Bienvenidos una vez más, fieles adeptos de Oda, a un nuevo análisis de One Piece. En esta ocasión, del capítulo 946 y 947 del manga. Ambos capítulos se focalizan en el conflicto que tiene lugar en la prisión de Udon, donde la trinidad Luffy, Big Mom y Queen se disputan en pequeños enfentamientos y la nueva habilidad de Luffy coge forma. Comencemos.
Ya en anterior capítulo pudimos saborear la superioridad de Big Mom frente a Queen, que al ser el primer al mando de un Yonkou no debería sufrir demasiado frente a estos aunque sí ser derrotado sin paliativos. Eso es lo que ocurre. Más o menos. Queen resiste debido a su gran fortaleza física (algo en lo que se parece a Kaido y cuya nueva habilidad de Luffy podrá enfentar) pero no tiene ninguna oportunidad. A pesar de ser un dinosaurio de proporciones descomunales, Big Mom hace con él lo que le viene en gana, lo coge del cuello y lo lanza y acaba tumbándolo.
Entretanto, mientras se forma un caos impresionante, Kid y Killer se liberan tras el golpe de Queen, y la prisión donde estaba el vaina roja restante se destruye, por lo que ha escapado y supongo que no tardaremos en verlo en acción.
Caribou y Raizou rompen las comunicaciones de la prisión con el exterior, por lo que no pueden darle la noticia a Kaido y se quedan incomunicados. La única salvación para los subordinados del Yonkou es huir y buscar ayuda. Mientras, Big Mom busca la sopa de judías, pero se encuentra con que ya no hay.
Todo el mundo empieza a correr porque saben que Big Mom va a desatar su furia, pero Luffy, sonriente, admite haberse comido toda la sopa de judías, a lo cual, Big Mom reacciona de la forma esperable.
No ha recuperado la memoria, no sabe quien es Luffy pero ya se ha enemistado con él. Sorprende lo que dice respecto a su intención con la sopa de judías, y es que O-Lin, su versión nueva sin memoria, es una persona en principio amable, y lo que pretendía con la sopa era repartirla entre los habitantes hambrientos de Wano. Todo un detalle que sorprende viniendo de una Yonkou como ella.
Empieza un pequeño enfrentamiento entre ambos en el cual, para no morir a causa de los collares explosivos, Luffy consigue destruirlos con su haki. Tanto él como el viejo se liberan del collar por fin. Entonces, Luffy intenta probar su nueva habilidad con Big Mom. El funcionamiento se basa en que el haki se exterioriza y se expande desde el cuerpo del usuario, haciendo que puedas dar un golpe sin tocar al enemigo. Bajo esa lógica, Luffy podría derrotar a Kaido y Big Mom sin tocarlos, reventándolos por dentro.
Al defenderse, o intentar defenderse con ese tipo de haki frente a Big Mom, recibe un puñetazo de su parte que lo lanza contra las rocas. Está claro que necesita entrenarlo. Algo así como le pasó recientemente con Katakuri y el haki de observación. A un paso interesantemente veloz, Luffy está consiguiendo evolucionar todos los tipos de haki. Próximamente estoy seguro de que alcanzará un mayor poder con el Haki del Rey y el despertar de su fruta.
Big Mom rompe la entrada principal y corre hacia el horno de fundición, en la fábrica de al lado, mientras persigue a Luffy. Pero da una vuelta en círculo, Queen sabe que va a volver y entonces planea como pararla cuando esté de nuevo en la prisión. Se sube a un alto y decide, porque cree que es buena idea, tirarse de cabeza para darle un golpe a Big Mom en la suya con su durísimo cráneo. Efectivamente eso es lo que hace, con la mala suerte de que el golpe provoca que recupere la memoria y recuerde su nombre.
Pero entonces, cae desmayada al suelo. El golpe no le ha afectado mucho supongo, pero el cansancio y el hecho de que ha vuelto de un estado extraño, sumado al golpe, hacen que se tire a dormir con na sonrisa en la cara. Queen decide aprisionarla con todo el kaiouseki puro que tengan y llevarla a Onigashima. Me imagino que sus hijos no tardarán en aparecer y que se va a montar una buena guerra entre ambos bandos, siendo Luffy un tercer punto en conflicto bastante interesante. ¿El origen de una nueva guerra en medio de un arco?
Y hasta aquí el análisis de esta semana, nos vemos en el 948, en el ínterin, sed felices.
Los amigos de Netflix se están haciendo de rogar con el material promocional de una de sus series más esperadas, la adaptación de The Witcher, la saga literaria de fantasía oscura del autor polaco Andrzej Sapkoswki que muchos conoceréis por su triunfal adaptación al mundo del videojuego, donde ha acumulado todos los galardones habidos y por haber.
Pues bien, aprovechando que la futurible Comic-Con de San Diego está próxima, los responsables han decidido sacar a la luz las primeras imágenes promocionales en condiciones de las que hemos podido disfrutar y, la verdad sea dicha, pintan bastante bien, mucho mejor que aquella prueba de cámara que Henry Cavill subió a Instagram hace unos meses o esas filtraciones en las que podíamos ver varias armaduras de la serie que demostraban un aspecto bastante peculiar.
La serie estará basada en las novelas de la saga y no en los videojuegos homónimos, aunque si que cogerá cierta inspiración estética de estos, como el aspecto de Geralt de Rivia que, cómo podéis ver en las imágenes que tenéis más abajo, luce un aspecto inspirado en la apariencia del personaje en The Witcher 3 con la coleta, la armadura con hombreras y los ojos de color ámbar. A pesar de eso, su aspecto afeitado y esa única espada (en vez de las espadas dobles que acostumbramos a ver en los juegos) son características que nos indican que la serie será respetuosa con el contenido literario, y es que el Geralt de los libros odia el vello facial y suele tener su espada de plata a salvo con su caballo Sardinilla, en vez de llevarla consigo a todas partes.
Además del personaje principal, en las imágenes podemos ver a la actriz Anya Chalotra como la poderosa e inteligente hechicera Yennefer de Vengerberg, y a la joven Freya Allan como Cirilla, princesa de Cintra e hija adoptiva del brujo Geralt.
Geralt de RiviaYennefer de VengerbergCirilla
En los posters podemos ver el logo de la serie y el subtítulo oficial: “Los peores monstruos son los que nosotros creamos” y, aunque aún no tenemos fecha de lanzamiento a la vista, sabemos que habrá tráiler (público, esperemos) en la SDCC y que la serie llegará a nuestras pantallas antes del fin de este año.
Buenas gente, como ya sabréis, desde hace poco está disponible en Netflix la tercera y última temporada de Jessica Jones, la investigadora privada con poderes más peculiar de Nueva York. Es la última de las series en terminar, ya que coincidió el rodaje de esta tercera temporada con el pleno de cancelaciones de las restantes series de Netflix relacionadas con Marvel. Eso le permitía a priori contar con la ventaja de intentar cerrar bien la serie para cuando llegase el episodio final. Respecto a eso, no puedo pronunciarme aún, pues este análisis que os comparto hoy es sobre los 7 primeros episodios de la temporada.
Jessica y Trish con su «uniforme» de faena nocturna.
Antes de abordar el análisis de la nueva temporada, os dejo aquí los enlaces de anteriores análisis, por si queréis refrescar algún detalle antes:
La pregunta aquí es… ¿merece la pena la primera mitad de esta tercera temporada? En mi opinión, NO. Admito que, leyendo en alguna que otra página la valoración de esta tercera temporada, disiento bastante de lo que he leído. No obstante, os comparto mi valoración, por lo que es lógico que haya otras personas que, si ven esta temporada, la estén disfrutando. En mi caso, y aquí vuelvo a ir un poco contracorriente con lo que se decía de la temporada 2 (que a mí me gustó, pero hubo gente que la catalogó de soporífera), esta temporada sí que me está resultando lenta y soporífera, haciendo que por ahora, respecto a lo que llevo visto, me esté sobrando por completo este final de serie.
¿Qué pasa en esta temporada? Por una parte, vemos las consecuencias de la muerte de Jessica Jones en el final de la temporada anterior, lo que tendrá más distanciadas que nunca a Jessica y a Trish. Además, Trish empezará a descubrir y entrenar los poderes que consiguió como consecuencia de la operación a la que se sometió igualmente en la temporada anterior. Así, podréis ver las habilidades gatunas del personaje (que en los cómics se llama Gata Infernal), al mismo tiempo que comenzará a trabajar en un programa de televisión donde vende ropa. Respecto a Jessica, la veremos intentando seguir con su vida, la cual sufrirá un giro inesperado cuando, en una noche de borrachera, se líe con Erik Gelden, un personaje que esconde más de lo que parece a simple vista, y que le traerá muchos problemas.
Jessica y Erik, el rey de las hamburguesas.
Por otra parte, Jeri Hogarth empieza a lidiar con los primeros síntomas físicos de la ELA, la enfermedad que le fue diagnosticada. Eso hará que se vuelque en su trabajo como abogada, representando a personas bastante canallas, y también supondrá que ella intente ver a Kith Lyonne, una antigua novia por la que sintió unos fuertes sentimientos en el pasado (cosa a destacar por lo fría que es Jeri). Respecto a Malcolm Ducasse, el vecino y amigo de Jessica, lo encontraremos trabajando para el bufete de Hogarth en una labor parecida a la del Señor Lobo de Pulp Fiction, resolviendo problemas y también investigando los trapos sucios de muchas personas. Malcolm tiene ahora una relación sentimental con Zaya Okonjo, una de las abogadas más prometedoras del bufete de Hogarth. Y no nos olvidemos del detective Costa, amigo y aliado de Jessica en algunos casos policiales.
Bien, esto es, a grandes rasgos, la situación de los personajes. ¿Quién es el villano de la función? Aquí viene uno de los puntos flojos de la temporada. Porque, a pesar de que el papel del asesino y psicópata Gregory Salinger está bien interpretado, parece el típico majara que podría aparecer en un capítulo de Mentes Criminales o incluso C.S.I. Es decir, tenemos a un hombre inteligente y que odia a los superhéroes por hacer trampa en ese sentido a la hora de ser mejores que las personas de a pie, y que es muy cuidadoso con cada acto criminal que comete. Pero ese es un fallo, pasar de un gran personaje como era Killgrave, o la madre de Jessica Jones, que gustara más o menos también tenía poderes especiales, a una persona normal y corriente. Un tanto retorcida sí, pero normal a fin de cuentas.
El malo de la función, Salinger.
Por otra parte, volvemos a ese dilema de los episodios de una temporada, porque esta tiene 13, y se nota que intentan estirar lo máximo posible cada episodio, porque no se deja de dar vueltas sobre lo mismo, sin apenas avanzar con demasiadas novedades jugosas. El desarrollo de las subtramas también flojea, como por ejemplo la de Jeri, que creo que tiene su parte de protagonismo porque ya salía en temporadas anteriores, pero es muy innecesaria.
Así que esto es en líneas generales lo que opino de esta primera mitad de temporada. Cuando termine la serie os analizaré lo que resta. ¿Y a vosotr@s, qué os está pareciendo? No dudéis en comentar lo que queráis, estaré encantado de responderos. ¡Hasta otra!
Te saludo habitante del pantano. Otra vez contigo en un nuevo análisis de Swamp Thing (La Cosa del Pantano) para contaros las consecuencias que los tejemanejes de AverySunderland están teniendo para los habitantes de Marais. Consecuencias en forma de oscuras amenazas provenientes del pantano, lo que explicaría el título de este capítulo, Darkness on the Edge ofTown, que se podría traducir como Oscuridad en los límites de la ciudad. Capítulo dirigido por Carol Banker y escrito por Erin Maher y Kay Reindl.
Mientras dos residentes de Marais están talando un árbol en el pantano, les cae un cadáver encima. Este cadáver resultar ser portador de una enigmática infección que se transmite a través de cortes en la piel. La Cosa del Pantano no es claro sobre la naturaleza de la enfermedad, limitándose a decir que la oscuridad ha sido liberada de nuevo y busca nuevos huespedes. Así que hemos de asumir la naturaleza mística de la misma, naturaleza que hace aflorar los miedos de las personas que infecta. Liz descubrirá que ya hubo una infección similar hace años pero que su último portador desapareció en el pantano. Precisamente este es el que encuentran los mencionados ciudadanos de Marais cuando cortan el árbol. A raíz de eso la enfermedad vuelve a propagarse. Si bien se da a entender que el resurgimiento de la misma se ha visto favorecido por las acciones de Avery en el pantano.
El caso es que Swamp Thing acabará devolviendo ese mal al cadáver que lo había retenido durante años, cadáver que luego se traga el pantano. Lo dicho, no queda claro el origen de dicha maldad y todo parece indicar que el pantano se aprovechó de la misma en su lucha contra las atrocidades que el ser humano está llevando a cabo en el entorno natural. Una peculiar mezcla entre misticismo y ecologismo no demasiado bien explicada. Espero que se vaya aclarando en capítulos posteriores. Lo que si se explica es como Alec sabe de la enfermedad, puede asimilarla y trasmitirla al difunto cuerpo anfitrión. Por su conexión con las plantas. Como en los tebeos, el vínculo de La Cosa del Pantano con cualquier forma de vida vegetal le permite desplegar las habilidades que estamos viendo. En los cómics se dice que nuestro protagonista está conectado con el «Verdor», una entidad mística que encarna la fuerza vital de toda la vida vegetal.
Sobre la naturaleza de La Cosa del Pantano
A mismo tiempo que ocurre los acontecimientos mencionados Abby le pide a Alec una muestra de su tejido para investigarlo. Mientras lo hace, capta la atención de Woodrue, que se interesa por lo que está haciendo y le pide permiso para colaborar en la investigación de la doctora, al darse cuenta de que las células que está examinando parecen una combinación única de tejido animal y vegetal. Por lo que se da a entender Swamp Thing parece ser Alec Holland, mutado en un ser vegetal, el planteamiento original de Len Wein y Bernie Wrightson, y no un ser enteramente vegetal, que mantenía la conciencia de Holland, más próximo al enfoque posterior de Alan Moore. En posts anteriores escribí que me parecía que iba a predominar el enfoque de este último pero puede que me equivocara. La serie nos dirá.
El caso es que, dados los conocimientos de biología de Jason, Abby acepta su ayuda, con la condición de que le informe primero a ella de cualquier cosa que descubra. Puede que estemos más cerca de ver a Jason Woodrue convertido en el villano Floronic Man.
La jugada maestra de Avery
Viendo el interés que tiene su esposa María por Susie y con la excusa de celebrar que la gente parece estar recuperándose de la extraña infección del pantano, Avery organiza una fiesta en el ayuntamiento para toda la gente de Marais. En ella le propondrá a María que ellos se ocupen de Susie para lo que necesitarán que Jason Woodrue prosiga con sus investigaciones con el fin de evitar que Susie vuelva a recaer. De esta forma Avery se asegura seguir contando con la financiación de su mujer.
Curiosidades
En una conversación, en la mencionada fiesta, Xanadú le comenta a Daniel que hizo un trato en Marais para quedarse allí hasta que se le necesitara. Es posible que sea algo parecido al pacto que hizo su contrapartida en las viñetas con el demonio Nerón, de lo cual hablé en mi Análisis de Swamp Thing (La Cosa del Pantano). Temporada 1. Capítulo 2. No se dice mucho más, así que habrá que esperar acontecimientos. Lo cierto es que el personaje se está implicando cada vez más en los problemas del sitio y demuestra poseer habilidades atléticas por encima de la media.
Cuando Abby es infectada su miedo toma la forma de su padre. En los cómics el padre de Abby es Anton Arcane, un científico con aptitudes para la magia, cuya obsesión con logar la inmortalidad le llevó a experimentar y crear todo tipo de aberraciones, parecidas a la que vimos en el capítulo 3. Su camino terminaría cruzándose con el de La Cosa del Pantano, convirtiéndose en su peor enemigo. Así que no es descabellado pensar que podría acabar apareciendo en la serie.
Breve valoración y cierre
Como es propio de una serie de televisión, Swamp Thing avanza despacio. Pero la acertada y justa combinación entre acción y caracterización de personajes hace que cada episodio no se haga pesado. Para muestra el capítulo que nos ocupa, en el que, además, se van insinuando situaciones, contextos y tramas que te dejan con ganas de querer ver y saber más. Creo que repito mucho esto pero es la sensación que me está dando Swamp Thing. Una buena sensación.
Espero que te haya gustado este post habitante del pantano. Si es así, comenta y comparte. Si no te gusta comenta también para ver que podría mejorar en la redacción del mismo. ¡Muchas Gracias!
En el mes de junio de 2019 Panini Cómics publica Thor: Origen. Thor: Origen es un tomo que recoge el especial Thor: Season One One-Shot #1 (2013). Dicho cómic se enmarca en una línea del 2011 a través de la cual Marvel quería llegar a una nueva generación de lectores, algunos de los cuales habían empezado a conocer a sus personajes a través del cine.
Como extras Thor: Origen incluye un artículo de David Hernández Ortega, quien, a modo de introducción, explica la razón de ser de Thor: Season One One-Shot #1. El tomo se cierra con un epílogo del dibujante del mismo, Pepe Larraz, donde se nos habla del proceso creativo del especial, incluyendo bocetos de personajes y páginas.
Season One
De manera similar al Universo Ultimate, el proyecto Season One buscaba actualizar a algunos de los personajes más emblemáticos de Marvel con equipos creativos contemporáneos para enganchar a un nuevo público. Si bien no sería un partir de cero en un nuevo universo sino remontarse a los primeros cómics de los personajes, allá por los años sesenta, y darles un lavado de cara. Lo que acercaba la línea a los Año Uno, Year One, de DC Comics, pero no con un formato de serie limitada sino de especial autoconclusivo, sin intención de continuarlo en el futuro.
Thor: Season One
Así, en el caso de Thor: Season One, Thor: Origen, su guionista, Lilath Sturges, ha eliminado el contexto de Guerra Fría, propio de la época en que Stan Lee y Jack Kirby crearon a este personaje, y ha dado un mayor peso al entorno mitológico -esas Nornas, tejedoras del destino de dioses y seres humanos- que al de ciencia ficción o superheróico.
Sturges muestra a un joven Thor que, como el médico lisiado Donald Blake, trata de encontrar su lugar en Midgard, a la par que va descubriendo los motivos por los que fue desterrado de Asgard por Odín, debido a su desmedido orgullo. Orgullo que lo hizo presa fácil de las manipulaciones de su hermanastro Loki, quien conspira con los Gigantes de Hielo de Jotunheim para hacerse con el Reino Dorado.
Siendo un cómic del siglo XXI para lectores del siglo XXI la presencia de móviles así como de redes sociales, webs y blogs, donde se recogen las primeras andanzas de Thor en La Tierra, es una constante. Añadir además que, en esta historia, Jane Foster, interés sentimental de nuestro héroe, es una doctora desde el principio y no una enfermera, como en los primeros años de las aventuras del dios del trueno. Esa nueva situación de partida entre Don y Jane da lugar a una relación no de subordinación, enfermera-doctor, sino entre iguales con brillantes momentos de caracterización e interacción entre ambos. Se agradece que Foster no se muestre como la enfermera pánfila de antaño sino como una mujer fuerte y decidida capaz de encararse a Thor para que conserve y valore la humanidad que ha ganado como Donald Blake.
Si bien todo esto no hubiera sido posible sin el magnífico dibujo del artista español Pepe Larraz. Dibujo que David Hernández Ortega describe de la siguiente manera:
«… un dibujo fresco, luminoso y dinámico. Una caracterización de personajes en la que puedes reconocer instintivamente a cada uno. Unas expresiones vivas y naturales en cada rostro y situación. Una narrativa dinámica, tan sólida como elegante. Una composición de página que acompaña al lector de forma que este no se pierda un solo detalle».
Poco más que añadir a esta descripción que Hernández Ortega hace de un dibujante que a mi me ganó despues de leer su espectacular trabajo en Vengadores Sin Rendición.
Cierre
Dejando aparte el hecho de que Thor: Origen, en su intento de lograr un equilibrio entre el enfoque de las olvidables películas de Thor y sus cómics clásicos, olvida a personajes claves de estos últimos, como Balder el Bravo, lo cierto es que puedo decir que estamos ante un producto muy digno que define claramente lo que fue Thor en los comienzos del Universo Marvel. Y lo hace tan bien que tras leerlo uno llega a la conclusión de que este cómic debería haber sido la primera película de Thor. Hubiera sido una gran peli de superhéroes.
Así que si el personaje no te ha espantado en el cine y quieres conocer sus inicios de forma amena y divertida, sin necesidad de leer toneladas de cómics sesenteros, este es tu tomo. Y si eres veterano, pues te diría que sólo por el dibujo de Larraz merece la pena darle una oportunidad a Thor: Origen.
Cierro recordándote que si quieres leer más cosas ambientadas en el pasado de Thor tienes mi Reseña de Thor: Las Edades del Trueno. No me queda más que animarte a que comentes que te ha parecido este post. ¡Muchas Gracias!
¡Saludos gente! Hace muy poquito se estrenó en Netflix «Shaft«, la continuación de «Shaft, el retorno» (2000), ambas protagonizadas por Samuel L. Jackson. Y aquí me tenéis para compartiros mis impresiones y haceros una crítica de dicha película que me ha sorprendido gratamente y me ha resultado muy entretenida. Ahora bien, no os voy a engañar, es más que posible que en distintas páginas de cine no tenga una calificación excelente, pero ya sabéis lo que pasa con las películas de acción y compañeros, que pueden ser de lo más entretenidas pero recibir palos de la crítica a diestro y siniestro. ¿Sabéis que diría Shaft a eso? Que les den a las críticas ja ja.
La familia Shaft.
Porque una gran diferencia entre «Shaft» y «Shaft, el retorno», es que en la primera y recién estrenada se explota mucho más la parte del colegueo y la comedia entre los protagonistas, generando eso situaciones muy cómicas y dinámicas. Además, aquí descubrimos que John Shaft (Samuel L. Jackson) es padre de un niño llamado John Shaft Jr. (interpretado por Jessie T. Usher), y eso es parte esencial de la trama. Así pues, vayamos con la parte que querréis saber.
¿De qué va «Shaft»? La historia comienza en los años 80, cuando John Shaft y Maya (su chica de aquel entonces y madre del bebé John Shaft Jr.) son atacados por una banda de criminales que iban a por Shaft. Eso provocará que Maya decida alejarse lo máximo posible de Shaft para criar a su hijo lejos de tanta violencia. Así irán pasando los años y veremos que el papel de Shaft como padre se reduce a enviar regalos de lo más peculiares a su hijo por cada cumpleaños (como cajas de preservativos, revistas eróticas y otras lindezas). El niño se convertirá en adulto y terminará trabajando como analista del FBI. Tras la muerte de un amigo, John Shaft Jr. pedirá ayuda a su padre, una leyenda en el barrio de Harlem, y un gran investigador. Y así arrancará el reencuentro entre padre e hijo, del cual se irán generando multitud de situaciones, algunas cómicas y otras emotivas, que sin duda harán disfrutable la película.
Así se liga hijo.
No hay que olvidar que aparecerá un tercer Shaft en la película, que en la anterior era el tío de John Shaft, y del que sabremos que tiene otro parentesco distinto con él. Este tercer personaje está interpretado por Richard Roundtree, quien interpretara por primera vez el papel de Shaft en 1971 (el origen de todo esto).
De fondo habrá una trama criminal, como no podía ser menos, y a medida que los personajes vayan descubriendo cosas se irá desvelando todo el pastel, pero la mayor efectividad de esta película se encuentra en la relación entre padre e hijo, y las distintas situaciones en las que se vean inmersos, haya o no mujeres de por medio para ligárselas, porque no os quepa ninguna duda, John Shaft podrá tener su edad, pero sigue llevándose de calle a las mujeres de Harlem, incluso si debe disfrutar de un sandwich (si veis la película entenderéis la mención). También descubriremos que Shaft no distingue entre géneros masculino o femenino, porque reparte los sopapos por igual como él mismo le aclara a su hijo en una escena.
No vas a salir bien de ésta y lo sabes.
Hay que decir que sin Samuel L. Jackson esta película pasaría más desapercibida, pero es que estamos ante un tipo de personaje chulesco (podéis leer aquí mi artículo dedicado a él en Los más chulos del barrio: John Shaft), que le viene como anillo al dedo. Ya en Shaft, el retorno pudimos ver la pasta de la que estaba hecho, y aquí sigue fiel a eso mismo, manteniendo esa buena puntería y teniendo una peculiar verborrea. Y como mencionaba antes, genera una buena química con el personaje de su hijo, dándole ese toque de buddy movie a la película que tan bien funciona si se hace del modo adecuado. No obstante, y como esto no deja de ser una opinión basada en mi visionado de la película, y cada persona tendrá su opinión, será un placer leer vuestros comentarios.
Total, sólo hay un modo de saber si esta película os causa una grata sorpresa como a mí, y es verla, así que… ¿por qué no le dais una oportunidad? Gustará a quienes vieran la anterior de Shaft, a quienes disfruten con las pelis del amigo Samuel L. Jackson, y a las personas que gusten de ver historias de detectives privados y colegueo. Dadle una oportunidad. ¡Hasta otra!
Te damos la bienvenida a nuestra habitual sección mensual de la lista de la compra para este mes de julio. Como siempre desear que te sirva de referencia para tus compras del mes. Cualquier crítica, sugerencia o aportación a comentarios. Un abrazo.
1) Mercurio Loi: La Roma de los locos. Panini Cómics. 16,00 euros. Mercurio Loi, el Sherlock Holmes italiano tiene un importante asunto entre manos. El castillo Sant’Angelo es el escenario de muertes oscuras y misteriosas, y en el reinado del Papa, solo la intrépida mente de Loi puede desenredar el entuerto. Me gusta Sherlock Holmes, y me gusta Italia. ¿Cómo no me iba a gustar Mercurio Loi? Corred a por él.
2) 100% Marvel. Marvel Rising. Panini Cómics. 17,00 euros. Adaptación de la TV. Es inevitable comprar una historia en la que Doreen Green, la inimitable Chica Ardilla y Kamala Khan (Mrs. Marvel) se encuentran en la clase de informática. Yo no me pierdo ninguna aventura de la chica ardilla, y vosotros tampoco deberíais.
Adrián De La Fuente
1) Marvel Limited Edition. Killraven. Panini Cómics. 45,95 euros. En los 70 Marvel daría su particular versión de La Guerra de los Mundos de H. G. Wells con Killraven. Cabecera en la que el personaje que da nombre a la misma y un puñado de rebeldes harán frente a la invasión marciana de La Tierra. De comienzos algo flojos, Killraven terminaría destacando gracias al buen hacer de Don McGregor y Craig P. Russell. Dos autores que entonces estaban haciendose un nombre en la industria. Poco a poco ambos convertirían la colección en un referente de una década en la que esta editorial decidió experimentar más allá de los superhéroes, hacia el pulp y la ciencia ficción.
Jose Carlos García
1) Harrow County 7: Se acercan tiempos oscuros.Norma Editorial. 16,00 euros. Parece que ésta será (con los cómics es mejor no dar nunca nada por hecho) la última entrega de la más que disfrutable saga de terror rural de Harrow County, escrita por Cullen Bunn y dibujada en su mayor parte por Tyler Crook. En este séptimo tomo, una terrible fuerza se aliará con la malvada familia de Emmy para emprender una guerra que podría destruir todo lo que Emmy ama en Harrow County, así que la protagonista tendrá que buscar aliados para hacer frente a ese nuevo mal que podría acabar con todo.
2) The Magic Order 1. Panini Cómics. 18,00 euros. Primer tomo de esta historia escrita por Mark Millar y dibujada por el fantástico Oliver Coipel (me encantó su labor en el Thor de Straczynski o también en Los Vengadores de Geoff Johns). En esta historia se nos plantea el hecho de que las personas normales nunca ven monstruos, y eso es porque The Magic Order se encarga de que así sea y podamos conciliar el sueño por las noches. Durante el día son personas normales, pero de noche… hacen frente a distintas amenazas de la oscuridad. Conociendo a Millar, esta historia no dejará indiferente.
Juanjo Avilés
1) El Reloj del Juicio Final 1 (de 12). ECC Cómics. 3,25 euros. Este cómic tiene el honor de ser a la vez uno de los más esperados y uno de los más odiados de los últimos tiempos. Geoff Johns se atreve a escribir la reunión de los héroes y villanos del Universo DC con los personajes de Watchmen en una historia que es la a vez una continuación de la mítica obra de Alan Moore y un evento trascendental para Superman, Batman y compañía. El guionista logra atrapar al lector en este primer número que sirve de introducción a la historia y deja con ganas de más. Como guinda del pastel, el dibujo está a cargo de un inspirado Gary Frank que realiza el mejor trabajo de su carrera. Si solo puedes comprar un cómic este mes, sin duda debería ser este.
2) Universo Marvel: La Guerra de los Reinos 1. Panini Cómics. 4,00 euros. La Guerra de los Reinos es el último gran evento de Marvel. Asistiremos a la invasión de La Tierra por parte de los ejércitos de Malekith, el elfo oscuro que en la colección de Thor ha ido conquistando todos los reinos de la mitología asgardiana. Los héroes de Midgard se tendrán que enfrentar a elfos, trolls, gigantes de hielo, duendes de fuego y demás seres fabulosos, en una historia que su guionista Jason Aaron ha definido como un cruce entre Vengadores Endgame y Juego de Tronos. Un cómic con una historia apasionante y épica y con unos dibujos espectaculares de Russell Dauterman.
3)The Magic Order. Panini Cómics. 18,00 euros. The Magic Order es el primer cómic nacido de la alianza entre Mark Millar y Netflix para que los derechos de las creaciones del escritor pertenezcan a la plataforma. Esta obra nos presenta la historia de unas familias de hechiceros que protegen nuestro mundo de las amenazas sobrenaturales. Pero esos magos van siendo misteriosamente asesinados y será en ese momento cuando los hijos de la familia más importante tengan que dar un paso al frente. Como siempre, Millar sabe rodearse de buenos colaboradores para la parte gráfica de sus historias y en este caso Olivier Coipel ofrece un magnífico dibujo que brilla tanto en los momentos más íntimos de los protagonistas como las impresionantes escenas de batalla.
4) Jupiter’s Circle 2. Panini Cómics. 20,00 euros. Mark Millar sigue adelante con la publicación de Jupiter’s Circle, la precuela de Jupiter’s Legacy donde vemos los “años dorados” de los protagonistas. Si en la serie principal Millar se basa en la acción y la espectacularidad, en Circle se muestra mucho más contenido mostrándonos la evolución de los superhéroes de este universo y como se enfrentan a los conflictos sociales de la segunda mitad del siglo XX. Es interesante ver la posición de personajes tan poderosos en temas como la homosexualidad, las infidelidades, el movimiento contracultural, los conflictos bélicos, económicos y políticos… y cómo esas vivencias acaban luego teniendo consecuencias en lo que nos cuenta Millar en Legacy. Mark Millar demuestra que puede ofrecer un cómic alejado de las grandes historias y que nos muestra el corazón de unos personajes muy humanos a pesar de sus grandes dones.
Bienvenidos, amantes de HBO, al artículo mensual donde repasamos las novedades que nos trae la plataforma de streaming. Tras un mes de junio cargadito, la plataforma nos ofrece algunas de nuestras nuevas obsesiones veraniegas, con las que pasar en casa los agradables 40 grados a la sombra.
Series
Friends
Si hace poco descubríamos que Mónica, Rachel y los demás iban a desaparecer de Netflix, hoy os anuncio con orgullo que el Central Perk abre sus puertas en HBO. Corred a disfrutar de ella, furros.
https://www.youtube.com/watch?v=sLisEEwYZvw
Todas las temporadas de Friends estarán disponibles en HBO el 1 de julio.
El pionero
Jesús Gil es mitología española. Lo cierto es que hay pocas personas sobre la que versen más mitos y leyendas que sobre el que fuera presidente del Atlético de Madrid, Alcalde de Marbella, y algún que otro puesto más. Por esto, HBO nos trae esta serie documental sobre el mismo.
https://www.youtube.com/watch?v=ubWbdBx38SQ
La serie sobre Jesús Gil se estrena el 7 de julio
Gösta
De la mano de HBO Nordic, se estrena esta comedia de Lukas Moodysson sobre un joven psicólogo infantil que, a los 28 años, consigue su primer trabajo en una localidad rural. Promete ser una revelación.
Esta serie se estrena el 1 de julio. No os la perdáis.
Otras series
De la Tierra a la Luna – 15 de julio
The Unsettling – 15 de julio
Trust me. Temporadas 1 y 2. Estreno 1 de julio
Divorce. Temporada 3. Estreno 2 de julio
El pionero. Estreno 7 de julio
Snowfall. Estreno 11 de julio
The Unsettling. Temporada 1. Estreno 15 de julio
Allí abajo. Temporada 5. Estreno 1 de julio
Películas
Este mes, HBO no ha apostado por el contenido propio, pero nos ha traído grandes clásicos de ayer y hoy, así como grandes novedades.
Dunkerque
La aclamada obra bélica de Christopher Nolan sobre la batalla de Dunkerque, que incluía al ídolo juvenil Harry Styles se estrena en HBO. En esta web, trajo críticas positivas y negativas a partes iguales.
Dunkerque se estrena en la plataforma el día 20 de julio
Mi nombre es Harvey Milk
Se trata de una impresionante película protagonizada por Sean Penn sobre el político y activista. Milk fue el primer hombre abiertamente homosexual con un cargo público en Estados Unidos, y Penn realiza una actuación soberbia.
Esta película se puede ver en la plataforma a partir del 1 de julio
Otras películas
Super 8. Estreno 12 de julio
La cena de los idiotas. Estreno 1 de julio
Novia por contrato. Estreno 1 de julio
El inocente. Estreno 1 de julio
Margot y la boda. Estreno 1 de julio
Hombres, mujeres y niños. Estreno 1 de julio
Sabrina. Estreno 1 de julio
Los hermanos Grimm. Estreno 5 de julio
La última Legión. Estreno 5 de julio
Adiós, pequeña, adiós. Estreno 12 de julio
El Topo. Estreno 12 de julio
Super 8.Estreno 12 de julio
American Pie. Estreno 14 de julio
La vida es bella. Estreno 19 de julio
El pregón, Estreno 19 de julio
Kate & Leopold. Estreno 19 de julio
Outlander. Estreno 26 de julio
Chocolat. Estreno 26 de julio
Mátalos suavemente. Estreno 26 de julio
El talento de Mr. Ripley. Estreno 26 de julio
Share. Estreno 28 de julio
Y con esto y un bizcocho, hasta el mes que viene a… a últimos de mes, cuando os volvamos a traer las novedades mensuales de HBO. Mientras tanto, y si el calor os deja… sed felices
¿Que sería de comenzar otro mes sin conocer el nuevo contenido que llega a Netflix? Otro mes en Las cosas que nos hacen felices os traemos los últimos estrenos de vuestras plataformas de streaming preferidas. Este mes de julio tenemos refrescantes novedades en cuanto a series:
Stranger things (Temporada 3)
El gran estreno de julio para Netflix en el que volvemos a tener a nuestra pandilla favorita un año después de los sucesos de la segunda temporada y veremos cómo han evolucionado nuestros jóvenes a este salto temporal y las relaciones de Mike e Eleven y la de Max y Lucas. En esta nueva temporada un mal acecha más que nunca a la ciudad de Hawkins y promete poner a sus habitantes en serios apuros. Comenzará en la época de verano de 1985, por lo que no estará centrada en la escuela como las anteriores y una ambientación totalmente diferente de diversión, relax, piscina y vacaciones antes de ponerse todo sombrío. Si no has visto esta serie aún tienes algunos días para devorarla, y esperamos que vuelva a ser otra vez la serie del verano.
El gran estreno español de julio llega con esta nueva temporada de nuestros ladrones preferidos. La trama presenta como la banda tiene que volver a unirse después de la captura de uno de los miembros, por lo que tendrán que volver de sus escondites una vez que lograron atracar La casa de la moneda. El tráiler pinta espectacular y se nota un mayor presupuesto que en las anteriores temporadas. En el reparto volveremos a tener a Úrsula Corberó (Tokio), Álvaro Morte (El profesor), Jaime Lorente (Denver), Miguel Herrán (Río), Darko Peric (Helsinki), Alba Flores (Nairobi), Esther Acebo (Estocolmo), Itziar Ituño (Raquel Murillo), Enrique Arce (Arturo), Mario de la Rosa (Suarez), Kiti Mánver (Mariví) y a Juan Fernández (el coronel Prieto), así como novedades en el reparto que incluyen a Hovik Keuchkerian (Bogotá), Najwa (Alicia), Rodrigo de la Serna (El ingeniero) y a Fernando Cayo (Tamayo).
En esta serie distópica espacial tendremos a la astronauta Niko Breckinridge y su joven tripulación afrontan un gran peligro durante una arriesgada misión para explorar el origen de un artefacto extraterrestre. El reparto lo compone Katee Sackhoff, Selma Blair, Justin Chatwin y Tyler Hoechlin, así como en la dirección tendremos a Aaron Martin.
Fecha de estreno: 25 de julio
Parchis, el documental
Si has crecido en los 80 recordarás al grupo mítico juvenil de Parchís que en España fue un verdadero furor en su época. En este documental se repasará su trayectoria y contará con imágenes de archivo cuarenta años después, que ayudaran a recrear como afectó al grupo de jóvenes la fama a tan temprana edad.
Fecha de estreno: 10 de julio.
Otras series que se estrenan en Netflix:
Re: zero, Starting Life in Another World T1: 1 julio
Descendant of the Sun T1: 1 julio
Stone Age T1: 1 julio
Zombie Dumb T1-2: 1 julio
Titipo Titipo T1: 1 julio
Fight, for my Way T1: 1 julio
Hit the Top T1: 1 julio
School 2007 T1: 1 julio
Good Manager T1: 1 julio
Queen for seven days’ T1: 1 julio
My golden life T1: 1 julio
Radio romance T1: 1 julio
Are You Human’ T1: 1 julio
The Chef’s Line: 1 julio
Black Knight: The Man Who Guards Me T1: 1 julio
Archer T9: 1 julio ♥Recomendada
iZombie T4: 1 julio ♥Recomendada
‘Samurai 7’ T1: 1 julio
Cardcaptor Sakura: Clow Card’: 1 julio
Cardcaptor Sakura: Sakura Card’: 1 julio
Designated Survivor: 60 Days’: 1 de julio
Kakegurui T2: 4 julio
Da Ali G Show T1-4: 15 julio
Black Money Love T1: 15 julio
Men on a mission 2019: 23 julio
Girls with Balls: 26 julio
Películas originales de Netflix
Secret Obsession
Tras un salvaje ataque, una mujer se despierta con amnesia parcial. Mientras intenta recuperar su memoria tendrá que poner a prueba la confianza de su entorno. Este inquietante thriller dirigido por Peter Sullivan cuenta con un reparto formado por Brenda Song, Mike Vogel y Dennis Haysbert.
Fecha de estreno: 18 de julio
Otros estrenos destacados de Netflix
Blade Runner: 2049
El gran Denis Villeneuve se encargó de dirigir en 2017 la secuela de unas de las películas más representativas del cyberpunk. La película nos lleva treinta años después de la primera película y en la que un nuevo blade runner llamado K (Ryan Gosling) descubre un descubre un secreto profundamente oculto que podría acabar con el caos que impera en la sociedad. El descubrimiento de K le lleva a iniciar la búsqueda de Rick Deckard (Harrison Ford), un blade runner al que se le perdió la pista hace 30 años.
Entre tanta espantada de catálogo Disney de Netflix, es bueno ver que hasta que se abra Disney + vamos a poder disfrutar al menos de la octava parte de Star Wars. En esta película vemos como a La resistencia liderada por Leia Organa (Carrie Fisher) luchando contra la Primera Orden. También vemos a Rey (Daisy Ridley) entrenar junto al legendario Jedi Luke Skywalker (Mark Hamill). La película dirigida por Rian Johnson generó críticas variadas en su estreno en 2017, pero sin duda esta es una buena oportunidad para revisionarla o verla por primera vez.
Miguel es un niño mexicano que tiene el sueño de convertirse en leyenda de la música a pesar de la prohibición de su familia. Su pasión le llevará a adentrarse en la «Tierra de los Muertos» para conocer su verdadero legado familiar. La última película de Pixar es una colorida y encantadora historia sobre la familia y la pérdida.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Marvel Gold. La imposible Patrulla-X 6. El juicio de Magneto. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
No me voy a recrear en decir que números contiene este tomaco de más de 700 páginas, no me voy a recrear en repetir datos que podéis encontrar en cualquier página web. Sólo os puedo comentar que estamos en la parte álgida de la colección más importante de todos los tiempos, Uncanny X-Men. Ya se que la mayoría de vosotros me diréis que la época Claremont- Byrne es la mejor de todas y que esta de Claremont-Romita es inferior, pero aquí tengo muchas cosas que decir.
Evidentemente el primer tandem (Claremont-Byrne) es parte de la historia del cómic moderno, sobre todo porque fue revolucionario y porque llevó a la colección a cuotas que se alejaba de lo mundano de aquella época (finales de los 70 y principios de los 80). La Patrulla-X empezó a ser, progresivamente la mejor colección del mundo y sus ventas se iban notando mes a mes, algo imparable. Pero sin embargo, considero que este tomo engloba parte de las mejores historias de la Patrulla-X. Considero que aquí Claremont (y en gran medida en el tomo 5) hace sus mejores guiones. Os recuerdo que en este cómic nos quedamos justo a las puertas de la Masacre Mutante, que ya disfrutaremos en el tomo 7 dentro de dos años.
Creo que el guionista inglés alcanza su madurez creativa en este periodo intermedio entre sus orígenes en la serie en los años 70 y su marcha forzada a principios de los 90. Creo que los 17 años seguidos de Claremont en la Imposible Patrulla-X es lo mejor que se ha hecho nunca en un cómic de superhéroes mensual, pero 17 años dan para muchos vaivenes e idas y venidas. La Patrulla-X de este autor tuvo mejores y peores épocas, y lo bueno de todo esto es que la peor época eran historias de 7 sobre 10. Pues aquí, en esta etapa con Romita Jr (que ya comenzó en el tomo 5) alcanzó cotas muy altas, quizás las más altas.
Además creo que el autor inglés era sabio porque supo renovarse para no morir. Justo este tomo acaba un ciclo para abrir otro de proporciones casi similares, y me refiero a un cambio generacional brutal. La famosa Masacre Mutante comenzará en el tomo 7 (como adelanté antes) y es aquí donde la mitad del grupo desaparece para dar cabida a sabia nueva. Con todo esto lo que consiguió Claremont fue generar nuevas aventuras con nuevos héroes, y por tanto no cansar al lector con aspavientos manidos. ¿Y sabéis qué? Lo consigue, esa nueva Patrulla-X de Claremont que vendrá después de este tomo funciona de tal manera que muchos de sus integrantes pasaron a ser parte de nuestra vetusta vida.
Pero volviendo al tomo actual os tengo que decir que tiene grandes historias que dejan en ridículo a la que sale en portada: El juicio de Magneto, la historia que cierra el número 200 americano. Por ejemplo, las guerras Asgardianas, dividida en dos bloques, uno con el crossover con Alpha Flight y otro con el cruce con los Nuevos Mutantes es historia viva del cómic americano de los 80, casi a la misma altura que la saga de Fénix.
Como curiosidad os dejo un detalle que es que este tomo contiene el número 207 americano, que es posiblemente mi número independiente, suelto preferido de todos los tiempos. Si, ese número en el que en la portada aparece Lobezno rasgando el cómic. Cuidado con Spoilers. Aquí vemos como Logan mata en sueños a Rachel por sus crímenes contra su especie en dos ocasiones, pero cuando la Rachel «buena» y renovada emerge de su caparazón, es capaz de matar a su compañero de armas. Y el final del cómic es desgarrador, cuando en la vida real Lobezno «mata» a Rachel para impedir que asesinara a Selene, una vampira psíquica que tarde o temprano seguirá asesinando inocentes. Un número maravilloso, la verdad. Y este es un ejemplo de porque para mí la Patrulla-X es la mejor colección de todos los tiempos.
Lo que viene a continuación es un análisis sobre el documental en cinco partes que Netflix ha hecho del caso Alcàsser. El documental trata de cómo a principios de los años 90 tres chicas adolescentes valencianas fueron secuestradas, torturadas, violadas y asesinadas. Nos habla del tratamiento de los medios de comunicación, de los actos de los padres de las víctimas, de algunos comportamientos de la gente respecto a ese caso y del juicio. Todo ello y muchas cosas más pasaron en el mundo real. Pero el simple relato de las cosas que pasan sólo lleva a amargarnos, alegrarnos o enfadarnos. El sensacionalismo es exactamente eso: contarnos historias que apelan a nuestros sentimientos sin casi explicarnos las razones de lo que está pasando.
“El verdadero problema no es que existiera un ugandés llamado Idi Amin Dada, capaz de matar a medio millón de personas y de comerse a un buen puñado de ellas. Lo que merece estudio es el entramado de intereses internos e internacionales que se reunieron para conducir a esa mala bestia hasta la Presidencia de su país y para mantenerlo en ella desde 1971 hasta 1979. Lo primero es anecdótico: hay gente para todo. Lo segundo, en cambio, es clave.”
Es decir, aquí vamos a hablar de la realidad y de las razones de que pasen o dejen de pasar cosas en la realidad. Y el documental podemos decir que empieza en el mismo sentido. Quiere contarnos los hechos reconstruídos de los últimos momentos de las tres adolescentes. Tira de archivos audovisuales de la época: imágenes de telediarios, de programas, ligeramente la música y muy rápido imágenes de Felipe González, Barcelona 92 o la Expo de Sevilla. Se nos cuenta, vamos a decirlo, los crímenes en una especie de burbuja histórica y de contexto, como si la posterior repercusión popular saliera de la nada. Las cosas van pasando una detrás de otra, sin ningún intento de explicación en uno de esos momentos que marcó a toda una generación de personas en España. ¿Por qué ese asesinato? ¿por qué en ese momento? ¿es casualidad que sea justo en la frontera entre los 80 y los 90? Evidentemente no: muchas cosas pasaron histórica, política y sociológicamente en ese cambio de década. Habría mucho que contar sobre el progresivo aumento del empleo femenino, del fin del Muro de Berlín, el enfrentamiento entre mentalidades sobre todo rurales que aún eran partidarias de tomarse la justicia por su mano pasando de toda institución oficial y una progresiva pacificación de las costumbres junto a una caída de la delincuencia en todo Occidente, el conflicto sordo entre Barcelona-Madrid como faros de la modernidad y muchas zonas deprimidas en el resto del país, etc. Pero apenas sale unos segundos imágenes rápidamente. Es decir, que empieza el documental con el mismo espíritu que un telediario de Antena 3: contarnos que Idi Amin se comía a la gente del país que gobernaba. Para simplemente horrorizarnos y captar nuestra atención sin más esfuerzo que tirar de archivos y entrevistar a gente.
Porque el relato de lo que les pasó a las adolescentes en el mundo real va unido desde el principio a una cobardísima crítica a algunos periodistas de la época y a su tratamiento del caso. De nuevo, es un problema del mundo real. En el documental vemos, como no, a los tres grandes malvados del tratamiento informativo de la época según todos los tópicos: Paco Lobatón, Nieves Herrero y Pepe Navarro. Pero el documental, y aquí la realidad muestra su patita, nos muestra a Manuel Campo Vidal haciendo una pregunta terroríficamente asquerosa en televisión, diciendo que es su “obligación” como periodista. Y no fue la única cosa pregunta o tratamiento espantoso y “digno” de los malvados oficiales que tuvieron los demás que no son los tres malvados oficiales. Nieves Herrero está acabada profesionalmente, Pepe Navarro es un apestado, pero Manuel Campo Vidal fue presidente la de la Academia de las ciencias y las artes de televisión de España, además de ser el mismísimo presentador histórico de los debates entre candidatos a presidente del gobierno en España. Y no fue el único recompensado a pesar de contribuir con su granito al terror informativo al que sometió el periodismo de este país a los ciudadanos de entonces: Matías Prats es el heraldo de los telediarios funcionando vendiendo carnaza. Viendo el documental da la sensación que solo existió el inenarrable programa especial televisivo de Nieves Herrero, que fue la cumbre de todo lo que puede ser repugnante en tratamiento de algo real por parte de un periodista, las cosas más suaves de Paco Lobatón y las estupefacientes y amarillistas chorradas del programa de Pepe Navarro. Pero esta forma de presentar las cosas no es la realidad: es ficción.
Los medios y los periodistas mayoritariamente se volcaron en el caso peleando por ver quien daba más carnaza. Algo sale de nuevo en el documental, cuando se reconoce que esta forma de hablar de los asesinatos o las violaciones era nueva en los medios. Nadie sabía que había más allá, pero el lodazal fue generalizado. De ningún modo el fenómeno y el impacto en la población podría haber sido el que fue sin haber sido este tipo de tratamiento informativo amarillista el mayoritario. Pero el relato de Netflix es muy conveniente: el documental tiene sus cabezas de turco muy definidas y las muestra con saña, especialmente a las dos que no colaboran con el documental. Así salvamos la honra de la profesión periodística de la época, mostrándonos además a dos valientes periodistas valencianas como si fueran las nobles luchadoras que redimen a toda su profesión. Y ellas dos fueron la excepción. De haber sido la norma todas las manifestaciones y hechos que pasaron en la realidad no hubiesen sucedido.
Se eliminaron los elementos más cruentos (como las grabaciones de los familiares abrazándose llorando al enterarse o la grabación del velatorio) pero en lo esencial todo el tratamiento informativo de este caso fue la escuela de todo lo que seguimos viendo desde entonces hasta hoy cada vez que hay un secuestro, una violación o un niño caído al pozo con atención masiva de los medios de comunicación. Esa es, de nuevo, la realidad. Como lo es que muchos compartieron el espíritu amarillista y sensacionalista han prosperado económica y mediáticamente, como Matías Prats, presentador ya histórico de Antena 3 y uno de los herederos de esa manera de presentar cualquier asesinato o violación. Todo ello desde el reconocimiento masivo del gran público, que lo tiene por un meme muy gracioso por sus chistes malos. En la realidad esa forma de presentar las cosas venció, es el sistema, aceptado y aplaudido mayoritariamente, contra el que prácticamente ningún periodista de renombre se pelea en público. Como mucho se habla de esas prácticas en abstracto o nos metemos con alguien evidentemente estrafalario y absurdo como Eduardo Inda. A las audiencias, cargos, intocabilidad social y sueldos de los Campos Vidal, Matías Prats, Ana Rosa o Susanna Griso me remito.
El segundo aspecto en que se centra el documental, casi al que se dedica más tiempo, es a la pelea de uno de los padres de una de las adolescentes violadas, torturadas y asesinadas. Podemos decir que es casi el tema principal de las cinco horas de documental y él quien ejerce de protagonista. El padre de Miriam. El que es la cara visible de “los padres” de las tres asesinadas. El que encabeza las manifestaciones. El que llama a las televisiones. El que se mueve por tierra, mar y aire para que la noticia no deje de serlo. El que, asesorado por varios personajes que se le van pegando, es consciente que los medios necesitan audiencia y que él necesita estar en el centro del espectáculo. Padre que movilizará a todo el país para pedir justicia, luego se enfrentará a la justicia proclamando que la investigación se estaba haciendo mal, pasará a aparecer en la televisión construyendo relatos conspiranoicos en los que acusará a cargos políticos de estar detrás de la tortura y violación de su hija y terminaremos viendo cómo se aprovechará de todo el dinero que la gente de buena fe donó para que él siguiera investigando por su cuenta. El padre está fantásticamente bien retratado, y no es más que el primero de varios sujetos que hemos visto luego varias veces como con Juan José Cortés muchos años después. Es decir: un hombre (casi nunca es mujer) que apela a su inmenso y terrible dolor, a la tremenda injusticia que ha sufrido a manos de un monstruo no ya para pedir que se le ayude sino para cambiar las leyes del país. Leyes que no solo le afectarán a él o a los asesinos de su familiar asesinado, sino a todos. Y si las leyes nos afectan a todos entonces absolutamente todos debemos poder opinar al mismo nivel. La trampa desde el padre de Miriam sigue siendo la misma: alguien por sufrir una injusticia enorme no se convierte en precisamente lúcido o experto en cómo resolver esa injusticia. Que te mate un grupo terrorista a un padre no te convierte en experto en lucha antiterrorista. Que te violen a una hija no te hace experto en violadores. Tener familiares que fueron torturados por el fascismo no te convierte en experto en derrocar dictaduras fascistas. La trampa de que el que sufre tiene razón en las cosas que hay que cambiar legalmente por el hecho de haberlas sufrido. Aquí reconozcamos que Netflix sí da espacio a conocer todas las teorías conspiranoicas y a demoler el castillo de naipes poco a poco.
Al final un par de cámaras ocultas abren en carnes el auténtico horror: tanto el padre de Miriam como algunos ayudantes suyos sabían perfectamente que vivían del asunto, que se inventaban las cosas, que usaban la carnaza necesaria por repugnante que fuera para vivir bien. Toda su lucha contra el sistema, contra la conspiración absurda tenía aplausos. Aplausos generalizados, muchos de gente que no podían aceptar algo tan real como triste: hay monstruos entre nosotros. Y esos monstruos no son nada especial: gilipollas, gente limitada, gente fea, gente desdentada, yo qué sé. Algo tan emotivo, tan aterrador para el país tenía que ser mucho más que sólo eso. La realidad tenía que ser algo más. Y la televisión y demasiada gente estaba dispuesta a creer que había algo más que un paleto psicopático violador de mierda. Le quieren callar, para callarme tendrán que matarme: etcétera. Es la viva imagen de la virilidad de antes de lo posmoderno, ese padre dispuesto a robar documentos, entrar en chalets ajenos y, en general, a saltarse la ley, reírse de ella o situarse por encima de ella porque los jueces, la policía o los analistas forenses no saben de todo como él, hombre. Él con sus amigos raritos se hacen expertos en absolutamente todo. Es el famoso «cuñao» que tanto conocemos por las redes sociales. Es, ni más ni menos, que la rabia del hombre que se cree el centro del universo, lo ignora todo y quiere vivir su vida dando patadas a lo que sea necesario para seguir siendo el rey. No es extraño que intentara entrar ilegalmente y a la fuerza en chalets ajenos o que alguno de sus alumnos posteriores tengan historiales de estar envueltos en actos violentos. Es el perfil de hombre que le asquea la modernidad, la civilización o los «listos» que han estudiao y no han hecho un trabajo manual en su vida. Es la presentabilidad con un trasfondo profundamente violento: que nadie olvide que se llegó a dar una paliza a un hombre que una multitud identificó como uno de los asesinos, dejándole medio muerto…y evidentemente no era el asesino en busca y captura. A esos extremos de apelar a lo más instintivo de nosotros se llegó. Con el padre y su enfrentamiento en el juicio Netflix sí nos habla de la realidad. Porque, como dice uno de los muchos que quieren vivir del morbo mediático del caso, una cosa es lo que se dice en el juicio y otra en la televisión.
Pero claro, tras horas de documental y ya acabando no se explican demasiadas cosas. Cómo una desaparición de unas adolescentes provoca tal reacción mediática por primera vez. Porqué en ese momento y no otro. Cual era el número de desaparecidas y cómo estaba evolucionando en esos años, tanto en España como en otros países. Qué consecuencias legales y qué efectos venimos viviendo desde entonces (nota: fue el inicio de una escalada de endurecimiento de penas que tenemos hasta hoy, sin ningún incremento en la criminalidad que parezca justificarlo). En vez de dedicar al menos un capítulo a explicar la aparición y significación del caso o directamente no incluir nada y dar el documental por cerrado con la simple exposición de hechos sin explicar Netflix ha hecho lo peor posible. Se dedica la última parte del último capítulo a realizar la mayor chapuza que se puede hacer. A toda prisa, corriendo, nos pone imágenes fragmentadas de casos distintos de asesinatos, violaciones, casos mediáticos similares. Sin explicaciones, solo muestra las imágenes y audios de las noticias de los espantosos hechos. Pone subtítulos en los que se nos da a entender, de manera atropellada, que hay una continuidad entre todos los casos, junto a la explicación de una señora en tiempo record de la significación de las cuatro horas y pico anteriores. Es un espectáculo manipulador, un batiburrillo de cosas que tienen que ver con otras que no, un intento amarillista de, como mencionamos al principio del artículo, apelar a lo emocional del que está viendo el documental sin explicar ni siquiera la conexión que trata de establecer entre todo el aluvión con el que se nos bombardea al final.
Y aquí no se trata de ponernos a la contra de una parte de esa explicación, que por supuesto debería incluirse en un caso como este entre otras muchas, ya que un fenómeno así no debería quedarse en una sola cuestión: cinco horas deberían dar para muchísimo. Se trata de que Netflix somete al que ha visto cuatro horas y media de documental a apenas unos minutos de bombardeo apresurado de fotos y casos morbosos para apelar a lo más visceral de nosotros, queriendo hacer pasar un eslogan de champú por la explicación de las muchas cosas que sucedieron, que forzosamente debería incluir varias variables. Exactamente el horror por el que Nieves Herrero nos quedó claro por el documental que era un demonio. Exactamente el horror que hace que el padre de Miriam sea un aprovechado caradura. Exactamente lo que Netflix ha tratado de criticar y de prevenirnos las cuatro horas y media anteriores.
Y esa es la realidad, la sucia realidad patente tras acabar de ver los cinco episodios del documental de Netflix. Es imposible criticar el fondo de lo que hizo el periodismo en Alcàsser porque ese modelo de hacer las cosas sigue a día de hoy, tras un proceso de dulcificación, siendo el triunfante, el exitoso, con sus principales estrellas mediáticas liderándolo. Es el modelo que incluso los teóricos críticos dentro de su gremio usan para teóricamente criticarles. El periodismo de este país respecto al tratamiento de los asesinatos o casos truculentos mediáticos está muerto y los muertos solo se levantan en series de televisión, en películas o videojuegos. No en la realidad.
Y seguimos todavía viviendo en la realidad. A pesar de Netflix. Y menos mal.
Hace unos meses llegó a nuestro país a manos de Vincent Perriot uno de los cómics europeos más interesantes del año. Un álbum que se lee del tirón, en una secuencia de un solo escenario complejo pero bien construido y sin dar un solo respiro al lector. Negalyod es un homenaje a la obra de Moebius que, como no podría ser de otra forma, cuenta con su principal colorista: Florence Breton (uno de los principales artistas que acompañaron las historias del autor). Aunque cabe puntualizar que, a diferencia de las obras de Moebius, la trama construida por Perriot transcurre de manera tranquila, agradable, sin la necesidad de darle demasiadas vueltas al guión. Pero aún así, consigue sorprenderte. Partiendo del argumento universal del intruso benefactor, construye un esquema clásico en el que un supuesto héroe llega a una sociedad para liberarla de un poder que la oprime.
Negaloyd es un cuento, una fábula que pone en contraposición grandes ciudades y los parajes naturales en un mundo totalmente distópico. El planeta Tierra se ha convertido en un desierto donde el agua es de cada vez más escasa tras la explotación tecnológica de los recursos naturales controlados por la élite. Tenemos por una parte a la naturaleza, en principio enorme ante el ser humano como vemos en los planos compuesto de manera tan bien planificada. Por otro lado, tenemos la ciudad, una muestra de poder de los hombres ante todo aquello que ya existía antes que ellos. Es esto un intento de rebelión, de control a todo lo que tenemos a la vista. Las grandes construcciones que nos presentan en esta obra son tan enormes como los parajes naturales. ¿Qué es esto si no una muestra de lo grande que puede llegar a ser algo tan pequeño como un ser humano?
Pero lo bonito, lo que hace a alguien joven que no ha tenido la oportunidad de conocer a Moebius y no se le despierta el sentimiento de nostalgia que puede que florecer en los lectores más veteranos, es lo llamativo que resulta el mundo atemporal que nos presenta Perriot. Nos ubicamos en una sociedad que está al límite del colapso, debería ser el fin del mundo, y aún así nos planta en todo este marco postapocalíptico a los primeros animales que pisaron la tierra: los dinosaurios. Esto es a lo que se denomina en narrativa «función impropia». La función propia de los dinosaurios sería que ambientaran una historia que pasa en la prehistoria. Incluso si tenemos en cuenta que Jurassic Park forma parte de nuestro imaginario colectivo podríamos decir que un Dinosaurio ubicado en nuestros días dentro de la ficción obedece a las normas mantenidas por la cultura occidental y estaría dentro de función propia. Eso es algo más común y quizá por eso no tan llamativo como la función impropia que vemos en Negalyod: no es el pasado, no es nuestro día a día, es un futuro en el que el agua, un elemento vital para todo ser, está al límite y los dinosaurios siguen aquí. Nos transportamos así en un mundo atemporal muy interesante en que el pasado que no conocimos y el futuro que no veremos están en conexión. Esta es la clase de ambientación que llama la atención y hace que el lector se deje llevar en la historia que sea que le vayan a contar.
Personalmente, me parece brillante este punto departida porque ha sido eso —y la hipnotizante portada de Florence Breton— lo único que ha hecho falta para que despertara en mí el interés para adentrarme en las páginas de la edición que nos trae Norma Editorial. Me daba un poco de miedo al principio que los dinosaurios no fueran más que un elemento estético y sin trascendencia en la trama, pero no tengo ninguna queja. Casi acaba teniendo importancia y Vincent Perriot sabe darle un final redondo. El único punto negativo que le destacaría es que tampoco es una historia del otro mundo. Tiene elementos y una ambientación interesantes, personajes que actúan como actúan por alguna razón y no porque sí y un guión bien construido y, a primera vista, sin fallas. Pero más allá de esto, lo que nos cuenta Negalyod no es nada que no se nos haya contado antes.
Existe algo de éxito en la nostalgia. Lo hemos visto en el cine, en la literatura y en la música, pero muchas veces no olvidamos de otra faceta en la que también se ha hecho mucha divulgación y donde muchos de los grandes artistas han empezado: los fanzines. Esto son publicaciones temáticas realizadas por y para aficionados, y en los últimos años se está recuperando este arte. Desde monmagan.com proponen un recorrido por la historia de estas publicaciones que puedes considerar una guia para adentrarte en este mundillo, y lo recomendamos.
Pensemos en cualquier campo cultural. Si te gusta la música, has de saber que en los años setenta, cuando empezaron a hacerse frecuentes y populares los fanzines, muchos grupos crecieron gracias al apoyo de jóvenes reporteros, o periodistas en la sombra, que motivados por el interés en su afición favorita se acercaron a grupos que pegaban fuerte en su ciudad. Les entrevistaban y luego con el tiempo, hablamos de entidades como Metallica, The Offpsring o U2, porque todos ellos salieron en estas publicaciones locales. Todos ganaban: unos por darse a conocer, y otros por hacer sus primeras publicaciones impresas en las que crear una marca, una cabecera en la que abrirse hueco. No sólo eso, el periodista aprendía a moverse, aprendía a hacer marketing, descubría como editar y maquetar. Los fanzines han sido la manera rápida de aprender para muchos. Y luego, en ocasiones se convirtieron en objetos de culto o coleccionismo.
Fanzine, de hecho, es un concepto de origen inglés, donde más se promocionó este tipo de publicaciones y donde funcionaron mejor. Sin ir más lejos la palabra viene de fan (aficionado) y magazine (revista), por lo que podemos decir que es una revista publicada por aficionados de determinado tema. Y, como decimos, estos temas puede ser cualquier campo cultura: música, cómic, cine, literatura, fútbol, fotografía, político o activista… aunque con el tiempo se han unido nuevas propuestas de ocio como pueden ser videojuegos o series. Y por su propia naturaleza se trata de publicaciones especializadas y por lo tanto pueden presumir de cierto nivel de profundización sobre la materia. Los que escriben, aunque generalmente no son profesionales, son aficionados de gran nivel, que perfectamente podrían desenvolverse en la primera línea de ese campo cultural y, por otra parte, sus lectores buscan ese trasfondo avanzado y por lo tanto los podemos considerar también como un público exigente. Digamos que aunque se trata de aficionados no es para introducirse en un campo del que no conoces, es para gente que ya se ha movido mucho dentro de ese ambiente.
Si quieres adentrarte en el mundo del fanzine, ahora, gracias a las redes sociales tienes muchas posibilidades así que no descartes bucear en la web en busca de esa pasión que tanto te gusta. Encontrarás publicaciones muy interesantes como la que aquí sugerimos y, lo más importante, a lo mejor acabas creando la tuya propia.