópicos reconocibles y muchos militares gratuitos, la película se disfruta gracias a su elevado despliegue de medios visuales, que logran crear algunas intensas e interesantes escenas de acción y suspense.
Brad Pitt está correcto en su papel de agente perdido de la ONU, aunque los verdaderos protagonistas de la función son unos acertadamente caracterizados zombis, que corren, saltan y matan sin piedad. El resto, una trama liviana lo suficientemente hábil para mantener el interés, unos diálogos ligeros que no aburran al espectador, y una cantidad ingente de zombis atacando en masa a la humanidad. Un espectáculo pirotécnico de acción que se disfruta comiendo palomitas.
‘[•REC]’ (2007)
Una vertiginosa cinta de zombis que te atrapa y no te suelta hasta dejarte exhausto al finalizar su metraje. Lo mejor que tiene es su apuesta por un tensión creciente y estimulante que conduce al miedo. Sus fotogramas están impregnados de una realidad tan callejera, que logra que nos sumerjamos en su propuesta terrorífica con las manos agarradas a las butacas del cine. Una cinta española capaz de sorprender, ser irónicamente fascinante y mostrar una propuesta original sobre el horror zombi.
Aunque está rodada como un falso-documental, gracias a su guion sutil con el que hilvana las partes sugestivas del argumento, logra crear una atmósfera realista y una acción convincente, teniendo la habilidad de romper los esquemas que el espectador pudiera tener al principio. La película es un viaje adrenalínico por los rincones del infierno que se esconden tras las paredes de un viejo edificio, una experiencia desconcertante, eficaz y estremecedora, que es capaz de remover tus miedos e impresionar a tu corazón.
‘Re-Animator’ (1985)
Un clásico a la altura de La Noche de los Muertos Vivientes, que incluso en algunos aspectos es capaz de superarla. Una película que destaca por sus espeluznantes imágenes, que nos golpean con su retorcida imaginación. El miedo deambula a sus anchas por todo el metraje, mientras su atmósfera gore se convierte en un paraíso para los amantes de la sangre. Basada en una novela de H.P. Lovecraft, el film logra captar la esencia del terror profundo que imprimía en sus novelas el escritor.
Un festival gore sustentado en un guion eficaz que sabe encandilar con su propuesta de suspense, horror y comedia, gracias a su grotesco sentido del humor. Con el paso de los años consiguió convertirse en una pequeña joya de la serie B, una historia atrayente, basado en un buen guion, unos efectos especiales humildes y una premisa clara, sencilla y directa, con un único objetivo: entretener. Una película clave de los años 80 que sirve para entender el gore-horror moderno.
‘Bienvenidos a Zombieland’ (2009)
Una genial ‘slapstick’ convertida en una gamberrada que se goza de principio a fin. Un coctel explosivo que mezcla el terror, la comedia romántica y la road movie. Divertida, juguetona e irreverente, el film se convierte en una auténtica fiesta en la que los actores se lo pasan en grande con sus papeles. Eso sí, no creas que no tiene su buena ración de muertes y escenas sangrientas, porque las tiene, siendo una deliciosa y genuina carnicería de zombis.
La cinta tiene un guion inteligente que sabe utilizar con acierto su humor depravado, que lanza constantemente dardos envenenados a través de sus diálogos afilados. Sus imágenes se convierten en espontáneas explosiones de diversión y entretenimiento, que inundan la pantalla de una festividad escandalosa que contagia directamente al espectador. Una película de comedia con numerosos zombis, mucha sangre, humor gamberro, el mejor cameo de la historia y que tiene unas secuencias de acción y suspense que casi resultan… épicas.
Bonus Track: ‘Saga Posesión infernal’
La saga ‘Evil Dead’, puede considerarse como una de las franquicias más divertidas del género de terror fantástico, por lo que siempre es un buen momento para redescubrirlas. Todas tienen su buena dosis de diversión, sangre, muertes grotescas, tensión, suspense, gore, esperpénticos demonios y mucha… muchísima mala leche. Sam Raimi (director que también probó el western con Rápida y Mortal y que dirigió la primera saga de Spiderman y la segunda parte del Doctor extraño) logró con pocos recursos crear una extraordinaria comedia terrorífica, capaz de mostrar imágenes inquietantes, muertes brutales y un malsano ambiente claustrofóbico, aparte de regalarnos a Ash, el carismático cazador de demonios que se ha convertido en un mito del cine fantástico.
Una de las grandes virtudes de Posesión Infernal (podéis leer la critica pinchando aquí), es como Raimi logra elaborar inquietantes ángulos de cámara para mostrarnos las diferentes capas del mal, desde la presencia maligna intangible que amenaza en el bosque, hasta la salvaje fisicidad de los demonios. Gracias a su sabio manejo del tempo narrativo logra mantener vivo el suspense y el tono de pesadilla durante todo el metraje. Su humor negro ayuda a aliviar la descarga directa, malévola e infernal, que surge de los abismos del mal primigenio. Un mal que se convierte en un gran espectáculo de sangre, barbarie y descarnada violencia explícita.
A parte de su bien merecida fama, hay que destacar que sin los movimientos de cámara de Raimi, como las panorámicas circulares que logran crear una atmósfera de suspense y los travellings que envuelven al espectador para hacerle sentir perseguido, no podríamos entender la evolución de los vertiginosos zombis modernos.
Hasta aquí este repaso por algunas de las mejores películas de zombis de la historia del cine, un subgénero del terror que empezó con la visión del legendario George A. Romero y su obra maestra ‘La Noche de los Muertos Vivientes’ (que tiene varios remakes). Una película que redefinió las claves modernas del terror y estableció las pautas sobre los zombis que conocemos hoy en día. La importancia de Romero no solo se define por los muertos vivientes, sino porque fue capaz de introducir una visión crítica de la sociedad y la naturaleza humana en las películas de terror.
Jon Bernthal se ha sumado al elenco junto a Tom Holland en Spider-Man: Brand New Day, la próxima entrega del icónico superhéroe producida por Sony y Marvel. La dirección corre a cargo de Destin Daniel Cretton, y el rodaje está previsto para este verano en Inglaterra, con un estreno fijado para el 31 de julio de 2026.
Por ahora, gran parte de la trama sigue siendo un secreto. Diversos sitios especializados hablan de la posible aparición de más de una docena de villanos, que van desde mafiosos hasta simbiontes alienígenas, e incluso se especula con la presencia de varias versiones alternativas de Hulk.
Por el momento, lo único confirmado es que Zendaya y Jacob Batalon retomarán sus papeles como MJ y Ned aunque aún se desconoce el peso que tendrán en la trama. En cuanto a las novedades, la gran sorpresa es la inclusión de Sadie Sink, conocida por su papel en Stranger Things. La historia se sitúa después de los eventos de Spider-Man: Sin Camino a Casa, cuando el secreto de la identidad de Peter Parker como Spider-Man fue revelado al mundo, solo para ser borrado de la memoria de todos.
Sadie Sink
La incorporación de Bernthal como Punisher no me acaba de convencer en una película como Spiderman. Ya comenté en mi artículo de Daredevil, que veo a Bernthal desaprovechado hasta el momento y aunque soy fan de las películas de Holland, no me acaba de pegar Punisher en este film.
Jon Bernthal debutó como Punisher, en la serie Daredevil de Netflix y luego protagonizó su propia serie, que duró dos temporadas. Recientemente, volvió a interpretar al personaje en algunos episodios de Daredevil: Born Again. Marvel parece querer recuperar al actor y al personaje y se espera que regrese para la segunda temporada de la serie, además de una película independiente del personaje. Y es esto lo que me genera dudas. Traer de vuelta al icónico antihéroe para tenerlo de apariciones estelares y en una película especial de una hora me parece cobarde por parte de Disney. No se atreven a darle el show completo por la violencia que atesora el personaje.
Sea como fuere, nos tendremos que ir conformando con las migajas. Un saludo y sed felices.
A priori, sorprende el enorme fracaso, tanto a nivel crítico como comercial, de Here. Primero, por ser la adaptación de una audaz y premiada novela gráfica de Richard McGuire. Segundo, por la polémica inherente al uso de la tecnología de rejuvenecimiento facial. Y tercero, por ser el reencuentro de la mayor parte del elenco creativo de la mítica Forrest Gump: el director Robert Zemeckis, el guionista Eric Roth, el compositor Alan Silvestri y los actores Tom Hanks y Robin Wright. La pregunta es, ¿Merece Here su estrepitoso fracaso?
Here cuenta varias historias o, mejor dicho, varias vidas: desde nativos americanos a uno de los primeros pilotos de avión, pasando por el inventor del sillón reclinable, una familia que se muda durante la pandemia COVID-19. Pero la historia principal es la de Richard y Margaret, cuya relación abarca desde los años 60 hasta la actualidad.
¿Y qué tienen en común estas vidas cruzadas? Pues que realmente no están cruzadas, sino superpuestas en un mismo espacio.
Es decir, lo original de Here radica en que es una película rodada en cámara fija, en el mismo espacio y encuadre. Comienza siendo un terreno natural pisado por los dinosaurios hasta que se convierte en un salón donde se aglutinan distintas familias.
En este sentido, Here es la anti-Forrest Gump. Mientras que la mítica película que arrasó con seis Oscar en 1994 contaba la historia de unos pocos personajes en distintas situaciones y localizaciones, Here cuenta la historia de muchos personajes en la misma localización.
Y narrativamente es más arriesgada que Forrest Gump, con originales concatenados de encuadres que demuestran el enorme talento de Robert Zemeckis, un director que recuerda a James Cameron en su deriva actual.
Al fin y al cabo, Zemeckis deslumbró con su magistral sentido de la narrativa tradicional en películas como la saga Regreso al futuro, ¿Quién engañó a Robert Rabbit?, la ya mencionada Forrest Gump o Naúfrago. Desgraciadamente, se obsesionó con las posibilidades la tecnología y la animación real en las fallidas Polar Express, Beowulf o Cuento de Navidad.
Aquí apuesta por una tecnología de rejuvenecimiento facial para recrear las vidas completas de los protagonistas Hanks y Wright, a los que vemos con rostros adolescentes o más ancianos de lo que son realmente. Y el resultado es perturbador y horripilante. Ni siquiera entraré en la moralidad de dicha decisión estética, que daría para otro artículo. Simplemente, me saca continuamente de la película, igual que lo hizo ver a un Harrison Ford rejuvenecido en el inicio de Indiana Jones y el dial del destino. No hay gestualidad ni interpretación y, salvo en los momentos que cuadran con la edad real de los actores que la interpretan, no hay emoción.
Y esto es un gran problema, porque Here es una película que busca descaradamente la emoción fácil. La idea es excepcional: un espacio único como lugar de reunión, de nacimiento, de celebración, de violencia y de muerte.
Al fin y al cabo, en cualquier mudanza, ¿Cuántas veces uno se ha dado unos minutos en el espacio en el que ha vivido un tiempo determinado antes de abandonarlo? ¿Cuántas veces hemos reflexionado sobre las distintas vidas que han visitado tal o cual ciudad?
La idea de relativizar las vidas humanas, de lo extremadamente complejas que son hasta la más sencilla de todas ellas, es magnífica pero no funciona en Here porque tanto directorcomo guionista utilizan muy poco tiempo en la mayoría de las historias para centrarse en una trama aparentemente anodina en la que destaca tanto lo que se ha vivido como lo que se hubiera deseado vivir pero no se ha podido.
En este sentido, la simplificación de la trama no aporta nada bueno a una película que, más allá de su maestría visual, llega a aburrir por momentos. Y eso que hay historias realmente interesantes, como las ancladas en el pasado. Porque la que atañe a la etapa de la pandemia está tan mal estructurada que ni siquiera conectamos con ninguno de los personajes que participan en ella.
En definitiva, Here es un merecido fracaso tanto crítico como comercial. Fue un acierto alejarse del modelo Forrest Gump, pero originalidad no tiene porqué implicar calidad. La elección narrativa de apostar por una única historia difumina el maravilloso mensaje original de la obra. Y la apuesta tecnológica espanta a cualquier espectador.
A solo un episodio del final de la segunda temporada de The Walking Dead: Dead City, Maggie y Negan se mueven por caminos separados a la vez que paralelos en este séptimo capítulo que analizamos. La serie, creada por Eli Jorné, se emite por AMC+.
Bienvenidos una vez más, caminantes y sobrevivientes, a analizar un nuevo episodio de la segunda temporada de The Walking Dead: Dead City, en este caso séptimo y (esta vez sí) penúltimo de la misma, cuyo título es Novi Dan, Novi Početak, lo cual en croata significa Nuevo Día, Nuevo Comienzo. Y no porque lo sepa sino porque así lo dice el propio Croata…
Maggie y Negan emprenden por separado caminos que les llevan a salvar las respectivas vidas de Hershel y Ginny pero, al hacerlo, deben lidiar no solo con caminantes y trampas, sino también y especialmente con sus propios traumas, fantasmas y demonios, lo cual permite memorables actuaciones de Lauren Cohan y Jeffrey Dean Morgan.
Pasemos pues a ver qué nos ha dejado esta entrega no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en nuestra web los análisis previos de esta y demás series de la franquicia.
Tal como le fuera aconsejado por Negan, Maggie se dirige al teatro King Francis con la esperanza de hallar a Hershel pero, al llegar y más allá de un disco de Puccini girando, solo encuentra a la Dama carbonizada (o eso al menos es lo que de momento creemos) y al Croata cómodamente sentado, a quien apoya un cuchillo en la garganta amenazando con cortarle en pedacitos si no le dice dónde pueda estar su hijo.
Él la lleva entonces a la que fuera la habitación de reclusión del muchacho, donde Maggie acusa impacto al ver su cama, pero tampoco está allí. Imposible que no le venga a la memoria el corte del dedo pero, al echárselo en cara al Croata, este deriva culpas en la Dama y, para más dolor de Maggie, dice que Hershel se prestó gustoso a su propia mutilación al saber la finalidad.
Se hallan allí los dibujos que el muchacho hiciera durante su cautiverio y, al verlos, al Croata se le ocurre que pueda quizás haberse dirigido a un refugio que, justamente, coincide con los edificios unidos por un puente que él siempre dibujaba, así que guía a Maggie hasta el lugar.
El Pasado que vuelve
Negan cuida a una inconsciente Ginny mientras avanza la infección por su herida. Se le cruza la imagen de Lucille, al punto de creer que es ella quien ocupa la cama. En charla con Pierce, se culpa a sí mismo por haberle fallado tanto a ella como a Annie y se sorprende de que Dios le siga aún dando nuevas oportunidades, en este caso la de salvar a Ginny…
Al enterarse por el joven que en el lugar hay algunos medicamentos, hace averiguaciones al respecto entre sus nuevos seguidores y se entera que, negociados en el mercado negro (o como diablos se llame a los circuitos económicos marginales en un mundo postapocalíptico), podrían provenir de un hospital en el cual una leyenda urbana afirma que una enfermera estuvo almacenando medicamentos antes del apocalipsis. Aferrándose a la esperanza de que haya en ello algo de cierto y que pueda allí haber antibióticos, Negan parte hacia el lugar dejando a Ginny al cuidado de Pierce.
El camino no es fácil: el lugar está repleto de caminantes y, para colmo, debe atravesar el pabellón de pediatría, donde se topa con varios niños zombificados que reactivan su clásico trauma, pues ya sabemos que hay para él un freno cuando se trata de infantes. Sin embargo, solo uno lo ataca y se libra del mismo por milagro tras perder el sentido por un instante.
El resto, vaya a saber por qué, mantienen una actitud extrañamente pasiva. ¿Sufrirían de autismo o catatonia antes del apocalipsis? De ser así, creo que es la primera vez que nos enteramos de caminantes que sigan adoleciendo los males que sufrían antes de la zombificación. Sea como sea, logra a duras penas abrirse camino entre ellos y dar con los buscados antibióticos tras una intensa lucha consigo mismo.
Un misterioso sujeto enmascarado le acecha y, al atraparlo y quitarle la máscara, Negan descubre a Lucille, lo cual es desde luego una alucinación, como también la que tiene instantes después al encontrarse con Annie y Joshua. Quebrado y llorando como nunca antes, el momento está para él lleno de significación como forma de pedirles disculpas y despedirse. Y me sigo preguntando, ¿se está también despidiendo de nosotros?…
Vértigo
El camino para Maggie no es menos complicado, pues no hay otra forma de llegar al refugio que pasando de un edificio al otro a través del puente, que es puro vidrio y no luce muy seguro. Además, se siente aquejada por la falta de sueño y el lugar está atestado de caminantes y trampas que en su momento el Croata colocara allí pero no recuerda dónde: una en forma de péndulo casi acaba con ella, pero por supuesto él la salva a tiempo o la serie no podría continuar…
De repente, deus ex machina, resulta que ella teme a las alturas (¿estábamos al tanto de eso?), lo cual se le activa primero en la escalera de caracol y luego en el puente mismo, donde el terror la paraliza y sufre el ataque de los caminantes que por allí pululan mientras el vidrio comienza a resquebrajarse por debajo de ella…
No sé por qué el material esperó tantos años para hacerlo precisamente ahora ni por qué no cedió antes con el peso de tanto caminante, pero está inmovilizada por el pánico y el Croata, desde el otro extremo del puente, la auxilia con una escalera para sacarla (obvio) en el momento justo en que el piso cede. Ya son dos que le debe…
De todas formas, no hay nada en el refugio salvo algún recuerdo familiar del Croata que, encontrando allí un retrato de su madre, cuenta a Maggie que, abandonado por ella y sufriendo a un padre alcohólico, la anduvo buscando hasta encontrarla tristemente cuando ya llevaba dos días fallecida. Lo que quiere es que ella le arroje desde lo alto ya que no tiene por sí mismo el valor de hacerlo. No lo consigue y ahora es ella quien le salva…
Se genera una extraña conexión entre ambos, pues Maggie, como en este caso sí sabemos, también tiene su propia historia familiar con una madre a la que no conoció y un padre adicto a la bebida. Al despedirse se estrechan incluso la mano, lo cual significa que ella ya hizo las paces con quien mató a su esposo y también con quien le cortó un dedo a su hijo: ni la Madre Teresa se hubiera atrevido a tanto de haber tenido esposo e hijo…
Al regresar, Maggie se encuentra con Hershel y ello es obvio motivo de felicidad, más aún cuando el muchacho, en lo que constituye una novedad, parece estar igualmente alegre de verla. Yo no confiaría tanto pero bueno, la madre es la madre, dicen por allí. La cuestión es que en efecto, un instante después y saliendo no se sabe de dónde, una Dama de rostro desencajado y fea herida en el cuello le propina un golpe con un objeto contundente que, al parecer, la deja inconsciente.
Balance del Episodio
Otra vez luces y sombras, pero cada vez más sombras: resta un único capítulo para concluir la temporada y ciertas subtramas deberían unirse o por lo menos cobrar sentido. En lugar de eso, la historia está siendo llevada a pura casualidad y deus ex machina, lo cual ya sé que no es ajeno a la franquicia, pero la primera temporada había estado más libre de ello y es una lástima que tal virtud se haya perdido. Tras algún amago de que no sería así, la serie parece finalmente en su segunda temporada seguir un sino parecido al de The Walking Dead: Daryl Dixon.
No es que haya sido un capítulo desastroso. Lo de explorar los traumas de Negan y Maggie fue un recurso interesante y muy “hitchcockiano” al hacer enfrentar a los personajes con sus propios obstáculos internos además de los externos. El problema es que nunca supimos (acudo a ustedes por si en algún momento se mencionó y no lo recuerdo) que Maggie tuviera pánico a las alturas. El trauma de Negan nos es mucho más conocido y fue una gran idea lo de los niños zombies, pero no se entiende por qué no lo atacaron o, mejor dicho, solo lo hizo uno…
No obstante, el desarrollo de ambos por separado (paradójicamente uno de los grandes problemas de la temporada) ha permitido en este caso un gran lucimiento tanto de Jeffrey Dean Morgan como de Lauren Cohan, soberbios en sus interpretaciones sin desmedro de un Željko Ivanek que ha entregado su mejor episodio a la fecha.
Ese trío actoral, a través de sus respectivos arcos, salva al episodio de la debacle completa y más aún ante la ausencia absoluta de Kim Coates, de quien duele que quizás le quede en la serie un único episodio como Bruegel y no está siendo aprovechado en la medida de su potencial ni de todo lo bueno que mostró hasta ahora. Los guionistas parecen no ser conscientes del gran personaje que tienen…
Lo de las casualidades y deus ex machina es algo cada vez más reiterado, como la muy oportuna historia de la enfermera que acumulaba medicamentos en el hospital o el piso del puente (¿a quien se le ocurrió hacerlo de vidrio?) que, de manera adecuada al suspenso de la trama, se resquebraja precisamente cuando Maggie yace de bruces contra el mismo.
Y las redenciones de los personajes, si bien permiten, como hemos dicho, grandes momentos actorales, rozan lo no creíble con una Maggie capaz de sepultar en el pasado sus problemas con Negan y el Croata. Entiendo que la historia de esta segunda temporada apunta en parte a que deje en el pasado sus obsesiones, pero parece mucho...
Y en cuanto a Hershel, insisto en que Maggie debería olvidarse de que alguna vez tuvo un hijo: persiste en traicionándola cada vez que puede e incluso, según el Croata (y yo le creo) se dejó cortar un dedo con tal de que ello sirviera de señuelo para atraerla: no se puede ser tan ruin ni tan estúpido y estamos ante el clásico y detestable estereotipo del adolescente imbécil y facilmente manipulable. Y a propósito, ¿la Dama quedó viva? Eso sí que es novedad. ¿Quién era entonces ese carbón en el piso de su cubil?
Una última cuestión, que quizás sea solo cosa mía, pero el arco de Maggie y el Croata me hizo acordar mucho a ese gran manga que es Tenku Shinpan (aquí el análisis de un servidor) o bien a su versión anime, también conocida como Invasión en las Alturas (aquí artículo de mi compañero Juanjo), y no es la primera vez que me ocurre pues ya lo había mencionado al analizar el segundo episodio de la primera temporada. Los edificios, los puentes, la muerte que nos pisa los talones y la tentación de saltar al vacío: todo remite a esa gran obra de Tsuina Miura y Takahiro Oba.
En fin, queda un solo episodio y demasiadas cosas que recomponer en una temporada que, como venimos diciendo, se queda muy lejos de la primera. No perdamos las esperanzas y a ver si logran sorprendernos para bien en el próximo y último de la misma. Hasta entonces y sean felices…
Este verano, el cineasta y escritor José Manuel Serrano Cueto rodará en Cádiz el cortometraje “El que recibe el cachiporrazo”.
Hace unos días, Serrano Cueto anunció en el podcast El centinela del misterioel que será su próximo rodaje: El que recibe el cachiporrazo. Este espacio radiofónico es uno de los patrocinadores de este proyecto.
El corto es una producción del propio José Manuel Serrano Cueto y de Juan Antonio Quiñones Sánchez. Ambos colaboraron el pasado 2024 en la exposición “Cádiz, donde el cine cumple sus sueños” que pudo verse durante varias semanas en la plaza de España de la capital gaditana. Precisamente, la idea de realizar este corto surgió de una de las fotografías, en concreto de una de las películas ficticias que presentaron y en la que aparecía el actor gaditano José Luis Gámez caracterizado de Cataclown, un payaso terrorífico.
El que recibe el cachiporrazo está escrito por Serrano Cueto, que se encargará también de dirigirlo. Su referencia principal es el largometraje mudo El que recibe el bofetón (He Who Gets Slapped, Victor Sjöström, 1924), protagonizado por uno de sus actores preferidos: Lon Chaney.
El cortometraje contará en su reparto con José Luis Gámez (tiene en su haber varios cortos), Lupe Mateo Barredo (El amor de Andrea) y la colaboración especial de Pepe Bablé (director del Teatro de La Tía Norica).
El que recibe el cachiporrazo narra la historia de Cataclown (José Luis Gámez), un payaso conocido en la ciudad por las actuaciones divertidas que realiza, y sobre todo por los cachiporrazos que recibe de la marioneta que lo acompaña. Está enamorado de su vecina, Margarita (Lupe Mateo Barredo), a quien trae por la calle de la amargura su casero, el despiadado Señor del Puro (Pepe Bablé).
El corto contará con Juan Antonio Quiñones Sánchez en la dirección de fotografía, Antonio Rosa Lobo como productor asociado, Pablo P. García en la música, Darío Serrano Gómez como ayudante de dirección, Jorge Rivera en el montaje y Laura Siz en el etalonaje y cartelería, entre otros participantes.
Todo el mundo sabe que en muchas ocasiones el periodismo ha servido para contrarrestar al poder político en más de un país del mundo. Todos los hombres del presidente, la película que nos ocupa hoy en nuestro retro análisis, nos lleva a una época en que el cuarto poder vigilante (el periodismo) era salvaguarda de los valores democráticos y la verdad allá donde estuviera.
De dónde viene la historia que trata Todos los hombres del presidente
Estamos en junio de 1972. Cinco hombres son arrestados por entrar en unas oficinas que pertenecían al Comité Nacional Demócrata, situado en el edificio Watergate en Washington. Luego de que se inicia una investigación por parte de Bob Woodward y Carl Bersntein, dos periodistas del Washington Post, se hace público que esas personas estaban conectadas con el Comité para la Reelección del Presidente (Richard Nixon en ese caso). A partir de ahí, en un ambiente tenso y con situaciones que podríamos definir como actos delictivos para tapar el caso, los periodistas y el diario acabarán por sacar a la luz un caso que le costará la presidencia a Nixon.
Woodward y Bernstein plasmaron esa experiencia en un best seller del cual bebe esta producción dirigida por Alan J. Pakula y producida e interpretada por Robert Redford.
Aspectos que nos la hacen destacable y recomendable
El periodismo como contrapeso del poder. Si una cosa destacó en la década de los 70 en el mundo del periodismo y en ámbitos sociales fue el espíritu contestatario en contra de situaciones (guerra del Vietnam por ejemplo), además de los valores que en esa época personificaron los medios de comunicación. Esta producción de, entre otros, el propio Redford (una persona que siempre se ha declarado activista) nos muestra hasta qué punto el periodismo podía mantener y darle valor a la verdad ante los intereses políticos o corporativos.
Aspectos Técnicos
No estamos ante un blockbuster ni una película de ciencia ficción, por lo que el estilo sobrio, tenso y contenido que el director imprime a la película ayudan mucho a que el espectador esté atento a lo que ocurre en pantalla. Algunas escenas están tan bien rodadas que dan la sensación a quien ve el filme de estar dentro de un estado de paranoia permanente. Gente que se siente observada, espiada, (Woodward y Bernstein lo fueron durante el proceso), más otros que no hablan porque saben de las consecuencias para ellos y sus familias.
Todo eso está brillantemente mostrado en la película por el buen hacer de Alan Pakula y del director de fotografía Gordon Willis. La forma de mostrar escenarios o situaciones con planos largos y estáticos nos da un espacio a nosotros mismos para la observación. Pakula utiliza también el zoom lento, con travellings para que podamos experimentar las situaciones en las que se encuentran los protagonistas cuando se creen observados o bajo vigilancia. Willis utiliza las sombras y la luz tenue de manera brillante (las escenas con la «garganta profunda» por ejemplo) para mostrarnos que todo lo que es la base de la investigación está por obligación escondido.
Si nos fijamos en la redacción del Post, está siempre iluminada, casi en un tono celestial, blanco, contrastando con las sombras y las luces tenues en las que se mueve la investigación.
Actuaciones
Qué podemos decir del duo protagonista Robert Redford/ Dustin Hoffman. Dos actores que por su carisma llenan la pantalla por separado unen aquí sus fuerzas para contarnos una historia con grandes valores éticos. Su química en pantalla es tan natural como la que tuvieron en su día a día los protagonistas reales de la historia, Woodward y Bernstein. De hecho tuvieron la suerte los actores de poder contar con la participación de los periodistas a la hora de desarrollar sus personajes en la ficción.
Otro papel destacable es el interpretado por Jason Robards (Ben Bradlee). Aunque evidentemente no estamos ante un papel protagónico, su participación es clave en los principales momentos de la trama.
Otros aspectos por los que es necesario visionar esta película
Por valores educativos. Podemos definirla como una lección de periodismo y democracia. En la época en la que transcurre esta historia, el llamado «periodismo de investigación» marcó las directrices sobre la ética profesional en el mundo de loa medios y la comunicación. En esta película nos muestran de manera bastante precisa lo que significa esa calificación de un tipo de periodismo comprometido con la veracidad y lealtad con el lector.
El mismo ejerce la figura de vigilante del poder, enseñándonos cómo una investigación bien realizada puede llevar a consecuencias políticas, además de remarcarnos la importancia de la confirmación de fuentes. Ya me gustaría a mí que hoy en día pasara algo parecido en el mundo en el que vivimos.
Nos habla de uno de los episodios más importantes de la historia de los Estados Unidos: el caso Watergate, y las consecuencias que tuvo para Nixon y su administración el que periodistas comprometidos con sus valores sacaran a la luz los hechos acontecidos. La película ofrece una visión crítica de la política y lo que esconde en sus entrañas, reflejando una época de desconfianza ciudadana en sus gobernantes ante casos como la guerra de Vietnam o el que aquí se trata.
Sus temas tienen vigencia actual aun cuando la profesión de periodista no tenga ya la misma valoración positiva de tiempos pasados. La película nos invita a reflexionar sobre si hoy en día existen resortes que equilibran el poder de los políticos o ese equilibrio dejó en cambio de existir hace décadas. Da que pensar.
Tuvo ocho nominaciones a los premios de la academia de los cuales triunfó en cuatro: Mejor actor de reparto (Jason Robards), Mejor Guión Adaptado (William Goldman) , Mejor diseño de producción (G.Jenkins, G.Gaines) y Mejor Sonido (Arthur Piantadosi, Les Fresholtz, Rick Alexander, James E. Webb).
A quién le podemos recomendar esta película
Se la recomendamos a todo aquel que pueda tener curiosidad por la profesión de periodista, a quien no vivió esa época donde la verdad pesaba más que los intereses corporativos y donde el poder no tenía todos los ases en mano. También a gente joven que quiera debatir sobre los valores que definieron esa época de los años 70, tan interesante en cuanto a temas de consciencia social a nivel global. En general a quien disfrute con el buen cine, con una buena historia y con grandes interpretaciones.
Os dejamos el enlace a un artículo de nuestra web donde encontraréis una lista con más películas que tratan temas de política. Pinchad AQUÍ.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Superlópez Edición Limitada 2. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Superlópez Edición Limitada 2, el mejor tomo de la colección
Por fin llegó a librerías el Superlópez Edición Limitada 2, ese tomo cuidado con celo, envuelto en papel de regalo para el coleccionista que llevas dentro. Pero más allá del lujo premium, tapa dura numerada, encuadernación holandesa, estampados en oro, papel grueso y 512 páginas, lo que convierte este volumen en joya es el puñado de seis historias clásicas que abraza, historias que hicieron de Jan algo más que el “Superman español”. Son seis píldoras de humor, aventura y crítica social que merecen saborearse, así que vamos allí:
1. La semana más larga (1981)
Arranca el volumen con una de las primeras grandes hazañas de Juan López. Superlópez se ve enredado con el despistado científico Escariano Avieso y su máquina para abrir agujeros por la ciudad: bancos vacíos, moscas que no dejan dormir, acusaciones cruzadas… Una mezcla de humor doméstico y locura heroica que sienta las bases para la evolución del personaje. Aquí nace la dupla Jan-GU, los secundarios y el tono irreverente que ya no dejaría de crecer.
Considerada por muchos como la mejor historieta de Superlópez, esta fábula absurda es una sátira brutal a la intolerancia y el sectarismo. Huevos cuadrados que deforman cabezas y pensamientos, un “Primer Hexaedro” que impone un régimen totalitario… y un héroe que dispara chistes y madurez a partes iguales . Aunque es comedia, es también espejo: nos confronta al miedo al diferente, y lo hace con una inteligencia que solo Jan logra transmitir.
3. La caja de Pandora (1984)
Con esta aventura Jan juega al reverso mitológico: cósmico, psicodélico, delirante. Estamos ante una historia que mezcla Griegos, ovnis y referencias literarias, con planetas, alienígenas y esa pregunta existencial de si abrir la caja trae esperanza o solo desgracia. Es sátira convertida en space-opera y demuestra la capacidad de Jan para saltar del barrio al universo con gracia y riesgo.
4. La gran superproducción (1985)
¡Luces, cámara, caos! Aquí Jan se mofa del cine, de los rodajes descontrolados y del ego de los directores, al mismo tiempo que le regala a Superlópez una aventura de cine (literal) con guiones equivocados, actores estrafalarios y escenas tan paródicas que silban con eco. Es un álbum con ocho capítulos perfectos, una obra dentro de la obra que combina guiños cinematográficos y carcajadas.
5. Al centro de la Tierra (1987)
De corte claramente vernesiano, esta aventura lleva a Superlópez, su amiga Luisa y el hijo Jaime al interior del planeta en busca de diamantes, explorando cuevas y urgencias familiares. Una mezcla de épica subterránea y ternura cómica que recuerda a la mejor literatura juvenil de aventuras. Aquí la exploración se humaniza, y los efectos se sienten en el lector.
6. La espantosa, extraña, terrífica historieta de los Petisos Carambanales (1987)
Y al final, un giro sobrenatural: los petisos, pequeños ectoplasmas amarillos, cobran vida. En esta historia retorcida, Superlópez desencadena sin querer una legión de ectoplasmas que solo él puede enviar al espacio. Una cosa bizarra, histriónica, retorcida y al mismo tiempo entrañable. Es oscuro, absurdo, y despiertan en nosotros una risa nerviosa. Jan aquí juega a ser Miyazaki y Peyo, y gana.
¿Por qué cinco obras, si el tomo promete seis?
Porque aparte del quinteto clásico, se añade un sexto álbum: la saga de los petisos, que cierra con broche extraño y hechicero. Se trata de historias restauradas en su versión original (sin recorte), algo que no se había reeditado desde finales de los 80. Esto lo convierte en un “must” emocional: no solo reluces con los grandes títulos, también ganas versiones puras.
Extras que emocionan
Además de las seis historias, el volumen incluye relatos cortos inéditos o poco vistos (como Una vez, en una ciudad o Ahora, señores tebeovidentes), portada originales, pósteres, textos de contexto, entrevistas con Jan y análisis de Antoni Guiral. Todo esto suma unas 90 páginas extra pensadas para nutrir la experiencia.
¿Para quién es esta edición?
Para el coleccionista que ama el tacto del lujo.
Para el fan veterano que quiere revivir y entender cómo se fue consolidando Superlópez.
Para los nuevos lectores exigentes, que aquí encuentran seis historias divertidas, inteligentes y honradas.
Para quien cree que el cómic español también puede brillar con enorme estantería en casa.
Epílogo
Superlópez Edición Limitada 2 no es un lanzamiento más: es una declaración de amor a lo que fue y sigue siendo. Es repasar cómo un personaje, nacido de la parodia, mutó en faro cultural, crítica social y compañero de Biblioteca. Cada historia es una joya distinta, y tenerlas juntas con este mimo editorial eleva la experiencia.
Abrir este tomo es reencontrarse con un héroe que nos invitó a reír de lo absurdo para entender lo serio. Es un abrazo nostálgico, inteligente y visual que convierte las librerías en una fiesta de viñetas.
Así que este volumen no se compra: se abraza, se pasea con orgullo y se lee gozando cada historia. Y si alguien dice que el cómic español no puede competir… enséñalos este tomo. Les rebienta el argumento.
EDICIÓN DE LUJO, LIMITADA Y NUMERADA. PAPEL COMIC PREMIUM Y ENCUADERNACIÓN HOLANDESA EN TAPA DURA CON ESTAMPADOS EN ORO. Este volumen dedicado a Superlópez ha contado con la edición de Antoni Guiral y la colaboración del propio JAN. Incluye, por un lado, las seis aventuras La semana más larga (1981), Los cabecicubos (1983), La caja de Pandora (1984), La gran superproducción (1985), Al centro de la Tierra (1987) y La espantosa, extraña, terrífica historieta de los Petisos Carambanales (1987), algunos de los títulos más populares de esta serie. De La semana más larga y La espantosa, extraña, terrífica historieta de los Petisos Carambanales se publican las primeras versiones, nunca reeditadas hasta ahora. Por otro lado, se incluyen las historietas cortas Una vez, en una ciudad (1985) y Ahora, señores tebeovidentes, una entrevista en directo (1987), diversos textos y 90 páginas de material adicional, que incluyen material correspondiente al primer tomo de Superlópez (1973-1981), como las portadas originales de las primeras ediciones, y el referido a este segundo tomo, con las cubiertas de otras ediciones de los libros, las portadas de las dos revistas Superlópez (de Bruguera y Ediciones B), donde se prepublicaron algunas de las aventuras largas, los pósteres y diversas secciones de la revista Superlópez de Ediciones B.
El pasado martes 17 de junio en la Sala Equis de Madrid, tuvo lugar la presentación de la tercera edición del festival de series de Cádiz South Interacional Series Festival, en la que se desvelaron algunas novedades y parte de la programación del evento que tendrá lugar en septiembre en la capital andaluza.
A la cita acudieron y participaron el director actual del festival Carles Montiel y su exdirector Joan Álvarez, así como el alcalde de la ciudad Bruno García; Almudena Martínez, presidenta de la diputación de Cádiz; y el reconocido artista Okuda San Miguel, que descubrió ante los asistentes el diseño del cartel oficial de la nueva edición, inspirado en la icónica carta de ajuste televisiva. Además de los participantes, hubo otros invitados en el público de la talla de Natalia de Molina, Alexis Morante o el tiktoker sevillano Manuel Jiménez.
Novedades del festival
El director del South Series anunció con mucho entusiasmo la diversificación de las sedes del festival en su tercera edición. Al Palacio de Congresos, anterior y única sede, se unen el mítico Gran Teatro Falla y el Teatro del Títere. Dos de los espacios culturales más icónicos de la ciudad, siendo el primero escenario del concurso oficial del carnaval de Cádiz así como de numerosas representaciones escénicas, y el segundo hogar de la Tía Norica, personaje de marioneta con más de doscientos años de antigüedad y arraigo cultural.
El Gran Teatro Falla acogerá las galas de inauguración y clausura y proyecciones de la Sección Oficial de Ficción, y el Teatro del Títere será espacio principal para la sección de No Ficción.
Como segunda novedad destacable que los directivos anunciaron en la presentación, el festival crea el Premio «Ciudad de Cádiz», un galardón otorgado por un jurado ciudadano formado por representantes de algunos de los colectivos más representativos de la ciudad. De esta manera se busca reflejar la riqueza cultural y social de Cádiz y reconocer valores artísticos, sociales y de diálogo entre generaciones y culturas.
Se incluyen en esta tercera edición algunas secciones nuevas en la programación como Revival, dedicada a grandes títulos que han marcado la historia de la televisión; y Spotlight South, unión de las anteriores secciones Joyas y Panorama, cuya primera serie anunciada es la segunda temporada de Crimen y Ley.
En cuanto a las relaciones y participantes del festival, South International Series Festival y Universidad de Cádiz (UCA) renuevan su colaboración otro año y activarán cuatro campus provinciales para desarrollar actividades adaptadas a los intereses del alumnado. Así como con la UCA, South se aliará de nuevo con Writers Guild Foundation (WGF), que pondrá a servicio del festival al escritor y director Chris Brancato para impartir una clase magistral.
Primeros títulos confirmados
Carles Montiel anunció en la Sala Equis algunas de las series que participarán en las distintas secciones de la tercera edición de South, y que combinan talento emergente, diversidad temática y formatos innovadores. El festival apuesta por dar espacio a producciones nacionales e internacionales.
En cuanto a la Sección Oficial de Ficción, desvelaron que el ámbito internacional estará presente con Canadá, de la mano del inquietante thriller psicológico Corbeaux, y con Reino Unido, que presentará What It Feels Like for a Girl, un drama adolescente salvaje y anárquico sobre la activista trans Paris Lees. En España destacan Ella, maldita alma, una historia de amor imposible con Maxi Iglesias y Martiño Rivas; y El Centro, un thriller sobre el CNI con Juan Diego Botto, Elena Martín e Israel Elejalde.
En la Sección Oficial de No Ficción estarán presentes Una historia muy heavy, sobre la música y contracultura española a través de los grupos BarónRojo y Obús, y Marking Manson, producción estadounidense sobre el legado de Charles Manson en que se exponen veinte años de conversaciones inéditas.
En la Sección Sur, dedicada a historias de contadas desde Andalucía, encontraremos Cuando nadie nos ve, producción de Max sobre una comunidad marcada por silencios heredados y resistencias invisibles; El Antivlog, de Celia de Molina; y Las Tres Mil celebran la vida, protagonizada por el tiktoker Manuel Jiménez sobre el emblemático barrio sevillano.
Acreditaciones y más información
Desde el pasado miércoles 18 está disponible rellenando un formulario en la web del festival la solicitud de acreditación para prensa, industria y estudiantes.
Womack Group produce South Series International Series Festival, que este 2025 cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Cádiz y la Diputación de Cádiz; Mediterráneo Mediaset España Group es su Media Sponsor; la Autoridad Portuaria de la Bahía de Cádiz su Sponsor; y la Writers Guild Fundation y el Vicerrectorado de Sostenibilidad y Cultura de la UCA sus partner.
Muchas gracias por leerme y ¡larga vida al South Series! Intentaremos cubrirlo en la medida que sea posible.
Se ha hablado y debatido mucho sobre El caballero oscuro. Una película de superhéroes enmarcada en el género policiaco que, con el paso de los años, mantiene su trono como la mejor de su género y una de las mejores del siglo XXI. Por mucho que les duela a algunos reconocerlo. Y, por mucho Joker de Joaquin Phoenix, Origen, Interstellar u Oppenheimer que hayan, probablemente siga siendo la mejor película de Christopher Nolan y el mejor Joker que ha lucido en pantalla grande.
No es mi propósito escribir una crítica de esta película, ya que encontraréis muchísimas por todo Internet. Recientemente volví a verla, con más años y películas a cuestas, y concluí que lo que convierte a El caballero oscuro en una película diferente tanto en el ámbito superheroico, en el policiaco o en el de las secuelas es su sorprendente guión.
Cuando uno afronta una secuela de una película de éxito, la fórmula más lógica es la del “más y mejor”. Que se lo digan a El señor de los anillos: las dos torres, a John Wick, Misión Imposible o A todo gas, por poner algunos ejemplos.
La secuela del tipo «más y mejor»
Así, tras ver Batman Begins uno esperaba un villano más cruel y poderoso que el Ras al Ghul de Liam Neeson. Alguien que pusiera en aprietos al héroe pero que, al final, este ganaría de la misma forma que lo hizo en la primera película.
Sin embargo, los hermanos Nolan (recordemos que Jonathan Nolan ya no trabaja con su hermano Christopher y se ha dedicado a series como Westworld o Fallout) y David S. Goyer optaron por un camino bien distinto, entrecruzando (y esto ha sido reconocido por su propio director) películas tan aparentemente distintas como El doctor Mabuse, Domingo Negro o Heat.
Las dos primeras influyeron en la visión del Joker de El caballero oscuro. Sí, el Joker cuenta con cómics muy míticos antes del estreno de la película que reflejan su, en una palabra, impredecible personalidad. Pero los guionistas cogieron del personaje de Mabuse la extrema capacidad de manipulación para conseguir sus fines y de Domingo negro la dinámica de someter a una Gotham al caos para propagar su mensaje: el de que las personas muestran su verdadero rostro, el cruel, cuando las cosas van mal.
Y de Heat, la icónica película de Michael Mann que enfrentaba a Al Pacino (policía) y a Robert de Niro (ladrón), Nolan absorbía el tono de la película, empezando por su espectacular secuencia inicial (un tenso atraco en el que el director del banco era interpretado por William Fitchner, que ya actúo en Heat).
Heat, la película sin la que no se puede entender El caballero oscuro
Aún así, por mucho que estas películas sean importantes para la gestación de El caballero oscuro, palidecen ante la importancia que tuvieron Star Wars: El imperio contraataca y EL hombre que mató a Liberty Valance, las que verdaderamente ayudaron a configurar una de las obras maestras del cine moderno.
A la hora de elaborar una narrativa que mantenga al espectador pegado a la butaca, es importante valorar el alternar acontecimientos positivos con negativos. Si todo va bien desde el principio, si no hay contratiempos, el espectador pierde interés.
Por eso, el impacto de El imperio contraataca (la considerada por muchos como la mejor película de Star wars) apenas ha envejecido. Mientras que en una Nueva esperanza vemos como los rebeldes han destrozado la Estrella de la muerte, El imperio contraataca termina con Leia y Han secuestrados y Luke siendo derrotado por su mayor enemigo que, encima, es su padre. Como dice el personaje de Harvey Dent en El caballero oscuro: la noche es más oscura justo antes del amanecer. De la misma manera, la victoria (la de El retorno del jedi) será más valiosa cuanto más dura ha sido la caída.
Así, en El caballero oscuro asumieron que Bruce Wayne, Batman y todos los que le acompañan debían perder. Para así preparar el terreno para la epifanía que supuso El caballero oscuro: la leyenda renace.
Esto resultó en algo sorprendente para el público de aquella época porque el cine superheroico estaba muy ligado al público infantil y adolescente. Muy pocas producciones habían ofrecido una mínima visión de derrota en el cine. La más parecida la encontramos en X-men 2 (2003) con el sacrificio de Jean Grey y ya sabemos, a los veinte minutos de que esto ocurra, que ella está viva.
El sacrificio de Jean Grey, uno de los momentos más dramáticos del cine superheroico antes de El caballero oscuro
Y no hay mayor derrota moral que la de Tom Doniphon, uno de los protagonistas de El hombre que mató a Liberty Valance, el último y mejor western clásico.
En este párrafo destriparé el argumento de dicha película, por lo que recomiendo verla antes de seguir. No solo por terminar este artículo, sino por ser un poquito más felices en esta vida. Liberty Valance es un hombre que siembra el caos en un pueblo del Oeste y que se enfrenta a dos hombres. Por un lado, Tom Donyphon, un vaquero de los de antes, anclado a un Oeste salvaje e incivilizado. Por el otro, Ramson Stoddard, un hombre de leyes que simboliza el avance necesario de una tierra marcada por el salvajismo. Finalmente, Valance es supuestamente abatido por Stoddard, lo que le convierte en el héroe que necesitaba el Oeste americano para su avance. Pero la realidad es que él no fue. Fue Donyphon, que mantuvo silencio porque sabía que era lo que esa tierra baldía necesitaba, aunque eso supusiera el anonimato, la soledad y la pérdida de su amor (enamorada de Stoddard).
De esta forma, no es difícil pensar que la dinámica que se establece entre ambos personajes es la misma que entre Batman y Harvey Dent. Ambos se enfrentan al Joker, un agente del caos, y ambos aman a la misma mujer.
La diferencia es que, mientras que Liberty Valance pierde al morir, el Joker es el único personaje que gana. Si hay un motivo del porqué el Joker de Heath Ledger es el más reverenciado por el público que en general es porque, siendo el más despiadado de todos ellos, es el que acaba teniendo razón porque su plan sale a la perfección.
El verdadero ganador de la película
De hecho, lo que he comentado de la narrativa en “N” de la primera trilogía de Star Wars o de esta trilogía también se aplica durante toda la película. Al fin y al cabo, hay varios momentos en los que parece que los buenos ganan: las dos veces que el Joker es detenido preceden a los dos momentos más tristes de toda la película. La muerte de Rachel y de Harvey Dent.
Las impredecibles (pero calculadas, como buen psicópata) acciones del Joker acaban provocando acciones reprobables en todos los protagonistas.
Alfred, la voz de la conciencia de Batman, miente por primera vez a su señor para protegerle de la certeza de que Rachel había elegido a Harvey Dent (otra rareza, que “la chica” no elija al héroe protagonista).
Dent, que ya apuntaba maneras al secuestrar a un secuaz del Joker tras la supuesta muerte de Gordon, acaba cediendo al caos y convirtiéndose en un villano. El caballero blanco, aquel que podría conducir a Gotham a la prosperidad sin necesidad de un Batman, descendió a los infiernos.
Gordon ve destruida la confianza en sus propios hombres y termina cediendo a la propuesta de Batman para hacer que la ciudad prospere.
Y Batman, nuestro héroe, no solo utiliza un sónar poco ético que busca controlar todos los dispositivos móviles de la ciudad con tal de encontrar a un villano al que no puede derrotar con sus propios códigos. También, con tal de asegurar el avance de la ciudad, obliga a Gordon a mentir para convertirse en un delincuente en uno de los finales más épicos de la historia del cine.
Así, Batman no se convierte en un héroe que inspira ejemplo como podría hacerlo Superman o cualquiera de los Vengadores. Es alguien que hará todo lo necesario por la seguridad de su gente. Ya lo dice Gordon. No es un héroe. Es un guardian silencioso. Un protector vigilante. Un caballero oscuro.
Se ha presentado el tráiler de Springsteen: Deliver Me From Nowhere, la película dirigida por Scott Cooper (Corazon rebelde; Hostiles; Los crímenes de la academia) y protagonizada por Jeremy Allen Whyte (The Bear), quien se mete en la piel de Bruce Springsteen allá por 1980, cuando se salió por la tangente y grabó su disco más personal.
Y es que Springsteen: Deliver Me From Nowhere se centra en la época en que The Boss grabó Nebraska, un albúm eminentemente acústico, sombrío e introspectivo, lejos del festival que fue The River (pura apologia del trabajador estadounidense) y a años luz de Born in the U.S.A., el disco que lo consagraría como una estrella mundial.
Es en Nebraskadonde Springsteen intenta buscarse a si mismo, ajustando cuentas con un padre depresivo y totalmente alejado de sus hijos a través de canciones como Mansion on The Hill o My Father’s House.
La película se basa en el libro del mismo título, Delive Me From Nowhere, escrito por el músico y escritor Warren Zanes y junto a Jeremy Allen White tendremos a Jeremy Strong como Jon Landau (crítico musical y futuro productor de Springsteen a quien se le atribuye la famosa frase «He visto el futuro del rock and roll y su nombre es Bruce Springsteen), Stephen Graham como el padre de Springsteen, Odessa Young como su interés amoroso en la época, Gaby Hoffman como su madre, Marc Maron como Chuck Plotkin (productor musical) y Johnny Cannizzaro como el mítico Steven Van Zandt.
El título de la película proviene de los últimos versos de la canción State Trooper:
Hey somebody out there
Listen to my last prayer
Hi ho silver-o
Deliver me from nowhere
Veremos que tal funciona la película cuando se estrene el 24 de octubre. Seguro que los fans de Springsteen acuden en masa a los cines pero visto el panorama en los Estados Unidos y las declaraciones de Bruce, que no se corta un pelo en denunciar la situación que están viviendo allí, está por ver si se cumplen las amenazas nada veladas de Trump, quien practicamente le amenazó al decir que a ver que pasaba cuando regresara de su gira por Europa. Os dejamos con el tráiler. Un saludo, sed felices.
