Inicio Blog Página 245

DC: Patty Jenkins habla por fin de la cancelación de Wonder Woman 3 mientras que Dwayne Johnson mete en líos a Warner Bros

DC no deja de acaparar las páginas webs de noticias cinematográficas y no por sus estrenos o la calidad de los mismos, sino por una serie de problemas internos que no paran de salir a flote: Todos recordamos las andaduras de Ezra Miller hace un tiempo y más recientemente la cancelación de WW3 y el abandono de Patty Jenkins.

James Gunn salió a desmentir parte de la noticia de ‘The Hollywood Reporter’  pero eso no impidió que muchos fans muy tóxicos inundaran las redes sociales con un hashtag pidiendo su despido.

wonder woman 1984 patty jenkins e1602853197804

En estos días se ha matizado dicha noticia explicando que no se había cancelado, sino que el guion presentado no encajaba con la nueva dirección del universo cinematográfico de DC, pero la protagonista de este rumor no había hablado, hasta ahora.

La cineasta ha salido a la palestra, a través de Twitter para responder sobre todo lo que se está hablando sobre ella, Wonder Woman 3 y Rogue Squadron. Asegurando que abandono la cinta de Star Wars al percatarse que no iba a ser un proyecto a corto plazo y que continuar podía retrasar la tercera entrega de la amazona.

Patty Jenkins and Gal Gadot 1280 Featured 01

También es cierto que Lucas Films se puso en contacto con Patty Jenkins para ofrecerle de nuevo la cinta tras el rodaje de Wonder Woman 3 y ella aceptó.

La directora ha aclarado que en ningún momento ha abandonado la franquicia y que le desea lo mejor al personaje, ya sea con ella o sin ella. Además, James Gunn ha respondido a la publicación de Jenkins elogiando el trato profesional y amable que le proporcionó Peter Safran.

El comunicado de Twitter ha dejado claro que pese a que DC se encuentra en unos momentos muy difíciles por los cambios que tendrá que realizar, la puerta para la tercera entrega de Wonder Woman no está cerrada.

Podríamos decir que esta es la buena noticia de la semana después del terremoto que está sacudiendo a la casa de Batman y compañía, pero este estudio siempre nos da una de cal y otra de arena.

Mientras Patty Jenkins se sube al carro de DC, el señor Dwyane Johnson ha entrado en liza con Warner Bros, ya que parece que el actor y productor de ‘Black Adam’ supuestamente ha falsificado cierta información concerniente a la recaudación de la cinta.

Según Deadline, el filme protagonizado por ‘La Roca’ le ha costado al estudio unas pérdidas de alrededor de 100 millones de dólares, ya que con una recaudación de casi 400 y un presupuesto de 195 (sin contar publicidad y demás gastos que ascienden a 80 millones) no ha llegado a ser rentable.

34013f06f694028d91e455de476e95a0

Por otro lado, el equipo financiero de Johnson asegura que las ganancias de ‘Black Adam’ ascienden a 70 millones, con lo que hay un descuadre que no sabemos de dónde ha salido.

Parece ser que las cuentas del actor y productor han tenido en cuenta (valga la redundancia) unas ganancias derivadas de las ventas en formato físico y digital de la cinta, algo que no se puede saber aún, ya que lo primero aún no ha ocurrido y lo segundo acaba de comenzar hace escasos días.

Según declaraciones de Warner Bros. se puede extraer que Johnson ha mentido para tratar de maquillar el mal funcionamiento de la cinta y así evitar la palabra fracaso.

black adam 3

Sea como fuere, DC está pasando por un momento muy delicado y sinceramente no querría estar en la piel de James Gunn con lo que se le viene encima. Confío en él y sé que conseguirá que nuestros personajes favoritos vuelvan por la puerta grande, si lo dejamos trabajar y no lo despedimos antes de empezar.

Un saludo y sed felices pese lo que está ocurriendo.

Crítica de Los renglones torcidos de Dios (2022), ¿Dónde están los renglones torcidos de Dios?

Madre mía, qué cabreo.  Cuándo se anunció el estreno de Los renglones torcidos de Dios en Netflix, me froté las manos, teniendo claro que ya tenía planteado un nuevo análisis psicológico para esta sacrosanta web. Al fin y al cabo, hablábamos de la adaptación al cine de una de las novelas más importantes sobre la locura del siglo XX, todo un libro de cabecera para cualquier sanitario que se dedique a esto de la salud mental.

Análisis psicológico de Thor: Love and Thunder. Sobre la defensa maníaca ante la depresión

Análisis psicológico de la personalidad de Joker, de Joaquin Phoenix

Análisis psicológico de Vengadores: Endgame. Heroísmo, pérdida y resiliencia. 

Análisis psicológico de American Psycho. Psicopatía vs Psicosis.

Análisis psicológico de Shutter Island. Sobre psiquiatría y delirio. 

Análisis psicológico sobre Spiderman: la última cacería de Kraven.

Por desgracia, vemos poco de la maestría de Torcuato Luca de Tena en esta lujosa pero vacía película. Así que nada, ni rastro de análisis psicológico, porque donde no hay mata no haya patata, y procedemos a desgranar cinematográficamente una película que, cómo podéis imaginar, no me ha gustado mucho.

Adaptación de la novela homónima publicada en 1979 por el escritor Torcuato Luca de Tena, Los renglones torcidos de Dios narra las peripecias de Alice Gould, una mujer interna en contra de su voluntad en un manicomio de la España de los años cincuenta, de sus relaciones con el resto de internos y del dilema al que se enfrentan los psiquiatras que le atienden: ¿Es una mujer cuerda engañada por su marido? ¿O una paciente con un delirio tan estructurado que parece que lo que cuenta es real?

4

Dado que la película es una adaptación de una novela magistral de la literatura española, he decidido dividir la crítica en dos partes: una hablando de la película exclusivamente como producto cinematográfico, independientemente de las bases que adapten, y otra como adaptación.

Estos son dos puntos de vista que aún hoy (y siempre) están sujetos a debate. ¿Debe calificarse una película exclusivamente como adaptación? En la historia del cine tenemos ejemplos claros de películas que adaptan productos de otros medios con éxito sin necesidad de ser excesivamente fieles al material original (El padrino, El señor de los anillos, El nombre de la rosa…). La cuestión es que, al menos en lo que a mí respecta, es imprescindible que el espíritu, la esencia, el mensaje de la obra original quede impoluto. Porque si no, ¿Para qué adaptar? Mejor coger otro material.

COMO PELÍCULA

La película, toda una superproducción española, está dirigida por Oriol Paulo, todo un fan en esto de retorcer la intriga con películas tan sugerentes como El cuerpo o Contratiempo y otras producciones no tan acertadas como Durante la tormenta o El inocente, serie de Netflix, plataforma que ahora produce esta Los renglones torcidos de Dios.

Paulo es todo un admirador de la intriga más clásica combinada con los juegos espaciotemporales a lo Christopher Nolan. Y eso es algo que hemos podido ver en prácticamente toda su obra. Lógicamente, también lo encontramos en Los renglones torcidos de Dios.

En esencia, la película es todo un policiaco que recuerda muy mucho a Shutter Island, su mayor referente a nivel cinematográfico. Claro está, habría que aclarar que la novela original de Shutter Island es bastante posterior a la historia de Los renglones torcidos de Dios. No será aquí el único sitio donde leáis que Dennis Lehane cogió más de un detalle de Torcuato Luca de Tena.

3 1

Realmente, todo lo deudor de Shutter Island se remite a los códigos del género de misterio empleados y a la ambientación situada en un psiquiátrico. Por lo demás, Paulo se aleja de Martin Scorsese en prácticamente todo, empezando por el uso la fragmentación temporal con varios relatos situados en pasado, presente y futuro. Dentro y fuera del manicomio.

Paulo parece más fascinado por que todo cuadre en esa interrelación entra tanta línea temporal que no exprime la historia de sus personajes. Vamos, que exceptuando la protagonista, una notable Bárbara Lennie que sostiene toda la película, el resto de personajes son más planos que un folio. Incluso incoherentes, como el caso del director Samuel Alvar, interpretado por un desaprovechado Eduard Fernández, que lo mismo instaura medidas destinadas a mejorar las condiciones de los internos que se comporta con inusitada crueldad con ellos.

Es por eso que muchas de las decisiones que vemos a lo largo de la película son inentendibles. Especialmente sangrante es su tercio final, plagado de giros continuos que buscan la sorpresa sin poso y sin reflexión. Porque a poco que nos paremos a meditar sobre lo que estamos viendo, la película se cae por su propio peso.

Eso sí, el uso continuo de géneros y cambios temporales hacen que las largas dos horas y media que dura la película no pesen en los ojos. Además, la película está rodada con un diseño de producción impecable. Vestuario, decorados, maquillaje…todo cuidado al máximo detalle.

En resumen, Los renglones torcidos de Dios es un policiaco fallido más allá de la interpretación de su actriz protagonista y el diseño de producción. Demasiado inverosímil y alejado del alma de sus personajes.

COMO ADAPTACIÓN

2 2

Llegamos al apartado especialmente sangrante de esta crítica.

Los renglones torcidos de Dios era una novela que funcionaba perfectamente a dos niveles: por un lado, una trama de misterio que vertebra toda la historia, la de la duda acerca de la cordura de la protagonista; la base que adapta la película. Por otro lado, la relación de esta con el resto de internos, cada uno con su propia voz e historia personal.

Esto ha desaparecido totalmente de Los renglones torcidos de Dios. No hay rastro de la mayoría de los personajes internos y, los que están, son tan unidimensionales que hasta resultan estigmatizantes.

Esto también ocurre con el personal sanitario que trata a los internos. En la novela, son tratados como personas que hacen todo lo posible por lidiar con los medios que tenían con las enfermedades mentales graves. En la película, nuevamente se reducen a personajes planos que, en el mejor de los casos, son absolutamente negligentes en su práctica clínica y, en el peor, directamente villanos ególatras y torturadores.

Por tanto, es una pena que una novela destinada a reflexionar sobre los límites de la locura y la cordura y los esfuerzos que muchos hacen por ayudar a los que sufren haya quedado en un simple policiaco destinado a sorprender al espectador de manera gratuita, sin aportar nada de poso ni reflexión.

Pues eso, que qué cabreo. 

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

 

Reseña de Un cesto lleno de cabezas (2019), ¡Qué malas son las expectativas!

¡Qué  malas son las expectativas! Las rebasó este hijo de Stephen King que se hizo famoso sin usar el apellido de su padre con esa obra magna del cómic de terror llamada Locke & Key. Ahora, el escritor Joe Hill estrena el sello Hill House con esta Un cesto lleno de cabezas.

Una joven pareja se reencuentra en verano. Ella, estudiante universitaria de psicología descreída y sarcástica. Él, un atractivo policía que está trabajando en Brody Island. Ella se ha desplazado hasta allí para finalizar el verano junto a su chico. Sin embargo, la amenaza de cuatro fugitivos campando a sus anchas por la isla llevará a la joven a ir a por ellos…con un hacha  vikinga con poderes mágicos.

Escribe Joe Hill, toda una figura literaria especialmente conocida por ser el autor de, como he dicho antes, el cómic Locke & Key, recientemente adaptada para Netflix. Era un esta una gran ópera del terror impactante marcada por la intensidad de lo que se contaba.

Reseña de Locke & Key

Reseña de la adaptación de Locke & Key de Netflix: primera temporada (1 y 2) y segunda temporada.

Cómics de Joe Hill más allá de Locke & Key

Esto no ocurre en Un cesto lleno de cabezas.

3 5

A medida que nos adentramos en los primeros números de esta historia, observamos una trama conducida de forma ligera con personajes bidimensionales y mucho humor negro. Ni rastro de la intensidad y la oscuridad de Locke & Key. Es más, ni siquiera podemos decir que Un cesto lleno de cabezas dé miedo.

Sin entrar a destripar el argumento del cómic, digamos que, sin dejar de ser disfrutable, las situaciones que le van ocurriendo a nuestra protagonista se van replicando hasta el punto de pensar en la reiteración de motivos para alargar una historia que podría haber dado para menos.

Generalizando, podemos decir que Un cesto lleno de cabezas ni siquiera es una historia de terror, sino un thriller de acción con toques terroríficos y mucho humor negro. Una historia más propia de Tarantino que de James Wan.

Y esto no es necesariamente malo. Al fin y al cabo, queda claro que Un cesto lleno de cabezas es el cómic que Joe Hill quería contar. Tal vez el problema que tenga este cómic es que esperaba leer la secuela espiritual de Locke & Key y me he encontrado con una trama totalmente distinta.

2 4

Eso sí, independientemente de las expectativas que yo tuviera, Un cesto lleno de cabezas es un cómic entretenido y disfrutable, que se lee en un suspiro aunque no te ponga ni la piel de gallina ni los músculos en tensión.

A Joe Hill le acompaña el, para mí, desconocido Leomac, un dibujante que representa bien lo sangriento de mucho de los enfrentamientos, causando un impacto necesario en lo que respecta a la violencia, aunque sin despegarse del humor. Este es un cómic en el que las expresiones faciales brillan por su falta de terror y por su exceso de caricatura.

En definitiva, Un cesto lleno de cabezas es un entretenido cómic de terror cuyo punto fuerte es lo macarra de su planteamiento, con una heroína improbable, y una buena dosis de humor negro durante toda la obra. Sin embargo, es inevitable pensar en el cómic con cierto atisbo de amargura. Por lo que pudo ser y no fue, que hablamos del autor de Locke & Key. Aunque, por otro lado, Joe Hill se ha ganado el poder escribir lo que le dé la gana, sea afortunado o no. Y, desde luego, Un cesto lleno de cabezas nos hará pasar un buen rato.

Enlace a Un cesto lleno de cabezas en ECC Cómics.

June Branch está en apuros. Está atrapada sin escapatoria en Brody Island. Han secuestrado a su novio Liam. Y cuatro convictos fugados y sedientos de sangre no se detendrán ante nada hasta encontrarla.

Lo único que la pobre June puede usar para defenderse es un hacha vikinga con el aterrador poder de decapitar a una persona y que su cabeza siga hablando.

Si quiere salvarse y salvar a Liam, June tendrá que mantener la cabeza fría… ¡o un cesto lleno de ellas!

Del aclamado guionista Joe Hill (NOS4A2, Locke & Key), llega Un cesto lleno de cabezas, la primera serie de la línea Hill House Comics. Con el increíble dibujo de Leomacs (Lucifer), este escalofriante cómic recopila toda la miniserie de siete números, e incluye también algunos bocetos y entrevistas con los autores.

 

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

‘Spider-Man: Across the Spider-Verse’ sorprende con un tráiler que conquista y promete estar a la altura de la anterior

Esta tarde, hace unos minutos Sony Pictures compartió un sorprendente nuevo tráiler de ‘Spider-Man: Across the Spider-Verse’. La película animada, la secuela de la elogiada ‘Spider-Man: Into the Spider-Verse’, y una de las películas que los fans del arácnido están deseando ver.

La sombra de la primera entrega es muy alargada, tuvo una gran recaudación que casi alcanzó los 400 millones de dólares y conquistó al público con todas las divertidas y espectaculares versiones de nuestro amigo y vecino.

Por lo visto en este adelanto, todos los ingredientes que hicieron grande a la anterior han vuelto en esta entrega que verá la luz el 2 de junio de 2023.

Aquí os dejo el tráiler de Spider-man: Across the spider-verse:

Un saludo y sed felices

Echemos un ojo al trailer de presentación de Marvel´s Avengers The Winter Soldier.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos traeros la presentación del juego de The Winter Soldier.

Marvel´s Avenger – The Winter Soldier

Winter

Todos sabemos la historia del Soldado de Invierno. Algunos habrán leído la etapa del Capitán América de Ed Brubaker, otros habrán visto la película The Winter Soldier y otros (entre los que me encuentro), habremos hechos las dos cosas.

Para los que no sepan nada acerca del personaje, os contamos la historia …

El Soldado de Invierno, también conocido como James Buchanan «Bucky» Barnes, fue el mejor amigo del Capitán América durante la Segunda Guerra Mundial.

Durante la Segunda Gran Guerra, fue capturado y lavado el cerebro por Hydra, quienes lo convirtieron en The Winter Soldier, un maestro asesino equipado con mejoras cibernéticas.

Winter

El Capitán América salvó a su antiguo compañero y ahora se une a los personajes jugables de Marvel’s Avengers.

En el juego anunciado por Marvel Enternainment, Bucky es capaz de derrotar a sus oponentes a large distancia, mediante rifles de asalto. Además, utiliza una mezcla de artes marciales en combate cuerpo a cuerpo.

Winter Soldier tiene movimientos y habilidades especiales, como refuerzo defensivo Tenacidad Forjada en Acero o el Alzamiento de la Estrella Roja, una descarga de electricidad que provoca una gran explosión para provocar serios daños a sus enemigos.

No suelo tener tiempo de jugar a videojuegos, pero me he encontrado con esto y no he podido resistir la ocasión de comentarlo por aquí.

Podéis echar un ojo más abajo al vídeo de presentación del videojuego. Mirad, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Crítica de El país de los sueños (Slumberland), una cinta que se queda corta en su desarrollo fantástico pero que esconde todo un dramón

Netflix ha estrenado uno de sus platos fuertes para final de año, la película El país de los sueños (Slumberland), protagonizada por Jason Momoa y dirigida por Francis Lawrence. Y oye, ni tan mal. Aunque hemos tardado (perdón, Carlos Maria Porras, porque te dije que la haría hace semanas) no hemos tenido la sensación de perder el tiempo en su visionado. Al lío.

Viaje al país de los sueños

El país de los sueños cuenta la historia de Nemo (Marlow Barkley) una niña de 11 años que ha perdido a su padre y se ve obligada a vivir con su tío Philip (Chris O’Dowd), un soso vendedor de cerraduras sin imaginación, solitario y sin amigos. Nemo, que no acaba de asumir la perdida, descubrirá que puede huir de la gris vida a la que se enfrenta viajando al país de los sueños.

Allí conocerá a Flip (Jason Momoa), un forajido que viaja de sueño en sueño, que ha olvidado quien es realmente y que ayudará a Nemo a encontrar un tesoro que le permitirá reunirse con su padre, aunque sea en sueños.

El país de los sueños se inspira en la serie Little Nemo in Slumberland, un clásico que es historia del cómic, guionizada y dibujada por Winsor McCay. Publicada como tira dominical en el New York Herald entre 1905 y 1911, su originalidad estaba en que narraba una historia en cada página que se iniciaba con Nemo, el niño protagonista, durmiendo y despertándose al final pero introduciendo un hilo narrativo en cada página, lo que le dotaba de un cierto aire folletinesco.

little nemo

Gráficamente, la propuesta de Winsor McCay era lo más original de una época en la que los cómics estaban en pañales. Encuadres imaginativos y espectaculares, personajes que se salían de las viñetas, el uso del color como un elemento más de la narración,… todo eso prácticamente lo invento Little Nemo in Slumberland.

La película de Francis Lawrence se inspira en la tira de McCay, usando personajes y viajando a mundos fantásticos que no están mal pero que podrían ser algo más. No es una adaptación al uso y de ahí que hablemos de inspiración. Si vemos imágenes que ya aparecían en las tiras, como los gansos o esa cama que se mueve.

La verdad es que pese a la magnífica fotografía (mucho mejor que la media de películas de Netflix) y a un uso de los efectos especiales ajustado, El país de los sueños podría haber dado más de si. En resumen, que se han quedado algo cortos.

Jason Momoa

Sin embargo, nos ha gustado

Si, es cierto que El país de los sueños podría ser mejor. La propuesta es imaginativa y tiene posibilidades. De hecho me hubiese gustado ver el resultado de alguien mucho más dotado para este tipo de historias, como por ejemplo Steven Spielberg. En sus manos, quizás estaríamos dando palmas con las orejas.

Aun así, la historia es sólida. Saben lo que quieren contar y lo cuentan bien. Hay un tema de fondo que es la pérdida de un ser querido, de la figura del padre en concreto, y cómo lidiar con esa pérdida (un tema que parece recurrente hoy en día). También de la depresión, de la forma que tiene de manifestarse. Es algo simple y superficial pero se agradece el esfuerzo por ser algo más que una aventura de efectos especiales.

Otro punto fuerte de la película son sus actores. La niña protagonista, Marlow Barkley, aguanta bien el tipo frente a Chris O’Dowd, en un papel muy contenido y más si tenemos en cuenta que en frente está Jason Momoa, desbordando carisma y pasándoselo en grande. La pena es que podría haberse desmadrado algo más. Al igual que el conjunto, se queda algo corto.

el pais de los sueños

Pero si por algo recordaremos El país de los sueños en el futuro es por hacernos soltar más de una lagrimita. No hemos llorado a mares como cuando vimos Coco (madre mía, que llorera) pero poco nos ha faltado. Si cuando viajan a Slumberland prometen más de lo que finalmente dan, cuando se quedan en el mundo real acontece un dramón de los que hacen época.

Igual hay mucho insensible pero si eres padre / madre, tío / tía, hermano / hermana o hijo / hija y has perdido a un familiar, o incluso te torturas con la idea de perderlos, es imposible no identificarse, no empatizar con Nemo y su pérdida. En ese aspecto, han logrado con creces su objetivo, sobre todo cuando emerge la figura de padre encarnado por Kyle Chandler, que va para especialista en este tipo de papeles.

En resumen, El país de los sueños podría haber sido mejor. Como adaptación pura y dura es un churro pero como película «inspirada en» da el pego. Como aventura de viajes a mundos fantásticos se queda corta pero como drama lacrimógeno es muy destacable. No se, pero creo que dentro de un tiempo la volveremos a ver y la valoraremos mejor. O no. Me voy a por los kleenex. Un saludo, sed felices.

Reseña del tomo 100% Marvel HC: Spiderman. ¡Nada puede detener al Juggernaut!, un enfrentamiento clásico

Gracias a Editorial Panini hoy os traemos la reseña de un tomo muy especial. Se trata de 100% Marvel HC: Spiderman. ¡Nada puede detener al Juggernaut!, un tomo único de 248 páginas que recopila, en orden cronológico de publicación, los enfrentamientos de Spiderman contra el Juggernaut, uno de los villanos más clásicos de los X-Men.

Todo un clásico

El tomo contiene los números The Amazing Spider-Man 229, 230, 627-629, Marvel Team-Up 150, X-Force 4, Spider-Man 16, Peter Parker: Spider-Man 84 y material de X-Force 3 y AvX: Vs 2. ¿Qué hace que este tomo sea especial? Pues ni más ni menos que los dos números de The Amazing Spider-Man, el 229 y el 230.

Publicados en junio y julio de 1982, los dos números impactaron en los aficionados de la época y ya hablamos de ellos en este post. El guionista Roger Stern narra el primer enfentamiento entre Spiderman y el Juggernaut, que hasta la fecha jamás habían coincidido. De hecho Spiderman ni sabía quien era ese Juggernaut humano que amenazaba la vida de Madame Web.

A lo largo de sus páginas, Roger Stern y John Romita Jr. construyen una historia que muestre quién es realmente Spiderman. Enfrentado a una fuerza imparable, Peter Parker nunca desfallece, nunca se rinde y su sentido de la responsabilidad es más acusado que nunca. Hay tensión, hay intriga, hay drama, hay todo un ejemplo de cómo hacer un buen cómic de superhéroes.

spiderman

Las secuelas de un clásico

En mayo, junio y julio del 2010, Roger Stern tuvo la oportunidad de escribir la secuela de esa historia en The Amazing Spider-Man 627 – 629, ayudado por el dibujo de Lee Weeks. El resultado no es tan intenso como los números originales pero aún así es una buena historia donde Stern de alguna manera se reconcilia con el personaje de Cain Marko, el Juggernaut. El dibujo de Weeks ayuda mucho a que ese resultado final sea destacable.

Entre los números 229 y 629 de The Amazing Spider-Man pasaron más de 25 años, años en los que tuvimos otros enfrentamientos entre los dos personajes. 100% Marvel HC: Spiderman. ¡Nada puede detener al Juggernaut! incluye también esos enfrentamientos, que tuvieron resultados desiguales.

Es el caso de Marvel Team-Up 150, obra de Louis Simonson y Greg LaRocque y que cerraba el volumen 1 de la mítica colección donde Spiderman compartía protagonismo con un héroe invitado cada semana. Para la ocasión se contó con un número doble y con algunos miembros de la Patrulla X como invitados. Si bien la historia tiene algún interés, el dibujo de LaRocque no es que sea memorable y ha contribuido a que la historia haya envejecido mal.

Nunca creí que escribiría esto pero me parece mejor el número de Peter Parker: Spider-Man 84 de octubre de 1997. En aquellos años, el guionista Howard Mackie se llevó palos de por todos lados (merecidos) pero aquí cumple de sobras con una historia sencilla y efectiva, tratando al personaje del Juggernaut como un preámbulo de lo que posteriormente haría Roger Stern en 2010. Además, cuenta con el dibujo de John Romita Jr., quien ya había evolucionado y adoptado ese estilo suyo tan personal y tan diferente del que tenía la historia original.

juggernaut lee weeks

Para olvidar

Espero que Panini y su editor Julian M. Clemente me perdonen pero tengo que decirlo, porque sino sería un irresponsable y demostraría que no se nada de tebeos. El tomo incluye un enfrentamiento de Spiderman y el Juggernaut que incluía a los X-Force creados por Rob Liefeld a principios de los años 90, siendo además un cruce con la colección de Spiderman guionizada y dibujada por Todd MacFarlane. Francamente, se lo podían haber ahorrado.

Los números de X-Force 4 y Spider-Man 16 son un desastre, un horror tanto en el guión como en el dibujo. Son 48 páginas donde no pasa nada, donde los personajes hacen postureo con diálogos vacios y donde la historia brilla por su ausencia. Ni siquiera el dibujo de MacFarlane tiene un pase. Por lo menos nos queda el consuelo de pensar que fue su último trabajo para Marvel, ya que el editor Tom DeFalco le censuró una viñeta y el divo canadiense se pilló tal rebote que agarró la puerta y se largo. Sólo por eso se justifica ese Spider-Man 16.

Lo del dibujo de Rob Liefeld en X-Force es de juzgado de guardia, para que lo encierren y tiren la llave. El chaval no aprendió nunca que para jugar con las proporciones e impactar como lo hacia Jack Kirby, primero hay que tener algunas nociones de dibujo y además hay que saber narrar y tener historias que contar. Liefeld no ha tenido nunca ni una cosa ni la otra. Es mejor ignorar este número de X-Force. O mejor no. Leedlo y así valoraréis de verdad el trabajo del resto de guionistas y dibujantes que incluye el tomo. Un saludo, sed felices.

Spiderman Juggernaut

Reseña de 1899. Los creadores de Dark vuelven a Netflix con más misterios para volvernos locos

Netflix estrenó el pasado mes de noviembre 1899, la nueva serie de los alemanes Baran bo Odar y Jantje Friese, creadores también de Dark, uno de los grandes éxitos de la plataforma. Esta nueva producción toma los elementos más reconocidos de Dark, su misterio, sus juegos temporales, su reparto coral y sus “aparatos mágicos”, para volver a ofrecer una historia de ciencia ficción que volará los sesos de los espectadores que se arriesguen a adentrarse en una trama con una narrativa complicada pero fascinante contada a lo largo de ocho episodios de unos 50 minutos de duración cada uno.

En esta serie vamos a asistir a un viaje en el año 1899 de un barco llamado Kerberos a Nueva York en el que los pasajeros y tripulación parecen huir de un pasado turbulento y traumático buscando una nueva vida en América. El problema es que en medio de la travesía reciben un mensaje de otro navío que había desaparecido (el Prometheus) y el capitán Eyk Larsen decide ir a buscarlo para rescatar a quienes viajaban en él.

barco
El Kerberos rumbo a Nueva York

Desde ese momento empiezan a pasar cosas cada vez más extrañas a bordo del Kerberos, tornándose la travesía en un viaje de pesadilla en el que el capitán y la pasajera Maura Franklin intentarán descubrir que está pasando mientras el resto del pasaje empieza a dejarse llevar por la desesperación.

Lo primero que llama la atención en 1899 es el gran reparto coral que tiene, con múltiples personajes, tripulantes y pasajeros, deambulando por el barco mientras vamos conociendo sus historias. Todas con un común denominador, la búsqueda de una vida nueva en Norteamérica para dejar atrás el trauma de un pasado trágico. Lo mejor de todo es que los responsables de la serie se las apañan para que todos tengan momentos de lucimiento y arco argumental más o menos completo mientras la historia se va desgranando ante nosotros con múltiples giros de guion y un ambiente siempre opresivo al no saber muy bien que está pasando y que se ve subrayado por la iluminación siempre oscura (a veces demasiado) de la serie.

capitan
El capitán Eyk Larsen

Hay que señalar que los personajes son de muy diferente procedencia, como sin duda ocurriría en un viaje de este tipo en esa época. Eso hace que haya una barrera idiomática a la hora de comunicarse que muchas veces tiene bastante importancia en la historia ya que cada personaje habla en su idioma natal en versión original. Esos matices se pierden un poco si vemos la serie doblada al español, pero tampoco hay que preocuparse, ya que estando atentos se entiende perfectamente cuando surgen estos problemas de comunicación.

El apartado técnico de la serie es realmente brillante. El diseño de producción y el vestuario lucen muy bien, haciendo que nos veamos metidos de manera inmediata en la época en la que discurre la historia. También hay que señalar la fotografía y sobre todo el uso de la banda sonora, que en todo momento enmarcan perfectamente el ambiente opresivo y desasosegante de la historia (atención a la distorsión de la banda sonora que aumente esa sensación de desasosiego).

mauren
Maura Franklin puede ser la clave para descubrir que pasa

Entre los actores, todos a gran nivel, destacan Andreas Pietschmann y Emily Beecham, el capitán Eyk Larsen y Maura Franklin respetivamente, dos personajes que tienen una enorme química y que en muchas ocasiones son el soporte principal de la trama. Para los aficionados a Star Wars, hay que señalar que Anton Lesser, el Mayor Partagaz en Andor, tiene un pequeño pero importante papel. Y no nos podemos olvidar del español Miguel Bernardeau dando vida a uno de los pasajeros llamado Angel.

angel
Miguel Bernardeau es Angel, un pasajero español del Kerberos

Es cierto que siendo Baran bo Odar y Jantje Friese sus creadores, 1899 recuerda en muchos momentos a Dark, pero realmente la mayor inspiración que tienen no es otra que la mítica Perdidos. Como en la serie de J. J. Abrams y Damon Lindelof, los misterios se van sucediendo uno tras otro mientras vamos conociendo el pasado de los personajes, un pasado que repercute de manera trágica en el presente. El problema está en que cuando se presentan tantos interrogantes, el púbico puede quedar abrumado y acabar aburriéndose si no se dan soluciones. Por eso es tan importante la manera de ir dosificando información, algo que en Perdidos falló tal vez porque eran otros tiempos y había que rellenar 22 episodios por temporada, lo que hacía que hubiera demasiadas tramas de relleno.

pasajeros
El pasaje del Kerberos al completo

En 1899 los misterios se van sucediendo desde el principio, pero a la vez vamos conociendo más cosas nuevas que a su vez nos llevan a nuevas preguntas en un ciclo que parece que va a tener su cierre en los episodios finales, conforme vamos empezando a tener claras algunas cosas. Lo malo es que el final nos va a dejar con la boca abierta llevando a los personajes a una situación del todo insospechada de cara a una segunda temporada que aún no está confirmada por Netflix.

SPOILER ALERT¡¡¡¡ Una pequeña explicación del final

Si no has visto la serie aún te recomiendo que dejes de leer en este mismo momento porque es un poco complicado hablar de 1899 sin hacer referencia a lo que pasa al final de temporada.

….

Más o menos desde la mitad de la serie queda claro que los personajes están metidos en una simulación al más puro estilo Matrix en la que hay varios niveles de realidades temporales superpuestas unas a otra como si fueran capas de una cebolla. Lo que casi nadie podía esperar es que también estuviera metido en dicha simulación el padre de Maura, que parecía ser el creador de todo, y que estas simulaciones fueron creadas realmente por Maura, en principio para mantener con vida la consciencia de su hijo Henry, que suponemos murió en el pasado. Pero el giro final si que deja con la boca abierta ya que cuando nuestra protagonista logra salir de la simulación descubre que todos los personajes están en animación suspendida viajando en una nave espacial llamada Prometheus 200 años en el futuro. Allí tiene que enfrentarse al hecho de que su hermano Ciaran se ha hecho con el control de la simulación y de la nave en la que viajan.

final
Maura despierta en el interior de la nave espacial Prometheus

Pero tampoco podemos estar seguro de que este nuevo escenario sea real y no una nueva simulación, como tampoco podemos estar seguros de que Ciaran exista realmente y sea el hermano de Maura. Bien podría ser un programa informático creado para mantener con vida a los pasajeros de la nave que ha tomado consciencia propia al mas puro estilo HAL 900 de 2001 y se quiere vincular con su creadora haciéndose pasar por su hermano.

Teniendo en cuenta este final y como se las gasta últimamente Netflix, habrá que rezar o encomendarse al ser superior que sea para conocer como continua una historia que dejará con muy buen sabor de boca a los amantes de este tipo de series.

Análisis de Willow. Temporada 1. Episodio 3

Seguimos analizando los episodios de Willow y en esta oportunidad le toca su turno al tercero de esta primera temporada, cuyo título es El Cordero Sacrificado. La serie, original de Disney+ y producida por Lucasfilm, tiene como showrunner a Johathan Kasdan y es secuela de la película que fuera dirigida en 1988 por Ron Howard, quien aparece como productor ejecutivo.

Bienvenidos una vez más al fantástico universo de Willow para analizar un nuevo episodio de esta serie que, a ritmo lento, pareciera ir encontrando su camino con el correr de los episodios aun cuando le cueste despegarse de sus dos referencias más fuertes que son El Señor de los Anillos y Star Wars, una por biblia del género y la otra por estar involucrada la compañía de George Lucas e incluso Johathan Kasdan, cuyo padre ha sido guionista de varias películas de la franquicia.

Esta tercera entrega reconecta algo más con la película de origen y tiene además una mayor carga emotiva e inclusive dos muertes de importancia, además de volver a ofrecernos un soberbio desempeño actoral de Warwick Davis. ¿Por qué mejor no pasar a analizarla? Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordarles que pueden leer aquí nuestro análisis de los dos primeros episodios.

Lux Eterna

Comenzamos con flashback y relato en off que nos transportan diez mil años y tres semanas atrás (sic.) para contarnos la historia de la Armadura Kymeriana, al parecer mandada hacer por la madre del rey Tuul para protegerlo de la codicia de su propio hermano, que quería arrebatarle el trono. Pronto nos percatamos que quien relata es Boorman y quien escucha es Kit que, insufrible como es, le interrumpe en su impaciencia por llegar a la parte en que entra en escena su padre Madmartigan y nos deja así sin saber todo lo que hubiéramos querido.

Willow las cosas felices.16

Boorman se queja de que las nuevas generaciones ya no aprecian los relatos épicos y ella le dice que entiende ahora el porqué de su nombre, haciendo juego de palabras con “bored man” (hombre aburrido). Pero entre lo que llegó a contar mencionó que, para evitar que fuera usada por hombres poco dignos, la preciada armadura solo podía activarse con una llave conocida como Lux Eterna, lo cual ya veremos que guarda fuerte relación con la marcha del episodio.

De pronto, el grupo se ve sacudido por la ausencia de Elora que, recordemos, fue secuestrada por Ballantine al final del episodio anterior. Se abocan a su búsqueda, aunque Kit lo hace a desgano y hasta desliza que “a esa muchacha habría que colocarle una correa”. Su rostro, sin embargo, cambia de expresión cuando ve crecido y con frutos rojos el arbusto que la joven intentara antes hacer germinar por medio de la magia.

Jade se encuentra con Ballantine sin saber, claro, que está infectado por la oscuridad y responde a La Bruja. Él dice cumplir órdenes de Sorsha, que le pidió que llevara a Elora de regreso a Tir Asleen, lo cual sabemos que es cierto, pero también lo es que él ya no responde a su reina: el rostro, de hecho, se le ve demacrado por la infección y su voz suena cada vez más grave y rasposa.

A Jade se le suman los demás y está claro que hay algo extraño en Ballantine. Antes de que lleguen a hacer algo, sin embargo, intervienen sus guardias (también infectados) y se produce una batalla de la cual Willow y los suyos salen airosos, pero el entrevero ha sido aprovechado por Ballantine para huir con la muchacha.

Salen tras él, pero la carreta rompe una rueda y cuando Boorman pregunta a Willow si puede usar algún truco para hacerla levitar, este responde negativamente. Pronto sabremos que a su edad necesita reservar magia para cuando deban enfrentar a la oscuridad en lugar de malgastarla desde temprano. No les queda más remedio que separarse para rastrillar la zona en búsqueda de la joven.

Kit, entretanto, ha recibido de Jade la devastadora noticia de que su cercana presencia en los entrenamientos se debía a órdenes de Sorsha y no a cuestiones de afecto, más allá de que después lo haya desarrollado. Más aún: la pone al tanto de que se dejaba ganar cuando combatían a espada. Es un golpe duro para Kit que hace que, al separar los grupos, termine siguiendo a Boorman y no a Jade.

willow gif | Explore Tumblr Posts and Blogs | Tumpik

En los Bosques

Willow explica que lo que quiere La Bruja no es matar a la joven, pues de la muerte podría regresar: lo que busca es exiliarla en un mundo paralelo para confinarla allí por toda la eternidad: el objetivo del rapto, por lo tanto, es llevarla a un portal a tal efecto. De hecho, eso mismo había querido hacer la pérfida Bavmorda cuando Elora era bebé.

La muchacha, sin embargo y sin que ellos lo sepan, logra zafarse de sus captores y huir hacia los bosques, en donde se encuentra con dos personajes muy particulares: una pareja de granjeras que, extrañamente, visten a la usanza del oeste americano. Responden a los nombres de Hubert y Anne, siendo la primera de ambas interpretada por Hannah Waddingham, quien viene de quedarse con el Emmy por su papel en Ted Lasso (quizás también la recuerden como la septa Unella en Juego de Tronos).

Willow las cosas felices.15

Ambas se quedan obnubiladas cuando les cuenta quién es y les muestra su marca. Al parecer, creen en ella y vivían esperando su llegada, por lo cual se comprometen a protegerla y sacarla ya mismo de los bosques. Pero el plan se frustra cuando son atacadas por Ballantine y los suyos. Por más arrojo que ponga Hubert en blandir su hacha para defenderla, a la larga termina ensartada en la espada de su oponente y el destino de Anne no es muy distinto. La joven, por lo tanto, es recapturada.

La Batalla del Cordero Sacrificado

Boorman, en tanto, se dirige con Kit a una vieja posada de la cual alguna vez fue habitué y cuyo nombre es (o era) El Cordero Sacrificado: el lugar se halla en ruinas pero la razón de su presencia allí es dar con la Lux Eterna y en efecto la encuentra, aunque sin decir palabra a Kit. Las cosas se complican: son atacados por ratas-lobo bicéfalas (claro guiño al monstruo de la película de 1988) y deben echar a correr por los túneles.

Al llegar al exterior, no solo se encuentran con que arrecia la tormenta sino que los de Ballantine se han encontrado con el grupo de Willow y se hallan en plena lid.

Willow las cosas felices.19

Aun cuando a los suyos no parece irles muy bien, Willow persiste en no utilizar la magia hasta que ocurre algo que lo turba por completo: su amigo Silas, tras haber luchado con coraje, ha sido herido y, al parecer, de muerte… Furioso, estrella su cayado contra el suelo y una explosión deja agonizantes a sus atacantes, entre ellos Ballantine que, al parecer, ha dejado de estar momentáneamente bajo la infección aunque más no sea en su estertor final.

Momento de despedidas. Willow, con todo el dolor del mundo, ve morir a Silas, quien antes de hacerlo le pide que diga a su esposa que murió como él quería: “protegiendo a su amigo”. Jade, de quien Ballantine ha sido prácticamente mentor, le ve con dolor agonizar mientras este la felicita por haber luchado bien y dice estar orgulloso, además de recomendar encarecidamente que lleven a Elora a la Ciudad Inmemorial pues es allí justamente donde La Bruja no la quiere. Dado que está infectado y para ya no volver una vez muerto, pide como última voluntad a Jade que le ajusticie.

Los caballos han huido espantados en el fragor de la lucha y la tormenta ha comenzado a inundar el valle. El príncipe Graydon ha sido herido y al parecer infectado, por lo que urge llevarlo a algún lugar a los fines de sanarlo. El único modo es seguir a pie y por tortuosos caminos, inclusive de cornisa (el infaltable homenaje a Tolkien).

Boorman dice no tener idea sobre dónde están, pero Willow sí, mientras un conjunto de construcciones se dibujan ominosamente bajo un cielo encendido y una gran nube en forma de remolino, en un conjunto que recuerda a Frodo de pie ante el Monte del Destino. Se trata, dice Willow, de Nockmaar, el que alguna vez fuera el castillo de la reina Bavmorda. En ese momento comienzan a sonar los acordes de Enter Sandman de Metallica que, en versión de la cantante japonesa Rina Sawayama, acompaña los créditos finales mientras, como en otras series de la compañía de George Lucas, desfilan imágenes del episodio en forma de ilustraciones.

Balance del Episodio

Al igual que los protagonistas, la serie sigue encontrando su camino pero, también como ellos, lo hace a ritmo lento. Sin embargo, ya tenemos algunos atisbos más acerca de hacia dónde va la historia, así como también algo más de acción y de magia, ahora que incluso sabemos por qué estaba tan contenida.

Ha sido también un episodio de gran impacto emocional y la serie ya se ha cargado a dos personajes que, si bien no formaban parte del núcleo principal, pintaban para mayor andadura. La muerte de Silas, en particular, se nos hace muy sentida aun con lo poco que le hemos conocido y ello se debe al gran trabajo de Warwick Davis para encarnar el dolor y la culpa de Willow por su amigo. Es sabido que las series de este género suelen no ser las preferidas al premiar rubros actorales, pero no exagero al decir que lo suyo amerita nominación al Emmy.

Kit sigue siendo un personaje insoportable en su arrogancia, pero le han ocurrido un par de cosas que podrían (ojalá) cambiarla para bien: ha tomado conciencia de que hay magia en Elora y, además, ha sufrido una fuerte decepción al saber que Jade estaba junto a ella simplemente por cumplir un mandato asignado. Habrá que ver cómo procesa todo esto y cuánto inciden en ella tan importantes cambios de situación.

Lo de las granjeras-leñadoras fue extraño. No sé cuál habrá sido el sentido de introducirlas en la historia para hacerlas desaparecer con tanta rapidez pero tratando de encontrarle alguno, quizás haya al menos servido para mostrarnos lo que Elora representa para los demás: una esperanza, una salvadora, un mesías…

Otro punto alto es que, poco a poco, nos vayan contando la historia de la Armadura Kymeriana que, a la larga, sospecho, nos dará la explicación final de qué pasó con Madmartigan. No tenemos aún todas las respuestas ni sabemos por qué buscaba Boorman con tanta ansiedad la Lux Eterna o por qué la misma estaba allí, entre las ruinas y sin que nadie la hubiese tomado en tanto tiempo. Pero quizás ello se deba a que todavía nos faltan datos sobre la misión conjunta que años atrás hicieran con Marmartigan a la busca de la armadura.

En lo que todavía hace aguas la serie es en efectos visuales. Ignoro si ello tendrá que ver con los temores propios de una propuesta tan arriesgada, pero es inconcebible embarcarse en una historia de espada y hechicería con criterio ahorrativo. Y así como en el anterior episodio no nos mostraron cómo el príncipe Airk era raptado y llevado en vuelo por una de las galernas, aquí hemos visto una rata-lobo bastante pobre a la que Kit mata de modo fugaz y poco claro, en tanto que de sus congéneres solo vemos ojos rojos en la oscuridad de los túneles. Esperemos que pongan algo más de dinero en una hipotética segunda temporada.

En conclusión y aun faltándole elementos por pulir, la serie va tomando algo más de forma a medida que avanzan los episodios y eso siempre es bueno. Esperemos que el próximo mantenga esa línea. Hasta entonces y sean felices…

Crítica de Pinocho de Guillermo del Toro (2022): una adaptación impactante y oscura pero también (justamente) con algunas sombras

Llegó finalmente a Netflix el Pinocho de Guillermo del Toro que, en lo que constituye su primera película animada, reversiona una de las historias más inmortales y universales. La propuesta apunta claramente a un tono más oscuro que la mayor parte de las adaptaciones que hemos conocido, acercándose más en esencia a la novela original de Carlo Collodi pero, a la vez, despegándose para contar su propia historia.

Ya hace algunos meses habíamos conocido la versión de Robert Zemeckis para Disney (aquí la crítica de un servidor), prácticamente un calco de la película de 1940 sin agregar demasiado. El Pinocho de Guillermo del Toro, que este codirige junto a Mark Gustafson y que nos llega ahora de la mano de Netflix, asume un tono mucho más personal y siniestro, aunque más en lo estético que en lo conceptual ya que sacrifica elementos que, justamente, hacían siniestra la novela.

Un Pinocho más Oscuro

Tanto el aspecto de la marioneta como el de las “hadas” (aquí “espíritus del bosque”) luce más inquietante que en cualquier adaptación anterior. Pinocho es bastante menos humano y calzaría perfecto en una de esas historias de terror sobre muñecos que cobran vida; inclusive anda “desnudo”, cualquiera sea el concepto de desnudez para una marioneta.

Las “hadas”, en tanto (o lo que sean), remiten más a la mitología griega, egipcia, sumeria o hebrea que a la tradición occidental e incluso se comportan con cierta ambigüedad moral. Paradójico que, pretendiendo el filme librarse de todo lastre Disney, sea precisamente una de ellas quien dé vida al muñeco cuando en la novela no se sabía el origen del portento.

La animación está realizada en stop-motion y se trata de un viejo sueño de Guillermo del Toro desde sus años de escuela secundaria. Es un gran acierto que, siendo una película sobre marionetas, Netflix se haya asociado, para producirla, con la compañía de Jim Henson, que es quien más entendió de ello en la tv y tal vez en la pantalla en general.

pinocho disney las cosas felices.17

Tenemos cambio de época. La historia está corrida décadas más adelante, hacia el período de entreguerras con el advenimiento de la Italia fascista. Los primeros once minutos están dedicados a la hasta ahora poco explorada relación y convivencia entre Geppetto y su hijo biológico que, según nos muestran, muere como víctima de bombardeos durante la Gran Guerra.

Lo de Guillermo del Toro con los bombardeos y los niños como víctimas ya es obsesión personal y, con tal de introducirlos, no vacila en echar mano de licencias históricas: ¿bombardeos con aviones contra ciudades italianas durante la primera guerra mundial? No sé si hay constancia de ello: sí la hay desde mar o tierra con artillería, pero si alguien tiene mejor información que yo, la agradecería…

Esos primeros once minutos nos ayudan a entender el vínculo particular entre Geppetto y su hijo que, en obvio homenaje al autor de la novela, se llama Carlo. Como también el profundo sentimiento de pérdida que su muerte provoca en el viejo artesano, llevándolo a construir un muñeco sustituto con un pino crecido junto a la sepultura y en el cual se acaba de instalar Sebastian J. Grillo, que es el relator en off (Ewan McGregor en idioma original) y el mismo al que en las versiones de Disney hemos conocido como Pepe Grillo (Jiminy Cricket).

pinocho disney las cosas felices.21

Es una buena alegoría que el director otorgue a la película un tono artesanal, ya que la novela, precisamente, reivindica al artesano. Pero otra vez caemos en una paradoja, pues el cambio de época debilita justamente ese aspecto: originalmente Collodi ubicaba su historia en una época en que el trabajo artesanal estaba siendo suplantado por la industria, pero para la Gran Guerra o los veinte, ese conflicto está ya bastante superado y por ende pierde protagonismo…

Política y Religión

Otra cosa que suele obsesionar a Guillermo del Toro es la crítica contra los autoritarismos y la religión: esta no es la excepción, por más que en la novela no hubiera nada de eso, al menos no en sentido tan literal. Ubicar la historia en los años del fascismo permite, como gusta al realizador, una mayor crítica social y política.

Y en ese marco, hasta la escuela ocupa un lugar distinto: no es, como en la historia de Collodi, la solución para sacar a las masas de la ignorancia y la explotación, sino un apéndice más del sistema para adoctrinar a las jóvenes generaciones y volverlas funcionales a la cultura autoritaria del fascismo. Hasta hay una escena en que Pinocho debe actuar para Mussolini.

También hay, como dijimos, crítica a la religión en sí o a la iglesia como institución, con analogía muy propicia entre Pinocho y Jesús (siendo este carpintero, estaba en bandeja). Al ver cómo las personas adoran e idolatran a Cristo a pesar de ser solo una figura de madera, la marioneta se pregunta por qué no lo quieren a él si está hecho en el mismo material.

pinocho disney las cosas felices.22

Por extensión y como también es regla en Guillermo del Toro, hay también una crítica hacia el trato que la mayoría de las sociedades dan a aquellos considerados diferentes, viniéndole como anillo al dedo el tono de fábula que suele ser tan frecuente en sus filmes.

Cambios y Pérdidas

Particular detalle de esta adaptación es que, al ser un muñeco de madera, Pinocho no puede morir: cada vez que lo hace despierta invariablemente en una funeraria con unos conejos jugando a los naipes. Ello da lugar a una reflexión sobre la muerte y la necesidad de estar expuesto a ella para sentirse realmente vivo, que es lo que Pinocho quiere. Sí, este es un Pinocho triste y si bien el final no es todo lo deprimente de la novela original (el muñeco acababa ahorcado, pero el propio Collodi lo cambió después), tampoco es un final rosa como en las versiones de Disney.

El filme, de hecho, se toma muchas licencias con respecto a la novela: el zorro y el titiritero Comefuego (o Stromboli) parecieran estar fusionados en un solo personaje, pero la mayor pérdida es el País de los Juguetes (o Isla de los Juegos según la traducción), ausente por completo de esta versión. Supongo que la intención habrá sido renunciar a cualquier moralina y de algún modo es coherente con el lugar que se otorga a la escuela, pero la transformación de los niños en asnos para ser utilizados en la minas era uno de los más terroríficos momentos de la novela y, como tal, se extraña en una adaptación que busca justamente ser oscura.

Balance Final

Sé que muchos me pueden odiar por escribir esto, pero aún no soy un gran convencido de la verdadera dimensión del talento de Guillermo del Toro. O sea, que lo tiene lo tiene, de ello no hay duda: lo demuestra con creces en El Laberinto del Fauno, sin duda su mejor película. Pero después nos entrega, por ejemplo, la insulsa La Forma del Agua por la que, paradójicamente y como suele ocurrir, la Academia le ha entregado el Oscar que debió haberle dado antes.

A lo que voy es a que todavía no ha logrado cruzar esa línea a partir de la cual se lo pueda considerar genio cinematográfico: no estoy diciendo que no lo vaya a hacer con el tiempo porque condiciones tiene, pero su carrera, al menos hasta ahora, muestra una gran irregularidad en contraposición con el sello de cine de autor que, casi a priori, se suele conferir a sus películas. Para decirlo claro, me parece un buen director pero sobrevalorado.

En parte, el responsable de esa sobrevaloración es él mismo por su demostrada habilidad para promocionarse: alcanza con ver que titula al filme Pinocho de Guillermo del Toro y que hizo lo propio con El Gabinete de Curiosidades, serie de Netflix que me había propuesto reseñar para esta web, pero de la cual solo soporté tres episodios. En ese agregado de su nombre a los títulos pareciera querer equipararse a Alfred Hitchcock o a Francis Ford Coppola: de momento, me parece mucho…

Que no se me malinterprete: lo peor que podría ocurrir es que toda esta larga exposición sobre Guillermo del Toro sea entendida como preámbulo para descalificar la película. Nada más lejano: su Pinocho es una adaptación magnífica en lo visual, personal en la concepción, valiente en el tratamiento y agradable de ver a pesar de su tristeza existencialista.

pinocho disney las cosas felices.19

Tiene, eso sí, un guion que no se sostiene de igual modo durante todo el filme y que, a veces, pareciera perder el eje: el grillo es quien comienza a relatarnos la historia, pero su personaje se desdibuja por completo durante la mayor parte del filme mientras que, por ejemplo, Candlewick (hijo de un funcionario fascista) aparece súbitamente en la historia como mejor amigo de Pinocho tras haber estado hasta allí prácticamente en sombras. Del mismo modo, los planteos sobre la religión o la escuela cobran fuerza para luego ser largo rato abandonados o reaparecer de manera esporádica y marginal. Y las dos horas de duración quizás sean un exceso…

La parte musical no está mal llevada (aunque a veces interrumpe climas): normalmente se trata de canciones dialogadas al estilo de las comedias musicales u óperas-rock, pero ninguna de ellas adquiere carácter de memorable ni quedará en la historia como When You wish upon a Star, por dar un ejemplo.

Y ya que hemos metido en el baile a Disney, allí está una de las grandes paradojas del filme: busca desprenderse de él pero no solo no lo hace del todo (ya hemos mencionado que la marioneta cobra vida casi de la misma forma) sino que además y en su intento por adquirir un sesgo más terrorífico, se queda atrás. Ya sé que tenía muy corta edad cuando vi por primera vez aquella magnífica versión animada, pero recuerdo el miedo que sentí con el titiritero Comefuegos o el País de los Juguetes: para el trauma casi…

No me parece que algo de eso ocurra aquí, aun cuando los personajes, fondos y ambiente se vean más oscuros. En ese aspecto y aun con todo lo que se la ha tildado de adaptación demasiado libre, la película animada de 1940 (insulsamente emulada en la reciente versión “live action” de Zemeckis) entendía mejor el concepto detrás de la historia, lo mismo que la reivindicación del artesano.

En definitiva, el Pinocho de Guillermo del Toro termina siendo, a mi juicio, una más que aceptable película y no puedo dejar de recomendarla, ya sea por la deslumbrante propuesta visual o por el solo hecho de ver una adaptación distinta y personal. Pero en su búsqueda de originalidad, paga algunas pérdidas que le impiden, al menos a mi modesto juicio, ser la obra maestra que bien podía ser

Hasta pronto y sean felices…

The Freebooters. Una gran obra tristemente inacabada de Barry Windsor-Smith en los 90′. Dolmen Editorial.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Durante años, os hemos presentado un casi incontable número de títulos. Muchísimas obras de grandísima calidad. Pero pocas veces hemos tenido la ocasión de presentar una obra tan singular. Hoy os presentamos The Freebooters.

Lo cierto es que uno se siente un poco abrumado, cuando se encuentra ante ciertas obras. No todas tienen que ser una obra maestra. Aunque quizá para algunos sí lo sea.

Dolmen Editorial se ha atrevido a publicar lo que había. No está acabada. The Freebooters. Los Filibusteros. La obra inacabada de Barry Windsor Smith. Voy a intentarlo …

The Freebooters

Freebooters

A finales de aquellos fatídicos (para algunos) 90′, Barry Windsor Smith se marchó a Dark Horse con un singular proyecto. Se trataba de una revista mensual que contaba con un tamaño mayor a los comic-books de la época. Unos cinco centímetros más de altura y anchura.

La revista se titularía Storyteller y contenía en su interior tres series. The Paradoxman , Young Gods  y The Freebooters. Las tres series abarcaban los tres géneros que más gustaban al público. La ciencia ficción, la espada y brujería y la fantasía heroica.

Storyteller contaba con un P.V.P. de 4,95USD. Bastante caro para los años 90′. Y Barry Windsor Smith recriminó al editor original la falta de publicidad y falta de apoyo al título.

Este fue el motivo por el que todos los aficionados nunca veremos finalizada esta serie. The Freebooters. La verdad es que es una pena.

Aunque si preguntamos a Barry Windor-Smith, la razón por la que Storyteller no triunfó, nos diría que: «Fue debido a las limitadas percepciones de los idiotas que han llevado esta forma artística y su industria al nadir creativo donde están hundidas hoy en día».

Freebooters

Ahora nos centraremos en The Freebooters y las aventuras y desventuras de Axus el Grande. Antaño un gran guerrero, aunque dicen que «el que tuvo retuvo».

Aunque nuestra historia no comienza con Axus el Grande, sino con Aran Ana-Kashan, un joven aldeano que por avatares del destino, se vio obligado a dedicar su vida a un noble objetivo: ¡Salvar el mundo!

El tomo publicado por Dolmen Editorial, da comienzo con la salida del joven Aran de su aldea, para conocer mundo. Durante su viaje se encontró con un poderoso guerrero caído en la batalla y que preguntaba al joven Aran por el resto de sus compañeros muertos.

Y en ese preciso momento … El joven Aran se tropieza con Axus el Grande. A quienes los viejos del lugar le recordará a un famoso bárbaro venido a menos, un Conan echado a perder, con el que el paso de los años no le han tratado bien a sus antes poderosos músculos.

freebooters

La edición de Dolmen Editorial

Dolmen Editorial nos ha traído The Freebooters en un tomo en tapa dura, que combina los dos primeros capítulos en blanco y negro, para luego seguir el grueso de la historia a todo color y cuenta con un papel satinado con un buen gramaje.

El volumen cuenta con 184 páginas y unas medidas de 20×28,8 cm. Cuenta con un P.V.P. de 31,90€ y lo tenemos disponible desde el 5 de mayo de 2022.

Barry Windsor-Smith

Este gran autor, nació en Londres el 25 de mayo de 1949. Cuenta en la actualidad con 73 años de edad.

Comenzó su carrera como creador de cómics a finales de los años sesenta y fue un gran innovador con sus técnicas narrativas.

Se convirtió en una estrella en los setenta, tras dibujar los primeros 24 números de Conan el Bárbaro, con el gran Roy Thomas a los guiones para Marvel Comics. Creo que todos recordaremos siempre «Clavos Rojos«.

freebooters

En los años ochenta, participó como «primera espada» en grandes series de superhéroes Marvel, como fueron X-Men, Iron Man, Daredevil o El Hombre Máquina.

Ya en los noventa, creó la ya clásica historia de origen de Lobezno, Arma X, que cualquier aficionado al noveno arte ama y admira alguna que otra década después.

Mención especial a su serie Monstruos, que fue concebida originalmente como una historia de Hulk, a la que Marvel Cómics nunca dio luz verde. Barry Windsor-Smith dio una vuelta a la historia y nos trajo este Monstruos, que ganó el Premio Eisner.

Freebooters

¿Qué me ha parecido The Freebooters?

The Freebooters o Los Filibusteros, es una obra de fantasía heroica en toda regla. Tiene todos los elementos del género que hacen que sea muy, muy atractiva. No solamente por el dibujo (que es una barbaridad).

Tenemos poderosos guerreros, un joven ingenuo que debe buscar ayuda para salvar el mundo, bellas doncellas, épica sin igual y … ¡Tabernas!

A cualquier aficionado al género de fantasía heroica, como al de espada y brujería, no dejará de recordar a un poderoso bárbaro de cabellos oscuros y pies enfundados en sandalias.

Esta obra también tiene ligeros toques de humor, que lo hace singular y adquirir una identidad propia.

Lo malo … ¡Que está sin terminar!

Freebooters

¡Solo Crom sabe qué habría sido esta historia de haber continuado!

Recomiendo su lectura para cualquier aficionado al género de fantasía heroica y a cualquier aficionado que disfrutara con Barry Windsor-Smith en su etapa en Conan.

A lo largo de las páginas, tenemos insertados comentarios del autor, que nos explican el contexto de lo que pudo haber sido una de esas grandes obras a la que todos recordamos.

Espero que, si lo leéis, os guste y os encandile. Sin más, me despido.

¡Sed Felices!

Retro-análisis de Avatar (2009), o por qué no me apetece ver su secuela.

En pleno puente de la Constitución e Inmaculada Concepción, con la lluvia golpeando contra la ventana, me dio por pensar. Y la pregunta se abalanzó al instante: ¿Por qué no me interesa Avatar: el sentido del agua?

No estamos hablando de una película cualquiera. Es la secuela de uno de los mayores éxitos de la historia del cine, una superproducción ajena al sobado mundo superheroico y que se ha estado gestando a lo largo de más de diez años, todo lo contrario de lo que se pueda pensar en la actualidad, donde lo que predomina es la inmediatez.

¿Por qué no me interesa Avatar: el sentido del agua? La respuesta tiene más que ver con la figura de su director que con la propia obra original. Ambas serán diseccionadas en este análisis.

EL GENIO, CON TODO LO QUE ELLO CONLLEVA, JAMES CAMERON

La figura de James Cameron no solo es capital en el cine moderno, sino única. En primer lugar, porque se trata de uno de los pocos “autores” de cine comercial. Prácticamente todas sus películas son blockbusters no solo destinados a romper la taquilla. También a ser hitos en la historia del cine.

1 1

Aunque fue el director de no sé qué secuela de Piraña (David Fincher también dirigió la tercera entrega de Alien), Cameron es conocido por dar a luz Terminator, la que para mí sigue siendo su mejor película. Todo un hito de la ciencia ficción ochentera con tintes de terror. Aquí ya comprobamos dos cosas: la pericia narrativa de Cameron como director y su inteligencia como guionista.

Esta misma inteligencia fue la que le llevó a aceptar realizar la secuela de una película de terror intocable como Alien, el octavo pasajero y, en lugar de buscar el “más es mejor”, convertir Aliens en toda una película de acción y en una de las mejores secuelas de la historia del cine.

Tanto Terminator (1984) como Aliens (1986) colocaron a Cameron como uno de los directores más exitosos de la industria y le permitió acceder a recursos casi ilimitados para rodar los proyectos que él quisiera.

Aquí es donde entramos en la vertiente más genial de James Cameron. Y la más frustrante. Cameron es un genio, con todo lo bueno y malo que eso conlleva.

No solo ama el cine y la ciencia ficción, sino que también está fascinado con toda la tecnología que rodea a la imagen y, sobre todo, con el mar.

Tras Aliens, su siguiente proyecto fue Abyss, una película por la que se empeñó en rodar casi la mitad de la trama en el agua, provocando la discordia con sus actores. No obstante, fue un exitazo (y una notable película) que condujo a Terminator 2: el juicio final, la película más cara y más taquillera de la historia hasta aquel entonces (1991). Además, la primera en utilizar efectos digitales por ordenador.

2

De ahí, Cameron siguió superándose con una película de acción aún más cara, Mentiras Arriesgadas y, por supuesto, su mayor éxito a todos los niveles: Titanic.

Retro-análisis de Mentiras Arriesgadas

Tras ganar el Oscar a mejor película y mejor director (y mira que había películas muy superiores aquel año, que Titanic no es de sus mejores obras), Cameron desapareció. Y todos perdimos un poco.

Una vez el director consiguió todo lo posible en el mundo del cine, se centró en su próximo proyecto. Pero Avatar requería de una tecnología que, a finales de los 90 no era posible. Y en vez de esperar a que se desarrollara, decidió iniciar el mismo el avance.

Durante doce años, perdimos la pista de James Cameron. Eso no significa que estuviera ocioso. Desarrollo gran parte de la tecnología 3D que vimos en Avatar e, incluso, realizó avances en la investigación marina. De hecho, Cameron es la única persona que ha bajado al fondo marino más profundo de la Tierra en solitario, gracias a un submarino que él mismo diseñó.

Y así, tras doce años de espera, en 2009 se estrenó Avatar. Nuevamente, como Abyss o Terminator 2, una película destinada a revolucionar tecnológicamente el cine con la promesa de que el 3D desterraría al cine digital. Encima, la siguiente película tras Titanic, un hito comercial del cine moderno difícil de superar.

AVATAR, FORMA Y FONDO

3 1

Siendo Cameron un director capaz de aunar forma y fondo, tecnología y corazón, no queda otra que diferenciar Avatar en esas dos capas.

A nivel de forma, la película es impecable. Probablemente, junto con La invención de Hugo y Gravity, la mejor muestra de las posibilidades del 3D. Los efectos especiales y el paisaje de Pandora resultaron algo nunca antes visto en una pantalla de cine.

El problema o, mejor dicho, problemilla fue el fondo. Cameron nunca ha sido un director amparado en argumentos complejos, pero Avatar puede ser su película más simplista a todos los niveles. Su historia a lo Pocahontas, repleta de filosofía New Age y sin rastro de escala de grises, dista mucho de la lucha de clases que vemos en Titanic o las paradojas temporales de Terminator. Durante esos doce años, Cameron se centró tanto en los avances tecnológico que nos encontramos ante su película más robótica. Perfecta en su engranaje pero sin rastro de alma.

LO QUE NOS ESPERA

Alucinante tráiler oficial de Avatar: el sentido del agua

Finiquitada Avatar, muchos pensamos: ya está, su capricho se ha rodado y, encima, con éxito. Avatar sigue siendo la película más taquillera de la historia del cine y la única que ha superado los 2.000 millones de dólares de recaudación.

Pero no. Al contrario que con obras anteriores, Cameron no ha buscado nuevas historias que rodar, sino que se ha centrado otros trece años para conseguir la tecnología necesaria que le permita rodar hasta cuatro secuelas de Avatar, previstas para 2022, 2024,2024 y 2028.

Por lo tanto, mi problema con Avatar: el sentido del agua no tiene que ver estrictamente con la película en sí. Espero una superproducción visualmente apabullante y esperemos que narrativamente acertada. Pero el hecho de haber perdido durante tantos años a uno de los grandes directores del cine comercial moderno, a la altura de Spielberg o Christopher Nolan, me hace rabiar ante el estreno de la secuela. Qué duda cabe que iré a verla al cine.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

El cómic de la semana: Black Hammer 5. El renacer Parte I

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy destacamos Black Hammer 5. El renacer Parte I. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Black Hammer 5. El renacer Parte I, aún mejor

Una vez más un nuevo y magnífico tomo de Black Hammer escrito y dirigido por Jeff Lemire, el creador de esta saga que es un homenaje a los cómics de superhéroes. Y la evolución de los personajes es palpable y se traspasa a sus hijos, nietos, descendientes sin perder un ápice de la frescura o calidad del producto.

BlackHammer5 19

Jeff lemire demuestra en este tomo 5 de la parte central (El renacer se irá hasta la parte 7) que cuando él se pone a los guiones, y se pone serio, es un escritor excelente. Soy fan de toda la saga de Black Hammer y creo que todos los spin-off son de una alta calidad, pero sin duda, los mejores, los de la serie principal.

Tengo entendido que la serie se acabará pronto, que Jeff Lemire está en su fase final, y es una pena, pero que nos quiten lo bailado. Os dejo al final un orden de lectura de todo lo que se ha publicado hasta la fecha en España.

BlackHammer5 10

Por cierto, me gustaría destacar el dibujo de Caitlin Yarsky, que siguiendo el tono de los otros volumenes de la serie, no sólo no desentona sino que en muchas ocasiones supera a sus antecesores.

Para mi Black Hammer es una de las mejores series independientes de los últimos años, y tomos como este me dan de nuevo la razón. Ahora a esperar los otros dos volúmenes que cierren El renacer, y a seguir leyendo los spin-offs que están en la reserva y que pronto veremos en España.

BlackHammer5 14

    1. Black Hammer 1 (Orígenes secretos) – Universo de Black Hammer
    2. Black Hammer 2 (El suceso) – Universo de Black Hammer
    3. Sherlock Frankenstein y la legión del mal – Universo de Black Hammer
    4. Doctor Star y el reino de los mañanas perdidos – Universo de Black Hammer
    5. Black Hammer 3 (La Edad sombría parte 1) – Universo de Black Hammer
    6. Black Hammer 4 (La Edad sombría parte 2) – Universo de Black Hammer
    7. La Era Quantum – Universo de Black Hammer
    8. Black Hammer 45 – Universo de Black Hammer
    9. Black Hammer Calles de Spiral – Universo de Black Hammer
    10. Black Hammer/Liga de la justicia El martillo de justicia – Universo de Black Hammer
    11. Revientacráneos y el Chico Esqueleto – Universo de Black Hammer
    12. Coronel Weird Cosmagogo – Universo de Black Hammer
    13. Barbalien Planeta rojo – Universo de Black Hammer
    14. Black Hammer Visiones 1 – Universo de Black Hammer
    15. Black Hammer 5 (El renacer parte 1) – Universo de Black Hammer

En 1986, Martillo Negro y el resto de los superhéroes más grandes de Spiral City parecieron morir mientras derrotaban al déspota cósmico conocido como el Anti-Dios y salvaban el mundo. Pero una mujer se negó a creer que hubieran desaparecido de verdad: Lucy Weber, la hija de Martillo Negro. Al descubrir que su padre se había sacrificado para salvar a los otros héroes, Lucy adoptó el manto de Martillo Negro y continuó con el legado de su padre como la mayor superheroína del mundo.Ahora han pasado veinte años y Lucy, y el mundo, han continuado con sus vidas. Lucy vive una vida de clase media, casada y con hijos. Pero no todo es felicidad. Su matrimonio se desmorona, su trabajo ha acabado en un callejón sin salida, y por razones misteriosas lleva años sin agarrar el martillo. Pero mientras su vida doméstica empieza a venirse abajo, los secretos de los veinte últimos años, y las razones por las que Lucy realmente renunció a ser Martillo Negro, empiezan a reaparecer, amenazando tanto a su familia como a la paz que tanto se ha esforzado por conseguir para sí misma.

Black Hammer. El renacer es la siguiente era del Universo Black Hammer, una historia dolorosamente humana convertida en una emocionante aventura de superhéroes que revela nuevas capas de misterio y que lanza la historia de Black Hammer al presente de la mano de Jeff Lemire y la dibujante Caitlin Yarsky

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Astiberri

blackhammer5

Un saludo y sed felices.

Los fans piden la cabeza de James Gunn con el hashtag #FireJamesGunn. Reflexionemos sobre la toxicidad hecha fan

Muy buenas. Cuaderno de bitácora, 10 de diciembre 2022. Me despierto temprano y el móvil es un clamor, hashtags contra James Gunn #FireJamesGunn.

¿Qué ha ocurrido? Es difícil de decir. Hace dos días os traje esta noticia:Terremoto en el DCU: Wonder Woman 3 habría sido cancelada y Henry Cavill parece más fuera de DC que nunca.

Después de escribir esa noticia, he seguido indagando para ver cual fueron los posibles motivos (ojo, hablamos de rumores porque James Gunn hablará al parecer la semana que viene). ¿Qué motivaría mandar a la nevera el guion de Wonder Woman 3? Al parecer son varios los factores. Por un lado tenemos el fiasco de Wonder Woman 1984, una correcta película (lo es) que fue con el tiempo adquiriendo críticas muy negativas. Si a eso le sumamos el fiasco de taquilla pues mal iba Patty Jenkins. Al parecer la realizadora no ha recibido una cancelación del proyecto, sino que James Gunn y Peter Safran le habrían sugerido que los proyectos de DC ahora van por otro camino.

Sea como fuere al parecer lo de Patty Jenkins ha acabado como el rosario de la aurora y la directora se ha salido del proyecto.

Ya aquí ayer saltaban las alarmas. Con Jenkins fuera, es de esperar que Gal Gadot acompañe a la directora, con la que tiene muy buena compenetración. De momento no sabemos nada.

James Gunn finalmente se ve obligado a salir en twitter y dice lo siguiente:

“Peter y yo elegimos dirigir DC Studios sabiendo que nos acercábamos a un entorno conflictivo, tanto en las historias que se contaban como en la audiencia misma, y ​​habría un período de transición inevitable a medida que avanzamos para contar una historia cohesiva a través del cine, la televisión, animación y juegos”, continuó Gunn en Twitter. “Pero, al final, los inconvenientes de ese período de transición quedaron eclipsados ​​por las posibilidades creativas y la oportunidad de aprovechar lo que ha funcionado en DC hasta ahora y ayudar a rectificar lo que no ha funcionado. Sabemos que no vamos a hacer felices a todas las personas en cada paso del camino, pero podemos prometer que todo lo que hacemos se hace al servicio de la HISTORIA y al servicio de los PERSONAJES DE DC que sabemos que aprecian y hemos apreciado nuestro vidas enteras.”

“En cuanto a más respuestas sobre el futuro de la DCU, lamentablemente tendré que pedirles que esperen. Les estamos dando a estos personajes y a las historias el tiempo y la atención que merecen y nosotros mismos todavía tenemos muchas más preguntas que hacer y responder”.

Pero anoche la cosa vuelve a ponerse más caliente con reportes que hablan de la cancelación de Man of Steel 2. Un Henry Cavill que dejó hace un mes The Witcher para volver a ser Superman.

Ha sido la posible negativa del regreso de Henry Cavill lo que ha provocado finalmente la ira de los ¿fans? que no han tardado en arremeter contra James Gunn pidiendo, agarrarse que vienen curvas, ¡SU DESPIDO! llegando hasta pedir el regreso de Zack Snyder con la etiqueta #FireJamesGunn y #BringBackZackSnyder. Muy triste todo esto.

FireJamesGunn

La toxicidad hecha fan.

El hashtag #FireJamesGunn está corriendo como la pólvora. Y seamos claros, es para hacérselo mirar. Gente que maneja gran cantidad de usuarios en redes sociales (twitter sobre todo) alentando a colocar el #FireJamesGunn. Son esas hordas que en su día se jactaron de que gracias a ellos tuvimos la versión de Liga de la Justicia de Zack Snyder, porque si, esos fans se creen que Warner dio el visto bueno por los fans. Y estos vuelven a la carga con malicia arremetiendo contra un proyecto que lleva con poco más de un mes de vida. Y es que James Gunn y Peter Safran llegaron el 1 de noviembre.

Así que todo lo que sabemos desde entonces son rumores porque Gunn todavía no ha hecho ningún comunicado, pero esto al fan tóxico le es igual. Para muestra unos tweets.

Ann Sarnoff, CEO de WarnerMedia, lanzó en su día una advertencia muy dura, tras el estreno de Liga de la Justica de Zack Snyder:

«No lo toleraremos. Ese comportamiento es reprobable, y no importa de la franquicia que se trate o del negocio que sea. Estoy muy decepcionada con los fans que han elegido ir hacia ese camino negativo en cuanto a DC, respecto de algunos de nuestros ejecutivos. Es decepcionante porque queremos que nuestra empresa sea un espacio seguro. Queremos que DC sea un fandom seguro e inclusivo. Queremos que la gente pueda hablar sobre las cosa que aman, pero no queremos que esto se convierta en una cultura de cancelar cosas con las que una pequeña parte no estén contentos. No apoyamos eso. Apoyamos la posibilidad y la celebración«, revela Sarnoff en una entrevista con Variety.

¿Está claro,no? El fan no tuvo nada que ver con la luz verde a la Liga de la Justicia de Zack Snyder.

Como decía la toxicidad hecha fan. ¿Con qué derecho se creen para pedir el despido de nadie? Esto me recuerda a todo lo que ocurrió en su momento con The Last of Us parte 2, reproduzco parte del texto en la que hablé de la toxicidad en relación a un hecho concreto:

El Fan y su “este es mi juego” ¿Qué le has hecho?

Acabo con un aspecto que no quería meter. La horda de ofendidos y que ha convertido al juego en tema de conversación por lo que no debería. Primero están los ofendidos por manejar a una lesbiana. Pero más me sorprende aquella horda de fans coléricos que explotan tras la muerte del protagonista. ¿Qué haces guionista? ¿Por qué matas al prota, a mi personaje? Es un mal de los últimos años acompañado de la voz que otorgan las redes sociales como altavoces. El fan se cree dueño de la obra y ataca y hostiga en una sinrazón y justificación alguna. Como muestra la actriz Laura Bailey, que interpreta a Abby, reveló que ha recibido amenazas de muerte por su papel en el juego.

“Tío. Intento publicar sólo cosas positivas aquí… pero a veces esto se vuelve un poco abrumador”, dijo Bailey. “He borrado algunas de las palabras porque, ya sabes, spoilers”.

¿Tenía esta mujer necesidad de aguantar este tipo de comportamiento?

El fan arremete, ajusticia y ataca porque en algún momento se cree que es dueño de la obra. No se en que momento esto ha ocurrido, quizás las redes sociales tienen mucho que ver, dando altavoz a gente que no saben el trabajo que hay detrás de una obra.

Yo mismo he sufrido la ira de los fans en el Facebook por la noticia que escribí sobre la posible cancelación de Wonder Woman 3. Una lástima.

Esto de DC o Marvel en el cine hace años que se ha convertido por culpa de los fans en un Barcelona Real Madrid. ¿Dónde tiene lógica esa similitud? Los que peinamos canas hemos disfrutado siempre de Vengadores, Nuevos Titanes, Batman o Spiderman por igual. Yo siempre fui de Marvel pero casi disfruto más con el cine del DCU. Y no pasa nada.

Es una lástima el devenir de los acontecimientos. Seguramente cuando las aguas se calmen y James Gunn muestre el proyecto que está trabajando junto a Peter Safran, todos saltarán de alegría. James Gunn ha generado éxito con Marvel y DC, por lo que a priori es el mejor de los fichajes.

Pero el fandom ya ha dictado sentencia #FireJamesGunn es el nuevo #Restorethesnydercut.

Un saludo y sed felices.