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Reseña de El lugar de cada uno. Un asesinato en el Nápoles de los años 30.

Panini Comics edita una nueva entrega de El verano del comisario Ricciardi, saga literaria de Maurizio de Giovanni que es adaptada al cómic por Paolo Terracciano y Alessandro Nespolino.

Estamos en pleno verano en la plaza de Santa María la Nova. En un palacio noble, una hermosísima mujer (casada con un viejo duque enfermo terminal) es encontrada muerta, asesinada de un tiro de pistola en la frente. Este homicidio sucede después de una velada en la que la duquesa había tenido una fuerte discusión con su amante, un famoso periodista napolitano, casado y con hijos, que se convierte en el principal sospechosos del delito precisamente a causa de esa discusión, pero que también es autor de diversos artículos contra la policía. De manera que es necesario tener mucho cuidado. El vicecomisario Garzo adiverte a Ricciardi, su mejor hombre, que vaya con pies de plomo. L aimagen que percibe Ricciardi de la duquesa muerta le pide insistentemente un anillo que falta. Ese anillo que falta entre sus dedos o en el mundo en torno a ella es la clave que Ricciardi utilizará para descubrir la madre del cordero de un homicidio mucho más complejo y mucho más difícil de lo que parecía en un principio.

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El lugar de cada uno (así se llama esta entrega de los casos de Ricciardi) no deja de ser una historia enmarcada en los cánones del género negro, plagado de detectives atormentados y femme fatales, así como casos aparentemente simples que se van complicando más y más.

La peculiaridad del cómic es la localización. Como demuestran las novelas de Henning Mankell o de Vázquez Montalbán, el género negro siempre se adecua a las características geográficas y culturales del lugar en el que se basan.

En este caso, la trama transcurren en el Nápoles de los años 30. Una ciudad diferente, con un sentimiento muy de barrio, en el que los habitantes no se sentían napolitanos, si no de tal o cual distrito. El instinto de comunidad era muy elevado. Cada muerte, cada boda o cada divorcio era un acontecimiento.

Por otro lado, la Nápoles de los años 30 era extremadamente clasista, hasta el punto de que un napolitano de origen pobre que tuviera éxito económico no podía entrar en los privilegios aristocráticos y los nobles cuyos mejores años quedaron atrás vivían en enormes (y vacías) mansiones y seguían manteniendo los privilegios que se les habían otorgado por el simple hecho de haber nacido en una familia de renombre.

Todo esto queda contextualizado en una Italia en la que el fascismo de Mussolini estaba en la cresta de la ola, lo que queda perfilado a lo largo de la trama en lo que respecta al personaje del amante de la víctima, un reportero que ve censurado su trabajo por el régimen dominante.

Aparte de la importancia geográfica, la trama se apoya en un detective que tiene motivos para sentirse atormentado. Ricciardi puede ver a los muertos y estos, a la manera del niño de El Sexto Sentido, les piden favores. Una habilidad de la que no se puede estar orgulloso y que acarrea bastantes problemas personales al protagonista.

El guión de Paolo Terracciano se complementa con el dibujo de Nespolino, llamativo por el uso del blanco hueso en lugar de apostar por el blanco y negro más tradicional. El trazo de los rostros es fino, lo que contrasta con una descripción muy detallada

La edición de Panini Cómics incluye una introducción que nos pone en situación respecto a la importante que adquiere la localización en el cómic. Fundamental para entender algunos aspectos de la trama como la residencia del noble o el comportamiento de muchos napolitanos. Asimismo, al final tenemos una entrevista de Luca Crovi a Alessandro Nespolino, el dibujante de la trama, en el que habla sobre la dificultad de adaptar las novelas, las claves del color que maneja y como ha conseguido captar la esencia de los personajes.

En definitiva, El lugar de cada uno es un cómic interesante para todo fan del género negro que no decepcionará en su intriga inmersa en una ciudad clasista y fascista. Un lugar en el que los muertos que ve Ricciardi desean vivir y muchos vivos desearían estar muertos.

Enlace al cómic en Panini

Un saludo y sed felices!

Crítica de X-Men: Fénix Oscura

Por fín, X-Men llegó a su final. La saga que comenzó hace 19 años y que, tras haber tenido diversas etapas, se ha consolidado como uno de los referentes del cine de superhéroes tomará un nuevo rumbo directo al MCU. O por lo menos tiene toda la pinta de que así será.

Sin duda es triste, sobre todo para los fans de este grupo de personajes, ver como finaliza un proyecto que lleva 19 años forjándose. Se debería recordar a X-Men: Fénix Oscura por cómo finaliza la saga. Y digo «debería», porque a mi parecer es una despedida muy poco arriesgada y que dejará frío a más de uno siendo, aún así, una correcta película.

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Hay diversos personajes que simplemente, están por estar

Para empezar a hablar de la última aparición de los X-men me gustaría destacar la extraordinaria banda sonora que ha compuesto Hans Zimmer, que sin duda y a mi parecer, es lo más acorde a la despedida de este grupo de personajes. La música es impresionante. Las melodías son protagonistas en todo momento sustentando la carga dramática que nos presenta la película en todo su metraje. Además, nos deja la piel de gallina en escenas en las cuales la propia grabación por sí sola no sería capaz de hacerlo.

Por otra parte, los efectos especiales y la puesta en escena están bien, sobretodo el primer tercio de la película donde podemos encontrar, sin duda, los elementos más interesantes de esta, destacando este primer tercio como lo mejor del film. Las escenas espaciales se ven increíbles y Jean Grey luce como nunca con los poderes de las fuerza cósmica que da lugar a toda la película.

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Sophie Turner hace el mejor papel de la película

A partir de esa primera parte de la película tenemos que empezar a hablar de las carencias que acompañan al nudo de esta. La villana no está a la altura de Jessica Chastain, irrelevante hasta el final y eclipsada por una Sophie Turner que sin duda, es la mejor actuación de la película. Y es que, no se puede dejar pasar que en el final de la saga, hayan tenido a una de las villanas más planas, inútiles y desaprovechadas de estos 19 años. Mención de honor a otros personajes también que, si hablamos de irrelevancia, la pobre Tormenta junto con Kurt Wagner y Quicksilver, se llevan la palma, no porque sean malos personajes, sino porque están colocados como simples peones sin contexto alguno para que, simplemente, estén ahí. Perfectamente podrían haber estado Coloso o Pícara, que los ya mencionados, que repito, no están mal interpretados, solo están mal contextualizados en la historia que se desarrolla.

Y es que X-men es y siempre ha sido, tanto en cómics como el cine, una saga de causas y consecuencias. Los X-men es un grupo que marca la diferencia entre todos nosotros y que nos unifica como diferentes, como un grupo de gente dotada por ser quien es. En el nudo de esta película no se ve una argumentación clara de por qué cuando un mutante único y diferente desata un poder causado por una fuerza cósmica, este tenga que volverse malvado convenientemente para un villano que pasaba por ahí, es decir, que la trama está lastrada por la inclusión de la villana ya mencionada, que solo descentra la atención del verdadero conflicto de la película, lo que lleva a hacerla pesada a mitad de esta.

También podríamos comentar los agujeros de guión que hay en esta película, sobretodo, el de Quicksilver. Podría hablarse de cómo tras 19 años de películas, las batallas aún siguen viéndose algo vacías cuando hace poco el UCM llenó la pantalla con decenas de personajes. Se podría hablar de pequeños detalles en la película que no la hacen verse tan cuidada como otras del UCM, pues se nota como una falta de cariño a estos personajes, que por ejemplo, con Steve Rogers no pasaba. Podríamos hablar de muchos defectos, pero creo que esto debe de homenajear a este gran grupo de personajes que nos ha acompañado durante tantos años, y la película no es ni la mejor de la saga, ni tampoco la mejor despedida posible, pero es perfectamente disfrutable.

Eso sí, sin duda se debe destacar uno de los grandes fallos que tiene esta película, que es el simple hecho de que ignorasen los personajes y escenarios que se mostraron en Deadpool 2, escenarios que hubiesen sido totalmente necesarios en la película, el Icebox es uno de ellos,  hubiese sido un punto de conexión genial además de la presencia de mutantes que llenarían una pantalla que a veces trata de llenarse con los típicos esbirros irrelevantes de Magneto.

Mi conclusión es simple, no es una mala película, tiene grandes actores, una gran banda sonora, y una interesante historia que contar, pero está llena de pequeños fallos que hasta a el más fan pueden molestarle. Sin embargo, yo animo a todo aficionado a que vaya a ver la película, porque no pasará un mal rato, se entretendrá y disfrutara de la aparición de estos héroes que recordad, no será la última y que volverán, algún día.

Crítica de Rocketman: Redescubriendo a Elton John

¡Un musical saludo para todo el mundo! Tras haber visto la película «Rocketman», que es un biopic del músico Elton John, quiero compartiros mis impresiones sobre esta película que espero que tengáis en vuestra lista de próximos visionados en cine porque merece y mucho la pena.

Antes de nada, y aunque al final haré una pequeña comparativa con la película de Bohemian Rhapsody, el hecho más curioso es que el director de Rocketman, Dexter Fletcher, fue la persona que se encargó de las últimas semanas de rodaje de Bohemian Rhapsody, una vez que Brian Singer fue despedido antes de terminar la película. Así que es cuanto menos un buen detalle anecdótico. Dicho esto, pongámonos manos a la obra, o mejor dicho, pongamos las manos en las teclas.

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Elton cuando siente a todo el mundo vibrar con su música.

¿Qué nos cuenta Rocketman? Es un viaje muy íntimo para conocer a Elton John tanto en sus buenos como en sus malos momentos, con sus adicciones y todas las cosas que le han llevado a ser quien es. Para ello, y tras una introducción con el Elton adulto en una sesión de estilo alcohólicos anónimos, hay que comenzar desde su infancia, ya que en la película veremos a Reggie Dwight (sí, así se llama en realidad Elton John) y la casi inexistente relación de afectividad que tenía en casa, pues su padre era una persona fría, ausente y autoritaria que apenas le profesaba ninguna muestra de cariño, y la madre, si bien sí tenía más trato con Reggie, tampoco era la mejor madre que pudiera desearse. Irónicamente, cuando Reggie empieza a mostrar su destreza con el piano, será su abuela materna quien comience a apoyarle. El tiempo pasará, Reggie mejorará gracias a unas clases de piano, y aspirará a una beca para asistir a la Royal Academy of Music. Y ahí seguiremos viendo sus primeros pasos en esa prestigiosa escuela.

Más adelante, ya acompañaremos a Reggie en una etapa más adolescente, en la que tocará en algún que otro garito junto a otros músicos para ganar unas libras. Dicho grupo se llama Bluesology, y su talento les hará ser acompañantes de otros músicos. Ahí empezaremos a ver la inquietud de Reggie por ser algo más grande que todo eso. A través de algunos consejos, se dará cuenta de la necesidad de encontrar no solamente un buen nombre musical (de ahí que en el resto de la película ya le conozcan por su nombre artístico), sino también una vestimenta llamativa. Y como Elton es un fenómeno con el piano pero no en las letras, será la causa de que termine entrando en contacto con Bernie Taupin, el letrista sin el cual Elton no sería lo que es a nivel musical a día de hoy. O cuanto menos sería alguien diferente.

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El discreto estilo de Elton.

Y ya a partir de ahí se irán recorriendo más etapas en la vida de Elton, desde su salto al estrellato, tanto en su tierra como en los Estados Unidos, su caída en diferentes vicios, sus primeras relaciones sexuales con hombres, y más cosas… Mención aparte merecen algunos pasajes de la película que intentan simular cosas que piensa el personaje, y quedan bastante bien retratados, casi como si fueran videoclips.

He de admitir que cuando supe que Taron Egerton iba a ejercer el rol de Elton John, no me convenció inicialmente. Me gustan bastante las pelis de Kingsman, pero no precisamente por la presencia de Taron como protagonista, de ahí que no me diera buena espina que fuera finalmente quien se llevase el gato al agua con el papel. Pero hay que decirlo, aquí en Rocketman se marca una gran interpretación, pues no solamente parece Elton John físicamente, sino que además ha cantado gran parte de las canciones de la película y se nota que se ha involucrado totalmente en el papel y en la mejor manera de llevar con éxito su cometido.

Por otra parte, en cuanto a otros personajes a destacar, el actor Jamie Bell hace un buen rol como Bernie Taupin, el amigo y letrista de Elton, y aunque tiene poco peso en la película más allá del principio, Bryce Dallas Howard como la madre de Elton también tiene buenas cosas. Menos gracia me hace la sosa interpretación de Richard Madden como John Reid, novio y manager de Elton en una etapa de su vida.

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Elton y su atuendo para viajar en avión.

Y sobre la música, a pesar de la extensa carrera de Elton y la gran cantidad de canciones que podrían haber sido escogidas para la película, creo que se ha hecho una interesante elección en el repertorio. El vestuario es otra de las partes llamativas, porque precisamente ese era el estilo de Elton, muy pintoresco y llamativo, para no dejar indiferente a nadie.

Es inevitable que por cercanía en el tiempo se comparen Bohemian Rhapsody y Rocketman. En mi opinión ambas son muy disfrutables y os recomiendo las dos. Ahora, de la primera destacaría la parte de espectáculo, pues le da más importancia a conciertos y actuaciones del grupo Queen, pero Rocketman es una película más íntima y personal (Elton John ha sido productor y quiso que no se omitiesen detalles escabrosos de su vida). No obstante, ambas son geniales y disfrutables de formas diferentes. Si os gusta la música sin más no os quedéis con una sola je je.

En conclusión, Rocketman es una película muy disfrutable, que no se hace pesada (al menos en mi caso no me resultó cansina), con números musicales muy buenos, y que deja bien claro que el género de los biopics musicales puede estar viniendo para quedarse una larga temporada si nos presentan productos con tanta calidad. ¡Hasta la próxima! 

Crítica de Heroes in Crisis. Una herida abierta en el corazón del Universo DC

Decepción, tristeza y rabia, esas son las emociones que me quedan después de leer Heroes in Crisis. No estoy hablando de que la serie de Tom King sea mala, buena o peor. Quiero dejar claro el poso que la lectura de esta serie me ha dejado. Es una opinión muy personal.

King ha demostrado a lo largo de los años que es un guionista competente aunque tiene un problema. Es un escritor que con buenas ideas pero al que no le importa que esas mismas ideas no acaben de casar con los personajes sobre las que las tiene que implementar (incluso se podría decir que sus ideas pueden no ser demasiado adecuadas para el género de los superhéroes en general).

Su Sheriff de Babilonia es el mejor ejemplo de lo que estoy diciendo. Tiene una temática adulta, está bien escrita y los personajes evolucionan y actúan de manera natural. Pero son personajes del mundo real. Cuando ha tenido que escribir sobre superhéroes es cuando han surgido los problemas. En el caso de la Visión, su idea de vida familiar en un suburbio funcionaba (por los pelos), pero con Míster Milagro quedaba muy rara (aunque recibió halagos de gran parte de la crítica). Y su actual etapa en Batman tiene fans y detractores a partes iguales. En todos los casos se critica que sus protagonistas no actúan como tendrían que hacerlo según su bagaje anterior y lo hacen según le viene bien a King para el desarrollo de su historia. Y ese es el gran problema de Heroes in Crisis.

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Booster Gold y Harley Quinn son los principales sospechosos de los asesinatos en el Santurario

El escritor quiere dar en esta serie su visión sobre el estrés postraumático y la depresión. Es cierto que los personajes de cómics han sufrido tantísimas tragedias que son terreno abonado para poder tratar este tema. Pero es un tema tan serio y con tantas consecuencias a medio y largo plazo que no funciona en un universo de ficción en el que los personajes siempre van a tener que ser reconocibles, a lo largo del tiempo y en sus múltiples apariciones en distintas series.

Estoy decepcionado con esta historia porque tiene un arranque muy bueno (ya lo señalé en la crítica del primer número) que poco a poco se va diluyendo. Empezamos con muchas muertes (algunas bastante discutibles) y un misterio a resolver. Perfecto, eso siempre atrae. Pero conforme la trama avanza queda claro que a King lo que realmente le interesa es hablar de las personas traumatizadas y cómo afectan esos traumas a su vida. La resolución del misterio del asesino es bastante chapucera y muy confusa, con un deux ex machina de libro. King quiere mostrar cómo el que un personaje popular acepte y haga público su problema puede ser de ayuda para todos los demás afectados por el estrés postraumático y la depresión. Un objetivo loable, pero que personalmente no es lo que espero de un cómic que se supone es un gran evento de un editorial como DC.

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Muertes, muertes y más muertes

Estoy triste porque King mata a muchos personajes para dar peso a una historia que luego no sabe terminar bien. No es de recibo hacer una matanza así, con demasiadas muertes fuera de foco y ninguneando a muchos personajes. Es darle demasiada manga ancha al guionista estrella de turno para que haga lo que quiera. El universo DC pierde parte de su riqueza y lo que es peor, seguramente sea para nada. Tarde o temprano esos personajes acabaran volviendo porqué a un guionista (y a su editor) se le olvide que han muerto.

Y siento rabia por el tratamiento que King hace de determinados personajes. Batman, Superman y Wonder Woman son meros comparsas (en un caso de asesinato debería ser el mejor detective del mundo el que llevará la voz cantante y no es el caso). Los protagonistas de la historia se dedican a correr de un lado a otro sin que el lector tengo muy claro que es lo que hacen o lo que buscan. Lo peor de todo es que el asesino debía ser un héroe de los que estaban internados en el Santuario, así que está claro que iba a haber polémica en cuanto se revelase. Para mí, de ninguna de las maneras, por muy traumatizado que estuviera, por muy loco que le pudieran volver sus poderes (algo que nunca se había mencionado) ese personaje haría algo como lo que hace. Porque precisamente representa lo contrario a esas acciones. Además King destroza a este superhéroe ¿Cómo se va a utilizar después de haber matado a tantos compañeros? Los futuros guionistas pueden buscar la idea de redención, pero es algo que se antoja muy complicado.

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Batgirl, Blue Beetle, Booster Gold, Harley Quinn y Poison Ivy tienen mucho peso en la resolución de la trama

Y es una idea absurda porqué no hacía ninguna falta. De un tiempo a esta parte DC está maltratando a una serie de personajes que son parte intrínseca de lo que los aficionados entendíamos que la editorial debería ser. Y este es un paso más en esa dirección.

La serie tiene ideas atractivas. Las viñetas con los personajes hablando de sus traumas funcionan bien en su mayoría y demuestran que hay un trabajo de documentación detrás. El concepto de Santuario como lugar de tratamiento de superhéroes con problemas psicológicos también es atractivo (más allá de lo tonto que resulta que los encargados del tratamiento sean robots). La reunión entre dos viejos amigos como Blue Bettle y Booster Gold es algo que alegrará el corazón de los fans de la Liga de Giffen y DeMatteis. El papel de Batgril y su química con Harley Quinn resulta muy interesante. Pero después de leer los dos últimos números de la serie las sensaciones que me ha dejado son muy negativas. Quiero acabar señalando que esta es una opinión muy personal. Entiendo que pueda haber lectores a los que el mensaje de la serie pueda llegar y les guste, pero creo que el destrozo que King hace de determinados personajes no compensa la idea general de la historia.

Los mejores juegos de mesa para jugar este verano

Ya que se acerca el verano y con él el tiempo de ocio y vacaciones, queremos presentarte las mejores alternativas de juegos de mesa para pasarlo en grande independientemente de la edad y del lugar en el que te encuentres. Hemos seleccionado algunas alternativas que de hecho podrás llevar contigo a cualquier sitio para pasarlo bien estés donde estés. Podrás encontrar juegos de dados que pueden hacerte pasar ratos inolvidables de diversión.

Aquí os dejamos el artículo en formato vídeo. Si te gusta no olvides suscribirte a nuestro canal. 

 

Dobble juego mesa

1.- Dobble

Dobble es un juego muy popular y atractivo gracias a su dinámica y su versatilidad. Se trata de un juego de cartas que puede llevarse fácilmente a cualquier sitio y que cuenta con 5 mini juegos distintos en los que el objetivo principal consiste en formar parejas usando la agilidad mental. Un juego de 2 a 8 jugadores a partir de los 3 años y con un tiempo medio de juego para cada partida de 10 minutos.

2.- Virus!

Otra de las alternativas más interesantes dentro de los juegos de mesa. Se trata de un juego en el que el objetivo es conseguir un cuerpo libre de virus tras la proliferación de los mismos en un hospital. Para ello debemos incorporar órganos sanos y al mismo tiempo infectar los del resto de jugadores. Un juego muy divertido para entre 2 y 6 jugadores con una duración de 20 minutos y al que pueden jugar niños a partir de los 8 años.

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3.- Story Cubes – Hora de Aventuras

Hora de Aventuras es una de las series de animación más originales y creativas de la historia. Cuenta con un universo rico y que de hecho contribuye a estimular la imaginación de pequeños y grandes. Tanto es así que cuenta con un juego de dados a la altura de dicha creatividad. En concreto, es un juego de dados en el que el objetivo es contar una historia con sus protagonistas.

Nosotros mismos tomamos las riendas de los destinos de ellos y vamos elaborando una historia donde quien gana es básicamente el más creativo. Otra ventaja con la que cuenta es que es un juego en el que puede jugar una sola persona, por lo que es ideal también si tienes pensado realizar un viaje solo y quieres amenizar cualquier rato libre. Pueden participar hasta 6 jugadores y la duración dependerá de tu capacidad creativa.

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4.- Los hombres lobo de Castonegro

Este juego podría catalogarse como ideal para esas noches de verano en las que se busca un punto de misterio. Es un juego de una dinámica sencilla en el que sin embargo la diversión y la emoción aparecen a raudales. El narrador nos introduce al principio en la atmósfera de un pueblo atacado por hombres lobo a los que todos los jugadores menos uno deben intentar exterminar.

En el caso del hombre lobo su propósito es eliminar a todos los aldeanos. Se reparten varios personajes entre los que hay una niña, una bruja, un ladrón y una vidente entre otros. Un juego para 8 jugadores a partir de los 10 años con unos 30 minutos de duración. Puedes encontrar juegos similares aquí, grandes juegos para disfrutarlos junto a tus amigos.

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5.- Colonos de Catán

Como no podía ser de otra manera, no podía faltar entre nuestras propuestas para este verano el Colonos de Catán. Es la alternativa más popular prácticamente desde su aparición y por ello y por la gran diversión que genera es por lo que ha vendido millones de copias en todo el mundo. Nos ponemos en la piel de unos colonos que deben conquistar el terreno colocando aldeas, caminos y ciudades que deben construir gestionando sus recursos. Es el padre de los llamados Eurogames y está indicado para entre 3 y 4 jugadores a partir de 10 años y tiene una duración de unos 75 minutos por partida.

Un saludo y sed felices.

Crítica de John Wick 3: Parabellum

Cuando en 2014 se estrenó John Wick, lo hizo de forma discreta: llegó directamente a DVD en la mayor parte de países donde se distribuía, con escasas aspiraciones a convertirse en algo más allá de una película de acción minoritaria; el boca-oreja hizo el resto. Ahora, ya como fenómeno de masas, John Wick es otra cosa y a la vez exactamente la misma: la capacidad de la (por ahora) trilogía para reinventarse haciendo exactamente lo mismo película tras película ha dado como resultado una tercera entrega que –de nuevo– se convierte en su propio nuevo hito.

El más-grande-todavía

critica John Wick 3 análisis review

La clave del éxito de la saga John Wick reside en ampliar sus posibilidades sin perder su esencia: coreografías rapidísimas, ágiles, milimétricamente preparadas y ejecutadas una y otra vez para conseguir la fluidez incluso (y sobre todo) en los planos más largos. John Wick (y el nombre de la saga no hace más que indicar esto) pone el acento en los personajes, en lo físico: con un montaje más lento, extendiendo algunos planos (véase la pelea final) hasta la extenuación casi física por lo constante de las coreografías, se diferencia del resto de películas de acción en las que el montaje acelerado, confuso, elimina la atención de los actores para evitar descubrir la falsedad de cada golpe. Es precisamente la capacidad de Keanu Reeves para sobrellevar cualquier desafío físico o coreográfico lo que hace de la saga única en su tiempo, acercándola a otras etapas del cine de acción de protagonistas con marcada presencia física y gimnástica –principalmente todo lo que triunfó antes de la hipersaturación de efectos visuales de la era Matrix. John Wick es imaginación, creatividad para poder extender las escenas de acción hasta el infinito introduciendo suficientes puntos de giro para mantener la variedad y la atención del espectador. Es también capacidad para narrar a través de lo puramente físico: mientras que en la segunda entrega, conocida en España como Pacto de Sangre, se hacía hincapié en desarrollar el particular microcosmos de asesinos en que se desarrollan las nuevas tramas, en esta tercera entrega se vuelve a la sencillez de comunicar tanto como es necesario saber de los personajes a través de la fisicidad de sus momentos en pantalla. Evitando el diálogo innecesario, la exposición redundante, vacía y estúpida que viene caracterizando a las películas de acción de masas durante demasiado tiempo, consigue alcanzar la categoría de película de acción pura: la trama no es una excusa para poder insertar escenas de acción –las mismas que hacen al espectador medio acudir al cine en primer lugar– sino que la trama es, de facto, la acción.

John Wick 3: Parabellum es la culminación de una propuesta suficientemente atractiva para conseguir llegar a lo más alto sin contar con los medios más avanzados. La acción personal, directa, nítida, viene esta vez (directamente relacionada con los medios económicos de los que ahora disponen) acompañada de mayor capacidad de interactuar también con los entornos: la destrucción constante y apabullante de los escenarios sirve esta vez un propósito narrativo dentro de cada secuencia, construyendo diferentes metas que hacen a cada pelea distinta de la anterior. Y no me refiero tanto a la obvia capacidad de sacarse de la chistera nuevas formas de combate (a caballo, con espadas, con perros… con libros), sino también a la necesidad del protagonista de adaptarse a entornos como las cristaleras que acaban por transformar el estilo de combate en uno más cauteloso, pausado, con explosiones de violencia prolongadas que lo acercan al cine japonés del que parece beber más que nunca. John Wick 3 es el culmen mejorado y ampliado del cine de acción americano moderno –al menos de aquel que reniega del espectáculo visual desproporcionado y alejado del personaje– y a la vez tiene mucho de otra época. No cabe más que agradecer la posibilidad de tener en cartelera, y con una distribución tan amplia, una de las mejores propuestas de acción de los últimos años.

Cómics. La lista de la compra del mes de Junio de 2019

Un mes más te doy la bienvenida a la sección de La lista de la compra para este mes de Junio de 2019. En esta ocasión no estoy muy inspirado en la introducción, así que lo de siempre, desear que la misma te sirva de ayuda para decidir qué comprar este mes. Cualquier valoración acerca del material recomendado y comentado, así como las sugerencias que quieras, ¡a comentarios! ¡Muchas Gracias y un saludo!


Sofía Ricarte

1) Marvel Omnibus. Masacre de Gerry Duggan 1. Panini Cómics. 35,00 eurosWade Wilson debe derrotar a un ejército de presidentes muertos. Y, a partir de aquí, hablamos. Ya sabéis que, al contrario de mis compañeros, yo paso de recomendaros autores, ciclos o personajes por su calidad. No. Yo solo os recomiendo cosas que yo misma podría disfrutar, y por eso os traigo una etapa de Deadpool/Masacre en la que se enfrenta a un ejercito de presidentes muertos. Y eso solo es el principio. Si no queréis perderos unas risas, no dejéis de comprarlo. No seáis furros.

Cosas Felices Masacre

2) Mis Héroes Siempre Han Sido Yonquis. Panini Cómics. 13,00 euros. Os reconozco que la única razón por la que me interesé por este tomo es porque me sentí muy identificada con el título. Drogas, romance, misterio y viejas glorias del rock and roll se entremezclan en este título. Ellie, que responde al modelo de personaje atormentado con un pasado complicado, que se sienta cómoda con su situación de yonki en (no muy efectiva) desintoxicación. Un guión intimista y un dibujo encantador. Imprescindible.

Cosas Felices Heroes Yonkis

3) Luno. ECC Ediciones. 7,95 euros. Luno nos sitúa en una pequeña aldea europea, a la que llegan algunos visitantes. Un manga autoconlcusivo sobre el autodescubrimiento, cadáveres que desaparecen y misterio sobrenatural, que explora la relación entre Geete y Tete. Una sorpresa en las novedades editoriales de este mes que yo, desde luego, no voy a dejar pasar. Y vosotros tampoco deberíais.

Cosas Felices Luno


Adrián De La Fuente

1) Conan – La Leyenda – Nº01 /12. Planeta Cómic. 18,95 euros. Cuando Dark Horse se hizo con los derechos de Conan saltó por los aires aquello de que no había nada bueno del personaje más allá de Marvel. La clave fue el equipo creativo, unos inspirados Kurt Busiek y Cary Nord que fueron capaces de reinterpretar al bárbaro para las nuevas generaciones. Un material que, en calidad, se codea con las mejores etapas del Conan de Marvel. Este tomo es el inicio de una nueva edad dorada de personaje. Así que si no pudiste disfrutarlo en grapa en su momento, esta es una gran oportunidad de recuperar el tiempo perdido.

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2) Escuadrón Suicida de John Ostrander. Vol. 5. ECC Cómics. 38,50 euros. A estas alturas te imagino ya enganchado a una de las mejores cabeceras de la DC post Crisis. Pero, para los despistados, no me canso de recomedarla. John Ostrander, ayudado por Kim Yale, continúa combinando intriga política con misticismo y ciencia ficción de forma admirable, en un entorno, el de los villanos del Universo DC, donde todo es posible dado el carácter ambigüo de sus integrantes. Si bien, en este tomo habrá un importante cambio en el status quo del grupo y se terminará de presenta a un personaje que hasta ahora había permanecido en las sombras. ¿Os suena Oráculo?, uno de los principales personajes de la Bat Family en los 90, pues tuvo su bautismo de fuego en estas páginas. Es cierto que se echa de menos un dibujante fijo pero ninguno de los que ayudan a Luke McDonnel se desvían de su estilo, seña de identidad de esta colección. ¿En serio que alguien no se la está comprando todavía?

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Jose Carlos García

1) Blue Note. Los últimos días de la Ley Seca. Norma Editorial. 29,95 euros. Esta historia narra los últimos días en la época de la Ley Seca, lo que supone el fin de una época de clandestinidad y proliferación de bandas mafiosas lucrándose con el contrabando de alcohol entre otras cosas. Siendo así, ¿qué pasará cuando se aproxime el final de esa situación? Los caminos de un joven e ingenuo guitarrista y un endeudado boxeador convergerán en esta historia, viéndose envueltos por los últimos coletazos de las bandas criminales que se niegan a dejar de reinar como lo hacen.

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2) 100% Marvel HC: Spiderman vs Mysterio. Panini Cómics. 22,00 euros. Ante la inminencia del estreno de la próxima película del trepamuros, en la cual aparecerá el amo de las ilusiones y los efectos especiales, Panini saca este tomo en el cual podréis disfrutar de algunas de las mejores aventuras y enfrentamientos entre ambos personajes. Podréis encontrar historias de autores clásicos como Stan Lee, Tom DeFalco y John Romita Sr., pero también de otros más modernos como Dan Slott, Lee Weeks, o Marcos Martín. Una gran oportunidad para disfrutar de uno de los villanos de Spiderman más enigmáticos y misteriosos.

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3) Marvel Saga. El inmortal Puño de Hierro 6. Panini Cómics. 20,00 euros. Aquí está el último Marvel Saga dedicado a Puño de Hierro, con el cual se cierra la colección. En esta ocasión, el tomo está dedicado a todas y cada una de las otras armas inmortales con las cuales Danny Rand ha combatido a lo largo de tomos anteriores. Es una buena oportunidad de que conozcáis mucho más sobre cada uno de estos personajes mientras vive aventuras en solitario. Si habéis estado siguiendo este coleccionable, dadle una oportunidad a este colofón final. 

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Pedro Pérez

1) Conan – La Leyenda – Nº01 /12. Planeta Cómic. 18,95 euros. Primer intergral (de cuatro) dedicado a recopilar la primera colección de Conan en Dark Horse, una cabecera que contó con los eficaces guiones de Kurt Busiek y el magnifíco dibujo de Cary Nord. Una colección que, con el tiempo, se ha convertido en mítica y que supuso el inicio de una nueva edad de oro para los cómics del cimmerio, ganando en crudeza y alejándose del tono marvelita que le había caracterizado en su anterior etapa.

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2) Conan Rey (Integral) 1. Planeta Cómic. 35,00 euros. La editorial Planeta está empeñada en meternos a Conan hasta en la sopa y nosotros encantados. Este mismo mes se inicia la publicación en formato integral de Conan Rey, la otra serie del bárbaro en Marvel a cargo de los míticos Roy Thomas y John Buscema. Un Clásico con mayúsculas que nadie puede perderse.

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Juanjo Avilés

1) El Batman que ríe 01 (de 7). ECC Cómics. 2,75 euros. Scott Snyder regresa a Batman para contarnos el enfrentamiento del Caballero Oscuro contra su más macabra contrapartida: El Batman que ríe, un personaje que es una mezcla entre el propio Batman y el Joker. Snyder presentó a este personaje en Dark Metal y ahora vuelve a utilizarlo en esta serie limitada en la que tenemos varios Bruce Wayne asesinados, otra versión oscura de Batman (ahora usando armas de fuego y con una actitud al más puro estilo Punisher) y un gran misterio que resolver. El español Jock es el dibujante, con un estilo sucio y oscuro, muy cercano al terror, que le viene como anillo al dedo al guion de Snyder. Y como colofón, uno gran Cliffhanger para uno de los mejores cómics que he leído en mucho tiempo.

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2) La Era de Hombre-X: Alfa. Panini Cómics. 2,95 euros. Este especial nos presenta un nuevo evento mutante que nos traslada a una realidad alternativa en la que los mutantes han conseguido triunfar sobre todo y se vive en un mundo feliz en el que el sueño de Xavier de la convivencia pacífica entre humanos y homo-superiores es un hecho. Pero esta felicidad tiene un costo que no todo el mundo quiere pagar. Los encargados de traernos esta vuelta de tuerca de la mítica Era de Apocalipsis son Zac Thompson y Lonnie Nadler en los guiones y Ramón Rosanas a los lápices. Si te gustan los mutantes y las realidades alternativas en las que no es oro todo lo que reluce este es tu cómic.

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3) Los Vengadores: Sin Camino De Vuelta  1. Panini Cómics. 3,50 euros. Los guionista Mark Waid y Al Ewing son los encargados de esta secuela de “Sin rendición” en la que los personajes de dicha serie vuelven a reunirse otra vez para hacer frente a una nueva amenaza cósmica. El sabor clásico de las aventuras de los Héroes más Poderosos de la Tierra vuelve a llenar las páginas de un cómic que quiere hacernos pasar un buen rato sin mayores pretensiones. Los dibujos de Paco Medina y Jim Zub subrayan el corte clásico del relato, sin desentonar en ningún momento.

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Un saludo y sed felices.

Análisis de Doom Patrol (La Patrulla Condenada). Temporada 1. Capítulo 15. Fin de Temporada

Introducción

¡LLegamos al final amiga o amigo de lo extravagante!, con un último episodio en el que se abordan las consecuencias de la revelación del episodio anterior sin que, por ello, terminen las sorpresas. Además, Mr. Nobody trata de dar su golpe definitivo. Antes de empezar quiero recordar, a quien no haya visto todavía la serie, que, en España, se estrenará este miércoles, 5 de junio, en HBO. Sin más preámbulos empiezo.

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Las revelaciones de Niles Caulder

El capítulo se inicia en el punto donde se dejó, con Niles Caulder revelando a la Doom Patrol que él es el responsable de todo lo que les ha pasado. El motivo de esta cuestionable forma de actuar es que El Jefe buscaba obtener la inmortalidad que ellos poseían. La búsqueda de la inmortalidad fue una constante en este personaje en las viñetas, desde que recibiera fondos para trabajar en un componente químico que posibilitara prolongar la vida. Cuando descubrió que su benefactor era el villano General Inmortus Niles se negó a seguir trabajando para él y el enfrentamiento con el mismo acabaría con la movilidad de sus piernas. Esta trágica experiencia moldeó el carácter de Caulder y le llevó a defender que sólo se puede obtener la grandeza superando experiencias trágicas. El guionista Grant Morrison retorcería esta filosofía hasta el punto de hacer al Jefe responsable de los accidentes del resto de los integrantes de La Patrulla Condenada. Lo cual se muestra en este capítulo a través de una serie de flashbacks.

Como vemos la reinterpretación del personaje en esta serie es menos mezquina ya que justifica sus acciones por su hija, Dorothy. Suponemos que se trata de Dorothy Spinner, sin ninguna relación con Niles Caulder en los tebeos, más allá de ser un miembro de La Patrulla Condenada. Dorothy Spinner fue creada por Paul Kupperberg, Erik Larsen y Jim Sanders III en Doom Patrol vol. 2 #14 (1988) como una adolescente con la habilidad de materializar los miedos de su subconsciente. Dado que su rostro deformado recordaba al de un mono es probable que, en próximas temporadas, se diga que su madre era Slava, la mujer primitiva presentada en el episodio 10.

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Tras dichas revelaciones de Niles Caulder Mr. Nobody logra su venganza contra él y los expulsa a todos del Espacio en Blanco.

El último asalto

Seis meses después de lo ocurrido en el Espacio en Blanco observamos a nuestros protagonistas tratando de rehacer su vida. Rita y Larry llevan una vida en común. Ella dando clases de interpretación y él tratando de entender mejor al Espíritu Negativo para conseguir que ambos puedan vivir de forma independiente. En lo que respecta a Jane, esta trata de acallar las voces de sus otras personalidades por medio de una droga que le facilita Joshua. Pese al lamentable estado en que esa sustancia la deja, Cliff no la abandona procurando llevarle comida al lugar donde reside ahora, la furgoneta de La Patrulla Condenada. En lo que respecta a Víctor, no deja de tener pesadillas en las que ve muertos a todos sus compañeros.

En el Espacio en Blanco Mr. Nobody está celebrando su victoria hasta que una crítica sobre la serie lo saca de sus casillas y decide atacar a la única persona que ama a Niles Caulder en ese momento, su hija Dorothy. Para ello se sirve de los «simpáticos» animalitos conocidos como la cucaracha Ezekiel y el Almirante Bigotes, vistos en episodios anteriores. De ahí el título de este capítulo, Ezekiel Patrol, La Patrulla Ezequiel, en honor a uno de estos bichitos, que, además, pretende acabar con el mundo. Lo típico que podemos ver en la Doom Patrol.

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Esto obligará a Caulder a pedir ayuda al resto de nuestros protagonistas, los cuales se la proporcionarán no tanto por él sino por su hija y por Danny La Calle quien, en tanto que protectora de Dorothy también corre peligro. Pese a todos los engaños y sufrimientos o debido a ellos La patrulla sigue conservando ese sentimiento de hermandad que, a lo largo de la serie, hemos podido ver como a evolucionado al heroísmo que vemos ahora.

Doom Patrol

El caso es que, para rescatar a sus amigos, La Patrulla Condenada deberán introducirse en un cuadro en el que están prisioneros, lo que recuerda a uno de los planes que ya elaborará el villano en los cómics con una pintura de por medio ya que Morrison había vinculado a Nobody con el movimiento cultural y artístico conocido como Dadaísmo.

Una vez dentro del cuadro, nuestros héroes descubren que Flex ha puesto a todos los habitantes de Danny a salvo y que Mr. Nobody ha perdido el control sobre sus criaturas por culpa de la hija de Niles. Pero eso no desanimará a La Patrulla que, gracias a un plan de Cyborg consiguen rescatar tanto a Dorothy como a Danny, quedando Nobody y el Cazador de Barbas -delator del paradero de Dorothy a Nobody– atrapados en el cuadro.

Valoración

Es cierto que el plan de Cyborg es algo disparatado, pero ¡es la Doom Patrol, la serie de lo disparatado! También es cierto que me habría gustado que se le hubiera dado a Rita sus habilidades para alterar de tamaño y no tirar tanto a poderes más afines a Clayface. Por no decir que hubiera sido más interesante el trasfondo artístico que Morrison le daba a Mr. Nobody más allá del de villano obsesionado por la venganza, que acaba autoderrotándose ante la incapacidad de vivir más allá de la misma. Pero aún con esas cuestiones comentadas ya puedo decir que, en mi modesto entender, esta serie se ha convertido en todo un ejemplo de cómo se ha de adaptar un cómic de superhéroes a la pequeña pantalla. Un producto bien planificado que, sin dejar de ser disfrutable para quienes no hayan leído Doom Patrol, hará las delicias de los lectores de la cabecera por sus continuos guiños a la misma. Un equilibrio que pocas veces se logra de forma satisfactoria. Aquí se puede decir que sí.

¡Eso ha sido todo, amiga o amigo de lo extravagante! Para mi ha sido un placer el haber comentado esta gran serie que espero que hayas disfrutado tanto como yo. Nos leemos en otros posts de Las cosas que nos hacen felices. Si te ha gustado este, ya sabes, ¡comenta y comparte! ¡Muchas Gracias!

 

Reseña de ´Ms. Marvel 9. Solo una noche´, colección 100% Marvel

Ms. Marvel (Kamala Khan) llega a los 50 entregas en su cabecera con este noveno tomo que nos trae Panini Cómics en España. Tenía muchas ganas de hablar de esta joven y exótica heroína, por lo que además de hablar sobre el cómics hablaré sobre el personaje el mensaje que aporta. Si no has leído nada sobre esta Ms. Marvel, lo más recomendable es que empieces por su primera colección, pero este tomo que os traemos hoy no es en absoluto una mala entrada para el personaje.

¿Quien es Kamala Khan?

Kamala Khan es una adolescente musulmana llamada residente en Jersey City, nacida en Estados Unidos pero de padres inmigrantes paquistaníes. Debido a la propagación de la Nieblas Terrigen en su ciudad y a un gen inhumano en Kamala, esta sufrió de terrigenesis y adquirió habilidades polimorfas. Debido a que era una gran fan de Carol Danvers y aprovechando que esta se cambió el nombre a Capitana Marvel, Kamala escogió Ms. Marvel como su nombre de heroína y protectora de Jersey City.

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Hasta aquí parece un origen típico de súperhéroe, pero la gracia de Kamala Khan, más allá de ser la primera heroína musulmana de marvel, es que es una chica adolescente normal de clase medio-baja que asiste a primer año de instituto. En los cómics de súperheroes normalmente tienen que enfrentarse a problemas complejos como a algún psicópata obsesionado con el fin del mundo, alguna fuerza cósmica maligna que quiere acabar con el universo y cosas de ese estilo. En el caso de Kamala Khan, aparte de lo que tiene que enfrentar como heroína, realmente lo que le da quebraderos de cabeza es su vida como adolescente, el toque de queda de su padre, no ofender a su familia con su comportamiento tan occidental o seguir siendo la misma persona con sus amigos y amigas. Kamala es imperfecta, mete la pata, tiene celos y tiene la madurez normal de una persona de su edad. En mi opinión este es uno de los grandes atractivos del personaje y debido a ello ha logrado que sus fans se sientan tan representados por ella. Su mensaje de «crecer apesta» es algo universal.

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Al leer Ms. Marvel pasas el día a día con Kamala: sabes lo que piensa, sus preocupaciones, sus agobios, algo muy del estilo spider-man. Normalmente no sabemos que hace Iron Man en el laboratorio o como es la vida familiar de Los 4 fantásticos. En cambio, Ms. Marvel empieza este cómic con una fiesta de pijama con sus amigas y tiene que organizarlo para que no parezca que en los momentos en los que está ausente se convierte en Ms. Marvel. A Kamala no se le da tan mal combatir el crimen como tener que gestionar que su mejor amigo está enamorado de ella o como hacer para no decepcionar y alejarse a sus seres queridos. Los nervios del primer beso, el no llegar a tiempo para entregar el trabajo de física…estos son problemas que la mayoría de personajes adultos no tienen enfrentarse, problemas del día a día que normalmente omiten porque lo importante es lo hacen cuando se ponen las mallas de superhéroe. Esa gran línea aparente entre una persona normal y un súper héroe es lo que hace bien Wilson en el guión, que en el caso de kamala nos da la sensación de ser finísima.

Kamala Khan como icono

G. Willow Wilson es una guionista convertida al Islam conocida por trabajar en el sello Vertigo (Cairo). Que la escritora conozca verdaderamente la cultura islámica es muy importante para dar credibilidad al personaje y no caer en tópicos. La mayoría de los artistas que dibujan el cómic también son musulmanes, no solo añadiendo diversidad, sino realismo y autenticidad a la obra. Kamala, por otro lado, está inspirada en la activista paquistaní Malala Yousafzai, quien recibió el Premio nobel de la Paz en 2014 a los 17 años. A su vez, mucho de las experiencias de Kamala están inspiradas en las propias experiencias de Sana Amanat, editora de Marvel, como paquistaní-estadouidense.

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Uso de Kamala Khan tapando mensajes contra el Islam en autobuses de San Francisco

Kamala Khan rompe con la tradición de súper héroe masculino blanco, y además de ser mujer tenemos a una chica adolescente de origen paquistaní y musulmana, una mujer que no lleva ropa ajustada de cuero ni altos tacones, de lo que ella misma dice que dice que no se siente cómoda, recurriendo a una recontextualización de su burkini para crear su indumentaria súperheróica. Con estos ingredientes más lo que os he hablado de ella anteriormente es normal que Kamala actualmente sea un icono contra el racismo y la islamofobia. Con Kamala podemos ver como es la vida de una familia paquistaní en Estados Unidos y como ella siendo una chica independiente y geek, a pesar de no estar siempre de acuerdo con el lado conservador de su religión, no deja de hacer referencias a su familia musulmana y a sus costumbres: su abuela Naani, a su padre Yusuf,  su madre Muneeba, a su hermano Aamir y a su cuñada Tiesha.

Una nueva vengadora para nuevos tiempos

Antes de que os comente mi opinión sobre los cómics de Ms. Marvel de Kamala Khan os voy a contar qué no es: este cómic no trata sobre súperheroes endiosados salvando al universo semana tras semana y viviendo en el anonimato. No es un cómic con un dibujo hiperrealista, no tiene giros de guión sorprendentes ni villanos ultrapoderosos. Kamala no es una gran líder ni siempre sabe qué decir y qué hacer en cada momento como muchos súperheroes. Por todo ello, esta Ms. Marvel merece la pena. El centro de todo es como Kamala Khan intenta ser una heroína sin que esto repercute en su vida privada, por lo que esto hace que esté más desarrollado su alter ego y las relaciones con su entorno; que las historias, villanos y su vida de súperhéroe.

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Conclusiones

Ms. Marvel está enfocado a un público juvenil, pero tratándolos de un modo más adulto y maduro de lo que normalmente encontramos en cómics juveniles, por lo que es lógico que guste a personas de cualquier edad. Es cierto que Ms. Marvel está lleno de cosas cuquis, pero el mensaje que aporta es de esperanza y respeto a las nuevas generaciones. El cómic es muy divertido, pero en todo momento es respetuoso con las creencias y religiones. El humor está adherente al guión y en el dibujo, que está lleno de detalles humorísticos de fondo. Ms. Marvel Sólo una noche es una colección fresca y divertida, aunque no hayas leído nada de Kamala Khan o Ms. Marvel anteriormente. Alguno de sus mejores momentos viene con los personajes invitados de otras colecciones, como Lobezno y los Inhumanos o Miles Morales en este tomo. No es recomendado para aquellas personas que busquen un cómic de súperhéroes clásico con historias sorprendentes, originales y un gran villano que quiere destruir el mundo. El dibujo gustará menos a los más clásicos, pero como dije anteriormente, es un dibujo que sienta muy bien a la colección, lleno de detalles y ocurrencias.

Ms. Marvel Tomo nº 09: Solo una noche está dentro de la colección 100% Marvel. Cómic encuadernado en rústica de 200 páginas que contiene Ms. Marvel Volume 4, números 31 al 38 USA. Este cómic supone la despedida de G. Willow Wilson, la creadora literaria de Ms. Marvel, coincidiendo con el quinto año de Kamala Khan en activo. Está disponible en el siguiente enlace.

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Tráiler de Le Mans ´66: Ford vs Ferrari con Christian Bale y Matt Damon

Ya está disponible el primer tráiler oficial de Le Mans ´66, la película basada en hechos reales que relata la rivalidad vivida entre Ford y Ferrari a mediados de los años 60. El diseñador americano de automóviles Carroll Shelby (Matt Damon) se embarcó en un increíble proyecto financiado por Henry Ford II, para que Ford derrotara a Ferrari en las 24 Horas de Le Mans, la carrera automovilística de resistencia más prestigiosa del mundo y que reúne a pilotos de todo el mundo. Para esto, fichó al extrovertido piloto británico Ken Miles (Christian Bale), que correría con el Ford GT40 diseñado por el propio Shelvy y formó el equipo Shelby American.

El tráiler me ha convencido, y hemos podido ver algo del carisma que desprende Christian Bale, que estará acompañado por otra estrella: Matt Damon. La película estará dirigida por James Mangold, responsable de cintas como Logan (2017), Lobezno Inmortal (2013), El tren de las 3:10 y En la cuerda floja (2005). 

Se centra en un excéntrico y decidido equipo americano de ingenieros y diseñadores, liderados por el visionario automovilístico Carroll Shelby (Damon) y su conductor británico Ken Miles (Bale). Henry Ford II y Lee Iacocca les dan la misión de construir desde cero un nuevo automóvil con el fin de derrocar el dominio de Ferrari en el Campeonato del Mundo de Le Mans de 1966.

La perfección: un inquietante thriller de Netflix

La perfección ha llegado recientemente a la plataforma Netflix. Esta cinta cuenta con profesionales como su director Richard Shepard, algo desconocido pero con una amplia experiencia en series de televisión, y su actriz protagonista Allison Williams, conocida por interpretar a la novia del personaje principal en Déjame salir, de Jordan Peele. No son precisamente de grandes estrellas, pero la premisa interesante de este filme y la solidez profesional de sus responsables basta para crear interés en este curioso producto. Las películas originales de Netflix siguen teniendo muy mala fama entre los cinéfilos, por buenas razones, pero están realizando esfuerzos para aportarles un barniz de respetabilidad, con la oscarizada Roma como el exponente más claro de ello. ¿Cumple La perfección con las expectativas o se queda a medio camino? Aquí te lo contamos.

Un mundo muy competitivo

La protagonista fue en el pasado una alumna de violonchelo ejemplar, bajo la tutela de un estricto profesor que la llevó a lo más alto que podía aspirar dentro de su profesión, teniendo en cuenta su juventud. Sin embargo, cuando su madre cayó gravemente enferma hace ya una década, decidió abandonar este aprendizaje para cuidar de ella… y, así, acabó perdiendo la oportunidad de desarrollarse profesionalmente en este entorno tan exigente. A pesar de ello, se mantiene en contacto con el entorno donde se desarrolló como música, lo que le lleva a un concurso en China donde tendrá que enfrentarse a sus antiguos miedos.

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Allí, se encontrará con la nueva alumna prodigio del profesor, tan obsesionada como lo estuvo ella en alcanzar el mayor grado de virtuosidad posible. Congeniarán enseguida y florecerá un romance entre ambas, pero pronto surgirán también los celos. Sin embargo, este es solo el comienzo de una trama que contiene muchos giros inesperados, y en el que la competitividad de este entorno se acaba tornando cada vez más siniestra, en una carrera por alcanzar la perfección.

Inesperada e inclasificable

Resulta difícil hablar del argumento sin desvelar ninguno de sus desarrollos más sorprendentes, ya que los giros de guión son constantes, y en ocasiones alteran por completo la percepción que teníamos hasta el momento de este largometraje. Baste decir que quien espere encontrarse con Cisne Negro de nuevo hallará innegables similitudes, pero que esta película juega a algo muy distinto, con virajes muy bruscos entre géneros que a veces no terminan de funcionar del todo. Si tuviera que clasificarla de algún modo, sería como thriller de terror, con sus componentes de horror psicológico pero también visceral.

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¿Cómo llegamos desde un comienzo relativamente inocente hasta esto? En primer lugar, porque el planteamiento nunca fue inocente. De vez en cuando, somos capaces de percibir destellos que nos confirman que hay algo que no va bien, que el misterio de este argumento va más allá de una simple historia de viejas glorias. El punto de inflexión sucede durante una larga secuencia entre el primer y el segundo acto, que cualquiera que haya visto La perfección destacará como la más impactante de la experiencia. Es aquí cuando comprobamos la capacidad de esta película para perturbar y sorprender. Avisamos: no es apta para los estómagos sensibles.

Un crescendo frustrado

Después de este devastador giro de tuerca, la cinta todavía se guarda un par de ases bajo la manga, pero no vuelve a reflejar esta crudeza tan descarnada, y algunos de los intentos de gore del final provocan más risa que repugnancia. En este sentido, al clímax de este largometraje le perjudica la comparación con su segundo tramo y la escasa profundidad que se les aporta a los personajes en estos noventa minutos, además. Teniendo en cuenta su conclusión final y el tono desenfadado que adquiere en el tercer acto, este producto parece una versión extendida de un capítulo de Historias de la Cripta o de The Twilight Zone más que una película.

Precisamente, el director ya se ha encargado de un episodio de esta última antología, cuyo remake corre a cargo de, sorprendentemente, Jordan Peele. Este nexo común que une a los dos rostros más visibles de este proyecto nos lo confirma: La perfección no pretende ser una disección de la sociedad competitiva en la que vivimos, ni siquiera alcanzar las cotas de calidad de Déjame salir o de la serie original de Rod Serling. Se trata de una simple historia de intriga y miedo con momentos de brillantez pero que no recordaremos al día siguiente. No ha alcanzado, desde luego, la perfección.

Siete Supermanes malvados de los que disfrutar si te gustó El hijo

La película El hijo ha supuesto una agradable sorpresa, sobre todo por su idea de presentar a un “Superman” malvado y las consecuencias que esto podría tener. Pero esta no es la primera vez que hemos podido ver a un Hombre de Acero en el bando de los villanos. En los cómics hay varios ejemplos que vamos a resumir a continuación.

UNIVERSOS ALTERNATIVOS

Superman: Hijo Rojo

En este genial cómic escrito por Mark Millar e ilustrado por Dave Johnson presenta un universo alternativo donde la nave de Superman se estrella en la Unión Soviética y este acaba convirtiéndose en una personalización de los ideales estalinistas. Superman acaba convencido de que lo mejor es que él se haga con el control del mundo dando como resultado una suerte de distopía orwelliana con un final de funestas consecuencias.

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Superman: Injustice

Injustice es una maxiserie de Tom Taylor basada en un popular videojuego en el que el Joker destruye Metropolis, acabando de paso con una embarazada Lois Lane. Superman decide romper su regla de no matar y acaba con el Joker para luego tomar las riendas de nuestro planeta con las mejores intenciones (igual que en Hijo Rojo). Pero ya sabemos todo que el camino al infierno está empedrado de buenas intenciones y el gobierno del Hombre de Acero acaba convirtiéndose en un estricto régimen totalitario. Batman se opone a este nuevo régimen dando lugar a un conflicto mundial entre el bando de los que apoyan al Hombre de Acero y los que están del lado del Señor de la Noche.

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Superman: El Lado Oscuro

En esta historia de John Francis Moore y Kieron Dwyer, el cohete que salvó a Kal-El de la destrucción de Krypton aterriza en Apokolips. Superman se convierte en un fiel acólito de Darkseid en la guerra contra Nueva Génesis pero la contienda se traslada a la Tierra dónde el personaje acaba descubriendo su héroe interior librándose del yugo de su amo.

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CONTINUIDAD OFICIAL DEL UNIVERSO DC

Ultraman

En dos casos anteriores estamos ante historias alternativas alejadas de la continuidad oficial del Universo DC. Pero esta continuidad también tiene algún ejemplo de Superman malvado. El más conocido es Ultraman, una contrapartida perversa del Hombre de Acero que tiene su origen en Tierra-3, hogar del Sindicato del Crimen. Dicho grupo no es más que una versión maligna de los miembros de la Liga de la Justicia en la que además de la de Superman, podemos encontrar contrapartidas de Batman, Wonder Woman, Flash o Green Lantern.

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Superman Ciborg

Este personaje apareció por primera vez en la saga El Reinado de los Superhombres que siguió la muerte de Superman. En ese momento aparecieron cuatro versiones del Hombre de Acero clamando todas ellas ser el verdadero. Según la continuidad actual del Universo DC, Superman Ciborg es realmente Zor-El (padre de Supergirl). Brainiac recogió los restos de su cuerpo después de la destrucción de Krypton y lo convirtió en un ser que es parte máquina y parte Kryptoniano (este origen es bastante diferente del que tuvo al principio). Con el tiempo ha acabado convirtiéndose en un gran villano: destruyó Coast City (hogar de Hal Jordan), fue heraldo de Darkside, líder de los Manhunters y miembro de los Sinestro Corps.

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Superboy-Prime / Superman-Prime

Este personaje es originario de Tierra-Prime, una tierra alternativa dónde no los personajes DC sólo existen en los cómic. Pero este joven Clark Kent acaba descubriendo que tiene los poderes de Superman, convirtiéndose en una nueva versión de Superboy que el Superman oficial recluta para ayudar en la mítica Crisis en Tierras Infinitas, donde el multiverso acaba destruido dando como resultado una tierra única, sin más versiones alternativas. Superboy-Prime se sacrifica y acaba varado en una solitaria dimensión donde enloquece hasta convertirse en uno de los villanos más poderosos del Universo DC, jugando un importantísimo papel en Crisis Infinita y luego en la Guerra de los Siniestro Corps. Posteriormente aparecerá ya como Superman adulto en las sagas Cuenta Atrás a Crisis final, Crisis Final: Legión de 3 Mundos o La Noche más Oscura.

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MÁS ALLÁ DE DC CÓMICS

Irredemable

En esta recomendable serie de Mark Waid y Peter Krause y Diego Barreto se nos presenta al Plutoniano, un sosias de Superman que después de muchos años de ser el principal superhéroe de su mundo entra en una vorágine de destrucción y asesinatos en masa nunca vista. Se ha cansado de oír ciertas burlas, de algunos comportamientos y de que no se le valore cómo él cree que debe hacerse. Es un dios entre mortales que está muy enfadado y el mundo lo va a pagar. Al estar publicado en una editorial independiente el nivel de violencia y sadismo de este cómic es más alto del que estamos acostumbrados (igual que en la película El hijo).

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Estos son solo algunos ejemplos de Supermanes malvados de los que podemos disfrutar si tenemos un día algo perverso. Hay que reconocerlo, a todos nos gusta un gran villano y ¿puede haber algún malvado más grande que el propio Superman? Seguro que a vosotros se os ocurren alguna otra versión oscura del Hombre de Acero. Si es así, no dudéis en dejarnos un comentario.

El eterno retorno al fin del juego

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Con el estreno de la última película de Los Vengadores (de la que hemos hablado aquí) hemos podido ver durante semanas muchas esperanzas. Han sido habituales en las redes sociales muchos escritos sobre lo esperada que es la película, sobre apuestas sobre qué va a pasar y a saber cuántos memes sobre ella. Hasta aquí lo más o menos normal. Pero hemos tenido algo más. Tras años y años de películas del universo de Marvel hay una sensación de fin de ciclo. De fin de una época. El propio título de la película lo deja más o menos claro: fin de juego.

No han sido pocos los que esperaban esta película como algo casi generacional. Tras 22 películas y tantos años hay un cierre. Un punto final. Habrá más historias, pero aquí se acaban muchas. Se han podido leer críticas anticipadas hablando de uno de los momentos más importantes de la historia del cine. Entre las razones que se han dado destaca la de que se ha llevado al cine la forma de contar las cosas de los cómics de superhéroes, con su formato folletinesco o de culebrón. En ese sentido es un gran final de los cómics y su lenguaje (con sus recursos de personajes llevados a última hora pero estando previsto desde siempre más o menos como la Capitana Marvel) al cine.

Hay quien considera tanta emoción y escritos épicos un poco ridículos, hay quién defiende a capa y espada los aplausos trascendentes a este final. No queremos ponernos en el clásico punto medio para parecer adultos y sofisticados ni situarnos en el puesto del árbitro, al que todo el mundo odia. Más bien queremos hablar de precisamente este fin de juego que tantas veces hemos experimentado antes y que en el futuro los que vengan detrás volverán a experimentar.

Esta sensación es más o menos la misma siempre. Uno pasa horas de su vida no sólo viendo esa serie de películas, jugando a esa saga de videojuegos o demás, no, es que la cantidad de horas que está viendolo/jugándolo se suma a la cantidad de tiempo hablando de ello, haciendo chistes, imaginando cosas, buscando tres pies al gato de los argumentos y mucho más. Todo eso pasa en una vida, la nuestra, la principal. Al final todas estas sagas exitosas consiguen que invertamos tanto tiempo en ellas que forman parte del ambiente de nuestra historia vital. La generación de mis padres recuerda donde estaban y qué hacían el 23-F o cuando fueron a ver Doctor Zhivago, la mía recordará siempre por desgracia el 11-M o los estrenos de El Señor de los Anillos o Matrix. Te acuerdas de con quién fuiste al cine, qué pasaba en tu vida en esos momentos, con quien salías o no, si estudiabas o trabajabas…la película o videojuego soñados se convierte en un faro en tu memoria que alumbra a toda una época de tu vida.

Es por eso que, al final, defendemos tanto las aficiones o juegos o equipos de fútbol de nuestra juventud. Al final los espectáculos de la gente defendiendo que la película de Los Vengadores, El Retorno del Rey o demás son la cima de la creación humana no son otra cosa que la gente defendiendo su narrativa vital. Su vida. El cómo se cuentan su vida. Todos nos creemos protagonistas y nos contamos las cosas a nosotros mismos poniéndonos en el centro. Y de entre las cosas trascendentes de nuestras vidas, nuestros amores, nuestros logros y nuestras penas están las películas, aquel concierto, el gol de Iniesta o el Zidane, que son las que estaban de fondo explicándonos qué pasaba en el decorado de la obra que es nuestra vida.

Todo el horror ante los famosos spoilers, la histeria de la gente por ir la primera a conocer cómo acaba todo y muchas cosas más de estos días, y que veremos en las próximas semanas con Juego de Tronos también, en realidad vienen desde siempre. Hay testimonios que cosas muy parecidas pasaban con las novelas folletinescas de Dumas, como recordaba un amigo andaluz. Gente que provoca tumultos creyendo que en unos cajones están los libros. Gente que amenaza de muerte a Conan Doyle por matar a Sherlock Holmes y que le pide que le resuciten: realmente lo de las turbas de Twitter reclamando que quiten o metan cosas en videojuegos ya hechos no es nada nuevo. Es posible que como especie nos encante la lógica folletinesca, las cosas por entregas, las tramas enrevesadas de amoríos, escándalos en la corte, giros de guión inesperado, malos de opereta y tragarnos montones de momentos aburridos para llegar el siguiente momento impactante. Y que los que se dedican al negocio de vender productos culturales siempre lo han sabido. Nos encantan los culebrones. De plantaciones y gente venezolana, de gente con mallas y superpoderes, de mosqueteros y reyes o de madres de dragones y enanos supercultos.

En resumen, todas las discusiones sobre lo excepcional de este final de esta serie de películas de Marvel no es más que la repetición de lo que ha pasado ya muchísimas veces y que seguirá pasando en las siguientes cosas folletinescas del futuro. También ellos creerán que es la culminación del arte, con sus agoreros que dirán que no es para tanto y que en sus tiempos, je, el folletin en cuestión de su juventud sí que era el bueno. Y al final dará igual: sólo es cuestión de darse cuenta de que es algo que repetimos y repetiremos siempre. Hay que alegrarse de que otra generación tiene sus referentes de cultura pop propios con los que ha disfrutado y con los que se explicará, en parte, su propia vida. Como nos pasó a nosotros. Como les pasará a los siguientes.

Sed felices.

Análisis de Capa y Puñal (Cloak and Dagger). Temporada 2. Capítulo 8

¡Hola, amigos! Bienvenidos al análisis del octavo capítulo de esta serie adolescente de Marvel, donde el título del mismo es Two Player (Dos Jugadores). Nuestros héroes preferidos siguen protegiendo las calles de Nueva Orleans.

Two Player nos muestra como Tandy está dispuesta a salvar a Tyrone, al igual que Evita, pero esta debe pagar un costo muy alto si quiere volver a ver a su amado. O’Reilly y Caos, se vuelven a encontrar y toman una decisión muy importante para ambas.

Pincha aquí para ver el análisis de los capítulos anteriores

Es hora de jugar

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Tandy, al no saber cómo rescatar a Tyrone que está tendido en el suelo de la iglesia tapado por un manto negro de oscuridad, llama a Evita y O’Reilly para que la ayuden. La novia de Ty llega a la conclusión que ha quedado atrapado en la dimensión oscura, dibujan un Veve de Papa Legba, pero sin resultado alguno. Tandy muy decidida a salvar a su fiel amigo salta hacia las sombras junto a la Brigid, donde son absorbidas y transportadas.

Estando dentro de la oscuridad son recibidas por Papa Legba que les pide algo a cambio para continuar. En este caso no es la daga de luz de la joven, el costo es menor, solo un chocolate. Cumpliendo con el precio de la entrada las chicas son separadas a diferentes lugares, cada una debe hacer su propio camino. Tandy es llevada a una sala de juegos donde está el Barón Samedi, este le dice que solo dejará ir a Tyrone si lo vencen en su videojuego y convence a Ty de marcharse.

Capa y Puñal se adentran en un juego de arcade donde van pasando nivel tras nivel, hasta llegar al final donde el gran enfrentamiento es contra Andre, en este caso, en la versión que lo vemos en los cómics, D’spayre. Tandy al no poder pelear sale del juego, lo que provoca la discusión entre los jóvenes, dado que Ty no quiere marcharse al mundo real, donde solo hay sufrimiento e injusticias.

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En otro lugar de la dimensión oscura, más precisamente en la disquería, se da el esperado encuentro entre Caos y O’Reilly que terminará siendo de lo mejor del episodio. Tras una larga charla recordando viejas vivencias las dos llegan a la conclusión que el mejor método de detener a Andre es uniendo sus fuerzas y convirtiéndose nuevamente en una misma persona, con la apariencia y fuerza de Mayhem, pero el temple y la sapiencia de la Brigid.

Dejando un poco de lado todo lo que se refiere al cambio dimensional y lo oscuro (que ya ha cansado y se está quedando sin argumentos), las revelaciones más importantes e interesantes se dan en el mundo real. Adina acude en ayuda del ex Padre Delgado, que necesita que entregue unos papeles al FBI. Eso ayudaría y mucho en la causa de su hijo.

Dijimos que habría revelaciones, esta es una muy importante. Después de un cruce de opiniones el ex sacerdote acepta ayudar a la madre del joven, pero solo a través de la iglesia. En ese momento Adina confiesa que mato a Connors después de de recibir toda la información necesaria. Entonces los archivos que tiene en su poder son la clave para liberar de toda pena a su hijo.

Andre, que escapa después de los sucesos en el hotel sufre fuerte dolores de cabeza. Lo que provoca que use sus poderes con Lia para transportarse a la disquería, pero sigue sin poder abrir la puerta del Veve. En un momento de lucidez, descubre que el significado del mismo es una partitura musical. Estamos en el umbral de un director más fuerte que nunca si logra convertirse en un Loa.

evita

Evita tratando de salvar a su amado pide ayuda a Papa Legba, pero quien se presenta ante ella es su tia Chantelle. Le confiesa que ella  ha muerto, también le dice que para poder liberar a Ty debe casarse con Barón Samedi. Tras considerarlo, acepta, y comienza el ritual. Al terminar el mismo, Tandy, Tyrone y Caos son expulsados de la dimensión oscura. Samedi cambio a todos por una esposa.

Tandy, sin perder tiempo va a visitar a su madre, al llegar a casa solo encuentra muchas botellas de alcohol y drogas. En ese momento aparece Tyrone para consolar a su amiga. Tal vez, afligida por la audencia de su hija volvió a los malos hábitos lo que puede convertirla en una nueva víctima del poder de Andre.

Conclusión

El episodio giro entorno a lo que hacen Tandy y Tyrone para salir de la dimensión oscura. Mientras que lo más importante tenía en el mundo real, con la revelación de Adina y el acertijo que descifró Andre. Esperemos no volver a la dimensión oscura, ya ha perdido valor y coherencia en la trama.

Andre está a punto de convertirse en un Loa, lo que dará origen a un director poderoso como que nunca antes hemos visto. Para vencerlo Tandy, Tyrone y Caos deberán unir sus fuerzas, dado que quedó demostrado que por separado no son rivales para él.

Otro punto interesante es la fusión de Caos y O’Reilly, veremos como logran conjugar las dos personalidades para tener un equilibrio entre poder y sapiencia.