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Solo para nostálgicos: los títulos que marcaron un antes y un después en la PS2

Ayer aburrido en mi cuarto, se me ocurrió por buscar cosas viejas en mi placar, y cuando la vi, sentí una atracción verdadera, como si fuera amor a primera vista. Allí estaba mi primera consola una PlayStation 2, esa que había comprado con uno de mi primeros ahorros cuando era un joven periodista de una radio local.

Mi viaje a través del tiempo comenzó con Black. Volví a jugar esa partida que nunca pude pasar. Luego llegó el turno del Pro Evolution  Soccer 2014. Había datos guardados de Champions League, torneos de selecciones, hasta una Copa Libertadores jugada con el flamante campeón de américa, River Plate.

El último juego que inserte a mi vieja PS2 fue Dragon Ball Z Budokai Tenkaichi 3. De ese modo, entre disparos en primera persona, goles y grandes jugadas, y Kame Hame Ha que ordenaba mi gastado y viejo joystick, le gané al aburrimiento.

Esta nostalgia me hizo pensar en realizar una lista con los títulos que revolucionaron la riquísima historia de la PlayStation 2. Que para este simple joven es, la mejor consola de todos los tiempos, con mayor cantidad y variedad de juegos.

Esto no es un ranking, solo una lista.

God of War y God of War 2

God of War primera

Dado que es imposible quedarse con uno de la saga, empiezo eligiendo los dos. Cuando fue presentado todos pensaron que GOW iba ser una combinación de saltos al estilo Prince of Persia y muchos combates como Devil May Cry. Pero no, God of War logro una identidad propia, donde mucho tuvo que ver Kratos. El protagonista de esta historia creada por Sony Santa Monica ya es todo un icono en el mundo de los videojuegos.

En la primera edición God of War, las criaturas más feroces de la mitología griega tratarán de detener al Fantasma de Esparta, y este a través de combos y su Espada del Caos, derrotará de una forma brutal a todo aquel que se oponga en su camino.

God of War 2: Kratos es traicionado por Zeus y Atenea, matándolo y  mandándolo al Inframundo. Pero esto lo vuelve más salvaje que nunca, incorporando nuevas armas (El Martillo Bárbaro, la Lanza del Destino y la Espada del Olimpo) aportándole novedosos enfrentamientos y movimientos, dándole mayor y mejor fluidez al juego. Los gráficos también sufrieron mejoras, dejándonos uno de los mejores títulos de la PS2.

GTA III y GTA SAN ANDREAS

gtaaa

GTA III, fue revolucionario con gráficos en 3D, un cambio muy positivo de la empresa creadora Rockstar Games que pego fuerte en sus fans. La cámara paso de ser aérea, a estar detrás del personaje. El juego está situado en la ciudad de Liberty City, recreando a la bellísima Nueva York.

GTA SAN ANDREAS, es el mejor juego creado para la PS2 añadiendo un mapa gigante con tres ciudades diferentes Los Santos, San Fierro y Las Venturas. Nuevas misiones, mayores traficantes, gánsters y muchísima acción.

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Black

black

Black, cambió para siempre los parámetros de los juegos de primera persona. Con una calidad gráfica sin igual, Electronic Arts logro crear una verdadera obra de culto.

Lanzado en el 2006, su calidad de jugabilidad y de escenarios fue muy renovadores para su época, vendiendo millones de copias en todo el mundo.

El juego está ambientado en la Europa Oriental, en Chechenia. Donde el sargento Jack Kellar, es enviado en una misión especial en busca de terroristas que están implicados en distintos hechos delictivos. Con una gran variedad de armas (AK-47, M16, entre otras) y grandes mapas, combinado con una gran historia, hacen de Black, el mejor título de disparos en primera persona de la historia de la PlayStation 2.

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Gran Turismos 3 y 4

gran turismo

Este título fue el que más me costó elegir. Tuve que dejar afuera videojuegos como Pro Evolution Soccer o Shadow of the Colossus. Pero como esta lista se trata de creaciones que fueron revolucionarias y tomadas como modelos para nuevos proyectos, seleccione al Gran Turismo, que realmente fue tendencia a lo que hacen a jugabilidad, gráficos y cantidad de autos y pistas.

Yendo al grano, la saga de los GT fue tan importante que el Gran Turismo 3 vendió 15 millones de copias y varios combos con la consola. Hubo muchas mejoras técnicas con respecto a los predecesores y un gran salto de calidad con respecto a los otros juegos de automóviles. Se incluyeron nuevos autos y varias marcas nuevas como Toyota, Ford, Peugeot, Audi y Alfa Romeo entre otras.

Gran Turismo 4 es simplemente una obra de arte en la PS2. El mejor videojuego de autos, con una sobresaliente cantidad de marcas, con la impactante cifra de 721 automóviles.

Final Fantasy XII

final

El último título que encontramos en esta lista es un RPG. Final Fantasy XII, paso de ser por turnos, a redacción, logrando una mejora sustancial en la jugabilidad. La fantástica historia de este videojuego, es acompañada por banda sonora muy cautivadora y una estética brillante. Todo eso y mucho más, hacen que este sea el mejor de juego rol de la PS2.

Si quieres ver los mejores 10 videojuegos de rol de la historia pincha aquí

 

 

 

Muñeco diabólico (2019): un nuevo Chucky con toques de Black Mirror

El terror evoluciona con los años: cada época tiene sus miserias y, por lo tanto, cada etapa de la Humanidad se ha enfrentado a unos miedos distintos. Bram Stoker recogió los temores de un puritano siglo XIX en su soberbia Drácula, Lovecraft explotó el desarraigo de la primera mitad del siglo XX para deleitarnos con sus horrores cósmicos, Stephen King viajó a la América profunda de los setenta para contarnos la historia de una adolescente enfrentada a una estricta represión sexual. A pesar del buen hacer de estas obras, pocas de ellas pueden calificarse de intemporales. A estas alturas, no muchos siguen sintiendo un escalofrío por la espalda al evocar la imagen de un decadente castillo.

Sin embargo, uno de los exponentes del terror que peor ha envejecido son los slashers o, hablando en plata, el subgénero de los asesinos en serie. Después de la sobreexplotación de este tipo de filmes en los años ochenta y de la subversión de Scream y la parodia descarada de Scary Movie, los perturbados con machete han acabado sirviendo solo para que adolescentes en plena ebullición de hormonas puedan hacerse arrumacos en el cine. Uno de los homicidas más famosos del cine es Chucky, conocido en España como el muñeco diabólico. Este es también el título del reboot de la saga, en el que el desconocido director Lars Klevberg adapta este icónico personaje al siglo XXI con aceptables pero desiguales resultados. Tras otras siete películas, ¿ofrece algo nuevo esta entrega? Descubrámoslo.

¡Hola, soy Chucky!

La película comienza de manera completamente distinta a la original: se nos explica el origen de este perverso personaje, pero no tiene nada que ver con la posesión demoníaca de un convicto. En este caso, uno de los explotados trabajadores que se dedican a la fabricación del popular muñeco Buddi, decide trastocar la inteligencia artificial de este juguete capaz de conectarse a los aparatos electrónicos de la casa, móvil incluido. De este modo, el proceso de aprendizaje de este nuevo Chucky es distinto al de los otros robots… y, como veremos, mucho más siniestro.

muñeco diabólico las cosas que nos hacen felices

Una madre soltera que trabaja en un centro comercial decide apropiarse de este muñeco defectuoso que ha sido devuelto al almacén. Pretende regalárselo a su hijo con problemas de socialización, creyendo que podrá ayudarle. Al principio, todo parece ir bien: el niño comienza a hacer amigos, presentándoles al mejor juguete del mundo. Dice palabrotas, hace tonterías virales… y aprende de su entorno. Pero, cuando este entorno es una familia disfuncional y se le añade una dosis de violentas escenas de terror, algo empieza a torcerse en el interior de este nuevo mejor amigo del chico. Es entonces cuando nuestro protagonista deberá enfrentarse al monstruo que ha creado… un monstruo con acceso a Internet.

Un reboot correcto y poco más

La franquicia del muñeco diabólico ha logrado mantenerse con relativa solidez a lo largo de los años, gracias a una atractiva premisaa un Don Mancini que siempre ha estado involucrado en mayor o menor medida dentro de la saga y a un Brad Dourif cuya voz convirtió a este juguete en un villano instantáneamente reconocible. Este remake, realizado ya sin el creador del personaje, sabe qué teclas tocar para provocar una sonrisa o incluso una carcajada: toma prestados elementos de la popular Stranger Things, como el grupo de niños enfrentados a un peligro, y subvierte las expectativas de los espectadores hasta cierto punto, centrándose más en el gore y en la comedia negra que en el terror propiamente dicho. En este sentido, trata de emular a La novia de Chucky, la mejor secuela de todas… pero es que La novia de Chucky se estrenó hace más de veinte años, y ha llovido mucho desde entonces.

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El humor de la cinta no siempre funciona, y sus intentos de apelar a la cultura millennial dan más pena que risa o miedo. La segunda mitad de la película es completamente predecible, y casi ninguno de los personajes logra conectar con el público, a pesar de sus más que correctos intérpretes. Sin embargo, hay que admitir que el papel de madre soltera de Aubrey Plaza consigue dar vida a una potencial víctima con personalidad propia que no queremos que muera. Una virtud de este filme que los guionistas de ciertos subgéneros de terror suelen olvidar con mucha facilidad.

El Chucky del siglo XXI

Pero dejamos lo mejor para el final: el propio Chucky, distinto en origen y motivaciones al que conocemos. Aunque no llega a igualar al mítico Brad Dourif, Mark Hamill es una excelente elección de casting que, sin duda, supone un aliciente más para ver el largometraje en versión original. Se nota que el bueno de Luke Skywalker ha estado preparándose como villano en series de animación como Batman o Avatar, porque no podría haberlo hecho mejor como este siniestro muñeco. El Chucky del reboot es muy distinto al que conocemos, porque somos testigo de su descenso a la locura, y de la extraña actitud casi inocente que muestra en el primer acto. Así, su caída en desgracia acaba dando lugar a una interpretación desquiciada por parte del veterano actor de voz, que nos hará reír y temblar.

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A pesar de las críticas que ha recibido el aspecto del muñeco, sus movimientos robóticos son adecuados para la fábula que se nos está contando. En la época del Internet de las cosas y de la obsesión por la ciberseguridad, este retaco asesino puede hackear televisiones y todo tipo de aparatos electrónicos, resultando en un clímax demasiado breve pero endiabladamente divertido en el que se explotan las posibilidades de esta nueva habilidad. Se trata del Chucky más amenazante y gracioso que hemos visto en años. Por muy puristas que sean, los fans del personaje no se lo deben perder en acción.

Conclusión

¿Es Muñeco diabólico una buena película? Es una excusa entretenida y pasable para disfrutar del aire acondicionado y soportar un poco mejor el calor de estas fechas. También se sitúa por encima de la media de la saga, con un humor negro que no siempre funciona pero que deja un buen sabor de boca. Sin embargo, no es el puñetazo sobre la mesa que supuso la última entrega de Halloween, ni un comienzo especialmente prometedor que garantice las apetitosas secuelas. Habrá que ver cómo funciona en taquilla para comprobar si la presente cinta supone un nuevo comienzo para nuestro muñeco favorito o si, por el contrario, se trata de su canto del cisne. Pero, si este intrascendente juguete vuelve, esperemos que sea en una nueva versión mejorada a la que no solo se le añada un sombrero nuevo.

Franquicias olvidadas que funcionarían como serie en un canal streaming (I)

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Bienvenidos amantes de las tardes de sofá y series, nos encontramos en una época en la que las cadenas de streaming (en España) están alcanzando una gran popularidad entre los usuarios descontentos del resto de canales de TV. HBO, Netflix y Amazon están aumentando sus suscriptores paulatinamente y por ello se pueden permitir invertir en nuevas franquicias más arriesgadas o costosas.  HBO lo hizo con Canción de Hielo y Fuego y ahora Materia Oscura, Netflix con Preacher y con The Witcher y Amazon se ha lanzado de cabeza a por El Señor de los Anillos. La competencia entre dichas compañías beneficia especialmente a los consumidores pues nos ofrecen una  mayor calidad y variedad en sus propuestas. Ya quedó atrás la época en la que las series y el cine escarbaban, únicamente, el ámbito literario en busca de ideas para guiones. El mundo actual es multimedia y es por ello que podemos encontrar grandes historias en videojuegos, cómics, juegos de rol y otros medios que pueden ser una gran base para una nueva y exitosa franquicia. Así que ataviado con mi sombrero fedora, mi chaqueta de cuero y mi látigo os voy a mostrar joyas olvidadas o desconocidas (por el público en general) que podrían funcionar (en buenas manos) como series y que me sorprendieron (en su día) por su planteamiento. Para no aburrir con un largo listado hablando de todas las franquicias que creo que merecen una serie, voy a dividirlo en varios artículos para asegurarme de no dejar ningún título en el tintero.netflixamazon

EL ESCORPION

Vamos a comenzar por el mundo del cómic, más concretamente por el europeo. Esta obra de Marini, al que muchos conoceréis por Rapaces, Águilas de Roma o Batman: El príncipe oscuro,  comenzó su publicación en 2001 y cuenta ya con 11 álbumes hasta 2015 que vio la luz La Novena Familia. Esta obra de capa y espada ambientada en el siglo XVIII nos va adentrar en un mundo repleto de intrigas eclesiásticas, reliquias, espadachines y personajes memorables.¡¿Qué más se puede pedir?!306PF1555 7YZCF 1

Esta base tan llamativa ya ha sido explotada en multitud de ocasiones en cine y TV desde hace bastante tiempo. Véase como ejemplo todas las adaptaciones del clásico de Los Mosqueteros de Alejandro Dumas: Desde la cinta de 1948 hasta la de Paul W.S. Anderson de 2011, pasando por la serie de la BBC y la adaptación de Disney de 1993. Este género de aventuras es muy atractivo para el gran público por lo emocionante de sus tramas y lo romántico de aquellos duelos de esgrima tan vistosos. El Escorpión tiene todo eso en sus viñetas, además de contar con personajes que harán las delicias de aquellos que disfruten con esta temática.MARINI A 052

Tendremos al cardenal Trebaldi que interpretará el papel de poderoso villano con posición privilegiada que hará todo lo posible por acabar con la amenaza del protagonista. Una historia alrededor de una marca de nacimiento que portará Armando Catalano (el carismático y burlón Escorpión) y su relación con una femme fatale egipcia experta en venenos llamada Medjai. Un coctel de ingredientes (a los que se unirán muchos más) para entregarnos la receta perfecta para tenernos enganchados a esta historia desde el principio.

El Escorpión tiene ese sabor de aquellas películas de aventuras de Errol Flynn o los mencionados Mosqueteros, pero con una trama y personajes algo más complejos que harían de este producto una serie perfecta para los amantes de las grandes aventuras.le scorpion

LEGACY OF KAIN

Abandonamos el mundo de papel del cómic para viajar al mundo digital de los videojuegos. Nuestros pasos nos llevarán a Nosgoth: un mundo donde los vampiros existen y tienen una gran relevancia en el destino de la humanidad. No voy a hacer ningún tipo de spoiler (lo cual me va a hacer muy difícil explicar la trama) porque esta saga pierde todo su encanto si la destripan.

Todo comenzó en 1996 cuando Eidos publicó Legacy of Kain, donde nos narraba la historia de un noble que era asesinado por la espalda y volvía a la vida convertido en vampiro. Aquella historia de venganza ponía los cimientos de un universo muy rico en el que se entrelazarían (en el futuro) dos personajes principales (Raziel y Kain) en un arco argumental impresionante que nos dejaría una historia apasionante.118470 aleni

Legacy of kain (al igual que sus predecesores) se basa en una mitología propia de gran profundidad que convierte a Nosgoth en un mundo vivo y del que apetece conocer más. Tendremos traiciones, conspiraciones y tramas enrevesadas que nos golpearan en toda la cara con giros de guion que van conseguir dejarnos de piedra.  Con el telón de fondo de Los Pilares de Nosgoth y con unas visiones proféticas como hilo conductor se van a comenzar a mover los personajes como peones en una elaborada y maquiavélica partida de ajedrez. Una historia en la que todo lleva eones planeado y en la que oscuros intereses van a disfrazar lo inalterable de libre albedrío para que pensemos que somos dueños de nuestras decisiones. Como he dicho no puedo hablar de la trama abiertamente para no desvelar algo que os arruine la experiencia de juego (si os sentís atraídos por lo que he comentado en estas líneas).

Para disfrutar de toda la historia al completo hay que jugar a los siguientes juegos de la saga: Blood Omen: Legacy of Kain, Legacy of Kain: Soul Reaver 1 y 2 y Legacy of Kain: Defiance. Con estos cuatro títulos podremos saber que se oculta tras la corrupción de los pilares y el importante papel de la devoradora de almas.kain

La temática vampírica es (casi siempre) bien recibida por el público y últimamente (por desgracia) parece relegada más al ámbito juvenil sazonada con amoríos adolescentes (véase Crónicas vampíricas, Crepúsculo y True Blood) y se ha olvidado el potencial de este tipo  de historias.

Toda la enrevesada red que envuelve la resurrección de Kain en el primer juego y la aparición de Raziel nos va a dejar momentos memorables que llevados a la pequeña podrían explotarse mucho más si cabe y dejarnos un show para el recuerdo. Si no deseais jugar a esta saga (ya sea por falta de tiempo o de hardware), en la red podeis encontrar detalladas sinopsis de cada videojuego. No os sentiréis de la misma forma que jugándolos, pero os saciará la curiosidad.

Hasta aquí las dos primeras sagas que pienso que merecen una oportunidad en el mundo de la TV en streaming. Pronto os traeré otro capítulo con otras dos y así ad eternum, pues no dejan de rondarme por la cabeza  títulos que deberían tener serie de TV.

Análisis de Dragon Ball Super. Capítulos 47-76. La saga de Goku Black

Dragon Ball Super es para mí una digna heredera de Dragon Ball Z, y por eso podéis leer todos los análisis de las sagas más generalistas en Las cosas que nos hacen felices. Espero que estéis disfrutado de las nuevas aventuras de Goku y sus amigos tanto como yo. Por cierto Dragon Ball GT es un spin-off, fuera de continuidad. Una de las mejores noticias que los seguidores de la serie podemos tener.

Si queréis leer todas las sagas de Dragon Ball os dejo a continuación un enlace dónde podéis verlas todas.

Pincha aquí para leer todas las sagas de Dragon Ball

Para los más noveles os dejo el orden cronológico de Dragon Ball

  • Dragon Ball (153 episodios)
  • Dragon Ball Z (291 episodios)
  • Dragon Ball Super (131 episodios hasta la fecha)
  • Dragon Ball GT (nunca existió)

Una pedazo saga que hay que disfrutarla

Y es que además de entretenida es corta, corta comparado con las antiguas sagas de Dragon Ball y Dragon Ball Z que estamos acostumbrados. Y no es que no nos gustaran (supongo que si no fuera así no leeríamos estos artículos) sino porque creo que la dinámica de Dragon Ball Super es acortar las peleas y hacerlas más entretenidas para las nuevas generaciones.

En vez de decir que si en el capítulo tal van al futuro y luego vuelven al pasado, y hacer un resumen contando lo que ya habéis visto, que quizás poco aporte a la serie, me gustaría hacer reflexión de esta epopeya. Por cierto, la saga acaba bastante antes del capítulo 76, pero como siempre Akira Toriyama nos aporta capítulos de relleno que ahondan más en el rico mundo de Dragon Ball y sus personajes secundarios como por ejemplo Krilín, que me viene ahora a la cabeza.

Aunque nuestro protagonista principal es Goku y todo gira en torno a él, los elementos humorísticos y sobre los que muchas veces transcurre la acción es gracias a Bills y Whis. Siendo el Dios de la Destrucción y su ayudante estamos ante una paradoja ya que causan en el espectador todo tipo de emociones excepto miedo, que sería el primer sentimiento que tendríamos al verles. Son los personajes cómicos además de recurrentes de Dragon Ball Super. A veces pienso que como sería esta serie sin ellos. Y si, mi respuesta siempre es la siguiente: «más aburrida».

goku rose

La saga de Goku Black es una de las mejores sagas que han pasado por todas las series. Tenemos a un malo del futuro Black, aliado con otro malo Zamasu y uno de ellos es Goku. Bueno, es el otro malo (Zamasu) pero en el cuerpo de Goku que aprende y se recupera tan rápido como nuestro héroe. Además consigue superar al Saiyan Blue con el Saiyan Rose. ¿Puede haber un enemigo más difícil que combatirte a ti mismo mejorado? Además no olvidemos que Zamasu es un Dios del Universo 10 con la habilidad de tener un cuerpo indestructible gracias a las super Dragon Balls.

Si siempre he ensalzado la influencia positiva de Goku en los demás, aquí pasa todo lo contrario, aquí es nuestro héroe el desencadenante de toda esta maldad. Porque sí, porque no todos los villanos se acaban convirtiendo en buenos, porque hay gente como Freezer, como Célula, como Boo… o como Zamasu. Hay gente, como dicen en una película muy famosa del caballero oscuro, a quienes les gusta ver arder el mundo. Y Zamasu con cuerpo invencible y Zamasu como Goku Black es otro de esos personajes que son villanos en su interior. Y por cierto, estoy convencido que aún sin la intervención de Goku se hubiera desviado más temprano que tarde, sólo que la aparición de nuestro personaje preferido precipitó los acontecimientos.

Otro personaje que hace su aparición en esta saga es el Trunks del futuro, un personaje muy querido por todos los fans y al que todos le guardamos un grato recuerdo. Por si alguien no lo sabía Trunks se ha hecho tan popular que es el coprotagonista del spin-off titulado Dragon Ball Heroes. Otro dato curioso es que es Goku quien altera ese futuro al enfrentarse en el presente a Zamasu, pero aquí podríamos entrar en discusiones existenciales del tiempo y viajes por el tiempo, y sus repercusiones… ya que todo sería una paradoja. Otra paradoja (ya que estamos con ellas) es que el Zamasu del presente se encuentre con el del futuro aunque uno en el cuerpo de Goku, pero supongo que al ser un futuro de una linea temporal diferente, puede ser posible. Aún así se saltan a la torera el concepto de viajes por el tiempo.

los malos

Si seguimos en esas paradojas la más gorda es cuando Goku, en el futuro alternativo, llama a Zeno-Sama gracias al botón que le regaló el Zeno-Sama del presente para traerle a un amigo. Y Goku, que es ingenuo pero no tonto, arrastra al Zeno-Sama del futuro para que sea el amigo del Zeno-Sama del presente. Y por tanto nos quedamos con dos creadores de la realidad al mismo tiempo en el presente, dejando ese futuro alternativo sin un creador. No se si me he explicado correctamente, pero espero que me hayáis entendido.

Por cierto, en ese futuro alternativo se quedan viviendo Trunks con Mai, que es la niña pequeña que en el presente está siempre con Pilaf y en gran medida con el Trunks del presente. Un culebrón de tres pares de narices.

Uf, reconozco que esta saga me ha encantado, y lo digo totalmente en serio. Me parece que tiene el metraje justo, que tiene acción, emoción e incluso viajes por el tiempo. Incluso tiene una fusión entre Goku y Vegeta, que aunque es corta porque no dura demasiado me parece emocionante. Ah, que casi se me olvida. Me gusta que esta vez al villano no le derrotara Goku, sino un Trunks que no podía acabar con Black durante toda la saga, y que se sentía (realmente lo era) inferior a Goku o a su padre Vegeta. Por tanto que fuera él y no otro quien derrotara a la fusión de Goku Black-Zamasu me parece un toque maestro de Akira Toriyama.

¿A vosotros os ha gustado la saga? ¿Hubieseis preferido que fuera más larga, a la antigua usanza o así de corta os parece mejor?

Un saludo y sed felices.

100% Marvel HC. Spiderman Vs. Mysterio. Preparándose para Spiderman: Lejos de casa

Spiderman, junto a Batman, tiene una de las galerías de villanos más variopintas y populares del mundo del cómic. Desde el genio maligno Doctor Octopus hasta el patético y pragmático Conmocionador, el trepamuros se ha tenido que enfrentar a amenazas de todo tipo, algunas más extrañas que otras. Pero uno de sus enemigos más populares es el ilusionista Mysterio, que aparecerá en la próxima entrega de sus aventuras cinematográficas. Este maestro de los efectos especiales con un magnífico atuendo entre lo tétrico y lo ridículo, que apareció por primera vez en el número 13 de la colección de The Amazing Spider-Man y fue creado por Stan Lee y Steve Ditko, lleva enfrentándose al superhéroe más popular de Marvel durante más de medio siglo. Siempre ha sido muy querido entre los lectores, y ahora tiene la oportunidad de cautivar al gran público con sus trucos de magia.

Panini Cómics, con buen criterio comercial, ha aprovechado para publicar el tomo 100% Marvel HC. Spiderman Vs. Mysterio, en el que se nos narran algunos de los combates más destacados entre ambos personajes. Incluye números de la etapa fundacional de Stan Lee al mando del trepamuros, una miniserie de principios de siglo, un número suelto en el que se exploran sus orígenes en profundidad y una saga más reciente escrita por Dan Slott, último gran artífice de las aventuras del superhéroe. Si quieres conocer a este personaje antes del estreno de Spiderman: Lejos de casa, este tomo es una opción más que aceptable.

The Amazing Spider-Man#66-67

Estos dos números, los más añejos de la colección, datan de 1968. Hace más de cincuenta años. Esta observación no resulta gratuita: para poder disfrutar de ellos, el lector acostumbrado a los grandes blockbusters de Marvel Studios debe comprender la situación del medio en los años sesenta. Durante esta época, el cómic estaba limitado por un código de autocensura que hacía que la mayor parte de las historias se destinaran al público juvenil o, directamente, infantil. Hay que tener esto en cuenta a la hora de valorar las aventuras de Spiderman que nos brindaron Lee y Romita: sus argumentos son simples y frenéticos, y la forma de expresarse de algunos personajes puede resultar artificial o estereotípica tras todas las décadas que han pasado. Pero, si pasamos estos detalles por alto, nos encontraremos con un tebeo de lectura rápida y muy disfrutable, en el que se nota el buen hacer de sus dos responsables.

spiderman vs mysterio stan lee john romita las cosas que nos hacen felices

La historia es la siguiente: Mysterio escapa de prisión, y desafía a Spiderman a un duelo en una localización que solo ellos dos conocen. Nuestro sufrido Peter Parker deberá abandonar a su tía May y a su querida Gwen Stacy para enfrentarse al cabeza de pecera, que acabará reduciendo el tamaño del héroe y persiguiéndolo en una maqueta que representa un parque de atracciones. Se trata de dos cómics bastante decentes, y de una buena presentación del villano, en los que el lector novel podrá apreciar su sentido de la teatralidad. Sin embargo, no es de lo mejor del Spiderman de aquella época, y está muy lejos de otras legendarias aventuras creadas por estos dos autores.

Esto suscita una queja algo personal pero que considero válida: si Panini quería incluir dos números clásicos que trataran la enemistad de ambos personajes, ¿por qué no hacerlo con aquellos en los que colaboró su creador gráfico, Steve Ditko? Al fin y al cabo, este genial artista le aportó a Mysterio el aspecto tan icónico que todos conocemos, y algunos de los números en los que aparecía (en concreto, el 13 y el 24) muestran un argumento más elaborado que permite conocer la faceta más manipuladora del personaje. Además, teniendo en cuenta que el reciente fallecimiento de Ditko pasó mucho más desapercibido que el de Lee, este habría sido un bonito gesto.

Spider-Man: The Mysterio Manifesto

De Stan Lee y John Romita pasamos a Tom DeFalco y Lee Weeks, los autores de esta miniserie en la que comprobamos cuál es el legado de un Mysterio que parece haber muerto.

Pongámonos en situación: Quentin Beck, el Mysterio original, se había suicidado durante la etapa de Kevin Smith en Daredevil, después de someter a Matt Murdock a uno de los tormentos más inhumanos que ha sufrido… y eso ya es decir. El caso es que están surgiendo indicios de que el especialista en efectos especiales convertido en supervillano podría no estar muerto. Una serie de ataques con el sello personal del maestro de las ilusiones están afectando a personalidades de las que quería vengarse, como el editor del Daily Bugle J. Jonah Jameson y una exnovia de Beck que se ha lucrado rastreramente con su figura. Spiderman y Daredevil tendrán que unir fuerzas para investigar este… misterio.

spiderman vs mysterio mysterio manifesto las cosas que nos hacen felices

Aunque pertenece a los años más oscuros del personaje, antes de la llegada de Straczynski, en los que Spiderman sufrió algunas de las líneas argumentales más absurdas de su carrera, este cómic resulta bastante agradable. Es cierto que su final es muy mejorable y que Tom DeFalco no es ningún maestro de la escritura, pero se trata de un artesano bastante hábil del cómic que conoce bien a los personajes y narra una historia emocionante y repleta de giros en la que utiliza la continuidad de ambos superhéroes de modo que no resulta pesada. Comparada con algunos de los desmanes que llevarían y llevaron a cabo otros guionistas, esta miniserie consigue posicionarse como un digno entretenimiento.

El Mysterio contemporáneo

Antes de la polémica etapa en solitario de Dan Slott al frente de Spiderman, múltiples guionistas llevaron a cabo el experimento conocido como «Brand New Day», en el que se eliminaron las colecciones secundarias del lanzarredes para sustituirlas por la cabecera principal de The Amazing Spider-Man, con tres entregas al mes. En este contexto, los equipos creativos se fueron turnando para dar forma a una etapa bastante irregular pero en la que surgieron tramas muy interesantes. Una de ellas fue la que ocupó los números 618 al 620 de la serie, con guión del propio Slott y dibujo del excelente Marcos Martín.

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En esta tetralogía, se nos cuenta uno de los últimos planes de Mysterio… que, por motivos que en la propia Marvel no parecen tener muy claros, sobrevivió a su suicidio. El redivivo Beck, especializado en falsear defunciones ajenas y propias, ha sido contratado por la organización criminal Maggia para fingir la muerte de muchos de sus capos en pleno conflicto contra el Señor Negativo, villano de nuevo cuño que ha tenido un papel preponderante en el reciente videojuego del trepamuros. De este modo, se recupera uno de los recursos argumentales más entrañables de los cómics de Spiderman: las guerras de bandas. En este caso, un enfrentamiento que pillará en medio a Peter Parker y a su interés amoroso del momento, Carlie Cooper.

Estos números ostentan la mayor calidad dentro de este recopilatorio: Slott cuenta una historia entretenida repleta de acción y humor negro, en la que se utilizan numerosos elementos de esta etapa del personaje y se demuestra de lo que es capaz Mysterio en un buen día. A estos cómics los complementa un número especial publicado paralelamente, en la serie Web of Spider-Man, que expande los orígenes del villano y los relaciona con uno de los personajes más populares del Universo Cinematográfico de Marvel. Aunque esta trama podría resultar algo opaca para los lectores menos experimentados, merece la pena darle una oportunidad.

Conclusión

Las editoriales de cómics no dejan de llevarse las manos a la cabeza, tratando de atraer a los millones de espectadores que el género de superhéroes acumula en el cine. Este tomo, no nos engañemos, forma parte de estos intentos… pero también ofrece una primera impresión bastante aceptable de Mysterio para aquellos que quieran saber más de él antes o después de ver la película. Eso sí, no haber incluido ninguna aventura dibujada por Ditko es una decisión bastante cuestionable, así que terminamos esta prodigiosa splash-page para compensaros por esta injusticia:

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Los relatos que me hicieron feliz: Levitación

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Recordar estos relatos que me iniciaron en la literatura hace más de treinta años ha sido un ejercicio tan balsámico para mi espíritu que no podía más que traeros una segunda entrega. Tras leer La edad de oro de la Ciencia Ficción de Isaac Asimov cayó en mis manos otro libro de recopilación de relatos. El título era Prohibido a los Nerviosos y estaba presentado nada menos que por Alfred Hichtcock. En este caso no se abordaba tanto la ciencia ficción sino más bien ese pellizco en el lector que le dejara temblando en el sillón un par de minutos después de leer una de las historias que allí se presentaban.

Ya el prólogo, escrito por el gran director de cine, no podía ser más revelador. Hichtcock advertía a los lectores que se atrevían a adentrarse en la senda de suspense que entrañaba el libro:

¨ Si tiene usted el hábito de morderse las uñas, si salta del asiento cuando oye un portazo o si lanza un alarido cuando alguien grita «¡Bu!» junto asu oreja, mi mensaje se reduce a tres palabras: «Suelte este libro».
   Por el contrario, si posee usted buen control de sus nervios y si éstos reaccionan con placentero cosquilleo ante un toque de horror o hallan un delicioso estímulo en la chispita de «suspense», cordialmente le invito a que me siga. ¨

Levitacion 1

Como es normal en un niño de diez años, este prólogo no hizo más que alimentar mi curiosidad por conocer las historias que se contaban en aquellas páginas. Y así llegamos al relato que hoy quiero recordar. Su título era  Levitación y estaba escrito en 1.958 por Joseph Payne Brennan a quien Stephen King definió como ¨ un maestro de la historia de horror sin vergüenza ¨. Era un relato muy corto, apenas tres páginas, pero suficientes para lo que Brennan quería contarnos y el final dorado con el que remacharía la puesta en escena.

La historia se presenta en una feria local en uno de los típicos pueblos de campo de Estados Unidos. En un estrado que se habilita en el centro de la feria se presenta a grandes voces a un prestidigitador que asegura va a asombrar a todo el público allí presente. Dicho ilusionista, de aspecto siniestro, es recibido con burlas y sorna por la masa de campesinos agolpados enfrente del escenario. Dicho actitud desemboca en un paquete de palomitas lanzado al escenario y golpeando violentamente en la cabeza de un voluntario que había subido para ser hipnotizado por el artista. Enfurecido, el ilusionista despide al chico y se dirige hacia el culpable del lanzamiento del paquete con la mirada encendida y la mandíbula desencajada. Reta a dicho fanfarrón a demostrar su valor subiendo al estrado. El joven acepta el reto demostrando su auto confianza y burla total hacia lo que está presenciando. El hipnotizador le invita a tumbarse en el suelo del estrado tras lo cual comienza a pronunciar las típicas frases para hipnotizar a alguien. Al principio el fanfarrón intenta desobedecer las órdenes que le son dadas con voz mecánica pero poco a poco empieza a sucumbir. Una vez en trance, el ilusionista le ordena que eleve su cuerpo del suelo y, para sorpresa de todos, el granjero comienza a levitar a un ritmo lento pero sin pausa. Su cuerpo rígido va elevándose centímetro a centímetro mientras un silencio sepulcral ha sustituido a las chanzas y burlas en el público. En ese momento el ilusionista sufre un espasmo, se lleva la mano al pecho y cae desplomado.

Los organizadores de la feria intentan reanimarle pero no hay nada que hacer. Su artista ha muerto en acto de servicio. Pero con tal tragedia nadie ha reparado en algo. El cuerpo del granjero sigue levitando, ascendiendo lentamente, sobrepasando los toldos de las casetas colindantes, los árboles que rodean a la feria, hasta ser tan sólo un punto lejano en cielo despejado del mediodía.

Levitacion 2

Una vez más, una historia brillante que no necesita más de tres páginas para ser contada pues lo importante es el final. Como ya dije en el anterior artículo, un relato se fundamenta sobre todo en el broche final que se le dé pues es lo que nos dejará pensando en la historia durante mucho tiempo y, por tanto, reviviéndola. Puede que Levitación no te haga pensar tanto como El hombre que evolucionó reseñado anteriormente, pero sin duda es un relato que me hizo feliz y consiguió hacerme sentir ese cosquilleo que el maestro del suspense ya aventuraba en su prólogo.

Un abrazo a todos.

Analisis primera temporada The Society

Bienvenidos a todos los que somos felices con nuestras series preferidas! Hoy hablaremos de la producción de Netflix, The Society, que fue estrenada en mayo de este año. La primera temporada cuenta con un total de diez episodios, y tal como lo permite la plataforma, podéis darte una buena dosis de entretenimiento sin parar, ya que la totalidad de la temporada está disponible. Alerta spoilers.

Misterio e incertidumbre

conferencia

Tal como lo refleja el título, fue la primera sensación que me dejó esta buena serie. Netflix nos tiene acostumbrados a producciones apuntadas a adolescentes, pero esta no es exactamente igual a todas. Aquí tocan temas como, la organización social y económica de un grupo de jóvenes. Mucho misterio y también distintas situaciones personales de los distintos personajes, que pueden captar a más de un adulto.

The Society, parte de un grupo de adolescentes que realiza un viaje escolar, pero nunca llegan a destino. Vuelven a su pueblo, West Ham, que estaba invadido por un extraño olor que desató la paranoia de problemas ecológicos y de salud. Pero cuando llegan notan que algo cambio ya no es el mismo que habían dejado un momento antes. El lugar luce desolado, solo ellos son los únicos habitantes. Esto desencadenará todos los sucesos que deberán afrontar los jóvenes de 17 años.

Al verse solos, primero llega el miedo, pero luego la anarquía total. ¿Qué pueden hacer unos 200 adolescentes en un pueblo desolado?, sí, realizarán una fiesta donde los excesos y el descontrol son moneda corriente. Al otro día, cuando comienzan a tomar magnitud del problema que les toca afrontar comienzan las teorías ¿es realmente West Ham el lugar dónde están? ¿Están viviendo una realidad paralela?.

The Society creada por Christopher Keyser, tarda dos episodios en despegar. Luego que los jóvenes se aburren de tanta anarquía y descontrol, comienza la hora de establecer un orden social y ahí emerge la figura de Cassandra (Rachel Keller), a quien creíamos la protagonista de esta serie pero el tiempo dirá la contrario. Ella toma el mando y con una conducción muy sensata y justa, establece reglas de trabajo. Dado que los recursos son escasos, cuida el consumo de los alimentos. Crea un consejo que la ayuda en la toma de decisiones.

Cuando el orden y la tranquilidad habían llegado a West Ham, y parecía que la serie iba por los carriles de mostrarnos como los adolescentes iban a sobrevivir y sobrellevar a esta nueva e inesperada situaciones que les toca vivir, llego el tirón que me terminó de atrapar. Cassandra, la líder, la que traía paz y esperanza, es asesinada a sangre fría luego de la fiesta de graduación. Este sería el punto de inflexión en la serie, este tercer capítulo marcaría un antes y después en la trama, demostrándome que no es una serie convencional para jóvenes, que esta va más allá. Esto sería lo que finalmente me cautivaría. No fue amor a primera vista, el amor nació de a poco, se fue construyendo con el correr del tiempo, hasta el final del tercer episodio que dije: esta serie me hace feliz.

Este socialismo justo que había implementado Cassandra, como en cualquier régimen político, tienen sus adherentes y detractores. Es aquí que nace la figura de Harry (Alex Fitzalan), un muchacho de clase alta que no estaba de acuerdo en realizar trabajos que considera de clase baja y también compartir su casa con otros 18 jóvenes para ahorrar energía. En la casa de él, en una reunión de amigos, se gestaría el asesinato en manos de Dewey (Seth Meriwether).

justicia

Quien toma el mando, mas por decisión del consejo que propio, sería la hermana de la joven fallecida, Allie (Kathryn Newton). Lo que más la moviliza es cobrar venganza a mano propia. Es por eso, que luego de una confesión del mismísimo Dewey a Harry, es llevado a juicio para luego ser ejecutado. Allie pierde el control de la situación y su gobierno se vuelve autoritario e impone el medio a través del poder y las penas. Para no sufrir otro crimen deporta todas las armas.

Este gobierno parecido a uno fascista, trae como resultado rebeliones y confrontamientos constantes. Lexie (Grace Victoria Cox), toma la posta y quiere elecciones. Ella busca venganza por haber sido humillada y apresada por «La Guardia» (una especie de fuerza de seguridad integrada por jugadores del equipo de Fútbol Americano). Mientras esto sucedía, otro sector liderado por Campbell (Toby Wallace), comienza a planear un golpe de estado para derrocar a Allie.

Campbell con ayuda de Harry, (y convenciendo a Lexie que sin su apoyo no ganaría las elecciones), derroca a Allie del mando, apresándola, y junto con ella su fiel amigo e integrante del consejo Will (Jacques Colimon). Este golpe de estado parece que dará lugar a una dictadura que veremos en la próxima temporada.

La escena final nos deja más incertidumbre que certezas. Vemos a la madre de Ally leyendo Peter Pan a unos niños en un instituto. Detrás de ella emerge un cartel que tiene el nombre de todos los chicos desaparecidos a los que dan por muertos. La mujer al salir del establecimiento se encuentra con el mismo perro que vio Cassandra al ser asesinada. ¿El canino puede conectar las dos realidades?.

Conclusión

picadura

The Society es muy interesante, porque no es una serie de adolescente convencional, en ella queda reflejado lo difícil que es llevar adelante un orden social y político. Los protagonistas no están del lado bueno o malo, tienen matices y personalidades diferentes como cada ser humano. A Allie el mando la encontró por casualidad, pero a medida que lo descubría se volvía mas impiadosa. Harry representa el egoísmo, pero es él quien le confiesa que Dewey asesino a Cassandra.

Buscar el orden y justicia será una necesidad, ¿podrá ser posible?.

 

Reseña de Capitán América: Operación Renacimiento, de Mark Waid y Ron Garney. Un héroe que trasciende el tiempo y el espacio.

Recoger el testigo no es nada fácil. Sobre todo de alguien que lo ha hecho bien. Peor aún, de alguien que, con sus buenas o malas tramas, caló hondo en el público durante casi una década. En 1995, en una Marvel convulsa, Mark Gruenwald dejaba la colección que había escrito durante diez años. Mark Waid y Ron Garney le sustituyeron en Capitán América durante once números muy valorados por la crítica hasta que la iniciativa Heroes Reborn los desplazó del personaje.

Reseñas de diferentes cómics del Capitán América, cortesía de Lascosasquenoshacenfelices.

En este artículo analizaremos el primer arco de cinco número, Operación Renacimiento. Una trama entretenida con algunos detalles interesantes, pero lejos de alcanzar la excelencia de otras historias del personaje.

Gruenwald dejó al Capitán América al borde de la muerte. Al igual que su colección, que atravesó una lenta decadencia hasta el final, el suero del supersoldado comenzó a matar lentamente al personaje, deteriorado hasta el punto de tener que usar una armadura para compensar su debilidad. En el último número, pese a que convalecía en una cama, sus compañeros Vengadores encuentran la armadura vacía. El capitán América había desaparecido… y Waid era el encargado de encontrarlo.

Waid, por aquel entonces especializado en revitalizar franquicias como Flash, apostó por una historia made in los 90, con mucha acción, y por el regreso de varios de los personajes icónicos de la colección.

Lo más llamativo fue el primer número, en el que se habla sobre el Capitán América como símbolo…sin que aparezca el héroe de las barras y estrellas. Los Vengadores deben solucionar una amenaza en la que unos terroristas demandan la presencia del Capitán América o la plana mayor del gobierno estadounidense morirá.

De este modo, siguiendo la máxima de no conocer la importancia de una persona hasta que la pierdes, Waid aborda el significado del Capitán América desde tres puntos de vista: desde lo más superficial (la demanda de los terroristas), pasando por lo práctico (sin él, los Vengadores pierden a su líder táctico) hasta sus valores en boca de sus más íntimos aliados.

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Posteriormente, el final del primer número nos deja claro que el Capitán América está vivito y coleando…por obra y gracia de Cráneo Rojo, su archienemigo y, a su vez, el hombre cuya sangre le ha revivido. Cráneo lo necesita para recuperar el Cubo cósmico de un nuevo renacimiento de un Cuarto Reich dirigido por el enemigo original del Capitán, tanto fuera como dentro de las viñetas: Hitler, el dictador nazi.

Junto a Cráneo Rojo, contamos con el regreso de Sharon Carter, la agente número 13, el amor del Capitán. Desaparecida en combate desde hacía tiempo, su vuelta trae consigo una actitud cínica y hostil hacia Steve Rogers por no haber hecho lo suficiente por encontrarla con vida.

De esta manera, Waid orquesta una nueva etapa abanderada por una imagen, cuanto menos, curiosa: protagonista y antagonista luchando codo con codo. La historia no da mucho más de sí, salvo un número que funciona a modo de what if que cuenta con el regreso de Bucky Barnes ayudando al Capi a derrotar a los nazis. Realmente, es un arco en el que prima la acción sin descanso y las pocas motivaciones. Podría haber dado mucho más juego la relación ambivalente entre Steve Rogers y Cráneo Rojo, pero Waid apuesta por el espectáculo.

Acompañando a Waid encontramos al dibujante Ron Garney, que se luce especialmente en el diseño del villano, que en muchos momentos aparece casi caricaturizado, con múltiples comisuras y líneas.

Al final, lo que queda es un mensaje que se ha repetido hasta la saciedad en la época moderna del personaje: Aunque nació como estandarte propagandístico contra los nazis y defensor absoluto de los valores de su país, el Capitán América es un héroe que ha reflejado, para bien o para mal, todo lo bueno y malo que ha gestado el país más poderoso de la tierra. Al final, aunque su nombre incluye un componente nacionalista, Capitán América no es un hombre que defienda los valores de una nación, si no los universales. Y, por supuesto, es un héroe que trasciende el tiempo, no solo el espacio, para convertirse en el supremo defensor de la libertad y de la nobleza.

Enlace a edición de Panini 100% Marvel

Un saludo y sed felices!

J.A. Bayona dirigirá los dos primeros episodios de la serie de El señor de los Anillos de Prime Video

J.A. Bayona se ha convertido en uno de los directores más reputados en la actual industria americana. Qué Steven Spielberg le eligiera para que fuera su sucesor detrás de las cámaras en la continuación de Jurassic World, en este caso el Reino caído es síntoma de que su peso en Hollywood es más que notable.

Ahora ha saltado la noticia de que la adaptación a la pequeña pantalla de El señor de los Anillos, la serie más cara de la historia por parte de Amazon, que se emitirá en la plataforma Prime Video, tendrá al director español como su maestro de ceremonias en sus dos primeros capítulos. Realmente la noticia es más impactante que otra cosa puesto que se ha vuelto a recurrir a Bayona para recrear un mundo de fantasía en el cine, o en este caso en una serie. Pero estamos hablando de una historia ambientada en el mundo de J.R.R. Tolkien al que todos o casi todos respetan.

Los guionistas JD Payne y Patrick McKay también han aportado su grano de arena para alabar a Bayona:

«Hemos sido grandes admiradores de la obra de J.A. (Bayona) durante años, y sabemos que su estética épica, cinematográfica y profundamente sincera es perfecta para dar vida a la Tierra Media.»

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Cabe recordar que el argumento de la serie de El señor de los Anillos transcurrirá antes de los hechos acontecidos antes de las películas de Peter Jackson. Los más fans ya se están frotando los ojos.

Bayona, que co-producirá con Belén Atienza, una habitual para el cineasta español, da su punto de vista:

«J.R.R. Tolkien creó una de las más extraordinarias e inspiradoras historias de todos los tiempos, y como fan de toda la vida es un honor y una alegría unirme a este impresionante equipo. No puedo esperar a llevar a los espectadores de todo el mundo a la Tierra Media y que descubran las maravillas de la Segunda Edad, con una historia nunca antes vista».

Por tanto, aquí se verá todo lo acontecido en la Edad anterior a El señor de los anillos. Os recuerdo que la obra principal de Tolkien llevada al cine por Jackson transcurre en el final de la Tercera Edad, dando comienzo a la Cuarta Edad, la actual, también llamada Edad del hombre. La noticia de que la historia transcurrirá en la Segunda Edad abre un abanico nuevo de futuras historias casi sin precedentes.

Un saludo y sed felices.

Harry Potter tendrá una serie precuela ambientada en Hogwarts

A pesar de que la saga principal cerró hace casi una década con Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte II, la franquicia sigue estando fuerte, y no solo con las películas del universo de Animales Fantásticos y dónde encontrarlos, su parte de atracciones o los nuevos libros enciclopédicos que se esperan. Harry Potter es una de las marcas más queridas y potentes del mercado y era cuestión de tiempo que salieran rumores sobre ampliar la saga con una serie de televisión. Según el portal We got this covered, fuentes cercanas a Warner indican que se está preparando una serie de televisión para su propia plataforma VOD e intentar competir con Netflix, HBO, Amazon (que prepara una serie sobre la obra El señor de los Anillos), Disney + y demás.

Según los rumores, esta serie sería una precuela y además de a Hogwarts nos llevarían a otras partes de Europa, quizás al resto de colegios de magia y hechicería como Durmstran en Escandinavia o a la escuela francesa Beauxbatons. Se espera que no solo aparezcan el pasado de personajes ya conocidos sino que introduzcan otros nuevos que amplíen aún más la historia creada por J. K. Rowling. Aún no se sabe nada prácticamente nada sobre la trama y parece que tendremos que esperar para que oficialmente conozcamos detalles, pero personalmente espero que aporten datos sobre la primera guerra mágica que elevó al poder a Voldemort, sobre los padres de Harry -merodeadores incluidos- e incluso otras historias del mundo mágico alejadas de la saga principal.

harry potter piedra filosofal datos

Mientras tanto no olvidar que la tercera parte de Animales fantásticos y dónde encontrarlos se retrasó hasta el 12 de noviembre de 2021. Esta saga, de la que se esperan cinco partes, ha resultado algo irregular en cuanto a crítica pero en la taquilla ha sido de gran éxito alcanzando más de 1.200 millones entre las dos películas, demostrando que la marca Harry Potter está mejor que nunca, por lo que no creo que tardemos demasiado en conocer nuevos proyectos de nuestra saga mágica preferida.

No olvidéis escribir en los comentarios sobre qué tramas os gustaría que trataran en una hipotética serie sobre Harry Potter.

Análisis de El cuento de la criada. Temporada 3. Capítulo 6.

Bienvenidos una semana más a Gilead, la distopía no tan distópica donde los hombres ostentan un cargo y las mujeres son monedas de cambio. Sin embargo, la revolución se está cociendo a fuego lento…

Análisis de la tercera temporada de El cuento de la Criada

Análisis de la primera temporada de El cuento de la criada.

Análisis de la novela El cuento de la criada.

Análisis de la segunda temporada de El cuento de la criada.

OBJETIVO: SOBREVIVIR.

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Definitivamente, la revolución da un paso atrás, al menos en este ecuador de la tercera temporada. Joseph Lawrence, el personaje llamado a ser revelación en estos capítulos, deja paso a las veteranas vacas sagradas: los Waterford, que vuelven a irrumpir con fuerza en la vida de June, desviándola de su labor de resistencia e, incluso, de la planificación de un probable rescate para Hannah. De hecho, Hollycole (es complicado decantarse por uno u otro nombre para el bebé) corre el peligro de volver a Gilead tras todo el sudor y esfuerzo que costó sacarla del régimen.

Una vez más desde que empezó la serie, la esencia de June es la de la superviviente. Más cuando, teniendo teóricas herramientas para hacer arder Gilead, sus planes se frustran como si fueran fichas de dominó. No solo hablamos de Serena, si no también de Nick Blaine, su otro aliado y padre de su segunda hija.

Durante la visita a Washington DC para avanzar en la campaña mediática por el retorno de Nicole a Gilead, los Waterford y June son reclamados por unos mediadores suizos. Negociadores, presumiblemente, neutrales en el conflicto diplomático entre Gilead, toda una potencia militar, y Canadá, que quiere evitar el conflicto armado a toda costa. Del resto del mundo no se escucha opinión. Probablemente, la mayoría sienta repugnancia por Gilead, pero nadie decide tomar medidas reales. Es algo que ha pasado con varias de las grandes dictaduras de la historia durante décadas, como, por ejemplo, con el aislacionismo de Occidente frente al surgimiento del nazismo en Alemania.

June tiene la oportunidad de obtener una ventaja lógica durante su entrevista privada con los suizos. Nicole se queda en Canadá a cambio de información sobre Gilead. Y nuestra protagonista tiene al topo ideal: el padre de la niña. Al fin y al cabo, los suizos y el gobierno de Canadá ya están al tanto de que Fred Waterford no es el padre de Hollycole, aunque han tenido la precaución de no divulgarlo para que no se tomen represalias con June.

Sin embargo, aunque Nick cumple con sus deberes, los únicos que ha hecho y que, probablemente, hará como padre; los suizos no lo toman como un testigo idóneo por su pasado. Sabemos que Nick perteneció al comando terrorista que inició la cruzada en nombre de Gilead, pero no que fuera un miembro tan respetado por sus “hazañas”. Desde luego, como queda claro en la escena del tren a Chicago, es una figura venerada por los soldados.

Una vez más, June se topa con un muro y debe luchar por seguir sobreviviendo. Por Hannah y por Hollycole.

LA CAPITAL DE GILEAD.

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Por otro lado, Familia nos permite conocer algo más de un régimen del que tampoco podemos sacar mucho en claro, más allá de la segregación entre hombres y mujeres y el papel de las criadas. Washington, la antaño capital del país más poderoso del mundo y una de las cunas de los derechos sociales, es ahora la ciudad más ortodoxa del régimen. A la manera del Valle de los Caídos, la urbe está presidida por una enorme cruz donde antes había un obelisco. La fe preside Gilead. Una fe manejada a su antojo por los comandantes.

Uno de ellos es Wilson, un importante jerifalte del régimen (aún no sabemos si es el líder de Gilead) es un padre de familia numerosa, con seis hijos y, aún así, derecho a criada. Lógicamente, detrás de estos amantísimos padres hay una postal mucho más siniestra. Sus motivos iniciales no carecen de fundamento: tanto él como su esposa eran abogados que dedicaban todo el tiempo al bufete y nada a la familia. Ahora lo tienen para los niños…a costa de una criada con la boca grapada.

En una de las escenas más espeluznantes de lo que va de temporada, se descubre que las criadas, en un avance todavía más retorcido de lo que hemos estado viendo en Boston, carecen de voz, metafórica y real. El bozal que les tapa la boca es también un elemento estético que evita que miradas externas posen sus ojos en esas horribles grapas que, aparte de generar terror, también provocan muchas preguntas. Sí, se trata de un elemento impactante pero, ¿Cómo se alimentan para estar sanas y fuertes? Al fin y al cabo, las criadas deben tener hijos.

Y los hijos no son solo el símbolo del futuro de una sociedad, si no signo del estatus de un hombre en Gilead. Por eso, Fred está tan empeñado en recuperar a Hollycole. No le interesa tanto recuperar su matrimonio como volver a ascender. Parece que, con Wilson, lo va a conseguir. Aunque no sin sacrificio… La escena del billar da a entender la posición de superioridad de VER NOMBRE y el acercamiento físico un interés más allá de lo profesional. Parece que ni siquiera Fred Waterford puede escapar de un acoso.

RELACIONES ROTAS…Y RECONSTRUIDAS

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El final del episodio viene marcado por dos relaciones. Por un lado, el acercamiento entre June y tía Lydia. Ya lo dijimos en episodios anteriores: por muy adoctrinada que se esté, es imposible que tía Lydia no sienta dudas cuando pretendía salvar vidas y se ve dando una paliza a una criada u observando a las mujeres con las bocas grapadas.

Por otro lado, parece que Serena y June rompen toda relación. Delante de la estatua destruida del presidente que abolió la esclavitud en Estados Unidos, June vuelve al punto cero con la esposa Waterford, que resulta ser una mujer vacía por dentro y que solo busca un bebé para llenar una vida en la que no tiene ni voz (aunque no tenga la boca grapada) ni voto.

Un saludo y sed felices!

Hasta la semana que viene!

Crítica de Dororo, potencial desaprovechado

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Buenas queridos lectores, y bienvenidos a esta nueva entrada donde daré mi opinión sobre uno de los animes más vistos del año y quizá incluso de los mejores: Dororo, adaptación del manga del mismo nombre con autor Osamu Tezuka.

hyakkimaru cosasfelices

En primer lugar, deciros que ya hablé de qué me estaba pareciendo este anime en las impresiones de la temporada invierno de anime 2019, que os dejo aquí. Y a pesar de que mi opinión final ha sido favorable, positiva, no tanto como cabría esperar a partir de lo que dije en dicho artículo (y esa es la razón por la que no hay que tachar un anime tanto a buenas como a malas desde el principio). Primero aclarar que creo que la serie salía con desventaja respecto a otras de sus compañeras por el hecho de que 1) Era un anime muy muy esperado 2) Unido a lo anterior, era una adaptación del mismísimo dios del manga, Osamu Tezuka, lo que apuntaba a hordas de fanáticos y puristas 3) Precisamente porque era una obra tan viejuna iba a necesitar unos retoques que la hiciesen más afín al público actual, más joven. En resumen, que tener un resultado que satisficiese todos los puntos anteriores era difícil, y al final lo consigue de manera más o menos decente.

dororo final

Por otro lado, la serie contaba con ventajas y digámoslo así, puntazos, como todo lo referente y consecuencia de ser un anime del estudio MAPPA. Unos diseños de personajes muy buenos que actualizaban a los de la obra original, un dibujo en sí muy efectivo, sencillo pero agradable a la vista, fluido, que funciona en consonancia con una animación según la situación absolutamente brillante, una banda sonora espectacular, con unos openings y en mi caso sobre todo endings que me dejaban sin aliento y me hacían desgastar el botón de reproducción. Y por supuesto, no olvidemos, tener como materia prima y recurso una de las mejores, más queridas y mejor valoradas historias de Osamu Tezuka. Y realmente el principio de la historia fue impresionante, sorprendiendo a muchos con una introducción que ya se alejaba en varias cosas del manga pero que funcionaba, enganchaba y te hacía quedarte pegado a la silla y deseando que llegase el lunes que viene para ver cómo seguiría la búsqueda de Hyakkimaru. Sin embargo y según pasaban las semanas el interés por lo que le sucedería a nuestros dos protagonistas y a su relación mermaba, junto a un descuido del dibujo y la animación que realmente estropeaban la serie y hacían sentir al espectador estafado, mientras que la historia perdía fuelle quizá debido a su dirección, quizá debido a que a la propia historia le faltaba desarrollo, quizá debido a que el encanto de anime viejuno de Tezuka se diluía hacia algo más típico o quizá debido a una combinación de todas las anteriores. En mi caso lo que más me ha fastidiado es la pérdida de ese encanto que fue lo que me empujó a ver la serie, el de ver un anime de los de antes, japonés, esos que iban de samuráis o ninjas dando yoyas en un Japón feudal lleno de demonios, conflictos, hambre, mitología y finalmente llena de reflexiones al estilo nipón, que es lo que probablemente mejor sepan hacer. Pero quizá la falta más flagrante sea la de la caída en picado de los recursos técnicos con los que contaban y que al principio exprimieron de manera bestial.

dororo cosasfelices reseña

¿Esto quiere decir que no me haya gustado Dororo? Para nada, de hecho la he disfrutado mucho, y creo que mientras que a la mitad de la serie pincharon rueda y se fueron desinflando, el final de la serie remonta de una manera bastante admirable y nos brinda un final que aunque no está a la altura de lo que pudo ser y del principio de la serie, puede jactarse de cerrar todas las tramas que venía abriendo con unos medios técnicos que de nuevo subieron el nivel. Quizá lo que más falló fue el guión, porque opino que muchas tramas o resoluciones fueron atropelladas haciendo el final mucho menos emotivo de lo que opino que querían hacer, pero en cualquier caso es verdad que dieron respuesta a la pregunta y dilema moral que lanzaba la serie y que la relación de Dororo y Hyakkimaru, punto principal de la serie, quedó bien cerrada. Un humano maldito cuya tendencia moral no está del todo clara y probablemente manchada por el destino, por mucho que se resista, con un fondo melancólico y que encuentra el apoyo y la luz que necesita gracias al apoyo de una niña rota y cuyo peso no puede cargar ella sola, que ve en Hyakkimaru a un hermano, y es la veleta de optimismo que el joven necesitará para decidir qué es lo que finalmente quiere ser. De hecho, el título de la serie está espléndidamente dado, porque en realidad la protagonista y aquella que da respuesta a todas las preguntas, la que aporta las respuestas y dirige el desarrollo de su compañero no es otra que Dororo. En este respecto no tengo nada que decir salvo que la serie se ha lucido al darnos uno de los desarrollos de personajes conjuntos más bonitos, probablemente, del año.

Un saludo y sed felices.

Ultimate Marvel Team-Up: Bendis sabe hacer historias cortas

Bienvenidos, auténticos creyentes.

Hoy hablaremos del tercer tomo recopilatorio de Ultimate Spiderman que ha sacado Panini comics a finales de este junio. Sí, recopilan cosas del universo Ultimate, aquel intento de Marvel de atraer a las nuevas generaciones a los cómics, empezando de cero, con estéticas y formas de contar las cosas distintas. Parece lejano aquello, pero se habló y mucho de si el Universo Ultimate iba a terminar sustituyendo a la corriente temporal de siempre de Marvel. Desde hace mucho sabemos que no fue así, y que los cómics de ese universo han pasado a ser, en general, una especie de universo alternativo con algunos de sus elementos desembarcando en la oficialidad de Marvel. De allí salieron cosas más o menos regulares, cosas que prometían muchísimo y que no fueron para tanto (la versión Ultimate de Iron Man se la dieron al mismísimo creador de «El juego de Ender«, Orson Scott Card), cosas olvidables y algunas espectaculares.

Es muy posible que lo mejor de todos esos intentos de crear un nuevo universo Marvel fueran los Ultimates de Mark Millar. Es decir, Los Vengadores de ese universo. Puede que fuera la mejor etapa larga de Los Vengadores en este siglo, una puerta de entrada inmejorable para todo el que nunca se ha leído un cómic pero las películas le llamaron la atención. La otra cosa que se salvó de la quema es de la que hablamos hoy, el Ultimate Spider-Man.

Ultimate Marvel Team Up

Y toca hablar de Brian Michael Bendis, el más influyente e importante guionista de Marvel en estos últimos 20 años. Su forma de contar las cosas es muy peculiar, generando bandos entre los que les encanta todo lo que venga de él y los que por lo general nos aburre profundamente. No tengo claro, con todo lo que se ha escrito ya, si tiene mucho sentido seguir debatiendo eternamente sobre si ha salvado al universo o lo ha condenado para siempre. Yo desde el cansancio que me produce saber que un cómic lo ha hecho él diré que sus inicios no fueron malos y que hay historias de Daredevil más que disfrutables, quizás por sus intentos de seguir la estela de Frank Miller más que otra cosa. Y, también, que volviendo a leer el Ultimate Spider-Man suyo con Mark Bagley dibujando que puede que sea su mejor trabajo en Marvel. Qué demonios, que incluso está bien. Esto me lleva a pensar que Bendis se maneja mejor con un protagonista y en general con entornos urbanos, y que los grupos le sobrepasan por demasiadas razones (otra cosa es que los editores le permitan cosas que parecían prohibidas para el resto de los mortales, como meter a Spider-Man o Lobezno en Los Vengadores, lo cual hace que da igual como sea el cómic que lo va a comprar mucha más gente). Se le da mejor la intimidad que lo público. Mejor las conversaciones en cafeterías que las batallas contra alienígenas. Mejor el culebrón que la épica. Tampoco pasa nada: nadie es bueno en todo.

Así que sí, me bajo de la burra y lo digo: mi muy odiado Brian Michael Bendis puede que lo sea por haber sufrido sus Vengadores tanto tiempo. El primer tomo del Ultimate Spider-Man al fin y al cabo cuenta el mítico origen de Peter Parker y esta vez, ya puestos en el siglo XXI, Bendis hace un esfuerzo porque nos de pena que maten al tío Ben. Es decir, que le conocemos mejor, le pinta como el idílico tío/abuelo que todos hemos querido tener y nos da más tiempo a conocer a sus compañeros de clase, sus fiestas, sus relaciones y demás. En esencia es casi la misma cosa, pero Bendis se luce realmente, por más que tengamos algunos de sus defectos rondando por ahí, pero de manera muy leve. ¿Es un refrito? Si lo es desde luego consigue mantenerse al borde de no serlo. Además se juntó con un gran profesional como Mark Bagley, que quizás nunca sea el favorito de una generación de lectores pero es un buen artesano que conjuga espectacularidad y una razonable capacidad narrativa, sin llegar a cosas como, por supuesto, el gran dibujante del Spider-Man moderno: John Romita Jr.

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Llegados a este tercer tomo nos echamos a la cara algo tradicional de Spider-Man: el Marvel Team-Up. Es decir, la cabecera en la que el personaje más famoso de Marvel se encontraba con otros personajes del mismo universo y vivía aventuras más o menos cortas con ellos. Quizás en este género el mejor ejemplo fue la etapa de Robert Kirkman (sí, el creador de Los Muertos Vivientes), que hizo 25 números de la colección en toda una demostración de diversión, entretenimiento, fidelidad a lo que son los personajes, coherencia argumentativa y, repetimos, diversión. Un ritmo fantásticamente bien medido, una de esas cosas que disfrutas aunque no sean obras maestras. La recopiló Panini hace tiempo también.

Si algo sorprende de este tercer tomo de Ultimate Spider-Man es el distinto tono que Bendis usa para cada historia. Aquí no puede irse a los 20 números contando poco, tiene que acabar las historias en dos cómics como mucho. Podríamos pensar que no estaría preparado para algo así: después de todo lo más celebrado y criticado de él es la enorme cantidad de páginas que necesita para contar cosas. Pero no. Sorprendentemente no lo hace mal. Como en todo batiburrillo de personajes Marvel saltando cada dos cómics, no todas las historias son del mismo nivel, pero sus defectos/glorias se diluyen para hacer algo a lo que no estamos acostumbrados que haga: divertir en pocas páginas. Hace algo raro que no suele hacer: se amolda él a la serie y no al revés. Y lo hace más que dignamente. Es decir, que sabe hacerlo. Como es normal donde se luce de verdad es las partes en las que aparece Daredevil, el del Universo Ultimate, al que pertenece casi lo mejor de su contribución de Marvel, continuando con la tradición de Frank Miller al respecto. Llega a recurrir a un tono totalmente distinto, prácticamente humorístico y desenfadado, en la historia con los Cuatro Fantásticos, en la que incluso se permite, atención reírse un poco de sí mismo al final. Cuando lo ví le perdoné un poco lo que pasé con sus Vengadores: alguien que se ríe de sus taras, vicios o defectos de vez en cuando es alguien que se hace un poco más complicado que se nos convierta en un fanático o un iluminado.

Ultimate Marvel Team Up3

Hay historias más insípidas como la de la Viuda Negra, aunque tenía potencial la historia de espías. El tomo acaba de manera estupenda, las cosas como son, en una reflexión de Peter Parker para un trabajo del instituto sobre qué es ser un héroe. De nuevo es en las partes reflexivas en las que Bendis brilla más. Quizás el baile de dibujantes casi en cada historia, rematando en la historia final en la que cambiamos de dibujante cada dos páginas, por más que muchos sean élite en el mundo del cómic, hace que el conjunto no tenga la solidez que merecería. Es decir, al tomo le falta una unidad gráfica o argumental clara, lo cual lo hace menos redondo de lo que debería ser. Es una pena, porque hay algún intento de interconectar las historias, pero nada especialmente serio: Bendis ha preferido, para gran sorpresa de todos, simplificar las cosas. Y, repito, no le ha salido precisamente mal.

Ultimate Marvel Team Up4

Nos quedamos con una serie de historias más o menos disfrutables, que no te hacen pensar mucho en donde se quedó la historia en el episodio anterior, con detalles divertidos o interesantes, que nos muestran otra faceta poco conocida de Brian Michael Bendis. Pensando sobre ello creo que quizás fuera de los superhéroes y en cómics policíacos podría funcionar mejor que en superhéroes, como le pasa a Brubaker.

Sed felices.

Made in Abyss: de lo adorable a lo grotesco

Entre los animes cuya continuación se ha confirmado para 2020, sobresale uno que ya destacó en el estreno de su primera parte, tomando por sorpresa a una audiencia que esperaba un tipo de producto más convencional pero que quedó impactada al descubrir lo que se escondía bajo su adorable apariencia. Estamos hablando, cómo no, de Made in Abyss, una pequeña joya de 13 episodios en la que la trama inicial de fantasía acaba tornándose a ratos en una historia de terror. Basada en el manga homónimo de Akihito Tsukushi, y producido por Kinema Citrus en 2017, este sólido producto merece un repaso antes de que volvamos a zambullirnos en las profundidades del Abismo.

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Arriba y abajo

La acción se sitúa en un mundo con una fuerte influencia steampunk en el que existe una profesión tan peligrosa como bien valorada en la sociedad: la de explorador de cuevas. Estos aventureros viven de los tesoros que encuentran en las distintas capas del Abismo, un gigantesco agujero que lleva a lo más profundo de la Tierra y del que nadie ha visto el fondo. Entre estos valientes, destacan los exploradores de élite: los Silbatos Blancos, capacitados para enfrentarse a los terribles monstruos que moran en este enorme pozo.

made in abyss riko las cosas que nos hacen felices

Nuestra protagonista es Riko, una pequeña aprendiz de exploradora cuya madre fue una de estas grandes aventureras, pero que desapareció hace mucho en el Abismo. Se pasa la vida metiéndose en líos y escapando de la tediosa rutina del orfanato donde vive pero, al comienzo de esta obra, dos hechos cambiarán su destino para siempre: explorando la primera capa de ese agujero, encontrará a un robot con forma de niño, Reg, que no sabe de dónde viene y cuya memoria ha sido borrada. Además, recibirá una carta de su madre en la que le lega su silbato blanco. Armada de valor, decidirá adentrarse en el Inframundo para encontrarla y para desentrañar el misterio que encarna su enigmático compañero. Los peligros a los que tendrá que enfrentarse son tan abundantes como aterradores.

Una búsqueda cada vez más dura

El anime sigue la estructura de quest o búsqueda, tan popular en el shonen, con exponentes de éxito como One Piece o las primeras sagas de Dragon Ball. Se trata de una aventura en la que los protagonistas deben ir superando obstáculos hasta alcanzar su objetivo, y que permite empatizar con unos personajes cuyas motivaciones suelen ser bastante dispares. Las convenciones de este subgénero favorecen el desarrollo de un viaje interno en los aventureros, además del trayecto físico que deben recorrer. No es el único elemento del shonen, o manga para jóvenes, que toma este anime: aunque el humor va disminuyendo conforme pasan los capítulos, impregna gran parte de la obra y permite humanizar a Riko, a Reg y a unos secundarios que sufrirán por ellos tanto como nosotros. Eso y la estética chibi, que infantiliza aún más a estos niños, hace que se nos antojen entrañables.

made in abyss reg y riko las cosas que nos hacen felices

El trabajo a la hora de establecer a las relaciones entre personajes es más que acertado: esta aventura no es una excusa para desplegar frenéticas escenas de acción o diseños resultones de monstruos, sino que tiene repercusiones sobre unos protagonistas cuyas vidas se verán trastocadas por lo que sucede en la zona más profunda del planeta. Los datos sobre este fascinante universo se ofrecen al espectador con cuentagotas, sin forzarlos a través de su garganta: la construcción de este mundo, de sus costumbres y de la fauna y flora que conviven en él se lleva a cabo de forma magistral, aunque no apta para los impacientes. Sin embargo, una vez que estamos dentro, ya no podemos escapar…

Descendiendo por el Abismo

No es casual que al Abismo se le denomine también el Inframundo: pronto, Riko y Reg comprobarán que las criaturas que lo ocupan son más feroces conforme más descienden. Cada una de sus capas, reminiscentes de los Círculos del Infierno, supone un nuevo desafío. En este sentido, cabe quitarse el sombrero ante el mangaka original y los responsables de este anime por haber sabido adaptar fielmente, sin que parezca forzado, el mecanismo de un videojuego. Made in Abyss es, en esencia, un enorme RPG en el que los héroes tienen que ir encontrando herramientas para hacer frente a monstruos estéticamente únicos, y la dificultad de su descenso se irá incrementando cada vez más. El propio Abismo, más que las criaturas que lo habitan, es el enemigo.

made in abyss abismo las cosas que nos hacen felices

Esta dificultad progresiva no solo repercute en los retos a los que se enfrentan la exploradora y el androide, sino en el tono de la trama, que va evolucionando hasta convertirse en un descarnado seinen, es decir, en un anime más enfocado a los adultos. Para que nos entendamos, lo que consigue esta serie es que el espectador se sorprenda y horrorice como si, de pronto, el pequeño Goku hubiera aparecido partido por la mitad tras caer en una trampa de Pilaf. Todo el esfuerzo que el autor puso en hacernos comprender su mundo, en un comienzo que a algunos les parece demasiado lento, acaba por dar sus frutos en la segunda mitad. Cada pequeño logro supone para estos personajes con los que nos hemos encariñado una agonía previa que a muchos les resultará intolerable y vomitiva cuando el sujeto en cuestión es un niño. Así, Made in Abyss consigue contraponer lo adorable y lo macabro con muy buenos resultados, dejándonos con la sangre helada en más de una ocasión. Ni la inocencia de estos infantes protagonistas ni la nuestra conseguirán salvarnos de los duros retos que se les presentan.

made in abyss monstruos las cosas que nos hacen felices

Sin embargo, este anime no llega a mostrar un fatalismo tan deprimente como el de algunos arcos de Berserk: por el contrario, sigue quedando hueco en el Abismo para la bondad humana. Existen personajes despreciables de los que se nos ofrece un atisbo, pero también aparecen aliados muy útiles y generosos, que ayudan a aliviar el enorme peso que pende sobre nuestros protagonistas. Por ello, podemos afirmar que, a pesar de unas escenas muy duras de violencia que la hacen inadecuada para los más pequeños, su corazón sigue siendo el de un shonen de aventuras o el de un JRPG con una historia particularmente buena.

Conclusión

Made in Abyss es una aventura construida no solo con una gran dosis de imaginación, sino con la inteligencia necesaria para dar forma y presentar las magníficas ideas concebidas por su autor. Tras presentar un mundo y unos personajes de los que queremos saber más, solo queda esperar una continuación que promete amenazas más peligrosas todavía. Y, a pesar de ello, confiamos que Reg y Riko consigan superarlas para que consigan encontrar su objetivo en el fondo del Abismo.