Ya tenemos las novedades del mes de Febrero de Medusa Cómics. Como siempre esta pequeña gran editorial española nos ofrece material selecto.
El pdf después del texto que nos ha facilitado la editorial.
Espero que todos hayáis tenido una feliz entrada de año y el 2019 nos traiga muchas cosas buenas a todos.
Este año nosotros cumpliremos 2 años desde que nos hicimos cargo de la publicación del Universo Valiant en español, y 4 años desde que empezamos la aventura del sello Medusa Cómics. Han sido años muy intensos y estamos preparando anuncios muy importantes para los próximos meses…
Pero ahora os escribo para enviaros el primer boletín de novedades de 2019 con los lanzamientos de febrero.
Como veréis, seguimos fuertes con el Universo Valiant con 6 colecciones en grapa, 2 tomos en rústica y 1 tomo en edición de lujo en tapa dura.
Os comento las principales novedades del mes:
-En grapas, por un lado, X-O Manowar sigue su periplo por el Imperio romano junto al aventurero Sabbas, quien, por cierto, es capaz de ver el futuro…
Bloodshot debe cumplir con el trato que hizo con el Barón Samedi y se encuentra en el año 4002. Entre los restos de Nuevo Japón, deberá enfrentarse a alguien que no se espera…
Quantum y Woody acaban de regresar de una dimensión extraña con una línea temporal alternativa… pero han vuelto cambiados: ahora sus poderes se descontrolan si están juntos. ¿Qué significa esto? Exacto: problemas.
Ninjak se enfrenta a un enemigo inmortal… ¿o a más de uno? Por suerte, en su equipo también hay alguien que se caracteriza por soportar muy bien el paso de los siglos…
Shadowman también viaja en el tiempo, ¡40.000 años hacia el pasado! Por fin se va a desvelar un gran secreto del loa sombrío…
¿Habéis oído eso de que nada termina nunca? Pues Harbinger Wars II sí: acaba este mes con una batalla final tremebunda que tendrá consecuencias trascendentales en el Universo Valiant…
-En tomos de tapa blanda tenemos dos joyitas.
La primera es Laberinto, el segundo tomo de la ira de Eternal Warrior, donde nuestro héroe forma parte de un sádico experimento que le lleva a morir una y otra vez en un lugar de pesadilla…
La segunda joya en forma de tomo es Ninjak contra el Universo Valiant, la adaptación de la serie del mismo nombre en la que Colin King, el agente más letal del MI-6, reparte estopa de la buena entre los superhéroes más poderosos de la Tierra.
-Y rematamos por todo lo alto con un tomo de tapa dura de Harbinger; esta edición de lujo nos cuenta el origen de los Renegados y su lucha contra Toyo Harada.
Este tomo forma parte de nuestras ediciones de lujo que recopilan etapas completas de las principales series de Valiant. Además, se ha confirmado recientemente que Harbinger será la siguiente película del Universo Valiant en estrenarse después de la de Bloodshot (estreno en febrero de 2020), y ya han comenzado los rumores sobre el casting, que apuntan a que Peter Stancheck podría ser interpretado por Dylan O’Brian (protagonista de El corredor del laberinto). Esperemos que estos rumores se confirmen pronto, junto con otros que nos han llegado pero que aún no podemos revelar… https://screenrant.com/harbinger-comic-book-movie-cast-dylan-obrien/
Hola queridos lectores, os doy bienvenida a un nuevo artículo en el que hablaremos de la importancia de las buenas adaptaciones, y aunque también me refiero a las del dibujo, de papel a animación, como es el caso del manga, en realidad quería hacer especial hincapié en lo que es una adaptación de un personaje de una historia a otra o de un escrito a cualquier otra cosa.
En primer lugar partiré de algo en lo que espero todos los lectores estemos de acuerdo en mayor o menor medida. Somos los propios espectadores-lectores-jugadores, los que al final construimos cómo es un personaje y lo que piensa. Y antes de que se me echen encima hordas de puristas o de individuos que afirman que un personaje es como se muestra en la obra y punto, permitidme que me explique.
Precisamente lo que levanta tanta fascinación dentro del arte no es otra cosa que el paralelismo que al final tiene algo tan pobre como unas simples líneas, unas palabras, con la realidad, por lo menos en mi caso. Aunque cada uno de nosotros sea el que construya a un personaje, lo increíble es cómo al final esa construcción es la misma y el personaje es algo en lo que todos coincidimos. Pareciera como si al final una obra de ficción actuase como un prisma que reflectase una luz inmensamente mayor a la que se había hecho incidir al mismo, luz que corresponde a unas simples palabras, descripción o como nos ocupa en este caso, personaje, y lo más importante, que esa incomprensible cantidad de luz que ha sido capaz de salir, coincide con la realidad con una precisión asombrosa. Somos capaces, de manera unánime si realmente el personaje nos interesa y hemos pensado en él lo suficiente, de predecir cómo se comportaría en determinadas situaciones que nunca ha vivido, de cómo se sentiría y de incluso cómo funcionaría su psicología, algo que si piensas es complejísimo y no deja de sorprender.
Y precisamente por esta capacidad que tenemos de robarle la autoría al creador de cierto personaje, es tan esencial y difícil hacer una adaptación con él. Nuestra manera de pensar es simple, y solemos vivir, gustar y comprender una historia que se liga a elementos concretos, como es la empatía que sentimos por el protagonista que vive dicha historia. Tiene que haber un punto de comprensión de sus acciones que además conecte de alguna manera con los consumidores, generalmente a nivel emocional. Cuando un personaje pierde este punto, se pierde a los seguidores por el hecho de que desconectan emocionalmente con la obra, y hasta en algunas ocasiones, se sienten engañados y se encabronan.
Un ejemplo claro el de los fanfictions, de los que muchos seréis consumidores, y si no es así de los spin-off, por ejemplo. La mayoría fracasan por el simple hecho de que se permiten licencias que hacen del personaje una versión malograda y forzada, cosa que es rara que sientas teniendo en cuenta que jamás habías visto a esos personajes vivir lo que están viviendo, repito. Pongamos por ejemplo el caso de Luffy de One Piece. No es en lo absoluto extraño que haya leído cosas como que cuando sonríe a otro personaje lo hace con una smirk, que es una sonrisa ladeada y cómplice con un punto de chulería. Bien, en el caso de Luffy esta sonrisa está plenamente errada, y cualquiera que haya visto OP puede coincidir conmigo. Otro ejemplo es cuando en el último libro (el octavo) de Harry Potter ponen a Ron como un payaso simpaticón que se intenta hacer el molón. Esto podría hasta llegar a pasar, pero los que han leído el libro saben que ni de broma de esa forma en concreto.
Pero bueno, esto son sólo fanfictions, porque el problema llega cuando se intenta pasar de un libro a una adaptación cinematográfica, o directamente en el primer nivel, de un guión a la actuación real, incluso con indicaciones de qué es lo que se debe hacer. Y la explicación es bien sencilla: Los personajes son construidos a partir de matices. Si no eres capaz de poner en manifiesto o de reproducir esos matices, entonces tu adaptación del mismo está destinada al fracaso. ¿Cómo es ésto? Bien, al personaje se le conoce y se le comprende a partir de una sola fuente, que además normalmente suele ser la original y está ligada a un autor, es aquí es donde se construye al personaje a partir de unas simples aparaciones que tiene en la obra, sean pocas o muchas. La gracia está en que muchas personas completamente distintas podrían haber hecho todo lo que hizo ese personaje o pensado lo que pensó el personaje, pero es francamente difícil que muchas personas hubiesen hecho esas mismas acciones de la misma forma. Y ahí es donde conocemos al personaje, en sus matices, que lo convierten en una persona real que ha dejado ver parte de sí mismo sin quererlo y de forma completamente subliminal, a capas, y que indican ciertas características de carácter y personalidad que son imposibles de falsear y que cuentan con profundidad. En resumen, un buen personaje surge de la independencia que tiene respecto a su autor, y que de alguna forma, está vivo de por sí al mismo tiempo que es el subconsciente del autor, con sus ideas sobre el mundo y con unos pensamientos que han fluído involuntariamente hasta el personaje. Por estos mismos matices, estas mismas caras del personaje, presentes pero subyacentes, es por lo que es tan difícil captar a un personaje lo suficientemente bien y darle la forma justa para que funcionen.
Importa el cómo, casi tanto como el qué, y para hacer una adaptación, aún más. Para poder hacer a un personaje creíble en su propia psicología tienen que pasar una serie de cosas, en primer lugar que dicho personaje te interese, en segundo que lo entiendas, y en tercero que aun con todo lo anterior sepas reproducirlo dándole vida una vez más en un campo y situación inexplorado. Da igual que un spin-off sea bueno mientras los protagonistas no sean quienes deben ser. Otra cosa es, por supuesto, que la adaptación sea de por sí una buena obra, pero ya hablamos de otra cosa.
¿Y vosotros, cómo creéis que se hace un buen personaje? ¿Lo conocéis? ¿Caso de personaje mal adaptado?
Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.
En videojuegos de superhéroes hay todo un drama. Hay superhéroes que tienen muchísimos juegos buenos o maravillosos, como Batman y otros como Superman que hay que rastrear hasta la época de las recreativas para encontrar algo decente. Spider-Man tiene cosas divertidas para su época, incluso en 8 bits con el Capitán América, pero que en general han envejecido muy mal. Pero son la excepción, de la que salvamos juegos de lucha como el viejo juego de Los Vengadores, el X-Men: Children of the Atom, el Marvel Super-Heroes y los Marvel vs Capcom. Hay todo un listado de cosas espantosas de Los Cuatro Fantásticos, Thor, el Capitán América, Los Vengadores o Superman. Algunas cosas son como mucho divertidas y olvidables como los X-Men Legends o Marvel Ultimate Alliance. Es por eso que quizás el mejor videojuego que se ha hecho de superhéroes sigue siendo Freedom Force, de Irrational Games (del que hablamos en este blog), cosa que hicieron antes de revolucionar los videojuegos con su Bioshock. La razón es simple: no se limitaron a traer un juego de acción, trajeron también el melodrama, los discursos grandilocuentes, la estética propia del cómic, la lógica de la evolución de los poderes y la relación entre los miembros de un grupo de superseres.
Aquí debemos ser también comprensivos. Es decir, meter en un videojuego a Superman es complicadísimo. Alguien capaz de volar a supervelocidad, casi invulnerable, con superfuerza…es posible que le pegue más una aventura gráfica o un juego de rol en el que los combates sean por turnos que algo de acción. Quizás pueda hacerse, pero los que se la han pegado en el intento se enfrentaron a algo complicadísimo por la naturaleza de sus poderes en combinación con cómo es el lenguaje de los videojuegos y el medio. Eso vale para gente como Flash, Thor, Wonder Woman y demás personajes que rondan el nivel de poder semidivino o divino. Creo que también es la razón por la que los mejores videojuegos de superhéroes en años son los de Batman, el de Masacre y del que hablaremos hoy, el exclusivo juego de Spider-Man para Playstation 4 realizado por Insomniac Games.
Para quien ya se esté agotando de leer o tenga cosas mejores que hacer lo resumiremos: es un videojuego escandaloso. ¿Te gustan los superhéroes? Te encantará. ¿Te gustan los juegos de mundo abierto y mil cosas por hacer? Te encantará. ¿Te gustan los cómics de Spider-Man desde tiempos inmemoriales? Agradecerás eternamente que los que han hecho el juego se encargaran de hacerlo. El juego representa lo mismo que el primer Batman Arkham Asylum para Batman: el videojuego que es el simulador definitivo del personaje de cómic. El juego es, tal cual, la canción «Glory Days» de Bruce Springsteen. Porque acabarlo te deja con la sensación de que dentro de muchos años vas a dar la tabarra a todo el mundo con lo bueno que era. Quien quiera más, a continuación del vídeo.
El videojuego empieza como deberían empezar desde hace tiempo todos los productos sobre superhéroes. Es decir, no nos cuenta, por enésima vez, el origen de Spider-Man ni nos hacen un pesado relato de los antecedentes psiquiátricos y traumas mentales del protagonista que justifiquen que se disfrace para ir a darse de punchos con delincuentes. Empezamos en la mitad de una ofensiva policial contra el mismísimo Kingpin, con peleas con muchísima gente disparando desde distintas alturas y descubriendo desde el principio que estamos dando chillidos de alegría mientras jugamos. El control del juego es de las cosas más afinadas que se han hecho: Spider-Man es un rayo, esquiva balas, se mueve rápido, salta muchísimo, no para quieto y es lo que siempre soñamos los que llevamos años leyendo sus cómics. Todo lo hacemos con una facilidad de manejo y un control intuitivo a más no poder, hasta el punto que en nada ya hacemos auténticos destrozos a las casi interminables bandas de criminales a los que nos enfrentaremos. Todo sale fluido, todas las combinaciones nos salen casi sin querer, las muchas opciones de golpear son fáciles de hacer y espectaculares. Es una gozada suprema meterse en cualquier fregado, aunque sean unos mindundis robando una tienda.
Y tras eso, la ciudad. Los juegos de mundo abierto tenían, desde el principio, un problema: cómo llenarlos. Es decir, podíamos recurrir al sucio y aburrido truco de ir poniendo cosas por aquí y por allá sin demasiado sentido, como intentando llenar huecos, aunque las cosas no casaran unas con otras. Aunque no tuviera mucho sentido que aparcaramos la lucha contra el dragón que quiere comerse el mundo para irnos a hacer de recadero (que era uno de los errores de Skyrim y en general de los The Elder Scrolls, como comentamos por aquí). The Witcher 3 es de los pocos que arregla este «todo se hunde, pero esperad que me voy a hacer una misión secundaria»: después de todo su protagonista, Geralt de Rivia, es el representante de la clase trabajadora en los juegos de rol. Alguien al que viajar o comprar cosas le cuesta un pico, entre otras cosas por ser un marginado socialmente: tiene que hacer trabajitos esporádicos para sobrevivir y pagarse otras cosas. Ahí la cosa tiene sentido. En Spider-Man también: los atracos, robos de coche o tráficos de droga que nos encontramos balanceandonos por la ciudad tienen todo el sentido del mundo. No es sólo hablar de lo habitual (la ciudad está viva, etc) es que ese tipo de encuentros es el habitual de siempre en los cómics. El tipo de cosa que empieza los cómics o que aparece a la mitad mientras Spidey está pensando en otras cosas o va a algún lado. Los desafíos tienen su sentido argumental y no están disociados de la trama principal. Incluso estos cambian conforme la trama argumental va avanzando, siendo cada vez más. Hay que decir que son las misiones secundarias las que parecen más fuera del resto de la historia, sin desmerecer en diversión, eso sí.
Hay poco que decir de las misiones principales. Son divertidas, no nos demandan mucho y son muy variadas. Peleas aéreas, persecuciones en túneles de metro, carreras por huecos de ascensor, misiones de sigilo, ciertas partes de aventura gráfica (muy fáciles), puzzles de varios tipos, carreras contrareloj, peleas coordinadas con otros personajes, cambios del personaje jugable. Hay de todo. Hay cosas realmente divertidas como en alguna en la que llevando a Mary Jane tenemos que ir diciendo a Spider-Man a quien debe ir noqueando sin que le vean. Puede que nos maten alguna vez, pero es complicado atascarse: el juego te transmite el papel de Spider-Man en toda su gloria. ¿Y la trama? La trama es una de esas cosas que te reconcilian con el mundo. Quiero decir, que llevamos en los cómics de Spider-Man años desde que se fue Straczynski con muchos altibajos (vamos a llamarlos así) pero de lo mejor que se ha creado en este siglo con el personaje en cualquier medio está en este videojuego.
¿Cómo han logrado que este juego, además de ser divertidísimo, variado, con un control maravilloso tenga algo superior al 90% de cosas publicadas en cómic? Hay muchas razones, pero la principal es haber juntado todas las épocas del personaje en una sola y destilar lo mejor. Lo mejor del Spider-Man de los cómics está aquí. Es otro universo, pero lo han hecho. El juego en su trama podría ser perfectamente parte de los cómics de los años 70-80 del pasado siglo, con sus guerras de bandas, conspiraciones de mafiosos, Marta Plateada, Cabeza de Martillo o Lápida, personajes que no pueden ser más clasicotes del cómic viejuno del personaje. Todo ello mezclado con el nuevo siglo: Miles Morales, Mr. Negativo, la Tia May en la ONG, Peter y MJ siendo amigos sin ser pareja…hay una mezcla prácticamente perfecta entre lo nuevo y lo viejo. Entre los cómics de ayer y de hoy. Entre las películas y los cómic. No expulsa a ningún jugador, venga de donde venga, sino que los acepta con gusto a todos. Es un trabajo de integración de todas las épocas y medios fantástico.
Y luego están los personaje. El juego nos hace querer a Otto Octavius y nos hace no querer que pase lo que ya sabemos que es inevitable. El juego te hace enamorarte de Peter Parker otra vez, porque es la versión estupenda que siempre tuvo que ser en todos los medios posibles. Es decir, el tío estupendo, la buena persona, el neurótico que en los momentos que importan saca lo mejor de sí mismo siempre. No hay rastro del Spider-Man noventero en el personaje. Hace montones de chistes malos en los combates, algunos que te sacan una sonrisa. Es clásicamente heróico. No hay nada de sombrío ni oscuro en él. Es encantador siempre. El juego, además, nos ha traído una de las mejores Mary Jane de siempre. Aquí es una periodista de investigación valiente, fuerte, independiente y también encantadora. No es una supermodelo, no es una chica frívola en sus relaciones a la que luego le encontramos un trauma profundo, no es una relación casi siempre inexplicable para Peter. No. Esta Mary Jane tiene una química con Peter Parker. Sus peleas tienen todo el sentido del mundo: Mary Jane le acusa a Peter de tratarla como una niña indefensa por no tener superpoderes, que ella no es la princesa a rescatar y que puede manejarse perfectamente en su trabajo sin el superhéroe. Y es cierto. La manejaremos directamente a ella y sí, es más que capaz. Aún sin superpoderes. Hay toda una pelea por su parte para que Peter la considere una compañera, una persona de igual a igual y no sólo alguien a quien salvar. Y es creíble. Está hecho con honestidad y sinceridad, hasta el punto de que es complicado no querer a esta Mary Jane como lo hace Peter.
Podría seguir hablando de la trama que va a más, de cómo el juego es uno de los que más gente se lía a cumplir misiones secundarias y es por lo divertidas y amenas que son o lo fantástico y satisfactorio que es balancearse por la ciudad en telaraña o lanzarse contra un grupo de traficantes de droga para lanzarles telarañas, darles patadas, esquivarles con el sentido arácnido o rebotar contra la pared para darles bien en los morros. Podría estar eternamente en ese juego y cada vez que lo encendiera en la Playstation daría las gracias a quienes lo han hecho posible. Y es como voy a acabar esto: gracias, mil gracias, de un aficionado a los cómics de Spider-Man desde hace 30 años y a los videojuegos desde más o menos el mismo tiempo. Nos habéis regalado a todos días y días de gloria.
Bienvenidos, amigos de lo nuevo, a una nueva reseña de mi persona. Esta vez, del cómic de la colección 100% Marvel, Nuevos Mutantes: Almas Muertas. Ya recomendé este cómic en nuestra recomendación mensual del mes de diciembre. Y como suelo ser coherente con mis gustos, hoy os traigo mis impresiones de estas aventuras de los Nuevos Mutantes.
¿De qué va esto?
Todos sabemos que los Nuevos Mutantes no son tan nuevos como el título nos pueda sugerir. Los Nuevos Mutantes ya han estado rondando desde allá por el 82. Muchos grupos han sido los Nuevos Mutantes, pero quizás estos sean los más disfuncionales de la historia. Tenemos a la líder, Magik, Illyana Rasputin, una mutante teleportadora, gótica, bruja y demoníaca reina ocasional del limbo, con enormes problemas sociales y una gran incapaz de liderazgo y comunicación. A Rictor (Julio Ritchter), un capullo graciosete que provoca terremotos y pasa de la vida, como concepto. También está Loba Venenosa, una licántropa escocesa, que actúa como guía moral, con la brújula moral un pelín desviada. Fortachón… creo que sobran las palabras, es fuerte y una vez perdió el alma, aunque luego la recuperó. Y por último, a Bum Bum, que hace explotar cosas y actúa como capulla graciosita cuando Rictor está ocupado.
Este grupo de jovenzuelos maravillosamente exasperantes no pegan ni con cola. Magik no sabe comunicarse, ni cuenta con su equipo, así que deja mucho que desear como líder. Rictor y Bum Bum son unos pasotas, a los que les cuesta aceptar órdenes, y demasiado inexpertos para soportar la presión. Loba Venenosa viene de superar, o eso cree ella, una crisis nerviosa por la pérdida de su hijo a manos de Fortachón. Y este señor… El caso es que ahora si tiene alma, pero como si no.
La idea puede parecer simplona, porque los Nuevos Mutantes se ven arrojados de misión paranormal en misión paranormal, sin que parezca que haya un motivo; mientras se intercalan con la historia de un niño que acude a casa de Warlok (ex integrante de los Nuevos Mutantes), y que parece no tener nada que ver. Pero lo cierto es que la historia va mucho más allá, indagando en las dificultades emocionales de cada uno de ellos; en las dificultades de las relaciones, y en lo complicado que es tener una relación de dependencia.
Tran, Ilyana y el capullo graciosito
La historia avanza de forma un tanto descompensada en cuanto a ritmo, pero lo cierto es que engancha. Y ese final, que llega de forma precipitada, pero enérgica, que acaba en un sorprendente cliffhanger, que te deja deseando más. Los personajes evolucionan de una forma casi satisfactoria, sobre todo poniendo énfasis en el personaje principal He de admitir que todas las versiones de Ilyana Rasputín que se han escrito y dibujado me fascinan. Por eso elegí este cómic, y por eso me ha fascinado la historia.
Arte hace historia
El guión de Matthew Rosenberg es bueno, aunque lento a ratos. El dibujo, a mi me ha encantado. Reconozco que Adam Gorham es poco eficiente en los planos cortos, y las facciones del rostro se desdibujan, desconcertando un poco, y sacando un poco de la lectura en los momentos más emotivos. Pero el dibujo es consistente, y las escenas de acción son brillantes. Hay una viñeta, en particular, que representa a Ilyana invocando poder del limbro, con sus cuernos y sus patas de carnero. Esa viñeta me ha puesto los pelos de punta.
Pues a mi me encanta
No obstante, el guión sobrenatural (mucho más de lo normal para ser la Patrulla X) hace casi necesario este tipo de dibujo, que te mete en la historia, provocando incomodidad, y un aura de misterio y panarnormalidad (si es que eso existe) que ayuda a tenerte en tensión.
La opinión de Sofía
¿Digo otra vez que me ha fascinado? Por si no lo he dejado claro. Los personajes elegidos son interesantes desde el principio, y la forma en la que evolucionan no solo es coherente, sino también creíble y emocionante. Y, como ya he dicho, el dibujo, si bien no es perfecto, si lo es para la historia. Las expresiones pueden parecer indefinidas, o poco claras, pero lo cierto es que ayudan mucho.
Los Nuevos Mutantes. Almas Muertas, está disponible en tienda física y en la web de Panini, donde podéis comprarlo en formato tomo con solapas por 13 euros. El tomo, además, incluye varias portadas alternativas, como la realizada por Billy Martin y Edgar Delgado, que es una delicia. Id a comprarlo con raudo pasmo, mientras yo me quedo aquí, reseñando otra cosa para cuando volváis. Hasta entonces… sed felices,
Ya tenemos las novedades del mes de febrero de Planeta Cómic.
A continuación os dejo la nota de prensa con el pdf.
Tapados hasta las cejas por la ola de frío polar, toca anunciar las novedades Planeta Cómic previstas para febrero. La saga estelar no nos dejará helados, gracias a la novela Rebel Rising, un tomo recopilatorio y dos entregas grapa.
El Cómic USA nos calentará el corazón con las memorias gráficas de un genio irrepetible y eterno, Stan Lee. Otros títulos americanos nos mantendrán a buena temperatura: Sombras en la tumba de Richard Corben, How to be a grrrrrrrl de Charles Schulz o Paper Girls de Brian K. Vaughan.
Finalmente, Japón nos abrigará cálidamente con su manto comiquero: Dragon Ball, Dragon Quest, My Hero Academia, Astro Boy o 20th Century Kanzenban…
Si tengo que recomendar un josei o un shojo —subgéneros del manga y el anime destinados a mujeres por tratar temas como el romance y las relaciones humanas, aunque esto sea debatible y es un tema que ya trató mi compañera Kitayu en su día— sería sin duda Nana, la más conocida de las obras de Ai Yazawa. No es solo que sus personajes sean coherentes dentro de sus propias contradicciones —lo que les da una gran fuerza—, sino que consiguen calarte en el fondo de tu corazón para bien o para mal. Y por si esto fuera poco, el desarrollo de la historia consigue llevarte por una montaña rusa de emociones que arranca desde la primera vez que escuchas la voz en off hasta la última. Esta es una historia del amor incondicional entre dos personas que están en conflicto con otras, pero también es una historia sobre la mayor condición humana: la soledad.
Todo empieza en un tren parado con destinación a Tokyo. Alguien en su corazón siente que es primavera pero está nevando. Dos chicas con el mismo nombre pero con deseos aparentemente diferentes se cruzan. Una con un pasado trágico desea dedicarse a la música, la otra proviene de una familia feliz y su máxima aspiración es ganarse la vida en la capital japonesa para vivir cerca de su actual pareja. Una es la noche y la otra es el día, de hecho, es curioso como la autora representa muchas veces a la primera como un gato y a la segunda como a un perro, animales que muchas veces no se toleran aunque también pueden llegar a convivir juntos. Aun así, se hacen amigas y acaban compartiendo piso en un séptimo sin ascensor, sin aire acondicionado ni terraza, un lugar incómodo para vivir pero donde son felices porque se tienen la una a la otra.
A partir de aquí todo empieza a divagar sin aparente rumbo fijo mientras las relaciones entre los personajes se entrelazan y van tomando forma. El eje central de la historia no deja de ser la relación entre las dos amigas y sus aspiraciones, pero a la larga uno se va dando cuenta de que esto solo es una escusa para presentarnos a todo un conglomerado de personajes y relaciones casi tan profundas como las principales.
Esta no es una historia única y exclusivamente de amor y de amistad, como tantos otros mangas del mismo subgénero. Nana habla sobre las personas como individuos y de la soledad como condición humana, lo que lleva a todos a querer relacionarse con alguien para sentirse importante para al menos otra persona. De aquí deriva todo lo demás, es de donde uno elige si decide relacionarse en función de sus sentimientos (si los expresa como realmente quiere o los oculta por miedo a sobrepase) o a través de la posesión de otros para alcanzar sus metas. Pero lo que hace único a Nana es la forma que tiene de transmitirte todo esto y más hasta el punto de hacerte sentir que se te desgarra el corazón con el cierre de cada capítulo, te hace sentir parte de todo lo que está sucediendo.
Existen muchas series que se basan en relaciones tóxicas y encima las defienden, son supuestas historias de amor pero que se centran en la dependencia emocional, los celos y el control sobre la otra persona. Nana también tiene de esto, va bailando entre el amor puro, el amor tóxico, el egoísmo y la dependencia, pero no lo defiende. Más bien esto es presentado como algo que no se puede controlar porque es invisible. Es algo de lo que no siempre es fácil escapar porque son cosas que se difuminan, como dice uno de los personajes secundarios: «cuando te enamoras lo quieres todo para ti solo». Un ejemplo que relaciona el amor y la posesión como algo que van de la mano. Pero queda esperanza. El mismo personaje que pronuncia esas palabras es también el primero en mirar por el bien de los demás aunque él acabe perjudicado, no todo el mundo es egoísta o no todo el mundo se ve capaz de sacrificarse por otros. Todo parece un tanto contradictorio, pero al fin y al cabo esto también forma parte del ser humano.
Tanto el manga como la versión animada consiguen hacer llegar los mensajes de manera digna, los flashbacks y los flashfowards que empiezan a verse hacia la mitad de la historia son adecuados y revelan detalles que resultan amargos a la vez que otorgan un rayo de optimismo a todo esto.
No se puede hablar de Nana sin mencionar el vacío devastador que deja en uno. Quizá el vacío no sería tan grande si la serie no estuviera parada desde hace aproximadamente 10 años. La autora, pese a que parece tener intención de continuar con su obra, sigue sin pronunciarse todavía. Quizá el hecho de que esté inacabada también hace que las conclusiones que uno intente extraer no sean del todo claras. En la vida real también vendría bien alguno que otro flashfoward que arroje optimismo sobre la continuación de este manga. Si alguien se pregunta si vale la pena leerse esta historia pese a no estar finalizada, la respuesta es un rotundo sí. Una imprescindible del siglo XXI.
¡Saludos! Ahora que hace poco se estrenó en cines la última película de animación de Spider-Man (cuya reseña en nuestra web podéis leer aquí), y habida cuenta de que a lo largo de este año vendrá la segunda película en solitario del Spider-Man de carne y hueso protagonizada por Tom Holland, ha llegado el momento de analizar algunas cosas del personaje y su actual intérprete.
Aquí los 3 últimos actores que han interpretado a Spider-Man.
Porque parece mentira, pero en unos 2 años Tom Holland ha interpretado hasta en 3 ocasiones el papel del famoso trepamuros, mientras que Tobey Maguire necesitó 5 años para hacer lo propio en la trilogía de Sam Raimi, y Andrew Garfield se quedó en tan sólo 2 intervenciones en las 2 películas dirigidas por Marc Webb. Aunque no es menos cierto que la precocidad de Holland en ese aspecto se debe a varios factores. Es verdad que tanto en Civil War como en Infinity War, Spider-Man no es protagonista principal, si bien en la segunda sí que tiene más tiempo en pantalla e importancia que en Civil War. Y también hay que tener en cuenta que cuando Sam Raimi se puso manos a la obra con las películas del personaje, eran otros tiempos y la maquinaria cinematográfica en Marvel no estaba tan engrasada como ahora.
Pero una cosa es innegable, y es que nos guste o no Holland como Spider-Man (en mi caso sí me gusta, al igual que me gustaban Maguire o Garfield), ya lleva 3 apariciones en cine a sus espaldas como arácnido, y este año aparecerá en su segunda película propia, lo que supondrá que llegue con 4 al escalón que ninguno de los otros actores del pasado logró. No me pronuncio sobre Vengadores: Endgame porque no se sabe nada de si saldrá o no el personaje de alguna manera. Así que al margen de eso nos quedamos con las 4 que sí serán seguras. Habrá quien quiera meter en estas comparaciones las películas que se hicieron hace unas cuantas décadas, pero son tan malas que no he querido mencionarlas en demasía.
Capi, te estoy siguiendo de cerca.
Como decía, tras Capitán América: Civil War, Spider-Man: Homecoming y Vengadores: Infinity War, este verano llegará Spider-Man: Lejos de casa, y la pregunta en este caso es… ¿cuántas películas hará Tom Holland como trepamuros? Porque no hay que olvidar que hablamos de un actor bastante joven, que en ese sentido tiene toda una vida por delante para machacar los precedentes cinematográficos anteriores. No es difícil imaginar que al menos tendrá su propia trilogía, y queda por saber si aparecerá en alguna otra película con más superhéroes. Así que como decía, por delante hay un interesante terreno para explotar bien el personaje con el mismo actor. Luego pasará lo que sea, o bien desgaste del actor, del público o que la propia Marvel estime que llegado un cierto punto sea la hora de que Spider-Man vuelva al banquillo y no tenga más películas. Pero hasta que alguna de esas cosas suceda, la duda estará en saber hasta dónde llegará la carrera de Holland con este personaje.
Hasta la fecha el récord de apariciones más importantes y con más metraje del mismo personaje de Marvel con el mismo actor, lo tiene el Iron Man de Robert Downey Jr. (también está el Capitán América de Chris Evans, pero en 2 de las cintas que aparece es un cameo simplemente), que ha salido hasta en 8 películas y también estará en la nueva de Vengadores. He ahí la pared que Spider-Man deberá escalar para superar a sus predecesores. ¿Lo logrará?
Vamos Iron Man, ayúdame a alcanzar a los demás.
A favor de ello se encuentra el hecho de que Holland es de los actores que a una edad más joven ha empezado a interpretar a su superhéroes, y eso lo distancia de Robert Downey Jr. y Chris Evans, por no mencionar a los demás. Así que desde luego por juventud y tiempo por delante no va a ser. Ya será cuestión de ver qué depara el tiempo, porque en temas de taquilla las películas Marvel suelen amasar más dinero del que cuesta hacerlas, y en ese sentido sigue siendo un negocio rentable. Así que no nos queda otra que esperar para ir despejando esa incógnita anterior, que tardará unos cuantos años en resolverse.
Hasta entonces, quien sí sale ganando es el personaje de Spider-Man, independientemente del actor que lo interprete, que sigue y sigue sumando películas animadas o de acción real, y eso que agradecemos los amantes del personaje de los cómics. ¿Y vosotr@s, qué pensáis, batirá Holland los récords de apariciones de otros actores del UCM? ¡Hasta otra!
No hay duda de que en Lascosasquenoshacenfelices somos muy de Batman. Como para no darse cuenta leyendo nuestra guía de lectura definitiva o nuestra reseña de toda la etapa Renacimiento de Detective Comics a cargo de James Tynion IV.
En esta ocasión, me he propuesto analizar toda la etapa Renacimiento de Batman, la colección madre, la que guioniza Tom King, autor de El sheriff de Babilonia, de La Visión, de Omega Men o Grayson. El guionista más valorado de la industria con el superhéroe más valorado de la industria. ¿El resultado? Lo iremos analizando arco a arco.
Comenzamos por Yo soy Gotham, arco argumental que abarca desde el número 1 hasta el número 6 de la colección.
¿Cómo afrontar una nueva etapa de Batman?
Batman y ¿Sus nuevos pupilos?
Lo primero de todo: no nos engañemos. Da igual que King sea un autor que haya sorprendido a crítica y público. Esta no es una novela gráfica de Batman. Ni siquiera un one-shot. Es una colección que pretende ser una etapa. Todo lo que King haga debe entenderse a largo plazo y, sobre todo, que tendrá consecuencias en un personaje con una historia editorial de casi ochenta años. Es decir, que el autor no puede subirse a la parra y hacer todo lo que se le ocurra sin tener en cuenta las consecuencias.
Renacimiento fue una jugada editorial de DC Comics tras el fiasco de The New52. Precisamente, una de las pocas series que se libraba de la quema era el Batman de Scott Snyder y Greg Capullo, aunque es una colección ciertamente sobrevalorada. King decide mantener el status quo de Bruce Wayne y sus compañeros tras el fin de etapa de Snyder. Nada de reinicios. De hecho, Duke Thomas, personaje creado por Snyder, se convierte en un secundario regular del Batman de King y su importancia parece ser capital. No se trata de un Robin más, si no que, al menos por lo que se puede apreciar en este primer arco, tal vez escoja el testigo de Oráculo.
Si tuviera que resumir el arco Yo soy Gotham en una sola palabra, esta sería efectivo. No es revolucionario. Tampoco rompedor o desilusionante. King parece querer tomarse las cosas con calma, por lo que no hay nada en este arco que no hayamos leído ya anteriormente en Batman. Aunque sí que encontramos algunos momentos ciertamente excepcionales en su planteamiento.
LA DIFÍCIL TAREA DE PROTEGER GOTHAM
Una de las escenas más impresionantes del arco.
La premisa es simple. Gotham acoge la llegada de dos superhéroes (Gotham y Gotham Girl) con poderes similares a Superman y con las mismas buenas intenciones. A diferencia de con el Hombre Acero, Batman no muestra desconfianza, si no que se ofrece a enseñarles cómo luchar contra el crimen, dado que es consciente de su propia limitación como ser humano a la hora de ejercer como protector de la ciudad gótica. Lo que ocurre después se somete a la categoría de spoiler, pero digamos que King pretende reflexionar, una vez más, sobre la idoneidad de Batman como guardián de Gotham, como único ser viviente incapaz de corromperse por lo que la ciudad puede hacerle a cualquiera con buenas intenciones.
El Batman de King es un ser frío, analítico hasta lo patológico y metódico al extremo, lo que da lugar a algunas situaciones tan geniales como anticlimáticas (ese Alfred…). A diferencia del de Snyder, en Yo soy Gotham jamás lo veremos fuera de sí. Podrá sentirse resignado o superado por los acontecimientos, pero nunca le veremos sobrepasado. Su hermetismo es a prueba de bombas.
En ese sentido, es muy épico y emotivo el primer número, en el que encontramos a Batman intentado salvar a un avión, resignado porque es matemáticamente imposible salvar a los pasajeros. También es muy destacable el último número. Pocas veces un superhéroe (no mencionaré cuál) se nos muestra tan vulnerable. Ellos también tienen seres queridos y sufren por su pérdida.
Por supuesto, un guionista de la talla de King debe estar acompañando de un dibujante de renombre que esté a la altura. En este caso, encontramos a un David Finch que dibuja a un Batman imponente, uno de los que más respeto produce de los últimos años. Por otra parte, quisiera mencionar el notable trabajo de Iván Reis en el epílogo de Yo soy Gotham, el mencionado sexto número, en el que el dibujo está a la altura de la narrativa tan emocional que pretende Tom King.
En definitiva, Yo soy Gotham es un notable inicio de la etapa de Batman a cargo de Tom King. El escritor situado en la cresta de la ola decide, aparentemente, ser conservador y trazar un plan a largo plazo que solo Dios sabe dónde nos llevará. Sí que se aprecian algunos detalles y momentos de excepcional calidad, sobre todo si tenemos en cuenta que el tema abordado en este arco ha sido reflejado una y mil veces en la historia editorial del hombre murciélago.
Fringe es quizás mi serie preferida en el género de la Ciencia-Ficción. Lo es sobre todo por los personajes, lo bien construidos que estaban el terceto protagonista. Si a ello le sumabas una espectacular aventura llena de efectos especiales, voilá. Desde entonces no ha habido nada en el género que me haya llamado la atención, quizás un poco El hombre en el Castillo, pero me parece un quiero y no puedo. Pero en este 2018 he realizado uno de los maratones mejores desde los que llevo practicando desde el boom de las series. Me refiero a Orphan Black. A partir de ahora entrarás inevitablemente en Territorio Spoiler, así querido lector te recomiendo que si no has visto la serie la veas y pásate después a leer y comentar. La serie merece muy mucho la pena.
Antes que nada os dejo con la intro de la serie:
https://www.youtube.com/watch?v=aBXaRbqzmzc
Orphan Black, una serie sobre la familia y la hermandad más allá del género
Como decía inevitablemente entramos en spoilers y es que la serie desde el prólogo es una caja de sorpresas. Un prólogo en el que vemos deambular por el metro a nuestra futura protagonista Sarah Manning quien observa a una mujer dejar sus pertenencias en el suelo para acto seguido lanzarse contra el metro muriendo en el acto. Cuando Sarah se dispone a ver que ha ocurrido con la misteriosa mujer ve que ha fallecido y que su rostro es idéntico al suyo.
Tatiana Maslany como Sarah Manning
A lo largo del capítulo y las temporadas descubrimos que Sarah y la fallecida, Beth Childs, no son hermanas como sería lógico pensar, si no clones. A partir de aquí acompañaremos a Sarah y sus “hermanas” a lo largo de cincuenta capítulos repartidos en cinco extraordinarias temporadas en búsqueda de su origen y la verdad.
¿Cuántas hermanas son? Conocemos a Sarah Manning, la líder, pese a ser prácticamente una paria, su arrogancia unida a su valentía y el amor por los suyos le hacen ser la más carismática. Alison, una madre de un barrio residencial, es el punto cómico de la serie, sin duda de los mejores personajes. Por otro lado tenemos a la científica Cosima, un personaje que sufre una irregularidad genética propias de los clones que la hará estar en más de una ocasión entre la vida y la muerte. Es la voz de la razón aunque sea científica. Y cierra el cuarteto protagonista Helena, quien deambula entre el bien y el mal, aunque sus hermanas conseguirán llevarlas a su lado no sin complicaciones. Rachel es el clon reverso, uno de los enemigos de la serie que luchará por ser la única con ese rostro. Sarah tiene más allá de los clones a su propia familia, su hermano adoptivo Felix, la Señora S y como no, su hija Kira, que irá teniendo en la serie una mayor relevancia en la serie. Concluimos con Art, el compañero policía de Beth Childs (no había comentado que la clon que se arroja al metro era policía). De Art poco que decir, es quizás el personaje menos jugoso pese a ser protagónico pero es cierto que está ahí por necesidad de la historia más que porque su personaje sea interesante.
Tatiana Maslany
Lo mejor de la serie es sin duda la actriz principal, Tatiana Maslany. Es increíble como construye hasta seis personajes principales (Beth, Cosima, Sarah, Helena, Alison y Rachel) y dos recurrentes como son la peluquera Krystal y la hacker M K, quien se escondía tras una máscara de la oveja Dolly. En cuanto entras en la dinámica de la serie olvidas que estás viendo a la misma actriz y eso es gracias a una gran historia y guión que dota a cada hermana de una personalidad y mundo propio y sobre todo al trabajo de Maslany que compone. Con la serie había una cosa que me pasaba mucho y es que estaban tan bien desarrollados los personajes (tanto en guión como en actuación) que se me olvidaba quien hacía posible todo esto, Tatiana Maslany. Los premios no le han dado la espalda en este sentido y Maslany se ha llevado a casa hasta 15 premios gracias a su actuación en Orphan Black. Sin duda alguna ella es el baluarte de esta gran serie que recomiendo que veáis. Es una gran experiencia conocer a las «sestras» como Helena se refiere a sus hermanas.
Las cuatro sestras reunidas
No os cuento más para no destriparos la serie y es que tiene tantas cosas… Lo dejamos aquí y nos leemos en los comentarios. Un saludo y sed felices
¡Saludos y sed bienvenid@s a una nueva entrega de Los más chulos del barrio! Tras hablaros de personajes como Joe Hallenbeck, Star-Lord o John McClane en las anteriores entregas de esta sección, hoy nos vamos al género de cine fantástico para dedicarle a cierto personaje el momento de gloria que se merece aquí. Nuestro chulo de hoy es….¡Madmartigan, el mejor espadachín de todos los tiempos!
Aunque esté en esta jaula soy un gran guerrero.
Este personaje de ficción, interpretado por Val Kilmer en la película Willow (1988), representa bien ese papel de antihéroe macarra y descarado que tan bien cala en la gente, y que merece formar parte de nuestros chulos de barrio. No obstante, hay que decir que Madmartigan no es el protagonista absoluto en Willow, sino que ello le corresponde con todo merecimiento al personaje al que la película hace honor, Willow Ufgood (interpretado por Warwick Davis). Sin embargo Madmartigan es el compañero de aventuras de Willow, ese amigo que siempre se pasa varios pueblos con sus bravuconadas y chulerías, pero que, llegado el momento de dar la cara, está al lado de sus amigos y no se echa atrás.
Porque sí, debajo de toda esa fachada de persona mujeriega y chula, se esconde un hombre valiente y leal, aventurero y apasionado. Que él mismo se considere el mejor espadachín de todos los tiempos es un monumento infinito de amor hacia sí mismo, pero dicho sea de paso, es muy bueno manejando la espada y si nos viéramos involucrados en una batalla a espadas, sería todo un alivio tenerle de nuestra parte. Lo único que no es recomendable dejarle, son bebés. Para quien viera Willow, recordará que éste, tras liberar a Madmartigan de una jaula en la que está encerrado, le hace prometer que cuidará del bebé que Willow encontró en su aldea, y que debe llevar de vuelta con su gente. Madmartigan acepta ese precio a cambio de su liberación desde luego, pero poco tiempo después, le roban el bebé al amigo Madmartigan. Eso no será todo, porque luego tendrá tiempo de enmendar su torpeza, pero por si las moscas no le dejéis un bebé a su cargo.
¡Qué gran idea he tenido para que no me pille el marido de esta mujer!
También es cierto que, si tenéis un ejército, no estaría de más comprobar que Madmartigan estuviera presente cada vez que se llamase a filas, porque en Willow se nos cuenta que este personaje era un noble caballero que desertó del ejército en el que era soldado. Y es una pena, porque durante el resto de la historia de Willow asistimos a una demostración tras otra de las habilidades de combate de Madmartigan, que se las apaña bastante bien sólo sin ayuda de ningún ejército. Lo cual no quita que, cuando llega el momento de combatir un mal mayor que amenaza todo el reino, se muestra como un gran guerrero capaz de decantar a su favor cualquier batalla donde la magia no esté presente.
Mientras no hay batalla que librar, el hombre es un mujeriego con mal ojo para sus conquistas. En Willow pudimos verle con una mujer casada y a punto de ser pillado por el marido de ésta. Lo que le salvó al principio fue vestirse de mujer y casi dar el pego, hasta que lógicamente se descubrió el pastel, pero era de esperar. Posteriormente Madmartigan se encaprichará de Sorsha, la hija de la malvada reina Bavmorda. Aunque en este caso hay que puntualizar el hecho de que Sorsha terminará ayudando a los protagonistas en su lucha final contra Bavmorda, y también se sentirá atraída por nuestro chulo de la espada.
¡Vamos, atreveos conmigo!
Por otra parte, Madmartigan cabalga como nadie sobre la cabeza de una bestia de varias cabezas que además echan fuego, maneja los carros con una soltura en batalla que ya querría más de uno, y sabe tirarse de empinadas y nevadas montañas como nadie sentado sobre un escudo. Si además está borracho de polvos de amor de los brownies, le veréis recitar poesía con pasión, aunque lo esté haciendo en territorio enemigo y frente a una de las personas que quiere matarle aunque posteriormente se enamore de él. En definitiva, estamos ante todo un personaje que suele verse poco en las películas de espada y brujería, donde parece ser un requisito que la picardía o la chulería no puedan ir conjuntamente en un mismo personaje.
Y esto es todo por hoy estimad@s internautas. ¿Qué os parece este personaje? ¿Os gustó en Willow?
Ichiro Inuyashiki es un hombre de 58 años que sufre de una vejez anticipada. Aparenta más años de los que tiene y sufre de dolores de espalda y un cansancio rutinario con el que está acostumbrado a convivir. Oficinista, vive con su mujer y su hija y su hijo, quienes lo tratan como a un abuelo e ignoran continuamente. Sin amigos más allá de los compañeros de trabajo, lo único que parece dedicarle algo de atención es su perra Hanako. Su desgracia parece alcanzar su cenit cuando se le diagnostica un cáncer terminal. Incapaz de decírselo a nadie, una noche decide ir a un descampado con la excusa de sacar a su mascota, para poder desahogarse y aceptar su inminente muerte. Cuando llega allí se encuentra únicamente con un joven, pero su encuentro apenas dura unos instantes, ya que justo en ese momento se producirá una misteriosa explosión que lo cambiará todo.
Al despertar, Inuyashiki descubre que su débil cuerpo ha sido sustituido por uno mecánico y prácticamente indestructible, que además cuenta con una gran variedad de armas, al parecer de origen extraterrestre. Aceptando su nueva naturaleza, intentará utilizar sus recién adquiridas habilidades para ayudar a los demás y salvar vidas.
Una de las escenas donde se mezcla 3D y anime tradicional.
Inuyashiki: The last hero es la adaptación al anime del manga de ciencia ficción escrito y dibujado por Hiroya Oku el creador de Gantz. Con tan solo 11 episodios, esta obra ha conseguido cautivarme por completo. Su dirección, su argumento, la caracterización de sus personajes y el trasfondo detrás de todo forman una combinación brutal y explosiva como los misiles que lanza nuestro protagonista con el antebrazo.
Hay que tener cierta paciencia con él. El primer capítulo es un tanto desconcertante. La serie toma la arriesgada decisión de mezclar la animación 3D con la tradicional, y aunque esta apuesta es lanzarse a la piscina de cabeza, por suerte la piscina estaba llena. Cada vez son más las series de animación que apuestan por este nuevo formato. Tenemos desde las que se presentan íntegras, militantes de este estilo desde la opening hasta el endig, hasta las que van incorporando poco a poco pequeñas dosis aquí y allá. El CGI lleva ya un tiempo siendo un recurso habitual en los efectos especiales del anime, e Inuyashiki da un paso más allá en este aspecto. Las primeras escenas resultan chocantes y quizá algo robóticas, pero eso se debe a que se presentan de golpe, de forma un tanto injustificada. Sin embargo, una vez te acostumbras, en la mayoría de los episodios posteriores resultan espectaculares e impactantes, dándole una dinámica especial y completamente única a sus escenas de acción, las cuales están muy bien conseguidas. Sí que es cierto que estas son escasas, pero el ritmo de la serie es frenético y no necesita de grandes batallas para enganchar.
En lo que respecta a la parte de animación estilo anime tradicional, bien es cierto que flojea un poco. No es nada del otro mundo. Se ve que han contado con un gran presupuesto y por ende los movimientos se sienten fluidos y no hay ningún error grave ni nada fuera de tono, pero claro, seguramente la mayoría de los fondos hayan ido a parar a la financiación de las escenas 3d, por lo que dentro de la estándar, tiene algunas carencias. Los rostros buscan un realismo que a veces no se llega a conseguir del todo, y hay exceso de escenas donde las expresiones son dramáticas de más. No tienen término medio. Se pasa de la neutralidad, al llanto extremo con mocos y lagrimones. A su vez, las risas se sienten algo forzadas, pero esto se debe más a unos seiyuus que actúan sin matices: si hay risa, carcajada falsa, si hay llanto, gritos a lo Shingeki.
A veces peca un poco de dramática, pero merece la pena.
La historia es un tanto simple, pero está tan bien trabajada que hace que se nos olviden las pocas grietas de su guion. Uno de estos fallos es el origen ex machina(nunca mejor dicho) que tiene. Todo empieza de repente, por una casualidad que no se nos explica en ningún momento. Sin embargo, esto que puede dar la sensación de ser un cabo suelto, termina siendo una de las principales premisas de las obra.
Es el trasfondo lo que me ha hecho olvidarme de sus defectos y enamorarme de ella. Cómo os podréis imaginar y esto no es ningún spoiler, el villano de la serie es el otro joven, quien también se convertirá en máquina. Gran parte de la trama sucede desde la perspectiva del mismo, llegando a pasar más tiempo a su lado que junto a Inuyashiki. Esto tiene un motivo, el mensaje que la obra nos repite en cada plano: nuestros mayores son los verdaderos héroes. La serie muestra continuamente a los jóvenes como irrespetuosos, gamberros y vándalos. Solo hace falta escuchar los diálogos de los personajes irreverentes que sirven de transición. Siempre que habla un joven es para decir una tontería o algo inverosímil. ¿Acaso Hiroya Oku está en contra del espíritu rebelde de los jóvenes? No, esto va mucho más allá. Japón es uno de los países con la población más envejecida del mundo, lo cual supone un gran problema para su economía, ya que los sistemas de pensiones son insostenibles. Por este motivo, muchos jóvenes desprecian a la población anciana. Lo que esta serie pone de manifiesto es la importancia que esta generación ha tenido en la historia del país del sol naciente. El Japón joven y tecnológico que muchos conocemos no hubiese sido posible sin el inmenso trabajo de los niños de la posguerra, quienes trabajaron sin descanso y con mucho sacrificio para reconstruir un país en ruinas.
Enorme mensaje para un anime muy bien trabajado.
Compartas o no este mensaje, desde luego que el señor Inuyashiki se merece un respeto, ya que no solo es un gran manga, sino que también cuenta con un gran anime y… ¿¡UN LIVE ACTION QUE NO ES UNA BASURA!? Solo por eso ya debería ganarse los vítores de muchos, ya quisiese Kira una película así…
Recién acabado el Horizon Zero Dawn me ha surgido la idea de hacer este artículo y es que Aloy, la absoluta protagonista del juego y salvadora de la humanidad, es uno de los personajes femeninos que más me ha gustado en los últimos años. Hay que decir que Guerrilla, desarrolladora del juego, puso mucho de su parte, y es que conocemos a Aloy desde que nace por lo que la empatía con el personaje que manejamos es instantáneo. Sin más dilación nos ponemos con la lista, una lista personal e intransferible. Si no estás de acuerdo con ella o piensas que hubieses incluido otras déjanos en los comentarios tu propia lista.
Muy buen juego. Nos encontramos en una París distópica, en el año 2084. Sensen es un implante de la compañía Memorize que permite a la gente digitalizar sus recuerdos y compartirlos. En el juego controlaremos a Nilin, una cazadora de recuerdos. A lo largo del juego podremos examinar los recuerdos de nuestros objetivos para así poder evitar peligros en el presente, además podemos alterar algunos detalles de los recuerdos de alguien para modificar su comportamiento. Muy buen personaje el de Nilin.
Ellie en The Last of us.
Todo un clásico ya y con segunda parte en ciernes. Ellie personaje femenino que apenas es una niña, pero vivir en un apocalipsis de infectados la hace ser fuerte e independiente como veremos en más de una ocasión. The last of us cuenta con uno de los mejores prólogos de los últimos años. En él, conocemos al otro personaje protagonista, Joel. Ambos emprenden a lo largo del juego un viaje hacia la esperanza, Ellie es la llave de la cura. Para llegar al Hospital donde debe ser tratada su sangre viviremos mil dramas. Uno de los mejores juegos, no solo del siglo XXI sino de la historia.
Lara Croft en Tomb Raider.
Nunca un reboot fue tan aplaudido. Estamos ante uno de los personajes icónicos en la historia de los videojuegos. ¿Quién no ha tenido una amiga en la juventud que quisiera ser arqueóloga? A la nueva saga le ha seguido su adaptación cinematográfica, tampoco nada desdeñable. La Lara Croft del siglo XXI ha venido para hacer leyenda.
Nadine Ross, Chloe y Elena Fisher en la saga Uncharted.
Pesonajes fuera de todo cliché de lo que suele ser la mujer en los videojuegos. Tres personajazos. Elena, con su humor, amor y comprensión. Pero no es la damisela en apuros que necesita que el bobo de Nathan Drake acuda en su rescate. Ella se vale y suele ser al revés. Ha ido al rescate de su marido en más de una ocasión. Chloe es la más parecida a Nathan. Buscadora y ladrona de tesoros es quizás la más sexualizada de las tres, aunque viene motivado por el juego (sexual) que mantiene con Drake en el segundo juego de la saga. En El legado perdido abandona ese rol para ser quien guie a Nadine en la búsqueda del tesoro. Cierra el terceto, Nadine Ross, mercenaria. En el cuarto juego le da a Nathan una buena tunda. Aunque en dicho juego tiene típico papel de villano que corre tras Nathan, en su continuación, El legado perdido, se nos muestra como protagonista, con emociones y más empatía. Por ello las mujeres de la saga Uncharted merecen estar en esta lista.
Madison Paige, Jodie Holmes y Kara, las mujeres de David Cage.
Madison Paige es uno de los cuatro personajes jugables del juego Heavy Rain, junto con Ethan Mars, Norman Jayden y Scott Shelby. En el juego tenemos que averiguar quién es el asesino del Origami. Madison es una periodista que sufre de insomio. Por una parte si puede parecer su personaje un poco cliché al cuidar de Ethan, pero a lo largo del juego se torna como indispensable en la investigación del caso. Jodie Holmes es la protagonista del videojuego Beyond: Dos Almas, interpretada por la actriz Ellen Page. El argumento del mismo sigue su vida (desde los 8 hasta los 23 años). Jodie tiene un secreto y es que tiene una entidad que la sigue a todas partes, Aiden. Uno de los mejores personajes escritos por David Cage. Vamos conociéndola desde que es una cría. Con miedo a Aiden porque no sabe lo que es. Conforme van pasando los años esa inseguridad y miedo no desaparecen pero ella va adquiriendo más fuerza y seguridad gracias a Nathan Dawkins quien trabaja como científico para el DPA, un departamento gubernamental encargado de investigar los fenómenos paranormales que aparecen. Él practicamente se convierte en su padre adoptivo. Y por último tenemos a Kara, un androide en el último juego de Quantic Dream, Detroit Become Human. Su principal función es la de cumplir labores en el servicio doméstico. Los problemas comienzan cuando androides como Kara toman consciencia. Empieza a sentir, a tener emociones, a tener empatía.
Faith de Mirror´s Edge.
Protagonista de dos juegos fallidos. Pero merece estar con todos los honores en esta lista. Faith forma parte de los Runners, que luchan a su manera contra el régimen totalitario que impera en La Ciudad. Ciencia ficción distópica, Mirror´s Edge aspiraba a convertirse en uno de los grandes de la anterior generación, pero tal como llegó se fue. Es uno de los casos en el que el carisma del personaje se impone, y con creces, al propio videojuego. Es por ello que Faith Connor ocupa con todo merecimiento un lugar en nuestra lista.
Elizabeth de Bioshock Infinity.
Vale que no es un personaje jugable ¿Y? Está por méritos propios porque hablamos de uno de los grandes juegos de los últimos diez años y ella es el alma de la historia. Booker Dewitt, nuestro personaje al mando, no le llega ni a la suela de los zapatos en carisma a Elizabeth, cierto es que puede parecer la típica mujer en apuros (pero es que lo está) y Dewitt puede parecer que saldrá como en los cuentos clásicos al rescate de la princesa, pero nada más lejos de la realidad. Hay que tener en cuenta que Elizabeth es una mujer de 19 años que ha estado prisionera en Columbia desde que era una niña. Pero una vez que coge confianza es la compañera perfecta.
Aloy de Horizon Zero Dawn.
Es impresionante este juego. Y yo he tardado en darle su oportunidad. Desde que empieza te enamoras del personaje y es que hacía años que no veía tanto cariño en la presentación de un nuevo personaje. A Aloy la vemos nacer, jugamos con ella siendo una niña de cinco años y luego cuando ya es joven y se tiene que enfrentar al mundo real. La manera en la que empatizas con el personaje es en definitiva brutal. ¿La historia? Una delicia de la gente de Guerrilla Games pero que gana enteros gracias a la personalidad de Aloy quizás el mejor personaje femenino del siglo XXI para este que os escribe.
Bayonetta.
La verdad es que me he pensado mucho si meterla o no en la lista por lo sexualizado del personaje, máxime cuando esta lista huye del canon de la hipersexualización y Bayonetta es justamente eso. Pero si es verdad que es la protagonista de una saga de videojuegos y que no necesita ningún compañero que la ayude en su cruzada. ¿Quién es Bayonetta? Es una bruja que no recuerda nada sobre su pasado. Va armada con dos pistolas en las manos (Hay que resaltar esto por lo que viene a continuación) y otras dos en los tacones, porque ella lo vale. Hay que reconocer que el personaje derrocha personalidad y al fin y al cabo es lo que buscamos en esta lista, heroínas, mujeres que no necesitan ningún armatoste guapo al lado que la tenga que rescatar.
Lo dejamos en nueve, he omitido otros personajes simplemente porque no los he jugado y no he vivido la experiencia. ¿Qué personaje añadirías a la lista?
Bongou Stray Dogs es una idea tan maravillosa como ridícula. Esta obra de acción detectivesca basada en el mangade Kafka Asagiri y Sango Harukawaha ha conseguido cautivar a miles de espectadores a lo largo del mundo, que esperan impacientes a su tercera temporada. Pero… ¿de qué trata? Bien, la idea es simple. Un grupo de personas con habilidades sobrenaturales se asocian para luchar contra el crimen en Japón. Hasta aquí la originalidad brilla por su ausencia. Sin embargo, este anime cuenta con una baza muy interesante y que da un enfoque diferente al resto. La literatura. Pues cada personaje está relacionado con un gran genio de la escritura nipona. Los nombres de cada uno de ellos están relacionados con un escritor, y sus habilidades especiales se corresponden directa o indirectamente con alguna de las obras del autor.
Esta mezcla, que aparenta ser caótica en un principio termina convirtiéndose en un completo acierto, y en un triunfo por parte de estudio BONES, que con su adaptación al anime ha cosechado una enorme cantidad de seguidores, aficionados a la literatura y el anime. ¿No es una combinación hermosa?
Nuestro protagonista Atsushi Nakajima, es un huérfano de 18 años que ha sufrido varios abusos y agresiones por parte de los trabajadores del orfanato. Una vez cumple su mayoría de edad, estos deciden expulsarlo, coincidiendo este hecho con una serie de misteriosos ataques de un tigre blanco que está sembrando el caos en la ciudad. Sin lugar a dónde ir y con miedo a ser presa del feroz animal, nuestro protagonista se encuentra casualmente con un tipo que ha intentado suicidarse lanzándose a un río desde un puente. Tras rescatarlo, un hombre rubio y trajeado entra en escena reclamando la presencia del suicida. Para agradecer la ayuda del joven ambos deciden invitarle a comer, pero pronto descubrirá que el ofrecimiento no es sino una excusa para interrogarlo acerca de los incidentes del tigre blanco. Aquellos dos misteriosos hombres dicen formar parte de una agencia detectivesca que lucha contra el crimen organizado, de modo que Atsushi se verá en la obligación de colaborar. ¿Cuál será la relación de este pobre huérfano con el animal?
Como no podía ser de otra forma, el punto fuerte del anime son los personajes. Desde un primer momento hay una clara división entre héroes y villanos. Todo lo relacionado con las actividades ilegales en la ciudad de Yokohama, está relacionado de alguna manera con una organización llamada Port Mafia. Los miembros de esta temible banda criminal cuentan con poderes sobrenaturales por ello, solo aquellos con capacidades similares podrán hacerles frente. Es aquí cuando aparece la Agencia Armada de Detectives.
A la izquierda los integrantes de la Port Mafia, a la derecha los miembros de la Agencia Armada de Detectives.
Desde luego la idea es muy típica, pero su premisa logra crear un elenco cuanto menos interesante. Este peculiar cuerpo policial está formado por:
Osamu Dazai: Este misterioso joven está obsesionado con el suicidio. Su único objetivo es encontrar una muerte bella, bien de una forma heroica, romántica o trágica, sin embargo siempre acaba fallando en su tarea. Su poder “Indigno de ser humano”, le permite inutilizar las habilidades de sus oponentes cuando él lo desee.
Doppo Kunikida: Líder de operaciones, este esbelto y elegante caballero cuenta con una libreta donde apunta absolutamente todos sus objetivos y tareas. Según él, la vida no tiene sentido más allá del orden. Su habilidad “Doppo Gingaku” le permite crear objetos de la nada, solo con escribir su nombre en la libreta.
Junichiro Tanizaki: Un chico normal, amable y humilde. No tiene ninguna tara aparente, pero mantiene una relación un tanto extraña con su hermana menor quien demuestra un amor un tanto excesivo y sobreprotector hacia él. Su habilidad “Nieve ligera”, le permite crear ilusiones allá donde se depositen los copos de nieve que crea.
Akiko Yosano: La enfermera de la Agencia casi siempre muestra una cara amable y servicial y precisamente ahí está el problema en el casi. Su habilidad “Tú no debes morir” le permite curar heridas y enfermedades de elevada gravedad, aunque a través de un método… poco ortodoxo.
Rampo Edogawa: De estatura baja, y muy orgulloso, está considerado como la persona con mayor capacidad de deducción del mundo. Una vez que se coloca sus gafas su habilidad “Super deducción” deja al descubierto su enorme potencial.
Kenji Miyazawa: El miembro más joven de la agencia es un chico de 14 años muy inocente y despreocupado. Su habilidad “Invicto por la lluvia” le otorga una fuerza y resistencia sobrehumana aunque suele puede utilizarla con el estómago vacío, quedándose dormido al comer.
La serie en sí es algo estándar, y no se libra de varios tópicos propios del género. El argumento no es que sea la gran cosa pero merece la pena observar cómo se desarrollan estos individuos dentro de un universo que gira entorno a las mejores obras de la literatura japonesa. Como pequeño aliciente, si para ti el mundo de las letras asiático te resulta ajeno, no te preocupes, no es imprescindible conocer a los escritores, aunque buscar algo de información transforma en cierta medida la experiencia de la obra. Desde luego la fórmula parece funcionar, la serie ya cuenta con una segunda segunda temporada en la que aparecen también grandes referentes de la tradición occidental, una película y una tercera temporada a la vuelta de la esquina. Así que ya sabéis, si queréis darle una oportunidad a esta original propuesta aprovechad, pues este abril vuelve con la tercera temporada.
Con los tomos 11 y 12 de la Colección Jim StarlinPanini Cómics finaliza la reedición del material de Starlin para la Marvel de los noventa. En particular, estos dos tomos contienen la tercera y última parte de la popularmente conocida como La Trilogía del Infinito. Se trata de La Cruzada del Infinito, serie limitada de 6 cómics, tres de ellos publicados en el tomo 11, La Cruzada del Infinito: Primera Partey los otros tres en el tomo 12, La Cruzada del Infinito: Segunda Parte.
A diferencia de las otras dos partes de este Trilogía Cósmica, El Guantelete del Infinito y La Guerra del Infinito, La Cruzada del Infinito se ha recopilado en dos tomos. La razón es el material complementario, que añade matices e información para comprender mejor a cada uno de los cómics que componen el evento central. Te hablo de Warlock Chronicles #1-#3 (93) y Warlock And The Infinity Watch #18-#19 (93) USA, contenidos en el tomo 11, y Warlock Chronicles #4-#5 (93) y Warlock And The Infinity Watch #20-#22 (93) USA colocados en el 12. Un evento de esta magnitud tocó a multitud de cabeceras del Universo Marvel pero, al ser Jim Starlin el guionista de las mencionadas, son las que mejor están encajadas dentro de La Cruzada del Infinito y las verdaderamente importantes, como ya ocurriera con La Guerra del Infinito.
Si bien uno no deja de tener la impresión que aquí empiezan a verse los síntomas que conducirán a la debacle de Marvel, en el 96. A saber, la tendencia a inundar el mercado de títulos de dudosa calidad y alrededor de sus eventos, para ahogar a la competencia y sacarles los cuartos a sus lectores. El ejemplo es Warlock Chronicles. Si ya Starlin tenía Warlock And The Infinity Watch para tratar a sus personajes favoritos, en paralelo a sus sagas cósmicas, ¿qué necesidad había de un segundo título, en el que manejar sólo a Warlock y Thanos? Eso le obligaba a distribuir sus plantamientos entre una y otra colección, alargándolos innecesariamente. Si bien Starlin es mucho Starlin y aguanta el tirón, la diversificación de cabeceras lo debilita. Por no decir que los dibujantes de Warlock Chronicles, Tom Raney y Kris Renkewitz, son de una calidad cuestionable. En mi opinión, no son de los peores dibujantes de los 90, pero tampoco sus trabajos son maravillas. Simplemente aguantan el tipo al intentar plasmar al papel las ideas de Starlin, en un título que no pasará de los 8 números. Como he dicho al principo, Warlock Chronicles es el reflejo de una Marvel que empieza a estar más interesada en vender como churros que en ofrecer productos de calidad.
¿De que va La Cruzada del Infinito?
Si en La Guerra del Infinito el adversario era el Magus, la parte malvada de Adam Warlock, en La Cruzada del Infinito la parte bondadosa del mismo, la autoproclamada Diosa, es el enemigo a combatir. La Diosa encarna el bien llevado a tal fanatismo que no tendrá reparo en tratar de exterminar toda vida en la galaxia para alcanzar una enfermiza armonía cósmica.
Para lograrlo, La Diosa se servirá de Los Cubos Cósmicos, arrebatados al Magus en La Guerra del Infinto, para manipular las mentes de muchos de los superhéroes Marvel, haciéndoles creer que es una especie de nuevo Mesías, que busca traer la paz al Universo. Por ello se acercará a los personajes que poseen una mayor firmeza en sus convicciones, también a los que han tenido experiencias con entidades místicas o rigen sus vidas por un credo.
Esto provoca una especie de guerra religiosa entre la comunidad superheróica. Por un lado los conversos de La Diosa y, por otro, los no conversos, entre los que se encuentran Warlock y Thanos. Estos son los únicos que llegan a comprender las intenciones de La Diosa, por lo que serán los responsables de detenerla.
Valoración personal de La Cruzada del Infinito
Se podría decir que La Diosa es una villana a la medida de Starlin, dada su predilección a la crítica de los fundamentalismos religiosos, a raíz de las experiencias en su niñez. Además de mostar que los extremos se tocan y son igual de peligrosos. Si el Magus era la parte oscura de Warlock, que pretendía sumir el cosmos en una visión retorcida de si mismo, La Diosa pretende hacer lo mismo pero a la inversa. Considera que la vida está tan corrompida que la única forma de purificarla es acabar con todo para volver a empezar con sus conversos. Por lo que es tan peligrosa como el Magus o más. Porque, en su maldad, el Magus podía ser más previsible, mientras que La Diosa, al disfrazar sus intenciones, el genocidio universal, a través de lo que muestra a sus fieles, el deseo de una paz cósmica, puede engañar con mayor facilidad. Al final no es mejor que el Magus.
A favor de Starlin hay que decir que no trata de polarizar las dos posiciones, creyente y no creyente. Así nos encontramos personajes como La Bestia o La Antorcha Humana que se describen como creyentes pero no han sido escogidos por La Diosa y otros, como Silver Surfer o Thor, que consiguen escapar de su influencia. Probablemente el problema de Starlin es la cantidad de personajes que tiene que manejar en esta saga, lo que hace que se resienta su crítica al fanatismo religioso. Aparte, dicha crítica queda algo desdibujada porque los personajes que aceptan seguir a La Diosa lo hacen por control mental, no voluntariamente. Pero es que los que no lo hacen, no acaban mejor porque son objeto de los tejemanejes de Warlock y Thanos para detener a La Diosa.
Así que, los superhéroes en general son incapaces de lidiar con el problema. Son utilizados en un bando y en otro a favor de los personajes marginados de Starlin. Personajes de moral más ambigua, que viven a su aire, lo que los coloca en una posición privilegiada a la hora de juzgar todo tipo de religiones y de política. Marca de la casa de Starlin, que sigue manteniendo en la actualidad, frente a la tendencia a la militarización y a la excesiva politización de los superhéroes en general. Como dirá Thanos al final de esta historia, las respuestas siempre están en cada uno, no en partidos políticos o en instituciones religiosas. De ahí la constante búsqueda de conocimientos de este personaje, para no errar en sus decisiones. Aparte de que Thanos, al igual que Warlock, es un ser que se rige por la razón. Si bien ambos tienen una faceta emocional, han aprendido a saber dejarla al margen cuando es necesario. No son seres amorales pero no dejan que la moral les condicione. Probablemente en eso reside el atractivo de estos dos personajes. Producen atracción y repulsión a partes iguales, al recordarnos que, dada la tendencia del ser humano a los extremos, se han de intentar tomar decisiones con la cabeza fría, aún sabiendo que no siempre se nos apreciará por ello. Algo claramente ejemplificado en Warlock. Salva a La Tierra a consta de manipular a sus compañeros superhéroes, lo que genera su antipatía.
En lo que se refiere al dibujo, aparte de lo comentado sobre Warlock Chronicles, en The Infinity Crusade tenemos a un cumplidor Ron Lim y en Warlock And The Infinity WatchAngel Medina se alterna con Tom Grindberg. El primero sigue siendo muy bueno, del segundo mejor olvidarse. Así que si no eres muy exigente en el apartado artístico y te gustó La Guerra del Infinito, La Cruzada del Infinito te agradará. ¡Acercate a la saga que supuso la despedida de Starlin de los grandes eventos de Marvel!
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