Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos hablaros de una nueva presentación que nos ha hecho la plataforma de entretenimiento Netflix. Stranger Things: Relatos del 85.
El universo de Stranger Things se niega a apagarse. Justo cuando los fans se preparan para despedirse de la serie principal con su quinta temporada, Netflix lanza una nueva chispa: Stranger Things: Relatos del 85, un spin-off animado que promete devolvernos a Hawkins con una estética retro y una historia inédita.
El anuncio oficial, revelado durante el Stranger Things Day el 6 de noviembre de 2025, ha encendido la nostalgia ochentera con un tráiler que mezcla misterio, acción y guiños visuales a los dibujos animados clásicos.
Hawkins, invierno de 1985
La serie se sitúa entre las temporadas 2 y 3, en un momento en que los protagonistas ya han sobrevivido a los horrores del Demogorgon y el ataque del Azotamentes, pero aún no han enfrentado los eventos de Starcourt.
En este paréntesis narrativo, Relatos del 85 nos presenta una nueva amenaza sobrenatural que emerge en pleno invierno, envolviendo a Hawkins en una atmósfera más oscura y surrealista.
El tráiler deja entrever criaturas inéditas, como una planta carnívora gigante, y una narrativa que mezcla lo paranormal con el drama adolescente.
Un homenaje animado a los 80
La animación corre a cargo de Flying Bark Productions, conocidos por su estilo vibrante y dinámico. El showrunner, Eric Robles, ha señalado que el formato animado permitirá explorar dimensiones narrativas imposibles en imagen real, con secuencias más estilizadas y una libertad visual que recuerda a los dibujos de sábado por la mañana.
El diseño de personajes y escenarios evoca series como He-Man, G.I. Joe o The Real Ghostbusters, pero con el toque siniestro y emocional que caracteriza a Stranger Things.
Nuevas voces, misma esencia
Aunque no se ha confirmado la participación del elenco original, sí se ha anunciado un nuevo reparto de voces.
Brooklyn Davey Norstedt interpretará a Eleven, mientras que Jolie Hoang-Rappaport dará vida a otro personaje principal. Esta decisión parece apuntar a una reinterpretación más juvenil y estilizada de los protagonistas, adaptada al tono animado.
¿Qué podemos esperar?
Más que una simple extensión de la franquicia, Relatos del 85 parece ser una carta de amor a los fans que crecieron con la cultura pop ochentera.
El tráiler, cargado de referencias visuales y una banda sonora sintetizada, sugiere que la serie no solo expandirá el «microverso de Hawkins», sino que también jugará con los códigos del género animado retro.
El estreno está previsto para 2026, y aunque aún no hay fecha exacta, el entusiasmo ya se respira en redes y foros.
Pero no nos demoremos más, un poquito más abajo, os dejo el tráiler oficial de Stranger Things: Relatos del 85, que Netflix nos ha presentado hace unas pocas horas.
Reconozco que estoy un poco hastiado de biopics musicales. Pero a este de Michael le tengo muchísimas ganas, no lo voy a negar.
El pàsado jueves Lionsgate lanzó el primer tráiler oficialdel biopic de Michael Jackson, titulada «Michael». Tras sus primeras 24 horas, alcanzó los 116,2 millones de visualizaciones a nivel mundial, convirtiéndose en el tráiler más visto de la historia de las películas biográficas musicales y ostentando el récord del mayor estreno de tráiler del estudio.
Jaafar Jackson, sobrino del grandísimo Michael Jackson, interpreta al Rey del Pop. En las primeras imágenes, se ve a Jaafar recreando los icónicos pasos de baile del músico, como el moonwalk, y también se muestra un fragmento del videoclip de «Thriller».
El reparto se completa con Miles Teller como el abogado John Branca, Colman Domingo como Joe Jackson, Kat Graham como Diana Ross, Nia Long como Katherine Jackson, Laura Harrier como Suzanne de Passe y Kendrick Sampson como Quincy Jones.
Esta es la sinopsis oficial:
“La película narra la vida de Michael Jackson más allá de la música, desde el descubrimiento de su extraordinario talento como líder de los Jackson Five hasta convertirse en el artista visionario cuya ambición creativa impulsó una búsqueda incansable para ser el artista más grande del mundo. Destacando tanto su vida fuera del escenario como algunas de las actuaciones más icónicas de sus inicios como solista, la película ofrece al público una perspectiva única de Michael Jackson. Aquí comienza su historia.”
Antoine Fuqua dirige la película con guion de John Logan. Michael se estrena el 24 de abril de 2026.
Esta película estoy seguro que va a ser uno de los grandes bombazos del 2026.
‘The Hunger and the Dusk’, la obra de fantasía épica de G. Willow Wilson (guion) y Chris Wildgoose (dibujo), llega a España de la mano de Yermo Ediciones en formato cartoné. Teniendo en cuenta que esta misma editorial nos está trayendo Las Tierras de Arran y todas sus series, pues parece querer monopolizar la fantasía en España. Y no me quejo, ojalá veamos más de este género que tanto amo.
La propuesta de Wilson es, a la vez, enormemente familiar y efectiva. La obra no busca reinventar la rueda del género, ya que a estas alturas todo nos puede recordar a Tolkien, AD&D, Moorcock, etc, pero si se siente como un gran homenaje a esa fantasía clásica. ‘The Hunger and the Dusk’ lo sabe y por ello centra su energía en construir personajes interesantes que nos lleven a través de la trama y con los que empaticemos.
Desde sus páginas iniciales, la serie nos sumerge en un mundo ha superado su apogeo y que se siente crepuscular. Humanos y orcos se pelean por una tierra que cada vez es más estéril en una guerra en la que llevan siglos enfrascados. Un toque curioso con respecto a los segundos, es que se abandona el cliché tribal sobre esta raza y se les presenta como una cultura estratificada con profundos rituales y una espiritualidad rica y más atractiva que la humana.
Pronto la trama establece de inmediato la premisa central del «enemigo común» para que ambos bandos deban unir fuerzas y ver como interactúan personajes tan diferentes. Una alianza imposible para enfrentarse a una amenaza más antigua y aterradora, los Vangol, una raza ancestral que emerge del mar para consumir lo que queda del mundo.
La historia avanzará con dos hilos narrativos muy diferenciados: Tara (una sanadora orca) enviada acompañar a ‘los últimos en pie’, un grupo de humanos liderados por Callum y por otro lado a Troth y Faran.
El guion de Wilson parte de premisas que cualquier aficionado al género reconocerá. Tenemos a la comitiva de héroes y heroínas (al más puro estilo de grupo de jugadores de AD&D o La Comunidad de Anillo) emprendiendo una búsqueda, tensión entre personajes opuestos y ese viaje iniciático tan recurrente. No hay aquí giros argumentales que redefinan el género (tampoco lo busca), la amenaza es clara, la misión es clara, y la historia se desarrolla según los patrones establecidos.
Sin embargo, esto no es un defecto, ya que esta fórmula hace que nos encontremos ante una lectura accesible que utiliza los tropos de este género como un cimiento seguro para centrar su verdadero esfuerzo: una historia atractiva con personajes interesantes que hace que funcione, como lo hacen otras obras.
El corazón del cómic reside en las dos parejas que protagonizan los dos hilos narrativos. La tensa relación entre la joven sanadora orca y el impulsivo comandante humano es muy nos servirá para ver a dos polos opuestos obligados a entenderse (nada nuevo en el horizonte, pero que resulta funcional) mientras conocemos sus respectivos pasados difíciles.
Por otro lado, Troth y Faran deberán enfrentarse a la parte más política de esta alianza y eso le da un toque que me ha gustado más. Siendo esa parte la que más que ha llegado a enganchar al alejarse un poco de lo que muchos esperamos de una sociedad orca. Es cierto que la parte de los humanos no se ha explorado y puede ser interesante también.
Es imposible hablar de ‘The Hunger and the Dusk’ sin dedicar algunas palabras al arte de Chris Wildgoose (con el color de Msassyk). El dibujante consigue darle al mundo esa estética de fantasía clásica inconfundible. Sus diseños de personajes son sobresalientes, especialmente con los personajes orcos, cada uno tiene un aspecto muy distintivo, con una rica vestimenta que sugiere esa cultura profunda y compleja que he mencionado.
Conclusión
‘The Hunger and the Dusk’ es una obra que sabe exactamente lo que quiere ser y lo ejecuta con solvencia. Es un sólido cómic de fantasía épica para una audiencia que anhela las grandes aventuras con espadas, magia y males ancestrales.
La trama sigue un camino predecible para el género, aunque el cómic compensa la falta de ‘innovación’ argumental o giros argumentales sorprendentes con personajes atractivos alrededor de esa historia archiconocida. Es una serie recomendable que nos demuestra por qué la fantasía clásica sigue siendo relevante a día de hoy.
Se siente como una partida de Dungeons and Dragons en la que los jugadores han construido muy buenos personajes.
Estamos ante una obra que tendrá dos tomos. El primero ha sido la presentación de los personajes y asentar el nudo y desenlace que está por llegar.
Un interesante comic americano que nos ha traído Yermo Ediciones para quienes sientan miedo por entrar en la larga saga de Arran. A más de este tipo de obras no le diría que no.
El 7 de noviembre de 1975 ABC ponía al aire el episodio piloto de Wonder Woman, la serie con la cual Lynda Carter se convertiría por décadas para el público en la imagen inconfundible y única de la mítica heroína de DC.
Corría el año 1978 y Lori Smith, una joven de diecinueve años en profundo estado de conmoción emocional, amenazaba con lanzarse al vacío desde lo alto de una azotea de Los Angeles a menos que la mismísima Wonder Woman viniese en persona a rescatarla. Y el milagro ocurrió, no porque el emblemático personaje de DC se haya hecho presente, sino porque quien sí lo hizo, apenas enterada, fue Lynda Carter, la actriz que le daba vida en la serie que de tanto éxito gozaba en pantalla en ese momento.
Reconfortada por su presencia, la joven se calmó y pudo ser rescatada y atendida por profesionales, pero ello solo fue posible porque en aquella persona que le habló y la tranquilizó ella no vio a Lynda Carter sino directamente a Wonder Woman o, para decirlo mejor, no había diferencia a sus ojos entre una y otra.
Es un caso extremo, claro, pero habla por sí solo. Para las generaciones previas a Gal Gadot y a las películas de Patty Jenkins, el rostro y cuerpo de la princesa amazona están indisolublemente ligados a Lynda Carter, quien le diera vida en aquella inolvidable y hoy icónica primera serie dedicada al personaje, de cuyo episodio piloto se cumplieron este pasado viernes cincuenta años.
Para mediados de los setenta, los superhéroes de DC contaban en su haber solo dos series televisivas live action: el Superman de los cincuenta y el icónico Batman de los sesenta, interpretados respectivamente por George Reevesy Adam West (habían también existido dos seriales para cine sobre el murciélago). Pero faltaba completar la trinidad y el 7 de noviembre de 1975 la cadena ABC (misma responsable de las dos anteriores) estrenó el episodio piloto que daría inicio a la serie con la cual Carter quedaría por décadas (o quizás para siempre) ligada al personaje.
Si vamos a ser justos, el primer arribo de Wonder Woman a la TV se había producido un año antes, cuando ABC emitiera una película de dos horas concebida como episodio piloto de una serie que nunca llegaría. Protagonizada por Cathy Lee Crosby, no consiguió los resultados de audiencia esperados y fue denostada por alejarse en exceso de los cómics al presentar a una Diana rubia y con características de superagente estilo James Bond en versión femenina, además de un atuendo reminiscente de Evel Knievel y una trama que la ubicaba en la actualidad, o en lo que se entendía como actualidad en 1974.
Pero ello no desalentó a Warner ni a ABC, que fueron a la carga por un segundo piloto dirigido por Leonard Horn (Misión: Imposible, Mannix, Viaje al Fondo del Mar) que, ya desde el paradójico título (La Nueva Wonder Woman Original), borraba de un plumazo lo anterior y no solo presentaba al personaje con aspecto y atuendo más semejantes a los cómics originales, sino también una historia más acorde a la imaginada por su creador William Moulton Marston, ubicándose incluso durante la Segunda Guerra Mundial.
Horn no llegó a ver el piloto estrenado por fallecer unos meses antes, pero fue un éxito absoluto y llevó a una serie regular, cuya primera temporada comenzó a emitirse en abril de 1976.
La Elegida
Lynda Carter, quien contaba veintitrés años al emitirse el piloto, era oriunda de Phoenix, Arizona, con ascendencia paterna irlandesa y materna mexicana. Destacó pronto por su belleza, que la llevó en 1972 al título de Miss Arizona y luego al de Miss Estados Unidos para terminar siendo semifinalista en el concurso de Miss Mundo celebrado en Londres, aunque sin quedarse con el preciado cetro a la mujer más hermosa del planeta, que sin dudas lo era (sí, me hago cargo).
Ello y las clases de actuación que tomó en New York le abrieron las puertas a participar de un par de películas clase B y algún episodio de serie televisiva como Starsky y Hutch, pero sería el de Diana Prince el papel que la consagraría a nivel mundial y al que quedaría para siempre adosada su imagen.
En el cásting se impuso sobre Joanna Cassidy, Lesley Ann Warren, Farrah Fawcett, Jaclyn Smith y Debra Winger, todas actrices que desarrollarían en el futuro exitosas carreras, incluso en algunos casos con premios y nominaciones. Fawcett y Smith serían poco después estrellas deLos Ángeles de Charlie, en tanto que Winger, si bien no quedó para el papel de Diana, terminaría seleccionada para interpretar a su hermana Drusilla (Wonder Girl).
Con su metro ochenta, ojos azules, rostro angelical y cuerpo escultural, Lynda calzó a la perfección en el traje de la princesa amazona y enamoró al público de todas las edades sin importar el género, pudiendo ser tanto objeto de deseo como ídolo referente, especialmente para chicas que no tenían en pantalla un superhéroe femenino que las representase.
El papel del mayor Steve Trevor, su eterno enamorado, recayó en Lyle Waggoner, galán ya cuarentón conocido por su trabajo en la sitcom The Carol Burnett Show, emitida entre 1967 y 1974, como también por haber posado desnudo para la revista Playgirl. Que viniera de la comedia dejaba a las claras que no se buscaba un tono serio y, como dato curioso, se había presentado en los sesenta para el cásting de Batman en el que quedó finalmente seleccionado Adam West: el destino lo terminaría llevando a DC de todos modos…
Princesa Amazona
El episodio piloto sigue casi textualmente el inicio de la historia en los cómics originales. El mayor Steve Trevor se accidenta con su avión en plena Segunda Guerra Mundial y va a parar a Isla Paraíso (posteriormente rebautizada en las viñetas como Themyscira por George Pérez), habitada la misma por amazonas que, sin contacto con los hombres, viven en una dimensión fuera del espacio y del tiempo.
La llegada de Trevor causa entre ellas gran revuelo y hace que la princesa Diana tome conciencia de la existencia de los hombres y la situación que vive el mundo, por lo que solicita a su madre, la reina Hipólita, que la autorice a salir de la isla para llevar al recién llegado a su lugar de origen.
Esta se niega rotundamente, pues sabe que su hija podría quedarse a vivir en el “mundo exterior” una vez que lo conozca. Pero decide realizar un torneo para determinar quién se encargará de llevar a Trevor, participando del mismo Diana enmascarada y con peluca, por lo que, al salir victoriosa, su madre no tiene ya forma de negarle el permiso. Un comienzo, en definitiva, mucho más fiel al cómic que el de la película de Jenkins, en la cual no hay torneo y la segunda guerra es trocada por la primera.
Con el avión invisible (uno de los más hermosamente absurdos detalles del cómic original, dejado de lado en adaptaciones posteriores), lleva a un inconsciente Trevor de regreso a Estados Unidos y sus primeros encuentros con los nazis le hacen ver la necesidad de quedarse a ayudar para que estos no puedan ganar la contienda ni dominar el mundo.
Al principio y a los fines de conseguir dinero, se las apaña sobreviviendo como atracción principal de un productor de espectáculos que vende boletos para ver a la sorprendente mujer que desvía las balas e incluso para probar dispararle, siendo genial e icónico el momento en que una anciana solicita participar con una ametralladora Thompson: la mejor escena del piloto y una de las mejores de toda la serie.
Ya asentada en Washington DC, acaba consiguiendo trabajo como secretaria en el Ministerio de Guerra a las órdenes justamente de Steve Trevor (qué pequeño es el mundo), el cual, padeciendo idéntico síndrome que Lois Lane, está perdidamente enamorado de Wonder Woman sin darse cuenta que la tiene trabajando en sus oficinas, solo que con lentes y cabello en rodete a la usanza de la época.
Lo Cutre no quita lo Grande
Más allá de que tanto el piloto como toda la primera temporada se ambienten en los cuarenta, la estética es setentera por donde se la mire. El traje de Wonder Woman puede verse muy patriotero con tanta estrella, pero también acorde a la década, al igual que el uso de la luz, los colores o el brillo: hasta la mirada de Carter y la sonrisa de Waggoner despiden destellos en los créditos iniciales, que son acompañados por imágenes de estilo cómic que rinden no poco homenaje a la famosa presentación del Batman de los sesenta.
Y ya que lo mencionamos, hay quienes afirman que aquella serie tenía un tono fuertemente irónico y absurdo (lo cual es desde luego cierto y acorde con el pop-art vigente en sus años de emisión), pero extrañamente no encuentran lo mismo en Wonder Woman, que también lo tiene. No igual, por supuesto, pues los tiempos son otros y el tono paródico menos evidente, pero está llena de guiños humorísticos muy de los setenta y los efectos visuales (de lo más precarios y artesanales) son acompañados por sonidos onomatopéyicos que remiten a dibujos animados.
Las coreografías de lucha son de lo más cutre, pero hay que tener en cuenta que por aquellos días había fuerte prurito en las cadenas televisivas para las escenas de violencia, especialmente si estaban involucrados los héroes a los que, dentro de lo posible, no era bueno mostrar propinando golpes. Lo que vemos normalmente es a Diana arrojar a alguien a lo lejos o hacer que sus rivales choquen entre sí y el que hoy veamos como esperpénticas esas peleas no debe hacernos olvidar que tampoco se las podía hacer de otra forma.
El Giro y el Resplandor
Algunos detalles de los cómics están cambiados, como el papel de los brazaletes o el cinturón: los primeros no inhiben aquí los poderes de Diana al unirlos o entrelazarlos sino que solo tienen por función desviar las balas; en cuanto al segundo, es esencial para que ella mantenga dichos poderes fuera de la isla, algo que en los cómics no ocurría.
No son pocas pues las ocasiones en que sus enemigos la despojan del cinturón dejándola lo suficientemente frágil e indefensa para que temamos por ella en lugar de verla como invencible y omnipotente, más allá de que el presentárnosla vencida y reducida, aunque más no sea por un rato, tenga un costado fetichista nada extraño al espíritu original de los cómics de Moulton. Y, de todas formas, a la larga acabará recuperando el cinturón y derrotando a los villanos.
El otro gran cambio con respecto a los cómics es el giro que la hace pasar de Diana Prince a Wonder Woman, incorporación sugerida por la propia Carter. Al principio, la secuencia de transformación era filmada con cámara superlenta y demandaba unos cuarenta minutos que Lynda se cambiase en el medio para no quitar continuidad al efecto. Con el tiempo, eso se volvió engorroso y costoso, por lo que, a partir del tercer capítulo, la conversión se realiza acompañando el giro con un resplandor de luz y el sonido de un trueno, sin necesidad de superponer las imágenes de Linda en los diferentes trajes.
Los Cuarenta vistos desde los Setenta
La primera temporada, como hemos dicho, transcurre durante la Segunda Guerra Mundial y consta de trece capítulos más el piloto de dos horas que, a mi gusto personal, es el mejor de la misma junto con el episodio doble La Mística Femenina, en el cual los nazis localizan e invaden Isla Paraíso.
También es divertido el tercero (Belleza en Desfile) en que, para hacer caer una red nazi de sabotaje, Diana se infiltra como participante en un concurso de belleza, claro guiño a su propia experiencia.
O el sexto (Wonder Woman contra Gargantúa), que la enfrenta con un gorila superfuerte entrenado por los nazis y ya sabemos que la combinación bella-simio es un fetiche que funciona a las mil maravillas desde los tiempos de King Kong.
O el episodio doble El Juicio del Espacio Exterior, claro homenaje al filmeUltimátum a la Tierra (como también a Star Trek) en que el planeta es sometido a un tribunal galáctico para determinar si merece sobrevivir ante la realidad de que la humanidad lo está destruyendo.
Y, desde lo personal y por mi origen nacional, también el episodio 11 (Fórmula 407), pues fue muy fuerte en mi niñez ver a Diana hacer su conversión a Wonder Woman en Argentina, antecedente que quizás haya inspirado al gran Phil Jiménezpara ubicar después en Buenos Aires el cómic La Venganza de Cheetah.
Cierto que las colinas no se condicen con la llanura pampeana (casi cortada con regla), pero también que no ocurre nada distinto cuando la acción tiene supuestamente lugar en cercanías de Washington DC, donde tampoco las hay: los rodajes, claro, se realizaban en California. Lo genial, de todos modos, son esos carteles de formato y tipografía tipo cómic para ubicarnos geográficamente.
Y, más allá del esfuerzo de ambientación y vestuarios para que la cosa luzca como en los cuarenta, no faltan anacronismos. En delicioso homenaje autorreferencial a DC, un puesto callejero ofrece a la venta un cómic de Superman, pero el número corresponde a los setenta. Un mapa indica asimismo la República del Congo cuando todavía no existía por ser aún ese territorio dominio belga. Y en las escenas urbanas se ven algunos carteles de publicidad muy setenteros.
Las Nuevas Aventuras de Wonder Woman
Mi temporada preferida es la primera por el tono retro y el marco de la contienda mundial, pero la realidad fue que, a pesar del éxito, los costos de producción se hicieron elevados para ABC, motivando ello que la cadena se mostrara remisa a renovar. “Camarón que se duerme, se lo lleva la corriente” dice el famoso refrán y, en efecto, CBS aprovechó el momento de vacilación para robarle la serie a su competencia merced a la oferta de una segunda y tercera temporada que, con veintidós y veinticuatro episodios respectivamente y bajo el título de Las Nuevas Aventuras de Wonder Woman, serían emitidas entre 1977 y 1979.
No es que a CBS no le preocupasen los costos, pero resolvió el asunto dando un salto temporal hacia los setenta y haciendo sobrevivir como único personaje estable a Diana, supuestamente regresada de la Isla Paraíso después de treinta y cinco años, aunque hay también algunas apariciones de Hipólita o Drusilla que, al igual que ella, tenían la inmortalidad a su favor. Lo que no queda claro es qué pasó con Steve Trevor, del cual se nos dice que falleció, pero nada sobre las circunstancias…
Ello no significa que Waggoner esté ausente, pues interpreta a Steve Trevor Jr., obviamente hijo del anterior, pero no hay esta vez tensión sexual con Diana, sino que simplemente es su jefe inmediato en la agencia para la que trabajan: el Comando de Defensa Interinstitucional, que no se sabe qué es pero suena de putamadre. La razón tenía que ver con el temor a generar controversia con un hijo enamorado casi incestuosamente del interés amoroso de su fallecido padre (faltaban algunos años para que Regreso al Futuro o El Cielo se equivocó normalizaran ese tipo de juegos argumentales).
Al estilo de Los Ángeles de Charlie, reciben órdenes de alguien superior que nunca se deja ver y las misiones pueden tener que ver con organizaciones terroristas, científicos locos, individuos mejorados genéticamente, delitos contra el medio ambiente o visitantes alienígenas, cada vez más frecuentes en consonancia con el éxito de Encuentros en la Tercera Fase y el auge del fenómeno OVNI. En la tercera temporada, incluso, se advierte mayor tendencia a sumar personajes adolescentes en claro intento por captar al público juvenil en tiempos de fiebre disco.
La tecnología tiene asimismo una mayor presencia, destacando robots o inteligencias artificiales como el súper ordenador IRAC, capaz de deducir la verdadera identidad de Diana pero lo suficientemente leal para no divulgarla.
Lo más llamativo es el nuevo outfit de Wonder Woman, una especie de traje de buzo azul estrellado que le sienta maravillosamente bien, mientras que el anterior, pero con capa y falda, queda reservado a situaciones especiales o de gala.
El cinturón ya no parece cumplir función de mantener los poderes fuera de la isla o, al menos, no se menciona nada al respecto ni aparecen villanos interesados en sustraérselo. Y la tiara ha sido reconvertida en bumerán…
Por mucho que en lo personal prefiera la primera, las nuevas temporadas no estuvieron mal y presentaron aventuras divertidas en capítulos como El Hombre que podía cambiar el Mundo, El Flautista de Hamelín y El Hombre que creó Volcanes (todos en la segunda), o bien DiabloDisco, El Delfín Mortal y El Chico que conocía su Secreto (en la tercera).
Propios y Extraños
Párrafo aparte merece el elenco de la serie. Ya hemos hablado de Carter y Waggoner, como también mencionado tangencialmete a Winger, en el futuro nominada tres veces al Oscar y cinco al Globo de Oro sin quedarse (injustamente) con ninguna de las estatuillas. Bueno es señalar que en la serie no solo interpretó a Drusilla, sino también a Cheetah, la clásica villana a la que dio vida en el antes mencionado episodio La Mística Femenina, aunque en versión bastante diferente a los cómics.
Pero también hay que destacar a Carolyn Jones, luminaria de Hollywood alguna vez nominada al Oscar, aunque mejor recordada por su papel de Morticia en la serie de los años sesenta La Familia Addams. A lo largo de toda la primera temporada interpreta a la reina Hipólita en reemplazo de Cloris Leachman, que la había encarnado en el episodio piloto y, ya a partir de la segunda, es ella la reemplazada, tomando su lugar Beatrice Straight. También hay, a lo largo de las temporadas, reconocidos nombres en calidad de invitados como Mel Ferrer, Roddy McDowall, John Saxon, Leif Garret o el mítico cowboy Roy Rogers.
No se puede cerrar este repaso sin hablar de la música, especialmente del tema de presentación que, con base y sección de vientos de inspiración funky (muy de la época), estaba compuesto por Charles Fox e interpretado porJohn Bahler con apoyo de un coro femenino que repetía efusivamente “¡Wonder Woman!” en un estribillo que acabaría volviéndose casi tan icónico como el de Batman.
La letra, escrita por Norman Gimbel, contenía referencias a la Segunda Guerra Mundial que fueron eliminadas en la segunda temporada, incluso mutando más tarde el tema hacia una versión instrumental y más “disco” en la que solo sobrevivían el coro y el estribillo.
Valoración y Legado
A pesar de que la tercera temporada tuvo cifras de audiencia parecidas a la primera y superiores a la segunda, la serie se acabó cancelando. El motivo tuvo que ver con una nueva política de CBS para reducir costos y apuntar a programas más baratos.
No hace falta decir que hoy tenemos más información sobre los cómics originales y estamos acostumbrados a producciones de otra factura, pero no tiene sentido evaluar la serie de los setenta a partir de ello ni comparar a Lynda Carter con Gal Gadot. La serie Wonder Woman marcó a generaciones en una época en que la mayoría conocíamos poco sobre los orígenes del personaje. Podíamos sí saber de su existencia y hasta haber leído algo, ¿pero quién había leído un cómic de los cuarenta?
Podrá uno quejarse de los efectos, de la poca dinámica característica de la época o de la falta de integración con el universo DC (cosa que de todas formas no había hecho hasta el momento ninguna serie live action), pero nadie puede negar que Wonder Woman fue una serie pionera y revolucionaria al llevar por primera vez a la pantalla a una superheroína del cómic.
Y el secreto de su éxito, sin dudas, estuvo en el ángel y carisma de Lynda Carter, quien, sin ser Meryl Streep, se entregó al personaje en cuerpo y alma incluso a riesgo de su seguridad. Si hasta se colgó de un helicóptero para hacer una escena en que una doble quedaría demasiado en evidencia (en tu cara, Tom Cruise) y portaba en sus brazaletes pirotecnia que le estallaba encima para imitar el impacto de las balas: me pregunto cuántos actores (sí, hombres) se animarían hoy a tanto.
Carter volvió al universo DC en series comoSmallville (donde interpretó a la madre de Chloe Sullivan) o Supergirl(donde dio vida a una presidenta ficticia de Estados Unidos). También apareció en la escena post-créditos de Wonder Woman 1984 encarnando brevemente a la amazona Asteria en un adelanto de lo que se venía para la siguiente película, pero lamentablemente James Gunn enterró todo eso con su llegada, al punto de quedar no solo Lynda Carter sino también la propia Gal Gadot al margen de cualquier proyecto futuro. Es decir que se las arregló para borrar de un plumazo y sin miramientos a las dos Wonder Woman más emblemáticas de la pantalla…
Pero bueno, quién le quita a Lynda la influencia dejada, esa misma que la ligó de por vida al personaje. Pues si en algo se equivocaba aquella muchacha de la azotea era en que sus problemas, cualesquiera fuesen, se solucionaban saltando al vacío, pero no en que Lynda Carter era Wonder Woman. Y lo sigue siendo, por mucho que amemos a Gal…
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Crónicas de Excálibur Integral. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Crónicas de Excálibur Integral, el comienzo de las leyendas artúricas
Hay obras que te hacen creer en la magia, en los héroes, en el destino… y luego está Crónicas de Excálibur, que además te hace creer que deberías haber prestado más atención en clase de historia medieval, porque entre tanto Merlín, Morgana y traición palaciega uno acaba pensando que Camelot era una mezcla de Juego de Tronos y cualquier película de acción contemporánea.
Yermo Ediciones ha tenido el buen gusto (y el olfato del que sabe lo que el público quiere) de publicar Crónicas de Excalibur Integral, una edición tan bonita que dan ganas de colocarla en una vitrina, invocar un hechizo y gritar “¡Por Avalon!”.
Este integral recoge la saga completa escrita por Jean-Luc Istin e ilustrada magistralmente por Alain Brion, una pareja creativa que convierte las leyendas artúricas en algo que no solo suena a mito, sino que se ve, que se desarrolla como una tragedia épica.
De Avalón con amor (y sangre)
Olvida la imagen del Arturo bonachón de Disney o del Sean Connery sabio de los noventa. Aquí el rey Arturo es sustituido por su padre, Uther Pendragon, un tipo marcado por la guerra, por las mentiras y por un destino que parece disfrutar jodiéndole la vida.
Y si a eso le sumas a Merlín haciendo de “padre espiritual con secretos oscuros” y a Morgana como una mezcla entre femme fatale y manipuladora profesional, lo que tienes es una telenovela medieval con espadas y profecías.
La historia se atreve a reinterpretar el mito artúrico desde el principio, desde la generación anterior a Arturo con una crudeza que haría sonrojar a los bardos clásicos. Aquí no hay brillo ni justas festivas, hay traiciones, amores imposibles y una sensación constante de que todo va a salir mal. La profecía del oso al principio del cómic ya te va dando pistas.
Istin y Brion: los Merlín del cómic europeo
Jean-Luc Istin, al que muchos conoceréis por obras como Elfos o West Fantasy, vuelve a demostrar que nadie maneja el tono épico-fantástico como él. Su guion combina un respeto absoluto por la leyenda con un ritmo narrativo cinematográfico: no hay páginas de relleno, no hay discursos vacíos, todo suena a destino y tragedia.
Y luego está Brion, el artista que ha decidido que los paisajes británicos deben parecer salidos de un sueño húmedo de Tolkien. Sus pinceladas dan textura al mito, las ruinas huelen a humedad, las batallas parecen coreografiadas por Ridley Scott, y cada rostro esculpe una emoción que podrías tocar con los dedos.
El resultado es visualmente hipnótico. Si esto no te convence de que el cómic europeo sigue siendo el rey de la ambientación y la atmósfera, no sé qué lo hará.
Magia, destino y una buena dosis de fatalismo
La fuerza de Crónicas de Excalibur no está solo en la épica, sino en su capacidad para humanizar la leyenda.
Aquí Arturo no es el elegido que saca la espada del lago y vive feliz para siempre, aquí la persona atormentada en Uther, su padre.
Merlín, más que un sabio, parece un político frustrado. Morgana, un alma herida que encuentra consuelo en la venganza. Y Lancelot… bueno, digamos que sigue demostrando que el triángulo amoroso más famoso del medievo nunca pasa de moda.
El cómic te arrastra sin piedad ya que lo empiezas por curiosidad y lo acabas con el corazón encogido. Porque, sí, ya sabes cómo acaba la historia, pero Istin consigue que duela igual.
La edición de Yermo es digna del mismísimo Merlín
Como siempre, Yermo se ha lucido. Este integral no es solo una recopilación, es una joya editorial. Tapa dura, papel de calidad y una reproducción impecable de los colores originales. Es el tipo de volumen que te hace sentir que tienes algo importante entre las manos.
Yermo no solo rescata el cómic, sino que le da el tratamiento que merece: un homenaje a una de las mejores reinterpretaciones del mito artúrico en la bande dessinée moderna.
En resumen
Crónicas de Excálibur Integral es de esas lecturas que te reconcilian con el cómic europeo. Es intensa, bella, trágica y profundamente humana. Una epopeya sobre el poder, el amor y el precio de la gloria.
Si te gustan las historias con espadas, magia, pasiones imposibles y dilemas morales más afilados que Excálibur, este integral es para ti.
Merlín, un viejo druida visionario… pero no infalible. Uther Pendragón, un muchacho joven y fuerte que debe aprender a convertirse en un rey de verdad. Igraine, una mujer consumida por sus convicciones religiosas. Gorlois, un hombre sádico y perverso, esclavo de Dios y verdugo de su propia esposa. Y Morgana, una niña adorable capaz de ver cosas que nadie más puede ver, ni siquiera Merlín… una niña que sufre por el hecho de saber que llegará a ser el epítome del mal.
Jean-Luc Istin y Alain Brion narran en este integral el origen de las sagas artúricas, desarrollando un verdadero juego de tronos alrededor de la generación anterior a los legendarios Arturo Pendragón y Lanzarote del Lago, y dando una dimensión histórica y mítica a los grandes personajes de estos mitos medievales.
Durante el verano de 1816 – conocido como el «año sin verano» por los efectos climáticos adversos causados un año antes por la erupción del volcán Tambora (Indonesia) -, un particular grupo de aristócratas ingleses pasaba sus días de vacaciones en la elegante mansión Villa Deodati cerca de Ginebra (Suiza). El célebre escritor Lord Byron, su médico y secretario John Polidori, el poeta Percy B. Shelley, su amante del momento Mary Godwin y la hermanastra de esta, Claire Clairmont.
Confinados por la lluvia, durante una noche de tertulia, Byron propuso el estimulante pasatiempo de que cada uno de ellos escribiese una historia de terror. Este juego dio a luz dos obras maestras del género: El vampirode John Polidori -antecedente de Drácula– y la que hoy nos atañe,Frankenstein o el moderno Prometeode Mary -en aquel momento Goldwin- Shelley, que tan solo tenía diecinueve años y era la primera vez que se enfrentaba al desafío de la creación literaria. En 1818 publicó la historia como novela pero sin su nombre, y sería en 1931 cuando la obra definitiva, que ha llegado a nuestro tiempo, vería la luz.
Quizás haya sido el influjo de la filosofía gracias a su padre William Godwin, reputado pensador que organizaba tertulias intelectuales en su casa a la que su hija asistía; o su incesante curiosidad acerca de la vida y la muerte, o el gusto por el terror gótico y la fascinación por los avances científicos de la época, en particular los ligados a la electricidad –Luigi Galvani, padre del galvanismo, consiguió mover las patas de una rana mediante descargas eléctricas-; así como una pesadilla que tuvo sobre un hombre que cobraba vida por obra de un motor poderoso; como fuese, allí estaban los elementos que estimularían la creación de tan compleja obra.
La novela trata sobre un científico suizo, el Doctor Victor Frankenstein y cómo, tras asistir a varias clases de un profesor que explica los nuevos avances científicos en la universidad, decide ir más allá desafiando los límites de la vida y la muerte. Tras estudiar detalladamente la anatomía animal y humana, descubre la manera de insuflar vida en un cuerpo inerte, por lo que arma uno con distintas partes de cadáveres robados y pone en práctica su experimento. Al ver que el monstruo cobra vida, Frankenstein huye horrorizado para descubrir, en su regreso, que la creación se ha marchado.
Esta original historia que versa sobre el hombre que juega a ser Dios, la soledad, la hostilidad del ser humano, el conocimiento empírico y la brecha entre creador y creado -totalmente visionaria respecto a las nuevas tecnologías-, ha dado lugar dos siglos después -uno desde que se inventó el cine- a decenas de adaptaciones cinematográficas de toda clase. Desde su primera versión, un cortometraje de diez minutos en cine mudo, Frankenstein (1910, J. Searle Dawley); hasta la nueva película de Guillermo del Toro con Jacob Elordi como la criatura y Oscar Isaac como el doctor Frankenstein (2025); pasando por versiones japonesas –Frankenstein Conquers the World (1965)-, españolas –La maldición de Frankenstein(1972)-, mexicanas –Santo y Blue Demon contra Frankenstein (1973)- u holandesas –Frankenstein´s Army (2013)-.
Después de una rica introducción sobre los orígenes de la criatura y para abrir apetito con el estreno de la versión de Del Toro, voy a repasar brevemente las cinco mejores y más importantes adaptaciones que se han llevado a la gran pantalla de la historia de Mary Shelley en orden cronológico.
El doctor Frankenstein es la primera película sonora que adaptó la obra de Mary Shelley, aunque en realidad no se basa directamente en la novela sino en la obra de teatro homónima de Peggy Welbing estrenada en 1927. Tras el éxito de Drácula (1931) de Tod Browning -también basada en una obra teatral-, Universal Studios decidió seguir llevando a la pantalla versiones cinematográficas de conocidos relatos de terror, y Frankenstein fue la segunda.
Antes de la versión definitiva, el productor del estudio Carl Laemmle Jr. dio el visto bueno para rodar una versión de prueba -la secuencia de «la creación»- con Bela Lugosi como la criatura y guion de Robert Florey y Garrett Fort -guionista de Drácula-, dirigida por el mismo Florey. Finalmente, Laemmle cedió la dirección al incipiente realizador británico James Whale, que sustituyó a Lugosi al no considerarlo apto para el papel -hay fuentes que mencionan que el propio actor lo rechazó al verse irreconocible- por un mítico Boris Karloff que había cautivado al director con su pequeño papel en la película de Howard Hawks El código penal (1931).
No obstante, sin ser la definitiva, la protoversión de Florey instaló algunos de los elementos esenciales para la película de Whale como la criatura muda o el desenlace en el molino en llamas. El director inglés, que había firmado un contrato de cinco años con Universal tras su ópera prima Journey´s End(1930), dirigió un auténtico éxito para la taquilla afianzando su relación con la productora. El doctor Frankenstein recaudó cinco millones de dólares -hasta 12 apuntan fuentes- con un presupuesto de 291 mil, por lo que Laemmle se animó a producir una secuela: La novia de Frankenstein (1935), en la que Whale tuvo total libertad.
La «primera gran película de Frankenstein» sintetiza la complejidad existencial que propone Shelley en apenas una hora de duración, valiéndose de una sólida puesta en escena de aroma expresionista -Whale vio algunas películas alemanas de la vanguardia para tomar inspiración-. Aunque dista mucho en algunos aspectos de la novela original (principalmente en una conclusión en la que, en vez de el monstruo doblegar a su creador, perece sufriendo fruto de una sociedad enferma que demoniza lo que no comprende), reúne a la perfección sus conceptos clave como el aprendizaje del bien y el mal, la hipocresía burguesa o la crueldad humana; por mucho que en esta versión se intente hacer empatizar con el doctor.
Los magníficos decorados y nivel de detalle en la creación de la atmósfera son un gran acierto que impulsa el éxito de la película, pues en su línea casi expresionista el entorno y su planificación juegan un papel fundamental para introducir a la pesadilla del mad doctor Frankenstein. En definitiva, El doctor Frankenstein es la película sobre la novela de Shelley que más importancia ha tenido, estableciendo en el imaginario colectivo la imagen de una de las criaturas más queridas del cine fantástico que sería tomada como referencia -el particular maquillaje- a lo largo de la historia.
La secuencia del ahogamiento de la niña y, sobre todo su anterior imagen del monstruo, la pequeña y las flores a orillas del estanque, es una de esas fotografías que encierra en sí misma todo lo que el cine significa, tal y como reflejaría Víctor Erice en su obra maestra El espíritu de la colmena (1973). Como dato curioso que Universal remediaría en la secuela, ¡se les olvidó mencionar en los créditos a Mary Shelley!
En 1935, y pese a los éxitos anteriores de la compañía, Universal se encontraba en apuros económicos, y Carl Laemmle Junior anunció que solo producirían siete películas ese año. Entre ellas destacaba la continuación de la exitosa El doctor Frankenstein, para la que el productor quería al director alemán Kurt Neumann, pero James Whale se impuso y Laemmle le permitió dirigirla a él debido al éxito de su predecesora.
Después de una serie de tratamientos de guion ridículos por parte de guionistas com L. G. Blechman o Philip MacDonald, John L. Balderston -quien había llevado al teatro la novela en 1931- y el dramaturgo William Hurlbut escribieron la versión que serviría de base para la película, aunque finalmente el guion definitivo fuera una reescritura exhaustiva a manos del propio Whale junto a Hurlbut. A pesar de las enormes trabas de censura de la Administración del Código de Producción encabezada por el periodista católico Joseph Breen, La novia de Frankenstein, rodada en cuarenta y seis días con 400 mil dólares de presupuesto; pudo ver la luz.
La novia de Frankenstein arranca con el insólito y mítico prólogo que sitúa en la escena a Lord Byron (Gavin Gordon), Percy Shelley (Douglas Walton) y Mary Shelley (Elsa Lanchester) teniendo una conversación sobre la historia narrada en la anterior película y la necesidad de una continuación, por lo que la escritora se dispone a contarles la acción que transcurrirá durante la siguiente hora de película, que sitúa a la criatura en el momento exacto en que terminó la de 1931: la criatura se descubre viva bajo el molino en llamas.
A partir de aquí, el argumento se desarrolla con una fidelidad a la novela de Shelley casi mayor que su propia adaptación directa pese a ser una invención de Universal.
Whale reúne en esta secuela algunos de los elementos de la novela original como el pasaje del anciano ciego en la casa del bosque y sus enseñanzas, así como la pastora, a la que salva de ahogarse en un posible aprendizaje respecto a la niña ahogada en la anterior. En general, establece un arco de aprendizaje del entorno y la condición humana mucho más profundo que el que pudiera apuntar con El doctor Frankenstein. Así como enfrenta a Henry Frankenstein a su versión más oscura, el estupendo doctor Pretorious (Ernest Thesiger), obcecado en construir la versión femenina de la criatura, una novia para ella.
La escena en que el mad doctor expone a un espantado Henry sus homúnculos, escenificados vía admirables efectos especiales, es sublime. Frankenstein se topa por primera vez con una mente mucho más «perturbada» que la suya.
La conclusión del relato, en el que Frankenstein aprende incluso a hablar, lleva a la creación -mediante el mismo método que utilizaron con el masculino, incluso mejor escenificado- de «la novia». Una imagen mítica pese a solo aparecer unos minutos en pantalla la de la criatura interpretada por Elsa Lanchester -misma que encarnaba a Mary Shelley en el prólogo- con el pelo negro y una franja blanca por la electricidad. El giro de los acontecimientos llega cuando al ver al ser protagonista no puede hacer otra cosa que gritar y apartar la mirada por su fealdad. Curiosamente en ella reside una belleza, quizá relativa a la feminidad, que es inalcanzable para el monstruo.
Como indica acertadamente José María Latorre: «esta es una historia de perdedores».
La productora británica fundada en 1934 Hammer Films, produjo en 1955 la película de ciencia ficción y terror El experimento del doctor Quatermass, que se convirtió en su mayor éxito hasta el momento. Anthony Hinds -hijo de William Hinds, cofundador de la compañía- junto al guionista Jimmy Sangster, impulsados por el abrumador triunfo de la cinta de género y su pasión por la literatura gótica inglesa, decidieron llevar a la gran pantalla su propia versión de la novela de Mary Shelley. El productor afirmó que sería una versión mucho más truculenta que cualquiera de las producidas por Universal.
La Hammer debía al director británico Terence Fisher la dirección de una película por contrato, por lo que asumió el puesto con gusto. Poco después fueron contratados los dos actores principales: Christopher Lee -la criatura- y Peter Cushing -Victor Frankenstein-, pasando a convertirse en dos leyendas del cine fantástico e inseparables de las producciones de la Hammer.
El guion fue escrito en primera instancia por los americanos Milton Subotsky y Max J. Rosenberg, pero Hinds lo consideró un fiasco por aburrido y demasiado similar a la obra original de la Universal, razón por la cual el propio Jimmy Sangster se encargaría de escribirlo. Como dato curioso, Subotsky y Rosenberg fundarían a mediados de los 60 Amicus Productions que, con títulos como El asilo del terror(1972) o Doctor Terror(1965), se convirtieron en la principal competencia de Hammer Films. Incluso compartían actores y equipo técnico. Pareciera una venganza por la desestimación de su guion para Frankenstein.
La maldición de Frankenstein se convirtió en la primera película de terror a color del cine británico y reunió a los técnicos e intérpretes que formarían equipo durante los años de éxito de Hammer Films, asentada en el cine de terror y fantástico desde el absoluto triunfo internacional de la cinta.
Una de las variaciones más vistosas -aunque no fundamentales- respecto a las películas de Universal fue el cambio de maquillaje de la criatura. Aunque los derechos de la novela estaban libres, a la hora de producir la película tuvieron cierta presión legal por parte de la productora estadounidense en relación al maquillaje original de Jack Pierce, por lo que Philip Leackey -hay fuentes que mencionan a Roy Ashton- diseñó el que acabaría viendo la luz y que, curiosamente, se asemeja más al planteado por Shelley que el de Universal.
El mayor acierto de la cinta de Fisher es la absoluta transformación de la narración respecto a las anteriores versiones mediante la focalización en el doctor Victor Frankenstein. La película comienza con la visita de un sacerdote al científico que, encarcelado por asesinato, se dispone a narrarle cómo ha llegado hasta ahí. Un enorme flashback atraviesa la pantalla para exponer todos los pasos que, incluso desde su niñez, llevaron al doctor a construir la criatura y acabar en prisión. El cinismo de Sangster a la pluma se hace visible al enfrentar al cuestionable Victor contra la figura de la Iglesia, y por ende la moral social absoluta.
Quizá la línea argumental más interesante e importante del filme es la relación y/o enfrentamiento entre el doctor y su maestro desde infante Paul Krempe (Robert Urquhart), pues ambos luchan tratando de vencer a la muerte pero divergen en determinado punto moral destruyendo la gran amistad que venía construyéndose durante la película. Fruto de la brecha de clase, cada uno observa el resultado del experimento desde un prisma diferente: mientras que Krempe cree estar a punto de descubrir una fórmula para acabar con el dolor y la muerte en el mundo, el mad doctor no contempla sino una manera de demostrar su valía y poder.
Una sutil y punzante crítica sobre la hipocresía burguesa apuntalada por un Technicolor brillante que hace más vívida y voraz la película.
A principios de los años 70, durante el rodaje de Sillas de montar calientes (1974), su director Mel Brooks se enteró de la idea de un guion que el actor protagonista Gene Wilder tenía en mente y estaba escribiendo. Se trataba de una revisión de la historia de Frankenstein en la que un científico descendiente del doctor no cree en las tonterías de su pariente sobre revivir muertos, pero la locura es algo de familia y algo hará que despierte en él tarde o temprano. A Brooks le fascinó la idea y más aún que su amigo quisiera que la escribiera junto a él y la dirigiera.
Noche tras noche desde entonces, al terminar las sesiones de montaje de su película, los cineastas se encerraban en la habitación del hotel a ver las películas de Universal sobre Frankenstein y completar la escritura de su obra.
Una vez el guion estuvo terminado, Gene Wilder, Mel Brooks y el productor Michael Gruskoff se dirigieron a las oficinas de Columbia Pictures para vender un proyecto presupuestado en dos millones. La negociación fue bien hasta que mencionaron la intención de filmar la película en blanco y negro para captar el aroma de las cintas homenajeadas de los años 30. Después del fracaso en Columbia, el ejecutivo de Twentieth Century Fox Alan Ladd Jr. -que era amigo de Mike, e hijo del actor Alan Ladd– accedió a financiar con 2,4 millones de dólares su película en blanco y negro.
El jovencito Frankenstein ocupa un puesto en este artículo de manera un poco extraña, no sé si advenediza, puesto que no se trata de una fiel adaptación ni mucho menos de la novela de Mary Shelley. Es más bien una sátira con todas las letras sobre las películas de terror de la Universal y, especialmente, las dirigidas por James Whale sobre la criatura. Pero tuvo un gran impacto y hoy es considerada una de las grandes comedias de la historia del cine, así que creo que merece estar aquí.
La idea paródica y el absoluto ingenio humorístico de Brooks y Wilder dan lugar a una serie de momentos memorables y, sobre todo, unos personajes extravagantes y magníficos. El jorobado Igor (Marty Feldman), el mad doctor «Fronkonsteen» (el propio Gene Wilder), el inspector alemán chiflado Kemp (Kenneth Mars) o la maravillosa criatura con descomunal miembro viril (Peter Boyle) -un gag recurrido en la segunda mitad, que en ocasiones se siente demasiado vulgar-. ¡Incluso un cameo del gran Gene Hackman como el ciego de la cabaña!
El impacto cómico de momentos concretos se siente mayor que el conjunto de la cinta. Una secuencia magnífica es la de la criatura y la niña de las flores, en la que se juega un inteligentísimo homenaje a El doctor Frankenstein (1931) cuando, pensando en qué más arrojar al agua que pueda flotar, el monstruo mira a cámara y un corte nos lleva a otra escena, pues ya sabemos lo que va a suceder. La escenografía y el laboratorio reciclado de las películas de Whale que el equipo de la película recuperó del garaje de Kenneth Strickfaden -diseñador de los escenarios originales de Universal- hacen que la cinta se desenvuelva en un ambiente pesadillesco al tiempo que divertido.
El jovencito Frankenstein se estrenó estratégicamente unos meses después del absoluto éxito de Sillas de montar calientes y se convirtió en el segundo triunfo en taquilla de Mel Brooks ese año. Además, ayudó a encumbrar a la Fox, que dio luz verde a centenares de películas a raíz de esta.
El éxito, dos años antes, de Drácula de Bram Stoker(1992), adaptación de la conocida obra literaria a manos de Francis Ford Coppola, llevó al director italoamericano a querer explotar su potencial y adoptó el rol de productor para llevar a la gran pantalla otro de los grandes mitos de la literatura fantástica: Frankenstein. Por aquel entonces, Kenneth Branagh, joven británico con una amplia formación en el teatro, había filmado cuatro películas en cinco años -Enrique V (1989), Morir todavía (1991), Los amigos de Peter (1992) y Mucho ruido y pocas nueces (1993)- y contaba con gran respaldo del público y crítica. Llegaron a compararle con Orson Welles por su audacia y desempeño a tan pronta edad.
La productora TriStar Pictures, a través de Coppola, escogió a Branagh para dirigir la adaptación de la novela de Mary Shelley y armó el reparto de unos intérpretes inigualables: Robert De Niro como la criatura, Helena Bonham Carter como Elizabeth Lavenza, John Cleese como Doctor Waldman, Ian Holm como el Baron Alphonse y el propio Branagh como Victor Frankenstein.
Se ha hablado mucho sobre la traición a Bram Stoker por parte de Coppola y el guionista James V. Hart al inundar su adaptación de un romanticismo exacerbado. En esta segunda parte del díptico, los guionistas Frank Darabont y Steph Lady conservan el tono de la novela original y, sobre todo, el interesantísimo duelo entre racionalismo ilustrado y romanticismo. Branagh establece un imaginario particularísimo a través de una cuidada puesta en escena en que todo se siente exuberante y exaltado, incluso excesivo; llevando al público a una división generalizada de opiniones. O la amas o la odias. Yo no mantengo ninguna de las dos posiciones.
«Frankenstein de Mary Shelley es, en definitiva, cine literario» apuntan Fernández Valentí y Antonio José Navarro en Frankenstein: el mito de la vida artificial (2000), pues la versión de Kenneth Branagh atiende, más que a la construcción de una cinta fantástica y terrorífica como lo fueran las de Universal y Hammer, a la transcripción más fidedigna del romanticismo implícito de la obra de Shelley.
El actor y director británico, un hombre de teatro habituado a filmar obras de Shakespeare, utiliza su conocimiento artístico mixto para dotar de una importancia superior a la escenografía e interpretaciones del elenco y confiere a la narración una atmósfera de irrealidad bastante acorde al relato. Los personajes llegan incluso a narrar en voz alta sus pensamientos. Una suerte de teatro fílmico que, no obstante, no se siente fuera de lugar. El resultado fue un moderado fracaso en taquilla, aunque en cierta forma sirvió para revitalizar el mito de Frankenstein, que llevaba un par de décadas -desde las películas de la Hammer- de capa caída.
Si has llegado hasta aquí, espero que disfrutes de la última versión de la criatura en la gran pantalla: Frankenstein (2025) de Guillermo del Toro; o que veas o vuelvas a ver las míticas películas de las que he hablado en este artículo. ¡Larga vida a Frankenstein!
Gracias por leerme e ¡id al cine!
Sed felices.
Bibliografía:
Memba, J. (2004). El cine de terror de la Universal. T & B Editores.
Valentí, T. F., & Navarro, A. J. (2000). Frankenstein: el mito de la vida artificial. Nuer Ediciones.
Payán, M. J. (2006). Diccionario ilustrado del cine de terror. Ohara Pub.
Queralt, M. P. (2024, 11 marzo). Frankenstein, 1816: el año que nació un monstruo. Historia National Geographic. https://historia.nationalgeographic.com.es/a/frankenstein-1816-ano-que-nacio-monstruo_11248
Angelica.Perez, & Angelica.Perez. (2018, 15 enero). Cómo Frankenstein surgió de la vida de Mary Shelley. Noticias de la Universidad de Playa Ancha. https://www.upla.cl/noticias/2018/01/13/como-frankenstein-surgio-de-la-vida-de-mary-shelley/
Manguel, A. (2006). La novia de Frankenstein. Gedisa Editorial.
Corral, J. M. (2003b). Hammer: la casa del terror. CALAMAR EDICIONES.
Gutiérrez, P. (2004). Terence Fisher. Quatermass, 6. Antología del cine fantástico británico.
Jfadelucas. (2015, 17 enero). Frankenstein de Mary Shelley, 20 años de un delirio incomprendido – Culturamas. Culturamas. https://www.culturamas.es/2015/01/17/frankenstein-de-mary-shelley-20-anos-de-un-delirio-incomprendido/
Cultura, C. (2023, 17 marzo). Así rodó Mel Brooks ‘El jovencito Frankenstein’, con poco dinero y muchos pañuelos en la boca para no reírse. elconfidencial.com. https://www.elconfidencial.com/cultura/2023-03-17/el-jovencito-frankestein_3594305/
¿Recuerdas las reglas, verdad? Warner Bros. ha anunciado que la tercera película de Gremlins (Gremlins 3 por ahora sin título) sigue adelante oficialmente, con Steven Spielberg de vuelta como productor y Chris Columbus como director.
Llevamos años oyendo rumores sobre Gremlins 3 pero, con tantos altibajos, los fans habían perdido casi toda esperanza de volver a ver a Gizmo y a sus no tan adorables amigos en la gran pantalla.
Ahora, Warner Bros. (a través de FearHQ.com) ha anunciado finalmente que Gremlins 3 está oficialmente en desarrollo y llegará a los cines el 19 de noviembre de 2027.
Steven Spielberg volverá como productor ejecutivo y el guionista de la película original, Chris Columbus, se encargará de la dirección. Zach Lipovsky y Adam B. Stein, el dúo responsable de Destino final: lazos de sangre, escribirán el guion junto con Columbus.
No se sabe si alguno de los miembros del reparto original volverá, pero creemos que es muy probable que la tercera entrega se centre en un grupo de personajes completamente nuevo.
«Me siento lleno de inspiración y pasión al embarcarme en esta aventura cinematográfica»,
«Es un honor reunirme de nuevo con Steven Spielberg y Warner Bros. para llevar este último capítulo de Gremlins a una nueva generación de cinéfilos que podrán disfrutar de todas las emociones de esta gran aventura en la gran pantalla».
«Pocos títulos son tan queridos e icónicos como Gremlins, y estamos más que emocionados de traerlo de vuelta tanto para los fans de toda la vida como para una nueva generación»,
dijo Jesse Ehrman, presidente de desarrollo y producción de Warner.
«Es un privilegio trabajar junto a Steven (Spielberg), Chris (Columbus) y todo el equipo creativo, y esperamos que el público pueda disfrutar de la magia, el caos y el corazón de Gremlins en la gran pantalla en 2027».
Gremlins, de Joe Dante (aquí retro-análisis), se estrenó en 1984 y se ha convertido en un fenómeno de la cultura popular. La película, una comedia de terror bastante oscura ambientada en Navidad, presentó a Gizmo, una simpática criatura conocida como Mogwai que es capaz de engendrar feroces monstruos verdes si no se siguen tres reglas muy específicas: nunca mojarlo, nunca exponerlo a la luz brillante (la luz del sol lo matará) y nunca darle de comer después de medianoche.
La directora Alauda Ruíz de Azúa ya dio que hablar tanto con el drama familiar Cinco lobitos como, sobre todo, con la impactante miniserie Querer, en la que se abordaba la violación dentro del matrimonio. Ahora ha estrenado Los domingos, película que ha arrasado entre la crítica (ganó la Concha de oro en el festival de San Sebastián) y ha provocado todo tipo de reacciones en el público por lo llamativo de su trama, obteniendo un merecido éxito de taquilla.
Los domingos se centra en Ainara, una estudiante de 17 años que vive en casa con un padre dedicado a su trabajo y a su nueva pareja tras el fallecimiento de su madre; dos hermanas pequeñas a las que cuida y su abuela. Para sorpresa de su familia, incluida su tía paterna Maite, Ainara anuncia que se está planteando entrar en un convento como monja de clausura.
Ya hemos hablado de las obras de Alauda Ruiz de Azúa que merecen la pena (tiene una película en Netflix, Eres tú, que no es muy allá), así que nos centraremos en su estilo. Como Carla Simón (Verano 1993, Alcarrás) o Pilar Palomero (Los destellos), la directora tiene un enfoque plenamente naturalista. Buscan encontrar la chispa oculta en la realidad a través de una puesta en escena invisible, actores con interpretaciones realistas y, en general, tramas intimistas.
Esto era lo que esperaba de Los domingos. Pero una película no es solo lo que cuenta y como lo cuenta, sino también la reacción que busca despertar en el espectador. Por eso recomendar una película va mucho más allá de contar su argumento.
En el caso de Los domingos, lo que más destaca es la marcada equidistancia que establece Alauda Ruiz de Azúa entre sus distintos personajes. Lo que es complicado, que hablamos de una directora que no se considera creyente.
Así, Ainara es una chica de 17 años con los conflictos inherentes a su edad. Echa de menos a su madre y se lleva bien con su padre, salvo cuando entra en escena la nueva pareja de este. Es inteligente, dulce y sale con sus amigos. Pero quiere llevar su fe un paso más allá.
Esencialmente, Ainara descoloca a toda su familia por ser una persona al borde de la mayoría de edad que toma una decisión consciente y libremente. Otra cosa es que no comulguemos (nunca mejor dicho) con que el motivo de dicho camino sea la fe religiosa.
Frente a esta decisión, la familia se posiciona entre la pasividad de un padre que no sabemos si se debe a que quiere que su hija sea feliz o a que le incomoda su presencia en una casa próximamente ocupada por una nueva pareja; y la beligerancia de su tía, incapaz de aceptar tanto que su sobrina se va a convertir en una monja de clausura como que la joven tiene las cosas más claras que ella misma con su propia vida familiar.
No esperéis ninguna respuesta fácil. No existe ningún trauma o conflicto mostrado que pueda justificar una motivación así. Si acaso, solo pueden surgir distintas hipótesis para justificar una decisión en la que realmente no importa la causa, sino la consecuencia.
Así, la directora desparrama una gran cantidad de preguntas que resonarán en la mente de tal o cual persona. Habrá qente que empatice más con la tía de Ainara. Otros, con su padre. Muchos mostrarán repulsión por la rutina de las monjas del monasterio. Otros admirarán la entereza de las mujeres de la congregación. Por supuesto, nos haremos preguntas sobre el papel del catolicismo en la raigambre cultural de nuestro país. Sobre si la sociedad actual, con sus prisas y caos, justifica que una joven quiera vivir a un ritmo contemplativo. Y claro, nos haremos preguntas sobre la fe, ese gran misterio que ha movido, para bien o para mal, la vida de millones de personas.
Es una película destinada a remover conciencias sin estamparte un panfleto en la cara. De hecho, sorprende que las escasas críticas negativas que ha recibido la película no se centren en la calidad inherente de esta, sino en que, al no tomar partido la directora, consideran que Los domingos se decanta tácitamente por la Iglesia católica.
Lo que me parece un soberano error. El abordaje de la fe es un contenido que siempre va a generar polarización y distintas reacciones a según qué espectador, pero Los domingos habla de como tomar una decisión firme e individual puede hacer temblar al sistema relacional que ha sustentado la sociedad occidental: la familia.
En definitiva, Los domingos es una película fascinante destinada a agitar nuestra coctelera, a hacernos preguntas sobre lo absoluto de nuestros pensamientos y valores. Los domingos, con su drama familia realista y sencillo, nos hace pensar. Y el solo hecho de que no nos tome por tontos es un motivo más para que se trate de una de las mejores películas de 2025.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos el tráiler final de la adaptación de Frankenstein, que ha realizado Guillermo del Toro para Netflix.
Trailer final del Frankenstein de Guillermo del Toro.
Mi amigo y compañero Rodolfo Del Bene, ya nos anunció el tráiler oficial justo antes del inicio del verano AQUÍ.
El esperado proyecto personal de Guillermo del Toro, Frankenstein, ya tiene tráiler final y confirma lo que muchos intuían: estamos ante una de las películas más ambiciosas y emotivas del cineasta mexicano.
Con estreno previsto en Netflix el próximo 7 de noviembre, el avance revela una reinterpretación gótica, desgarradora y profundamente humana del clásico de Mary Shelley.
Guillermo Del Toro, ganador del Óscar por La forma del agua, lleva décadas soñando con esta adaptación.
En sus propias palabras, la novela de Shelley es “una Biblia emocional” que ha marcado su vida creativa.
Ahora, con un reparto estelar encabezado por Oscar Isaac como Victor Frankenstein, Jacob Elordi como la Criatura y Mia Goth como Elizabeth Lavenza, el director nos invita a mirar de frente al monstruo… y a nosotros mismos.
El tráiler final.
Con esta adaptación, Guillermo Del Toro vuelve a sumergirse en su universo de criaturas incomprendidas, donde el horror convive con la ternura y la tragedia.
Frankenstein promete ser una obra monumental, tanto en lo visual como en lo emocional, y el tráiler final es solo el primer latido de una historia que, como su criatura, está hecha de retazos humanos y preguntas sin respuesta.
La Momia regresa. Se ha rumoreado durante un tiempo, pero finalmente podemos confirmar que Brendan Fraser (La ballena) y Rachel Weisz (Viuda negra) están en conversaciones para protagonizar una nueva película de La Momia, la cuarta de la franquicia.
Deadline (a través de FearHQ.com) ha revelado que Universal Pictures está en conversaciones con Brendan Fraser y Rachel Weisz para resucitar la franquicia de La Momia de los años 90 y 2000. Los actores repetirán sus papeles como Rick O’Connell y Evelyn O’Connell, respectivamente.
Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, los directores de Scream y Abigail dirigirán la película a partir de un guión de David Coggeshall (La liberación).
Los detalles de la trama se mantienen en secreto, por el momento. En cuanto tengamos más información la haremos llegar. Han habido rumores en el pasado de que Fraser podría regresar para encabezar otra película de La Momia, mientras que también hemos escuchado conversaciones sobre Dwayne «La Roca» Johnson repitiendo su papel como el Rey Escorpión en un proyecto futuro. ¿Esto tiene cabida a día de hoy?
Hay que recordar que Fraser y Weisz compartieron la pantalla en dos películas de La momia, La momia de 1999 y El regreso de la momia de 2001. Stephen Sommers fue el director, y ambas cintas recaudaron más de 400 millones de dólares en todo el mundo (ajustado por inflación, hablamos de algo menos de 800 millones cada una).
Las películas fueron tan populares que tuvieron atracciones en parques temáticos además de un spin-off en el cine del Rey Escorpión. También hay que recordar que hubo una tercera, entrega titulada La momia: la tumba del emperador Dragón de Rob Cohen en 2008. Esta película fue otro éxito de recaudación con 403 millones, aunque años después de las primeras partes, por lo que el dinero recaudado con la inflación fue menor. Y todo esto a pesar de que Brendan Fraser protagonizó la secuela sin Rachel Weisz.
A partir de ahí, la franquicia quedó en el limbo hasta un reinicio de 2017, La momia, protagonizada por Tom Cruise. Se suponía que esta cinta iba a encabezar el universo Dark Universe de Universal, con otros monstruos de la productora tipo Drácula o el Hombre Lobo. El problema es que esta nueva entrega fue un fracaso entre los seguidores y los críticos, y el Dark Universe se fue al carajo. La cinta recaudó 409 millones, pero no es lo mismo 400 millones en 1999 (todo un éxito), en 2008 (que ya fue más justa la ganancia), o en 2017, que se consideró un fracaso.
«Volver a la franquicia de La momia tiene mucho sentido para Universal, dada la verdadera ola de nostalgia milenial por todo lo relacionado con Fraser y sus películas de La momia, en particular. Este fandom incorporado sería una ventaja en un momento en que al estudio le ha ido mal en la taquilla con sus intentos de películas modernas de monstruos, incluida Abigail».
Bienvenido un mes más a vuestra sección preferida. Como todos los meses, os dejamos dos cómics recomendados por crítico que salen a la venta este mes en España. Espero que os puedan sacar alguna duda y podamos guiarlos con alguna joya. También os recuerdo que es nuestra opinión personal y puede no coincidir con la vuestra. Allá vamos con La lista de la compra del mes de noviembre de 2025.
Juanjo Avilés
1. That Texas Blood 1. Planeta. 20 euros. El guionista Chris Condon y el dibujante Jacob Phillips (hijo de Sean Phillips) presentan este Neo-Western que comienza cuando la búsqueda para recuperar un cazo de su mujer conduce al Sheriff Joe Bob Coates a una tensa confrontación el día de su 70 cumpleaños, lo que hará que se cuestione su efectividad como sheriff del condado de Ambrose, Texas. La historia que Chirs Condon nos cuenta no es un dechado de originalidad precisamente ya que sus tramas son puramente género negro, con todos los clichés del género, pero precisamente por eso son muy interesantes para los amantes del noir más clásico. En cuanto al dibujo se nota que estamos ante la primera obra de Jacob Phillips, pero el artista apunta maneras sobresaliendo a la hora de trasmitir las emociones del personaje.
2. DC Black Label XL. Superman: Los últimos días de Lex Luthor. Panini. 38 euros. Mark Waid y Bryan Hitch son los encargados de este cómic. ¿Hace falta decir algo más para recomendarlo? Bueno, tal vez que el señor Waid se marca una gran historia que enraiza profundamente en la naturaleza de Superman como el superhéroe más grande de todos. Lex Luthor se muere y solo el Hombre de Acero sería capaz de hacer todo lo posible para salvar al que es su gran enemigo embarcándose en un viaje que le llevará a cada rincón del universo y del tiempo e incluso a otras dimensiones. Y todo con el espectacular dibujo de Bryan Hitch. Palabras mayores.
Mario Losada
Marvel Héroes. El Increíble Hulk de Peter David 6: Fantasmas del futuro. Panini Cómics. 62 euros. Penúltimo tomo del Increíble Hulk de Peter David, justo con la etapa posterior del Panteón. Una gran etapa eclipsada por ser eso, justo la etapa que cerraba su periplo con Gary Frank, pero que para mi es de muy notable calidad. Este tomo tiene a dos grandes dibujantes de la época como Liam Sharpe dando unos matices de terror a las historias y Ángel Medina volviendo al universo superheróico.
2. Transformers. Edición Z Deluxe. Moztros. 45 euros. Bajo la supervisión del maestro Robert Kirkman, el mega autor Daniel Warren Johnson nos abre un nuevo concepto de los Transformers compartiendo mundo con los G.I.Joe. Esta edición de lujo de Moztros engloba los 12 primeros números de la edición americana. Creo que estamos ante una saga palomitera de gran calidad.
DAve Solis
Príncipe Valiente Integral: 1937-1943. Dolmen Editorial. 59,95 euros. Edición integral de Príncipe Valiente que recoge los primeros años de esta legendaria serie de cómic, creada por Harold R. Foster. Se trata de una obra monumental que abarca desde 1937 hasta 1943, justo el periodo en que Foster cimentó su estilo visual y narrativo, convirtiendo a Príncipe Valiente en un referente absoluto del cómic clásico. Esta nueva edición será a gran formato (26x36cm), en tapa dura y 368 páginas en blanco y negro.Más allá de la acción y la fantasía medieval, Príncipe Valiente destaca por sus valores universales: el honor, la justicia, la amistad y el amor. Foster los plasma con un nivel de detalle artístico que sigue inspirando a generaciones de lectores y creadores. Esta edición integral es, en muchos sentidos, una celebración de ese legado.
2. El Prisionero de las Estrellas. cARTEm Cómics. 34,95 euros. Obra mítica de Alfonso Font que combina ciencia ficción con introspección poética. Este volumen recupera una de las historietas más admiradas del cómic europeo, publicada originalmente en los años ochenta y hasta ahora inédita en español en formato integral. La historia sigue a un hombre perdido en el espacio, enfrentado al vacío, a su propia culpa y a la soledad, en una odisea interior que se aleja de la épica galáctica para explorar el alma humana. Alfonso Font, autor monumental que está en activo hoy en día, es conocido por su trazo elegante y narración sobria, ofrece aquí una obra que resuena por su atmósfera densa, silencios expresivos y profundidad emocional. El Prisionero de las Estrellas es ideal para lectores que disfrutan del cómic europeo de autor, con influencias de Moebius, Enki Bilal o Hugo Pratt.
Carlos Trujillo
Animal Man de Jeff Lemire. Integral. Panini Comics. 83,60 euros. Ya puedes disfrutar de la etapa completa de Animal Man a cargo de Jeff Lemire. Un superhéroe diferente y a veces difamado, que en manos del genial artista se convierte en una obra de arte. Buddy es un hombre corriente que tiene la habilidad de adquirir las características de cualquier animal. Un superhéroe que nunca ha estado en primera línea y que, sin embargo, ha tenido guionistas y dibujantes que han realizado algunas de las mejores y más innovadoras historias de los cómics, siendo capaces de dejar una huella perenne en la imaginación de los lectores (como la aclamadísima etapa de Grant Morrison).
Jeff Lemire demuestra su potencial narrativo utilizando la melancolía y la soledad como elementos para el desarrollo de la trama, con personajes dimensionales y llenos de matices. Matices que enriquecen la personalidad del superhéroe volviéndolo vulnerable y humano para que el lector sea capa de identificarse con el protagonista. Está acompañado por varios dibujantes con diferentes estilos como Travel Foreman, Steve Pugh y Rafael Albuquerque (conocido por su exitosa etapa en American Vampire). Un superhéroe diferente al que quizás deberías darle una oportunidad.
2. Sláine: el Dios Cornudo. Edición 35 aniversario. Norma. 52,25 euros. La oportunidad de adquirir un clásico contemporáneo del cómic, que cuenta con un guion magnífico de Pat Mills repleto de humor negro y cinismo, siendo su deslumbrante dibujo obra de Simon Bisley. Un cómic salvaje que abraza la brutalidad para que disfrutes de una aventura dinámica, original y de calidad… como si fuera el hermano ostentoso del mismísimo Conan.
Desde que fuera publicado por primera vez en las páginas del magazine británico 2000 AD, su historia ha logrado traspasar las fronteras de cómic de culto para convertirse en una leyenda del noveno arte. Con un protagonista feroz, salvaje y pendenciero al que adoraras como si fuera un semidios viviente. Una reedición en un formato de lujo que es la oportunidad perfecta para adquirir este fascinante relato de fantasía. Sláine: el Dios Cornudo, es el cómic que todo fan del género de la espada y brujería debería leer.
Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.
Sí, has leído bien. Netflix, la plataforma de “¿quieres seguir viendo?” y los documentales sobre asesinos con gatos, podría estar a punto de hacer lo impensable. Netflix podría comprar Warner Bros y con ello, revivir la Liga de la Justicia de Zack Snyder. O al menos eso dice la rumorología digital, esa fuente inagotable de esperanza y memes que nunca duerme.
¿Te imaginas el multiverso de la locura si esto ocurre? Los fans del Snyderverse saliendo de sus cuevas digitales con pancartas que pone “¡Lo conseguimos!”, y los ejecutivos de Warner llorando en posición fetal sobre una pila de guiones cancelados. Qué apocalipsis fanboy tan maravilloso nos espera.
De la “Snyder Cut” al “Snyder Comeback”
Hay que reconocerlo, si alguien ha sabido vivir una segunda vida, y una tercera, ese es Zack Snyder. Lo enterraron en con La liga de la Justicia (2017), pero como buen superhéroe, resucitó en formato extendido, oscuro y gloriosamente lento con La Liga de la Justicia de Zack Snyder (2021). Cuatro horas de redención que transformaron a un director marginado en un mesías del slow-motion.
Pues bien, ahora el rumor dice que Netflix estaría tanteando comprar Warner Bros, o al menos una parte significativa de su división de entretenimiento, con el objetivo de explotar licencias y, sorpresa, retomar proyectos que Warner abandonó. Sí, entre ellos se encuentra la Liga de la Justicia de Zack Snyder.
Y si eso ocurre, prepárate. Henry Cavill volvería a ponerse la capa (que ahora mismo usa como mantel en su casa), Ben Affleck volvería a gruñir bajo la máscara del hombre murciélago, y hasta Ezra Miller podría intentar volver… volver… volver a ser un actor de verdad y dejarse de fiestas psicodélicas.
Ahí está la madre del cordero. Netflix es rica, sí, pero comprar Warner Bros no es como pedir pizza por la aplicación. Hablamos de una compañía con deuda, patrimonio, derechos y un catálogo que incluye desde los Looney Tunes hasta Matrix.
La operación sería un monstruo financiero, pero no imposible. Ya se rumorea que Warner podría dividirse o vender parte de sus propiedades para sobrevivir a su enésima crisis interna. Y Netflix, que busca contenido propio y reconocimiento cinematográfico, podría ver ahí su trampolín para convertirse, literalmente, en la casa del streaming con superhéroes de verdad.
Imagina abrir Netflix y que, en vez de “¿Seguir viendo Emily in Paris?”, te aparezca este mensaje: “¿Deseas continuar con La liga de la Justicia 2: El Regreso del Slow Motion?”
Firmo ya.
¿Por qué Snyder sería la clave?
Porque Netflix y Snyder ya son pareja estable. Él le ha dado Rebel Moon, su saga espacial con estética de videoclip y filosofía de cómic europeo, y Netflix le ha dado carta blanca, presupuesto y cero notas de estudio. O sea, libertad total.
Y si algo ama Snyder más que un plano cenital de Superman, es hacer lo que le da la gana.
Así que, si Netflix se hiciera con Warner, no habría obstáculo para que el “Snyderverse” reviviera como Dios (o Darkseid) manda.
Piensa en ello: La liga de la Justicia 2 y 3, un spin-off de Batman de Affleck, la película de Cyborg, el Green Lantern Corps original… Todo lo que Warner enterró en un cajón etiquetado como “Demasiado oscuro y caro” podría salir a la luz.
Y claro, todo explotaría
El apocalipsis fanboy
Si esto se confirma, porque por ahora es rumor puro y duro, el ecosistema de Hollywood temblaría y Disney tendría que volver a la mesa de dibujo para no dejar que el foco se lo lleve el “Netflixverse”
Por otro lado, los fans del Snyderverse podrían finalmente dejar de acosar cuentas oficiales y dedicarse a lo que siempre quisieron: discutir si el Superman de Cavill o el de Reeve es el “auténtico”.
El equilibrio volvería a la Fuerza… perdón, al Multiverso.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el inmenso placer de presentaros las impresionantes novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de noviembre. Y nos traen una imponente edición de Príncipe Valiente.
Novedades de Dolmen Editorial de noviembre de 2025
Ya sabéis que siempre nos gusta hacer un selección de títulos, de entre las novedades que se van a publicar, durante el mes en curso. Pues este mes con Dolmen es IMPOSIBLE. Me gusta TODO.
No obstante, debo destacar una obra maestra del noveno arte en una nueva edición.
Príncipe Valiente Integral: 1937-1943
Edición integral de Príncipe Valiente que recoge los primeros años de esta legendaria serie de cómic, creada por Harold R. Foster. Se trata de una obra monumental que abarca desde 1937 hasta 1943, justo el periodo en que Foster cimentó su estilo visual y narrativo, convirtiendo a Príncipe Valiente en un referente absoluto del cómic clásico.
Esta nueva edición será a gran formato (26x36cm), en tapa dura y 368 páginas en blanco y negro. Más allá de la acción y la fantasía medieval, Príncipe Valiente destaca por sus valores universales: el honor, la justicia, la amistad y el amor.
Foster los plasma con un nivel de detalle artístico que sigue inspirando a generaciones de lectores y creadores. Esta edición integral es, en muchos sentidos, una celebración de ese legado.
Pero no me quiero despedir sin recomendar otra grandísima obra …
Benito Boniato: El Gran Héroe del Cómic
Obra que recupera con mimo y detalle las aventuras completas del mítico personaje creado por Carlos y Luis Fresno.
Esta edición no solo reúne por primera vez toda la serie de forma cronológica, sino que lo hace con una restauración cuidada y un nuevo color que revitaliza el espíritu original de las historietas.
El volumen arranca con la última historia larga de la serie, en la que Benito se convierte en distintos héroes del cómic (desde vaqueros del Oeste hasta astronautas de ciencia ficción) en una divertida parodia que rinde homenaje a los grandes mitos del noveno arte.
A partir de ahí, el lector se adentra en una selección de historias cortas publicadas entre 1982 y 1985, que muestran al personaje en su mejor momento creativo: absurdo, entrañable y siempre enfrentado al caos cotidiano.
Y hasta aquí las recomendaciones de Dolmen Editorial, previstas para este mes. Un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todas las novedades de la editorial mallorquina.
Si hay un nombre que pone en alerta a los fans de los juegos de mesa modernos, ese es Cole Wehrle. Tras el éxito demoledor de Root y la profunda narrativa estratégica de Oath, el diseñador ha vuelto a la carga con Arcs, una nueva epopeya galáctica que nos llega de la mano de Leder Games y constitutuye uno de los grandes lanzamientos de la segunda mitad de 2025. Y lo mejor es que tenemos edición en español por parte de 2 Tomatoes Games.
Ópera espacial con alma de campaña
Aunque toma inspiración del género, no busca abrumar con detalles micromecánicos o tablas infinitas de recursos. Lo que Cole propone es una experiencia estratégica, compacta y elegante, donde cada partida puede ser autoconclusiva o formar parte de una épica campaña de tres sesiones, completamente ramificada y basada en decisiones previas.
Cada jugador asume el papel de una potencia galáctica en decadencia, intentando resistir el colapso de un imperio interestelar. Lo interesante es que las partidas se transforman según lo que ocurra en la anterior: si hubo traiciones, guerras, alianzas, todo eso afectará el siguiente escenario. Y no con simples cambios cosméticos, sino con nuevas reglas, cartas y hasta condiciones de victoria alteradas.
Mecánicas simples, decisiones complejas
A nivel mecánico, Arcs utiliza una estructura de acciones basada en cartas que recuerda vagamente a Root, pero con una capa de control más pulida. Las acciones están agrupadas por “suits” (trajes) y cada ronda se resuelve mediante un sistema de iniciativa que obliga a los jugadores a pensar en el orden y el momento adecuado para actuar.
El juego fluye rápido, pero cada decisión tiene peso. Aquí no se gana por acumular recursos, sino por saber cuándo hacer un movimiento arriesgado, cuándo apretar al enemigo… y cuándo retirarse con elegancia para preparar la siguiente emboscada.
Producción visual marca de la casa
Como era de esperar de Leder Games, el apartado gráfico es una pasada. Kyle Ferrin vuelve a encargarse del arte, y aunque en esta ocasión ha dejado un poco de lado el tono caricaturesco de Root, sigue apostando por una estética inconfundible, llena de personalidad y con toques de cómic retro de ciencia ficción. Las losetas del mapa, las cartas, los tableros de jugador… todo respira coherencia y estilo propio. Para quien le guste este diseño, claro.
En cuanto a componentes, la edición de campaña cuenta con módulos adicionales, cartas especiales y tokens únicos que se desbloquean a medida que la narrativa avanza. Un sistema que recuerda a los legacy, pero sin destruir nada: Arcs quiere que rejuegues, explores y redescubras el universo sin miedo.
Un imprescindible para amantes de la estrategia narrativa
Lo que diferencia a Arcs del resto de juegos espaciales es su capacidad para construir historias. Cada partida cuenta algo. No solo se trata de ganar, sino de cómo se llega ahí ¿se logró la victoria gracias a una traición inesperada? ¿Una alianza frágil resistió lo imposible? ¿Un imperio cayó por exceso de confianza? Todas esas posibilidades están sobre la mesa.
Con un diseño modular, una narrativa ramificada y un ritmo ajustado, Arcs se perfila como una joya estratégica para quienes buscan algo más que combates y producción de recursos. Es la evolución natural del estilo Cole Wehrle, y eso ya es decir mucho.
