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Crítica de Bohemian Rhapsody: La experiencia Queen

Bohemian Rhapsody es una buena película, pero brilla mucho más como una celebración de Queen que como biopic de su legendario vocalista. Esta declaración puede parecer algo superficial, pero si tenemos en cuenta que hablamos de un proyecto que lleva 8 largos años de producción y cuyo director y actor principal han cambiado durante su desarrollo, decir que es un logro que no se haya convertido en un rotundo desastre es quedarse corto. Sin embargo, aunque el nuevo director Dexter Fletcher, que sustituía a Brian Singer, ha realizado un trabajo encomiable no nos encontramos ante una película redonda sino más bien ante una genial experiencia musical algo predecible que se queda corta a la hora de profundizar en sus personajes protagonistas.

La película, enmarcada en el Live Aid de 1985, nos hace una retrospectiva del trayecto de la banda británica desde sus inicios a principios de los 70 cuando el joven inmigrante Farrokh Bulsara conoce al guitarrista Brian May y al batería Roger Taylor y su ascenso meteórico, caída y resurgimiento en aquel legendario festival, con una actuación que cautivó a toda una generación. En el ínterin, el filme alterna entre dos tramas principales: por un lado la historia sentimental del ya rebautizado Freddie Mercury con su esposa Mary Austin y como el reconocimiento de la homosexualidad de este afecta a sus vidas. Por el otro lado está la historia de la banda, centrada a diferencia de otras películas del mismo género no en el duro camino hacia el éxito, sino en su original y revolucionario proceso creativo y haciendo de la génesis de temas tan míticos como ‘We Will Rock You’, ‘Another One Bites the Dust’ y por supuesto la titular ‘Bohemian Rhapsody’ un elemento clave de la historia.

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A nivel actoral, Rami Malek pone toda la carne en el asador y brilla con luz propia en el papel de Freddie Mercury, regalándonos una interpretación llena de ímpetu tanto dentro como fuera del escenario. El trabajo de caracterización es impresionante, desde la prótesis dental que lleva durante todo el metraje hasta los movimientos, poses y gestos que imita de forma magistral, amén de la camaleónica galería de vestimentas y aspectos que luce a lo largo de la cinta. Por desgracia el resto del elenco, aunque igualmente bien caracterizado, resulta una mera comparsa. Si bien es cierto que la relación dentro de la banda esta bien explorada, siendo sus rencillas internas lo que impulsa su creatividad, poco o nada hay más allá de algún dato superficial sobre quién compuso qué, sus trayectorias profesionales o parejas sentimentales. Aparte de la Mary de Lucy Boynton (con la que Malik comparte las mejores escenas sentimentales del metraje) el resto de los personajes secundarios cumplen con solvencia su papel, pero no resultan ser más que ruido de fondo.

Había dudas, a raíz del material promocional, de que los temas más polémicos de la trayectoria vital de Mercury, como su sexualidad o su batalla contra el VIH se escamoteasen. Me alegra poder decir que eso no es así. La película trata tanto sus relaciones con otros hombres como su uso de sustancias y la tragedia personal que supone el virus de SIDA tan explícitamente como lo puede hacer un biopic de estas características. Aún así, a pesar de que la cinta intenta tocar estos matices con respeto y sutileza, no profundiza en ellos, dándonos una imagen algo desdibujada de la vida personal de su protagonista, algo que junto a las inevitables licencias creativas (desde como los personajes se conocen hasta esa breve ruptura de la banda que, hasta donde sabemos nunca existió) sin duda decepcionará a aquellos que busquen una recreación fidedigna de la vida del artista. La estructura en tres actos que sigue la trama con ese ascenso, caída y redención tanto del cantante como del grupo resulta emocionante, pero es difícil ignorar la sensación de que estamos ante un producto suavizado y estereotipado, perfectamente adecuado al público generalista pero que hace un flaco favor a la complejidad real de sus protagonistas.

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Pero como ya indicaba al principio, la película tiene dos vertientes, y es la de la música la que la eleva y la convierte en algo superior al conjunto sus partes individuales. Queen es mucho Queen y es difícil no sentir un nudo de emoción en el estómago cada vez que oímos los acordes de uno de sus legendarios temas o contemplamos las maravillosas recreaciones de los conciertos. Aquellos más interesados en el aspecto biográfico de la cinta se sentirán decepcionados por la cantidad de metraje que abarcan los números musicales, pero hay que admitir que la película es una maravillosa representación de la experiencia que evocaba la banda en su época de gloria, y se podría afirmar que la genial (si bien abreviada) recreación de su actuación en el Live Aid durante el clímax vale por si sola el precio de admisión.

En conclusión, Bohemian Rhapsody no es ni mucho menos el biopic definitivo. Habrá muchos que lamentarán los convencionalismos por los que se rige, pero incluso cojeando en lo referente al rigor histórico y a la profundidad de sus personajes, estamos ante una película emocionante, divertida y de ritmo dinámico que nos ofrece una experiencia auditiva excelente, en especial en ese emocionante clímax final. Puede que algún día tengamos una recreación más fiel de la intrahistoria de Queen, pero hasta entonces esta película servirá dignamente de aproximación para las nuevas generaciones a una de las mejores bandas de rock de la historia.

5 Razones para ver Kidding, la nueva serie de Jim Carrey

Normalmente suelo tener cierta reticencia a valorar series que no han concluido su temporada, pero no he podido resistirme en esta ocasión, pues creo que lo merece. El 9 de septiembre de este año, se estrenó en Showtime una pequeña joya llamada Kidding que, a pesar del retorno de la exitosa colaboración de Jim Carrey y Michel Gondry, no ha trascendido mucho en el panorama serial actual. A pesar de tan solo haberse emitido la primera mitad de la temporada, creo que es un producto sumamente especial y que vale la pena destacar, pues no son pocas las propuestas novedosas que este talentoso tándem de artistas nos vuelve a ofrecer tras la aclamada y lamentablemente traducida ¡Olvídate de mí!. Por eso hoy os traigo 5 razones para ver Kidding.

1.- Jim Carrey

Probablemente la más obvia de todas, pero no son muchas las apariciones en pantalla que protagoniza el ya mítico actor. A pesar de ser identificado y clasificado rápidamente por sus roles cómicos, han sido los más dramáticosEl show de Truman u ¡Olvídate de mí! como los más notables- los que le han definido y reservado un lugar entre los grandes actores. Y esto siempre es algo meritorio entre aquellos que son encasillados por la gran masa en un solo registro.

Y es precisamente por sus ahora reducidas apariciones en pantalla -ya sea por problemas personales o por su interés en otras facetas de la industria como la producción de otros proyectos- y su más que demostrada versatilidad de registros, por lo que su presencia en sí ya es motivo de peso para considerar el visionado de Kidding. Acontecimiento que, con el reencuentro con Michel Gondry, promete una nueva regresión a la exitosa fórmula que exhibieron en su anterior colaboración, tanto a nivel estilístico como narrativo.kidding jim carrey 1536068684

2.- Michel Gondry

Pero, como todo el mundo sabe, si por algo se caracterizan las colaboraciones es por la intervención de más de una parte en el proyecto, y la presencia de Gondry no es una cualquiera. Su implicación en la serie se nota desde el piloto. Las características que le han ayudado a definirse como un director distinto y personal, cobran en Kidding una nueva significación. Lo que en una película quedaría reducido a «toques marca de la casa», en una serie pasa a ser, en palabras de Lynch: «un chirrido constante». Sus señas identitarias se convierten en un marco familiar sobre el que sustentar todo el grueso narrativo, otorgándole la cohesión y personalidad que los buenos productos de autor albergan.

Y es precisamente esta atmósfera, esta personalidad y sensación de autoría de la que goza Kidding, la que nos lleva al siguiente punto: los contrastes.b8d6a28cea65a3a464173547ec66fe98 kidding une serie qui marque les retrouvailles de jim carrey et michel gondry

3.- Atmósfera y contrastes

Una industria paulatinamente más cinematográfica y de autor como es la de la televisión, no garantiza que la unidad tonal de la que pueda gozar un producto sea motivo suficiente como para asegurar un mínimo de calidad. Pero en Kidding la autoría juega un papel distinto, pues lejos de limitarse a otorgar esta sensación de unidad, también sirve como fuente de contraste. La serie busca la oposición de valores, hacer chocar mundos diferentes, plantear un universo alegre e infantil pero con la tristeza como elemento subyacente. Y es precisamente aquí, en la caracterización de este universo aparentemente ingenuo en la que la autoría alcanza este doble juego, pues crea una atmósfera inmersiva y distintiva que parece casi confeccionada con cartón piedra, pero que desentona con los dramas que se viven en la serie, haciendo las veces de elemento irónico y que le otorga una nueva y especial distinción al tratamiento dramático.

Una atmósfera que se ve perfectamente complementada por su temática que, en cierto modo, plantea un retorno tonal a la oscarizada ¡Olvídate de mí! en el mejor de los sentidos, porque ambos son claramente productos distintos, pero los dos comparten la exploración de un mismo concepto: la melancolía.KIDDING 101 8042R

 

4.- Melancolía

Para la pareja, la exploración de la melancolía y la depresión no es nada novedoso. Pero lejos de estancarse en un planteamiento similar de su anterior colaboración, la propuesta mueve el punto de foco y con este se abre la puerta a explorar un nuevo universo de consecuencias y matices. En Kidding, se nos muestra la historia de Jeff Pickles (Jim Carrey), un mundialmente famoso presentador de un programa infantil con muñecos al más puro estilo Barrio Sésamo. La serie se centra en explorar las consecuencias para Jeff al perder a uno de sus hijos en un accidente de tráfico.

Así pues, Jim Carrey encarna quizás a uno de los personajes con los que mayor conexión puede tener: ambos son grandes e idolatradas figuras públicas y los dos deben aparentar una permanente felicidad e inocencia a pesar de sufrir depresiones y pérdidas devastadoras en su vida real. Quizás el caso de Kidding esté menos corrompido de inicio, puesto que Jeff es realmente el personaje que interpreta en su programa infantil, pero los dilemas a los que se enfrenta terminan siendo los mismos. De hecho, el que sea tan inocente desde el primer momento, sirve como un mayor punto de contraste con el mundo de traumas en el que progresivamente se irá sumergiendo y al que le aporta una mayor indefensión ante esta realidad que desconoce por completo.kidding 101 2927r e1535488581579

5.- 2a temporada

¿Qué mejor consuelo e incentivo a la hora de empezarse una serie que el saber que vas a tener más? Kidding es una propuesta especial que respira una originalidad y un mimo que pocos ofrecen. Si no me creéis, prueba de ello es este fantástico plano secuencia del capítulo 3, en la que se aprecia una muy clara dedicación e intencionalidad de cara a la conformación del universo de la serie.

Así que si tenéis 30 minutos y ganas de dejaros llevar a un universo agradable e incómodo, fantástico pero real, infantil pero maduro; dadle una oportunidad a Kidding.KIDDING 102 7179r.0

Crítica de Illang: La Brigada del Lobo de Netflix.

Illang: La brigada del lobo es una película dirigida por Kim Jee-woon con Gang Dong-won, Han Hyo-Joo, Jeong Woo-seong, Kim Mu-yeol. La película es un live action del anime de acción Jin-Roh, de 1989. La adaptación de la obra de Mamoru Oshii ha sido escrita y dirigida por Kim Jee-won, responsable de películas como A Bittersweet Life, Encontré al diablo (I Saw the Devil), el western El bueno, el malo y el raro o la que significó el regreso de Arnold Schwarzenegger al cine tras su retiro por la política, la divertida e intrascendente El último desafío.

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Imagen del anime Jin-Roh

Illang: La Brigada del lobo es un espectáculo visual y pirotécnico.

Al igual que sucediese con la muy recomendable e injustamente denostada Ghost in the Shell, cuyo anime dirigiese Mamoru Oshii, la película Illang: La Brigada del Lobo tiene un potente comienzo calcando escenas del célebre anime que dirigiese Hiroyuki Okiura. Como decíamos la película presenta imágenes muy potentes como el grupo de las Fuerzas Especiales, que me recordaron al videojuego Killzone (siendo Killzone quien bebe del anime de 1989). Las escenas de las cloacas son espectaculares y fieles al anime, hasta el encuentro de nuestro protagonista con la niña.

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Como vemos el parecido de Killzone es más que evidente, hasta con las máscaras antigas.

Los primeros veinte minutos tienen una enorme potencia visual con los soldados de las Fuerzas Especiales. La película comienza con un prólogo quizás demasiado largo que nos pone en antecedentes de lo que vamos a ver. Ambientada en  el 2029 estamos en una Corea que está a punto de reunificarse (el anime es de 1989, recuerden) en un escenario post-apocalíptico. El caos inunda las calles del país. Se producen manifestaciones violentas. Y asistimos al nacimiento del Secto, un grupo terrorista que se opone a la unión de las dos Coreas. La policía no puede frenar al Secto, así que el gobierno responderá con la creación de un grupo de élite, las Fuerzas Especiales. Si a esto le añadimos la tensión política de las altas esferas dentro de las mismas Fuerzas Especiales se crea la Brigada del Lobo, grupo que se dedicará a eliminar sigilosamente a miembros corruptos del poder. Todo un batiburrillo de conceptos y acontecimientos que darán como veremos a continuación una película estimulante de ver pero a la vez liosa y por momentos aburrida.

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Un guión farragoso que casi hunde la película

Cierto es que la parte central de la película es bastante farragoso y en momentos poco interesante. El cambio de tercio de la película es brutal, dejamos los espectaculares Fuerzas Especiales para pasar a una tópica, previsible y hasta momentos aburrida historia de amores y traiciones. Así, uno de los miembros del Secto, Lee Yoon-hee, establece contacto con nuestro protagonista Im Joong Kyung dando lugar a una historia más íntima que la del principio de la película y justo cuando la película parece desmoronarse el director nos regala quizás la mejor escena de la película: la que nos coloca en la Torre Namsan de Seúl , dicha escena no desmerece a las de Misión Imposible de Tom Cruise. Otro factor que no ayuda demasiado es la excesiva duración de la cinta y es que se va a los 140 minutos, disfrutables en su tónica general, pero con varios vaivenes en el ritmo.

Valoración final.

Sin duda estamos ante una muy correcta película de ciencia ficción que roza por momentos el notable. Producida por Warner Bros, la carrera comercial en su propio país fue errática lo que obligó a la Warner vender los derechos de distribución internacional a Netflix por lo que podemos disfrutarla en casa desde el 21 de octubre. La pelicula tiene varios aspectos que la hacen recomendable: por una parte lo que decíamos anteriormente el diseño de producción es espectacular, teniendo un estilo visual asombroso, además hay un buen desarrollo de personajes (aunque a veces esto hace lastrar el ritmo). A este respecto el «Viernes Sangriento», es el motor emocional de nuestros personajes de las Fuerzas Especiales, una información falsa que detonó en el triste asesinato de unas niñas por parte del comando de élite. También es a destacar como hacía el anime original en el que se basa, el uso del cuento de la Caperucita Roja y el lobo feroz, de ahí el nombre de la Brigada. En definitiva son varios los elementos que hacen que Illang: La Brigada del Lobo sobresalga y destaque  sobre producciones menores del catálogo de Netflix como la reciente Malevolent o Tau teniendo un presupuesto que apenas llega sorprendentemente a los 20 millones de dolares.

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Cartel de la película

Un saludo y cuidado con el lobo.

Crítica de Élite, la insultante nueva apuesta de Netflix España

Hace menos de un año recomendaba en esta casa el exitazo televisivo de Atresmedia posteriormente convertido por Netflix (previa compra de derechos y remontaje) en fenómeno mundial que había sido La Casa de Papel. En aquella serie se habían unido un casting carismático y con química, un hábil manejo de la hipertrofiada forma del thriller televisivo y un guion suficientemente inteligente como para triunfar entre el público más amplio sin dejar de ser satisfactorio para el espectador medianamente exigente.

Netflix, ahora apostando fuerte por sacar adelante (y exportar internacionalmente) producciones nacidas directamente de los países en los que ha desembarcado –todo esto sin olvidarse de sus buques insignia de habla inglesa– parece haber decidido centrar sus mayores esfuerzos en promocionar Élite, un proyecto que intenta emular los esquemas de la antes mencionada Casa de Papel en un contexto muy diferente, rescatando además a parte de su reparto. A priori, suena bien. El resultado final, sin embargo, es un insulto a la inteligencia.

Fuentes y tono

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Que una serie ambientada en un instituto intente recurrir a la misma narrativa que un serial cuasi policiaco basado en un bombástico atraco puede resultar chocante. De hecho, lo es. Más allá de la comparación argumental obvia, podría parecer que Élite intenta construir a partir del fenómeno Por trece razones (serie de la que también comenté ciertos puntos en su día en esta página) una serie que vuelva a conectar con ese amplísimo sector adolescente de consumidores compulsivos de Netflix.

Lo hace apelando a temas y situaciones de instituto que parecen antes referencias a las high school movies americanas que a las propias experiencias personales que pueda tener el chaval medio (por eso del exotismo, supongo), intentando camuflar sus diálogos en jergas y preocupaciones, impacientes por demostrar que entienden a su público (casi parece que tengan miedo a soltar alguna frase que denote la edad real de sus guionistas) o jugando con temas y situaciones que incomoden a algún que otro padre –una herramienta burda a más no poder en la búsqueda de esa complicidad adolescente clave para no descubrirse el pastel.

Sorprendentemente, funciona tanto a la vista del entusiasmo de la audiencia target como falla para el espectador mínimamente crítico con lo que ve, sea cual sea la franja de edad en la que se enmarque.

Y es que Élite es una serie burda, excesiva en el mal sentido de la palabra; es brocha gorda, desarrollo de manual camuflado en falsa complicidad joven. Es barniz cutre sobre una serie del montón, que sigue paso por paso los elementos que han funcionado en otras series del momento sin prestar atención a la (in)coherencia de apilarlos sin ton ni son bajo el común denominador del serial adolescente. Y es de manual porque no hay nada en su ritmo, frenético hasta cuando la narrativa pide calma para evitar que el espectador buscado se ponga a mirar el móvil, que no sea forzado o hiperactivo.

Sí, es cierto que se intenta introducir ciertos temas que podrían haber dado para desarrollos medianamente satisfactorios en una serie de instituto media.

Pero en vez de darles cancha, son mero contexto para el batiburrillo de tramas incongruentes, banales, repetidas y subrayadas hasta la saciedad que constituyen los cliffhangers sobre los que se asienta una serie incapaz de generar ningún otro interés en seguir su historia Un ejemplo del poco atrevimiento de los guionistas de Élite a la hora de dar profundidad –no ya complejidad– a sus personajes es el mecanismo facilísimo con el que podemos conocer la identidad del «misterioso» asesino con apenas un par de episodios vistos: ¿cuál es el único personaje en el que no se esfuerzan en aportar algún destello de redención o bondad oculta que pueda crear el más mínimo conflicto moral en el espectador cuando la verdad se revele? Exacto. El mismo.

Y bajo ese barniz de tratar sin condescendencia o distanciamiento a la audiencia adolescente se oculta una serie (más) que accede a tratar al espectador como si fuera idiota. En resumen: Élite es Steve Buscemi en 30 Rock.

Balance

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Es difícil encontrar razones para recomendar Élite a alguien. Si el llamativamente plano bombardeo de marketing ha hecho su efecto, el público al que se orienta la serie ya la habrá comenzado o apuntado en su watchlist y ninguna palabra hará cambiar su opinión.

A cualquier otra persona con dudas sobre qué serie poner en la cola del binge-watching, la respuesta es clara: cualquier cosa menos Élite. Para quien busque calidad, ingenio y un mínimo de complejidad sin necesidad de ser una serie exigente, Maniac es la opción perfecta: está disponible en Netflix, tiene 10 capítulos y es sin duda una de las mejores ficciones del año.

Análisis de Titans (Titanes). Temporada 1. Capítulo 2

Introducción

Nuevo capítulo y nuevo análisis de lo que puede ser una serie prometedora de la nueva plataforma digital de DCDC Universe. Bienvenido al análisis del capítulo 2 de la primera temporada de Titans, Titanes.

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El Halcón y La Paloma

El título de este capítulo es Hawk and Dove, El Halcón y La Paloma. Título que, como ya ocurriera en el capítulo anterior, es una presentación de los personajes. En este caso del dúo de justicieros conocidos como El Halcón/Hank Hall (Alan Ritchson) y La Paloma/Dawn Granger (Minka Kelly). Así que se puede decir que entre pájaros anda el juego.

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En un principio Dick decide dejar a Rachel un tiempo con El Halcón y La Paloma, mientras investiga quien la está buscando. Por medio de flashbacks se nos cuenta que Robin colaboró en algunas ocasiones con ellos e incluso tuvo una breve relación sentimental con La Paloma, lo que despertará los celos de Halcón, cuando lo ve de nuevo. Por si esto no fuera suficiente, los misteriosos perseguidores de Raven contratan a una peculiar familia de Metahumanos para que la capturen, acabando con La Paloma en la batalla.

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El Halcón y La Paloma fueron creados por Steve Ditko y Steve Skeates en  Showcase #75 (1968). En sus orígenes eran dos hermanos, Hank Hall (Halcón) y  Don Hall (Paloma). Hermanos de caracteres e ideologías diferentes. Así Hank, como vemos en Titans, es más agresivo y, por tanto, más proclive al uso de la violencia cuando es necesario, mientras que Don era pacifista. Digo era porque perecería en el evento Crisis en Tierras Infinitas (1985) y sería sustituido por Dawn Granger en Hawk and Dove Vol.2 #1 (1988. Esta heroína, obra de Karl Kesel, Barbara Kesel y Rob Liefeld, también parece morir en esta serie. Parece que Las Palomas tienen la negra en el Universo DC.

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Con El Halcón y La Paloma Ditko y Skeates buscaban mostrar que era posible el equilibrio entre la razón, representada por La Paloma, y la fuerza, que encarnaba El Halcón, dando así su respuesta al permanente debate de si, a la hora de afrontar los problemas del mundo, hay que ser siempre contundente y agresivo, o dejar que las cosas sucedan sin interferir en ellas.

En los tebeos se explica que la pareja posee poderes místicos, otorgados por Los Señores del Orden y el Caos. Como agente del OrdenLa Paloma incrementa sus habilidades atléticas y capacidad de resistencia, además de adquirir cierta percepción extrasensorial que le permite jugar a las personas, con tal nivel de exactitud que puede predecir sus comportamientos. En el caso del Halcón, su fuerza y resistencia adquieren niveles sobrehumanos, unido a un incremento de su rabia y violencia, que sólo  La Paloma puede contener. Salvando las distancias, El Halcón y La Paloma me recuerdan mucho a los personajes de Marvel Capa y Puñal, en tanto que hablamos de parejas de superhéroes en las que la naturaleza de sus poderes hace dependientes a uno del otro.

La Familia Nuclear

La familia metahumana a la que se enfrentan nuestros protagonistas es la Familia Nuclear, The Nuclear Family, creada por Mike W. Barr y Jim Aparo en Outsiders #1 (1985). Cuando la familia del científico Eric Shanner se vio accidentalmente expuestos a radiación nuclear, todos murieron. Esto afectó mentalmente a Shanner y le llevó a obsesionarse con mostrar al mundo los peligros de las armas nucleares, al precio que fuera. Para ello construyó robots idénticos a los miembros de su familia, incluido el perro, dotándoles de poderes equivalentes a las etapas de la explosión de una bomba atómica.

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La Familia Nuclear de esta serie se presenta como una especie de célula durmiente, activada para capturar a Raven. Sus componentes, Nuclear Dad (Jeff Clarke); Nuclear Mom (Melody Johnson); Nuclear Sis (Jeni Ross) y Nuclear Biff (Logan Thompson), parecen poseer fuerza sobrehumana.

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Valoración del Episodio

Si bien no se ha avanzado en la trama principal, que asumo que girará en torno a Raven, se han ido presentando nuevos personajes que amenizan la espera y permiten profundizar en el pasado de Robin, del cual ya te hablé en el pasado post. A lo que se añade el que Paloma le comenté que se está volviendo más violento en la batalla desde que no está con Batman, claro síntoma de que, aunque Dick no lo quiera reconocer, necesita a Rachel para centrarse y canalizar su ira, de la misma forma que Dawn lo hace con Hank. De manera que la relación de Raven con Robin no sea de dependencia de uno con respecto al otro sino de camaradería. En contraste con la relación del Halcón con la Paloma.

Además Dick contacta con Alfred Pennyworth. El que pida ayuda al leal mayordomo del Caballero Oscuro tiene su lógica porque la relación entre ambos siempre ha sido muy buena en los cómics. Más de una vez Alfred ha mediado en momentos de tensión entre Robin y Batman. Puede que, en esta serie, veamos uno de ellos.

Con el misterio de Raven como telón de fondo y el rico contexto que se esta desplegando, Titanes sigue dando lo necesario para mantener el interés en la serie.

Espero que te haya gustado este post, si es así ¡comenta y comparte! ¡Muchas Gracias! ¡Te espero en el análisis del Capítulo tres!

 

Crítica de My Dinner with Hervé, fascinante biopic con un inmenso Peter Dinklage

3 Sep 93

Herve Villechaize 1977Debo hacer lo correcto. Desde los seis años de edad sabía que no había lugar para mí. Quién creería que mi ilegible mejor amiga no llamaría a mi madre para contestar a los Q’s. Espero que ella no se moleste. Todavía estoy vivo. Sepan por favor que Kathy tiene el derecho que le confieren las leyes sobre mi salud, y mis pertenencias pertenecen a Kathy incluyendo los derechos sobre mis obras, películas y escritos, etc. Te amo demasiado, eso es tan solo uno de mis problemas. ¡Mamá! Mis hermanos y tú no existís en mi corazón, vosotros no os preocupasteis nunca, sino solo de vosotros mismos desde 1955, ¿¿¿recordáis??? Kathy lo hizo lo mejor que pudo. Vosotros no. De manera que ella se lo merece todo.

Esto se enciende para un pedacito…

No puedo fallar con una bala dum dum – ¡Ha! ¡Ha! Nunca nadie supo mi dolor —durante 40 años— o más. Tengo que hacer esto fuera, da menos lío.

Transcripción de la nota de suicidio de Hervé Villechaize

 

El pasado 20 de octubre HBO estrenó My Dinner with Hervé, película dirigida por Sacha Gervasi centrada en la vida de Hervé Villechaize, actor famoso entre el friquismo de pro por ser uno de los villanos de James Bond, amén de co-protagonizar la serie Fantasy Island (La isla de la fantasía). El papel del actor enano más famoso del mundo ha recaído en su sucesor en el título, Peter Dinklage, a quién da la réplica Jamie Dornan. Dornan interpreta a un periodista británico, Danny Tate (en realidad el propio director y guionista Sacha Gervasi) desplazado a Los Ángeles para entrevistar a un insufrible y creído Gore Vidal y, de paso, realizar una breve y simpática entrevista al enano de El hombre de la pistola de oro. Lo que se supone iba a ser una divertida charla para conmemorar el 20 aniversario de la película, desemboca en una alocada noche que pondrá de relieve el complejo carácter de Hervé y también el de su entrevistador.

No es fácil ser enano

No voy a ser políticamente correcto. Primero porque no me da la gana; segundo porque Hervé Villechaize huía de esos términos y prefería llamar a las cosas por su nombre. Nacido en Francia en 1943, sufrió una infancia difícil, extremadamente difícil según se pone de manifiesto en la cinta. Tras formarse como pintor, viajó a los Estados Unidos para intentar ganarse la vida como actor, participando en algunas producciones y echándolo todo a perder por su carácter y sus excesos. Todos estos episodios se narran en la película en forma de flashbacks, mientras Hervé y Danny recorren Los Ángeles de punta a punta, centrándose especialmente en los años en Hollywood, donde el mayor pelotazo del actor fue su intervención en Fantasy Island. Producida por el todopoderoso Aaron Spelling, la serie fue todo un acontecimiento televisivo, llegando a alcanzar las 7 temporadas (hay que señalar que tras dejar Hervé Villechaize la serie, sólo aguantó una temporada más).

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Peter Dinklage y Andy Garcia en Fantasy Island

El final de Hervé Villechaize fue trágico, algo que es de sobra conocido y que se sabe desde el minuto uno de la película. Su figura y su personalidad quedan perfectamente retratadas a lo largo de la hora y cuarenta minutos de duración, cosa que es muy de agradecer ya que, por lo general, los biopics se eternizan innecesariamente hasta alcanzar cotas de aburrimiento muy elevadas. No es este el caso. Aunque uno no conozca al personaje ni sus películas, enseguida queda enganchando y fascinado por ese enano que supo hacer frente a las dificultades que tenía en su vida y que no iba a parar de comer, beber y follar todo lo que pudiese. No es la primera vez que Sacha Gervasi afronta un biopic y eso se nota. Ya lo hizo con solvencia en Hitchcok, película protagonizada por Anthony Hopkins y que no pasaba de los 98 minutos en una jugada muy interesante, jugada consistente en centrarse en un episodio concreto del personaje y a partir de aquí retratar su personalidad sin tener que remontarse a cuando era un espermatozoide ni finalizar cuando se lo comen los gusanos. En My Dinner with Hervé, Gervasi realiza una jugada parecida. Nos queda la duda de si ha sido o no fidedigno en cuanto a los hechos pero la verdad es que importa poco. Gervasi ha querido mostrar su visión de Hervé Villechaize, a quien le unía una cierta amistad, y lo ha conseguido sobradamente.

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Hervé Villechaize y el director Sacha Gervasi en 1993

Digno heredero

Aparte de por su duración, su adecuado ritmo y el desarrollo de la historia, si en algo destaca la película es en la interpretación de Peter Dinklage. Perdonadme el tópico pero el actor está inmenso. Que a nadie se le pase por la cabeza ver la película doblada. Dinklage borda el acento de Villechaize y consigue transmitir todo el dolor, toda la frustración y toda la humanidad del personaje. Si hubiese concurrido a los Emmys con esta cinta, de seguro se lleva otro premio a casa. Implicado como productor ejecutivo y tras batallar durante 14 años para hacerla realidad, Peter Dinklage es, en la vida real, el reverso de lo que fue Hervé Villechaize, tal y como señala el director Sacha Gervasi:

Hervé se perdió en el vacío de la fama. Peter está decidido a hacer lo contrario. Es casi una advertencia para él: cómo no ser una víctima del éxito, mantenerse a tierra.

 

Dinklage y Dornan
Dinklage y Dornan

Sería injusto no mencionar también la interpretación de Jamie Dornan, el perfecto contrapunto a Dinklage, a pesar de que queda algo eclipsado por el protagonista de Juego de Tronos. Otros actores del reparto que también merecen su reconocimiento, destacando Andy Garcia como Ricardo Montalban, confirmado aquí como el modelo de maduro latino de Hollywood para la próxima década. Sin embargo, es tanta la carga dramática que Peter Dinklage otorga a su interpretación y es tan fascinante su personaje que todo lo demás queda en segundo plano.

My Dinner with Hervé es, sin duda, la mejor película que hemos visto en HBO en los últimos tiempos, a años luz de aquel insultante Farentheit 451 que tuvieron la desvergüenza de endosarnos hace unos meses. My Dinner with Hervé es un biopic fascinante, entretenido, con unas interpretaciones dignas de cualquier premio y que no sólo retrata a un artista del que tan sólo conocíamos pequeños fragmentos sino que pone de manifiesto la dificultad de aquellos que han nacido diferentes, que deben sobreponerse no sólo al menosprecio de la sociedad sino también al desprecio de su propia familia (los pasajes de la relación de Hervé con sus padres llegan al alma de cualquiera). Estoy seguro que tras verla, la idea que teníamos de aquel enano que en España imitaba a Felipe González, habrá cambiado completamente. Un saludo, sed felices.

https://youtu.be/o7KRdBDl5is

One Piece 921, ¿dragón o humano?

Bienvenidos una vez más, fieles adeptos de Oda, a un nuevo análisis de One Piece. En esta ocasión, del capítulo 921 del manga. No llevamos demasiado arco de Wano si tenemos en cuenta lo largo que puede llegar a ser (retraigámonos a la duración de Dressrosa) y los motores están a toda mecha. Hemos sido testigos, por primera vez, de la Cara B del yonkou Kaido. Comencemos.

El plan maestro

Nuestro grupo protagonista planea clandestinamente el ataque que van a hacer durante el Festival del Fuego en Origashima. Lo que sabemos sobre este festival es que la gente considera a Kaido un Rey Sabio, algo así como un protector del pueblo, y se va a llevar a cabo una procesión, la procesión del shogun. Pero vamos, que realmente es todo una farsa.

Los mugiwaras (y todos los aliados que tienen, que tampoco voy a estar nombrándolos a cada rato) van a contar también con el apoyo de ciertos rebeldes ocultos con una marca de media luna en el tobillo. Además, planean encontrar a tres antiguos samuráis que apoyaban a Oden y que, en principio, también pueden servir de ayuda: Kawamatsu, Denjiro y Asura Douji.

921 ropa
Al final va a resultar que la fruta de la ropa es bastante útil.

También se nos explica lo que han estado haciendo Franky y Robin todo este tiempo. El primero trabajaba en la empresa que ha estado construyendo la residencia de Kaido, por lo que tiene los planos, y la segunda ha estado practicando para convertirse en geisha y así poder acceder a la casa/lugar importante de Orochi. Lo que no sé muy bien es qué ha hecho exactamente Usopp, porque no nos han dado explicación alguna.

Jack y Shutenomaru

En el pueblo hace aparición la banda de ladrones capitaneada por Shutenomaru, dedicada a robar toda la comida que los mugiwara abastecieron a la población muerta de hambre. Y en el instante en que Shutenomaru iba a asesinar a una pobre anciana, el gigante Jack aparece subido a un tiburón-cocodrilo-ballena gigante. En este momento somos conscientes de que estos villanos son otra historia. Esa magnitud da miedo. Pero el líder de los ladrones, que podría parecer un cualquiera, ni corto ni perezoso se lanza contra Jack y le mete un buen tajo en el estómago.

921 jack ladron
Permitidme el tamaño de la imagen, pero me parece espectacular.

Aún es más alucinante que Shutenumaro se dirija a Jack como pequeño mocoso, y es que según podemos entender, estuvo a punto de morir contra un poder mucho superior al de Jack, y si no lo hizo en aquel entonces, menos aún va a ser derrotado por él. Me gusta este personaje.

Kaido

Un gran torbellino de nubes negras se cierne sobre la ciudad, y en ese momento, los que saben qué va a pasar sienten un profundo miedo, nos lo transmiten. Está a punto de aparecer la bestia, la bestia en su forma de alimaña, de ser mitológico descomunal, Kaido en su forma dragón. En ese momento hasta el propio Jack siente miedo, su jefe ha entrado en cólera, quiere a los mugiwara, los mocosos que están montando jaleo. Se avecina tormenta.

921 kaido

Llegados a este punto me gustaría plantear una pregunta al respecto de Kaido y su aspecto dragón. Existen dos posibilidades que nunca han sido confirmadas: ¿es Kaido un dragón que ha consumido algún tipo de fruta de humano o es un humano-bestia que ha hecho lo propio con la fruta del dragón (supongo en este caso que es una mitológica)? Me gustaría que opinarais en los comentarios. También he de apuntar el parecido que tiene con la forma de Momonosuke de dragón, eso sí, de un tamaño considerablemente mayor. ¿Quizás tenga que ver la forma de Kaido en la fórmula de Vegapunk para la fruta de Momonosuke? Pero tampoco sabemos cuándo la consumió, es de suponer que fue después del viaje al futuro, porque si es una fruta artificial, hace veinte años… no existía Vegapunk.

Y hasta aquí el análisis de esta semana, nos vemos en el 922, en el ínterin, sed felices.

Los 10 villanos más cutres de Daredevil en los cómics

Muy buenas, vamos hoy con una de esas listas que tanto nos gustan. Con el estreno de la tercera temporada del cuernecitos a pocos días me ha dado por desempolvar mis cómics de mi superhérore favorito (¿alguno más en la sala lo tiene como su preferido?) y viendo que artículo especial podía hacer con ellos para el estreno lo vi fácil, una lista con los villanos más cutres. Tomárselo como una broma, mi máximo respeto a autores como Stan Lee que nos ha legado Historia, pero de vez en cuando nos merecemos artículos como este por echar unas risas y descubrir personajes estrambóticos (en su mayoría) como los siguientes.  Deciros por último que he intentado que sea por criterio el orden, siendo uno el menos y diez el más cutre de todos. Antes de empezar os dejo con nuestros análisis de la temporada 1 y 2 de Daredevil pinchando aquí. Sin más nos ponemos al lío.

Os dejamos el artículo con formato vídeo por si os gusta más. Si es así, no olvides suscribirte al canal. Por otra parte, tienes la opción de seguir con el texto ya que tiene mucho más desarrollo. ¡Tú eliges!

 

1. El Gladiador:

Primera aparición: Daredevil #18 (julio, 1966). Una creación de Stan Lee como guionista y John Romita como dibujante.

Descripción y poderes: Con todos ustedes para empezar un gran conocido de la serie Daredevil de Netflix y es que detrás de la máscara del Gladiador encontramos a Melvin Potter quien se encarga de poner a punto el traje de El Hombre sin Miedo. Potter es el dueño de una tienda de disfraces que guarda una gran animadversión a los superhéroes. Así que un día decide crearse el mismo un traje de combate para luchar contra ellos, siendo su primer oponente Daredevil quien lo derrotará no sin esfuerzo.

Potter posteriormente volvería en varias ocasiones a enfrentarse a Daredevil, de hecho Frank Miller lo utilizó en la época de Elektra y la Mano. El personaje ha trascendido tanto que ha llegado a la serie de televisión.

¿Por qué está aquí? Principalmente por sus motivaciones. Un tipo frustrado que se pone un disfraz para derrotar a superhéroes. La idea es ridícula y la somanta de palos que se va a llevar se ve venir de lejos. De todas formas está lejos de los puestos de honor porque tuvo una buena evolución y en Netflix está muy bien tratado.

Daredevil gladiator

2. El Búho:

Primera aparción: Daredevil #3 (Agosto 1964). Una creación de Stan Lee y Joe Orlando.

Descripción y poderes: Y seguimos con otro personaje que Netflix ha trasladado a la serie. Hablamos de Leland Owlsley, el hombre conocido como el Búho (Owl, en inglés), era un implacable financiero que blanqueaba dinero para la mafia. Descubierto, da un paso al frente y decide convertirse en el señor del crimen de Nueva York. Forma su propia banda, además toma un suero que le permite volar y planear sobre distancias cortas. Finalmente topa con Daredevil y es derrotado.

leland owlsley bob gunton
Así os sonará su participación en la serie de Netflix.

El Búho es un personaje que se convirtió en un recurrente en la serie.

¿Por qué está aquí? Junto a Melvin son los dos que han entrado de tapadillo en la lista aunque el Búho un poco ridículo si que es. ¿Dónde me dejais esas «echuritas»? Y lo del planeo… No se, creo que como señor del Hampa, Kingpin da más miedo. No obstante, en defensa del Búho diré que tuvo una correcta evolución y que en Netflix sale bien parado.

buho

3. El Hombre-Toro:

Primera aparición: Daredevil #78 (Julio 1971) Una creación de Gerry Conway y Gene Colan.

man bull

Descripción y poderes: Su nombre es William Taurens. La reputación de Taurus (así era apodado), un criminal de largo historial delictivo, llegó a oídos del misterioso jefe del crimen Míster Klein, que quería alguien corpulento, aunque su verdadera intención era utilizarlo como conejillo de indias. Así le hizo probar un suero de enzimas de toro experimental. El pobre sufrió una transformación física convirtiéndose en una suerte de Minotauro. El Hombre- Toro pulularía en los años siguientes en distintas cabeceras Marvel.

¿Por qué está aquí? Da grima verlo, es un poco bobo y las mutaciones a mitad hombre mitad bicho nunca me han gustado.

toro

4. El Zancudo:

Primera aparición: Daredevil #8 (Junio, 1965). Una creación de Stan Lee como guionista y Wally Wood como dibujante.

Descripción y poderes: Traje blindado con piernas telescópicas y fuerza sobrehumana. Recubrimiento de silicio contra adhesivos y telas de araña. (Se ve que Spiderman le envolvió en sus redes).

Cuidado que empezamos con los cutres de máximo nivel. Este personaje pese a toda la chicha que Marvel le ha dado merece estar en esta lista con honores. Es cutrísimo, al menos en sus primeras apariciones. Detrás del traje se esconde Wilbur Day quien robó los planos de unos zancos hidráulicos de su jefe, Carl Kaxton, de Industrias Kaxton. A partir de ahí creó una armadura dotada de unos zancos y se convirtió en el criminal conocido como Zancudo.

Pese a la cutrez del mismo, el personaje ha perdurado y trascendido saliendo en la serie animada de los 90 de Iron Man o en el videojuego Spiderman: Web of Shadows.

¿Por qué está aquí? Uno de los que me inspiró para hacer el artículo. No se, siempre me pareció cutrísimo y tópico. ¿Y dónde dejamos el nombre? ¡¡SOY ZANCUDO, TEMBLAD!! Yo me hartaría de llorar de risa más bien.

zancudo

5. El Bufón:

Primera aparición: Daredevil #42 (Julio 1968). Una creación de Stan Lee y Gene Colan.

Descripción y poderes: Su nombre es Jonathan Powers. Antes de pasarse a la vida criminal Powers fue actor. Tras conseguir su ansiado sueño de interpretar el clásico Cyrano de Bergerac, el público abuchea la obra y su actuación, siendo despedido tras la primera representación. Así decide crear un nuevo personaje, El Bufón. Para ello contaría con la ayuda del Chapucero quien le diseñaría el traje y sus respectivos artilugios. El villano sería recurrente esporádico en las historietas de Daredevil.

¿Por qué está aquí? Otro que más que el disfraz (al fin y al cabo no se diferencia en apariencia en demasía a cierto enemigo del Caballero Oscuro) me parece ridículo sus motivaciones. Un actor que por las malas críticas se hace criminal y supervillano. ¿Cómo es que no tenemos a Ryan Gosling o Nicolas Cage entonces pululando en las calles con mallas?. Y ya puestos, eso de hacerse llamar El Bufón…

bufon

6. El Escarabajo:

Primera aparición: Strange Tales #123 (Agosto 1964). Una creación de Stan Lee y Carl Burgos.

Descripción y poderes: Abner Ronald Jenkins es un tipo altamente cualificado. Así Jenkins trabajaba de mecánico de aviones, pero se hartaría de su trabajo aburrido. Así decide crearse un traje blindado y mecánico, convirtiéndose en el criminal conocido como El «Escarabajo». Con la armadura El Escarabajo puede volar además de tener una selecta variedad de armas.

Este personaje no nacería en la cabecera del El Hombre sin Miedo. Sus primeros rivales fueron Los 4 Fantásticos y posteriormente Spiderman, siendo un enemigo habitual. Será en los números #33-34 (1967) de Daredevil cuando hace acto de presencia siendo un enemigo muy difícil de derrotar.

El Escarabajo es un supervillano de muy largo recorrido, siendo miembro de los Thunderbolts. Ha aparecido en series animadas y videojuegos.

¿Por qué está aquí? Ufff. Por lo menos no se puso la Cucaracha.

escarabajo

7. El Trampero:

Primera aparición: Strange Tales #104 (Enero 1963). Una creación de Stan Lee y Jack Kirby.

Descripción y poderes: Pete Petruski era un investigador atrapado en el hastío de su trabajo hasta que descubrió un tipo de pegamento extremadamente adhesivo. Petruski cansado de su monótona vida, decidió utilizar su invento para pasarse al crimen. Petruski construyó una pistola que le permitía disparar su pasta y llamándose a sí mismo Pete Pote de Pasta.

Este personaje no nacería en la cabecera de El Hombre sin Miedo. Sus primeros rivales fueron Los 4 Fantásticos. Su aparición en Daredevil será en los números #35-36, de Stan Lee y Gene Colan. La historia contaría con la aparición especial de Los 4 Fantásticos. Decir a modo de anécdota que el número 36 concluiría con la aparición en la última viñeta del Doctor Muerte para que veáis que de vez en cuando nuestro héroe se las veía con lo más de lo más del universo Marvel.

¿Por qué está aquí? Este es en realidad para mí el no va más. Un tipo que va por ahí con una pístola que dispara pegamento. Siempre fue un incomprendido.

trampero

8. El Super Especialista:

Primera aparición: Daredevil #58 (Noviembre 1969). Es un número crucial no por la aparición del personaje sino porque Daredevil se quita la máscara ante Karen Page, descubriendo así voluntariamente su identidad. Es una creación de Roy Thomas como guionista y de Gene Colan como dibujante. Thomas tomaría el relevo de Lee, haya por el números 51 (abril del 69), hasta el número 71 (diciembre del 70).

Descripción y poderes: un ex actor especialista de Hollywood que armado con su moto y sus acrobacias pretende hacer carrera criminal y hacerse famoso como el hombre que mató a Daredevil. Cutrísimo.

¿Por qué está aquí? Comienza el podio. Si no fuese porque encima le dieron portada no lo hubiese metido en el top, pero yo me pongo a pensar que si voy al quiosco y me encuentro que el malo de la semana es un especialista de acción con su moto y me gasto las perrillas en chucherías.

especialista

9. La Rana Saltarina:

Primera aparición: Daredevil #25 (febrero, 1967). Una creación de Stan Lee y Gene Colan.

rana saltarina

Descripción y poderes: Vincent Patilio es un inventor que trabaja para empresas de juguetes. Cansado de crear para los demás ha decidido crear para él mismo un traje y convertirse en un criminal. Hablamos de ¡¡La Rana Saltarina!! Se diseñaría un traje que lo asemejaba a una rana humana al que le implantaría en los pies unos muelles alimentados eléctricamente que permitían saltar grandes distancias convirtiéndolo en un personaje muy escurridizo para Daredevil. El personaje saldría en varias ocasiones en las cabeceras de Daredevil y Spiderman.

¿Por qué está aquí? Menudo esperpento el personaje. Vaya grimazo la primera imagen. Y vaya idea, crearse unos muelles para los pies y vestirse de rana. Yo me hubiera puesto un pasamontañas y cogería un bate.

rana

10. El Matador:

Primera aparición: Daredevil  #5 (Diciembre 1964). Una creación de Stan Lee como guionista y Wally Wood como dibujante.

Descripción y poderes: Es un enmascarado justiciero, sin poderes. Viste un traje de luces con capote y estoque incluido los cuales utiliza de forma muy habilidosa. Daredevil buscando información sobre su nuevo oponente encuentra lo siguiente en un periódico fechado el 6 de abril de 1964: “Manuel Eloganto, el famoso torero mundial, desaparece misteriosamente”.

Fue su crueldad hacia los toros lo que le ganó la antipatía de los aficionados.  El torero en plena corrida se dio la vuelta para defenderse de los abucheos y el toro le embistió. Recuperado en el Hospital juró venganza convirtiéndose en el criminal conocido como Matador.

¿Por qué está aquí? Manuel Eloganto. Torero. Español.

matador

¿Qué os ha parecido esta galería de villanos? ¿Cuál es el que más os ha llamado la atención? ¿Hubieseis añadido algún otro? Nos vemos en los comentarios. Un saludo y sed felices.

Análisis de La maldición de Hill House. Temporada 1 (Parte 2 de 2)

Bienvenidos nuevamente al análisis de Hill House. En este segundo y último artículo de lo que ha sido la primera (y única salvo confirmación en meses venideros) temporada de La maldición de Hill House, compartiré con todas/os vosotras/os mis sensaciones sobre esta maravillosa serie que tanta falta hacía en el género de casas encantadas.

Antes de traspasar nuevamente el umbral de Hill House y hablaros de los episodios 6 al 10, podéis leer aquí mi anterior análisis:

Hill House 5
Antes de adentrarte más, deberías leer el análisis anterior.

Si bien en el anterior análisis opté por no hacer ningún spoiler, en el caso que aquí nos ocupa, y teniendo en cuenta que si estás leyendo esto habrás visto los 5 primeros episodios, no te estaré contando nada que no te esperes. No obstante, para quienes no quieran leer algo que aún no sepan que ocurrirá en la serie, os aconsejo que os saltéis el párrafo siguiente.

Los 5 últimos episodios de Hill House no hacen sino continuar por la línea que ya se venía trazando en los anteriores. Si bien antes cada episodio estaba dedicado a uno de los 5 hermanos Crane, a partir del capítulo 6, correspondiente al funeral de Nell y la consiguiente reunión familiar de los 4 hermanos que siguen vivos junto al padre de ellos (la madre murió en la casa), ya empezamos a ver globalmente situaciones pasadas de todos y cada uno de los personajes respecto a sus vivencias en la casa que tanto daño hizo a la familia Crane. Porque en Hill House ya son dos los miembros de la familia Crane que han muerto en su interior: Olivia y Nell. Respecto de Olivia, la madre de la familia, se dedicará prácticamente todo el capítulo 9, para ver por qué se volvió loca y cómo le afectó la vida en la casa.

Una de las mejores cosas que ofrece esta serie, es que va volviendo sobre sus pasos en algunas escenas que ya se han ido diseminando por capítulos anteriores, pero para que podamos ver desde otra óptica el por qué sucedieron y qué es lo que pasó realmente. Esto lo digo porque en su momento, cuando se daban algunas situaciones violentas o inquietantes, se ocultaba más de lo que realmente había que mostrar, pero eso era por la razón de que cada suceso tiene su explicación en el momento adecuado, y lo que se ve en primera instancia no es sino un aperitivo. Y esto pasa con todos los personajes y su interacción con otros seres vivos y/o lugares.

Hill House 6
¿Qué demonios hay tras esta puerta?

Por otra parte, si tuviera que encuadrar esta serie en un género, puede que os sorprendáis pero lo etiquetaría como un drama familiar. Sí, hay numerosas situaciones de terror e inquietud, y también un clima trágico que no desaparece nunca de la casa. Pero ante todo La maldición de Hill House es una historia sobre la familia Crane, y sus relaciones no solamente con la casa en sí, sino entre todos y cada uno de sus miembros, ya sea en el pasado o el presente, porque, como dije en mi anterior análisis, una vez que los hermanos Crane se hacen adultos, están distanciados con su padre y entre ellos, salvo un par de excepciones. Ese distanciamiento está intrínsecamente ligado a los sucesos que les acontecieron en la casa durante su infancia, y han marcado lo que ha sido sus vidas de entonces. De ahí que esta serie sea en gran parte un camino que toda la familia Crane ha de recorrer, bien para cerrar viejas heridas, bien para darse cuenta de todo lo que han hecho mal en sus vidas, o bien para recuperar el vínculo de sangre que los une, porque a fin de cuentas son una familia.

Ahora viene una pregunta que más de una persona se hará antes, durante o después de ver la serie… ¿habrá segunda temporada? Es difícil dar una respuesta satisfactoria. Desde mi punto de vista, en el capítulo 10 se cierran tan bien las cosas que, siendo honesto, tengo la sensación de que, a priori (aunque puedo equivocarme y me alegraría si es así porque igualmente vería más episodios), no debería haber una segunda temporada. Al menos no con la familia Crane. Pero claro, la casa seguirá perteneciendo a los Crane, salvo que Steven, el mayor de los hermanos, haga algo para cambiar eso. En distintas páginas web he leído que según algunos actores de la serie, sí que habría cosas para hacer una segunda temporada, y supongo que, como viene siendo habitual, si la serie funciona bien a nivel de audiencia a juicio de Netflix, no es nada descabellada otra temporada.

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¿Cómo que todavía no habéis visto La maldición de Hill House?

En cualquier caso, pase lo que pase, la experiencia de ver La maldición de Hill House ha sido maravillosa, porque ya no se hacen tantas series así actualmente, con tanta delicadeza y respeto por el material original, pero con la suficiente personalidad como para que el material añadido y no perteneciente a la obra en que se basa, merezca la pena. Si hay otra temporada disfrutaré viéndola, estoy seguro, porque este viaje por el interior de Hill House ha merecido y mucho la pena. ¿Y a vosotras/os, qué os ha parecido la serie? ¿Qué opináis, habrá o no segunda temporada, y qué debería contar?

Los juegos de fútbol y su evolución a lo largo del tiempo

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A muchos nos encanta el fútbol y queremos llevarlo encima todos los días, verlo, disfrutarlo y jugarlo. Para ello tenemos la posibilidad de disfrutar de otros minijuegos de fútbol online donde podremos disfrutar verdaderos partidos que nos harán sentirnos en primera división del deporte rey. Ahí podremos recuperar el espíritu de los primeros títulos que quisieron acercar los estadios a las consolas o los ordenadores y ahora, cómo no, a nuestros smartphones.

¿Recuerdas los primeros juegos de fútbol? Esos en los que tan sólo se venían monigotes en dos dimensiones moviendo un pelota pixelada. Era básico, y nos encantaba, y entonces era la mejor recreación de la que podíamos disponer, algo que nos hace recordar esos tiempos con cariño. Pero estamos en la época de las apps, los smartphones y llevar opciones de ocio en tres dimensiones en nuestro propio bolsillo. Atrás quedó la gameboy y animar los partidos con música 8bits. Tiene su encanto recuperar esos días, recordar en y de principios de los ochenta; el Pele’s Soccer, promovido por la estrella brasileña poco más tarde; o el Sensible Soccer, pero todo eso resulta muy básico para nosotros.

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Ahora necesitamos 3D, notar el calor del campo con una grada inquieta, que ruge con cada regate y que celebra cada gol. Que pueda aportar música emocionante a lo que estás haciendo y, sobre todo, que te permita meter el balón en la portería de una forma única y espectacular, o por el contrario cortar una jugada maestra convirtiéndote en un guardameta único o un defensa excepcional. Por eso te hemos recomendado este videojuego, porque confiamos en que eres selectivo y quieres vivir eso, accediendo de manera online de una forma sencilla y rápida. Y ojo, que no estamos hablando de esas grandes compañías del momento que parecen haber perdido el espíritu de lo que necesita el aficionado, buscando sólo hacer números. Está genial las competiciones a nivel global, pero creemos que se ha perdido cierta personalidad.

El Fifa y el Pro son sagas míticas, y nos permiten realizar jugadas impresionantes, pero necesitamos un soporte y un sitio especial para jugarlos. Editar el peinado de una estrella, o sus tatuajes, no va a hacer que sea un artífice de jugadas brillantes dignas de ser grabadas y puestas en una recopilación. Tenemos la sensación de que eso se ha perdido, y es una pena. Nos gustaría que vuelva la emoción por las jugadas bellas y la pasión, el sentimiento de esforzarse para ganar. Esto tampoco lo podemos conseguir con los míticos PC Fútbol, que aunque atrapan y nos metían en la piel de un director de un equipo, nos alejaban de lo que era puramente hacer una jugada que deje muda al estadio. La gestión, encontrar fichajes, ajustar los presupuestos, ampliar el estadio… todo eso son retos muy divertidos y entretenidos, pero tienen que ver más con números que con la pasión en sí, por lo que se ve en el campo. Así pues, confía en nosotros y déjate recuperar por el viejo espíritu futbolero.

Análisis de The Walking Dead. Temporada 9. Episodio 3

Bienvenidos todos al análisis del tercer capítulo de la temporada 9 de The Walking Dead. Recordar que el artículo está repleto de spoiler así que ya sabéis, mejor leerlo después de haber visto el episodio.

Aquí puedes ver los análisis de los episodios anteriores

Este episodio empieza de forma bucólica, con Rick, Michonne y Judith disfrutando de una feliz vida familiar, incluso se platean tener un hijo. Todos sabemos ya que Rick va a dejar la serie así que esta escena me ha recordado a las películas donde alguien dice que le queda una semana para jubilarse. En ese caso ya sabemos que ese personaje va a caer, pues aquí lo mismo. Creo que no hace falta recrearse y mostrarnos la felicidad de Rick justo antes de morir, con el agravante de que no es la primera vez que vemos algo así, ya ha pasado con otros personajes y le quita la sorpresa y la gracia al asunto además de ser muy morboso.

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Rick, Michonne y Judith parece que han abandonado Walking Dead para irse a la Casa de la Pradera

También vemos a Michonne trabajar en un borrador del estatuto que incluirá las leyes con las que se deberán regir todas las comunidades en ese mundo futuro y feliz en el que la pareja está trabajando.

Después vemos a una partida de los Salvadores buscando al desaparecido Justin. Pero cómo nos habían mostrado justo al principio del episodio, Justin se había convertido en zombie y así lo encuentran.

Se desata un enfrentamiento entre los Salvadores que estaban trabajando en el puente y el resto de los supervivientes. Los primeros acusan a Anne (Jadis) y a Daryl de la muerte de Justin. A pesar de los esfuerzos de Rick, el miedo y la desconfianza campan a sus anchas. Tal y como le comentan sus compañeros no se puede esperar nada bueno de unas personas que estuvieron bajo el mando de Neggan  pero que, por otro lado, sólo quieren seguridad.

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Rick quiere un futuro sin violencia y en paz pero lo tiene complicado

En medio del enfrentamiento es significativo ver como sólo Gabriel da la cara por Anne. Algo lógico ya que todos recuerdan como era antes y el sacerdote es el único que se ha acercado a ella (de manera sentimental además).

Rick investiga el asesinato recordando sus tiempo de policía. Y ve que la herida mortal puede haber sido causada por una flecha o por un dardo, así que va hablar con Daryl. Poco a poco vamos viendo como la sólida amistad entre los dos se ha ido erosionando, pero Rick no duda de su compañero y le recuerda que dejó a su hermano abandonado para que muriera y Daryl le dio una oportunidad, algo que también debería hacer con los Salvadores.

Surge también la duda de qué hacer con el asesino una vez le encuentren. ¿se le dará la oportunidad de vivir aunque sea castigado como Neggan? ¿O será ajusticiado como Gregory? Las normas en las que está trabajando Michonne son cada vez más necesarias.

Para complicar las cosas desaparece Arat, una de las Salvadoras que más se habían acercado al ideal de convivencia y de futuro compartido. Y es a partir de aquí cuando el episodio despega y empiezan a pasar cosas muy interesantes.

Lo primero es que vemos a Jadis ir al vertedero a buscar un walkie. Con él contacta con la gente del helicóptero para ver si ellos se están llevando a los Salvadores. Poco a poco este personaje se está haciendo el más interesante de la serie (suele ocurrir con los que guardan secretos), y parece que su importancia va a ir a más.

jadis
No sabemos si Jadis es de fiar o va a traicionar a todos

La gente con la que habla dice ellos no se están llevando a nadie pero que Jadis les debe algo, un “A” o un “B”. Y en medio de esto llega Gabriel, que se encuentra confundido y dolido por esta traición. A través de su conversación nos enteramos que Jadis entregaba a gente a cambio de provisiones, pero no sabemos a quién, aunque le pide a Gabriel ayuda con la última entrega para luego fugarse juntos a un sitio mejor y con mejores condiciones. El sacerdote por supuesto se niega y acaba noqueado oyendo que “pensaba que eras un B”.

Entretanto una partida de Salvadores atrapa a Carol con la idea de chantajear a Rick para que les de armas para defenderse. Cómo no podía ser de otra manera acaba liberándose pero no mata a sus atacantes, al final acepta el credo de Rick de que cada vida cuenta.

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Cyndie y la gente de Oceanside van a tener su venganza

Y para el final del episodio dejamos la resolución de las desapariciones y asesinatos. Es algo de agradecer, me molesta mucho que los misterios se estiren como chicles y en este caso sólo hemos tardado en ver la solución tres episodios. Y de una manera que casa con la trama general de la temporada y que promete traer consecuencias.

Daryl y Maggie son los encargados de descubrir a los asesinos. Y son las habitantes de Oceanside, con Cyndie a la cabeza, vengándose de los asesinatos que los Salvadores cometieron en su último ataque a su comunidad, cuando Neggan y Simon estaban al mando. Cuentan que Arat será su última víctima y que todo se les ha ocurrido a raíz de la ejecución de Gregory. Le dicen a Maggie que es un ejemplo para ellas. Han podido ver que hay un camino distinto al de Rick. No quieren perdonar y buscar un futuro juntos, lo que quieren es venganza y justicia. Un camino que Daryl y Maggie comprenden y comparten. Así que dejan que maten a Arat, marchándose de espaldas a la cámara (y a la idea del nuevo mundo inclusivo para todos) diciendo que ya es la hora de ir a ver a Neggan.

carolydaryl
Carol y Daryl dan definitivamente la espalda a Rick

Ya tenemos montado el dilema moral y el conflicto entre Daryl y Maggie y Rick y Michonne. Dos maneras de ver el futuro. Una en la que se confía en la convivencia y en unas leyes comunes para todos, justas pero compasivas y otra en el que la justicia está encorsetada por la idea de venganza y en la que no habrá ningún perdón para los culpables. Queda por ver en qué lado acabará Carol.

En resumen, el episodio empezó de manera un poco cansina, dando vueltas al tema del conflicto entre Salvadores y el resto, para mejorar mucho en su tramo final con el misterio en torno Jadis, la resolución de los asesinatos y el establecimiento de Daryl y Maggie como liderato alternativo mucho más duro que el de Rick. Personaje del que parece que se está preparando su salida por todo lo alto, tal vez su muerte pueda venir a manos amigas. Lo peor vuelve a ser que los zombies casi no aparecen y son casi intrascendentes, en este capítulo sólo sirven para que veamos lo mortal que puede ser Maggie.

RECUENTO DE MUERTES: Arat, ajusticiada por las chicas de Oceanside como venganza por los asesinatos cometidos cuando recibía órdenes de Neggan y Simon.

Fase Extra: Crunch, el lado oscuro del desarrollo de videojuegos

Corría el año 2004 del recién estrenado milenio y la sexta generación de video consolas, con la entrañable PlayStation 2 a la cabeza, llegaba a su fin. Mientras la promesa de una novedosa hornada de plataformas y juegos asomaba en el horizonte, los fans se regocijaban ante el crecimiento exponencial de una industria que, avanzando a pasos agigantados, les brindaba año tras año nuevas experiencias digitales cada vez más ricas en jugabilidad y potencia gráfica.

Sin embargo, a diferencia del mundo de hoy en el que la difusión de la información está mucho más generalizada gracias a las redes sociales, en 2004 los juegos estaban aún en plena transición entre el entretenimiento ‘de nicho’ y el ‘mainstream’ y pocos pensaban en el desarrollo del producto en sí, después de todo, como ya os decía en la anterior ocasión lo que se valora en el mundo del videojuego es el resultado, no el talento detrás de este. Fue en este contexto algo más naive en el que una simple entrada subida a la plataforma digital livejournal el 10 de noviembre sacudió los cimientos de la industria, abriendo los ojos de muchos al tremendo coste humano del meteórico avance del que disfrutaban.

El texto, escrito por alguien con el seudónimo ea-spouse, relataba la crónica de su pareja: un individuo que llevaba un año trabajando para la gigante Electronic Arts y que durante ese periodo se había visto sometido a extensas jornadas laborales de hasta 90 horas semanales que habían acabado afectando su productividad, salud física, fortaleza mental y vida familiar. Esta práctica, más habitual de lo que muchos creen, es lo que en el ámbito anglosajón se denomina ‘crunch’ o lo que es lo mismo, la necesidad imperativa de cumplir fechas durante el desarrollo de X producto, en este caso un videojuego, y que conllevan un alto precio tanto físico como mental para los profesionales involucrados.

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Red Dead Redemption 2 es el último juego que ha salido a la palestra por el tema del ‘crunch’.

El crunch no es ni mucho menos un exclusivo de la industria de los videojuegos, toda profesión en la que haya que respetar plazos, especialmente las creativas o basadas en proyectos como el cine, la música, la escritura etc. tienen que lidiar con este fenómeno en mayor o menor medida. Sus consecuencias son más prevalentes en grandes equipos creativos, y tenemos ejemplos de grandes producciones cinematográficas de antaño como Blade Runner (a la que se llamó Blood Runner en set, debido a la quemazón del equipo), Apocalypse Now o Tiburón que representan un ejemplo vivo de que tras un arduo y doloroso proceso de producción se pueden legar obras maestras, pero no sin un alto coste humano. Hoy en día es en la industria del videojuego donde se suelen oír las historias de terror, historias de horas interminables de trabajo, de cero compensaciones por las horas extras y de situaciones familiares y de salud que sufren a raíz de ello, todo de forma prevalente y generalizada.

Uno podría pensar que las cosas deberían haber cambiado desde que ea-spouse expusiese la situación al gran público hace casi 15  años, pero nada más lejos de la verdad, aunque su revelación tuvo un tenue efecto en las condiciones laborales, esta misma semana el cofundador de Rockstar Games, Dan Houser, uno de los creativos detrás de la saga Grand Theft Auto, alardeaba de que el equipo detrás del esperado Red Dead Redemption 2 había tenido varias semanas de 100 horas de trabajo durante la producción del juego, como si este dato fuera algo digno de admiración, una medalla ante la que nos deberíamos inclinar en honor a su titánico esfuerzo. Tras las previsibles críticas, Houser salía a la palestra para ‘clarificar’ que solo una pequeña parte del equipo de escritores, la más esencial, era la que se había sometido voluntariamente a dicha situación ‘porque querían y porque tenían pasión por el proyecto’.

Si, pasión. Una palabra que se aparece constantemente en ese discurso que celebra la adicción al trabajo e ignora las nefastas condiciones de muchos de los empleados que sufren de un pobre equilibrio entre sus vidas privadas y laborales. Si no haces horas extras no amas de verdad los videojuegos, si el proyecto no es lo primero para ti no eres un verdadero artista, solo un simple asalariado. Los propios directores de los estudios fomentan esta mentalidad, desde los ejecutivos de EA citados en el post de ea-spouse que repiten el mantra de ‘si no les gusta, que se vayan a otro sitio’ hasta los de CDProjekt Red con otro cofundador, Marcin Iwinski, declarando que ‘su modo de hacer juegos no es para todo el mundo’. Y si estáis sorprendidos por la mención de CDPR, si, son tan culpables de esto como cualquier otro, ya que no estamos hablando de algo exclusivo de los estudios que consolidan las grandes editoras sino de un problema sistémico que afecta a la mayoría de los desarrolladores.

Fase Extra 22 10 18 cosas felices 01
Durante los periodos más fuertes de crunch, algunos empleados deciden hasta dormir en la oficina.

Una parte de la industria cree que ese método de trabajo, ese sacrificio personal es un sacrificio heroico y necesario para sacar el mejor producto posible adelante, aunque exista amplia evidencia científica de que el trabajo excesivo, en concreto trabajar más de 50 horas semanales, es contraproducente. Existen historias documentadas de proyectos como el de Call of Juarez: The Cartel en el que las tremendas sesiones de crunch desembocaban en fallos y errores que a su vez prolongaban el tiempo de desarrollo, como la pescadilla que se come la cola. Y es llegados a este punto cuando empezamos a vislumbrar la verdad, que no estamos ante una batalla heroica, ni ante los doce trabajos de Hércules, estamos ante un fallo de dirección.

El crunch existe principalmente porque la organización del proyecto falla, porque cuando los plazos se acercan y la cadena de producción no ha funcionado tan bien como debería, las compañías prefieren exprimir a sus trabajadores y sacar más rendimiento de sus activos disponibles en vez de añadir más al proyecto, ¿por qué gastar más dinero en hacer los equipos más grandes si puedes ‘fomentar’ las horas extra ‘opcionales’ que además corresponden por contrato?, ¿Qué importan las vidas de las personas que tienen familia, sienten y padecen cuando lo importante es el proyecto? Es cierto que las editoras tienen prioridades, pero la falta de escrúpulos es flagrante.

En definitiva, nos encontramos ante un problema sistémico, persistente y de difícil solución. Aunque es bueno comprobar que gracias a internet estos comportamientos son denunciados y las propias editoras se están dando cuenta de que conlleva un golpe a su reputación, el problema no se resolverá hasta que un cambio importante, como por ejemplo la sindicación, llegue a la industria. Los desarrolladores necesitan representantes, pero mientras siga existiendo esa mentalidad, ese discurso de ‘la pasión’ y ‘el compromiso’ según el cual los profesionales ‘de verdad’ deben estar más allá de la vida privada, de la familia y de todo lo que no sea el proyecto durante el desarrollo, un verdadero intento de crear sindicatos va a resultar complicado. Para solucionar el problema primero hay que reconocerlo y como Rockstar ha probado esta misma semana ese reconocimiento aún está lejos, aunque afortunadamente ya se puede ver una pequeña luz al fondo del túnel, una luz tenue pero que con suerte un día llegará.

La pasión y el compromiso de verdad están ahí, pero hay que dejar de usarlos como un arma arrojadiza y reconocer que el Crunch es lo que es, un fallo y no una virtud. Hay que escuchar y difundir las voces tanto de profesionales como de los estudios que abogan por un ambiente de trabajo más justo y equilibrado, donde el talento de los individuos pueda florecer y desembocar en un mejor producto, unos desarrolladores más contentos es sinónimo de mejores juegos y mejores juegos son lo que los usuarios queremos, cuando esa cadena está bien equilibrada todos salimos ganando.

Mesa de redacción: La deriva de DC en el cine

Bienvenidos a una nueva sección en esta sacrosanta web. Periódicamente, a raíz de alguna noticia o novedad impactante, algunos de los miembros más granados de Las cosas que nos hacen felices opinaremos sobre el tema en cuestión. Si todos o casi todo coincidimos tal vez estemos tras la verdad absoluta…pero, ¿Y sí no es así? Descubridlo vosotros mismos.

Hoy, con motivo del enésimo retraso de The Flash para 2021, cuatro articulistas hablaremos sobre los motivos que han llevado a Warner DC a su estado actual. Comenzamos:

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Yo leyendo sobre el futuro de las películas de DC

PEDRO

La película sobre The Flash ha retrasado su estreno a 2021. Pues bueno. ¿Realmente le importa a alguien? ¿Hay alguien ahí fuera mordiéndose las uñas de impaciencia, esperando a que Ezra Miller vuelva a enfundarse el traje rojo? Sinceramente lo dudo. A estas alturas ya nos habíamos olvidado de la película. A este retraso se le añaden los rumores de que Henry Cavill y Ben Affleck ya no son tenidos en cuenta para repetir sus papeles del Hombre de Acero y de Batman. Es el pan nuestro de DC y Warner Bros: cuando deberían estar centrados en el estreno de su blockbuster anual (Aquaman) destacan más por rumores, desmentidos, confirmaciones, retrasos,… La tranquilidad brilla por su ausencia y el fan está totalmente despistado.

DC y Warner Bros han conseguido algo realmente difícil: hacer de la chapuza y la improvisación un arte. En estas lineas deberíamos hablar de la deriva del Universo DC cinematográfico pero nos es imposible. El Universo DC cinematográfico no existe por mucho que algunos se empeñen en considerar como tal cosa un puñado de películas dispersas a lo largo de los años, películas con mayor o menor fortuna. Incluso los hay optimistas y señalan el nacimiento de ese inexistente universo en la ya manida trilogía de Nolan, una trilogía que nada tiene que ver con lo que vino después.

Un puñado de películas sueltas protagonizadas por personajes de una misma editorial de cómics no forman por sí solas un Universo Cinematográfico. Hace falta algo más. Hace falta tiempo y paciencia, una planificación, un director de orquesta que sepa coordinar los esfuerzos de todos. Eso para empezar. Y sí,  eso dará lugar a películas más de estudio que de autor, películas que a simple vista parecerán cortadas por el mismo patrón pero es que de eso se trata. Eso es lo que da forma a un universo cinematográfico. Como uno se empeñe por intentar relacionar películas de directores con personalidad y carácter, entonces que se olvide de ese universo. Puede que tenga películas fantásticas pero de universo nada de nada.

Tampoco puedes crear un universo cinematográfico si tu principal argumento es fichar a todos aquellos que han salido del universo de la competencia por la puerta de atrás, véase Patty Jenkins, Joss Whedon, John Francis Daley o James Gunn. Véase que aquí la puerta solo se abre en una dirección. Si no se da el caso contrario debe ser por algo y si no has sabido trabajar en un universo más que asentado no tienes muchos números para crear o desarrollar otro. Los más ilusos aplauden entusiasmados y se alegran de esos fichajes; en la competencia también aplauden porque se han quitado un muerto de encima y le han endosado sus saldos al rival.

¿Podemos esperar un Universo Cinematográfico DC en un futuro inmediato? Esperad sentados. Nada hace presagiar tal cosa y menos cuando las películas sobre sus principales personajes, esos a los que Cavill y Affleck deberían haber dado vida otra vez, están en el limbo (Superman) o bien su supuesta producción se eterniza en el tiempo (el The Batman de Matt Reeves, que a este paso podría filmar Batman Beyond en su época justa). Y el caso es que, si les da la gana, saben hacerlo de forma más o menos digna. Ahí están el Arrowverso y las nuevas series que DC lanzará en su plataforma en streaming. ¿Por qué en el cine no han sido capaces? Quizás no tuvieron paciencia. Quizás no se encargo el proyecto a las personas adecuadas. Quizás las expectativas eran demasiado altas. Un saludo.

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¿Me estás diciendo que la cosa se fastidió cuando yo aparecí?

FERNANDO

Noticia que no sorprende tanto. Nuevo retraso de The Flash, que pasa a comenzar su rodaje a finales de 2019. La película dirigida por John Francis Daley y Jonathan Goldstein, guionistas de Spiderman: Homecoming (por cierto, una película con grandes momentos), sigue sufriendo los estragos del fracaso que ha supuesto el Universo DC en el cine, representado en la decepción que supuso La liga de la Justicia.

Muchos fans podrían escudarse en el flagrante éxito de Universo Cinematográfico de Marvel, que marcha viento en popa y a toda vela sin nadie que le tosa. Pero no nos engañemos, el mayor enemigo del DC Extended Universe ha sido la planificación y las prisas. Hay que recordar que El hombre de acero, una película bastante estimable, se estrenó cuando la fase 1 del UCM había terminado con la rotunda Los Vengadores. A los ejecutivos les entró la prisa y decidieron juntar a todos los principales héroes de DC en solo cuatro películas. Es cierto que muchas películas de Marvel son olvidables, pero cumplían perfectamente su función de presentar a los personajes, sentirlos cercanos, para que luego en sus películas de grupo no hubiera que perder tiempo en profundizar en ellos.

El mejor ejemplo fue Batman v Superman: El amanecer de la justicia, la película de superhéroes más polémica de los últimos años (y objeto de más de cinco críticas diferentes en nuestra web, incluidas dos de la versión extendida). Un largometraje con un guión interesante pero que abarcó demasiado en su intento de querer organizar una Liga de la Justicia Express. Posteriormente, el fracaso crítico (justo, por otro lado) de Escuadrón Suicida mostró las diferencias entre director y ejecutivos. Pensábamos que Warner iba a dar más libertad a sus directores, pero no era así. El único éxito crítica-público del DCEU fue Wonder Woman, una película que no buscaba la cohesión con otros personajes, si no desarrollar el de su protagonista. Un ejemplo de cómo tomarse las cosas con calma aumenta la probabilidad de éxito.

Actualmente, no se sabe nada del Batman de Matt Reeves. Ni siquiera si Ben Affleck seguirá siendo Bruce Wayne. Henry Cavill no parece que vaya a continuar, el héroe epicentro del DCEU. Aquaman solo puede depender de sí misma para asegurar su supervivencia. Por el momento, parece que todo lo que nos puede ofrecer el DCEU son ideas sueltas sin ninguna cohesión entre ellas. Flash y Flashpoint, Shazam, Escuadrón Suicida, Wonder Woman, otros mundos con Joker, Gotham City Sirens… la mejor solución: tabula rasa, y tomárselo con más calma.

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La ¿única? esperanza

JC

En estos tiempos donde el UCM (Universo Cinematográfico Marvel) es el gran baluarte en el cine de superhéroes, es inevitable comparar las trayectorias de Marvel y DC, los grandes competidores.

No es ningún misterio que Marvel está a años luz de DC en ese aspecto, pero también es cierto que llevan más de una década creando su universo y eso se nota en la calidad, el entretenimiento y la conexión de unos personajes con otros. En DC han querido condensar todo ese trabajo de una década en muy poco tiempo, y claro, les ha salido el tiro por la culata (aunque salvaría Wonder Woman de los pufos en los últimos años), y salvo alguna excepción futura que todavía está por valorar, dudo que lleguen a remontar el vuelo si no se replantean por completo la manera de abordar su universo cinematográfico.

La situación actual es curiosa, porque desde mi punto de vista, y hasta la llegada de la primera película de Iron Man (2008), ambos gigantes del cómic no estaban tan distanciados. No olvidemos que, aunque el tiempo la ha hecho envejecer mal, la película de Superman de 1978 fue todo un pelotazo en su momento. Y si nos vamos más adelante en el tiempo, las dos pelis de Batman (una de 1989 y la otra de 1992) dirigidas por Tim Burton también tenían bastante calidad. En ese sentido hasta la citada Iron Man, en Marvel estaba la trilogía de Spider-Man de Sam Raimi.

Luego ya vino la trilogía de Batman dirigida por Nolan, y claro, es cierto que en esas tres aventuras de Batman el tono oscuro y épico por el que optaron era el ideal, y se tradujo en películas de mucha calidad. El problema fue que DC empezó a usar ese mismo tono para el resto de producciones posteriores, sin ser conscientes de que cada personaje ha de tener su propia esencia. Si a esa falta de identidad se le suman las prisas con las que intentan ponerse a la altura de Marvel a día de hoy…pues tenemos esa situación de deriva que atraviesan, y que puede acabar con el desastre más absoluto en pocos años.

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Me espera un chaparrón…¿O no?

MARIO FERNÁNDEZ

Ésta es la historia de un niño envidioso y sus caprichos, un niño que quería los juguetes que tenían los demás porque los suyos ya no le gustaban, o porque no le hacían popular. Resulta que en el parque había otro niño que tenía juguetes nuevos, de los que anuncian por la tele, y siempre estaba rodeado de pequeños que se acercaban buscando una oportunidad para poder probar esos juguetes. Era el niño popular. En otro lugar en el parque, nuestro pequeño protagonista se aburría con sus juguetes viejos y contemplaba con envidia cómo su compañero tenía éxito entre los demás. Y suplicó durante semanas, día tras día, a propósito de esa popularidad, que sus padres le compraran juguetes nuevos. Lloró y gritó caprichoso hasta que sus padres decidieron invertir en uno de aquellos juguetes que tenía el niño famoso del parque. En la siguiente ocasión, lo llevó feliz, con la esperanza de hacer amigos, de ser popular, pero ya era tarde, el otro niño volvía a tener juegos y muñecos todavía más nuevos, lo más reciente del mercado, y esos que no hacía demasiado lo habían hecho popular, esos que ahora nuestro querido protagonista al fin había conseguido, ya no valían, se habían quedado obsoletos, y el pequeño e ingenuo crío se volvió a quedar sin fama.

Esa mentalidad infantil y envidiosa, el querer ser como aquel que es famoso y popular, es la mentalidad de la industria cinematográfica de DC Cómics, y el niño de la fama, por supuesto, Marvel Studios. En 2008 se empezaron a asentar las bases del UCM, poco a poco, una o dos películas por año, orígenes, biografías de los personajes, pilares sólidos o relativamente sólidos, y en cierto momento, cuando se consideró oportuno, se dio el gran salto, la película que los juntaba a todos, Los Vengadores. DC llegó tarde, se dio cuenta de que la fórmula marvelita era más que exitosa y quisieron copiarla, pero no tuvieron paciencia, quisieron dar un salto de gigante, abarcar lo inabarcable, y eso, queridos amigos, no funcionó.

Ese problema es de los gordos, pero no el único; de hecho, creo que no hay nada ahora mismo en DC que no pueda considerarse un problema: no saben mantener un contrato serio con los actores, no saben gestionar el dinero de sus producciones, realizan sus trabajos a medias (el acabado siempre es muy imperfecto) y su relación con los directores ha sido bastante sinuosa, por enumerar algunos de ellos. Es imposible para mí definir concretamente la deriva del DCEU, pero lo que sí se es que por significado, deriva implica un desvío, entonces surge la pregunta, ¿si un barco se hunde en el astillero antes de estar terminado, podría aplicarse deriva? Porque en mi humilde opinión, queridos lectores, el Universo Cinematográfico de DC -o el nombre que sea que le hayan dado-, se hundió antes de empezar a navegar. No nació con El Hombre de Acero, no, nació en el momento en que a la directiva se le ocurrió formular un universo tratando de imitar a la competencia a partir de esa primera película y realizando Batman vs Superman. En su segunda película ya presentaron a toda la Liga –o lo intentaron-, en su tercera perpetraron la muerte cinematográfica del Joker y poco más tarde presentaron la gran catástrofe, La liga de la justicia.

Tenemos que ser conscientes de que este Universo está construido sobre arenas movedizas, que empezaron con el primer piso antes de estar colocados todos los pilares y que sigue, día tras día, dando de que hablar. Ni aunque Aquaman sea un éxito podrán remontar algo que nació hundido ni podrán, aplazando Flash, estrenarla confiando en salvar otro nuevo desastre.

 ¿Y vosotros? ¿Qué opináis?

Reseña de Transformers Clásicos UK 2. ¡La mejor versión de los Transformers clásicos!

Introducción a Transformers Clásicos UK 2

Planeta Cómic prosigue con su edición del material británico de Transformers, Transformers UK. Este segundo tomo de Transformers Clásicos UK recopila los números 45 a 77 y el Anual 1986 de dicha colección. Como en el primer tomo, al que dedique el post Reseña de Transformers Clásicos UK 1. El comienzo de la versión británica de los Transformers, Transformers Clásicos UK 2 incluye artículos introductorios a cada una de las historias, así como páginas preliminares del guionista de Transformers James Roberts, que sirven de introducción a todo lo que Transformers Clásicos UK ofrece. Además de Roberts, también repite, como colaborador, el dibujante de TF UK Andrew Wildman. Wildman es de nuevo el encargado de la portada.

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Valoración de Transformers Clásicos UK 2

Conforme voy avanzando en la lectura de esta colección me voy dando cuenta del motivo por el que es considerado un clásico de la Marvel británica. Uno de los motivos principales es la calidad de los dibujantes implicados. Uno de ellos, Barry Kitson, no tardaría en dar el salto a la Marvel USA.

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Pero, además de un buen dibujo, Transformers UK contaba con un espectacular uso del color, responsable de que estas historias sigan siendo, visualmente, muy atractivas. En concreto siguen siendo relatos muy bellos e impactantes por estar plasmados en ilustraciones pintadas. A este respecto es de destacar que hubo lectores que se quejaban de que, en algunas partes de la revista, la calidad del dibujo y del color decaía. Esa era la parte americana. Lo que te ya te permite hacerte una idea de que, desde Marvel UK, se tomaban muy en serio la edición de una revista de calidad. En palabras de Roberts

Los «excelentes» dibujos a los que se refería el Sr.Ward [un lector], en común con todas las historias en este volumen, fueron pintadas a mano por Gina Hart, Josie Firmin, John Burns, Tony Jozwiak, and Stuart Place; y tienen una profundidad, una riqueza y una sutilidad en el sombreado que les faltaba a las series americanas.

James Roberts

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Pero no sólo era el dibujo y el color destacaban, por encima de su colección hermana, sino que también lo hacían los guiones. Principalmente los de Simon Furman, que es el guionista de la mayor parte de las historias que integran este tomo. A lo largo de 1986, Furman se fue convirtiendo en el escritor de la mayor parte de las historias británicas de Transformers y no defraudaba. Furman no se limitaba a la misma estructura capítulo a capítulo, de Autobots contra Decepticons, donde siempre ganaban los Autobots y donde lo importante era que se promocionaran los Transformers nuevos de turno. Si bien esto último era inevitable, por exigencias de Hasbro, Furman se esforzó en dar un mínimo de personalidad y coherencia a los personajes que iba utilizando. Lo que le permitía, en arcos argumentales cada vez más amplios, dar más carisma y profundidad al Universo Transformers. Hasta el punto de, al servir de complemento a los Transformers americanos, se pudieron arreglar agujeros e incongruencias argumentales de la colección primigenia.

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Con Furman los Decepticons también ganaban y personajes como Soundwave brillaban como rara vez lo hacían en Transformers USA. Destacar el cariño que le tenía Furman a los Dinobots. A ellos dedicó varias de sus historias. Probablemente sea el guionista que más páginas ha escrito de este peculiar grupo de Autobots dinosaurios, tanto en la Marvel UK como en la Marvel USA, cuando pasó a ser el guionista oficial de la misma. Pero, además, Furman recuperaba secundarios de historias anteriores de Transformers UK, lo que ayudaba a que esta colección adquiriera cierta identidad propia, no sólo por su peculiar estilo de dibujo y de color, sino también por sus guiones, algo más sofisticados y elaborados que los de los americanos, con unos secundarios humanos más interesantes.

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Ya que hablamos de sofisticación, quiero terminar este post destacando un relato de James Hill, escrito como si del capítulo de una novela se tratara, con ilustraciones de John Stokes. Se trata de State Games, Juegos de Estado. State Games fue la única historia de Transformers de la era Marvel ambientada totalmente antes de las Guerras Cybertronianas. En apenas 8 páginas Hill construye una rica y compleja sociedad Transformers pre-guerra. Un pequeño thriller que no toma partido por nadie ni es condescendiente con nadie, sino que busca plasmar, de una forma creíble, las circunstancias que llevaron a la sociedad Transformers a la guerra. Antes de que IDW decidiera profundizar de verdad en el pasado de los Transformers, Hill y Stokes nos ofrecieron esta pequeña joya.

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