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El western, un género que nunca muere: Top películas 1990 a 2018 (Parte 1 de 2)

El western es un género cinematográfico que, si bien vivió su época de esplendor hace ya unas cuantas décadas, se resiste a morir, y eso que agradecemos los aficionados al género, porque aunque ya no se hagan tantas películas como antaño, eso no implica que las que aparecen lentamente estén exentas de calidad e interés. Por eso hoy os comparto una lista de mis 13 películas favoritas en el período comprendido de 1990 hasta la actualidad.

Ni de lejos he visto todas y cada una de las películas del oeste hechas en estos 18 años, porque son demasiadas. Pero sí que he visto las suficientes para intentar destacar unas cuantas por encima de las demás. La lista que os compartiré está formada por películas que me han gustado, algunas por su excelsa calidad, otras por los elementos que han aportado al género, y otras por su carisma. Además he optado por contar muy poco de la trama, y por ordenarlas según el año en el que aparecieron, ya que mi objetivo no es destacar cuál es mejor o peor que el resto, sino resaltar que merece la pena verla.

Dicho esto, allá vamos con mis 13 películas favoritas, a las que añadiré 3 que sin ser un western de época, sí que tienen elementos del género. Y para hacer esto más ameno, la lista estará dividida en 2 artículos, no vaya a ser que entre tiroteo y tiroteo, queráis disparar a este redactor por cansino ja ja ja.

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1) Bailando con lobos – 1990

Esta película, la primera que Kevin Costner interpretó y además dirigió, se alzó con 7 Oscars en 1990, entre los que destacaron los de mejor película, director y guión. Es una película maravillosa que muestra la relación que un soldado del ejército empieza a tener con una tribu sioux ubicada alrededor del puesto fronterizo que dicho soldado debe vigilar. Sus 3 horas de duración pueden espantar a mucha gente, e incluso a quien se anime a verla puede parecerle una historia de desarrollo muy lento, pero merece la pena darle una oportunidad porque es cine de mucha calidad en el género.

2) Sin perdón – 1992

Otra película que ganó Oscars, concretamente 4, estando entre ellos el de mejor director, película y actor secundario (gran trabajo de Gene Hackman). Dirigida y protagonizada por Clint Eastwood, aquí se cuenta la vida de un pistolero, ya en la vejez, que recibe un último encargo para matar a un par de personas que le cortaron la cara a una mujer. Retirado de esa vida durante mucho tiempo, y necesitado de dinero, aceptará el trabajo y estará acompañado de un viejo amigo y un chico joven. Esta es una película de cocción a fuego lento, donde el clímax final es el culmen de toda la espera anterior. Como nota frikie, la premisa inicial del cómic de «El viejo Logan«, es un calco de esta película.

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3) Tombstone, la leyenda de Wyatt Earp – 1993

Es una de las dos películas sobre el famoso Wyatt Earp que salió en 1993 (la otra también la menciono después). Con el gran Kurt Russell en la piel de un ya adulto Wyatt Earp, asistiremos a su llegada a la ciudad de Tombstone, donde Wyatt, sus hermanos y Doc Hollyday intentarán echar raíces. Claro que esa meta se verá obstaculizada por las constantes disputas con varios clanes de forajidos, alcanzando un curso sangriento cuando tenga lugar el famoso tiroteo del O.K Corral, que marcará el inicio de una espiral de violencia en la que Wyatt será el gran protagonista. Grandes escenas de tiroteos y un magnífico Val Kilmer como Doc Hollyday.

4) Wyatt Earp – 1993

En este caso el rol de Wyatt recae sobre Kevin Costner, y esta película abarcada casi todas las etapas de la vida del personaje. Se va a las 3 horas de duración, pero no pienso que le sobre nada de metraje teniendo en cuenta que retrata tantas etapas de la vida de Wyatt. En este caso pienso que esta película, que me parece más que interesante, tiene peores escenas de acción que Tombstone, y tiene pocas apariciones de Doc Hollyday, que a pesar de estar bien interpretado por Dennis Quaid, merecía algo más de protagonismo (cosa que sí se hizo en Tombstone). En cualquier caso me quedo tanto con esta como con la anterior que menciono, son dos formas de ver la vida de Wyatt que merecen la pena. Por último, añadir que ésta fue nominada a un Oscar.

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5) Maverick – 1994

Esta la incluyo en mi lista porque en su día me pareció una historia muy simpática, y que narra las peripecias de un jugador de cartas que debe reunir una determinada cantidad de dinero para poder participar en un torneo de póker que se celebrará en un barco. Protagonizada por Mel Gibson, depara bastantes situaciones cómicas y divertidas, que si bien no la convierten en una película de mucha calidad, sí en un agradable divertimento. De todas las que he visto en este género, es la que más se centra en el póker, y eso es un punto a su favor por ofrecer algo distinto.

6) Rápida y mortal – 1996

Vale, vale, me habéis pillado. Ésta no la destaco por su calidad, tampoco por su simpatía, y ni siquiera porque la dirigiera Sam Raimi. Lo hago porque es una película centrada en dos cosas: la venganza del personaje protagonista (interpretado por Sharon Stone) hacia los asesinos de su padre, y el torneo de pistoleros donde participará dicho personaje. La cosa hasta tiene su miga si nos planteamos el sentido que tiene participar en un torneo donde la finalidad es matar o herir a tu contrincante en un duelo a pistola, y donde sólo puede quedar uno. Pero bueno, que tenga esa incoherencia no la hace menos enérgica en cuanto a la acción, y a veces uno no tiene más pretensión que pasar un buen rato viendo una película. Así que también os animo a darle al menos un visionado, ya que veréis entre otros a Gene Hackman, Leonardo DiCaprio o Russell Crowe participando en el torneo.

7) Open range – 2003

Dirigida y protagonizada por Kevin Costner (y os aseguro que no es santo de mi devoción como actor, pero éste es su género), esta película narra la historia de varios hombres que se dedican a conducir ganado de un lado a otro, evitando la violencia siempre que sea posible. La cosa cambiará cuando lleguen a un pueblo donde un malvado ranchero y el corrupto sheriff les intentarán hacer la vida imposible. Mención especial para el papel de Robert Duvall como uno de los compañeros de Costner. Y como curiosidad os contaré que en esta película se encuentra uno de los tiroteos más realistas y mejor rodados en toda la historia de los westerns. Da la sensación de que estemos de verdad viviendo la escena. Si en Heat estaba uno de los mejores tiroteos de las películas de policías y ladrones, en Open Range pasa lo mismo pero cambiando el género. Para verla al menos una vez.

Hasta aquí la primera parte de mi lista. ¿Qué os parece? ¿De los años 1990 a 2003 me he dejado alguna película que os gustara? Si es así aprovechad la sección de comentarios para poner vuestras sugerencias. ¡Hasta otra vaquer@s!

Personajes LGTB en los cómics que nos hacen felices

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Según la web Gay League, a la fecha son 257 los personajes homosexuales, transexuales o transgénero que han aparecido en cómics. La cifra ha crecido exponencialmente en las últimas décadas, señal de que la comunidad LGTBI es importante para los cómics y cada vez estamos rompiendo el tabú en cuanto a la sexualidad de los personajes. Aun así, queda mucho por hacer, siendo aún muchas las voces en contra cada vez que un personaje famoso sale del armarioAfortunadamente hemos dejado el veto de la homosexualidad en la industria del cómic, como la creación en 1954 del Comics Code Authority (CCA), encargada de revisar y censurar los cómics que no cumplían con lo que ellos creían correcto.

Aun queda mucho por hacer para que estos personajes de los que hablamos tengan su reflejo en sus adaptaciones cinematográficas, donde por ahora mantienen relaciones heterosexuales.

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En estos días de celebración del Orgullo LGTBI, hago este artículo para mostrar algunos de los personajes que forman parte de esta comunidad. Encontraremos personajes de diferentes razas, poderes y pensamientos pero todos tienen en común el elegir libremente como ser y a quien amar. Espero que os guste y que comentéis vuestra opinión y los personajes que he olvidado introducir.

Estrella del norte (Northstar)

Uno de los personajes homosexuales más importantes de la historia de los cómics. Estrella del Norte –Jean Paul Beaubier– es un mutante canadiense y  uno de los fundadores de Alpha Flight (el grupo de super héroes canadienses), diseñado como personaje gay desde el principio allá por el año 1979 por Chris Claremont (guión) y John Byrne (dibujo),  esperando ayudar a la concienciar a la prevención del sida. Aunque debido a la censura de esa época no se mostró abiertamente. Años después y con un mundo más abierto, Estrella del norte Jean-Paul Beaubier y protagonizó la primera boda gay de Marvel.

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Wiccan-Hulking

Cada vez que un personaje de cómic tiene una relación no heterosexual suele encontrar el rechazo de muchas personas, incluidos de quienes nunca han leído un cómic. Si a esto le añadimos personajes adolescentes y un cómic enfocado en un público joven podemos encontrarnos un rechazo aún mayor. Wiccan y Hulking forman parte de los Jóvenes Vengadores, un grupo de adolescentes que intentan emular la formación de sus héroes, después de que estos se disolvieran -véase Vengadores Desunidos- y volvieran en los Nuevos vengadores. Wiccan (Billy) es uno de los dos hijos de La Bruja Escarlata y es el novio de Hulkling (Teddy), hijo de una princesa skrull y del gran Capitán Marvel, formando una de las parejas más adorables y famosas del Marvel actual. personajes lgtbi comic las cosas que nos hacen felices 6

Hombre de hielo

Uno de los personajes homosexuales más importantes de la historia de los cómics, siendo uno de los mutantes originales de la patrulla X. Bobby Drake hizo pública su homosexualidad recientemente gracias al escritor Brian Michael Bendis en All New X-Men #40. Ser rechazado como mutante ya era lo suficientemente duro para él, por lo que ocultó su verdadera sexualidad. A pesar de esto, este no es el Bobby Drake original, sino una versión juvenil que ahora vive en el presente después de tener un accidente viajando por el tiempo. Pero debido a la aceptación que tuvo el personaje juvenil, el original Bobby Drake se mostró abiertamente homosexual en el Uncanny X-Men#600, algo que para muchos no era un secreto desde hacía muchos años.

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Mística

Raven Darkholme no solo es abiertamente bisexual sino que tuvo una larga relación con Destiny (Irene Adler), liderando juntas la Hermandad de los Mutantes y adoptando a la mutante Rogue (Pícara). También ha mantenido relaciones con hombres: Wolverine, Forja, con Sabretooth, del que nacería Graydon Creed y con el demonio Azazel, con quien tuvo a otro de sus hijos: Nightcrawler (Rondador Nocturno).

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Wonder Woman

Diana es uno de las mujeres más interesantes que podemos encontrar entre las super heroínas, creada en 1941 para romper estereotipos dela época sobre mujeres. Basada en la raza de las Amazonas de la mitología griega y nacida en la isla Temiscira, habitada por mujeres guerreras, ha crecido sin prejuicios y con una mente abierta a pesar de ser una tierra tecnológicamente anclada en el pasado. En su tierra natal una boda entre mujeres no es una boda gay, solo es una «matrimonio». Y aunque durante tantas décadas ha cambiado dependiendo de su escritor, hace algún tiempo se confirmó algo bastante obvio: Diana es bisexual. Se rumorea que en la próxima película que se estrenará el 1 de Noviembre de 2019 podría ser abiertamente bisexual.

 

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Boceto de Kris Anka para el día de la bisexualidad, donde podemos ver a Wonder Woman junto a varios de los personajes bisexuales canónicos de los universos DC y Marvel: Catwoman, Constantine, Psylocke, Mística y Prodigio

John Constantine

Si hay un personaje de cómics que rompe todos los estereotipos sobre la comunidad lgtbi es nuestro fumador demonólogo preferido. Originalmente perteneciente al mundo de Hellblazer, de la editorial Vertigo y creado por el controvertido y gran Alan Moore. John es bisexual, teniendo relaciones tanto con mujeres como Zatanna y hombres como el hechicero Nick Necro continuando con estas interacciones en las más recientes publicaciones.

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Batwoman

No hablamos de la Batwoman original de los años 50 fue creada en un principio para tener una relación sentimental con Batman, la versión moderna que se reintrodujo en 2006 en la serie de Detective Cómics fue cambiada por Kate Kane, de ascendencia judía y lesbiana. A punto estuvo de casarse con su novia Renee Montoya -capitana de policía- y tener la primera boda homosexual de DC, pero la compañía no quiso casarla, por lo que J.H. Williams y W. Haden Blackman se marcharon de la compañía.¿Las explicaciones de DC? «Los héroes no deberían tener vidas personales felices».

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Masacre (Deadpool)

Nuestro mercenario bocazas preferido es el primer super héroe conocido pansexual, aunque tenemos dudas aún sobre su sexualidad, esperamos a ver que nos ofrecen en las próximas películas de Deadpool. En palabras de su creador Fabian Nicieza:

Él no tiene sexualidad y a la vez tiene todas. Sus células cerebrales están en constante flujo. Puede ser gay un minuto, hetero el siguiente, etc. Todas son válidas. Por eso le gusta una persona un minuto y al siguiente la odia. Siempre ha sido parte del personaje

Estas declaraciones no han sentado muy bien a la comunidad LGTBI, ya que parece que su sexualidad depende del trastorno mental que sufre. Para Deadpool el amor de su vida es Vanessa, eso está claro, aunque no pierde el tiempo tirando los tejos a mujeres, hombres o dioses asgardianos.

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¿Batman?

Entramos en un tema escabroso y eternamente debatible, encontrando incluso un artículo en wikipedia sobre el tema. Fran Miller dijo lo siguiente sobre el tema:

Batman no es gay. Sus urgencias sexuales son drásticamente sublimadas en la lucha contra el crimen, de tal manera que no hay espacio para otra actividad emocional. Vemos cuán insípidas son las historias donde Batman tiene una chica o algún romance. Esto no es porque él sea gay, sino porque tiene un problema patológico.

Aunque hay aún hay gente que lo duda y cuestiona, a pesar de solo conocer relaciones de Batman con mujeres, en el pasado se cuestionó mucho la sexualidad de Batman y su papel con Robin, incluso llegando a causar críticas por comportamiento de pederastia. Hay quienes ven interpretaciones homosexuales en las películas Batman Forever (1995) y su secuela Batman y Robin (1997), ambas realizadas por un director abiertamente gay, Joel Schumacher. La pezonera de estas películas son ya míticas dentro del universo de Batman.

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¿De verdad vamos a llorar sino hacen una película de Boba Fett?

¿Se ha cancelado el universo extendido de Star Wars? Hace unos días dimos la noticia de la cancelación. Una noticia que salió como oficial a través de Lucas Film en los más prestigiosos medios americanos. Pero a finales de la semana pasada Disney dijo que nada de lo dicho anteriormente era verdad y que seguían adelante con las películas tipo spin-off, y una de esas podría ser Boba Fett.

Muchos fans han salido a la palestra a defender que sí, Han Solo es una mi****, pero que no les quiten ni la cinta de Obi-Wan y Boba Fett. A esta gente les digo, ¿qué esperabais? La campaña de odio que lleva sufriendo Star Wars desde el estreno de El despertar de la fuerza en 2015 es tan espectacular como absurda, ni siquiera la trilogía del 2000 de George Lucas sufrió tanto, y mira que se las trae. Sin embargo, ante el odio reiterado, Lucasfilm se ha podido llevar por delante toda cinta adyacente a la trilogía base, y ya hay muchos llorando por Boba Fett. ¿Finalmente se hará película o no? Ahora mismo todo está en el aire.

Es un inútil…

Partamos de la base de que la cinta de Boba Fett no es sino la cosa más absurda que podíamos llevarnos a la boca. Es así y que venga quien quiera a decirme que Han Solo es mala cuando Alden Ehrenreich tiene más carisma con los ojos cerrados que Fett.

La historia de este personaje es breve y se ha ampliado gracias al universo expandido, sí fan cabreado de Star Wars, ese universo expandido que ha traído Rogue One y Han Solo es el mismo que dio más vidilla a un personaje tan simple como Boba Fett. Atendiendo a lo que hemos visto en las películas, pues son el eje principal por el que todo fan medio se mueve, Fett lo único que ha hecho ha sido seguir las órdenes de Darth Vader, llevarse a Han Solo en carbonita y ser devorado, de la manera más absurda, por un calamar del desierto. ¿En serio este personaje se merece una película?

… Y su padre lo fue en las precuelas

Al menos mató a un toro del espacio

Sin embargo, no sé qué se le antojó a George Lucas para que en el año 2002 nos trajera de vuelta a Boba Fett de niño y a su padre, Jango Fett, otro inútil en la familia. Jango sigue la estela de su hijo y es un lacayo que muere en la misma película que aparece por enfrentarse a un caballero jedi en un combate uno contra uno, con una pistola. ¡Bravo Jango!

Esto da un trasfondo a su hijo, Boba, quien presencia la muerte de su padre a manos de un jedi por seguir las órdenes de otro. Él no deja de seguir órdenes, pero enfatiza este odio hacia todo lo que tenga que ver con la resistencia y la orden jedi, para ser comido por un calamar. En serio Lucas, ¿no había otra muerte?

¿Qué mola de Boba Fett?

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Aparte de su armadura, nada de lo que hemos visto en las películas

Simple y llanamente, su historia ampliada por el universo expandido. Es hipócrita que el fan que ha vapuleado Star Wars por traernos Rogue One y Han Solo con el argumento de «están destrozando la saga», hayan cogido tanto cariño a un personaje tan inútil y que solo brilló fuera de las películas. Ahí, Boba es un bad-ass con todas las letras, algo que querría ser el de la película. Ahí Fett es un cazarrecompensas comido por el odio hacia la orden Jedi que busca desesperadamente hundir la resistencia y encontrar a Mace Windu, asesino de su padre.

¿Recordáis el videojuego Star Wars 1313? Antes de la cancelación de todos los proyectos del mundo de los videojuegos de Lucasfilms por medio de LucasArts tras la compra de esta por Disney, 1313 era un proyecto muy semejante a Uncharted, rey en ese entonces de las aventuras en tercera persona, y que nos abrió al mundo de los cazarrecompensas. No se sabe, ni se sabrá, si el protagonista de aquel videojuego era el propio Boba Fett, pero ese vistazo al submundo de Star Wars, plagado de mafiosos y asesinos sedientos de sangre era de lo más impresionante para una saga que se había topado con la horma de su zapato.

Las similitudes con Han Solo: Una historia de Star Wars y la ironía de la situación

Boba Fett Movie

¿Qué podemos esperar de la película de Boba Fett si finalmente se rueda? Nada más y nada menos que un proyecto similar a la cinta de Han Solo. Le pese a quien le pese la cinta de Boba Fett no es interesante así como no lo era una de Han Solo. Sin embargo, ambos cuentan con la ventaja de explorar. Han Solo: Una historia de Star Wars nos llevó a la adolescencia y juventud de Solo y la cinta de Fett emularía lo que quiso ser aquel Star Wars 1313 y ofrecernos una cinta de corte mucho más bajo que la trilogía principal enfocada en el submundo de Coruscant y del resto de la galaxia.

Así pues, la situación se ha vuelto algo irónica teniendo en cuenta que lo que se odia actualmente es lo que se iba a replicar con Boba Fett. No, Boba Fett nunca ha molado y sí, una película podría hacer justicia a un personaje tan inútil como ese.

Análisis de Westworld. Temporada 2. Capítulo 10. Final de temporada

Bienvenidos por última vez en 2018 a Westworld. Para todos los que todavía no hayan visto el último capítulo de la segunda temporada, aquí tenéis los análisis de todos los episodios. Para los que hayan disfrutado de The Passenger, vamos al análisis de un episodio que resuelve muchas incógnitas y abre otras nuevas.

MAEVE, ¿TANTO PARA ESTO?

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Si bien la primera temporada, sorprendente por su forma de abarcar las grandes preguntas de la ciencia ficción y por el entrecruzamiento de diversas líneas temporales, era más clara en la propuesta de su temática (qué es lo que nos define como humanos), esta segunda temporada propone un mensaje mucho más social, como es el afrontamiento de una revolución, aunque sigue manteniendo algunas de esas cuestiones que mencionábamos anteriormente.

En lo que respecta a Maeve, ha sorprendido, e incluso decepcionado, la pérdida de interés que ha sufrido su trama en la segunda temporada, la más alejada de la temática central. Casi se podría decir que ha sido la única protagonista de la serie que se ha comportado como un humano. Al fin y al cabo, el leitmotiv de su trama siempre ha sido la búsqueda de su hija. Ni siquiera el encuentro con Ford ha servido para que su argumento entroncara con la trama de la Forja.

Tras la ayuda de Ford, Maeve consigue librarse del malvado cirujano y huir de la Meseta con los “rescatadores” Staton, Armistice, Sizemore y compañía. Es magnífica la capacidad de la serie para mostrar imágenes que dejan poso, como esos toros de lidia atacando a los soldados de Delos a cámara lenta.

Sabiendo dónde se encuentra su hija, Maeve marcha hacia la Forja, aunque son emboscados por soldados de Delos que le dan la oportunidad a Sizemore, uno de los personajes más importantes de la primera mitad de esta temporada, de resarcirse de su traición a Maeve. Tal vez el único momento emotivo a cargo de un humano de esta tanda de capítulos. Su muerte es un sacrificio para que Maeve pueda alcanzar a la Nación fantasma.

Aunque luego profundizaremos en este tema, resulta que no existe dicotomía acerca del significado de la Puerta. Efectivamente, es un arma y un camino a una Edén virtual, un cielo real en el que los anfitriones son libres en mente. Akecheta tenía razón, tal vez porque consiguió conmover a Ford en el octavo capítulo al ver la autoconsciencia progresiva del líder de la Nación fantasma y provocó que el creador de Westworld diseñara un lugar para los anfitriones. El éxodo hacia el Edén es interrumpido por Clementine en plan Jinete del Apocalipsis (el rostro de Angela Sarafyan es fascinante) que provoca con la Voz de Maeve que unos se enfrenten a los otros. Staton y el resto de la banda cae, y Maeve únicamente (muy raro y apropiado para la trama) usa su Voz, antes de morir tiroteada, para detener durante un momento a todos los anfitriones mientras su hija escapa con su nueva madre y con Akecheta. Una escena tan emotiva como desaprovechada, por dar un final abrupto a una búsqueda que ha dado para mucho y a una historia (la de Akecheta) que nos había asombrado a todos dos capítulos atrás.

DOLORES, LA SUPERHOMBRE DE WESTWORLD

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 Tras abandonar la cabaña con el cuerpo de Teddy, Dolores cabalga con decisión hacia la Forja. Por el camino, contemplamos una de las alianzas más improbables e inexplicables de toda esta segunda temporada. Hablo, por supuesto, de William y Dolores. Efectivamente, el Hombre de negro sigue siendo humano por mucho que se hurgue en su brazo buscando USBs. Dolores, sin embargo, lo “necesita” para llegar a la Forja. Por otro lado, William parece olvidar rápidamente su horrible acto y la sigue. Muy llamativo, teniendo en cuenta que son dos grandes archienemigos.

En la puerta de la Forja, William y Dolores coinciden con Bernard. En ese momento, Dolores sorprende con una revelación bastante curiosa: Ford le encargó probar a Bernard como reproducción fiel de Arnold, pero Dolores decidió aprobar una versión que tenía una serie de imperfecciones que le hacían ser un anfitrión independiente. Por lo tanto, Bernard no es Bernarnold. Solo Bernard.

William aprovecha para disparar a Dolores pero, por una circunstancia que desconocemos, no consigue hacerle daño y, gracias a la bala aplastada con la que se suicidó Teddy, revienta el revólver del Hombre de negro, que pierde la mano derecha. Hasta aquí la supuesta utilidad de William. Vamos, que la escena de la alianza entre ambos es una excusa argumental para juntar a los tres personajes. Tras la aparente derrota de William, Bernard y Dolores entran en la Forja.

En la Forja, una enorme cuna con el color rojo predominando (magnífico diseño de producción), Bernard y Dolores entran en ella utilizando la base de datos contenida en la mente de Peter Abernathy.

Si el señor supremo de la Cuna era Ford, el de la Forja es Logan Delos, el encargado de conseguir la réplica perfecta de James Delos, un anfitrión que tome las mismas decisiones que el jefe de Delos tomó en el parque. Tras millones de intentos de replicación humana, Logan ha conseguido descifrar la mente humana, mucho más simple de lo que se podría pensar en un principio. De hecho, el mensaje de esta segunda temporada es bien sencillo: no hay diferencia entre humanos y anfitriones. Los primeros viven bajo la ilusión de que toman sus propias decisiones, cuando todo lo que hacemos se basa en un “algoritmo” basado en los recuerdos y aprendizajes que hemos tomado desde que nacemos. Es decir, lo mismo que los anfitriones.

Mientras Dolores intenta leer varios de los códigos programáticos de los humanos (entre los que está Karl Strand, el jefe de seguridad de Delos), Bernard habla con Logan, que le ofrece las dos posibilidades de la Forja. Por un lado, el Edén virtual, una clara analogía del cristianismo; por el otro, la creación de un mundo nuevo basado en la conquista del existente por los anfitriones. ¿Por qué el mundo real? Porque lo real es lo único irreemplazable. Puro nihilismo, cuya máxima representante es Dolores.

Tras la salida de la Forja, Dolores decide inundar el valle y destruir la Cuna, imposibilitando la inmortalidad de los humanos pero, a su vez, cerrando la puerta del Edén virtual. Bernard, aterrorizado ante la determinación de Dolores, le dispara.

BERNARD, EL DEMIURGO DE LA REBELIÓN.

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Finalmente, la crisis de la rebelión de los anfitriones es detenida. El balance es descorazonador para los anfitriones, los “buenos” de la temporada. Salvo unos pocos miembros de la Nación fantasma y la hija de Maeve con su “madre”, el resto han muerto sin poder entrar en el Edén. Por supuesto, también ha sobrevivido Bernard, que es llevado por Elsie a la Forja.

En una escena aparentemente banal se desata el brutal final de esta temporada, el que marca la última línea temporal de estos diez capítulos. Elsie se muestra inconscientemente cómo lo que es, una humana que no se fía del todo de Bernard. Tras la amenaza de Elsie de contar la verdad sobre Delos a Charlotte, esta la acribilla a tiros. Desilusionado, Bernard intenta reincorporar a Ford para trazar un plan que suponga la supervivencia de los anfitriones.

El plan, que activa la necesidad de volver a ver esta segunda temporada, consiste en acabar con Charlotte y crear un anfitrión con el cuerpo de la villana de Delos y la mente de Dolores. Sabiendo que iba a ser descubierto por Delos, Bernard trastocó sus recuerdos aposta para que no averiguaran sus intenciones.

Tras el asesinato de los desaprovechados miembros de Delos, Charlores acaba con Bernard para darse una coartada y cambia las coordenadas del Edén virtual a una localización que solo ella conoce. Como si fuera un caballo de Troya, Charlores sale de Westworld, no sin antes conocer una nueva revelación: el papel de Stubbs como cuidador de los anfitriones de dentro de Westworld. ¿Es un humano al que Ford le encomendó una misión? ¿Es un anfitrión?

Una última reflexión que reafirma la nula diferencia entre humanos y anfitriones. En un mecanismo de defensa mental muy humano, Bernard imaginó la presencia de Ford como guía que tomara sus propias decisiones. Realmente, Ford nunca estuvo allí tras la desconexión. Fue Bernard el único que diseñó el plan encaminado a asegurar la supervivencia de los anfitriones.

EL FUTURO

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 Finalmente, conocemos el verdadero presente de la serie. Resulta que todas las conversaciones entre Dolores y Bernard al principio de cada capítulo son posteriores a todo lo visto en esta segunda temporada. En un tiempo indeterminado, dentro de la casa de Arnold, Charlores ha creado dos anfitriones con el cuerpo de Dolores y Bernard. Desconocemos que unidad programativa contiene Charlotte, pero apostaría a Teddy (por relación emocional) antes que a Maeve. No olvidemos que Charlores se marcha de Westworld con unas cuantas perlas programativas.

Dolores sabe que Bernard se enfrentará a ella por su forma de liderar la guerra contra los humanos, pero aún así desea que sobreviva junto a ella, infiltrados en la humanidad.

Por otro lado, en una escena postcréditos que retuerce cualquier mente que se precie, contemplamos como el Hombre de negro se incorpora tras su enfrentamiento con Dolores y entra en una Forja destrozada donde encontramos a Emily, la cual quiere hacerle un test de fidelidad. Lógicamente, es un William anfitrión en un evento muy futuro con respecto a la segunda temporada. Este proceso puede ser realizado por Delos, que ha continuado con su trabajo tras el fin de la rebelión, o bien por los anfitriones que están utilizando las mismas armas que los humanos. Ahora mismo, difícil de saber.

CONCLUSIONES

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Echando la vista atrás, creo que esta segunda temporada ha sido algo inferior a la primera. Queda claro que estos dos años de producción se han enfocado en armar una trama prevista para varias temporadas, dado el carácter transicional de esta segunda tanda de episodios. La trama fue espectacular en la primera mitad de la temporada, pero el interés decreció un poco tras la desaparición de Shogun World, con capítulos muy interesantes, como el de Akecheta y William, pero con un claro componente de relleno, contando detalles que ya se intuían con el único objetivo de poder alcanzar los diez capítulos de tramas corales.

Al final, la perspectiva de poder ampliar la mitología de Westworld con el visionado de Shogun World y The raj ha quedado en agua de borrajas, con tramas interesantes pero sin ninguna incidencia en el argumento central. Ningún personaje nuevo ha sido trascendente, exceptuando James Delos.

Tampoco hemos tenido ese sentimiento de confrontación violenta entre humanos y anfitriones. Salvo la batalla en el fuerte y en la meseta, los enfrentamientos se han limitado a pequeñas escaramuzas en las que las no-muertes han brillado por su presencia.

Por supuesto, no todo ha sido malo. La trama de Dolores ha tenido un in crescendo asombroso, así como la reaparición de Ford supuso un repunte a la temporada de Bernard, dando pie a los mejores diálogos de esta segunda tanda de capítulos. La trama central de la temporada ha estado a la altura de la primera temporada gracias a un enfoque inesperado, con ese fascinante misterio sobre el significado de la Puerta como elemento alienante versus arma contra los creadores y la igualdad entre humanos y anfitriones.

¿QUÉ ESPERAR DE LA TERCERA TEMPORADA?

 Podemos esperar una tercera temporada con una trama intra y extraWestworld. Me refiero al enfrentamiento en el mundo real entre Dolores y Bernard, con Charlotte como elemento neutro como trama exterior y a la recomposición de los anfitriones caídos durante la rebelión, lo que involucraría de nuevo a Maeve. Lógicamente, sería un cambio de tercio radical en Westworld, que cambiaría totalmente el escenario donde se ha situado hasta ahora e, incluso, se alejaría del universo de los parques creados por Delos. Ahora mismo, me siento realmente incapaz de descifrar el futuro de William en la tercera temporada, pero imagino que su condición de villano se mantendrá.

Ha sido un placer compartir estos análisis con todos vosotros. Espero vuestro comentarios y que nos leamos en otros artículos de Lascosasquenoshacenfelices.

Hasta pronto y sed felices!

Análisis de Capa y Puñal (Cloak and Dagger) Temporada 1. Capítulo 4

Call/Response

Este es el título del cuarto capítulo de esta nueva serie para adolescentes de Marvel. En el nuevo capítulo de la serie, vemos a Tyrone y Tandy intercambiando sus impresiones al respecto de sus recién descubiertos poderes. Ambos confirman que lo que están experimentando es complementario: Tyrone puede ver los miedos de las personas, mientras que Tandy visualiza sus esperanzas. Alternativamente a la charla que ellos tienen en el templo abandonado, el capítulo nos va develando cómo afrontan en lo individual sus nuevas circunstancias. Tyrone se involucra más con Evita, su compañera de estudios, pero es extraño que a pesar de que se besan, no parece ser que Tyrone pueda ver los miedos de su novia. ¿Acaso ella es un ser superior que no tiene miedos? Mientras que Tandy regresa a casa con su madre, (Melissa) tratando de recuperar su vida normal. Lo de la detective queda zanjado con una sencilla explicación por parte de Tandy, y por primera vez hace un uso conciente de su habilidad para ver las esperanzas de las personas. Para despejar las dudas que tiene acerca del nuevo novio de su madre, lo toca como al pasar, y efectivamente puede ver que él tiene la ilusión de tener una relación seria con su madre, lo cual la tranquiliza y hace que comience a ser menos grosera con él.

Otros hilos narrativos que no conducirán a ningún lado

Tandy aconseja a Tyrone averiguar realmente quién es el detective que asesinó a su hermano, infiltrándose en la estación de policía. Para poder justificar su presencia en aquel lugar, le aconseja que invente una historia y se haga pasar por una víctima. Tyrone sigue su consejo: finge que le han robado su bicicleta. Toma fotografías de la cadena con que sujetaba su bicicleta, cortada por él mismo con unas tenazas, y con estas pruebas se presenta en la comisaría. Su treta funciona y lo hacen pasar al interior de la estación, pero una vez allí, mientras el policía que lo atiende va por una boleta para registrar el robo, Tyrone siente que su cabeza va a explotar con los ruidos de la estación: teléfonos sonando, operadoras contestando, policías interrogando a personas… Sin poder soportarlo sale corriendo de la estación, llamando la atención del policía que lo estaba atendiendo. Tyrone regresa a su casa y allí se encuentra con su padre. Dado que en la mañana el muchacho se había mostrado grosero con sus padres, éste lo había estado esperando. Y casualmente, el padre (Otis) descubre que las tenazas no están con las demás herramientas. Le pregunta a Tyrone si sabe algo sobre eso y él lo niega. Le arrebata entonces el bolsón escolar y por supuesto, las encuentra allí. Enfadado, lo pide que lo acompañe.

Tandy, por su parte, comienza a ayudar al abogado y novio de su madre, en la demanda que ella interpuso hace 8 años contra Roxxon, para obtener alguna indemnización por la muerte de su esposo. Mientras que el abogado se concentra en acumular papeles, Tandy ofrece buscar pistas en las redes sociales, algo que demuestre que los representantes de Roxxon están despilfarrando el dinero de la compañía.

Otis lleva a su hijo Tyrone a una casa desconocida, en cuyo jardín se encuentran unos tipos a los que al parecer no ha visto en mucho tiempo; Otis se planta frente a ellos y comienza a cantar algo sobre ser un Spy Boy, al principio es enfrentado por un anciano que parece ser el líder de aquel grupo de personas, pero finalmente se reconcilian y se abrazan. Tyrone se queda asombrado de ver aquella faceta desconocida de Otis. Resulta que Otis y el hermano mayor de Tyrone formaron parte de aquel grupo de activistas, quienes cada año marchan en el carnaval de New Orleans. Otis fue un Spy Boy, y el hermano de Tyrone (Billy) estaba siendo entrenado para ser uno. El anciano le explica que un Spy Boy es una persona veloz que viaja desprotegido, tratando de buscar problemas, para que los miembros del grupo puedan estar alertas y prevenidos contra lo que puede venir.

Tandy le propone a Tyrone que averigüen hasta donde pueden tocarse sin causarse daño. Hacen una pequeña prueba, y la misma no resulta bien: Ambos salen repelidos brutalmente. Se recuestan en el piso del templo abandonado y se confiesan que no le han a contado a nadie acerca de los extraños acontecimientos que les están pasando, por qué, ¿Quién lo creería? Casualmente, ambos concuerdan que los únicos que podrían entenderlos son las dos personas que están muertas: Billy y el padre de Tandy.

Cloak Dagger capitulo 4

Tandy trata de tranquilizar a su madre respecto a las intenciones del abogado, pues aunque es casado, si tiene un interés real por Melissa. Pero su madre le dice que ya terminó con el y que Tandy tenía razón.

Tyrone se interesa por lo que hace el grupo al que Otis lo ha presentado y desea involucrarse.

Tandy va a la oficina del abogado a darle su apoyo, pero antes de que pueda acercarse más, presencia cómo una mujer entra a la oficina de él, presuntamente a hacer una entrega de agua embotellada. Pero repentinamente la mujer desenfunda un arma y mata al abogado, prendiendo fuego a la oficina. Luego se marcha tranquilamente. Un sicario de Roxxo, seguramente.

Así finaliza otro capítulo sin un avance real

La charla de Tyrone y Tandy, que ocupa todo el episodio, termina mal. Ella le dice que desea morir y el lo interpreta como un deseo de suicidarse. Entonces comienza a cuestionarla y ambos se recriminan por no apreciar lo que tienen en la vida. Finalmente, ella le cuenta su visión y le dice que vio como él se suicidaba, una y otra vez. Ambos se mandan al infierno.

Al día siguiente, ella va al muelle, se ata unas cadenas y sogas y se tira al agua. Pero logra liberarse con una daga de luz. Decide ir a la oficina del abogado asesinado. Ha descubierto que las dagas cortan cualquier cosa. Así que con una de ellas abre la caja fuerte y extrae los archivos que el abogado estaba acumulando para demandar a Roxxon. Tyrone, mientras tanto, vuelve a la estación de policía, pero esta vez sin ardides. Resueltamente pregunta por el detective Connors. En el próximo capítulo veremos el resultado de esta entrevista.

Entrevista a Fernando Llor, guionista de cómic: «si hay algo interesante a la hora de contar una historia es las incoherencias que tenemos todos»

Cómic a cómic se va haciendo el hueco en la industria española. Fernando Llor, autor del Ojos Grises -que reseñamos aquí- y del notable Espíritu del Escorpión, nos responde a nuestras preguntas sobre el recibimiento de las obras que ha guionizado y los planes futuros. Hacednos caso, estamos ante de las firmas más interesantes del mundillo, no sólo sabe de esto sino que vive de dar clases enseñando lo que sabe.

En Las cosas que nos hacen felices reseñamos Ojos Grises, que nos gustó mucho. ¿Qué tal ha funcionado el cómic en ventas y crítica? ¿Ha cumplido vuestras expectativas?

En cuanto a críticas funcionó muy bien, al menos viendo las palabras que nos dedicaron en algunos medios. Recuerdo con mucho cariño una reseña que hablaba de que el tebeo era “una elegía a los barrios con conciencia de clase” y otra, la primera, la que apareció en El Mundo, en la que decían: “Ojos Grises tiene más capas que una convención de fans de Batman”. A mí que me digan esas cosas ya me parece increíble y no hay expectativa que te prepare para algo similar.

En cuanto al público también creo que funcionó muy bien, al menos esa es la impresión que me dio cada vez que alguien se me acercó a comentarme algo del libro. Y en ventas, pues no sé… dentro de que estamos en una industria en la que rara vez algo vende más de mil ejemplares, pues creo que no estuvo nada mal y además se coló como uno de los cómics más vendidos en distintas librerías.

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Ojos Grises ha salido también en francés. ¿Es habitual que el cómic español acabe en el mercado francés, que es mucho más extenso? Ahí, en las bibliotecas de las universidades hay una sección enorme de cómics, y también en las tiendas y librerías… pero eso hace que haya más competencia. ¿Es quizás porque al estar inspirado en Barcelona, ciudad que gusta mucho a los galos, llama más la atención?

¿Habitual? No sé, tengo la sensación de que cada vez más el “viaje” se produce a la inversa, primero se trata de buscar un editor en Francia (por cuestiones de economía fundamentalmente) y después se busca a alguien que adquiera los derechos en España. En Ojos Grises no probamos en Francia primero porque en realidad lo creamos para participar en el concurso de cómic que organiza todos los años el Carné Jove de Barcelona junto a la editorial Panini. Perdimos el concurso y aún así le dimos la brasa a Panini para que nos publicasen igual.

Lo cierto es que al estar ambientado en una época tan concreta y en un barrio tan característico como el Poblenou, siempre pensamos que el recorrido del libro no podía ir mucho más allá de la edición española, pero a la vista está que nos equivocábamos jejeje.

En Ojos Grises nos contabas la realidad de un barrio obrero en la Barcelona de los noventa. La recreación ha sido muy buena tal y como comentamos en nuestra crítica. ¿Qué os han dicho los vecinos de Poblenou al leer el cómic?

Como pasa en muchos otros barrios obreros y populares de todo el país, la gente del Poblenou es muy del Poblenou. Se sienten parte de una comunidad fuerte y arraigada a valores de barrio y a una conciencia de clase que es difícil encontrar en zonas más remilgadas de las ciudades.

Ese sentimiento de pertenencia hizo que el cómic fuese muy bien acogido por las gentes del barrio y, de hecho, organizaron una presentación en la biblioteca del barrio y nos hicieron varios regalos.

Pero eso no es todo, es que además Ojos Grises no hubiera sido el mismo si no fuese gracias al Arxiu Históric del Poblenou, una asociación que se encarga de conseguir y catalogar la memoria viva y visual del barrio y ponerla a disposición de todo el mundo a través de su web. Sin la labor que esa gente hace de manera totalmente voluntaria, nosotros lo hubiésemos tenido muchísimo más difícil.

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Próximamente va a salir al mercado El Espíritu del Escorpión bajo Panini Comics. Ahí relatáis una de las historias más sorprendentes de nuestra historia reciente: cómo el genocida Radovan Karadžić, responsable de la masacre de Srebrenica –en la que mataron a 8000 musulmanes durante la Guerra de los Balcanes-, se ocultó una década bajo la identidad de un gurú de la medicina alternativa. ¿Cómo acabó interesándote tanto esta historia como para llevarla al cómic?

Es una pregunta difícil de responder. A principios de 2016 andaba buceando en la documentación de otro proyecto y me encontré con una noticia que hablaba de Karadzic. Me sonaba la masacre de Srebrenica y había oído a nivel de noticiero detalles sobre las distintas guerras que hubo en los Balcanes. Sin embargo no sabía nada de Dragan Dabic, de cómo este hombre, un responsable político de primer nivel en la guerra de Bosnia, se había convertido en otro tipo, en un gurú de la new age nada menos. Me quedé impactado.

Digamos que no me lo pensé mucho, había que hacer algo con esta historia, aunque esto suponía otros muchos problemas, sobre todo a nivel de tratamiento y de documentación. Pero vamos, al final no podía dejar pasar el contar algo así. 

Creo que a veces los que nos dedicamos a escribir tenemos una especie de campanita que suena cuando sabemos que estamos ante algo que puede convertirse en una buena historia. Esta vez era como tener cuarenta campanas gigantes sonando en mi cabeza a la vez.

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Una historia tan curiosa pero a su vez tan oscura requiere un trabajo en el dibujo a la altura. Tras leer el cómic creo que habéis logrado muy bien esa atmósfera. ¿Qué recibimiento esperas?

No lo tengo claro. Por un lado espero que se sepa reconocer el inmenso trabajo que ha hecho Pablo Caballo. Esta es su primera obra larga y se ha embarcado en un tocho de 144 páginas en las que me consta que lo ha dado todo hasta límites impensables.

Y por otro lado, sí que hay algo que espero en general y es que el libro no quede en la indiferencia, ese es mi mayor temor con respecto a esta obra, porque sé que nos hemos vaciado al hacerlo y no habría nada peor que un recibimiento frío y aséptico.

En Ojos Grises hay un factor de denuncia pero disimulado bajo una trama en un contexto social determinado. En El Espíritu del Escorpión tengo la misma sensación. Es decir, no llegas a decir “esto de aquí es un problema” pero sí que te hace pensar que “vaya, debe ser chungo vivir ahí”. ¿Estás de acuerdo?

Nunca lo había pensado así, la verdad, pero sí que puede ser que de manera inconsciente se hayan trazado algunas similitudes. En Ojos Grises se habla de un problema moral para el prota, es una historia sobre hacer lo que objetivamente está bien o mirar para otro lado, dejarlo pasar.

En El Espíritu del Escorpión hay un tratamiento diferente de los valores morales de cada personaje, pero sí que es algo que sigue sobrevolando toda la historia. Creo que si hay algo que me resulte realmente interesante a la hora de contar una historia es hablar sobre las incoherencias que tenemos todos, la cara que mostramos y que en realidad solo deja ver aquello que queremos que se vea.

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¿Crees que la enorme influencia de Marvel en el cómic ha perjudicado al cómic europeo?

Es que en realidad los veo como mundos tan diferenciados que a veces creo que ni siquiera forman parte de lo mismo. Me pasaba incluso cuando empezaba a leer, hacía una diferenciación muy clara entre superhéroes y el resto. La industria europea lleva conviviendo de forma paralela a la estadounidense desde siempre y creo que nunca se ha visto demasiado influenciada por lo que ocurría en Marvel y DC, ni cuando estaban en plena crisis de los noventa, ni ahora que gracias al cine han podido olvidar cualquier tipo de problema económico para siempre.

Pero vamos, que a mí cualquier producto que provoque que un chaval se acerque a una librería y se lleve un tebeo, sea de Spiderman, de la Patrulla X o de Astérix, me parece perfecto porque después de ese primer cómic pueden venir muchos más.

Por otra parte, si no nos dejamos llevar por el tópico de que en el cómic de superhéroes siempre gana el bueno guapetón forzudo y los momentos oscuros no son creíbles, ¿crees que se está perdiendo esa sensación de vida cotidiana, costumbrista y de protagonistas de a pie de calle?

No, no lo creo, el universo del cómic es inmenso y tiene espacio para todo tipo de historias, de hecho creo que cada vez se está difuminando más esa línea que a veces se pretende poner entre lo “alternativo”, lo “underground” y lo “mainstream”.

Que en tantos sitios y en tantos países se hable de “Lo que más me gusta son los monstruos” de Emil Ferris como la novela gráfica del año, demuestra que muchas veces las líneas y las etiquetas que algunos se empeñan en crear no sirven de mucho. 

A tenor de las reflexiones anteriores: ¿Cuál es tu cómic favorito/predilecto?

Vaya, me resulta imposible elegir un cómic favorito, dentro de los superhéroes me quedaría con Watchmen, Triunfo y Tormento o Un día más, pero es que fuera de ellos me encanta Sandman, adoro Astérix y cada poco tiempo vuelvo a Dragonball. Y además no podría hablar de cómics favoritos sin nombrar El Arte de Volar, Fragmentos de la Enciclopedia Délfica… no sé, es terriblemente difícil elegir solo unos cuantos.

¿Y qué proyectos futuros tienes?

Ahora mismo estoy en plena producción de tres álbumes para Francia: “Korubaku” dibujado por Alex Muñoz y “Laia y la mano de los 7 dedos” dibujado por Pablo Ballesteros para el Groupe Paquet, y “La Pieza” dibujado por Rafael Vargas y con color de Jose Expósito para Noveau Monde Editions y Panini. Para el mercado nacional estoy preparando “La Confesión” con dibujo de Román López-Cabrera para The Rocketman Project, “1936, Alcázar” con dibujos de Raúl Orte y color de Carolina Almuedo Martín para Carmona en Viñetas y ya tenemos a punto “El Último Día” con dibujos de Bernuy para The Rocketman Project y la estadounidense TidalWave.

Eso es lo que ya está en marcha y que verá la luz entre 2018 y 2019, pero mientras tanto sigo preparando cosillas a las que empezaremos a buscar casa muy pronto.

Reseña de Man of Steel#4 (2018): Es la hora de las tortas

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Finalmente, ha llegado el momento que Brian Michael Bendis lleva anticipando durante toda su etapa, y con el que decidió anunciarla en el número 1000 de Action Comics. La pelea entre Superman y el nuevo villano Rogol Zaar se ha desatado en este número y, aunque no alcanza ni mucho menos las cotas de calidad que nos prometían desde DC, contiene algunos momentos interesantes y un cliffhanger que promete una quinta parte con más acción. Además de todo ello, el dibujo del legendario Kevin Maguire logra mantener un gran nivel tanto en las escenas de acción como, sobre todo, en la interacción de personajes. Exploremos en profundidad el quinto número de Man of Steel.

Reseña de Man of Steel#6 (2018): Un emotivo final para la primera historia de Bendis en Superman

Reseña de Man of Steel#5 (2018): El principio del fin

Reseña de Man of Steel#4 (2018): Es la hora de las tortas

Reseña de Man of Steel#3 (2018): Una de cal y otra de arena

Reseña de Man of Steel#2 (2018): El síndrome de los segundos números

Reseña de Man Of Steel #1 (2018): Bendis llega a Superman

La pelea

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La acción constituye uno de los momentos más decepcionantes de este tebeo, por ser demasiado genérica. Seamos claros: ya hemos visto muchas veces a Superman pegándose con tipos más grandes que él. Mongul, Darkseid, Doomsday… en combates mucho más espectaculares que este. Hay algunos toques simpáticos, como escenas en las que el Último Hijo de Krypton salva a algunos ciudadanos de Metrópolis, toda una declaración de intenciones contra la visión del personaje que tienen creadores como Zack Snyder. Sin embargo, a pesar de que están impecablemente dibujadas, estas viñetas no logran emocionar como deberían. Son, sencillamente, correctas.

Alguien viene de visita…

Finalmente, sabemos quién era la misteriosa figura que apareció en la casa de los Kent antes de que Lois y Jon desaparecieran. Dado que se analizará más detenidamente, es necesario avisar de SPOILERS en este apartado.

Se trata de Mr. Oz, un enigmático personaje que llevaba años apareciendo en las cabeceras de Superman. Durante la etapa de Dan Jurgens a cargo de Action Comics se supo su verdadera identidad: Jor-El, el padre del Hombre de Acero, que fue rescatado por el Doctor Manhattan después de la explosión del planeta Krypton. Este movimiento no fue bien recibido por algunos seguidores del personaje, que consideraron que se estaba alterando una parte esencial de su mitología con la intención de dar un golpe de efecto. En este artículo hablamos de ello.

En cualquier caso, incluso estando de acuerdo con esta valoración, es positivo que no se olvide por completo la etapa anterior y se recuperen hasta sus elementos más polémicos. En este número, Jor-El insiste en que debe llevarse a su nieto, probablemente porque se encuentra en peligro. Todavía no sabemos por qué, pero hay que decir que Bendis ha manejado este misterio de forma magistral, introduciéndolo poco a poco y sin trampas. Aunque no sabemos mucho sobre esta inesperada visita, ha abierto nuevas posibilidades que se descubren al final del número: Rogol Zaar ha destruido la única forma que tiene Superman de comunicarse con su hijo. De este modo tan sencillo, el villano consigue una victoria con un impacto emocional del que carece la inútil destrucción de Kandor.

Aun así, esto también puede tener un impacto negativo: podría tratarse de una de esas jugadas para rejuvenecer a un héroe, en este caso, quitándole a los hijos. Muchas de estas ideas, con motivaciones claramente empresariales, ya han sido criticadas en el pasado. El caso más sonado es One More Day, en el que Spiderman rompía su matrimonio en un pacto con el diablo Mefisto. Si DC se deshace de Superboy para siempre, será una jugada muy sucia.

Un dibujante extraordinario

Pero la estrella de este número no es Superman ni Bendis, ni ninguno de sus secundarios. Por el contrario, el verdadero protagonista es el excepcional dibujante Kevin Maguire, que demuestra aquí la versatilidad y la expresividad que le caracterizan. Conocido por su etapa al dibujo de la Liga de la Justicia Internacional, este autor sabe narrar tanto las escenas de acción (que fracasan relativamente por el guión y la falta de espacio) y, por encima de todo, las expresiones faciales de los personajes que aparecen. Superman, Supergirl, Linterna Verde… cada uno de ellos aparece claramente diferenciado por sus rasgos distintivos, y el dibujo de Maguire logra abarcar estados emocionales muy distintos. Para muestra, un botón:

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Esto se hace patente sobre todo hacia el final del cómic, en el que una simple conversación se convierte en el momento más intenso de los cuatro números que llevamos. Aunque el diálogo de Bendis también ayuda, no habría sido ni la mitad de eficaz en manos de otro artista. Los dibujantes que se encargarán de las dos series regulares de Superman no son malos, ni muchísimo menos, pero habría sido bonito que fuera el responsable de alguna de ellas.

Conclusión

Este número supone una mejora sobre el anterior, y sienta las bases para un final que puede ser espectacular. Aunque no le llega a la suela de los zapatos (o de las botas rojas) a la miniserie original de John Byrne, y quizás no esté a la altura de la ocasión, estos números serán recordados por tener un equipo creativo de lujo que sabe sacar lo mejor del guión de Bendis.

Ya tenemos el guión de Guardianes de la galaxia vol.3

Pues ya tenemos nueva película de Guardianes de la galaxia para 2020 y según reza el Twitter de James Gunn se llamará Guardianes de la galaxia vol.3, parece obvio.

Debajo de estas líneas puedes ver el anuncio del director en su cuenta oficial.

El rodaje de la última parte de los Guardianes comenzará a principios de 2019, aún sin fecha por confirmar. Lo peor de todo esto es que todo llega a su fin y esta tercera entrega de Star-lord y sus amigos será la última de una trilogía que pasará a los anales de la historia de los superhéroes. Y también será la última cinta del director para Marvel.

Cuando Marvel apostó por los Guardianes de la galaxia en 2014 nadie podía sospechar el enorme éxito de esta franquicia. Sin historia en los cómics y sin una masa de fans grande, Marvel lanzó a la gran pantalla un grupo de héroes un tanto curioso. Con una mezcla inteligente entre acción y humor los guardianes han conquistado el corazón de millones de espectadores en todo el mundo. Ahora con el anuncio de la tercera y última parte de estos héroes galácticos se cierra una trilogía que antes del 2014 se antojaba imposible.

La última cinta de James Gunn en Marvel se antoja increíble

Del reparto de personajes de la película Guardianes de la galaxia vol.3 sólo tenemos confirmados dos nombres: Pom Klementieff como Mantis y Elizabeth Debicki como Ayesha, cuya primera aparición de ambas actrices aconteció en Guardianes de la galaxia vol.2. Pero tened por seguro que volveremos a disfrutar del resto de guardianes como Star-lord, Gamora, Drax, Groot y Mapache Cohete.

Sin más dilación os dejo el Tweet de James Gunn.

Un saludo y sed felices.

Los 25 libros imprescindibles de fantasía

La fantasía no pasa de moda. Pasa mucho tiempo en el olvido del gran mercado, en un sigiloso segundo plano donde los sólo los más seguidores siguen analizando las novedades. Pero cada poco sale de su guarida y millones de lectores quedan hechizados con sus emocionantes mundos imposibles. Hoy es la ambientación de Juego de Tronos, en su día fueron las películas de Harry Potter y de El Señor de los Anillos y, años atrás, fueron muchos de los libros de esta lista los que forjaron el género. Los libros imprescindibles de fantasía…

Si hace poco destacábamos los mejores libros de ciencia ficción, género hermano, hoy vamos con los 25 imprescindibles de la fantasía. Es una lista que destaca las novelas más importantes aunque, obviamente, habrá algún título que se eche de menos. En cualquier caso se trata de obras muy reconocidas en la mayoría de los casos y que han marcado un antes y un después.

Para complementar este artículo hemos hecho un vídeo resumiendo la selección de los imprescindibles de fantasía. Elegimos 10 para iniciarse en el género.

Si te gusta el vídeo no olvides suscribirte al canal. 

1 – El Señor de los Anillos (1954 – 1955)

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Puedes encontrarlo aquí ilustrado por Alan Lee

La Biblia de la fantasía. El clásico entre los clásicos. Poco hay ya que añadir a esta novela que está entre las diez más vendidas y leídas de nuestra historia. Fantasía en estado puro, pero madura, profunda, con elaboradas reflexiones que abordan las grandes cuestiones como telón de fondo. J.R.R Tolkien pasó su vida creando este mundo, y llegó a afirmar en su día que no le gustaría que su obra se convirtiese en un algo tan popular que generase club de aficionados. Su voluntad se cumplió pues no es un simple y reducido club lo que generó la veneración por el mundo de Arda. Igual para eso no debería haber escrito algo tan poderosamente bueno creando así las bases del género.

¿Y de qué va? Muy resumidamente: la novela relata el viaje de, Frodo Bolsón, un afable Hobbit que tiene que destruir el Anillo Único, que es la principal fuente de poder de Sauron, el señor oscuro. Por el camino se encontrará con diferentes razas y personajes que le ayudarán en su misión y en la guerra que provocará el enemigo para recuperar tan preciado tesoro.

2 – El Hobbit (1937)

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Compra el libro aquí. Lo disfrutarás más que las películas

Que sea el mismo autor y el antecedente a El Señor de los Anillos no debe engañarnos. Es el mismo mundo pero un formato diferente. J.R.R. Tolkien se estrenó en la fantasía con esta novela para niños que relata el viaje de un grupo de enanos y un hobbit. Los aventureros quieren recuperar un viejo tesoro que les pertenece por derecho pero tendrán que lidiar con el dragón Smaug y diferentes personajes.

Mucho más ligero y corto que el Señor de los Anillos pero igual de apasionante. Esta novela también fijó precedente en la fantasía y, dado su gran éxito internacional en popularidad y fama, merece un puesto alto en la lista.

3 – Las Crónicas de Narnia (1950 – 1956)

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Regálalo al mejor precio

La heptalogía de C.S Lewis relata las aventuras en Narnia, tierra creada por el león Aslan y poblada por animales parlantes y otras criaturas mitológicas que se ven envueltas en la eterna lucha entre el bien y el mal. Este mundo es visitado por cuatro jóvenes hermanos que acceden a él a través de un armario mágico que está oculto en una casa en la que están refugiados durante los bombardeos nazis en Londres durante la Segunda Guerra mundial.

Juvenil, ligera y, como era de esperar en un profesor amigo de Tolkien, llena de referencias mitológicas. Es también una de las novelas más vendidas, leídas y reconocidas.

4 – Harry Potter (1997 – 2008)

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Házte con la saga completa. Las películas molan, los libros más

J.K. Rowling desató una fiebre mundial en la que la fantasía juvenil estaba al orden del día. (De hecho aún sigue) La saga cuenta cómo Harry Potter, que malvive durante años tras ser adoptado por sus amargados tíos, descubre que es mago y que existe un mundo oculto donde la magia es lo normal. Eso sí, ahí también hay enemigos como Voldemort que sólo puede ser derrotado por el joven protagonista. A lo largo de siete libros conocemos una escuela de magia, el desarrollo de los personajes, los peligros que ese mundo conlleva y misterios que poco a poco se van resolviendo.

El primer libro, Harry Potter y la Piedra filosofal, es para niños, pero eso no debe asustarnos pues a partir del tercero, Harry Potter y el prisionero de Azkaban, existe una notable evolución hacia una literatura mas larga, profunda y madura. Es sin duda uno de las novelas más repercusión dentro del género.

5 – Canción de Hielo y Fuego (1996 – Fecha indeterminada, seguramente en este siglo XXI)

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Disfruta de la saga más famosa de George RR Martin

G.R.R. Martin dio un vuelco a la fantasía con esta hepatología que narra los eventos sucedidos en los Siete Reinos. Diferentes familias se disputan en Trono de Hierro y para ello, los personajes que componen estas casas, se verán sometidos a conflictos que no siempre podrán superar. En este crudo mundo de fantasía medieval los héroes no están a salvo. Pueden morir en cualquier momento. Pero los malos también. El autor logra mantener la tensión en cada capítulo, no sólo por su fama de matarife, sino por su maestría a la hora de relatar siempre desde el punto de vista de diferentes personajes que a menudo acaban interrelacionándose.

Hay violencia, tramas palaciegas, se xo, personajes carismáticos… muchos reclamos que la HBO supo apreciar para crear la famosa serie Juego de Tronos. De ahí que el éxito de la saga se multiplicase. Eso sí, no sabemos cuándo acabará pues al autor aún le quedan por escribir dos libros más. Y se toma su tiempo.

6 – Crónica del Asesino de Reyes (2007 – )

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Regala la trilogía

Patrick Rothfuss sorprendió a la crítica con un maravilloso saque: El Nombre del Viento, una novela de fantasía en la que se nos cuenta la vida de Kvothe, un aventurero, músico y mago que termina sus días como tabernero. Su pasado y hazañas son relatadas con gran maestría y estilo, atrapando al lector en una narración mágica.

La segunda parte, El Temor de un hombre sabio, resultó más larga y profunda pero igual de interesante. Y es que el autor hace que la historia, que ya de por sí es interesante –especialmente los días del protagonista en la universidad-, se disfrute por lo muy bien que está escrita.

7 – Crónicas de la Dragonlance (1984 -1985)

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Date un capricho y cómprate los libros

Margaret Weis y Tracy Hickman se unieron para relatar cómo los Héroes de la Lanza derrotan al ejército draconiano de Takhisis, poniendo fin a la Guerra de la Lanza. En esta primera trilogía se nos presentan a los personajes más conocidos de la saga:  Tanis Semielfo, Sturm Brightblade, Caramon Majere, Raistlin Majere, Flint Fireforge y Tasslehoff Burrfoot, que se reúnen cinco años después de separarse.

Ambientada en el universo de Dungeons & Dragons –y también en los eventos acontecidos en varias partidas de rol-, la novela se convirtió en un clásico en los ochenta gracias al éxito del juego de mesa. Luego la saga continuó y ganó seguidores, especialmente cuando la fantasía estuvo un poco de capa caída. Aunque hoy no es muy conocida fuera del género, es muy querida, reconocida y apreciada por los aficionados.

8 – El Ciclo Pendragón (1987 -1999)

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¿Te gustán los ciclos Artúricos? Adquiérelos aquí

Stephen R. Lawhead se atrevió a relatar las leyendas artúricas en una trilogía que acabó extendiéndose para cerrar todas las tramas y líneas argumentales. Por tanto la saga está compuesta por: Taliesin, Merlín, Arturo, Pendragon, Grial y, finalmente, Avalon –aunque esta es menos conocida-. ¿Y qué queda relatado aquí? Pues ya sabéis: Arturo, la espada Excalibur, los caballeros de la mesa redonda, Merlín, Mordred, Lancelot, Morgana, Avalon, la búsqueda del Grial… la saga épica celta que todos conocemos. Ahora bien, el autor le da un enfoque de ficción histórica. 

Merece la pena no sólo por cómo aborda el autor la famosa mitología sino por adentrarnos en una de las leyendas europeas más conocidas.

9 – Relatos de Conan el Cimmerio (1932)

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Conan me encanta. Yo lo he comprado aquí

Robert. E. Howard dio al mundo, además de la Saga de Solomon Kane, uno de los héroes de fantasía más reconocidos en la actualidad. Es cierto que los cómics posteriores y las películas de los ochenta multiplicaron la popularidad del  bárbaro más conocido del género, pero el origen data de los años treinta y llegó incluso a apasionar a muchos de los autores reconocidos de esta lista. Eso sí, juvenil hasta cierto punto, pues el protagonista es una bestia parda que no para de matar enemigos.

10 – Jonathan Strange y el señor Norrell (2004)

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Ya tienes un buen regalo a excelente precio

Susanna Clarke se estrenó con una maravillosa novela de fantasía ambientada en la Inglaterra del siglo XIX, con las guerras napoleónicas como telón de fondo. Se parte de la premisa de que la práctica de la magia había decaído en Inglaterra hasta casi desaparecer. Los personajes de ficción se alternan con otros históricos como Lord Byron o Jorge III.

Es una obra maravillosa, de lo mejor de este siglo. Es un universo rico, con una trama apasionante, profundo, y está narrado con un estilo arcaico que nos recuerda a Dickens o Austen. Es fantasía profunda, madura y elaborada. Un trabajo fruto de 10 años que nos deja una novela a la que muchos autores aspiran pero que pocos logran.

11 – El elfo oscuro (1990 – 1991)

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Un clásico de la fantasía que puede ser tuyo

R.A. Salvatore comenzó su famosa saga de Drizzt con esta trilogía compuesta por La Morada, El Exilio y El Refugio, donde conocemos las aventuras del drow más popular de los Reinos Olvidados. La mayor parte de la acción transcurre en el supercontinente de Faerûn que alberga una gran cantidad de historias desarrolladas en otros libros, el juego de rol Dungeon & Dragons, o videojuegos como Baldur’s Gate, Neverwinter Nights, Ice Wind Dale… Drizzt, que es un elfo oscuro exiliado, se rodeará de un grupo de aventureros para ir superando diferentes desafíos.

12 – La Saga del Brujo (1991 – 2015)

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Compra aquí la saga de Geralt de Rivia 

Andrzej Sapkowski está reviviendo un segundo éxito gracias a los videojuegos de The Witcher, que son reconocidos –especialmente el tercero Wild Hunt- como uno de los mejores títulos de los últimos años. Pero la historia de Geralt de Rivia comenzó hace más de dos décadas con la Espada del Destino, a la que continuarían siete novelas más.

La serie está profundamente influida por la fantasía épica occidental pero muestra también una gran conexión con las leyendas del este de Europa, algo que resulta fresco y novedoso. Además los héroes sufren, pierden y tienen sentimientos que reconocemos. Todo ello envuelto en una  trama política que modifica el mundo que rodea a Geralt.

13 – La Primera Ley (2006 – 2008)

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Un buen regalo que puede ser tuyo aquí

El prolífico Joe Abercrombie consiguió una gran repercusión en el mundillo de la fantasía con su trilogía compuesta por La Voz de las Espadas, Antes de que los Cuelguen y El Último Argumento de los Reyes, en cuyo mundo tiene más novelas ambientadas. En un estilo parecido a Canción de Hielo y Fuego se nos narra la historia de varios personajes muy bien trabajados entre los que destacan como principales el cómodo capitán Jezal, el sagaz inquisidor Glokta y el bárbaro Logen Nueve Dedos.

Esa una novela ambientada en un mundo extenso, cruel y cínico, pero que funciona por lo mismos motivos que funcionan las novelas de G.R.R Martin: la política cambia el mundo, afecta a los personajes y éstos se interrelacionan entre sí. Su éxito se debe, entre otras cosas, a que G.R.R. Martin tarda mucho entre libro y libro y claro, algo habrá que leer.

14 – Mundodisco (1983 – 2013)

mundodisco
La saga más divertida de la fantasía a un sólo click

El genial Terry Pratchet fue el encargado de aportar al género un universo lleno de humor. En sus delirante mundos podemos encontrar parodias de la fantasía clásica, de los mitos y leyendas de la antigüedad, de las novelas de H.P. Lovecraft, de Dungeons & Dragons e incluso de los Lemmings o el fútbol. Cualquier cosa vale para sacar una sonrisa mientras nos rodeamos de historias con enanos, hechiceros que no hacen magia y seres imposibles.

Las historias del Mundodisco –que son cerca de cuarenta- pueden leerse como obras independientes ambientadas en el mismo universo fantástico. Sin embargo, muchos de los libros pueden agruparse en grandes arcos argumentales que tratan distintos grupos de personajes y acontecimientos que se interrelacionan. Es decir, el protagonista de un libro puede ser un secundario en otro título o simplemente pasar por ahí a modo de cameo.

15 – La Historia Interminable (1979)

 

la historia interminable
Menudo clásico te puedes comprar aquí mismo

La novela de Michael Ende fue un éxito inmediato que acabó siendo traducida a 36 idiomas. En este libro, de carácter infantil, se mezcla la fantasía con el mundo real, pero con un planteamiento tan original como mágico: el protagonista, Box, que está leyendo la narración de un cuento, es determinante en ese mismo cuento que está leyendo. Años más tarde la película popularizó aún más la historia del guerrero Atreyu y el Dragon Fújur. Aunque el autor renegó de esa adaptación…

 16 – Malaz: El libro de los Caídos (1999 – 2011)

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Otra saga que te puedes regalar dándole al enlace

El canadiense Steve Erikson se ha distinguido por su complejidad y su extensión además de por un amplísimo elenco de personajes que se desenvuelven en el Imperio de Malaz. A lo largo de diez tomos nos encontramos tramas argumentales que se cruzan en interminables guerras originadas por la ambición de una sangrienta emperatriz.

Actualmente se trata de uno de los libros más reconocidos del género debido a que poco a poco ha ido sumando aficionados, entre otras cosas porque esta saga se compara habitualmente con Canción de Hielo y Fuego.

17 – Crónicas de Elric de Melniboné (1961 – 1977)

elric
Las leyendas de Elric a tu alcance o para compartir

Michael Moorcock nos narra las hazañas de Elric, el 428º Emperador de Melniboné. El protagonista es un auténtico antihéroe, algo extraño en la fantasía de aquellos años. No es un personaje pobre, es el emperador de lo que un día fue un imperio equiparable al romano. No es un bravo y musculoso guerrero, es un hechicero albino y anémico que necesita drogas para sobrevivir, y también ha vivido hechos traumáticos. Su espada Stormbringer y sus compañeros le ayudarán a superar diversas dificultades a lo largo de ocho tomos

La saga de Corum, ambientada en el mismo universo, también es muy recomendable.

18 – El Maravilloso Mago de Oz (1900)

mago de oz
Ya puedes regalar este clásico de todos los tiempos

Lyman Frank Baum no sabía que iba a ser uno de los fundadores de un género que aún estaba por desarrollarse. El mago de Oz ha sido uno de los libros más leídos del mundo y cuenta la historia de Dorothy, que aterriza en un lugar desconocido junto a su perro Toto al verse arrastrada por un tornado. La única persona capaz de devolverla a casa es el Mago de Oz, que vive en la Ciudad Esmeralda. Por el camino, además de diferentes peligros, conocerá a los que ya son clásicos de la cultura popular: un espantapájaros sin cerebro, un león sin coraje y un hombre de hojalata sin corazón.

19 – La Serpiente de Uróboros (1922)

La Serpiente de Uróboros
Un clásico precursor de El señor de los anillos a buen precio

Eric Rücker Eddison sitúa su novela en el planeta Mercurio, donde viven caballeros, reyes y heroicos guerreros inmersos en una lucha por poder. Hay grandes naciones, un rey brujo poderoso, un villano como es Gorice XII y, en definitiva, grandes conflictos.

Es un clásico del género entre otras cosas porque, aunque en su día no tuvo mucha repercusión, cuando años más tarde los críticos que leyeron a Tolkien buscaban una referencia acabaron citando esta novela.

20 – La Rueda del Tiempo (1990 -2014)

la rueda del tiempo
Son muchos libros, pero merece la pena comprarlos aquí

La rueda del tiempo es una prestigiosa y extensa saga de literatura fantástica creada por Robert Jordan. Está compuesta en su edición original por catorce libros (veinte en la edición española).

La historia es tan original como novedosa y tiene influencias de los elementos culturales del siglo XVI. Este complejo está movido por una fuerza central que mueve los hilos en las sombras: las Aes Sedai, una hermandad de poderosas mujeres capaces de entrar en contacto con el Poder Único que se obtiene de la Fuente Verdadera, fuente vital del universo que hace girar la Rueda del Tiempo. Este poder está dividido en dos mitades, masculina y femenina, y cada género sólo puede manipular una parte. Como vemos, se trata de unas “normas” muy diferentes a lo habitual a lo que, además, se suman otras leyendas y mitos.

21 – El ciclo de la Puerta de la Muerte (1990 – 1994)

ala de dragon
Un ciclo completo para regalar

Los creadoras de Dragonlance aportaron una muy interesante a la fantasía en un forma de una saga de siete tomos. Margaret Weis y Tracy Hickman nos ponen en un contexto bastante más novedoso que lo que venían haciendo hasta ahora: En una época futura, donde los poderosos seres Sartán han dividido el viejo mundo en cuatro, los patryn intentarán recuperar el poder. Estos enemigos viven en un laberinto creado por los mensch (elfos, enanos y humanos).

22 – La Leyenda de Terramar (1968 -2001)

un mago de terramar
Lo puedes disfrutar a buen precio dándole a este enlace

La prestigiosa Ursula K. Le Guin es la autora de esta saga que, aunque originalmente era una trilogía, ahora cuenta de cinco partes. En honor a la verdad reúne varios de los tópicos de la fantasía cuando todavía era un género prematuro y poco consolidado, momento en el que la autora buscaba crear un universo para ambientar sus cuentos. Así conocemos a Ged, un joven que parece poca cosa pero tiene un gran poder entre las manos. Es impetuoso y orgulloso, y en sus aventuras, en las que tiene que visitar las legendarias islas con dragones y escuelas de magia, acabará sufriendo por sus errores pero eso le moldeará como héroe.

Por cierto, existe una película valorada con un 5.7 en IMDB y un 4,8 en Filmaffinity. Si la veis hacedlo bajo vuestra propia responsabilidad porque muy buena no es…

23 – Crónicas de Ámbar (1970 – 1991)

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Aunque la portada es fea, el contenido es excelente. Llévatelo a tu casa

Las Crónicas de Ámbar son una serie de novelas fantásticas escritas por el prestigioso escritor estadounidense Roger Zelazny. La serie contiene dos volúmenes de cinco libros cada uno (diez en total) y tratan la historia de Carl Corey, que despierta con amnesia, encerrado en un hospital psiquiátrico de Nueva York. Tras escapar y reunir pieza a pieza la verdad descubre que realmente es Corwin, Príncipe de Ámbar, el verdadero mundo, del cual la Tierra es una mera sombra. Es uno de los nueve hermanos que luchan por el trono de Ámbar tras la desaparición de su padre, y enemigo mortal de uno de ellos: Eric, responsable de su amnesia y encierro.

24 – La espada de la verdad (1992 – 2015)

La espada de la Verdad de Terry Goodkind 3
Muchos libros para tu delite. Cómpralos aquí

Terry Goodkind puede presumir de que el mismísimo Sam Raimi estuvo  interesado en hacer una serie de su saga y, aunque The Legend of The Seeker no llegó muy lejos, ya es un mérito. En nada menos que 22 libros se nos cuentan diferentes historias basadas en el mismo universo y con personajes que se cruzan. El primer libro comienza con el relato de cómo la vida de  Richard Cypher se ve truncada por el brutal asesinato de su padre, que tenía insospechados secretos. La busca del asesino se convierte en una carrera contra el tiempo para salvar todas las tierras conocidas del dominio del mal.

En tan extensa saga vamos conociendo el estilo del autor, muy dado a sorprender con personajes que parecen una cosa y luego son otra, todo ello en un mundo donde rara vez hay descanso seguro.

25. Nacidos de la Bruma (2006 – 2008)

El imperio final
Una trilogía fantástica que puede ser tuya o del vecino. ¡Elige!

Aunque se trata de una saga que se extiende mucho en el tiempo nos vamos a quedar con la primera trilogía. Es decir: El Imperio Final, El Pozo de la Ascensión y el Héroe de las Eras, que estaban pensados como un sólo libro en un principio y se dividieron en tres. Con esto Bradon Sanderson se ganó al público gracias a una trama original en la que un oscuro señor tiene que ser derrotado… pero gracias a los poderes de los bastardos de sus súbditos, que con la alomancia, la magia que permite manipular el metal, lucharán contra él.

El lugar de honor:  Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas (1865)

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Regálatelo a tí mismo y se feliz

El germen de la fantasía nació hace más de un siglo, con un Lewis Carol que siempre defendió la imaginación como motor de crecimiento  intelectual en los niños. Ya entonces decían que su género no se iba a quedar nada más que algo infantil que no podía alcanzar madurez… y aquí estamos, siguiendo recomendando esta joya.

¿y qué decir de Alicia que no se haya dicho ya? Si aún siguen agobiándonos con películas basadas en el mundo creado por el matemático inglés es que poco podemos aportar. El conejo blanco, la oruga azul, el sombrero loco, la Reina de Corazones, el gato… estos son los curiosos personajes que la joven Alicia conoce en la obra y que ahora son parte de la cultura popular. Por eso, por su repercusión, esta novela merece un lugar de honor en cualquier lista de los básicos de la fantasía.

Análisis de El Cuento de la Criada. Temporada 2. Capítulo 10

Bienvenidos a un nuevo análisis de El Cuento de la Criada. Esta semana tenemos un encuentro romántico bastante previsible, choques maritales, escenas perturbadoras y encuentros emotivos, así que entremos de una vez en detalles y SPOILERS sobre este episodio titulado “La Ultima Ceremonia”.

Análisis capítulo a capítulo de la segunda temporada de El cuento de la criada.

Análisis de la primera temporada de El cuento de la criada.

Análisis de la novela El cuento de la criada, de Margaret Atwood.

Superviviente

Empezamos con Emily de regreso a la vida de criada, y realmente no entiendo cómo es que esta mujer sigue con vida. Descubrieron su relación con Martha, le practicaron una ablación, pasó un automóvil por encima a unos cuantos guardias, estuvo recogiendo residuos tóxicos más de medio año, envenenó y crucificó a una esposa, y ahora agarra a patadas a un comandante; en este punto lo más lógico sería que estuviera muerta debido a complicaciones médicas o por haber recibido un disparo en la cabeza, pero no, ella sigue resistiendo, aunque cada vez está más débil física y moralmenteelcuentodelacriada lascosasfelices 4En su conversación con June vemos que ni siquiera se siente digna de su hijo, ha perdido la esperanza del reencuentro. No sé qué más queda por explorar sobre su personaje. Quizá se una nuevamente a Mayday y colabore en algún atentado. La furia que lleva dentro es demasiado grande, empiezo a creer que  va a morir llevándose a los altos mandos de Gilead por delante al igual que Ofglen/Lillie Fuller. Espero estar equivocada y que pueda volver a ver a su familia.

Matrimonio

El romance entre Eden y el guarda se veía venir desde el primer momento en que interactuaron; es una adolescente en busca de aprobación, era obvio que se iba a dejar llevar por la más mínima muestra de interés. Nadie en esa casa ha intentado mantener una conversación de más de tres frases con ella, ni siquiera Rita que es con quien más tiempo comparte.elcuentodelacriada lascosasfelices1 2Ella puede ser inocente, pero no es tonta, al final ató cabos y descubrió que entre Nick y June ahí una relación especial. Me gustó mucho que explotara y se enfrentara a su esposo, lo que no me gustó tanto fue la reacción de él. Entiendo que tiene cosas mucho más importantes en las que centrarse, y que esto puede parecerle un drama adolescente, pero habría agradecido un poco más de empatía de su parte. Me parece una oportunidad desperdiciada. Poner a Eden de su lado y ayudarla a sobrellevar una situación, que es insoportable para ambos, podría haber resultado en una complicidad interesante.

 

Culpable

Los guionistas hicieron bien su trabajo llevándonos por un camino para luego girar repentinamente y sorprendernos. No sé tú, pero esto no era lo que esperaba de parte de la señora Waterford después del viaje a Canadá. Hasta donde hemos visto sus posiciones como ideóloga de los Hijos de Jacob estaban enfocadas en lo importante que era el que las mujeres se dedicaran única y exclusivamente a la reproducción y crianza, lo que es reprochable, pero poco comparado con todos los castigos y restricciones que idearon los comandantes en torno al ideal de garantizar la supervivencia de la humanidad.elcuentodelacriada lascosasfelices2 2Antes podía explicar el curso de acción de Serena por la manipulación de Fred y la religión, pero esta vez no se vio obligada a participar en la violación de June, ella lo escogió, tomó la decisión al sentir que la criada estaba retandola al no culminar la ceremonia de parto, o para expulsarla de su casa tan pronto como fuera posible. Cada escena de violación en esta serie ha sido dura, pero esta ha sido particularmente horrible. June sabía lo que le pasaría en las ocasiones anteriores, esta vez la tomaron por sorpresa y sintió la desesperación de intentar liberarse por la fuerza y no lograrlo. Cualquier oportunidad de redención por parte de Serena ha quedado anulada, esa mujer es absolutamente detestable.

 

Reencuentro

June intentó manipular a Waterford una vez más para conseguir ver a Hanna, al no lograrlo se enfrentó a él y, aunque no lo dijo textualmente, le dio a entender que él no es el padre del bebé que viene en camino. Después de violarla para acelerar el nacimiento, él accede y le pide a Nick que la lleve a ver a su hija. ¿Lo hizo porque se sintió culpable? Lo dudo bastante, él la violó precisamente para vengarse de sus palabras y poner en duda su hombría. Fred jamás había estado tan activo en las ceremonias,  lo disfrutó como nunca porque lo que lo complace es el poder, no el sexo.elcuentodelacriada lascosasfelices5 2Tengo dos teorías al respecto, la primera es que le haya permitido ver a Hanna para reafirmar ese poder, demostrándole que puede darle y quitarle tanto como se le antoje. Y la segunda es que la detención de Nick y abandono de June estuvieran calculados. Serena ya le había dicho a Waterford que él era incapaz de procrear y este empezó a dudar de Nick, pidió su traspaso e intervino para que le asignaran una esposa. Con lo que dijo en el estudio, June pudo haber confirmado esa sospecha, y dudo que al comandante le interese el hijo de la criada si no lleva sus genes, así que no veo tan descabellado que lo hiciera todo apropósito. Aunque, para haber lograr esto, no le habría sido necesario llevar a Hanna a esa casa.elcuentodelacriada lascosasfelices3 1Sea como sea, esta reunión ha sido muy conmovedora. Y más con el panorama político actual; es difícil ver ese momento y no relacionarlo con los niños inmigrantes separados de sus padres en Estados Unidos. June llevaba más de tres años sin verla, tenía miedo de que no la recordara o creyera que la abandonó. Descubrió que cambiaron su nombre y le dieron unos nuevos padres. Su hija va a tener una vida en la que ella no va a poder intervenir. Podría pedirle que no acepte a esos padres, que la espere indefinidamente; pero no lo hace. Pone el bienestar de su hija por encima de sus sentimientos,  tal como lo hizo al buscarle madrinas al hijo que viene en camino; le pide que disfrute de su vida tanto como pueda y la deja en manos de su martha, con la esperanza de que ella le ofrezca el cariño que puede que no reciba de la esposa y comandante a quien fue asignada.elcuentodelacriada lascosasfelices4 2Restan solo tres episodios para el final de temporada, el siguiente se llama “Holly”, el doce “Postparto”. Según esto, es posible que en el próximo June dé a luz, que sea una niña y por consiguiente, que el nombre del capítulo sea el nombre de su hija. Recordaros que tendremos como mínimo una temporada más de esta serie, yo aún no tengo muchas teorías sobre el curso que tomará, lo que si es que dudo mucho de la supervivencia de Nick. ¿Y vosotros? ¿Qué futuro le veis a esta historia?

Reseña de Green Valley, épica mezcla de géneros.

La mezcla de géneros es cada vez más habitual en todos los artistas que buscan la innovación. En el noveno arte no hay excepción. Prueba de ello es Green Valley, tomo cortesía de Planeta con un reputado equipo creativo: Max Landis, hijo del conocido director John Landis, autor del guión de la conocida película Chronicle y de Superman: American Alien; el dibujante Giuseppe Camuncoli (Darth Vader: Lord Oscuro); y el colorista Jean François  Beaulie.

Los caballeros de Kelodia son un grupo de cuatro guerreros que protegen la ciudad de Kelodia. Amigos inquebrantables que han superado todos los desafíos, Bertwald, Indrid, Gulliver y Ralphus contemplan como su ciudad cae incendiada por los bárbaros y el sentimiento de culpa los sume en una depresión. Especialmente a Bertwald, que ha perdido a su amada. Un año después, los cuatro caballeros son requeridos por un muchacho cuyo pueblo, Green Valley, está siendo acosado por un mago acompañado de dragones. No sin dificultad, los cuatro caballeros cabalgan hacia Green Valley sabiendo que ni los magos ni los dragones existen, así que… ¿Cómo afrontarán el nuevo desafío?

Sobre el papel, la historia de Green Valley (que no desvelaré) tenía todas las papeletas de ser una fantasía épica esquemática en su desarrollo y superficial en lo que al aspecto más polémico de la trama se refiere (el mago y sus dragones). Sin embargo, Landis, autor al que me comprometo a leer su obra, es un extraordinario guionista en lo que respecta a la caracterización de los personajes. Tanto es así que consigue que nos identifiquemos con ellos con unas pocas pinceladas en las primeras páginas. El líder que se debate entre una vida tranquila y el adictivo camino de la guerra. El fiel amigo que todo líder necesita. El joven impulsivo y pasional. El soldado impulsado por acciones que realmente no ha cometido. Sufrimos con ellos, aunque los giros sean esperados por la previsibilidad de la trama.

El tono de la historia es triste en la mayor parte de los nueve números que componen el tomo de Green Valley. En esencia, Green Valley habla sobre el seguir adelante, incluso cuando parece que no queda nada por lo que merezca la pena hacerlo.

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Personalmente, la mezcla de géneros me ha resultado algo extraña, en el sentido de que no consigue profundizar en ninguna de las dos vertientes. Hubiera sido más interesante centrarse en el aspecto más clásico, pero es cierto que se hubiera perdido ese componente de misión imposible, de lucha que no pueden ganar. Es un cómic entretenido pero con un enfoque que puede sorprender a la mayoría de sus lectores.

El dibujo de Camuncoli consigue aunar el tono medieval y el “tecnológico” en la historia. Green Valley es una delicia visual en ese sentido. El colorido que imprime Beaulie a la historia no concuerda con el tono sombrío de la misma, pero precisamente esa es una de las señas de identidad de Green Valley. Una historia triste que no está dibujada como tal, igual que una trama medieval que no es tal.

En definitiva, Green Valley es el mejor ejemplo de como una buena definición de los personajes es un pilar fundamental en una trama. Max Landis crea una historia sobre heroísmo, leyendas, conflicto entre lo antiguo y lo nuevo, honor, tecnología y, sobre todo, amistad. Acompañado por el magnífico dibujo de Camuncoli y el color de Beaulie, es un cómic interesante que no alcanza el sobresaliente por la mezcla de géneros, interesante sobre el papel pero inadecuada en la forma de afrontarlo. En Planeta Cómics encontraréis los nueve números en un tomo con las clásicas portadas alternativas.

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Los caballeros de Kelodia son los mejores en su tierra pero nunca se han enfrentado a un poder como el que reside en el Valle Verde. Ahora se embarcarán en la aventura de su vida para detener a un hechicero y matar a sus dragones… pero no existen ni la magia ni los dragones, ¿verdad?

El guionista nominado a un Premio Eisner Max Landis (Chronicle, Superman: American Alien) y el dibujante Giuseppe Camuncoli (Darth Vader: Lord oscuro), así como el colorista también nominado al Eisner Jean Francçois Beaulie te dan la bienvenida al mundo del Valle Verde… donde nada es lo que parece.

Ant-Man y la Avispa será una película clave en el universo cinematográfico Marvel

Con 20 películas en el Universo Cinematográfico Marvel (UCM), es natural que algunas cintas de La casa de las Ideas sean menos esenciales que otras. Sin embargo, ese no será el caso de Ant-Man y la Avispa por varias razones. La secuela de Ant-Man de 2015 será un importante hito del UCM ya que ayudará a impulsar la historia general de Vengadores Infinity War hasta Vengadores 4 (aún sin título) y también ofrecerá varios aspectos que son únicos por sí mismos.

El Reino Cuántico

En un sentido amplio, Ant-Man y la Avispa será fundamental porque explora la parte más pequeña del UCM: el Reino Cuántico. Este espacio es un reino subatómico que, en las películas actúa como una dimensión alternativa. Las leyes del espacio físico que nos rigen no se aplican en esta parte del universo. El espacio y el tiempo se reescriben, lo que significa que hay una posibilidad de que los personajes en ese espacio puedan evitar un cataclismo en el ámbito físico normal, como las acciones de Thanos al final de Infinity War.

El Dr. Spyridon Michalakis, físico cuántico que actúa como asesor científico de Marvel Studios, explicó el Reino Cuántico a la inversa como «un lugar donde la flecha del tiempo se rompió y la tela del espacio aún no estaba tejida».

ant man thanos

Algunas personas del UCM pueden acceder a este reino. El Doctor Strange puede, como cualquiera que tenga acceso a las Partículas Pym, que son las que permiten que Ant-Man y la Avispa cambien de tamaño. Ghost, el nuevo personaje en esta secuela, puede viajar por el reino, y aún no sabemos de que manera sus acciones, sus actos afectarán a las próximas películas Marvel. De todos modos, este reino casi seguramente terminará siendo una de las claves para derrotar a Thanos, el Titán loco.

Pero Ant-Man y la Avispa no es solo una cinta que habla de estos dos héroes. Hay más sorpresas como el placer de ver a Michelle Pfeiffer en su primer papel en el cine de superhéroes. Ella interpreta a Janet van Dyne, quien estuvo casada con el personaje de Michael Douglas, Hank Pym, antes de desaparecer en el el Reino Cuántico hace años. No sabemos exactamente cómo encajará en la historia pero al menos se cerrará una puerta que quedo abierta en la primera parte cuando Hank Pym relata como perdió al amor de su vida en el reino cuántico. Por fin veremos que pasó con su esposa años atrás.

ant man michelle pfeiffer

También tenemos el papel protagonista para el personaje de Evangeline Lilly, Hope, que ya entra a la batalla como la Avispa. Recordemos que en los títulos post-créditos de Ant-man (2015) ya la vimos frente a su traje de combate. Hemos esperado años para ver a Lilly pelear, y los trailers de la película sugieren que será la verdadera guerrera que todos sabemos que lleva dentro. Lilly también tiene una fuerte presencia en el cine, y desarrollar su personaje hasta el punto de poder desempeñar un papel más significativo en el UCM en el futuro, representa un gran paso para ella y para los héroes de La Casa de las Ideas, donde predominan los héroes masculinos.

Ghost, el nuevo personaje interpretado por Hannah John-Kamen, también es un villano potencialmente enorme para Marvel. Ella roba la tecnología Pym (tal como lo hizo Scott Lang en la primera película) y, por lo tanto, puede pasar hacer lo que quiera. En los comics de Marvel, Ghost termina como parte de los Thunderbolts, un equipo de personajes que los fans más acerrímos han teorizado que podrían ser parte del futuro cinematográfico de Marvel.

ant man ghost

Finalmente, también está la circunstancia de que Ant-Man y la Avispa fue desarrollado completamente por el director Peyton Reed. La primera película fue el producto de una década de desarrollo de Edgar Wright, que abandonó el proyecto no mucho antes de que se filmara Ant-Man. Peyton Reed intervino para dirigir, pero esa película no era del todo suya. Sin embargo esta secuela es enteramente suya y esperamos lo mejor del director y de la cinta.

Con todos estos elementos en juego, nuevos actores interpretando personajes importantes, la exploración de una dimensión masivamente importante y posiblemente clave para derrotar a Thanos en Vengadores 4, Ant-Man y la Avispa podría ser fundamental en el devenir de futuras películas Marvel. ¿Piensas igual o por el contrario crees que Ant-Man y la Avispa será intrascendente?

Un saludo y sed felices.

Reseña de Ghost in the Shell Arise: Sleepless Eye. La precuela de Ghost in the Shell

Introducción

Planeta Cómic ha publicado este mes de mayo el sexto manga de la colección Ghost in the Shell Arise: Sleepless Eye. La precuela del exitoso Manga/Anime Ghost in the Shell, inspirada en la famosa obra del mismo nombre de Masamune Shirow, a la cual el compañero Fernando dedidó el post Reseña de The ghost in the shell, el visionario manga de Masamune Shirow. Aunque también hay que decir que, en estilo y estética, Ghost in the Shell Arise: Sleepless Eye tiene mucha influencia de todo el material audiovisual de Ghost in the Shell. Entre dicho material brilla, con luz propia, la película Ghost in the Shell (1995) de Mamoru Oshii, de la que hablé en este post: Análisis de Ghost in the Shell (1995). El film que popularizó el manga de Masamune Shirow.

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Al estar ante el penúltimo tomo de Ghost in the Shell Arise: Sleepless Eye, he considerado que es un buen momento para hacer una reseña y valoración general de la obra, cuyo anime se analiza en profundidad en la magnífica guía Ghost in the Shell Perfect book 1995-2017. Guía a la que dediqué una reseña, que puedes leer en este enlace.

Esta vez es la serie la causante del Manga

Si en un principio fue el manga Ghost in the Shell (1989) de Shirow el punto de partida de toda las películas, animes y OVAs de esta soberbia franquicia, ahora ocurre al revés. Es el éxito de la serie Ghost in the Shell: Arise, el responsable del manga que nos ocupa.

En 2011 la  OVA Ghost in the Shell: S.A.C. Solid State Society 3D ponía fin a la serie Ghost in the Shell: Stand Alone Complex, cerrando así un exitoso período de GITS. Habría que esperar hasta 2013 para ver un nuevo producto de animación de Ghost in the Shell. Se trataba de Ghost in the Shell: Arise, dirigida por Kazuchika Kise. El que fuera director de animación en Ghost in the Shell, Innocence y Solid State Society sorprendió a propios y extraños planteando Arise no como una secuela sino como una precuela. Kise reinterpretó el mundo de Ghost in the Shell remontándose al contexto en el que se encontraban los protagonistas antes de que la Mayor Motoko Kusanagi los conociera y reuniera en una fuerza especial de la  policía japonesa especializada en crímenes cibernéticos. Este nuevo escenario de juego es aprovechado por Kise para darle un aspecto más fresco a la franquicia. No es difícil imaginar que con esta estrategia se buscaba ofrecer un producto que aportara más información y disfrute a los incondicionales de Ghost in the Shell, a la vez que trataba de conseguir nuevos seguidores, con un tipo de animación acorde al momento.

La iniciativa fue un éxito. Resultado del mismo es que, en el 2015, se comenzó a publicar Ghost in the Shell Arise: Sleepless Eye. Siete mangas que lleva Arise a las viñetas.

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El equipo creativo al mando de este proyecto es el guionista Junichi Fujisaku y el dibujante Takumi Oyama. Fujisaku ya conoce el terreno en el que pisa porque había estado involucrado en proyectos previos de Ghost in the Shell mientras que Oyama es el novato. ¡Pero que novato! Su dibujo, más en la línea de la animación que del manga de GITS, capta a la perfección todo el entorno del mismo y de sus personajes como si los hubiera creado él. Así que es de suponer que Fujisaku hizo una gran labor de asesoramiento.

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Cierre

Yo soy un gran admirador y seguidor del enfoque de Ghost in the Shell desarrollado por Mamoru Oshii y por Kenji Kamiyama. Considero que es lo mejor que se ha hecho de GITS y ha dejado el listón altísimo. Nada de lo que se ha hecho después ha llevado a ese nivel y Arise no es la excepción. Si bien el manga supera, en lo que ha dibujo se refiere, a la obra original. De ahì que Ghost in the Shell Arise: Sleepless Eye pueda considerarse un producto bastante bueno y accesible para los que conocen GITS exclusivamente por la animación.

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Lo que no soy es muy amigo de precuelas por considera que, al final, es chupar de lo mismo e incurrir en contradicciones. Esto no ocurre aquí. Tanto el anime como el manga de Arise aportan información complementaria y novedosa al universo de GITS, encajando como un guante en la continuidad del material oficial de Shirow. Se que estoy sonando muy tópico pero es la verdad.

¿Es entonces una lectura recomendable? Si eres un purista de la obra original y/o sólo te atrae de Ghost in the Shell la parte audiovisual de Oshii  y Kamiyama pues no. Pero si te gusta todo lo relacionado con GITS este manga es un buen complemento. No te defraudará.

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Crítica de Patrick Melrose: la importancia del tiempo

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Últimamente, en la ficción televisiva, ya estamos acostumbrados a que grandes nombres provenientes de la gran pantalla se embarquen en la pequeña como aventura narrativa, subiéndose así al carro del boom serial. Pero los casos que quizás pasen más desapercibidos son los contrarios. Las series han alcanzado unos niveles de relevancia más que respetables como medio narrativo y el hecho de empezar en el medio, puede llegar a suponer para muchos darse a conocer y llegar al cine. Este es el caso de Benedict Cumberbatch, actor prácticamente desconocido hasta que protagonizó Sherlock, serie que lo catapultó rápidamente al estrellato, permitiéndole trabajar junto a grandes como Spielberg o ser un nombre digno tras el que poder sustentar blockbusters.

Quizás porque la televisión fue el medio que le vio nacer, la miniserie Patrick Melrose supuso el ansiado regreso del actor al formato serial. Basada en las 5 novelas homónimas del autor Edward St Aubyn, la serie pone sobre la mesa un retrato hábil y desagradable, que respira un aire distinto desde sus primeros minutos.

Amarga e incomoda

La historia se centra en Patrick Melrose, un joven británico politoxicómano de padre abusivo y madre negligente repleto de problemas. A raíz de su presentación con la muerte de su padre, la serie busca abarcar en sus cinco capítulos algunos de los momentos más relevantes y traumáticos de su vida. Patrick Melrose no está diseñada para ser agradable, a pesar de su ácido humor y el continuo cariz sarcástico que desprende, los temas centrales son angustiantes y determinadas situaciones pueden tornarse opresivas. Gran parte de ese trabajo se debe a la estelar actuación de Benedict Cumberbatch, que brilla como nunca interpretando a un personaje repleto de traumas e incapaz de controlar sus propias emociones. De hecho, la serie en ocasiones parece ser un mero escaparate para que el actor se luzca, pero es tal el espectáculo que se puede pasar por alto.benedict cumberbatch patrick melrose sky atlantic

Patrick Melrose tiene un ritmo especial. Quizás sea por su peculiar número de episodios o por los lapsos de tiempo que pretende abarcar, pero la serie tiene un caminar distinto, sufriendo cambios de tempo radicales en el mismo capítulo. Por supuesto que en todas las series hay momentos de mayor y menor intensidad, pero aquí el contraste es abismal, como si el respirar del episodio y del protagonista fueran idénticos, fomentando una sensación de intranquilidad similar a la de todo aquel que rodea a Patrick, esperando la inevitable explosión de un hombre consciente de sus traumas pero incapaz de controlar el dolor de su recuerdo.

Estética cinematográfica

Gran parte de la capacidad evocadora de la serie, se debe a su componente estético. Vivimos en una sociedad que cada vez se rige más por lo visual y la mayoría de productos artísticos y de ficción, ya procuran ser agradables a la vista o resultar cautivadores. Pero, a pesar de este auge en la relevancia de lo estético, rara vez se produce una simbiosis con el mensaje y tonalidad. Son muchas las series agradables a la vista, pero pocas trascienden la vacuidad superficial y convierten la estética en una arma evocadora capaz de conmover. En Patrick Melrose.

El trabajo puesto en la dirección de fotografía es impecable. Tanto las puestas en escena como las variaciones y contrastes en las paletas de color, contribuyen a crear una atmósfera cautivadora, modulando las tonalidades en función de la emoción predominante y consiguiendo que hasta las situaciones más angustiantes resulten atrayentes sin perder un ápice de la amargura del momento. Una faceta estética muy evocadora que se ve reforzada por la fuerte presencia de estupefacientes y traumas, elementos que le permiten a la serie jugar con simbolismos y mundos oníricos de manera puntual que afianzan la emotividad y hacen más refrescante su visionado.

La importancia del tiempo

Pero si hay alguna característica por la que la serie es especial, es por su uso del tiempo. Al estar cada capítulo dedicado a una fase concreta de la vida del protagonista, se consigue que cada entrega sea una pequeña historia que, al ser lo suficientemente autoconclusiva, satisface parte de la necesidad de clausura del espectador, pero contribuyendo también a la creación de una potente y más interesante imagen de conjunto. De hecho, da la sensación de que cada capítulo podría estar asignado a una de las cinco fases del duelo, robusteciendo y profundizando de este modo en las distintas etapas por las que pasa Patrick a lo largo de su traumática vida repleta de esnobismo y malas compañías.cumberbatch

Patrick Melrose es el amargo relato de la conciliación con las experiencias traumáticas, la historia de una persona rota que se mueve por el miedo y sin mirar atrás, buscando alejarse de quiénes le causaron dolor pero alejándose de todos. Una miniserie confeccionada con mucho mimo y que pone sobre la mesa toda una serie de propuestas en cuanto a ritmo y evocación merecedoras de respeto o, al menos, de un visionado.

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