Bienvenidos al análisis del episodio que cierra la primera mitad de la temporada de Los Winchester. Esta vez nos dejamos de protagonismos individuales y vamos al grano, con la trama de los Akrida y la aparición de Henry Winchester y Samuel Campbell. Os dejo el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío.
Nuestra Scooby pandilla ha localizado la antena desde donde emiten los Akrida. Como es normal, allí no hay nadie pero Mary y John hallan pistas de que Samuel Campbell ha sido hecho prisionero por los Akrida. Hey, hey, hey, tu y yo ya lo sabíamos. Lo vimos en el primer episodio, en el prólogo, aunque entonces no supiéramos qué narices era el bicho que atrapó a Samuel.
Ada Monroe, con la ayuda de su hijo, ha conseguido valiosa información acerca de cómo acabar con sus enemigos. Resulta que la antena de Lawrenceno ha sido la única. Había más, todas abandonadas. Todo pasa por hacer funcionar la caja devora monstruos que consiguieron en el primer episodio, el Ostium.
¿Y cómo se puede volver a activar el Ostium? Para eso están las notas taquigráficas de Henry Winchester, perdidas entre los papeles de los Hombres de Letras. Quizás la madre de John tenga la clave pero al final nada como una sesión de espiritismo para contactar con el difunto Henry, quien les da la clave para activarla. Se trata de una piedra procedente del mundo de los Akrida.
EL caso es que la reina Akrida contacta con Mary. Quiere la caja a cambio de devolverle a su padre. Evidentemente es una trampa, pero la Scooby pandilla irá derecho a ella. Ada utiliza un hechizo muy mono, el que hace crecer una plantita en un mapa, para saber dónde está retenido Samuel Campbell. Es entonces cuando suena la canción del episodio.
Se trata de Can’t Find My Way Home (1969) de Blind Faith, grupo formado por Ginger Baker y Eric Clapton (componentes de Cream) con la colaboración de Steve Winwood (autor de la canción) y Ric Grech.
En la guarida Akrida tendremos el primer beso entre John y Mary, punto significativo en la mitología de la serie. Allí, entre besos y arrumacos, conseguirán acabar con la reina, que al final del episodio resulta que no era tal. Averiguamos que la esencia de monstruo es indispensable para abrir una puerta al mundo Akrida, donde espera la reina, la de verdad.
Por lo menos consiguen rescatar a Samuel Winchester, o más bien los rescata él. El hombre no está en su mejor momento pero ya lo tenemos aquí, interpretado por el gran Tom Welling, añorado Clark Kent (quizás el mejor, después de Christopher Reeve) de Smallville. El mítico actor se incorpora así al reparto de Los Winchester, encarnando a la versión joven de Samuel Campbell (quien recordemos que fue encarnado en Sobrenaturalpor otro actor mítico, Mitch Pileggi, el jefazo de Mulder y Scully en Expediente X).
El Sobrenaturalverso
Si, amiguitos, lo del multiverso da para todo. Ya cuando vi en un anuncio que los cómics de Alejandro Jodorowsky integraban el Jodoversopensé que todo valía, aunque en este caso nos viene de lejos. En Sobrenatural, en sus últimas temporadas, se establecieron los universos alternativos como parte de la mitología. Se trataba de los diferentes universos creados por Dios para juguetear con ellos.
En este episodio, gracias a la aparición de Henry Winchester, queda establecido que los Akrida provienen de otro universo y que van invadiendo diferentes mundos. Eso nos lleva a una teoría interesante que lleva algún tiempo circulando por internet: ¿se sitúa Los Winchester en un universo paralelo al de Sobrenatural? Muchos fans apoyan esta teoría, ya que en la serie original se estableció que John Winchester empezó a cazar monstruos a raíz de la muerte de Mary. Sin embargo, también quedó establecido que Mary Winchester había sido una cazadora en su juventud.
Es más, ya hay quien apunta a un cruce entre ambas series. Jensen Ackles, productor ejecutivo e impulsor de Los Winchester, apuntó a que todo quedaría explicado cuando muchos fans le señalaron la contradicción que suponía que John Winchester cazara monstruos de joven. Personalmente nunca me he planteado eso como un problema. Si hace falta, que le hagan un C-3P0 y arreglado.
Pero para aclarar todo esto tendremos que esperar. Los Winchester no regresarán hasta enero, como estos análisis. Un saludo a todos, sed felices and carry on.
LLega la Navidad y en Netflixestán que lo tiran. Han estrenado Scrooge: Cuento de Navidad, película de animación de la que esperábamos mucho más de lo que nos ha dado. Esta es la crónica de cómo la plataforma de streaming intentó parecerse a Disney y fracasó en su intento.
Dickens inmortal
La inmortalidad no existe pero Charles Dickens vivirá para siempre. Su obra, A Christmas Carol (Cuento de Navidad), publicada en 1843, forma parte de esas historias inmortales que se han instalado en la memoria colectiva. Todo el mundo conoce la historia de Ebenezer Scrooge, el avaro, el que recibe la visita de tres fantasmas en Nochebuena para recordar su pasado, mostrarle el presente y enfrentarlo a su futuro.
Eso se debe también en gran parte al cine, que ha realizado numerosas adaptaciones de la obra. En esta ocasión, Netflixha tirado de animación y ha querido acercarse a Disneysin conseguirlo. No entraremos en detalles acerca de la historia en si porque es de sobras conocida. Lo mejor que podemos hacer es fijarnos en lo que funciona (poca cosa) y en lo que no (demasiadas para mi gusto).
Lo que si funciona
Es difícil meter la pata al adaptar Cuento de Navidad. La historia es maravillosa. En este sentido han sido clasicotes. Hay algunos detalles que si me han gustado, como algunos efectos en la animación. Hay que destacar la aparición de los fantasmas, tanto los de las navidades como el de Jacob Marley, el socio de Scrooge (voz de Luke Evans) condenado al infierno y que le advierte de lo que está por llegar (voz de Jonathan Pryce en el original).
También hay algunas escenas bastante logradas que funcionan perfectamente, pese a su aire más moderno. En este sentido, tenemos los viajes de Scrooge a través del tiempo, que les han quedado bastante bien.
En Netflixhan arriesgado en su propuesta, han querido dotar a Scrooge: Cuento de Navidad de un tono y un estilo más acorde con los tiempos que corren y se agradece pero no creo que esta fuera una historia para eso. O lo haces a fondo (caso hicieron Richard Donner y Bill Murray) o te arriesgas a que te salga algo como esto.
Lo que no funciona
Scrooge: Cuento de Navidad es un musical animado. Eso Disney lo hace como nadie y el problema es intrínseco a esa afirmación que dice que nadie hace películas Disney mejor que Disney. Como musical, Scrooge: Cuento de Navidad no acaba de dar la talla, y eso a pesar de que cuenta con las canción de Leslie Bricusse, compositor fallecido en 2021 y que ya adaptó la obra de Charles Dickens en otro musical donde Albert Finney era el avaro Scrooge.
Las canciones de la cinta de Netflixtienen calidad pero son de esas que no se te quedan en la memoria ni las tarareas al terminar la función. Quizás si hubiesen optado por un nuevo libreto, habría resultado mejor pero para eso hay que gastar dinero y no están por la labor. Mejor usar a Bricusse, que por lo menos ya tenía las canciones hechas.
La falta de presupuesto se nota también en la animación. Si bien hay algunos efectos visuales destacables, por lo general la animación de Scrooge: Cuento de Navidad es mediocre. Se nota mucha en las animaciones faciales y en el pelo acartonado de los personajes. A ojos de un espectador infantil seguramente dará igual pero a ojos más entrenados, el resultado es muy amateur, de ordenador casero.
Por último, hay algunas decisiones que se han tomado para que la adaptación resulte más moderna. La verdad es que, por mucho que se emperren, en el Londres de 1843 no había personas de color cantando villancicos por la calle, ni siquiera regentando un negocio y muchos menos el sobrino de Scrooge estaba casado con una hindú.
Y esto hay que decirlo, por mucho que me duela hacerlo. Que algunos pataleen porque en Star Wars haya afroamericanos, latinos, asiáticos y lesbianas, me ha parecido siempre una memez. Es una historia de ciencia ficción, situada en un universo imaginario y se puede hacer lo que uno quiera. Pero coger una historia de 1843 y adaptarla de esa forma te hará parecer muy moderno pero falseas unos hechos que si, que son condenables, que no quieres que se repitan, pero es lo que había.
Sin embargo esos detalles aun pueden pasarse por alto. Hay uno que es mucho peor: Ebenezer Scrooge, tacaño, avaro, misántropo y seguramente misógino, egoista y mala persona, se hace cargo del perro de su difunto socio. ¿De verdad? ¿Hasta esto hemos llegado? ¿Alguien se cree que semejantes personajes se habrían gastado un penique en dar de comer al animalito? Es esa filosofía animalista de «la gente me importa un rábano pero tengo una mascota y por tanto soy buena persona».
Tan sólo por el detalle de que Scrooge vaya acompañado de un perro, ya han destruido toda la obra de Dickens. El personaje ya no resulta tan malvado, tan egoista. Sus actos ya están teñidos de un aura de conmiseración porque, oye, tiene un perro, no puede ser tan malo. En fin, que por lo menos en Disney disimulan más.
En resumen, Scrooge: Cuento de Navidad es una película fallida. Tiene buenas intenciones pero esa mania de Netflixde intentar llegar a todo el mundo da al traste con ellas. Eso si, para los más pequeños es ideal para acercarse a una historia que es ya inmortal. Un saludo, sed felices.
No se nos puede dejar un día tranquilos. Pensaba yo que las noticias de hoy se centrarían en el título mundial de Argentina, pero no. Universal acaba de estrenar el primer tráiler de Oppenheimer, la nueva película de Christopher Nolan, cuyo estreno está previsto para 2023.
Oppenheimer se centra en la vida del físico J. Robert Oppenheimer y su papel en el desarrollo de la bomba atómica.
Por lo pronto, uno no sabe qué esperar de, a priori, un biopic convencional dirigido por Christopher Nolan, director de Memento, la trilogía del Caballero Oscuro, Origen, Interstellar, Dunkerque o Tenet. Pues el tráiler despeja toda duda: estamos ante una de las producciones más esperadas del año 2023, con imágenes tan fascinantes como a las que nos tiene acostumbrado este genio del cine.
Además, Oppenheimer cuenta con el reclamo de un auténtico repartazo: estamos ante el primer gran papel protagonista cinematográfico de Cillian Murphy (actor fetiche de Nolan y el protagonista de Peaky Blinders), bien acompañado de Emily Blunt, Robert Downey Jr. , Matt Damon, Florence Pugh, Josh Harnett y un largo etcétera.
A propósito del reciente estreno en Disney+ de la serie que le hace de spin-off, hacemos análisis de La Búsqueda (National Treasure), película de 2004 que, dirigida por Jon Turteltaub, producida por Jerry Bruckheimer y protagonizada por Nicolas Cage, vino en aquel momento a llenar el vacío que habían dejado los grandes filmes de aventuras, solo que con la ciudad como ámbito y la resolución de intrincados enigmas como eje.
Bienvenidos sean a un nuevo retro-análisis. Y así como lo hemos hecho con La Familia Addams y Willow, filmes ambos que hemos traído a esta sección con motivo del estreno de series que les hacen de secuela o spin-off, le toca ahora a La Búsqueda (2004), titulada National Treasure en inglés original y conocida en América Latina como La Leyenda del Tesoro Perdido.
La serie en cuestión, ya que hablamos de ella, se titula La Búsqueda: Más Allá de la Historia y está desde hace algunos días disponible en Disney+, con lo cual den por descontado que en breve tendremos en esta web el correspondiente análisis de los episodios (hasta ahora se han estrenado dos de un tirón).
Pero, bueno, no puede haber ocasión más propicia para rescatar este título que, aun con ciertas inverosimilitudes inherentes a los filmes sobre resolución de misterios ancestrales, hizo en su momento las delicias de muchos y vino a advertir sobre la existencia de un vacío en el cine del nuevo siglo. De hecho, su éxito y el de su secuela abrieron la puerta para revivir la saga de Indiana Jones con lo que sería su cuarta película en 2008. Pasemos entonces a hablar de La Búsqueda…
La historia comienza como tantas otras: con un abuelo (Christopher Plummer) contando un relato a su nieto. Podría ser, por ejemplo, La Princesa Prometida, pero lo que cuenta es en realidad una historia de familia, ya que los Gates han sido por generaciones cazadores de tesoros y el asunto tiene que ver con uno antiquísimo que, robado una y otra vez, ha paseado por Egipto, Roma y oriente medio para ser rescatado por caballeros templariosy acabar llevado a América, donde fue ocultado por francmasones ligados al movimiento de independencia de las colonias. Uno de ellos, Charles Carroll, entregó a un antepasado de los Gates una nota sobre el paradero del tesoro diciendo: “Charlotte lo sabe”.
Barco en el Hielo
Varios años han pasado y estamos en el Ártico. Aquel niño que tan azorado escuchaba a su abuelo es ahora un experimentado cazador de tesoros y se halla conduciendo un grupo de hombres tras la pista de Charlotte, que no es una persona sino un barco que sabe sepultado en el hielo desde hace más de un siglo.
No solo logra dar con el mismo sino que, con maravillosa fortuna y apenas hallado el primer madero, despeja un poco el hielo que le cubre para leer “Charlotte”. Vaya suerte la de dar justo con la parte del barco en que está escrito el nombre pero, bueno, a Benjamin Franklin Gates (Nicolas Cage) le salen todas y eso es apenas el inicio.
En el barco no hay tesoro, sino una nueva pista que conduce nada menos que al texto del Acta de Independencia de los Estados Unidos, la cual se encuentra bajo estrictas medidas de seguridad en Filadelfia. Aflora la traición y no podría ser de otro modo si tienes en tu grupo a un tal Ian Howe interpretado por Sean Bean, quien, antes de Juego de Tronos y sacando la primera película de El Señor de los Anillos, hacía casi siempre papeles de villano, canalla, ruin o traidor. Hay lucha y el grupo se divide, siendo Gates únicamente apoyado por Riley Poole (Justin Bartha), su mejor amigo y experto hacker.
Haz lo Incorrecto
A partir de allí, la historia se traslada al ámbito urbano y toma elementos (demasiados) de El Código Da Vinci. Una pista conduce a la otra y a pesar de lo altamente improbable de que alguien pueda unir tan intrincados cabos, Benjamin, al igual que Robert Langdon, logra hacerlo: lo que en el Batman de los sesenta era ironía y absurdo, aquí es motor de la trama. Y las semejanzas con la novela de Dan Brown son más que sugerentes considerando que la misma había sido publicada un año antes del estreno de la película y no gozaba aún de adaptación en pantalla.
Patrick Gates (Jon Voight), padre de Benjamin, le insiste en que no pierda la vida como él lo ha hecho en busca de un tesoro inexistente: las pistas, dice, son un laberinto irresoluble en el que una lleva a otra y así sucesivamente. Su hijo, en cambio, está convencido de que el tesoro existe y que el camino hacia el mismo se halla en el reverso de la declaración de independencia pero, claro, después de los sucesos del Ártico, es obvio que Howe y los suyos irán tras ella.
Es por ello que intenta convencer al FBI y a la directora de archivos nacionales Abigail Chase (Diane Kruger) de que el documento corre serio peligro de ser robado y, al no obtener respuesta, no le queda más remedio que robarlo por sí mismo para ganarle de mano a Howe.
A partir de allí tiene lugar una intensa cacería urbana que, con tres contendientes principales, tiene lugar entre Filadelfia, Boston y Washington D.C. Por un lado está Peter Sadusky (Harvey Keitel), agente del FBI que intenta por todo recuperar el documento para así salvar a su fuerza de un papelón; por otro, Howe, que busca por cielo y tierra a Gates para apropiarse del mismo y llegar al tesoro; y por último el propio Benjamin, a quien acompañan su leal amigo Riley y la encargada de archivos, que se les ha terminado sumando casi por casualidad.
No deja de ser una paradoja que Benjamin robe la declaración de independencia para protegerla y secuestre a Abigail por idéntico motivo: flota en la historia un discurso de que hacer lo incorrecto puede ser necesario para terminar haciendo lo correcto y la respectiva analogía está claramente trazada con los “padres fundadores” de la nación, quienes debieron violar la ley para alzarse contra la corona británica.
Está descontado desde ya, que habrá romance entre Benjamin y Abigail, pero no esperen más que un beso porque esta es una película medida, correcta y familiar (aunque no sé qué tanto puedan los niños entender esa intrincada red de pistas sobre la que gira la trama): como tal, no contiene sexo ni violencia a niveles altos.
Valoración Final
La Búsqueda es, desde ya, el tipo de filme que hace las delicias de amantes de teorías “conspiranoicas” aunque, a diferencia de El Código Da Vinci, corrosiva de los sistemas religiosos y del poder eclesiástico, no contiene juicio alguno contra las instituciones o el poder: Jerry Bruckheimer, conocido productor de tantos filmes de gran suceso comercial, es sabido adherente del Partido Republicano y nunca se permitiría blasfemar contra los “padres fundadores”. Por el contrario, todos los Gates llevan nombres que les rinden homenaje y el de Abigail Chase parece fusión entre Abigail Adams y Samuel Chase.
A pesar de las delirantes conexiones y la forma disparatada en que se van resolviendo los enigmas, hay que decir que la historia no da respiro hasta el final y es sumamente entretenida. Mezcla suspenso, acción, romance, comedia y aventura, con elementos que hacen acordar a Indiana Jones o Tomb Raider, pero cambiando paisajes exóticos por urbanos. Y no faltan tampoco toques de película de atraco que la emparentan con dos filmes de gran suceso en años anteriores:La Trampa (Jon Amiel, 1999) y Ocean´s Eleven: Hagan Juego (Steven Soderbergh, 2001).
Es interesante que el personaje principal no evidencie interés económico en el hallazgo del tesoro, sino que lo suyo sea únicamente obsesión personal y familiar. Tal rasgo está muy bien recreado por un Nicolas Cage que aun no había devenido exagerada y cruelmente en meme como lo haría más tarde a partir de una serie de filmes de escaso éxito (y de quien pocos han valorado el haber hecho una carrera evitando el facilismo de utilizar su apellido paterno Coppola) . Pero así como están bien tratadas las razones de su personaje, no terminan de quedar claros, eso sí, los reales motivos de quienes escondieron el tesoro.
El resto del elenco está en general bien, con un joven y eficiente Justin Bartha que mostraba dotes para la comedia y aún no había protagonizado la saga de Resacón en Las Vegas(¿Qué pasó Ayer?, para América Latina), una Diane Kruger a la que se le nota demasiado el acento alemán, un Sean Bean al que por esos días solía irle bien el papel de villano y un Harvey Keitel siempre excelente (uno de mis actores favoritos) aun cuando la historia, lamentablemente, deje poco desarrollo a su personaje.
En cuanto a la escenografía, es de destacar que en los archivos nacionales de Estados Unidos no se permite la utilización de cámaras, por lo que hubo que reconstruirlos, por cierto de manera notable.
Párrafo aparte para la música de Trevor Rabin, quien venía de componer las bandas sonoras de Armageddon, Enemigo Público, Deep Blue Sea y 60 Segundos. Antes de eso había sido guitarrista del Yesde los ochenta, tocándole la pesada carga de reemplazar al emblemático Steve Howe hasta mediados de los noventa, cuando este regresó a la banda. Pues bien: el villano interpretado en la película por Sean Bean se apellida justamente Howe y aunque lo más probable es que haga referencia a los hermanos británicos que, general uno y almirante el otro, combatieron contra los colonos americanos en la guerra de independencia, no deja de ser una coincidencia interesante y sugerente.
En definitiva, La Búsqueda es un producto acabado que, aun con fisuras o ingenuidades en lo argumental, resulta incluso al día de hoy un entretenimiento explosivo de punta a punta.
Fue, además, un suceso arrasador en taquilla y tuvo en 2007 una secuela llamada La Búsqueda 2: El Diario Secreto, en la cual se repiten director y mayor parte del elenco para, esta vez, ir tras una cadena de pistas que llevan al asesinato de Abraham Lincoln en el que, por supuesto, hay más cosas de las que creemos saber. Por cierto, éxito de taquilla aun mayor que el filme original.
¿Y qué pasó con la tercera parte? Pues estuvo durante mucho tiempo anunciada hasta que, a principios de este año, Nicolas Cage la dio prácticamente por desechada argumentando que Disney estaba más interesado en la serie y que la razón principal para no hacerla era evitarse el problema de contratarlo a él tras los fracasos comerciales que había protagonizado después de la segunda.
Sin embargo y en contraposición, Jerry Bruckheimer sorprendió hace escasos meses anunciando que el guion ya está listo para ser filmado y que el personaje de Benjamin Gates volverá a ser ofrecido a Cage, de quien espera que acepte. De este modo, entonces, está claro que la intención común de Disney y del productor es mantener en agenda tanto la serie como la secuela sin necesidad de que una anule a la otra.
Veremos qué sale de todo eso. De momento, la serie, que no es exactamente secuela de las películas aunque transcurre en el mismo universo y echa mano de algunos de sus personajes, ya ha llegado a Disney+ y los episodios serán en breve analizados por un servidor en esta web. Estén atentos…
Trece años desde Avatar (2009), trece años para ver la secuela. Hoy os traemos la crítica de Avatar el sentido del aguasin spoilers. No os preocupéis porque no os vamos a destripar nada.
Crítica de Avatar el sentido del agua. Una película entre dos mares
Antes de nada quiero decir que la película me gustó, pero también tengo que decir que salí del cine con una sensación agridulce. Porque Avatar el sentido del agua tiene un buen principio y un buen final, pero con dos peros. El primero es que la parte intermedia, la parte inherente del aprendizaje de las nuevas culturas y costumbres se me hizo muy pesada. Y es que esa hora u hora y media de metraje parece un documental de «la 2» enseñándonos la vida marina y el apareamiento de las ballenas. Esa parte del metraje se hace muy pesada. Tengo que añadir que es preciosa de ver, muy bonita, y supongo que ese metraje que parece documental, es necesario para que podamos entender a los aborígenes del arrecife, pero también creo que en vez de hora y media se podría haber despachado en mucho menos tiempo, y así todos tan felices a la salida del cine.
Y es que la película, Avatar el sentido del agua dura 3 horas y 12 minutos, y para mi, se podría haber reducido ese metraje para que la cinta hubiera sido más dinámica.
Y bueno, el segundo «pero» es que aunque Avatar 2 (si, el sentido del agua) tiene un final, un final que cierra bastantes tramas, no acaba la historia principal. Esta película termina con la sensación de ser simplemente la punta de lanza de una historia mucho mas compleja y más grande, de la cual sólo hemos visto la cúspide.
Y es que el ser humano y su tecnología arrasan donde quieran que van, y aquí ya se vislumbra que lo que vemos en esta cinta (y lo que vimos en 2009) es sólo una avanzadilla. Los humanos nos hemos asentado con fuertes defensas en Pandora y sacarles de allí parece muy complicado.
Entiendo que James Cameron quiere llevar a cabo una historia real y plausible, una historia de unos alienígenas con una tecnología muy superior, que se enfrentan a un planeta hostil con unos habitantes inferiores tecnológicamente pero con sobresaliente físico sobre el humano. Supongo que Avatar (2009) sólo fue una presentación, y supongo que en las 4 películas que la secundan (incluida el sentido del agua) se desarrollará la intención del ser humano de adaptarse a ese medio como segunda vivienda, arrasando con todo lo que se cruce con el camino. Sin embargo los aborígenes de Pandora sólo quieren vivir en paz, hasta que finalmente tienen que intervenir, tomar partido por su planeta y por su modo de vida, por su cultura, por su supervivencia.
El problema es que la Tierra se muere (nos la hemos cargado) y parece que queremos hacer lo mismo con Pandora. El ser humano no mantiene un equilibrio, cree que todo lo que hace está justificado, cree que tiene derecho a lo que sea simplemente por ser tecnológicamente más avanzado. Y eso es lo que le convierte en el verdadero villano. El hombre no aprende de sus errores y los transporta más allá de las estrellas.
Otra vez más queda definido el humano como villano que se mueve por sus intereses sin mirar a las demás especies. Un villano real y poderoso, y el problema es que ese villano es tan creíble que da miedo. Miedo porque somos nosotros ese villano, miedo porque las motivaciones del mismo parecen inherentes a nuestra forma de pensar, y miedo porque damos por sentado que nos hemos cargado la Tierra. Damos miedo como raza y como sociedad. Esa es una de las claves del éxito de la saga de Avatar, el villano más real de la historia del cine: la raza humana.
También tengo que decir que Cameron se está tomando su tiempo para volver a construir una nueva sociedad dentro de Pandora, que son los na’vi del arrecife, el clan de los Metkayina. Pero para mi, uno de los problemas de Avatar 2 es ver el mismo patrón de la primera cinta pero debajo del agua. Se repite la fórmula de la primera parte aunque en este caso durante la parte central de El sentido del agua. Y sí, todo es muy bonito, pero una hora larga de documental enseñándonos el arrecife y las ballenas, se me hizo algo tedioso.
Lo que si espero, y lo digo sinceramente, es que este aprendizaje a lo bestia en esta cinta sirva para entender mejor lo que significa vivir en Pandora, ya sea en los bosques o en el mar, y que en sucesivas secuelas tengamos partes más dinámicas y entretenidas.
Pero no es todo gris en esta película, ya que como dije antes el principio de la misma roza una gran altura, y toda la parte final es una especie de Aliens mezclado con Titanic que tan bien sabe realizar el director James Cameron.
De la parte cinematográfica poco tengo que añadir porque visualmente es una maravilla inigualable, superior a la primera parte, pero que al no ser novedad no deslumbra tanto. La fotografía es también de sobresaliente y los efectos 3D dignos de ver en cine. Porque de nuevo, y gracias a esta secuela, nos vemos obligados a ir al cine por lo civil o criminal. Hablamos de una experiencia que tenemos que ver fuera de unos cómodos hogares, hablamos de una saga que tenemos que disfrutar a la antigua usanza y moviendo el culo de nuestros sillones, y si es en 3D, mucho mejor.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Snow Angels 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Una semana más gracias por estar con nosotros en El cómic de la semana. Esta vez, y ya van varias semanitas, tenemos un cómic del prolífico y buen escritor Jeff Lemire. Y si no me equivoco estamos ante una compra de una serie que sólo serán dos tomos en tapa dura, cuyo formato siempre agradeceré a Astiberri.
Snow Angels vuelve a ser una obra de autor de un futuro distópico dentro de una trinchera infinita (una especie de muralla china pero en trinchera) dentro del hielo, donde si permaneces dentro todo va bien, pero si sales algo terrible puede ocurrir. Y como imaginaréis algo ocurre, pero no precisamente por salir de «ese refugio».
Esta obra ha ganado muchos premios incluido el Eisner a la mejor serie digital, porque Snow Angels originalmente se ha publicado en la plataforma Comixology, y posteriormente publicada en papel por Dark Horse (y Astiberri en España). Y ya es la tercera vez que Lemire gana un Eisner. Ya lo hizo en 2017 por Black Hammer y 2019 por Gideon Falls como mejores nuevas series. Por tanto este autor ya sabe como estar en el Olimpo del cómic.
Y es que por ahora, a la espera de como termina todo esto, Snow Angels está a la altura de sus mejores series. Sobre todo destacar la relación padre con sus hijas en un entorno hostil y apocalíptico. Evidentemente no hay nada nuevo, ni nada reseñable respecto a que no inventa nada, pero al menos lo sabe contar bien.
A todos nos queda la duda de que será el hombre de nieve, porqué ataca, cual es su misión y como se desarrollará todo este entuerto. Pero como dije antes, la obra empieza de manera notable, recomendada. Sólo falta ver como acaba este embrollo. Como serán dos únicos tomos. esto terminará rápido y sólo así podré hacer una valoración final de la obra. Por el momento y con un tomo editado, es una obra que tienes que leer.
Milliken y Mae Mae siempre han vivido en la trinchera, es lo único que conocen. Nacieron en ella y morirán en ella, como el resto de su gente. Nadie sale de las enormes paredes de hielo que la rodean. La vida en ella es hostil, pero sencilla si sigues las normas. Regla número uno, la trinchera provee. Todo lo necesario para vivir crece en sus paredes, nada bajo el hielo, o está en los dones que los dioses fríos dejaron. Regla número dos, nunca, nunca se sale de la trinchera. Fuera de la trinchera solo hay muerte. Los vientos de arriba arrancarían la carne de los huesos de cualquiera. Regla número tres, la trinchera nunca se acaba. Se extiende hasta el infinito en ambas direcciones. Buscar el final solo lleva a la muerte y la locura. Dejar la trinchera significa despertar al hombre de nieve, la muerte personificada.
En el duodécimo cumpleaños de Milli, su padre lleva a las dos niñas a patinar durante la noche por la trinchera, un ritual de mayoría de edad en el que poner en práctica la pesca en el río helado, cazar a los perros salvajes que deambulan por sus orillas y dar las gracias de forma apropiada a sus dioses: los Fríos. A su regreso descubren que el hombre de hielo no es una leyenda. Existe… y ha venido a matarlos a todos. Ahora queda resolver una duda: ¿quién se ha saltado las reglas?
La saga creada por el guionista Jeff Lemire y el dibujante Jock es una historia de acción, pérdida y redención, en la que las hermanas Milli y Mae deben luchar por su supervivencia en una tierra hostil. Un relato de ciencia ficción con la familia como leitmotiv ganador del premio Eisner a Mejor cómic digital de 2022 y nominado a los Premios Harvey 2022 en la categoría de Mejor serie digital.
Desde Hong Kong, en donde arrasó en la taquilla, llega a NetflixLa Guerra del Futuro, propuesta de ciencia ficción postapocalíptica que, dirigida por Yuen Fai Ng, es tan entretenida como débil argumentalmente.
Un solo diálogo alcanza para definir el espíritu de la película: un ex oficial de la fuerza aérea que trafica películas en un barrio marginal ofrece como joya de colección la versión original de 1956 de La Invasión de los Ladrones de Cuerpos, encargándose de aclarar que no es el remake de 1978. La Guerra del Futuro es precisamente regresar a aquellas películas de los cincuenta o sesenta mezclándolas con las de los ochenta y sumándoles cultura de videojuegos y tecnología digital de última generación.
Se trata de un filme de origen honkonés que llega a Netflix tras arrasar en las salas cinematográficas de su país (o lo que Hong Kong sea, con su estatus tan particular). La dirección corre por cuenta de Yuen Fai Ng, debutante en dicho rol pero con labrado prestigio en la cinematografía como ingeniero de efectos visuales para filmes proyección internacional, como Re-Cycle (2006) oThe Warlords (2007).
El título es, por cierto, de lo más genérico que pueda haber (de hecho, el año pasado vimos La Guerra del Mañana, también analizada en esta web) y presupone un amplio abanico de posibilidades acerca de lo que vayamos a encontrar al darle play, pero en lo básico es una película postapocalíptica con una premisa bastante demencial, por no decir disparatada…
La Historia
Estamos en el año 2055 y la humanidad atraviesa un desastre ambiental provocado por los armamentos y la tecnología robótica utilizada en las guerras; por tal razón, se ve obligada a vivir bajo inmensas cúpulas a las que se conoce como domonets, pero un gran asteroide impacta contra una de ellas y como si no fuera ya suficiente problema dejar una ciudad expuesta a una atmósfera nociva, también trae consigo una inmensa y voraz planta que, merced a las lluvias, aumenta exponencialmente su tamaño hasta dimensiones lovecraftianas aunque, paralelamente, purifica la atmósfera.
Si después de esa sinopsis siguen allí es porque tienen interés, así que les sigo contando, al menos lo mínimo de la trama para no hacer spoilers…
El problema es cómo aprovechar el efecto purificador de la planta (a la que llaman Pandora) sin que esta termine con la humanidad. Científicos del gobierno han descubierto que entra en hibernación al tomar contacto con determinado virus terrestre y. cuando ello ocurre, sigue purificando el aire pero deja de crecer y ser un peligro. El plan es, por lo tanto, arrojar contra su pistilo lo que llaman una “bomba genética” conteniendo el virus encapsulado para dejarla en letargo.
La misión es suicida por partida doble pues para que la planta se abra y deje expuesto el pistilo, es necesario un ataque previo con bombas que pondrá en peligro a los integrantes del grupo; por otra parte, en caso de fallar, el plan B consiste en arrojar un armamento mucho más masivo antes de que, como el pronóstico meteorológico anuncia, una tormenta haga crecer la planta hasta proporciones inusitadas. Llegado ese punto, no solo perderían la vida los implicados en la misión sino también unos ciento sesenta mil residentes en la zona.
El grupo enviado incluye a tres ex oficiales que en el pasado fueron expulsados de la fuerza aérea, pero cuya pericia como pilotos se hace necesaria ante un momento tan crucial. Llama la atención que para el circuito internacional los tres lleven nombres anglosajones, que son Tyler (Louis Koo, también productor), Johnson (Sean Lau) y Philip (Yau Tai Long). El primero ha perdido una hija por culpa de la contaminación y ello deviene en una especial relación con una niña a la que hallan huérfana en la ciudad desastrada; el segundo es un convencido de que los robots jamás pueden suplantar a los humanos y el tercero es el antes referido traficante de películas en barrios bajos.
Un Festival de CGI
No diré mucho más: lo dicho es prácticamente la base sobre la cual la historia se desarrolla. Primera cuestión: el guion es muy pobre. Segunda: puede que ello no te importe. Decía antes que es una película impregnada de cultura de videojuegos y realmente la base de la historia parece el lore de cualquiera de ellos. No tienes joystick ni decides sobre los personajes, pero es battle royale y shooter en estado puro y a todo disparo, lucha, robot, persecución y demás a un ritmo que no para.
Y en el medio, unas grandes y peligrosas mantis de cuatro ojos que deambulan por la ciudad en ruinas y de las que no se sabe si han sido traídas por el meteorito, son parásitos de la planta o han nacido de ella. A la película le faltan montones de explicaciones y tampoco se preocupa por darlas, aunque tengo entendido que la versión que nos llega cuenta con trece minutos menos que la originalmente estrenada en Hong Kong, lo cual puede (quizás) ayudar a entender el porqué.
El despliegue visual es tan abrumador que el actor-productor Louis Koo llegó a afirmar que se rodaron unas 1900 tomas de cgi y que incluso se llegaron a montar escenas de acción en torno a los actores para que estos pudieran entender qué era lo que en la ficción estaba pasando en derredor suyo.
Los personajes están tan estereotipados como los actores sobreactuados (algo bastante común en el cine de acción asiático), con las honrosas excepciones del propio Koo y de Sean Lau. El clima tiene mucho de cine B: recuerda mucho a las viejas películas de invasiones alienígenas de los años de la guerra fría o a aquellas chatarras de “monster movies” japonesas y, ya que hablamos de Japón, la desmesura postapocalíptica tiene también bastante de manga.
También destila mucho aire ochentero: los diseños de vehículos y armamentos remiten a Robocop, las escenas de luchas con robots a Terminator (incluso el proyecto de los domos se llama Skynet), la niña rescatada a Aliens: El Regreso y así… Tampoco faltan ecos de las películas de Marvel, (particularmente las primeras de Vengadores dirigidas porJoss Whedon)y hasta algo de Black Hawk Derribado (La Caída del Halcón Negro, para América Latina).
Hay también contenida una lectura acerca del daño que los seres humanos hacen a la naturaleza, así como a las divisiones y egoísmos que les convierten a veces en enemigos peores que cualquiera que llegue de otro mundo: a los ejecutivos de la empresa que provee los domos, por ejemplo, no le conviene que el aire se purifique.
Todo se desenvuelve a ritmo frenético en medio de un guion previsible y lleno de lugares comunes, pero también se puede decir que no aspira a más. Hay incluso una escena post-créditos no muy entendible, que tiene que ver con la Luna y que presagia quizás una secuela que, considerado el éxito que el filme ha tenido, no sería de extrañar.
Balance Final
No busques originalidad en La Guerra del Futuro: es una mezcla de cosas que ya has visto y mucho. No aporta nada novedoso al cine de acción ni al de ciencia ficción, pero es un brutal entretenimiento en cualquiera de ambos. Si buscas innovación, estás perdido; si disfrutas de un buen shooter, esta es tu película.
Tal ambigüedad torna difícil cualquier evaluación ya que el disfrute del filme dependerá de tus expectativas. Desde lo argumental, cero estrella. Desde la diversión, cinco. Haciendo promedio: dos y media…
Pasaron dos grandes episodios de Chainsaw Man (Hombre Motosierra) y poco a poco nos acercamos al final de temporada. Revelaciones sobre Makima, la tristeza de Aki y el futuro de Power y Denji fueron los tópicos principales. Sin dudas, se vienen grandes momentos en uno de los mejores animes del año.
El capítulo 9 comenzó con otro punto de vista de la partida de Himeno. Resulta que antes de ser devorada por el Demonio de las Serpientes logró activar las motosierras de Denji. Este se levanta y se dispone a luchar.
Le hace frente al enemigo de las cuchillas y la cosa parece bastante pareja. Sin embargo, tras un momento que ni se ve, Denji termina partido al medio. Así, Sawatari, la mujer que parece liderar el ataque, ordena que se lleven a nuestro protagonista.
El panorama es muy negativo: Aki malherido, Power que huyó, Himeno muerta y Denji partido al medio y secuestrado. Al parecer, lo que buscaba el Demonio de la Eternidad y lo que buscan estos nuevos enemigos es el corazón del Demonio de las Motosierras.
Pero, como muchos esperábamos, luego nos revelan una buena noticia: Makima no fue asesinada. Sin explicarnos por qué, vemos que está intacta y que se carga a los asesinos que estaban en el tren.
Un pacto con un demonio misterioso
Makima llega a Tokyo y allí la esperan dos agentes de la Seguridad Pública. Ellos le explican que gran parte de la unidad fue atacada y que hay pocos sobrevivientes. La jefa de la sección 4 no se ve alterada y pide que le acerquen 30 reclusos condenados a muerte.
En un templo religioso, alejado de la ciudad y bastante alto, vemos cómo llegan estos presos y se acomodan con los ojos vendados y de rodillas. Los dos agentes que acompañan a Makima también están vendados.
Esto, explica uno de ellos, es porque nadie sabe con qué demonio hizo un pacto Makima. Y no es para menos, porque poco a poco vemos que es bastante poderoso y temerario.
Ella mueve las manos como si exprimiera un limón. El preso dice el nombre de uno de los humanos que atacaron a los agentes y ¡pum! este muere triturado o aplastado. Luego, el preso también fallece.
En los otros puntos de Japón, estos enemigos tienen un momento en que se dan cuenta que algo va a pasar. Los que están arrastrando a Denji se asustan y quieren escapar, pero son aplastados. Sawatari se da cuenta, entonces, que Makima está viva.
Así, la jefa de la Sección 4 asesina a todos los humanos que portaban armas pero no a Sawatari ni al demonio que venció a Denji. Queda la duda de por qué y pareciera que hay una historia antigua entre estas dos mujeres.
La fuerza inesperada de Kobeni
Por último, el capítulo nos revela que Kobeni sobrevivió. Ella iba con Arai, que recibió el disparo dirigido a él y se interpuso en el que iba hacia la agente. Velozmente, Kobeni vence al que les disparó y toma su radio.
De esta manera, encuentra a Sawatari y logra rescatar a Denji. Y la escena no se queda corta en acción: podemos ver cómo Kobeni, que parecía tan asustadiza y débil, tiene en realidad mucha fuerza y logra defender el cuerpo partido del protagonista.
La tristeza de Aki y su pacto con un nuevo demonio
El episodio 10 nos muestra a Aki en el hospital, mientras Power y Denji están al lado de su cama. Ambos fueron a comer las manzanas que le regalaron y están recuperados. Denji le recrimina que ella escapó de la batalla.
Aki está silencioso, triste por la muerte de Himeno. Para colmo, cuando Denji y Power ya se fueron, le pregunta al Demonio de las Maldiciones cuántos años de vida le quedan y resulta que son solamente dos.
Luego recibe la visita de dos agentes de Seguridad Pública que le consultan si tiene pensado renunciar. Él contesta que no y ellos le explican que el Zorro se enojó con él y que deberá hacer un pacto con un nuevo demonio.
Antes de ir, recibe una última visita que lo sorprende: la hermana de Himeno. Ella le lleva unas cartas donde su compañera no hacía otra cosa que decir que quería que Aki renunciara y que por más que lo intentaba no lograba convencerlo.
Al cierre del capítulo, vemos que baja adonde tienen detenidos a los demonios. En la celda 108 está el Demonio del Futuro y con él deberá pactar. Le explican que un agente dio dos ojos y otro la mitad de su vida. Veremos qué negocia Aki.
El entrenamiento de Denji y Power
El capítulo también muestra lo que les depara a Denji y Power. Makima los busca, les cuenta que todas las Divisiones Especiales se unieron (por la cantidad de bajas que tuvo), así que ahora ella lidera a todos.
Luego los lleva a conocer al maestro Kishibe (que no les quiere revelar su nombre). Entiendo que es uno de los personajes más fuertes del manga y un poco lo demuestra cuando, después de hacerles unas preguntas, les parte el cuello a Denji y a Power.
Él los entrenará para que sean más fuertes y puedan vencer al Demonio de las Armas. Pese a que Power y Denji son dos, Kishibe los vence una y otra vez hasta el anochecer. Total, ambos demonios pueden recuperarse tomando sangre.
La humillación es tal que Power y Denji se alían para lograr vencerlo al día siguiente. Organizan un plan para cuando los vaya a buscar al departamento. Sin embargo, él muestra nuevamente su nivel y los derrota.
Quedan dos capítulos de esta temporada y resta saber si llegaremos a conocer al Demonio de las Armas. Por lo pronto, ya conocemos a varios de sus subordinados y sabemos que buscan el corazón de Denji. Falta saber por qué y hasta dónde nos contarán la historia.
¡Hasta el análisis del próximo capítulo! Sean felices…
Henry Cavill ya no será Superman en el universo cinematográfico de James Gunn para DC. Ya se hizo oficial y aquí os lo contamos. La marcha de Cavill ha sido un golpe duro para las legiones de fans que seguían al actor, pero el un movimiento lógico por parte del estudio para construir un nuevo proyecto a largo plazo para los personajes de la editorial.
El director de ‘Escuadrón Suicida’explicó que el guion que va a escribir sobre Kal-El no es una historia de origen pero si nos mostrará a un Clark Kent joven y trabajando en el Daily Planet.
Con estos datos me he lanzado, como buen fan de DC y los cómics, a proponer los cinco actores que mejor encajarían en el rol del kriptoniano para este reinicio cinematográfico. Marcándome como edad límite los 30 años, es por ello que en este listado faltarán algunos actores que siempre han estado postulados para el papel al superar dicha edad.
Este joven actor nacido en Manhattan no tiene una extensa filmografía a sus espaldas, ya que únicamente cuenta con 11 películas en su haber pero físicamente es un Superman perfecto con su 1,91 m de altura y excelente forma física.
Lo hemos podido ver en ‘Conquista a medias’, ‘Nación Salvaje’ y ‘Sierra Burgess es una perdedora’.
Al ser un actor parcialmente desconocido, el papel del kriptoniano puede ser su trampolín a la fama y su edad le permite poder enfundarse el traje del personaje durante algo más de una década.
Corenswet ha participado en series con algo de renombre como ‘House of Cards’ o ‘The politician’ y en cine ‘Mis dos vidas’ y ‘Pearl’ han sido sus apariciones en este 2022.
Es un intérprete con experiencia y juventud, con una extensa carrera a sus espaldas, aunque sin éxitos sobresalientes, que puede ser un gran punto de partida para que nos entregue una muy buena y nueva versión de Superman.
La cara de este actor nos sonará a todos por su reciente co-protagonismo en la serie ‘The Peripheral’ de Amazon Prime y en ‘Midsommar’ junto a Florence Pugh. Hace 8 años lo pudimos ver en un blockbuster de acción como fue ‘Transformers: la era de la extinción’.
Cuanta con treinta años, lo que le augura una carrera longeva, y ya ha demostrado, en la serie protagonizada por Chlöe Moretz, que se le dan bien las escenas de la acción.
Un poco de tinte para oscurecer el cabello y puede encajar perfectamente en el papel de Clark Kent.
Otro actor algo desconocido aunque haya participado en la serie ‘All Americans’, ‘Teen Wolf’ y sea la voz de Cloud Strife en ‘Final Fantasy VII: Remake’.
Pese a que no ha tenido ningún éxito notable en cine, su trabajo en la pequeña pantalla no pasa desapercibido.
Tiene ese aspecto de chico de pueblo a la par que un físico capaz de conseguir que nos lo creamos como Superman.
Este actor es “archie-conocido” (y pido perdón por el mal chiste) en la pequeña pantalla gracias a ‘Riverdale’ y su papel de Archie. Una ficción que lleva ya siete temporadas y que, a día de hoy, funciona muy bien.
Este intérprete tiene la presencia y juventud perfecta para ser ese nuevo Clark Kent periodista y superhéroe en el nuevo universo cinematográfico de DC. Eso sí, tiñendo ese llamativo color de pelo.
Y hasta aquí este rápido listado de actores para sustituir a Henry Cavill. Es cierto que el intérprete que tome su relevo va a tener una sombra muy alargada que lo va a opacar, ya que el actor británico nos ha dejado un Superman inolvidable pero su etapa ya acabó.
El nuevo reinicio de DC va a significar que deberemos decir adiós a otros actores y actrices que llevan años acompañándonos. Solo nos queda esperar e ilusionarnos con los nuevos proyectos que lleguen, unas cintas que deseo que lleven a DC al lugar que se merece.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Dolmen Editorial del mes de enero de 2023. Y creo que no voy a ser capaz de recomendar ni seleccionar, porque …
¡Lo quiero TODO!
Novedades Dolmen Editorial de enero de 2023
Al empezar a escribir este sencillo artículo de novedades, pensaba que no iba a poder recomendar ninguna de las publicaciones de enero de Dolmen Editorial. El motivo es porque me haré con todo el catálogo al completo. No puedo decir a ninguna de las obras que no.
Estaba equivocado. Sobre todas las publicaciones, no tengo más remedio que recomendar esta mítica obra del noveno arte …
«En el siglo XVII, las Américas eran un paraíso para piratas y aventureros de mala reputación, quienes buscaban enriquecerse lo más rápido posible para gastarse sus fortunas aún más rápido.
Un mundo sin explorar, con muchos tesoros por descubrir e incontables peligros a los que hacer frente. Solo una persona puede guiar a los recién llegados a estas tierras donde aún todo es posible.
Se trata de Alvar Mayor, uno de los primeros blancos nacidos en el nuevo continente, hijo de uno de los hombres que acompañó a Pizarro.
Dos leyendas del cómic como Carlos Trillo (El último recreo) y Enrique Breccia (Lovecraft) crearon y serializaron en 1977 en la revista Skorpio esta obra maestra del cómic argentino.
Respetando el orden cronológico de publicación, en estas páginas se incluye el inicio de este viaje repleto de hechiceros, barcos, dioses nuevos y antiguos, calaveras, tabernas y puestas de sol legendarias».
Pero eso no será todo. Más abajo, os dejo el pdf completo, que contiene todo el catálogo de publicaciones para este mes de enero, por parte de Dolmen Editorial.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos las novedades de ECC Ediciones para el mes de febrero de 2023
ECC Ediciones de febrero de 2023
Se acerca el final de 2022 y llega el momento de mirar un poco más allá. Hoy os compartimos los boletines de novedades que recogen los lanzamientos previstos para febrero de 2023. Además, queremos aprovechar este comunicado para desearos unas felices fiestas y desearos un feliz año nuevo. 2023 se presenta ilusionante y cargado de cambios y sorpresas, que iremos desgranando poco a poco a través de los diferentes medios de la editorial.
En el encabezamiento de cada sección encontraréis el enlace directo al comunicado de novedades completo. Esperamos que esta información sea de vuestro interés, y os esperamos en nuestra página web oficial así como en las redes sociales de ECC: Facebook, Twitter e Instagram.
COMUNICADO DC COMICS La Crisis Oscura se extiende por todo el Universo DC en el primer número del evento que sirve de secuela a la mítica Crisis en Tierras Infinitas. En DC Black Label os traemos el primer episodio de la esperada miniserie El Acertijo: Año uno, que sirve de precuela de la película The Batman. En FOCUS, recopilamos en un único tomo cargado de extras Rorschach de Tom King y Jorge Fornés.
COMUNICADO ECC MANGA
Un autor de referencia regresa a primera línea del sello ECC Manga: Taiyô Matsumoto. Regresamos al imaginario del multipremiado mangaka japonés a través de la nueva edición integral de Sunny. Más de 1.000 páginas que recogen la emotiva historia de un grupo de chavales en una casa de acogida.
COMUNICADO NOVEDADES ECC CÓMICS
En ECC Cómics seguimos de enhorabuena. En esta ocasión, damos la bienvenida a Enrique Fernández, recuperando su particular versión de El mago de Oz. Al mismo tiempo, os presentamos el primer tomo de Europa, la nueva obra de Leo, Rodolphe y Zoran Janjetov.
COMUNICADO NOVEDADES KODOMO
Terminamos esta introducción con una pincelada de Kodomo. Tras los diferentes especiales de los Supertrastos y ¡Hoy mando yo!, continuamos explorando la bibliografía de Elise Gravel con la primera aventura de los gamberros Arlo y Pips. Todo un referente del cómic infantil mundial, especialmente recomendado para primeros lectores.
En estas fechas tan entrañables, todo el mundo se sube al carro de las películas navideñas. En Amazon Prime han estrenado Los Reyes Magos: La Verdad, una comedia navideña algo peculiar.
A la moda
Los Reyes Magos andán algo alicaídos. Su popularidad está por los suelos. El tipo aquel vestido de rojo, el que se vendío al capitalismo anunciando una bebida gaseosa, les supera por goleada. Así que Gaspar, que es el más lanzado, ha decidido contratar a una nueva representante, Lola Gutierrez, madre soltera que lleva a su hija a todos lados por aquello de la conciliación familiar (y también porque no le queda más remedio).
El primer objetivo de Lola (sensacional Camila Viyuela) es conseguir que sus majestades rueden un documental, un reality de esos que se han puesto de moda, para mostrarse al mundo tal como son.
El problema es que, tal como son, no es que estén muy a la última. Ante los ojos de la sociedad actual, son Los Reyes Magos son tres señoros demasiado viejos y heteros, poco inclusivos a pesar de Baltasar, que viven al margen de las redes sociales y que necesitan una actualización.
¿Eso de lanzar caramelos a los niños? Demasiado peligroso, por no hablar de la salud dental. ¿Los camellos? Rozando el maltrato animal. Y hay que ser más healthy, que eso de desayunar gachas y queso rancio todas las mañanas estaba muy bien en otros tiempos pero ahora es mejor pasarse a las tortitas de arroz.
Para modernizarse nada mejor que acudir a una agencia de publicidad que les pondrá en manos de los influencers y artistas más destacados, ya sea Soy una pringada para conseguir que sean lo más, ya sea Lorenzo Caprile vistiéndolos de vaqueros espaciales. ¿Conseguiran sus majestades estar a la última sin que les pueda la ansiedad?
Al estilo Waititi
Los Reyes Magos: La Verdades una comedia rodada en estilo de falso documental. Su referente más claro es Lo que hacemos en las sombras, la genial película (y serie) del no menos genial Taika Waititi. Si la habéis visto ya sabréis que esperar. Y la verdad es que la cinta dirigida por Victor Garcia León no tiene nada que envidiarle.
Personalmente, hay momentos en los que me he reido como no hacía tiempo (y mira que es dificil que me ría). Los Reyes Magos: La Verdadbasa gran parte de su fuerza en los actores, todos ellos unos desconocidos para el gran público.
Los personajes están muy bien definidos: Melchor es un viejo cascarrabias, Gaspar es un materialista, Baltasar un presumido pagado de si mismo y Lola, la representante, es una bonachona bienintencionada que hace lo que puede. Los actores (Mauro Muñiz de Urquiza,Javier Carramiñana,Pedro Gutiérrez y Camila Viyuela) les ponen rostro y les dotan de una credibilidad y una autenticidad que es lo que hace que nos enganchemos a la película.
A todo esto se suman los gags, algunos realmente geniales, como cuando Caprile los vista casi de lagarteranas en venganza porque a sus primos les traían juguetes y a él un libro de moda en italiano. También es verdad que algunos sólo los pillaremos en España, como cuándo se preguntan por la edad de Jordi Hurtado, ellos, que tienen dos mil años y a los que ese tipo les suena de algo.
En resumen, Los Reyes Magos: La Verdad es una gran película, original, divertida e inteligente, muy alejada de las habituales españoladas con las que nos torturan habitualmente.
Y mira que Los Reyes Magos son una tradición muy española. Demasiado española para los foráneos. Una tradición arraigada que muchos modernos pueden tachar de rancia pero, oye, es nuestra tradición, son nuestros reyes y son nuestros señoros. Así que vade retro, modernillos de manual. Los Reyes Magos molan y esta película mola mucho. Un saludo, sed felices.
Planeta tiene publicado en su catálogo varias obras del genial Neil Gaiman, y ahora que se acerca la Navidad he pensado en recomendar y reseñar Nieve, Cristal, Manzanas, un comic del autor inglés con ilustraciones de Colleen Doran que es ideal para hacer un buen regalo en estas fechas.
La imaginación de Gaiman es de sobra conocida por todo el mundo, así como su gusto por dar su propia visión de los mitos con obras como American Gods o Mitos Nórdicos. También es un escritor al que le gusta contar cuentos, como Coraline. Teniendo esto en cuenta no es de extrañar que también se le ocurra coger un cuento popular para reinterpretarlo a su manera y ofrecernos un relato que con el título Nieve, Cristal, Manzanas, no es otra cosa que una nueva versión de Blancanieves. Años más tarde, en 2019, Dark Horse adaptó dicho relato al comic (algo muy común en las obras de Gaiman) y ese comic es el que nos llega a España gracias a Planeta.
La gracia de esta reinterpretación es que nos cuenta la historia desde el punto de vista de la madrastra, que aquí no es tan malvada, mientras que la pequeña Blancanieves es un mal bicho de cuidado. Lo mejor de todo es que el escritor deja atrás el aire infantil del cuento clásico para hacer una de las cosas que mejor sabe hacer: contarnos una historia de terror espeluznante que desde luego hará las delicias de los mayores de la casa, aunque no es que sea muy recomendable para los más pequeños pese a ser una versión de Blancanieves.
Ya hemos comentado que la historia que nos ofrece Nieve, Cristal, Manzanas es muy interesante, pero lo es más aun gracias al enorme trabajo de Colleen Doran. Gaiman y Doran ya habían colaborado antes (en Sandman y en la adaptación al cómic del relato El Puente del Troll) y en este trabajo tienen la genial idea de recurrir a un estilo de dibujo inspirado en el trabajo de Harry Clarke, célebre ilustrador y artesano de vitrales de principios del siglo XX.
El resultado es espectacular, no solo por lo bonitas que son todas las páginas del comic, sino porque ese estilo de dibujo casa de manera perfecta con el tono de la historia elevando el nivel de esta hasta niveles insospechados.
Lo primero que llama la atención es que en todo el volumen no hay prácticamente viñetas. Estas son sustituidas por ilustraciones a toda página con una composición realmente asombrosa que conduce el relato de manera orgánica por los caminos que sus autores nos quieren llevar. De esta manera la ilustradora logra que sus planchas nos recuerden a vidrieras propias de una iglesia en la que estamos siguiendo un relato escondido por el tiempo. Blancanieves fue la ganadora de la batalla contra su madrastra y logro imponer su versión de la historia que es la que ha perdurado en el tiempo en todos los sitios… menos en estas vidrieras antiguas.
Todos los dibujos están tan llenos de detalles que la obra invita a una relectura pausada para detenernos en todas sus páginas buscando elementos ocultos o que se nos puedan haber pasado por alto y que enriquecen aún más el conjunto. El tono alargado y lánguido de sus personajes queda genial para una historia de terror en la que tampoco faltan algunas escenas eróticas. Además, el color, en el que uso de amarillos y ámbares contrasta mucho con la paleta azul de las escenas nocturnas, subraya ese tono entre gótico y oscuro de la narración, haciendo que el apartado artístico de la obra sea sencillamente brillante.
La edición de Planeta es perfecta para darse un capricho. Nieve, Cristal, Manzanas está recogida en un volumen de tamaño comic-book normal encuadernado en una lujosa tapa dura de 72 páginas con bocetos y notas de Colleen Doran donde nos cuenta el proceso de creación de la obra, un extra que acaba de redondear el libro. Lo único negativo es que se podría haber optado por una edición con un tamaño un poco mayor para que las ilustraciones lucieran más (por ejemplo, tamaño álbum europeo). El precio de venta es de 16,95 euros.
En resumen, Nieve, Cristal, Manzanas es un comic que merece muchísimo la pena, más allá de ser otra adaptación de un relato de Gaiman, la historia que nos cuenta es imaginativa, divertida a la par que terrorífica y mantiene al lector pegado a sus páginas para ver como el escritor retuerce a su antojo el mito de Blancanieves. Y el sobresaliente trabajo de Colleen Doran, con unos dibujos evocadores y espectaculares, hace que se eleve el nivel de la obra para hacerla poco menos que una compra casi obligada para los fans de los autores, de los cuentos de terror y de las buenas historias en general.
El peor de los temores se hizo realidad. Tras reunirse con James Gunn, Henry Cavill lanzó un comunicado de despedida como Superman: «Mi turno de usar la capa ha pasado…»
El terremoto James Gunn sigue haciendo estragos en el mundo de DC y Warner. Tras una serie de cancelaciones, de las cuales la más resonante ha sido la de la tercera película de Wonder Woman (aquí el artículo con el comunicado de Patty Jenkins al respecto), ahora es Henry Cavillquien, a través de un comunicado y tras reunirse con Gunn, se ha despedido oficialmente de Superman.
Si bien era algo que se veía venir y se temía, la noticia no puede menor que llenar de tristeza a los fans a lo largo y ancho del mundo, sobre todo después del entusiasmo que había despertado en octubre el anuncio de que el actor regresaría encarnando al hombre de acero en una secuela del ya clásico filme de Zack Snyder.
“Acabo de tener una reunión con James Gunn y Peter Safran, y las noticias son tristes para todos – expresa el comunicado de Cavill vía Instagram -. Después de que el estudio me dijera, antes de esto, que anunciara mi regreso en octubre, esta noticia no es la más fácil, pero así es la vida…
El cambio de conducción es algo que suele pasar. Lo respeto. James y Peter tienen un universo para construir. Les deseo a ellos y a todos los involucrados con el nuevo universo la mejor de las suertes y la más feliz de las fortunas.
Para aquellos que han estado a mi lado a lo largo de estos años… podemos llorar por un rato, pero luego tenemos que recordar… Superman sigue dando vueltas por allí y todo lo que representa sigue existiendo. Mi turno de usar la capa ha pasado, pero lo que representa Superman nunca lo hará. Fue un viaje divertido con todos ustedes. Hacia adelante y hacia arriba…”
Con esas sentidas palabras, el actor dice su adiós al que seguramente ha sido su personaje más icónico. Cabe preguntarse ahora qué deparará al destino de DC el nuevo rumbo tomado por la flamante conducción, pero siempre voy a ser de la idea de que no se construye nada nuevo (ni bueno) destruyendo con pico y pala todo lo anterior. Lamentablemente, James Gunn (quien recordemos que cayó en Warner tras haber sido en su momento despedido por Marvel) parece no entenderlo así.
Por lo pronto, nos han matado la ilusión de volver a ver a Cavill en el traje de Superman y, para colmo de males, tampoco tendremos la posibilidad de verlo en una cuarta temporada de The Witcher, serie a la cual justamente renunció a tal fin y donde ya tiene reemplazo (aquí la noticia en su momento publicada).
Suena triste cerrar esta noticia como si se tratase de un obituario, pero sé que tanto para mí como para muchos de ustedes el sentimiento es de luto. Solo nos queda decirle gracias a Henry por haber sido un Superman increíble y esperar verlo pronto en algún otro proyecto.
