En este mundo de redes sociales, de blogs y de webs especializadas, de opiniones constantes, a veces parece instaurarse una corriente de opinión que, si uno se fija detalladamente, no parece estar muy fundamentada. Hay determinadas páginas que hacen leña del árbol caído, aunque tampoco nosotros, en esta web, estamos exentos de culpa.
De esta forma se instaura en el imaginario colectivo la idea de que una película es espantosa cuando la realidad es que tampoco hay para tanto. Eso suele darse inmediatamente después del estreno de la cinta en cuestión, y a veces incluso antes. Así que, con ánimo justiciero, vamos a intentar poner las cosas en su sitio. Por orden de estreno, estas son 5 películas que en su momento fueron arrastradas por el fango y ahora, años después, podemos constatar que no son perfectas pero tampoco malas.
Star Wars. Episodio I: La amenaza fantasma (1999)
Años y años esperando una nueva película de Star Wars y cuando por fin se estrenó el Episodio I, la película que debía devolvernos a la niñez y contarnos el origen de Darth Vader, la crítica y los fans de toda la vida, esos que crecieron con Star Wars, la pusieron a caldo. Que si el título era malo, que si era muy infantil, que si demasiada pantalla verde y pocas maquetas, que si Jar Jar Binks, que si los midiclorianos, que si el misticismo a la mierda,… ¡qué si Darth Maul no tenía carisma!
Buenos, pues todo exagerado. Más de 20 años después de su estreno, La amenaza fantasma se revela como una gran película de aventuras, con un jedi que ha pasado a la historia de los jedi (no te lo perdonaremos jamás, George Lucas, que matases a Qui-Gon Jinn. Jamás), con un villano que ahora parece el no va más del carisma, con los midiclorianos aceptados como canon, con unas naves que ahora molan porque las conduce un mandaloriano con un baby joda que flipa con su velocidad y con una escena, la carrera de vainas, que ha trascendido más allá de su homenaje a Ben-Hur y que ya se cuenta como una de las mejores de toda la saga galáctica. Eso si, Jar Jar Binks sigue igual.
Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008)
Si al episodio I lo esperábamos como agua de mayo, no os cuento nada de la cuarta entrega de Indiana Jones. Que si regresaba Harrison Ford, que si Karen Allen, que si Steven Spielberg,… Aun hoy en día no entiendo el porqué de la tirria que muchos le tienen a la película. Para mí, la abertura es brillante, dejando claro la época en la que estamos y jugando con la propia mitología del arqueólogo, aparcada en el área 51. A partir de aquí, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal resulta una película completamente consciente de lo que es, un producto con vocación de serie B pero con presupuesto abultado, un homenaje a los seriales pulp con los que creció George Lucas.
El problema de la – por ahora – última película de Indiana Jones no es de la película en si sino de los espectadores que, al contrario que los responsables de la cinta, no supieron asumir en su momento que el tiempo pasa y no pasa en balde. Ya lo dijo en su momento Rafa Marín en una entrada en su blog que os invito a leer:
«ver hoy una película de Indiana Jones viene a ser exactamente lo que esperamos que sea: sumergirnos durante dos horas demasiado cortas en ese mundo de casualidades y requiebros, donde todo sale bien aunque no a la primera, y donde el humor primario se funde con una puesta en escena como sólo es capaz de presentar el primero de la clase, ese que siempre trae los deberes hechos. Buscar otra cosa, pretender otro estilo, incluso tratar de recuperar la sorpresa primera de encontrar al arqueólogo y su mundo privado es tan absurdo como tratar de revivir el primer beso o experimentar la misma emoción que cuando descubrimos que la letra i era ese palito que tenía un puntito encima.»
Y lo de la nevera a mí me pareció muy divertido.
Conan El Bárbaro (2011)
Seguimos fuerte. Lo he dicho varias veces: el Conan de 2011 es mucho mejor película que el Conan de 1982. Es infinitamente más fiel al Conan literario de Robert E. Howard que la cinta que parieron John Milius y Oliver Stone. Ambos se pasaron por el arco de triunfo al personaje, hicieron lo que les dio la real gana con él y se despacharon con una película que si ha sobrevivido al paso del tiempo es por el carisma de Arnold Swarzenegger y por la música de Basil Poledouris. Ese Conan se ha instalado en el imaginario colectivo de tal forma que mucha gente cree que no hay otro posible, cosa que me quedo clara cuando leí un comentario en Facebook que decía que no había piratas en la Era Hiboria y que aquello de que Conan había nacido en el campo de batalla no se lo creía nadie.
La película de Marcus Nispel (que sustituyó en el último momento a Brett Ratner y que de forma injusta, no ha vuelto a dirigir nada) cuenta con un Conan que no anda falto de carisma. A ver, que alguien le niegue eso a Jason Momoa si se atreve. El problema de la película es querer dar demasiadas versiones de la vida de Conan en 113 minutos y luchar contra la nostalgia. El Conan de 1982 pesa demasiado pero os invito a verla de nueva: se hace lenta, pesada y ha envejecido fatal.
El Hobbit, la trilogía (2012 – 2014)
A Dios pongo por testigo que tengo la trilogía en DVD en versión extendida y que la he visto más veces que la de El Señor de los Anillos(¡Herejía!). ¿Por qué? Pues porque en cuanto a producción y ambientación es lo mismo (si no mejor) pero la trilogía de El Hobbit resulta mucho más divertida, menos solemne. Y es cierto que de una novelilla hicieron tres películas, que añadieron cosas que en la novela se mencionan de pasada y que inventaron lo que para algunos es un romance imposible pero, lo que ampliaron, lo hicieron bien y lo hicieron mejor.
Hay varias partes de El Hobbit que resultan mucho, mucho mejores que las narradas en la novela (¡arderás por hereje en el Monte del Destino!), aunque sea a nivel visual: el bosque negro, la huida en los barriles, la ciudad del lago, el reino bajo la montaña,… Los personajes están mucho mejor definidos y se ha profundizado más en ellos que en la novela, donde no se profundizaba nada. Especialmente significativo es el caso de Thorin Escudo de Roble, un personaje mucho más complejo y con más aristas que las que nos cuenta Tolkien en su novela.
¿Por qué se hace tanta saña con El Hobbit? Pues porque hay mucho fundamentalista de Tolkien y porque el CGI tampoco estaba todo lo currado que debería. Como me dijo Raúl Sánchez, El Hobbitno es la octava maravilla del mundo pero la vuelves a ver y ni de lejos es tan mala como uno recuerda.
Cazafantasmas (2016)
En lo que fue un claro linchamiento en redes sociales, Cazafantasmas (2016) se estrelló mucho antes de su estreno. No habría piedad para las cazafantasmas, aunque estuviesen bendecidas por Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson e incluso Sigourney Weaver, aunque los personajes de Jillian Holtzmann (una Kate McKinnon que se come al resto del reparto) y Kevin Beckman (un Chris Hemsworth que descubrió aquí que su vena cómica le iba a dar mucho juego) resultasen desternillantes, aunque la historia y la película fuesen infinitamente mejores que esa mierda que es Cazafantasmas 2,… todo eso dió igual. Las chicas estaban sentenciadas.
¿Es Cazafantasmas (2016) mejor que la original? Ahora creo que no pero está a la par. ¿Mejor que la segunda? Como de aquí a China. ¿Mejor que Cazafantasmas: Más Allá? No. Esta última es un ejemplo de cómo se tienen que hacer las cosas, aunque recurran a la nostalgia y reciclen argumentos, ideas y personajes de hace casi 40 años. La película de Jason Reitman está tan bien hecha, desborda tanto cariño hacia la historia y los personajes, que se le perdona ese canto a la nostalgia. Pero la película de las cazafantasmas no es mala, ni mucho menos. Es divertida, te ríes y pasas un buen rato, que es a lo que aspiraba también la original. Un saludo y sed felices.
Tres años después de su polémico final, volvemos a Poniente y al universo ideado por la mente maestra de George R. R. Martin. En un mundo dominado por Netflix, el fenómeno televisivo (junto a Perdidos) del siglo XXI fue la fantasía épica con dejes de telenovela familiar Juego de Tronos. Ahora es el turno de La Casa del Dragón, precuela centrada en los Targaryen.
En Las cosas que nos hacen felices somos muy aficionados al mundo creado por George R. R. Martin, como se puede comprobar con todos nuestros artículos.
Seamos claros. Juego de Tronos, esa serie de fantasía heroica que derivó en fenómeno mundial, era pura contradicción entre guerra y dialéctica. Por un lado, su elemento más valorado era el excelente desarrollo de personajes que convertían las continuas maniobras políticas en un fascinante juego cocido a fuego lento. Por otro lado, la espectacularidad que poco a poco iba entrando en la serie (batalla del Aguasnegras, del Muro…) acabó cebándose con una trama que abandonó su primer valor, con el nefasto resultado de sus dos últimas temporadas.
Pues bien, en este tercer episodio, tanto Ryan Condal como George R. R. Martin dejan claro que no piensan abandonar esta mezcla, como prueba un episodio situado en un par de localizaciones y en el que encontramos tanto política como batallas. Réplicas y vísceras.
LA POLÍTICA
Tres años han pasado desde el final del segundo episodio. Dos cosas quedan meridianamente claras: ni el tiempo se va a usar con prudencia en esta serie ni los personajes tienen la complejidad de la vista en Juego de Tronos. Prueba de ello es el número de ellos y la escasa importancia de la inmensa mayoría de secundarios. ¿O acaso Jason Lannister no es intercambiable por un Strong?
Eso sí, los acontecimientos se suceden con interés. Dos sucesos inesperados (al menos para mí) han ocurrido. Lo primero, que Viserys y Alicent han demostrado ser unos titanes en esto de procrear y, en tan solo tres años, han tenido un hijo (Aegon) y la reina consorte está embarazada del segundo.
Lo segundo, que Daemon y Corlys Velaryon han sido bastante menos intimidantes de lo previsto frente al pirata cangrejo. La guerra se ha prolongado durante tres años y el hermano de Corlys, Vaemond, pide ayuda a la Corona. Viserys, por el momento, se niega a dar fin a una guerra que dos renegados comenzaron.
Es el segundo día del nombre de Aegon y, para celebrarlo, Viserys ha organizado una cacería en el Bosque Real. Rhaenyra da por hecho que el cumpleaños supone la evidencia de que su papel como sucesora ha llegado a su final, por lo que rechaza sistemáticamente las peticiones de su padre, así como el contacto con su madrastra, antaño mejor amiga, Alicent Hightower.
Sus sospechas adquieren consistencia cuando Jason Lannister, todo un pavo real, se ofrece a Rhaenyra para ser su esposo. Y claro, la joven se siente toda una moneda de cambio. Se cabrea y se marcha, siendo perseguida por un leal Criston Cole con el que poco va a tardar en saltar chispas.
En la mejor escena del capítulo (no, no es ese tan cacareado final), un solitario Viserys bebe vino compulsivamente mientras su corte se relaciona sin dirigirle la palabra…salvo para tratar el tema de la sucesión. Que grande Paddy Condisine. Todo un acierto su elección para el papel.
Contra todo pronóstico, aunque nosotros lo vemos venir por cómo se toma los “augurios” que una y otra vez quieren ponerle delante de sus narices, Viserys no pretende nombrar a Aegon como heredero, sino que se mantiene firme en su decisión de apostar por Rhaenyra. Su maniobra con Jason Lannister nace del patriarcal deseo de hacer feliz a su hija. Y claro, como buen rey medieval, no hay nada mejor que encasquetarle un maromo a su hija rebelde.
Como tal, se le realizan tres propuestas. Jason Lannister se ofrece a sí mismo, Otto Hightower a Aegon, el pequeño hermanastro de Rhaenyra; y el mejor consejero que tiene (que no sé ni cómo se llama, otra muestra del escaso papel de los secundarios en La casa del dragón) a Laenor Velaryon, el hijo mayor de Corlys y el heredero de la casa más pudiente del reino.
Finalmente, Viserys opta por dejar que su hija decida sola. Los motivos se revelarán después, pero son totalmente coherentes con el personaje mejor construido de lo que va de serie.
Entre tanto, Rhaenyra se aleja de la corte y pasa el día en el bosque con su caballero. Ambos sobreviven a un jabalí, con el que la princesa acaba con saña, con su rostro empapado de sangre.
No sin antes contemplar al deseado venado Blanco, augurio de un futuro importante. El venado más flojete es ejecutado de forma escasamente noble por el rey Viserys, dubitativo mientras la corte asiste con tantas ganas de que remate al pobre animal como si fuera la propia Rhaenyra. Y así, que un hombre gobierne en el Trono.
Pero, como he dicho antes, Viserys no tiene ninguna intención de cambiar de heredero. Por culpa de su obsesión por un varón, la mujer que amaba murió en el parto y el remordimiento le ataca.
En principio, parece que Alicent, pese a las presiones de Otto, desea que Rhaenyra reine y sus hijos pasen a un segundo plano, pero la Mano del Rey y padre de la Reina no es de la misma opinión…
Finalmente, pasó lo que debía haber pasado al principio del episodio. Pero entonces no tendríamos episodio. Es decir, que Viserys y Rhaenyra hablan abiertamente y su padre le promete que ella será la reina y que podrá elegir con quién casarse…con la condición de que se case.
LA GUERRA
El pirata Craghar, un sádico consumido por la psoriagrís, es un astuto líder que sabe cómo escabullirse de los dragones, escondiendo a sus hombres en cuevas. La guerra ha desgastado al ejército de Corlys y Daemon.
Al final del episodio, la moral de los hombres está hundida y llega la deseada ayuda del rey, convencido por Alicent para ir en busca de su hermano. Pero Daemon, hasta entonces un líder incapaz, se muestra con determinación y odio frente a su hermano. Acepta la táctica de Laenor y se muestra como cebo en la primera gran escena épica de la serie. Eso sí, parece que repele las flechas el Targaryen.
Aunque carece de la fuerza narrativa de las mejores batallas de la serie madre, no hay duda de la inversión de HBO. El resultado, Daemon, como Rhaenyra, también manchado de sangre: la del pirata Craghar, asesinado fuera de campo.
Pero eso no es todo y es que resulta que una semana después de llegar a las plataformas digitales, Top Gun: Maverick está batiendo nuevos récords como el lanzamiento digital de venta directa de la primera semana más vendido de todos los tiempos en los Estados Unidos. AdemásTop Gun: Maverick también se ganó el reconocimiento de ser el artículo más vendido en Amazon en los EE. UU. en todas las categorías del sitio el día 1. Por otro lado ocupó el primer lugar en la plataforma de Fandango de streaming bajo demanda desde su debut, y en Vudu con las dos películas Top Gun y Top Gun: Maverick, pack que ha sido el más vendido.
Top Gun: Maverick actualmente se mantiene firme como la película número 6 con mayor recaudación en la taquilla americana, siendo la película más taquillera de Tom Cruise en su impresionante carrera, y es obviamente el título número uno en taquilla de 2022. El público siente la necesidad de la velocidad y está haciendo nuevos revisionados de esta secuela de alto octanaje.
Y eso no es todo y es que con un fin de semana de vacaciones en el horizonte y el verano terminando, existe una gran posibilidad de que Top Gun: Maverick pueda reclamar el primer lugar en la taquilla este fin de semana, convirtiéndola en una de las pocas películas que comenzaron y terminaron el verano en el puesto número 1.
¿Habéis visto la película? Parece que el bueno de Tom no hay quien lo pare. Esperemos que en 2023 con la nueva de Misión Imposible vuelva a romper récords. Nosotros estaremos aquí para informaros.
Realmente Solo Leveling es uno de los mejores manga que existen actualmente, ¿o debería decir Manhwa? Si no conocéis este manhwa os puedo decir que es el que más éxito tiene en Corea y es un auténtico acontecimiento.
Solo Leveling Volumen 5, y la vida sigue igual
El Estudio Redice es el que ha creado este magnífico manga, (ahora explico que es esto de manhwa) con DUBU a la cabeza del excelente dibujo y Chugong como guionista. Tengo que decir que DUBU ha muerto en julio de 2022 por problemas de salud. DEP.
¿Os habéis fijado cuantos autores asiáticos mueren por problemas de salud? Pero que mueren jóvenes, no os penséis que han muerto plácidamente en su casa a la respetable edad de 90 años. No. La presión de entregar x páginas o x dibujos a la semana, sin descanso, sin vacaciones, sin dormir, trabajando de noche a noche, hace mella en el ser humano, y en estos autores se ceba.
Actualmente esta muy de moda leer en Webtoon, que es leer en el móvil o en la tablet como si fuera un scroll infinito. Lo subes y bajas con el dedo y todo se lee de forma continúa. Pues Solo leveling es la versión en papel del Webtoon más popular. Con todo ello no quiero decir que sea el mejor manhwa, solo confirmo que es el más popular. Y la versión en papel es la que ahora estamos comentando, o al menos en este caso recomendando. Porque estamos ante un manhwa como dije antes, que es la versión del manga pero realizado en Corea, la del sur, por supuesto.
Es tal el éxito de esta franquicia que ya se está desarrollando un anime y un videojuego, y es que Solo leveling está causando furor en Asia y en occidente. En Estados Unidos también está teniendo un éxito enorme esta serie.
Mi amigo y compañero Álvaro Pache ha hecho un gran trabajo trabajo reseñando los 4 primeros tomos de Solo Leveling y creo de recibo poner aquí sus palabras explicando de que va todo esto:
Para simplificar, el mundo de Solo Leveling nos trae elementos que podemos reconocer de juegos de rol online a una meta-realidad en la que un buen día, a lo largo y ancho del globo, empiezan a abrirse portales de los que salen monstruos. Junto con la aparición de estas criaturas surgen los ‘despertares’, un fenómeno en el que seres humanos corrientes y molientes, a priori elegidos al azar, ganan habilidades sobrehumanas y se convierten en los llamados ‘Cazadores’.
Estos Cazadores, que se dividen en rangos desde el E (el más bajo) hasta el A tienen como misión adentrarse en estos portales, que albergan mazmorras, y eliminar a los monstruos de su interior antes de que escapen y causen estragos en nuestro plano. Dentro de las mazmorras existen premios, armaduras y armas fantásticas e incluso ‘jefes finales’ que controlan a los demás monstruos. Como podéis ver, muy en la línea de un videojuego.
Y es que aunque la premisa parece muy sencilla, pero luego hay que llevarla a cabo, y el desarrollo de juego de rol, pero versionada a lo videojuego, hace que Solo Leveling te enganche. Además es una historia de superación y hace que te des cuenta que cualquiera puede ser el héroe de la historia, solo tienes que tener ganas y algo de suerte, como todo en la vida.
El mercado está lleno de mangas de todo tipo. Los hay mejores y peores, pero este manwha es uno de los más interesantes hoy en día. Recomendado.
YA ES OFICIAL: JINWOO ES EL NUEVO CAZADOR DE RANGO S DE COREA!
Mientras espera a que la asociación confirme oficialmente su nuevo nivel, Jinwoo decide aprovechar el tiempo colaborando en algún raid que le permita obtener información y experiencia con la que derrotar a los demonios y subir de nivel. Pero no ha valorado el revuelo que se formará cuando se anuncie a un nuevo rango
Bienvenidos al análisis del tercer episodio She-Hulk: Abogada Hulka, titulado «El pueblo contra Emil Blonsky», un capítulo en el que la serie reafirma su tono de comedia legal y que vuelve a contar con un invitado especial de lujo (o bueno, dos).
Como nos habían prometido, después de la presentación del personaje y su entorno, la serie se convierte en una comedia legal al más puro estilo Ally McBeal. Esto no quiere decir que se deje de lado el entramado del UCM, todo lo contrario. Los guionistas demuestran ser muy hábiles para usar todos los elementos de Marvel a su disposición y usarlos como elementos principales dentro de los juicios que nos muestra este episodio. Porque si amigos, vamos a ver dos procesos judiciales en los que nuestra protagonista y sus compañeros del Departamento de Derecho Superhumano van a dar cuenta de lo loco y divertido que puede llegar a ser el UCM.
Hulka ya está plenamente asentada en su nuevo trabajo
Para empezar, tenemos a Jennifer rompiendo la cuarta pared para avisarnos de que esta no va a ser una serie en la que los invitados especiales lleven el peso de la trama… para justo después ver que Wong, el Hechicero Supremo, será un personaje muy importante. Hulka sabe que vive en una serie, algo que de momento da lugar a comentarios meta que le dan mucha vida y hace que los chistes funcionen («Tramas A y B unidas»).
El hilo conductor de este capítulo es el esfuerzo de Jennifer Walters / Hulka por convencer a un jurado de que Emil Blönsky / Abominación merece reinsertarse en la sociedad. Recordemos que Emil se había fugado y había sido visto peleando en un “Club de la Lucha”, pero se entregó a las autoridades en cuanto pudo. Le cuenta a nuestra protagonista que no se fugó, sino que fue Wong quien le saco a la fuerza de su celda. Esto abre una nueva vía de defensa legal, para la que es indispensable localizar al Hechicero Supremo y que confirme si esto es cierto ante la comisión de libertad condicional.
Jennifer y su cliente discuten la estrategia legal
El otro juicio al que vamos a asistir tiene mucha más gracia. Dennis Bukowski, el amargado rival de Jennifer que conocimos en los episodios anteriores, demanda a una elfa cambiaformas asgardiana por daños y perjuicios después de que tomase la forma de Megan Thee Stallion para comenzar una relación amorosa que usó para estafarle 170 mil dólares. El encargado de llevar el caso será Pug, compañero de Jennifer en el Departamento de Derecho Superhumano. La clave para ganar será poder demostrar que Dennis es tan tonto y tan engreído que realmente se creía que Megan Thee Stallion tenía una relación con él, algo que consiguen gracias al testimonio de nuestra protagonista, que da su opinión sobre su antiguo compañero dejándolo en ridículo, pero haciendo que gane el caso.
La elfa cambiaformas que estafó a Dennis Bukowski
En cuanto al asunto de Emil, al final consiguen localizar a Wong que confirma lo que había dicho el prisionero y acepta testificar ante la comisión, aunque llegue un poco tarde y ponga de los nervios a Jennifer. Ese testimonio es definitivo y Emil logra salir en libertad condicional para irse a vivir con sus siete novias y dar la primera victoria a Jennifer en su nuevo trabajo.
El capítulo acaba con el asalto de un grupo de sicarios a Jennifer que no tiene demasiadas dificultades en acabar con ellos una vez trasformada en su alter ego de color verde. Los fans del Universo Marvel no habrán tenido dificultades en ver en estos asaltantes una nueva versión de la Brigada de Demolición de los cómics, unos villanos de serie B que logran sus poderes gracias a la magía asgardiana y que aquí portan unas armas de ese mismo reino.
La Brigada Demolición versión UCM
El objetivo del asalto era hacerse con una muestra de sangre de nuestra protagonista para llevársela a un misterioso personaje. Menos mal que la dura piel verde de Hulka lo hace imposible, aunque nos deja la duda de quien será el jefe de la Brigada de Demolición.
Valoración del capítulo
La serie alcanza su madurez en este episodio. Ya con los todos los elementos asentados los guionistas se pueden dedicar a desarrollar lo que tenían en mente para el personaje y hacer funcionar esta comedia legal a pleno rendimiento.
Wong, el invitado especial de la semana
Además, se permite usar ese carácter especial de comedia para hacer una velada crítica al fandom más tóxico, ese que despotrica constantemente con el carácter feminista de la serie. Un mensaje por cierto que está mucho más logrado en este capítulo que en los anteriores, donde era bastante más forzado.
En cuanto al tema de los cameos, hay variedad de opiniones. Personalmente me parece que enriquecen la serie y que permiten jugar con el carácter cómico de ciertos personajes. Es impagable ver a Wong hacer referencia la hechizo de borrar la mente de la última película de Spiderman. En cuanto al otro cameo de este capítulo, poco os puedo decir. Megan Thee Stallion es una rapera muy famosa en EEUU, pero como suele pasar en estos casos, fuera de su país es muy poco conocida, así que el impacto que pueda tener en España es realmente mínimo, más allá de la divertida escena postcréditos del capítulo, donde por fin vemos a Hulka soltarse un poco.
Hulka pasándolo bien con la rapera Megan Thee Stallion
A pesar de una comedia desinhibida, la serie se permite tratar ciertos temas más serios desde su prisma particular. El destino de Emil Blosky es uno de ellos. Normalmente el destino de los villanos Marvel es la muerte y la más dura derrota, pero aquí vemos que pueden ir más allá de eso, logrando incluso poder llegar a reformarse (al menos de momento). También vemos una crítica a trabajo de los medios de comunicación y como más que preocuparse por informar lo hacen por hacer un circo mediático que sirva para atraer al público. Solo hay que ver como tratan a la figura de Jennifer por defender a Emil, llegando a insinuar incluso que van a tener un hijo juntos.
En el apartado negativo hay que mencionar el deficiente CGI que tiene la serie en algunas secuencias. Hay situaciones, como la trasformación de La Abominación que funciona muy bien, pero hay otras que canta muchísimo. Por ejemplo, el principio del capítulo, con Hulka andando por el bufete, es realmente horrible, parece que el personaje esta sacado de un videojuego de hace años y está flotando por allí…
Una reunión de abogados en una mesa de bar
En resumidas cuentas, esta serie ofrece una nueva visión sobre el UCM alejada de la acción y las grandes batallas. Si buscáis pasar un rato divertido y algo de sátira e ironía, Hulka es vuestra chica, si no, siempre habrá otras producciones Marvel en las que las tortas y las explosiones estarán a vuestro servicio.
Amazon ha publicado los datos de audiencia de Los anillos de Poder y lo revela como el estreno de la serie más visto de la historia de Prime Video.
En un movimiento sin precedentes, Amazon informó sus datos de audiencia para una serie de Prime Video por primera vez, revelando que su serie de precuelas de El señor de los anillos de gran presupuesto había obtenido 25 millones de espectadores globales en sus primeras 24 horas en la transmisión. Los Anillos de Poder estrenó sus primeros dos episodios el 1 de septiembre y estos números de audiencia lo convierten en el estreno de la serie más visto de Prime Video.
Podéis leer nuestra reseña de los dos primeros capítulos aquí.
Poco después del estreno de la serie , Amazon suspendió las calificaciones de la serie en un esfuerzo por combatir el bombardeo de reseñas . En general, los fans parecen divididos sobre la serie, particularmente en lo que respecta a la historia y los personajes, aunque una gran parte de su audiencia ha elogiado la cinematografía de la producción y sus imágenes y efectos visuales «impresionantes». Sin embargo, los comentarios en el sitio agregado de revisión Rotten Tomatoes muestran una audiencia que parece no estar de acuerdo, con una calificación de los críticos de 84%, mientras que la puntuación de la audiencia es de un 37% al momento de escribir este artículo.
Para los críticos, las primeras reseñas señalaron la inmensa escala y el alto drama de la serie de fantasía de gran presupuesto y la elogiaron como una fiel compañera de la trilogía cinematográfica original de Peter Jackson. En definitiva, la mayoría de opiniones ha manifestado que la fuerza de su elenco, variedad de personajes y sus respectivos viajes es lo que mantiene a Los anillos de Poder atractiva y fresca, incluso en sus inevitables momentos más lentos mientras prepara el escenario para su épica historia.
Esta serie es la más cara hasta el momento para Prime Video de Amazon, y se informa que solo la primera temporada ha costado 465 millones de dólares. Basada en los personajes y el mundo construido por JRR Tolkien, Los Anillos de Poder pretende ser una serie de cinco temporadas de 50 horas que tendrá lugar durante la Segunda Edad de la Tierra Media, miles de años antes de los eventos de El Hobbit y El señor de los anillos . El director JA Bayona se ha burlado de que la serie de precuelas es tan expansiva que ni siquiera puede considerarse televisión. » Los anillos de Poder no es televisión», dijo Bayona, «Es un nuevo formato que estamos creando aquí».
En otra entrevista, los showrunners JD Payne y Patrick McKay compartieron un sentimiento similar al de Bayona. Explicaron cómo la serie de precuelas se diferencia de la trilogía original de películas de El señor de los anillos de Peter Jackson . En particular, esta serie tendrá más escenas de acción que «cualquier programa de televisión o transmisión que hayamos visto». Si bien la serie se diferenciará de las adaptaciones anteriores, los showrunners han declarado que la próxima serie tiene profundas raíces en el trabajo de Tolkien.
Todo lo que sea expandir un Universo que nos hace felices es algo en lo que suelo estar muy de acuerdo. Obviamente sin desvirtuar ni prostituir la esencia de la idea pero de eso ya se suelen encargar los derechos de autor antes de firmar. A eso se suma mi actitud convencida de espectador de disfrutar de todo aquello que voy a ver. Así la victoria está garantizada y nunca me ofenderé por estas cosas que a fin de cuentas son un divertimento para el espíritu cansado de batallar todo el día.
El señor de los anillos fue el primer mundo de fantasía adulta que se abrió ante mis ojos. Lo recuerdo con tanto cariño y fascinación que cada vez que llega a la pantalla un apéndice de aquella historia una sonrisa se dibuja en mi cara. Los anillos del Poder me han vuelto a traer esa sonrisa y me han transportado una vez más a ese mundo en el que un día fui feliz. No se puede pedir mucho más. O tal vez sí y es que yo me conformo con poco. Si encima la puesta en escena es espectacular sin duda habrá merecido la pena el viaje.
Planeta Cómic parece haber encontrado un buen filón de cómics interesantes en Boom! Studios (BRZRKR, Hay algo matando niños, Once and Future o Folklords). Así que la editorial española sigue por este camino y publica ahora Orígenes, una obra de la misma editorial con temática de ciencia ficción postapocalíptica que tiene todos los ingredientes para llamar nuestra atención.
En Orígenes, la humanidad lleva mil años destruida por una inteligencia artificial que nosotros mismo creamos y que ahora ha establecido una Red nanotecnológica que parece haber acabado con todas las esperanzas de nuestra especie. Pero en este entorno hostil resucita un hombre, David Adams, que con la ayuda de la androide Chloe intentará restaurar a la humanidad embarcándose en la mayor batalla de su vida y buscando redención al mismo tiempo que descubre si la humanidad tiene (o incluso si debería tener) futuro.
Orígenes sale de la imaginación de Arash Amel, Lee Krieger y Joseph Oxford, creadores de una historia a la que el novelista Clay McLeod Chapman pone el guion. Entre todos nos presentan un cómic que empieza siendo la típica historia postapocalíptica para luego ir creciendo poco a poco y mostrando elementos cada vez más interesantes. La lectura de esta obra se convierte entonces en un relato de supervivencia y secretos que poco a poco serán descubiertos, gracias a los numerosos flashbacks que salpican la trama y que nos mostrarán la cercana relación que hay y siempre ha habido entre Chloe y David y el papel de este último en la destrucción de la humanidad.
El nacimiento de David
Como en todo relato de ciencia ficción la reflexión sobre el papel de la humanidad está muy presente. Sobre todo, cuando David y Chloe se encuentren con otros habitantes de la tierra que han quedado fuera de la Red y que no dudan en ayudar a nuestros protagonistas. Una ayuda que más bien es un servilismo ciego que hace que tanto Chloe como David se replanten su papel en el mundo y en la misión que han emprendido para resucitar a la humanidad. ¿Realmente merecemos una segunda oportunidad como especie? ¿No es la Red la nueva evolución de una especie dominante que merece heredar la Tierra? ¿Somos mejores que las máquinas? ¿Pueden estas trascender su programación?
Y lo más importante, ¿Cómo se puede luchar contra un enemigo invencible que está en todas partes? Pues al final la respuesta será contraponer a la Inteligencia Artificial eso que nos hace humanos y esperar que sea suficiente para poder derrotarla.
Así ha quedado nuestro planeta
Si los guionistas nos presentan un gran relato futurista que no da tregua al lector, lo que hace continuar disfrutando, página tras página, de esta historia de supervivencia, es el enorme trabajo de Jakub Rebelka en la parte gráfica. El polaco es uno de los ilustradores con más personalidad de los últimos años y en Orígenes presenta su mejor trabajo hasta la fecha. El acabado con aspecto al oleo le da un toque muy original a la historia, con un acercamiento pictórico que brilla sobremanera a la hora de plasmar los escenarios destruidos por la Red con la flora y fauna salvaje campando a sus anchas. El único aspecto negativo es que este tipo de dibujo no queda tan bien cuando hay que dibujar tecnología, por lo que los robots y máquinas que pueblan estas páginas están un poco desdibujados con respecto al resto de los elementos. En este sentido me recuerda bastante al dibujo de Dustin Nguyen en Descender/Ascender, otra gran obra de ciencia ficción que tenía el mismo problema con el dibujo de los robots.
La edición de Planeta Cómic es correcta. Tenemos un volumen de tapa dura de 152 páginas que recoge los seis números de la miniserie completa para que podamos disfrutarla del tirón ya que no hay prevista ninguna continuación. También contiene una galería con las portadas originales, pero se echa en falta algún articulo de presentación de los autores. El precio de venta al público es de 17,95 euros.
En resumen, Orígenes es un buen cómic de ciencia ficción que nos cuenta una historia original dentro de lo cabe y que tiene un buen ritmo narrativo que hace que siempre estén pasando cosas haciendo que la atención del lector este siempre pegada a sus páginas. Unas páginas que tienen un dibujo que llama mucho la atención y que eleva sobre la media una obra que hará las delicias de todos los amantes de las ficciones postapocalípticas.
Bienvenidos,está vez un domingo, a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Tinieblas. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Estamos ante un pedazo de tomaco integral con los cinco números franco-belgas de esta gran epopeya creada por Bec (Olimpus mont y Prometeo) e Iko (Durango) que se publicó entre 2009 y 2018. Y es que Tinieblas es un cómic de aventuras que mezcla fantasía y ciencia ficción de una manera muy equilibrada. Si te gustan los cómics palomiteros de calidad, Tinieblas es estupendo, divertido, algo manido pero muy bien narrado.
La historia de un héroe venido de las estrellas me recuerda un poco a Thorgal mezclado con los Aliens, y que es Tinieblas no es un derroche de originalidad, pero si es un refrito muy logrado. En Tinieblas nos vamos enterando de la historia general del mundo imaginario, a la vez del pequeño salvador que un día los liberará a todos. Pero es que, lo curioso de este niño, es que desde pequeño es el mejor en varios aspectos del combate, sobre todo en lanzar una especie de jabalina llamada Azagaya, pero luego ya se mantiene así en la historia. No evoluciona ese concepto. Pero es que la historia no necesita más, pero se podría explicar algo o hacer que este concepto se desarrollara por otros derroteros.
Nos enteramos que ese salvador, que luego en el transcurso de la historia conoce a un mestizo, mitad humano, mitad alienígena es eso, un alienígena, a lo Superman, y ese mestizo tiene otras habilidades pero menos potenciadas. No se profundiza en nada más. Pero es que la historia es así. Y no me quejo, pero si alguien busca reflexiones filosóficas que sepa que no lo va a encontrar.
Sin ser nada original, también puede hacer referencia a Superman como escribí antes, por la nave de la cual viene el niño al planeta. Uf, es que Tinieblas tiene tantos homenajes que solo enumerarlas sería un no parar. Y como dije al principio, no nos dejemos de lado a los aliens, que aquí son dragones, pero son aliens, que no me engañan: Raza extraterrestre, una serie que pone huevos…
Pero aún con todo eso tengo que añadir que Tinieblas es una obra de las que te lees cada año porque te lo pasas en grande. Es un blockbuster donde todo lo que pides, te lo da. De los 5 números franco-belgas, los 4 primeros son de una calidad tremenda en la historia y en el dibujo, sin embargo el tomo final, es más flojo. Y comento esto porque he investigado en el foro francés y al parecer los 4 primeros tomos se resolvieron en el 2013 y sin embargo hasta el tomo 5 pasaron la friolera de 5 años. Los autores tenían otros proyectos, que fueron retrasando la edición de la parte final de Tinieblas, hasta que la acabaron en un tomo de 56 páginas. Y que quede claro que aunque es un buen final se notan las prisas por cerrarlo todo. También se nota más dejadez en la parte gráfica.
Porque la única pega (aceptando que Tinieblas es una obra palomitera) es que la parte final se hace con prisas, y se nota un bajoncillo en el resultado épico de la obra. Yo os diría que os leáis Tinieblas ya que es un integral que va a colmar hasta que el vaso reviente a todos los fans de los cómics de acción. Además, si vas con la mente abierta y te gustan los batiburrillos de otras obras, esta se sale con tópicos y típicos bien explicados. Y además, ojo, porque Bec intenta siempre dar giros de guion y al menos conseguir que algunas cosas no sean como parezcan. En general tengo que deciros que acabé de leer Tinieblas con un sabor agridulce, agridulce por ser una buena obra (dentro de concepto palomitero) pero que le quedó un poco para ser reconocido como algo rompedor.
Contiene: Tenebres vol. 1 a 5
En un mundo desolado por el fuego de los dragones, que atacan en bandadas las aldeas de campesinos, los reyes están esperando la llegada de un héroe que pueda liberarlos, un héroe legendario con armadura de hielo que pueda soportar las temperaturas del aliento ígneo de los reptiles alados Pero cuando llega ese héroe, ¿es señal de salvación o de una destrucción completa? El creador de Olympus Mons y Prometeo se adentra en la fantasía épica con este magnífico blockbuster.
Finalmente y después de tanta espera, Prime Video ha estrenado El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder, serie que, creada por Patrick McKay y J.D.Payne y con un costo que la convierte en la más cara de la historia, oficia como precuela a las novelas de Tolkien al ubicar su acción miles de años antes. Te contamos qué nos han parecido los dos primeros episodios..
Bienvenidos, hobbits, elfos, humanos y por qué no algún orco, a analizar los dos primeros episodios de El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder, ambos dirigidos por el españolJ.A. Bayona (El Orfanato, Lo Imposible), siendo sus títulos, respectivamente, La Sombra del Pasado (como el segundo capítulo del primer tomo de la trilogía) y A la Deriva. Ambos fueron estrenados por Prime Video de manera conjunta ayer, 2 de septiembre, coincidiendo con un nuevo aniversario de la muerte deJ.R.R. Tolkien.
Se trataba apriori, de una apuesta complicada por todo lo que implica a nivel emocional y por las lealtades incondicionales que las historias del escritor han generado a lo largo y ancho del mundo. ¿Cómo salió la cosa, a juzgar por estos dos primeros episodios? Vamos a averiguarlo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA.
Galadriel
Al igual que en la trilogía, ya sea de libros o películas, comenzamos con una introducción. Un flashback nos lleva a los tiempos de infancia de Galadriel, cuando los elfos aún vivían en Valinor, la luz parecía reinar y la dicha eterna. Ni siquiera tenían, nos dice su relato en off, “una palabra para designar a la muerte”…
La vemos armar un barquito de papel que, una vez en el agua, cobra la forma de un cisne (como los clásicos navíos de su raza) y echa a navegar río arriba mientras, desde la orilla, un grupo de niños elfos la hostigan y apedrean el barquito hasta hundirlo.
Presa de cólera, arremete contra ellos pero es refrenada a tiempo por su hermano mayor Finrod (Will Fletcher), quien, tras regañarla por perder su equilibrio, le da una clase de filosofía élfica al explicarle que la diferencia entre una piedra y un barco es que este último puede percibir la oscuridad, pero no se deja atrapar por ella sino que siempre mira arriba y busca la luz. Cuando la niña le pregunta cómo identificar la misma llegado el momento, le musita algo al oído que no llegamos a oír…
Pero, tal como el relato en off nos sigue ilustrando, la luz no viviría para siempre en Valinor. Morgoth llevaría la guerra y la oscuridad a los elfos obligándoles a migrar a la Tierra Media sin, por ello, dejar de perseguirles. A la larga, los elfos ganaron, pero Finrod siempre estuvo convencido de que, lejos de ser derrotado, el mal seguía al acecho en la medida en que Morgoth había diseminado orcos por los reinos invadidos que estaban siendo reunidos y reclutados por Sauron.
Se dedicó, por tanto, a buscarlo, pero Sauron le encontró antes, dándole muerte y dejándole en el cuerpo su marca. Desde ese momento, la joven Galadriel (Morfydd Clark) hizo suya la causa de su hermano e incluso su daga y, a pesar de las advertencias de su rey en contrario, se abocó a la búsqueda de Sauron aunque implicara perseguirlo hasta el fin del mundo.
Fue precisamente en el lejano y helado norte donde, al mando de una partida de elfos, encontró una cueva con rastros de su presencia, particularmente una gran señal muy semejante a la que dejara a su hermano. Pero el ataque de un troll de las nieves y las bajas consecuentes hicieron que el resto del grupo la abandonara sin poder completar la misión que se había autoimpuesto.
La actitud irreverente de Galadriel, sumada a su obsesión por la búsqueda de un poder oscuro que su rey considera derrotado, la convierte en un problema y si bien el soberano no la reprende al respecto, opta por darle su jubilación, lo cual sabemos que en términos élficos significa embarcarse con destino a Valinor.
De más está decir que no quiere hacerlo por considerar que su labor no está concluida, pero es convencida de aceptar por un amigo suyo que no es otro que un todavía joven Elrond (Robert Aramayo).
Arondir
En el sur, en tierras cultivadas por los hombres, un elfo llamado Arondir (Ismael Cruz Córdova) integra la guardia armada de un puesto de vigilancia. Sostiene una amistad demasiado cercana con Bromwyn (Nazanin Boniadi), aldeana de habilidades sanadoras y con un hijo, lo que motiva que su compañero Médhor le advierta sobre lo inconveniente de las relaciones entre elfos y humanos que, según dice, “siempre han terminado en tragedia”: de hecho, un altercado en una taberna demuestra la difícil convivencia por resquemores del pasado.
Theo (Tyroe Muhafidin), hijo de Bromwyn, debe soportar las habladurías de los demás vinculando a su madre con el elfo, sumado a que, según parece, su padre está ausente desde tiempo atrás por causas misteriosas. En el sótano de un granero mantiene oculta una pieza a la que podemos reconocer fácilmente como un pomo de espada coronado por el símbolo de Sauron y que le despliega perturbadoras visiones cuando lo tiene ante sí. ¿Por qué lo tiene y cómo le ha llegado? Aún no lo sabemos…
La noticia de que la guerra ha terminado significa para los elfos desmontar el puesto y regresar a sus tierras, lo cual pesa a Arondir por llevar allí setenta y nueve años pero, sobre todo, por tener que despedir a Bromwyn. Cuando acude a hacerlo, se encuentra con que un hombre le ha llevado una vaca enferma que, según se puede comprobar, larga por las ubres un viscoso líquido oscuro en lugar de leche: dice que ha estado pastando hacia el este, de donde ya antes habían llegado noticias sobre malezas quitando terreno a los pastos muertos.
Al ir allí, Arondir y Bromwyn encuentran una aldea vecina arrasada e incendiada, pero sin muertos ni heridos a la vista, sino que todos parecieran haber desaparecido. El suelo está plagado de fisuras y por debajo hay extraños túneles claramente cavados desde abajo. Enviando a Bromwyn para avisar al respecto, Arondir se introduce en uno de ellos y siguiendo extraños rastros, termina atrapado desde atrás por garras que emergen de la oscuridad…
Nori
Más problemas en la Tierra Media: en Rhovanion hay una aldea habitada por pelosos que, recordemos, son una rama de los hobbits, pero aún no viven en la Comarca, como sabemos que lo harán más tarde. Por la zona rondan cazadores y lobos, mientras un agorero llamado Sadoc (Lenny Henry) ve en ello y en el cielo señales de malos presagios.
En la aldea vive Nori (Markella Kavenagh) quien, contra las advertencias de sus padres, tiene por costumbre salir con los niños a buscar bayas. Muestra anhelo por saber qué hay más allá del lugar que habitan o “dónde aprenden los gorriones sus nuevas canciones de primavera”, a lo que su madre responde con que cada especie tiene su lugar en el mundo y el de los pelosos es el que les toca.
Como corolario a tanta señal, un meteorito surca el cielo de la aldea y se estrella en las cercanías. A escondidas de sus padres y junto a su amiga Poppy (Megan Richards), asiste al lugar del impacto para encontrarse con un gran cráter y un “gigante” semidesnudo (Daniel Weyman) en posición fetal y entre llamas que, extrañamente, no queman.
Al despertarle Nori, se muestra sobresaltado y temeroso: todo se agita, las rocas flotan ingrávidas y el fuego se extingue, al menos hasta que vuelve a quedar inconsciente. A pesar de los ruegos de Poppy, Nori quiere llevarlo a un lugar seguro antes que sea carne de los lobos y lo terminan trasladando en una carretilla (¿cómo lo subieron?) a un paraje apartado en donde, ya vuelto en sí, Nori le brinda alimento e intenta sacarle su nombre o de dónde viene.
Él queda intrigado por las luciérnagas de los faroles; dejando en claro que se comunica con ellas, las libera y, al elevarse al cielo, forman una constelación. ¿Su lugar de origen? No lo sé, pero sí sé que, extrañamente, toda la escena me hizo acordar a E.T. Ja…
Elrond
Ya Galadriel, junto a otros guerreros, ha partido de los puertos grises con rumbo a Valinor mientras en Lindon, capital de los elfos, Elrond no sabe si ha hecho lo correcto al aconsejárselo: siente la culpa de la mezcla entre deber y amistad. El alto rey le consuela con que ella marchó hacia el atardecer de igual modo que ellos deberían mirar hacia un nuevo amanecer, por lo que le anuncia que le ha asignado una tarea en la que colaborará con Celebrimbor (Charles Edwards), el mejor herrero élfico…
En Eregion, precisamente, este le pone al tanto de que están proyectando construir una torre para albergar la más grande forja jamás vista, una que, dice, “cambiará para siempre la Tierra Media”. El problema es que debe estar terminada para la primavera y los elfos carecen de mano de obra suficiente. Allí es donde interviene Elrond, encargado de conseguirla: su idea es acudir a los enanos, cuyo reino limita con Eregion y con quienes tiene buenas relaciones o, al menos, las tuvo en el pasado.
Esto nos lleva, por supuesto, a Khazad-Dum, que ahora podemos ver en pleno esplendor y no como la ruina en que sabemos que se convertirá. A la puerta, sin embargo, no son bien recibidos y parece haber resentimientos del pasado. Elrond consigue paso, no obstante, invocando un ritual llamado Sigin-Tarag, básicamente una competencia de destruir rocas contra Durin IV (Owain Arthur), príncipe de los enanos. Si gana, será atendido; si no, deberá marcharse.
Derrotado, le toca lo segundo, pero pide a Durin que lo acompañe y la conversación nos pone al tanto de que fueron amigos en el pasado, pero su larga ausencia molesta al enano y, sobre todo, que no asistiera a su boda ni viera crecer a sus hijos. Es interesante el planteo de la diferente percepción temporal: para la larga vida de los elfos, Elrond siente sus veinte años de ausencia como un suspiro; no así Durin…
Lleno de culpas, Elrond pide conocer a su familia y se emociona al ver crecido un retoño del gran árbol de Lindon que alguna vez le dejara. No consigue, sin embargo, que Durin oiga su propuesta: solo tiene reproches y le echa en cara haber venido solo por necesitar algo. Más flexible, su esposa Disa (Sophia Nomvete), a quien Elrond cae bien, termina convenciendo a Durin de oír y de que interceda ante su padre, el rey. Pero cuando va a verlo, este le achaca su tendencia a ser flojo ante los elfos y lo lleva ante un cofre que abre para mostrarle algo que no llegamos a saber qué es…
Halbrand
La nave de los guerreros elfos se aproxima a la puerta de Valinor mientras una luz iridiscente y cegadora baña todo. En ese momento, acude a la memoria de Galadriel el recuerdo de su hermano al preguntarle ella cómo saber qué luz seguir. Lo que aquella vez le dijo, nos enteramos, es que a veces es preciso tocar la oscuridad para saberlo…
Galadriel suelta la mano al resto y no es metafóra: es literal… Y mientras el barco es tragado por la luz, ella se lanza al mar y echa a nadar en dirección contraria a Valinor. Es recogida por una balsa de pescadores de la raza de los hombres que vienen huyendo de algo: un enorme “gusano” que acecha en las aguas y que, en estremecedora imagen, se confunde en la niebla con un barco al llevar enganchados restos de maderamen del que ha destruido y que es el de los pescadores. Esta vez me vienen imágenes de Moby Dick…
El ataque arroja a todos al agua y solo uno termina, junto a Galadriel, salvándose sobre un resto de la embarcación.
Se llama Halbrand (CharlieVickers) y percibe que ella viene huyendo “de algo o hacia algo”. De todos modos, también arrastra lo suyo y admite que escapaban de tierras del sur arrasadas por los orcos. Al escuchar la palabra, el rostro de ella se transforma: quiere que la lleve allí y le ayude a vencerlos, pero él no tiene interés…
Una feroz tormenta los afecta en la travesía y Galadriel cae al agua, ante lo que él se arroja detrás para rescatarla. Cuando ya todo ha pasado y el sol vuelve a brillar, ambos duermen sobre la balsa y les despierta la sombra de un barco y una silueta en el puente recortándose contra la luz del sol. Y no llegamos a saber quién es…
Balance de los Dos Primeros Episodios
Tenía mucho miedo con el estreno de esta serie. No miedo, pánico. No pánico, terror… Habiendo visto estos dos episodios, la mejor palabra no es satisfacción, pero sí alivio.
Es muy difícil meterse con una obra literaria tan icónica, pero no imposible: ya Black Sails (aquí nuestros análisis) ha demostrado salir airosa del desafío de hacer una precuela para La Isla del Tesoro.
Lo primero para destacar de Los Anillos de Poder es la descomunal factura visual. Puede sonar extraño que la mayor parte emocional resida allí, pero así es: no escatima en gasto alguno y, además de lucirse en fotografía, vestuarios e iluminación, presenta recreaciones maravillosas como la de Khazad-Dum, en donde la emoción pasa por la referencia: imposible no ver ese puente sin imaginar a Gandalf batiéndose en lucha contra el Balrog.
Es que, ya para esta altura, cualquier propuesta que remita al universo Tolkien, no solo abrevará en sus relatos sino también en las películas, que han terminado siendo igual de icónicas: cuando Galadriel se hunde y Halbrand va al rescate, es imposible no ver a Sam y Frodo, del mismo modo que, con los roles de género cambiados, la relación entre Arondir y Bromwyn hace acordar a la de Aragorn y Arwen, cuyo renunciamiento, por otra parte, tiene su correlato en el de Galadriel. Y el rodaje, una vez más, se localiza en Nueva Zelanda.
¿Y qué pasa con los libros? Primero que nada, Tolkien escribió poco y nada sobre la Segunda Era, en la cual se ubica cronológicamente esta historia. Se enfocó exclusivamente en la Tercera o, a lo sumo, hizo referencias fugaces en relatos aislados, en el Silmarillion o en la larga (y tediosa) introducción de la trilogía. De hecho, Amazon dejó en claro tener los derechos sobre esta última,El Hobbity los Apéndices, pero no sobre el Silmarillion. Sin embargo y de manera sorpresiva, hay mucha referencia a este último en personajes como Finrod o Celebrimbor, así como en la mención al robo de los Silmarils.
Y si hablamos de referencias, ninguna historia de espada y hechicería funciona sin un mapa y seguramente a muchos ha emocionado ver trazar el derrotero de los personajes sobre ese que tantas veces hemos visto en los libros. Ojo, no es igual: como maníaco de la pausa del control remoto, me he tomado el trabajo de chequear que, en efecto y al transcurrir esta historia tanto tiempo antes, hay diferencias sustanciales, como que existía aúnla isla Númenor, pero no todavía Lothlórien ni Minas Tirith. Gran detalle…
Ya sé que no hay que comparar, pero no puedo evitar hacerlo con La Casa del Dragón, de reciente estreno (aquí los análisis de mi compañero Fernando), la cual, pese a estar basada en texto original de George R.R. Martin, remite (al menos en mi opinión) muy poco a su obra, tanto en estilo narrativo como en personajes. Contrariamente, se advierte aquí un esmero en aferrarse a Tolkien y ello, paradójicamente, puede volverse en contra si, por miedo a los fans, terminan olvidando contar una historia propia…
Es para aplaudir el buscar varios escenarios con tramas paralelas (otra diferencia, al menos de momento, con La Casa del Dragón), pero todavía la historia se cocina a fuego lento y sin demasiada sorpresa. Para decirlo de otra forma: si se empecinan en mostrarnos “la novela que Tolkien jamás escribió”, pueden caer en el vicio de meterle tantos elementos Tolkien que se vuelva demasiado previsible para aquellos que estén familiarizados con su obra.
Hay personajes que no aparecen en ninguno de los libros, como Arondir, Lori o Halbrand (no confundir con el montaraz Halbarad), en tanto que otros ya nos son suficientemente conocidos y, por longevidad, tiene sentido que estén allí (Galadriel, Elrond.)
¿Hay alguna posiblidad de que el misterioso hombre arribado con el meteorito sea Gandalf? Lori y Poppy, por lo pronto, han correctamente aventurado que no es elfo (por las orejas) ni hombre (porque practica la magia). La edad podría coincidir: según Tolkien, Gandalf tiene más de dos mil años en la trilogía (y según el propio Gandalf todavía muchos más), pero el emblemático mago llegó a la Tierra Media recién en la Tercera Era y, salvo algún giro imaginativo, eso es un problema…
¿Qué pasa con Sauron? Sabemos por Tolkien que durante la Segunda Era anduvo disfrazado por aquí y allá, lo que nos hace estar atentos a qué rostro podría ser el suyo. ¿Tienen sus sospechas? Yo también, pero prefiero esperar y no por falta de audacia sino para no arruinar sorpresas en caso de confirmarse.
Creo que uno de los problemas que por ahora presenta la serie es la dificultad para empatizar con los personajes, cosa que ocurría de manera instantánea en la trilogía o en El Hobbit. Ello puede tener que ver con que, siendo elfos los principales, su carácter casi divino hace más difícil la empatía automática que nos generaban los hobbits con sus emociones mucho más humanas.
Aun así, Elrond se avizora especialmente como un personaje interesante, del mismo modo que Lori, bastante reminiscente de Frodo. Galadriel tiene potencial, pero deberían bajarle algún que otro momento «Red Sonja» que no encaja…
Párrafo aparte para la increíble banda sonora: Bear McCrearyes responsable de algunas de las mejores que para series televisivas se hayan compuesto y así lo ha demostrado en Battlestar Galactica,Agents of S.H.I.E.L.D., Outlander, Fundación o la ya mencionada Black Sails. Y si con lo suyo no bastara, se complementa muy bien con los chispazos de Howard Shore que crean puente con las películas de la franquicia abundando, desde ya, los elementos célticos.
En definitiva y aun cuando le falte pulido, El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder ha tenido un inicio visualmente alucinante y con una historia a la que todavía le resta tomar forma pero que, como el cofre del rey de los enanos, puede ser una caja de sorpresas.
No obstante, de momento me gustó y eso es mucho más de lo que esperaba estar diciendo para estas horas. Les invito la semana próxima para analizar una nueva entrega. Hasta entonces y sean felices…
Un insólito símbolo de la película de Demolition Man, una réplica desnuda de Sylvester Stallone ha sido descubierto en el lugar más insólito: una tienda de antigüedades en Australia.
Newsweek explica que la ceramista Bea Bellingham, afincada en Sidney estaba de visita en la pequeña ciudad de Katoomba, en Nueva Gales del Sur, cuando se topó con el llamativo descubrimiento tras entrar en una popular tienda local.
Bellingham compartió las fotos en su Instagram (ya las ha retirado) sin saber a qué se referían exactamente, pero no pasó mucho tiempo antes de que los fans de Internet se dieran cuenta de su descubrimiento.
El usuario de Twitter Adam Howes fue el primero en darse cuenta de que lo que Bellingham había encontrado era, de hecho, un accesorio o réplica de un accesorio de la película de acción de 1993 Demolition Man.
La película, protagonizada por Sandra Bullock y concretamente por Stallone en el papel de John Spartan, un agente de policía que acaba siendo incriminado por el cerebro criminal Simon Phoenix (Wesley Snipes) por un delito que no había cometido.
Ambos hombres acaban siendo congelados criogénicamente para cumplir sus largas condenas en el hielo, pero cuando Phoenix se escapa, las autoridades no tienen más remedio que descongelar a Spartan, que despierta en una sociedad moderna carente de violencia, comida insalubre, blasfemias y numerosas libertades civiles.
El modelo que encontró Bellingham era uno que previamente se encontraba en un bloque de hielo falso durante la escena de la película en la que Spartan había sido congelado para comenzar su condena.
Estos bloques de hielo, con Stallone en su interior, gustaron mucho al actor y encargó varias réplicas de las mismas para decorar parte de los restaurantes Planet Hollywood del cual era socio con Schwarzenegger y Bruce Willis, pero después del auge y caída de esta cadena de comida americana, mucha parte del material desapareció. Hasta ahora, que en Katoomba, una población de Australia de 7,964 habitantes se ha encontrado una de esas réplicas en las que Stallone sale desnudo. Cosas que da la vida.
The Sandman sigue generando noticias después del éxito cosechado en Netflix. Ahora, gracias a unas declaraciones del autor Neil Gaiman, hemos podido saber que el Joker estuvo a punto de aparecer en The Sandman #5 y solo fue reemplazado por el Espantapájaros debido a problemas de continuidad en Universo DC.
Los cómics de Sandman pueden centrarse en las pruebas y tribulaciones de Endless, pero tienen lugar directamente dentro de los confines del Universo DC, y el villano más famoso de DC, el Joker, estaba originalmente programado para aparecer en el número 5.
Podéis leer nuestra reseña de la serie de Netflix aquí.
«Un ejemplo sería al comienzo de Sandman #5, John Dee, Dr. Destiny, está escapando de Arkham Asylum y está destinado a encontrarse con el Joker», dijo Gaiman a Rolling Stone al contar ejemplos de The Sandman . ¨Tiene vínculos sutiles con el resto de DC. Y había escrito toda esta secuencia de Joker y de repente recibo una llamada telefónica que decía: ‘Oh, no, el Joker acaba de desaparecer bajo las aguas del río Gotham. Se cree que está muerto’. Y yo digo: ‘Bueno, no está muerto. Es el Joker. Volverá’. Y dicen: «Sí. Pero técnicamente ahora mismo está muerto. Así que tienes que convertirlo en otra persona». Estoy como, «Pero fue el Joker. Fue un buen… OK». Súbeme las mangas, ahora es el Espantapájaros».
Gaiman continuó agregando que poco a poco desvió a The Sandman de presentar las grandes armas del Universo DC por esta razón, señalando que no podía «molestarse en tener que cambiar las cosas y reescribirlas porque alguien más acaba de dejar caer el Jokeren un río». Sin embargo, en el número 5 de The Sandman, Scarecrow, que aparece colgado de una soga en Arkham Aslyum para charlar con el Doctor Destiny , que se escapa, hace una breve referencia a la ausencia de Joker: «Si ves a Joker, dile que se apresure a volver. No es el Día de los Inocentes sin sus bromitas. ¨
The Sandman #5 se lanzó originalmente en marzo de 1989, y el mandato editorial de DC de no incluir al Joker probablemente corresponda a la clásica historia de Batman » Unamuerte en la familia ¨, de Jim Starlin y Jim Aparo, que finalizó en noviembre de 1988. El Joker mató al segundo Robin, Jason Todd en la historia, se convirtió en el embajador diplomático de Irán en una extraña combinación de política del mundo real y de cómics y aparentemente murió después de una pelea con Batman cuando cayó de un helicóptero al océano. No resurgiría hasta el final de Batman #442, que se publicó en diciembre de 1989.
Además de casi presentar al Joker, The Sandman # 5 también interpretó a los miembros actuales de la Liga de la Justicia de América, incluidos Mr. Miracle y Martian Manhunter. Los cómics originales de Sandman fueron publicados por primera vez por DC Comics en 1989 y fueron creados por Gaiman, Sam Kieth y Mike Dringenberg. En la misma entrevista, Gaiman explicó por qué se alejó de la continuidad establecida de DC Comics mientras continuaba escribiendo la serie The Sandman . «La verdad es que si trabajar con el universo de DC no hubiera sido un dolor de cabeza continuo, Sandman probablemente se habría mantenido mucho más atado al universo de DC».
Una curiosidad que nos da a entender lo maniatado que muchas veces se siente un artista al trabajar para una gran industria. EL Joker sin duda habría sido una nota de color muy importante en Sandman, para eso es el mejor villano de todo DC. Sin embargo el bueno de Gaiman se tuvo que ver obligado a sustituirlo por el espantapájaros que no alcanza ni de lejos el carisma del archienemigo de Batman.
Ponerle lastres al arte pocas veces hace bien. Lo más probable es que el creador finalmente acabe por salir volando por la ventana. Al igual que un pájaro cantor no se debe de enjaular, tampoco se debe de atenazar a un artista. Justamente se necesita dar rienda suelta a toda la creatividad sin mirar atrás ni tampoco hacia los lados. Creo que una historia puede transcurrir paralela a otra e incluso no tienen por qué desarrollarse en el mismo momento.
Estamos conociendo muchos detalles de esta inmensa obra de Gaiman. Bambalinas que aumentan el interés por volver a leer estos magníficos cómics.
Planeta Cómic sigue con su acertada política de reeditar obras del cómic independiente para hacerlas llegar a todo el público y en esta ocasión rescata de su catálogo Chew, publicada en EE UU por Image. La obra de John Layman y Rob Guillory llega esta vez en un formato de lujo en tres volúmenes integrales, de los cuales ya hemos podido saborear el primero.
El argumento de Chew no puede ser más demencial. El virus aviar produjo una pandemia mundial que acabó con la vida de millones de personas en todo el planeta y por eso el gobierno de EEUU ha prohibido el consumo de carne de ave y derivados. Eso desencadena las protestas de una población que no cree que el virus sea real creándose un mercado negro en el que la carne de pollo y los huevos son los grandes protagonistas. Se crea entonces una agencia llamada FDA cuyos agentes actuaran como vigilantes de la prohibición e investigadores de todo lo que tenga que ver el virus.
A esta agencia llegará el protagonista de la historia, el detective Tony Chu, quien tiene una habilidad muy especial. Es un cibópata, una persona que obtiene impresiones psíquicas de cualquier cosa que coma. Si come una lechuga sabrá como ha sido cultivada, pero si come una hamburguesa… pues verá como la vaca ha sido sacrificada. Una habilidad muy desagradable para el pobre de Tony pero que hace que si muerde el resto de un cadáver puede llegar a saber como ha fallecido esa persona. Desagradable pero muy útil para un detective.
El «talento» de Tony Chu
La historia empieza siendo un procedimental de libro, con Tony investigando casos, pero rápidamente se convierte en algo más cuando su trabajo hace que vaya descubriendo más y más cosas sobre el virus, complicándose la trama a cada número que pasa.
El gran acierto de Layman, además de presentar un escenario tan peculiar, es acompañar a Tony de otros personajes a cada cual más desquiciado y extraño, que elevan el nivel de la historia hasta niveles insospechados. Entre ellos destacan Amelia Mintz, una crítica culinaria saboescribana (capaz de inducir sensaciones a aquellos que leen sus artículos gastronómicos), Mason Savoy, el compañero de Tony en la FDA y también cibópata, John Colby, un cyborg también compañero del protagonista, o la familia del propio Tony, donde hay alguna que otra sorpresa. Y muchos otros locos secundarios entre los que destacaran los que tienen poderes relacionados con la comida, un amplio catálogo de habilidades que el guionista se saca de la manga para no parar de sorprender al lector.
Los protagonistas de Chew
Es cierto que la historia tiene que ir respirando y creciendo poco a poco, haciéndose la trama más compleja con cada nueva revelación y con cada nuevo personaje que va apareciendo. Lo bueno es que en este primer volumen el guionista logra poner en el tablero a todos los protagonistas y a la vez planta los grandes misterios sobre los que va a tratar la serie. Según el propio Layman, la historia estaba planeada para durar alrededor de los 20 números, pero la aceptación que logró permitió a los responsables dar más vuelo a la trama, llegando a los 60 números que recogerán los tres volúmenes que publicara Planeta en este formato. Y es que Chew es un plato que sabe mejor si se cocina a fuego lento…
Y para que este aparente disparate entre bien, Layman nos cuenta la historia de una manera muy muy divertida. Las situaciones disparatadas y los locos personajes que pueblan las páginas de Chew hacen que el lector este siempre con una sonrisa en la boca. La habilidad del escritor es sobresaliente ya que logra algo muy complicado: crear una serie policiaca de humor a la vez que ofrece una compleja trama que crece número a número con un ritmo medido que hace que su lectura sea como comer el mejor mangar del mundo.
La familia Chu en todo su esplendor
Pero todo este trabajo sería muy complicado si Layman no contara con la ayuda necesaria por parte de un dibujante que logrará acertar con el tono artístico de la serie. Y vaya si lo consigue gracias al gran trabajo de un enorme Rob Guillory que logra con su estilo caricaturesco acertar con el tono que la historia necesita. Las cosas que vemos en Chew pueden ser muy desagradables (el protagonista no deja de estar mordiendo muertos y cosas desagradables todo el rato), pero el estilo cercano al cartoon de los dibujos de Guillory hace que sus escenas sean mucho más fáciles de tragar. Además de ofrecer una caracterización de los protagonistas realmente perfecta, teniendo cada uno su propia personalidad.
La edición de este primer tomo integral por parte de Planeta Cómic es realmente magnífica. Estamos ante un volumen en tapa dura de 576 páginas que contiene los 20 primeros números de la serie además de un sinfín de extras entre los que se incluyen todas las portadas, ejemplos de guion y del trabajo del dibujante, múltiples bocetos y demás añadidos que harán las delicias de los lectores gourmets. El precio de venta es de 50 euros.
Tony y Savoy trabajando codo con codo.
En resumen, Chew es uno de los mejores cómics que vas a poder encontrar en las estanterías este verano. Es una obra entretenida, amena y contada con un ritmo perfecto que dosifica las revelaciones en la trama para que el lector este siempre enganchado. Si a eso le añadimos un escenario de locura, unos protagonistas divertidísimos y un dibujo que casa perfectamente con el tono de la obra no se puede pedir más. Comprar y leer Chew, no os arrepentiréis.
Hoy estoy aquí por una demanda de honor. Walter Hill estrena un western, Dead for a Dollar y yo por lo menos le quiero dedicar unas líneas a este grandísimo director que recientemente cumplió 80 años.
La carrera de Walter Hill se ha ido diluyendo en cuanto más años ha ido cumpliendo. Su última película hasta la fecha de hecho es un esperpento protagonizado por Michelle Rodriguez en la que apenas vi su primer cuarto de hora, por lo que temo y mucho la calidad del western que nos trae hasta aquí.
Waltz por su parte se está prodigando menos y su más destacada aparición fue en Sin tiempo para morir.
Dead for a Dollar se centra en la relación entre Max Borlund ( Christoph Waltz ) y Joe Cribbens ( Willem Dafoe ), quienes solo pueden estar en la misma habitación sin intentar matarse entre ellos.
La sinopsis de Filmaffinity nos dice lo siguiente:
Texas, 1892. El soldado desertor Elijah Jones parece haber secuestrado y retenido en México a Rachel Price, una elegante mujer de buena familia. Su esposo contrata al legendario cazarrecompensas Max Borland para traerla de regreso a Texas. Al mismo tiempo, el peligroso pistolero Joe Cribbens sale de prisión buscando venganza contra quienes lo enviaron entre rejas, uno de los cuales fue Max.
Dead For a Dollar está dirigida por el dos veces ganador del Emmy Walter Hill. La próxima semana, se exhibe Dead For a Dollar en el 79º Festival de Cine de Venecia, y Hill será honrado con el Cartier Glory to the Filmmaker Award. El premio se otorga a personalidades que hayan realizado una o más contribuciones particularmente originales a la industria cinematográfica.
Seguramente no estemos ante una buena película pero es la nueva de Walter Hill y salen dos colosos como Waltz y Dafoe. Habrá que verla.
Panini Comics ha re-editado lo que es, sin duda, la piedra angular del Universo Marvel. Hablamos de Marvel Gold. Los Cuatro Fantásticos 1 – Génesis, el tomo que recopila los primeros números de lo que los aficionados conocemos como «la primera familia», el origen de todo lo que tenemos ahora. Es hora de analizar que representa este cómic y a quién puede interesar.
El origen del UCM
No es algo exagerado. A principios de los años 60, Stan Lee y Jack Kirby crearon Los Cuatro fantásticos, dando origen al Universo Marvel. A estas alturas la historia es de sobras conocida: cuatro amigos viajan al espacio exterior y regresan transformados por los misteriosos rayos cósmicos, decidiendo usar sus poderes en favor de la humanidad.
Ellos son Reed Richards (Mr. Fantástico), Sue Storm (La Chica Invisible), Johny Storm (La Antorcha Humana) y Ben Grim (La Cosa), superhéroes con pies de barro, sin identidades secretas y casi sin uniformes, que salvaban el mundo mientras discutian entre ellos o se enfrentaban a Galactus haciendo un receso para afeitarse y tomar un baño.
Hoy, sesenta años después de su primera aparición, cuesta imaginar el impacto que supuso su aparición en una industria que estaba muy anclada en los años 40 y 50, con DC dominando el mercado de los superhéroes a base de historias que se habían vuelto demasiado infantiles y demasiado reiterativas. La propuesta de Lee y Kirby supuso un soplo de aire fresco, a lo que se sumado a la capacidad de Marvel / Stan Lee para venderse en el mercado como la última coca-cola del desierto, propició que la chiquilleria de la época recibiese al nuevo universo con los brazos abiertos.
No pesan los quilos, sino los años
Sesenta años después y leyendo este Marvel Gold. Los Cuatro Fantásticos 1 – Génesis podemos asegurar que los años no pasan en balde. Las historias contenidas en este tomo no han envejecido demasiado bien pero hay que dejar los prejuicios a un lado y ser conscientes de la época en la que se escribieron estas historias, que a los ojos de un nuevo lector pecarán de grandilocuentes, desfasadas y ridículas.
Es cierto. La verborrea de Stan Lee no ha envejecido bien, resulta muy cargante pero eso sucede en todas las colecciones que guionizaba (de las que creo que sólo se salva Thor, al que esa verborrea le sentaba como anillo al dedo) y está muy anclada en la época en la que fue escrita, lo que no deja de ser una paradoja porque ese fue precisamente uno de los secretos de su éxito en aquellos tiempos, el erigirse en reflejo de la sociedad en la que se publicaban esos cómics.
El dibujo de Jack Kirby tampoco es que despunte como lo hará posteriormente (el número 3 de esta misma colección – Marvel Gold. Los Cuatro Fantásticos 3 – La edad dorada – es una auténtica maravilla) ya que estamos ante un dibujo «primerizo» por lo que a esta colección se refiere. Kirby llevaba años como dibujante a sus espaldas pero en estos primeros números se nota la experimentación gráfica.
Así, Reed Richards aparece en los dos primeros números como alguién que bien podría tener 60 años, La Cosa es demasiado deforme y La Antorcha Humana es puro fuego, sin forma definida. Es fácil ver la evolución de los personajes y del dibujante en este tomo y contatar la grandeza de Jack Kirby, uno de los mejores dibujantes de la historia y un autor completo como no los ha habido, le pese a quién le pese.
Alguno dirá que soy muy negativo y que parece que el tomo no vale la pena pero no es así. Marvel Gold. Los Cuatro Fantásticos 1 – Génesis es un tomo imprescindible para los coleccionistas y los verdaderos aficionados al Universo Marvel.
El tomo contiene el origen de elementos del Universo Marvel que devendrán imprescindibles en historias posteriores y que estarán o están ya de moda en el UCM, como los skrulls o el regreso de Namor. Y contiene una historia que, por lo menos para mi, es imprescindible: The Fantastic Four #5 USA, un número que es diversión en estado puro, con la primera aparición del Doctor Muerte, su rivalidad legendaria con Mr. Fantástico y el viaje al pasado de los protagonistas, con La Cosa convertida en el mismísimo Barbanegra.
Fue con cómics con ese (¡Prisioneros del Doctor Muerte!), con una historia original y divertida y con Jack Kirby deslumbrando con su dibujo con los que Marvel forjó su leyenda y se convirtió en un referente. Tan sólo por ese número ya vale la pena engancharse a Los Cuatro Fantásticos. Un saludo y sed felices.
