Clase Letal (Deadly Class en el original) es la última adaptación televisiva de un cómic que podemos ver en nuestras pantallas. Desde esta web vamos a analizar cada episodio para desgranar todos los detalles y acercaros nuestro punto de vista sobre esta serie que nos ha enganchado desde el primer capítulo. Aunque la serie es de SyFy, en España se puede ver a través de la plataforma de HBO.
Lo primero que hay que señalar es que es una serie muy alejada del tono superheroicos de otras producciones ya que está basado en un comic independiente de Rick Remender y Wes Craig que publica la editorial Image. Su principal aval está en que es el propio Remender el líder del proyecto y tiene a los hermanos Anthony y Joseph Russo (responsables deVengadores: Infinity War y de su venidera secuela) como productores.
Los protagonistas de Clase Letal
El argumento no es demasiado original a priori. Marcus López (Benjamin Wadsworth) es un adolescente huérfano que vive como desamparado en el San Francisco de 1987. La policía le persigue ya que es el principal sospechoso de unos cruentos asesinatos ocurridos en un hogar para jóvenes-reformatorio. Todo parece indicar que el joven Marcus es un asesino despiadado y eso llama la atención del Maestro Lin (Benedict Wong), quien le ofrecen la oportunidad única de ingresar en King’s Dominion, una escuela de élite con la misión de entrenar asesinos perfectos.
En dicha academia se dan cita los hijos de las organizaciones criminales más peligrosas del mundo (yakuza, mafia, carteles sudamericanos, supremacistas arios…) buscando convertirse en los mejores asesinos del mundo gracias al dinero que pagan sus padres (como si fuera una escuela privada de la muerte). Marcus es un «becado», elegido por el propio Maestro Lin por el potencial que ve en el para ser un asesino de esos que pueden cambiar el mundo.
Y es que ser un asesino no es algo intrínsecamente malo. Se puede elegir hacer el mal pero también acabar con la vida de criminales, pederastas o banqueros y jefes de estado corruptos. Es la persona que mata la que decide su propio camino.
El Maestro Lin y los alumnos de King’s Dominion que serán los compañeros de Marcus
La idea de una academia peculiar no es nueva. Podemos encontrarla en muchas historias, desde Harry Potter a los X-Men. Además el hecho de que el protagonista sea un inadaptado sin recursos en una institución de alto standing también lo hemos visto recientemente por ejemplo en Élite. Pero lo novedoso de Clase Letal son las enseñanzas de la escuela (asesinatos), la atmósfera que envuelve la historia y la manera de contarla.
Por otro lado es interesante el marco temporal en el que está inscrita. Parece que hay un boom de nostalgia por los dorados años ochenta, pero en Clase Letal esa década no es todo lo bonita que algunos recuerdan. La vida de Marcus está marcada por una tragedia derivada de los recortes sociales producidos en el mandato del presidente Reagan, por eso nuestro protagonista se marca como objetivo el asesinato de dicho mandatario. Además vemos el peso que tenían en esos años las organizaciones criminales y como asentaron sus bases de poder para ser lo que son ahora sin el más mínimo control por parte de los gobiernos.
King’s Dominion es una escuela con alumnos muy… peculiares
Como en muchas producciones americanas enmarcadas en institutos y universidades, vemos un ecosistema propio basado en la pertenencia en un grupo concreto. La gracia de esta serie es que aquí no vamos a ver a los deportistas, las animadoras, los frikys y demás familias. Aquí los grupos están basados en las organizaciones criminales a las que pertenecen los jóvenes asesinos. Y nuestro protagonista no pertenece a ninguna, lo que hace que siga siendo un inadaptado, aunque al final encuentre su sitio entre los punks y anarquistas y consiga hacerse con amigos de otros grupos (todo lo amigos que pueden ser unos asesinos, aunque hay alguno que no es tan fiero como quiere parecer). Como principales compañeros de Marcus tendremos a Willie Lewis (Luke Tennie), un pandillero afroamericano durísimo y al joven punk Billy (Liam James).
Tampoco podían faltar los líos amorosos en una serie protagonizada por adolescentes. Desde el primer momento Marcus se ve atraído hacia la misteriosa yakuza Saya Kuroki (Lana Condor) pero la chica que se le acerca es la mexicana Maria Salazar (María Gabriela de Faría), que se muestra muy interesada en nuestro protagonista, aunque como todo en Clase Letal, esta atracción es un arma de doble filo. Los asesinos no solo tienen que saber usar las armas, los más peligrosos pueden actuar de maneras mucho más sibilinas.
Saya y Marcus forman una pareja interesante y llena de contrastes
La serie de Clase Letal es muy fiel al comic original. Ya hemos dicho que el guionista Rick Remender es el productor ejecutivo de la serie y eso se nota. No solo en una fidelidad al argumento del cómic (que parece seguir casi punto por punto) sino también en la atmósfera que rodea a la historia.
En este sentido cobra mucha importancia la banda sonora. En el cómic hay muchas referencias a los gustos musicales de los protagonistas, unos gustos un tanto alejados de la música más comercial de la época en la que está enmarcada la historia. En este episodio brillan los sonidos electrónicos sombríos, en suma a éxitos alternativos de la década que incluyen piezas de Depeche Mode, Echo and the Bunnymen, The Sisters of Mercy y Killing Joke, ayudando a distinguir la atmósfera propia y personal de esta serie.
Maria Salazar, una sexy asesina con secretos ocultos
Además retoma muchos de los aspectos visuales del cómic original que se ven en el aspecto de los protagonistas (bastante buena la elección del casting), las localizaciones e incluso algunas escenas de acción. Tan fiel es el aspecto visual que incluso incluye secuencias animadas (sobre los recuerdos traumáticos de Marcus) que reflejan el estilo del arte de Wes Craig.
Y como guinda para los amantes al cómic, atentos a la conversación que mantienen Marcus y Willie, discutiendo sobre que es mejor, si el cómic independiente de la época o la saga de Fénix Oscura de los X-Men. ¿De qué lado estas tú?
En resumen, este primer episodio de Clase Letal sin duda cumple con las expectativas de un piloto y cumple su cometido de enganchar a la audiencia con su presentación.
¡Saludos vaqueras/os! Tanto si lo sabéis como si no, no es mi primer artículo dedicado al western y tampoco será el último, porque es uno de los géneros que más me gustan y no me canso de compartir mi aprecio por él con toda persona dispuesta a oírme o leerme como en este caso. Así que, tras haberos hablado hace poco de La balada de Buster Scruggs (el último western estrenado en Netflix hasta la fecha), escribir en su día sobre la serie Deadwood, y haberos hecho un top con mis películas favoritas de 1990 a 2018 (no os preocupéis, tarde o temprano iré haciendo otros tops de otras décadas), hoy me he decidido a hablaros simplemente del género y las razones por las que a mí me gusta y pueden explicar el hecho de que el western nunca muera. Por si queréis leerlos, os dejo enlazado mi top de 1990 a 2018.
Creo que casi todo el mundo conoce al menos una persona que, o bien es amante del western, o conoce a su vez alguna persona que lo es, por lo que no suele ser difícil estar conversando con alguien de cine, series, cómics o incluso libros y que se mencione eso. Esto lo digo en el sentido de que muchas veces se considera un género de interés minoritario en los tiempos actuales, pero curiosamente siempre hay personas que lo disfrutan, independientemente de su edad. Y es por ello que pasen los años que pasen, nos sigamos encontrando con más y más productos para disfrutar de esto.
Sin ir más lejos, mi primer cómic publicado como guionista, «Un disparo en el desierto« (podéis conseguirlo por amazon o encargándolo en tiendas de vuestras ciudades) es una historia de western, cargada de mala leche y duelos entre forajidos, por lo que queda claro lo que me gusta el género, y me alegra comprobar a menudo que siga vivo en distintos campos como los que mencionaba en el párrafo anterior.
¿Y qué tiene el western para gustar tanto? Pueden ser muchas las respuestas. Por ejemplo hay westerns donde se retrata la amistad de un modo que no te deja indiferente, en especial en aquellas historias donde varias personas, se conozcan de toda la vida o de hace poco tiempo, no se dejan tiradas cuando las cosas vienen mal dadas, que suele ser a menudo. También tenemos como gran aliciente el elemento crepuscular, cuando se retratan las vivencias de uno o varios pistoleros que terminarán afrontando su último tiroteo o sus últimas cabalgadas. No hay que olvidarse de ese lenguaje tan directo que tienen los westerns, donde asistimos a una frase lapidaria tras otra cuando se avecina un conflicto que se terminará resolviendo de un modo que dejará el polvo cubierto de sangre. También esta esa sensación de que en este tipo de historias, y cuando hay un tipo que es el malo malísimo, ya puede ser lo retorcido y sádico que sea que siempre habrá alguien que acabará con él, estando la gracia en paladear ese momento cuando llegue.
La portada del cómic que escribí.
También están los paisajes, que suelen ser de enorme belleza natural. Estoy seguro de que toda persona amante de los westerns habrá visto más de un paisaje espectacular de fondo en la historia que haya visualizado, fuera cual fuese. Es cierto que en lo que a los poblados se refiere vienen a ser todos muy similares, pero es por eso que la belleza está en los caminos que se han debido recorrer para ir de un lado a otro. En estos casos películas sobre buscadores de tesoros o pistoleros que persiguen a otros es donde más se aprecia el elemento visual de los paisajes, aunque no es algo exento en otros tipos de historias.
Y es que, aunque parezca un género simple en cuanto a algunas de las historias que se cuentan, eso importa poco cuando lo que has disfrutado es todo el cóctel de ingredientes que has degustado en cada aventura. ¿Que quieres mamporros? Ahí estaban Bud Spencer y Terence Hill repartiendo estopa en el lejano oeste. ¿Que quieres tipos sucios y auténticos? El amigo Clint Eastwood daba una lección magistral en la trilogía del dólar del gran Sergio Leone. ¿Quieres diálogos ingeniosos y mala leche en abundancia? Tarantino te dará una buena ración. Y esto son sólo unas poquísimas preguntas que podemos hacernos respecto a este género.
Mucha gente tiene la tendencia de resumir el western diciendo que son historias de indios y vaqueros, pero es que es mucho más. Claro que hay películas, libros, cómics y demás de indios y vaqueros donde no se profundiza mucho en ninguna de la psicología de las dos partes, pero del mismo modo hay maravillosas historias donde podemos sentir una enorme empatía por los indios y su deseo de llevar una vida en paz, o por los habitantes de algún pueblo atemorizados por una banda de forajidos, o por esos buscadores de oro que sin tener nada en los bolsillos depositan su esperanza en encontrar oro. Creo que una de las virtudes de muchas historias del western es que el espectador o el lector termina empatizando con algún personaje o situación. Que sí, eso pasa en cualquier género, pero por eso mismo no hay que simplificar el western como indios y vaqueros.
Mucha mala leche condensada en estas personas.
La amistad y la camaradería, las búsquedas de un mejor y nuevo horizonte para muchas vidas desdichadas, las vivencias de jugadores de póker, las historias de indios y su relación con la tierra o su modo de vida, las vendettas entre pistoleros, los viajes en diligencia o en caravana, son tantas las diferentes historias y elementos que nos podemos encontrar en este género, que es imposible quedarse indiferente ante él.
Y con esto os dejo por hoy gente, os animo a compartir en la sección de comentarios todas las razones por las cuales os gusta el western, así como cualquier otra cosa que queráis compartir. ¡Hasta otra!
Ya tenemos el tráiler de la nueva película arácnida de Marvel Studios. Peter Parker y sus amigos se dan un paseo por Europa en Spiderman: Lejos de casa, película en la que Jon Watts repite en la silla de director, quedando el guión en manos de Chris McKenna y Erik Sommers, quienes ya participaron en el guión de Spider-Man: Homecoming junto a Jonathan Goldstein y John Francis Daley (desplazados a DC para hacerse cargo de The Flash). En el papel protagonista repite Tom Holland, así como Zendaya, Marisa Tomei y Jacob Batalon. Destaca la presencia de Cobie Smulders como Maria Hill y Samuel L. Jackson como Nick Furia, recobrando un protagonismo en el UCM que habían perdido desde Capitán América: El soldado de invierno. El papel de villano recae en Jake Gyllenhaall como Mysterio, aunque parece que en esta ocasión serán más anti-héroe que villano.
Spider-Man: Lejos de casa tiene su fecha de estreno prevista para el próximo mes de julio, justo después de Vengadores: Endgame, donde ya sabremos como regresan todos aquellos que desaparecieron con el chasquido de dedos de Thanos. Antes de dejaros con el tráiler os dejo con el enlace a un artículo donde repasamos lo que ha dado de si Tom Holland como Spider-Man y con el imprescindible tráiler de Vengadores: Endgame. Un saludo.
Recuerdo perfectamente cuando vi la película El Protegido. Me gustó tanto que al día siguiente volví a verla y a disfrutarla igualmente esa vez en compañía de mi padre. En cualquier circunstancia esta película me habría satisfecho pero el hecho de que la noche anterior hubiese escuchado a un crítico de cine radiofónico decir que era terriblemente aburrida y mala seguramente me facilitó el camino. Era tan poco lo que esperaba de ella que la sobre satisfacción me invadió por completo. Algo parecido me sucedió con Múltiple, la cual también disfruté en gran medida. Ahora nos llega el estreno de la tercera entrega de esta historia, Glass, y tengo muy claro cómo debo calibrar mi expectativa antes de verla.
San Agustín escribió ¨ Deseo poco y lo poco que deseo lo deseo poco ¨. Puede que no esté de acuerdo con este axioma en cualquier situación de la vida pero sí en el tema que nos acontece. Es el esperar mucho de una película lo que suele desilusionarnos una vez visionada. Hoy en día hay tantas técnicas de publicidad y estamos tan ávidos de devorar el material que se nos ofrece que solemos elevar nuestra expectativa hasta cotas muy difíciles de satisfacer. Y por lo general suelen ser productos de calidad. Por el contrario cuando llegamos al cine con la idea de que lo que vamos a ver no merece mucho la pena solemos salir sorprendidos. O lo que es peor, ni siquiera vamos a verla a tenor de las críticas y cuando a los dos años la vemos en la tele nos arrepentimos irremisiblemente. Por eso cuando vea Glass no esperaré nada de nada. Ni bueno ni malo. Iré con mi expectativa a cero pero con el espíritu totalmente abierto y sin contaminar a lo que me ofrezcan. Disfrutaré muchísimo si el producto es de calidad y si no lo es la decepción no será muy grande. Reposaré la desilusión en un suelo acolchado donde quedará dormida plácidamente y no afectará en gran medida a las ganas que tengo de que esta historia se cierre con el broche que merece.
Shyamalan y yo tenemos una relación de altibajos. Algunas películas suyas me han encantado y otras me han parecido infantiles y carentes de un fondo sólido. Capaz de lo mejor y lo peor siempre que veo una película suya soy un mar de dudas en cuanto a lo que encontraré. El Protegido y Múltiple me gustaron tanto y caló tanto en mí el mensaje que me encantaría que Glass estuviera a la altura de lo que me hicieron sentir sus predecesoras entregas. Pero sé que es una moneda al aire. Puede caer del lado de la satisfacción o del de la desilusión. O incluso puede que se quede clavada de canto y no produzca ni frío ni calor en mí. Por eso voy reforzado con la coraza de la expectativa aletargada. Eso me asegura cierta protección vital contra las sorpresas futuras.
En definitiva tened mucho cuidado con el peligro de la expectativa. Es difícil dominar ese ímpetu pero también la caída posterior. Ya escribí en otro artículo que debemos disponer nuestro carácter a disfrutar de lo que veamos sin llevarnos indignaciones desorbitadas y fuera de lugar. Si a eso sabemos añadirle la expectativa cero elevaremos nuestro disfrute varios puntos a lo largo del año. No me cabe ninguna duda. Hoy en día disfrutamos de muchísimos productos de calidad. Los avances tecnológicos y el talento de la gente que se dedica a esto son precursores de ello. Pero como he dicho a veces nuestra expectativa está tan alta que levanta muros muy difíciles de sortear. Tal vez debamos poner también nosotros de nuestra parte. Y a fin de cuentas, como ya hemos comentado en numerosas ocasiones, estas son las cosas que nos hacen felices. No deberían ser las que nos indignen o desilusionen. El mundo por desgracia ya está lleno de esas otras cosas. Esta es nuestra esfera de cristal donde refugiarnos y disfrutar con palabras mayúsculas. No la empañemos con nuestra expectativa flotando por las nubes. Recordad que a menudo tenemos que salir de la esfera y enfrentarnos a esas otras cosas y nada duele más que el tiempo desaprovechado. Porque no vuelve y se queda revoloteando alrededor de nuestra cabeza para que nunca lo olvidemos.
¡Saludos! Vuelto a estar contigo para hablarte de un proyecto relacionado con el famoso Manga/AnimeSaint Seiya, de Masami Kurumada. Se trata de Saint Seiya: Saintia Shō, un spinoff de Saint Seiya, obra de Chimaki Kuori, que el estudio Gonzo está llevando a la animación, desde el 10 de diciembre de 2018, para la plataforma de streaming Animax on PlayStation.
Saint Seiya: Saintia Shō narra las peripecias de un grupo de mujeres caballero, Saintias, que ostentan el honor de ser las damas de honor de Atenea, además de sus protectoras más directas. Tal rango les exime de tener que llevar una máscara, como ocurre con el resto de las guerreras al servicio de la diosa. Kuori las ha comparado con las vestales, jóvenes sacerdotisas de la antigua Roma al servicio de la diosa del hogar, Vesta. La excepción en un mundo en el que el sacerdocio era ejercido sólo por hombres.
En concreto, este primer episodio, titulado ¡Las hermanas del destino! Shoko y Kyoko, se inicia con un sueño de Shōko, la estudiante de secundaria protagonista de la serie. En dicho sueño, una misteriosa mujer le ofrece un presente en forma de manzana dorada. Esta está a punto de aceptarla, pese a los intentos de su hermana, Kyōko, para impedirlo. La aparición del Caballero de OroMilo de Escorpio evita lo que parece ser el intento de una diosa, Eris, de volver al mundo de los mortales, ocupando el cuerpo de Shōko.
Para eliminar la posibilidad de que Eris vuelva a intentarlo, Milo decide matar a Shōko pero Kyōko le pide que se detenga, con la promesa de que se hará lo bastante fuerte para proteger a su hermana y evitar su destino. Escorpio acepta el trato y se marcha.
Shōko despierta del sueño a su presente. Entonces se nos dice que su hermana se marchó al extranjero a estudiar con una beca de la Fundación Grad, la fundación que el abuelo adoptivo de la actual reencarnación de Atenea, Saori Kido, creó para ayudar a esta en su misión contra las fuerzas del mal. También es la Fundación Grad la que financia el instituto en el que estudia Shōko.
Es en dicho instituto donde una de las sirvientes de Eris, la driade Atë, trata de que su diosa tome el cuerpo de Shōko. Es en ese momento cuando aparecen dos Saintias de Atenea, Mii del Delfín y la hermana de Shōko, la Saintia Kyōko de Equuleus, para protegerla. Al final Eris ocupara el cuerpo de Kyōko, lo que llevará a que su hermana decida ocupar su lugar, convirtiéndose en una Saintia de Atenea para combatir a Eris y recuperar a su hermana.
En la mitología griega Las Dríades o Hespérides son ninfas o espíritus femeninos de la naturaleza, residentes en bosques y arboledas, que cuidaban un jardín que poseía manzanas de oro. Puede que de ahí venga su conexión con Eris, dado que la Manzana Dorada es la seña de identidad de la Diosa de la Discordia. La Dríade que aparece en este episodio es Atë, lider de las mismas, cuyo nombre significa ruina o engaño en griego. De ahí que sea presentada como Atë de la Ruina. Atë es la diosa griega de la fatalidad, hija de Zeus y de Eris, y, como todas Las Dríades, tiene una planta o hierba característica. El Narciso Rojo, en su caso.
La armadura que portaba la hermana de Shōko es la armadura de bronce del Equuleus o Caballo Menor. Es una de las constelaciones más pequeñas del cosmos y próxima a la constelación de Pegaso, la constelación del protagonista por excelencia de Saint Seiya, Seiya de Pegaso.
Valoración
La serie, escrita por Ikuko Takahashi y dirigida por Masato Tamagawa, se mantiene fiel al Shojo del que toma su nombre y se va desarrollando a la par que se escribe el manga. Los acontecimientos del mismo se suceden de forma paralela a la colección principal de Saint Seiya y en su versión animada ocurre igual. De manera que, en este episodio, vemos el coliseo donde tendrá lugar La Guerra Galáctica entre los Caballeros de Bronce. Una prueba de la que saldrán los cinco Santos de Bronce que tan buenos ratos nos han hecho pasar.
Saint Seiya: Saintia Shō funciona bien a dos niveles. Por un lado complementa a la serie principal y, por otro, le da un giro inteligente al enfoque de la franquicia, haciendo que el protagonismo recaiga sobre personajes femeninos, sin tener que convertir a ninguno de los personajes clásicos en mujeres sino aprovechando la rica mitología de Saint Seiya para crear personajes nuevos. Personajes que puedan atraer a un público femenino a la par que hace las delicias de los incondicionales de la serie.
En lo que respecta al estilo de la animación, es de agradecer que sea parecida a la del maestro Shingo Araki. Nunca llegará a su nivel pero se le acerca, lo que ayuda a acercar a Saint Seiya: Saintia Shō al espíritu del anime original.
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¿Hay mejor modo que empezar un año con un nuevo capítulo de Doctor Who? Sobre todo después de saber que este será el único capítulo que veremos este año. Pero un capítulo especial, eso sí, dónde parece que Chibnall ha escuchado nuestras súplicas e introduce un villano mítico de la serie ¿Cual crees que será? ¡allons y!
El siguiente artículo está lleno de SPOILERS, doy por hecho que habéis visto el capítulo o que no os importan que os destripen el capítulo.
Este es el primer especial de navidad que no se emite en navidad, sino en año nuevo. La verdad es que desconozco el motivo del cambio de fecha, por lo que si sabéis algo espero que lo comentéis. Este capítulo ha sido escrito por el showrunner Chris Chibnall y dirigido por Wayne Yip, que ya se puso a los mandos de Doctor Who anteriormente en los capítulos 8 y 9 de la temporada 10. En cuanto a los actores invitados tenemos a Charlotte Richie y Nikesh Patel caracterizando a Lin y Mitch respectivamente. También encontramos a Daniel Adegboyega -¿será familia de John Boyega?- como Aaron, y a Nicholas Briggs, la voz original de los Daleks y Cybermen.
RESOLUTION
El capítulo empieza de manera épica, mostrándonos como hace cientos de años se libró una batalla en Gran Bretaña enfrentándose multitud de enemigos contra un oponente imposible. Finalmente murieron y mutilaron el cuerpo de este oponente en 3 partes, siendo guardadas en diferentes partes del mundo por unos guardianes. Empieza interesante el comienzo del capítulo, aunque resulte algo tramposo, podemos intuir que van a mostrarnos a un gran adversario.
Ya en la actualidad, vemos como en una excavación arqueológica nos presentan a los científicos Mitch y Lin, que con con su trabajo de excavación activan las partes del malvado enemigo que vimos al principio, haciendo que este vuelva a la vida. Mientras tanto, la Doctor y el resto se encuentran viajando por diferentes rincones del universo celebrando el año nuevo. Vemos como hay un gran espacio entre capítulos para desarrollar el universo expandido. De repente, la Doctor recibe una alarma de peligro de la TARDIS proveniente de La Tierra, por lo que se teletransportan hasta la excavación arqueológica, dejando a Mitch con la boca abierta cuando ve aparecer a la TARDIS. Mientras Lin encuentra lo que a simple vista parece una especie de pulpo pegado en la pared, y no se le ocurre nada mejor que tocarlo. Obviamente ella no sabe que se encuentra ante la especie más peligrosa del universo. Cuando todos se reúnen, Lin los lleva hasta el calamar y la Doctor toma una prueba del espécimen para analizarla. Finalmente la Doctor pide a Lin y Mitch que se marchen del lugar por si resulta peligroso.
Nuestro equipo TARDIS llegan hasta la casa de Graham para poder analizar la muestra que han tomado, y luego de romper una silla del Hall de Graham, el timbre suena y aparece un nuevo personaje que solo conocíamos de oídas. El padre de Ryan, Aaron, aparece como si no hubiera después de estar sin aparecer durante un tiempo y ni siquiera asistir al funeral de Grace, su madre.
Mientras tanto vemos como Lin llega a su casa bastante asustada y desorientada. Entra en el cuarto de baño y cuando se quita la camisa que la causa de su malestar es que el pulpo que vimos en la zona arqueológica está pegado a la espalda, teniendo control sobre sus funciones cerebrales y motoras, convirtiendo a Lin en su marioneta.
La Doctor analiza la prueba que recogió y descubre que la verdad identidad de la criatura pulpo es realmente un Dalek, el mítico villano de Doctor Who y la especie más peligrosa del universo según la Doctor. No pasa nada si no te has dado cuenta que lo era, aunque hayas visto las anteriores temporadas de Doctor Who, la Doctora tampoco se percató de que era un Dalek sin su «armadura». Pues sí, otra vez tenemos al villano más icónico y clásico de Doctor Who. Recomiendo no ser especialmente tiquismiquis con este capítulo, ya que los agujeros de guión e incoherencias están a la orden del día. En la siguiente escena vemos como el Dalek ya consigue tomar control total de Lin, haciendo que conduzca de manera temeraria, por lo que un coche de la policía de tráfico los detiene. Estos no son adversarios para el Dalek y los mata, logrando escapar y robando el coche policía y el uniforme, que servirá a Lin para hacerse pasar por una autoridad. Esta escena marca un buen ritmo en la serie y aunque la música me saca totalmente de Doctor Who, queda bastante bien. Una pena que la escena próxima sea un diálogo de 5 minutos de Ryan con su padre que corta totalmente el ritmo de la serie. Entiendo que quieran desarrollar la relación de Ryan con su padre, pero Aaron es demasiado simple y la relación carece totalmente de interés, no está bien introducido en este capítulo.
El resto del equipo TARDIS recogen a Mitch para que les ayuden a encontrar a Lin y a su inquilino Dalek. Mitch les cuenta una historia sobre La Orden de los Custodios, la secuencia inicial que pudimos ver al comienzo del capítulo, ya dejándonos más claro que el enemigo imposible era un Dalek. Lin y su acompañante se encuentran en comisaría, dónde llegan a conseguir un arma de Dalek ¿Cómo conocía el Dalek que se encontraba allí? Ni idea. Finalmente la Doctor consigue comunicarse con Lin-Dalek el suficiente tiempo para que conseguir seguir su rastro, por su parte Lin intenta luchar contra el control del Dalek, pero este es demasiado poderoso. La Doctor intenta ponerse en contacto con UNIT, una agencia de inteligencia anti-alienígenas que aparece en Doctor Who desde su segundo Doctor, por lo que los whovian celebran su posible aparición, pero no. Según dice la operadora, UNIT ha sido disuelto debido a una retirada de la financiación, por lo que la Doctor carece de ayudar para combatir a la amenaza Dalek.
Por otro lado, descubrimos que el Dalek de este capítulo es un Dalek explorador, una especie de Dalek más avanzado y que logra, usando a Lin como Uber, llegar a una herrería se pone a construir algo que podemos intuir que usará como arma. La Doctor y el resto llegan al lugar después de lograr su rastro y ven a Lin en el suelo exhausta pero libre sin el Dalek pegado a su espalda y controlándola. Finalmente vemos como el Dalek aparece con su aspecto robótico después de haber logrado construir su tanque con las herramientas y materiales alienígenas que guardaban en la herrería. Para la Doctor, la lucha contra su villano principal es algo personal, por lo pide a todos que se lleven a Lin y entren en la TARDIS para ponerse a salvo. El Dalek no se encuentra completamente sincronizado, por lo que la Doctor puede neutralizar su ataque láser con el destornillador sónico. Esto provoca que el Dalek huya una vez que conoce la identidad de la Doctor y amenace con exterminar a los humanos y llamar al ejército de Daleks. El que si llega es el ejército inglés para intentar neutralizar al Dalek, pero sus armas ni tanques pueden hacer nada contra la especie más peligrosa del universo. Para lograr comunicarse con el resto de su especie entra en el cuartel de comunicaciones del gobierno de Reino Unido sin encontrar mayor resistencia que un trabajador que es fácilmente exterminado. Esta temporada está causando un regadero de muertes a su paso creo que nunca visto en Doctor Who. Y si esto no era suficiente tragedia, el Dalek deja sin internet a todo Reino Unido en año nuevo, día festivo en el que todos descansan con resaca de unas duras jornadas festivas.
Finalmente llega la lucha final, la Doctor vence al Dalek gracias al horno microondas de Aaron, pero este intenta llevárselo con él a una muerte segura hacía una supernova, pero Ryan va en su ayuda y logra salvar a su padre. Gracias al cielo Aaron rechaza viajar con ellos en la TARDIS y queda con Ryan cuando este vuelva de sus aventuras. Finalmente el equipo TARDIS se despide de Lin y Mitch, quienes han tenido un año nuevo que nunca olvidaran. Y nosotros ponemos fin a Doctor Who hasta el año 2020, finalizando una temporada que ha sido objeto de muchas polémicas y que a continuación analizaremos.
ESTE CAPÍTULO TIENE POCO DE ESPECIAL
Por fin finalizamos una temporada con el ya mítico capítulo especial, aunque esta vez no es navideño y en esta ocasión celebramos año nuevo. El especial de navidad de Doctor Who siempre ha solido ser diferente: nuevo atuendo para la Doctor -en esta ocasión solo la bufanda durante un tiempo- duración de hora y media, así como una temática navideña. Nada de eso hemos tenido en este capítulo, por lo que la coletilla de especial le viene grande, y repetir continuamente que es año nuevo en los diálogos no es suficiente. Podría haber sido cualquier capítulo de la temporada y simplemente añadir año nuevo en los diálogos, por lo que más allá de la inclusión del mítico villano de la serie, nos podemos sentir estafados.
Aquí podemos ver al Dalek obrero en su versión animada
El capítulo es entretenido aunque como va siendo habitual esta temporada, está cargado de fallos. Me gustaría que alguien me resolviera algunas preguntas que tengo sobre este nuevo Dalek explorador ¿Por qué nunca hemos tenido noticia de él? ¿Por qué llevando 15 siglos encerrado sabe como encontrar un arma y sobre todo como consigue hacer un tanque robótico con misiles incluidos usando los materiales de una herrería? Entiendo que la herrería guarde material alienígena, ¿Pero de verdad? Doctor Who es una serie de ciencia ficción y obviamente veremos numerosas situaciones inverosímiles, pero siempre teniendo una coherencia. Me alegro que hayan usado un personaje tan icónico de la serie, pero el resultado deja mucho que desear. Y no solo eso, Chibnall sigue con su maltrato al whovian clásico y vemos como la agencia UNIT ha desaparecido según la operadora que habla con la Doctor. Si en la siguiente temporada van a desarrollar esto y finalmente UNIT reaparece, me parece bien; pero si UNIT no vuelve a aparecer, sería otro jarro de agua fría para los fans de la serie. Además, este guiño es posible que no sirva para los nuevos espectadores de la serie, por lo que me gustaría pensar que veremos el desenlace de lo ocurrido con UNIT en la siguiente temporada.
Lin y Mitch me han gustado, pero Aaron me ha parecido totalmente desechable, su trama con Ryan ha sido un lastre para el capítulo, cortando el ritmo y sirviendo para poco más de relleno que no interesa a nadie. Sin duda, ha sido de lo peor del capítulo. La banda sonora no me ha resultado demasiado destacable durante la temporada, pero no he echado especialmente de menos a Murray Gold hasta este capítulo, dónde la banda sonora me ha chirriado en varias ocasiones.
Entre las cosas positivas que he visto el capítulo he de decir que si no me presto atención a los agujeros de guión, la resurrección del Dalek me ha gustado. El comienzo ha sido bastante épico y el villano no decepciona como hemos tenido en toda esta temporada, aunque hayan tenido que ir a lo seguro. Espero que me comentéis con vuestras opiniones sobre el capítulo, y a continuaciones haré un balance de la temporada.
CONCLUSIONES DE LA TEMPORADA 11.
La temporada 11 no ha sido fácil para nadie, prácticamente todo se ha renovado y ha dejado a muchos seguidores de la serie por el camino. No voy a entrar en polémicas sobre el cambio de sexo totalmente justificado de la Doctor, y me gustaría pensar que los que han dejado de ver la serie no son gente normal. Por otro lado entiendo que esta temporada haya dejado fríos sobre todo a los que siguen Doctor Who desde hace años. Si tuviera que convenceros para continuar la temporada 12 os diría que esta temporada ha resultado ser prácticamente un nuevo reinicio, y que la primera temporada del fantástico noveno Doctor tampoco era la mejor de la etapa moderna. Pero sin duda el punto más positivo de la temporada y el principal motivo que me da a tener esperanzas en el futuro es la Doctor de Joddie Whitakker. A continuación os indicaré algunas cosas positivas y otras negativas que me gustaría ver en la próxima temporada de Doctor Who:
Mejoras para futuras temporadas de Doctor Who.
Una historia conectada a lo largo de los capítulos. En mi opinión ha sido uno de los problemas en cuanto a tramas de esta temporada, pienso que aunque tengamos capítulos independientes, una mayor conexión entre las tramas, ya sea por personajes, villanos o historia, haría mejorar y ser más coherente la temporada.
La vuelta de capítulos dobles. Odiados por muchos y extrañado por otros tantos, una serie semanal debe de tener algún cliffhanger de vez en cuando. Además, esto facilitaría la conexión entre capítulos y facilitaría el desarrollo del guión en historias más elaboradas y con mayor carga.
Vuelta de escritores clásicos y mejores guiones. Hemos podido comprobar que los mejores capítulos de esta temporada no han llevado la firma de Chibnall. ¿Qué os parecería la vuelta de Moffat? Cuando este no era Showrunner firmaba algunos de los mejores capítulos de cada temporada, por lo que la vuelta de este y otros escritores clásicos de Doctor Who serían bienvenidos. Y puestos ya a pedir, ¿Russel T. Davies andará muy ocupado?
La vuelta elementos clásicos de la serie. Conseguir el equilibrio de enganchar a nuevos espectadores y de contentar a los clásicos Whovian no es fácil, pero lo que no se puede hacer es tirar por la borda unos elementos y personajes que han funcionado durante décadas. UNIT, The Master, Cybermen, Crossover de Doctores, cameos companios anteriores, etc…Así como otros personajes o elementos introducidos en la etapa moderna harían felices a cualquier fan de Doctor Who. ¿Os imagináis esta Doctor viéndose con River Song?
Cosas que me han gustado esta temporada
La Decimotercer Doctor. Como ya he dicho infinidad de veces en mis análisis, me encanta esta Doctor y el casting ha sido un acierto. Joddie Whitaker debe de ser la base sobre la que se afiance el futuro de Doctor Who.
Los acompañantes. Con sus altibajos e irregularidades me he quedado con ganas de seguir viendo a Ryan, Graham y Yaz. Creo que no hemos podido ver todo su potencial en 11 capítulos, por lo que estoy deseando ver su evolución.
Renovación. Aunque preferiría seguir con unas temporadas más continuistas y sin entrar en incongruencias con lo dicho anteriormente, no me ha gustado el resultado pero entiendo y en parte me gusta la intención. Además, en la vida hay que renovarse o morir. Ahora solo tienen que hacer que los nuevos elementos, personajes y villanos funcionen de verdad.
Espero que os haya gustado mi aportación y comentéis que esperáis ver en la siguiente temporada, así como puntos fuertes y flojos que habéis notado en esta temporada.
Pues si. Calle 13 ha estrenado en España los dos primeros episodios del nuevo Magnum, P.I., el reboot, remake, nueva versión o como queramos llamarlo de la mítica serie protagonizada por Tom Selleck allá en los 80. Se que muchos van a parar de leer aquí y van a pasar directamente a escribir en los comentarios, comentarios que podría firmar el mismo sujeto. Ya los estoy viendo:
El nuevo Magnum es caca.
Magnum es Tom Selleck y su bigote y no este tipo canijo y con perilla.
En Hollywood no tienen ideas nuevas y solo se mueven por el dinero. Por cierto, ¿para cuando una secuela de Willow?
Que manía con poner a latinos, negros, italianos y sobretodo mujeres en roles que no les corresponden. Lo políticamente correcto es caca y como los 80 no hay nada.
Así que os los podéis ahorrar, nostálgicos de los 80. Ya me los se todos y no aportáis nada nuevo. Para el resto, para los que quieran dejar atrás sus prejuicios y su pensamiento unilateral, podéis seguir leyendo.
¿Por qué Magnum?
¿Y por qué no? Ya se han hecho reboots, remakes, nuevas versiones o lo que queramos llamarlo de casi todo. Magnumno tenía porque ser una excepción y más si tenemos en cuenta que la serie original tampoco era nada del otro mundo. El Magnum de Tom Selleck y su bigote tenían a su favor a Tom Selleck y su bigote, los ferraris, a John Hillerman / Higgins, la sintonía de Mike Post y Pete Carpenter (lo que no es decir demasiado porque casi todas las series de los 80 la tenían) y su ambientación en Hawai (lo que tampoco es mucho decir porque cualquier cosa ambientada en Hawai ya de por si gana mucho). Si la despojamos de todo eso, el Magnum original era un procedimental como otro cualquiera que aquí en España se benefició de ser de las primeras series emitidas por los canales autonómicos en su época. Que Magnum hablase catalán o euskera era para sus seguidores un plus que les daba vidilla. Si en lugar de ser Magnum hubiesen sido Baretta y su loro habrían estado igual de encantados.
Ese bigote, esa camisa, ese pecho lobo y sobretodo ese doblaje al catalán o el euskera ponían palote a más de uno.
¿Por qué nos fijamos nosotros en este reboot, remake, nueva versión o como queramos llamarlo? Pues porque, a pesar de todo, Magnum, P.I. es historia no solo de la televisión (aguantó 8 temporadas y eso no lo aguanta cualquiera) sino de la cultura popular. Por culpa de Magnum, Tom Selleck no fue Indiana Jones y el papel pasó a Harrison Ford y el resto es HISTORIA DEL CINE, con mayúsculas, que siempre queda más de cuñado. Así que es obligado echarle un vistazo a este reboot, remake, nueva versión o como queramos llamarlo.
¿Qué encontramos en Magnum, P.I. – 2018? Pues prácticamente lo mismo. Tom Selleck y su bigote han sido sustituidos por Jay Hernández y su perilla. En este punto,atención a la escena del segundo episodio, cuando se afeita y se deja el bigote delante del espejo, concluyendo que no, que mejor no; estamos de acuerdo. Ese bigote le causó a Tom Selleck una fama de icono gay de la que le ha llevado años deshacerse. Los tiempos cambian y aunque las perillas ya no estén de moda, a Hernández le sienta mucho mejor que el mostacho, aunque es indudable que carece del carisma de Selleck y su bigote. Al igual que su antecesor, Magnum es investigador privado en Hawai (que no detective), vive en la lujosa mansión de un escritor de éxito, Robin Masters, al que conoció en Irak y está acompañado de sus amigos, Rick y T.C., que sobrevivieron junto a él a un campo de prisioneros en Afganistán. Juliet Higgins, antigua espía del MI-6, es el ama de lleves de Robin Masters, encargada de meter a Magnum y sus colegas en cintura.
Jay Hernández es Magnum y su perilla
Lo demás sigue ahí: Hawai, los ferraris, la música (mantener la música era obligatorio), el helicóptero de T.C., los perros (juro que si no lo supiese, pensaría que tanto el helicóptero como los perros son los originales) y Higgins. Bueno, no. Higgins ha mejorado mucho. Por muy memorable que fuese John Hillerman y teniendo en cuenta que los tiempos han cambiado a mejor, sus sustitución por un personaje femenino encarnado por Perdita Weeks es un acierto.
En cuanto a Higgins, definitivamente hemos salido ganando
Bienvenidos al Lenkoverso
Por lo demás, la serie sigue siendo un procedimental como otro cualquiera. Sus tramas y las relaciones entre sus protagonistas los hemos visto ya miles de veces. El único punto a su favor es que se halla encuadrada dentro de lo que ya podríamos bautizar como Lenkoverso. El responsable de este nuevo Magnum es Peter M. Lenkov, el rey de los reboots, remakes, nuevas versiones o lo que queramos llamarlos de la televisión actual. Lenkov es el responsable de las actuales versiones de Hawai 5-0 y MacGyver, series que, aunque a muchos le chirríe, aguantan el tipo bastante bien. De la primera siempre ha destacado su ritmo y la relación entre los protagonistas principales, encarnados por Alex O’Loughlin y Scott Caan, ya para siempre McGarret y Williams. Llevan 9 temporadas de momento y les quedan algunas más. De la otra hay poco que destacar, la verdad. Lucas Till como MacGyver es un soso, las tramas son bastante infumables, sus comparsas son inaguantables y su jefa es insoportable (encima en España la han doblado con una voz de pito, por aquello de ser enana, que hace que le tengas auténtica manía). Lo único destacable es George Eads, el Nick Stokes del C.S.I. original, que aquí hace un papel totalmente alocado y que demuestra que se lo pasa como nadie. Si Hawai 5-0 es entretenida y podría tener un notable, MacGyver es una serie tirando a mala que no pasa del 4 pero ahí está, en su tercera temporada y siguiendo. Y lo peor es que no me pierdo un episodio.
Algunos integrantes del Lenkoverso
En Magnum, Lenkov no se corta un pelo y aprovechando que les paga a todos de su bolsillo y que están todos en Hawaii, ya ha sacado a la forense del 5-0 y al inefable Kamekona, el entrañable mafioso de medio pelo reconvertido en vendedor de gambas, cocinadas en todas sus variantes. Y eso solo en los dos primeros episodios. Ya hizo una jugada parecida mezclando a MacGyver con los del 5-0 e incluso con los del NCIS Los Ángeles. Si lo hacen en Marvel, él no iba a ser menos. Por lo menos garantiza una buena producción y entretenimiento sin pretensiones.
Comfort TV (Televisión de confort), es un término que se acuñó en Estados Unidos para definir un tipo de televisión que busca deliberadamente hacer sentir bien al espectador, tomando los menores riesgos posibles y sirviendo así como una agradable abstracción de la realidad. A pesar de que el término continúe sirviendo para definir y agrupar a todo un abanico de productos, tanto modernos como de los inicios de la etapa televisiva, los tipos de serie asociados al Comfort TVhan ido mutando y adaptándose a la sociedad de cada momento, y que ha tenido un especial crecimiento en los últimos años (…)
Pues eso, series entretenidas, para pasar el rato, familiares y que te hace sentir bien. Incluso, según el episodio, son maravillosas para quedarse dormido en el sofa. A mi me funciona. Un saludo, sed felices y larga vida a Magnum.
Como se que lo deseáis, os dejo también el original. El alzamiento de cejas de Selleck al final no tiene desperdicio pero el resto demuestra que no había para tanto.
Marvel parece decidida a recuperar las licencias que había perdido y que en los 70 salvaron a la editorial de la quiebra. Después de volver a hacerse con Star Wars, le llega el turno a la creación más famosa de Robert E. Howard y cómo en el caso de las aventuras de Luke, Han Solo y compañía, Marvel pone toda la carne en el asador para ofrecer a las nuevas generaciones un comic de Conan interesante y atractivo, todo ello sin olvidar a los fans más fieles del personaje.
El salvajismo y la sangre no pueden faltar en un comic de Conan
Para conseguirlo pone al frente de los guiones a Jason Aaron, un valor seguro. Aaron es uno de los escritores más importantes de Marvel y en principio parece una buena elección viendo algunos de sus trabajos previos (por ejemplo Thor). En la parcela artística tenemos a Mahmud Asrar, un dibujante con un estilo claro y espectacular, un tanto alejado de las versiones más paradigmáticas del personaje.
En este primer número el guionista nos presenta al personaje. En principio todo el mundo lo conoce, pero no está de más una pequeña presentación que Aaron hace con el párrafo más famoso de las novelas de Robert E. Howard: “Sabe, oh príncipe, que entre los años que los océanos anegaron Atlantis y las resplandecientes ciudades, y los años de aparición de los hijos de Aryas, hubo una edad no soñada en la que brillantes reinos ocuparon la Tierra, como el manto azul entre las estrellas:. Y allí llegó Conan, el cimmerio, cabello negro, adustos ojos, espada en mano, ladrón asaltante, asesino, de grandes tristezas y grandes alegrías, preparado para pisotear con sus pies calzados con sandalias los enjoyados tronos de la Tierra”. Adornado además de una doble página con un collage con ilustraciones icónicas de los mejores dibujantes que se hicieron cargo del personaje en su anterior etapa en Marvel: Barry Windsor-Smith, John Buscema, Ernie Chan…
Una bella mujer se acercará a Conan… ¿Con qué intención?
Después entramos en la historia propiamente dicha. Aaron conoce al personaje y nos presenta todo lo que le ha hecho famoso. Salvajes combates, bellas mujeres, un Conan altanero y peligroso, magia negra… Y lo hace prometiendo que vamos a asistir a la muerte del cimmerio en una trama que se alargará durante doce números y que saltará entre dos periodos temporales distintos. En el primero vemos a un guerrero joven y salvaje que da muerte a una peligrosa bruja. En el segundo contemplamos a un Conan que ya es rey y que tiene que hacer frente a un peligro con el que creía haber acabado hace mucho tiempo.
Este truco permite al guionista acercarse a las dos versiones más icónicas de protagonista. El Barbaro y el Rey. A priori es una manera interesante de presentar la trama, pero que sonará y mucho a los fans del escritor. Es lo mismo que está haciendo en la colección de Thor, mostrando a tres versiones del Dios del Trueno a lo largo de su dilatada historia. Parece que Aaron se le están acabando los ases en la manga y repite los esquemas que le funcionan en dos personajes que tienen muchas similitudes.
También veremos a Conan en su encarnación de Rey de Aquilonia
Dejando de lado esta falta de originalidad en el planteamiento, el comic se lee bien. Presenta la amenaza de manera entretenida y hay una buena caracterización del protagonista (muy bien las diferencias de carácter que se establecen entre la versión joven y la crepuscular). En definitiva, estamos ante un comic entretenido que nos deja con ganas de saber más. Perfecto para un número uno.
Por otro lado Mahmud Asrar hace trabajo correcto a los lápices. El problema es que es un dibujante muy “pijamero”, con un estilo adecuado para trabajos de corte superheroico pero que para un comic de Conan, queda demasiado limpio y aséptico. No tiene la fuerza y salvajismo del Conan de John Buscema o la fina elegancia de Barry Windsor-Smith. A pesar de ello ofrece buenas composiciones y algunas escenas espectaculares. Además, su Conan es totalmente reconocible, permaneciendo fiel a la encarnación más clásica del personaje. Estamos ante un comic agradable a la vista pero al que tal vez le falta algo de fuerza, algo de chispa.
En resumen, este primer número de Conan en Marvel es un comic que, sin llegar a ser sobresaliente, sí que es una lectura amena y agradable a la que merece la pena echar un vistazo y ver cómo se desarrolla la historia.
Larga se ha hecho la espera y es que la noche es oscura y alberga horrores. Y son muchas lunas las que han pasado desde que concluyó la séptima temporada de Juego de Tronos, fue un 27 de agosto de 2017, ahí es nada. Después vino la decepción, HBO anunciaba que la serie no volvería hasta la primavera de 2019. Pero ya estamos aquí hoy justo a tres meses del estreno de la octava y última temporada de la serie más popular de la historia. Esa serie a la que la competencia reconoce sin tapujos su trono de hierro, como vemos en el reciente tweet de Netflix pidiendo el tráiler. O esa Raven en la serie de Titanes de Warner enganchada a Daenerys y sus dragones en el tercer capítulo de la serie.
I NEEEEEEED THE TRAILER SO BAD. COME ON ALREADY!!!!
Disfrutemos del final de la serie, una que ha traspasado las barreras del entretenimiento para ser reconocida como un hito en la cultura popular. La serie de la que todo el mundo habla llega a su fin el 14 de abril. Con estreno simultáneo de madrugada en España en Movistar y HBO España en VOS y el 15 de abril ya doblado.
¿Y qué nos depara?
Seis episodios solamente, eso es la lástima. Si bien es cierto que serán más largos de lo habitual y sobrepasarán con creces la hora de duración. Se ha hablado de que la serie llega a las 10 horas. Por otra parte es la temporada más cara. Al parecer cada capítulo ha sobrepasado los 15 millones de producción. Y por otra parte vamos a tener la madre de todas las batallas, como reconoció el ayudante de dirección Jonathan Quinlan: «55 noches consecutivas. 11 semanas. 3 localizaciones. No volveréis a ver nada parecido nunca».
Sin más os dejo con el teaser tráiler.
PD: Como decía al principio la noche es oscura y alberga horrores, y muchos. Milenarios. Por lo que no os preocupéis. Esta serie es la gallina de huevos de oro de HBO y no va a concluir aquí. Recientemente HBO dio luz verde a una precuela ambientada miles de años antes de la historia que conocemos. Jane Goldman (Stardust, Kingsman) ha escrito el proyecto en colaboración con un tal (ejem) George R.R. Martin. Y ojo que ya tienen a su primera protagonista, Naomi Watts.
El vicio del poder llega a las pantallas españolas después de que haya sido una película divisoria entre los críticos de Estados Unidos. Este largometraje de Adam McKay se asemeja bastante a su último proyecto, La gran apuesta, por hablar de grandes momentos históricos de los Estados Unidos de América. Si algo se puede afirmar de El vicio del poder es que es una película arriesgada no solo porque muchas personas son reacias al tema que desarrolla, sino también porque obliga al espectador a seguir a Dick Cheney, un personaje cuestionable moralmente hablando, a lo largo de todo el metraje.
El vicio del poder es una película biográfica atípica sobre la vida de Dick Cheney (Christian Bale), el que fue vicepresidente de los Estados Unidos en el mandato de Bush y el que muchos afirman que fue el vicepresidente más poderoso de todos los tiempos. El filme empieza enseñándonos a un joven sin rumbo, más preocupado por beber y salir de fiesta que otra cosa, dicho comportamiento lo expulsa de Yale. Todo cambia cuando Lynne (Amy Adams), su prometida le da un ultimátum, o se centra o su relación ha acabado. Cheney empieza así un viaje con altibajos hacia el poder político.
Lo primero que destaca de este filme es el reparto que consigue reunir. Están presentes Christian Bale y Steve Carell que ya trabajaron para McKay en La gran apuesta. Bale es el más destacado de todos, no solo es sorprendente su transformación física, que es algo que muestra la implicación del actor, lo que más brilla es su adaptación del personaje conforme va envejeciendo. Cambia su tono de voz, su postura e incluso su forma de gesticular, se aprecia perfectamente este hecho cuando el filme pasa de unos segundos a otros de un Cheney mayor a uno joven. Amy Adams también realiza un muy buen trabajo y cabe mencionar la interpretación de Sam Rockwell como Bush, el actor pose un gran parecido físico con el expresidente pero hace un gran trabajo adaptando su expresión facial. De hecho, Rockwell participa en una de las mejores escenas de la película junto a Bale, en ella se ve el poder persuasivo y manipulativo de Cheney, McKay utiliza otras imágenes que parecen no tener ningún tipo de relación con la acción para mostrarnos lo que realmente está pasando.
Los personajes que más llegamos a conocer son Dick y Lynne. Lynne no solo es la mujer que acompaña al político, aparece bastante en pantalla y consigue puestos de importancia en la política. Además, su relación y la familia que forman es uno de los puntos que humanizan a Cheney, un hombre callado y en muchos casos que toma unas decisiones terribles con consecuencias demoledoras, pero es en esos momentos que pasa con su familia en los que sentimos que McKay tenía la intención de adaptar su historia con humanidad, mostrando varias facetas el exvicepresidente. Muchos debatirán si es una película propagandística de izquierdas, recomiendo que los espectadores se queden al final de los créditos para que vean cuál es la percepción de McKay acerca de estas personas.
La dirección es lo que consigue que este filme no se convierta en la típica historia biográfica que estamos acostumbrados a ver, el director incluso hace una broma acerca de ello. La edición por parte de Hank Corwin es magistral y dota al filme de un carácter documental en ciertos aspectos, además este trabajo por parte de Corwin le otorga al filme un buen ritmo especialmente en la primera parte. Por otro lado, otros de los aspectos clave para el éxito del filme, especialmente en cuanto a originalidad, es el tono que emplea el director. En este aspecto se asemeja a Infiltrado en el KKKlan de Lee, ya que se hace uso de una comedia bastante negra en algunas situaciones y consigue producir comicidad y que el espectador se pregunte si debería reírse en esos momentos.
En conclusión, El vicio del poder es una gran película, con un estilo que quizás no agrade a todo el mundo por el hecho de incluir comedia en un tema tan serio. Sin embargo, las actuaciones, la edición y el tono son extraordinarios. Al final, El vicio del poder intenta mostrar el descenso a la inmoralidad de una persona y cómo el poder corrompe y nos afecta a todos, es algo que se consigue a la perfección en este filme.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy destacamos Batman – Detective Comics #13. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
¿Os gusta Batman? ¿Os gusta la serie de Detective comics? Pues justo debajo de estas líneas os dejo un enlace MUY especial para todos los fans del hombre murciélago.
Ya estamos en la etapa post-James Tynion IV que acabó su andadura en el número 12 de la edición española. ¿Y que nos encontramos aquí? Pues en primer lugar tenemos un número suelto que no merece la pena, un número que en mi opinión es bastante flojo y a continuación el comienzo de una saga de alta calidad, a la altura en guión y dibujo de la etapa del mencionado Tynion IV. Os paso a comentar.
El volumen 13 engloba los números americanos de Detective Comics 982 a 985. El 982 es, como decirlo, un número de transición que poco o nada aporta y aportará a la serie y a los seguidores del personaje. Sin duda parece que desde DC, y como la colección es quincenal en Estados Unidos, sacaron un número de los atemporales que tenían en reserva para dar algo de margen al siguiente equipo creativo que sería el de Bryan Hill con Miguel Mendonca y Philippe Briones, pero ya estoy adelantándome a lo que comentaré después. Me centro en este primer número de Batman, el 982 con guiones de Michael Moreci y dibujos de Sebastian Fiumara. En ambos aspectos acabe frío tras leer el cómic. En un sólo número el narrador intenta meternos el miedo en las venas con el suspense y eso es algo en lo que fracasa. Quizás si hubiera tenido más tiempo para desarrollar los conceptos, para dar esa sensación de vacío en el que se encuentra Batman, ese terror primigenio que podría suponer enfrentarse a sus propios terrores, podríamos hablar de un buen cómic. Pero en este caso y debido a la premura del espacio (un sólo cómic), fracasa en todos los aspectos del mismo. Una pena.
Quizás estoy siendo muy riguroso y severo con este cómic ya que en líneas generales se trata de un tebeo estándar, un tebeo de aprobado raspado. Pero es que lamentablemente creo que Detective Comics es una serie que se merece la excelencia, y la historia narrada por Moreci y Fiumara baja el listón varios peldaños. Pero no os asustéis, no es malo ni mucho menos.
Luego comienza una saga de 5 números que englobará toda la parte final del número 13 y la mitad del 14 en España. Y aquí si os puedo decir que si merece la pena leer el cómic y no baja un ápice del resultado global de la colección.
Como os comenté antes el guión corresponde a Bryan Hill y el dibujo a Miguel Mendonca y Philippe Briones que puedo decir que cumplen con creces el trabajo aquí encomendado. Los más nostálgicos habréis notado el guiño de los autores a una serie clásica de los años 80, la serie donde se hizo famoso Alan Davis. Me refiero a Batman y los Outsiders, la colección que empezó comandando Bruce Wayne para luego dejar al grupo sin su liderazgo y llamarse los Outsiders a secas, sin la batuta del hombre murciélago. Lamentablemente la colección, sin su mayor referente cerró pronto y las diferentes encarnaciones posteriores tampoco levantaron demasiado las ventas. Pero aquí, el homenaje es brutal cuando nuestro héroe tiene que recurrir a Relámpago Negro, miembro de los antiguos Outsiders para hacer de maestro de sus pupilos mientras que Batman tiene que enfrentarse a un oponente invencible (Karma), capaz de vencer a Cassandra Caín en combate singular. Os recuerdo que Cassandra Caín es la mejor luchadora del mundo cuerpo a cuerpo, superior al propio Bruce Wayne. Una buena historia con dos más que aceptables dibujantes que aun durará dos números americanos más. Recomendada y a la altura de la etapa de Tynion IV.
Luego llegará la etapa de 6 episodios de James Robinson que durará la segunda parte del número 14 español y por completo el 15. Ya os iré comentado como es la lectura de esos próximos tomos pero según las críticas americanas baja el listón.
Durante décadas, hemos visto atacar al multiverso de DC, luchar por él, morir por él y terminar al borde de la destrucción solo para volver a unirlo una y otra vez, a veces con cambios menores, otras veces con cambios masivos. Pero no importa puesto que ya sea el New 52, el DC Rebirth o el multiverso esta red de universos está remodelada o es detallada, nunca hemos descubierto quién los creó.
Bueno, en Justice League 15, finalmente tenemos una respuesta definitiva sobre quién dio a luz a este multiverso. Además, el mero descubrimiento de su nombre amenaza a toda la existencia, de nuevo.
Es un momento intrigante para los fans obsesionados con todas las realidades del multiverso de DC. Doomsday Clock ha estado dando pistas acerca de que el Doctor Manhattan es responsable de la realidad alterada actual de Universo DC. De hecho, varias teorías de los fans han planteado que se puede decir que el personaje de Watchmen podría ser nombrado como el mismo creador del Universo DC. Y si bien esto puede terminar siendo el caso, resulta que el multiverso de DC anterior fue creado por alguien con el que ya estamos familiarizados, aunque de manera vaga: Perpetua.
Justice League 15 comienza con el Detectice Marciano (Martian Manhunter) infiltrándose en las bóvedas de Thanagar Prime, también conocido como el mundo natal de Hawkman, y encontrando a Martian Keep (un miembro de su raza que conoce los profundos y oscuros secretos de la galaxia) preso. Los propios habitantes del planeta y una coalición cósmica, incluidos los Guardianes de Oa, han estado manteniendo al anciano en contra de su voluntad, utilizando su conocimiento para convertir el planeta en una fortaleza cósmica. El conocimiento es poder, después de todo, y con la información contenida en la mente de Keep, digamos que acceder a Thanagar Prime es un arma de destrucción masiva.
Keep le revela al Detective Marciano que hubo un multiverso antes del actual que conocemos, y su creador fue Perpetua. Se le dice a J’onn que está regresando (Perpetua) en una conversación que se yuxtapone con Starman quien revela a Superman y Wonder Woman que todos deberían temer su regreso. Starman les cuenta que la historia de Perpetua podría destruir toda la vida como la conocen, lo que nos deja con más preguntas que respuestas.
Primero, si ella creó el multiverso anterior, ¿fue el primero que existió? También está la pregunta de por qué fue rechazada y quién creó este actual, el universo de Rebirth. Es lógico que esta sea la razón por la que fue encarcelada dentro de la Totalidad, que en sí misma es una batería para la creación. Parece que su poder se usó para crear este multiverso que ahora conocemos, y una vez que salga lo más probable es que busque venganza, ya que el multiverso anterior que creó fue destruido , sacrificado o escondido en otro lugar.
Dado que la energía de la Totalidad le otorgó a Starman sus poderes, tiene sentido que estuviera sintonizado con el estado actual de Perpetua y conozca su historia, lo que podría convertirlo en la clave para derrotarla. En el número 8 de Justice League, el Batman que ríe reveló a Perpetua como el epítome del caos, y cuando Lex Luthor le preguntó dónde está, el malvado Batman lo dejó en claro: la pregunta no es dónde, sino cuándo. .
En los próximos números, la Liga viajará a la Sexta Dimensión, buscando respuestas sobre por qué la brecha en el Muro de la Fuente ha iniciado una cadena de eventos que parece estar conduciendo a toda la destrucción de la realidad. El Muro de la Fuente era una prisión, diseñada para mantener algo encerrado, y cuando su energía se filtraba, reactivaba a Perpetua dentro de la Totalidad. Ahora, parece que el odio la va a engullir cuando encuentre la libertad, así que espero que Starman o The Keep tengan una solución sobre cómo apaciguar o derrotar a Perpetua, porque cualquiera que pueda crear un multiverso debería poder acabar con otro.
Parece que la trayectoria actual de la Liga los lleva a otra crisis.
Bienvenidos una vez más a los análisis de la metafísica y kafkiana Counterpart, serie que se está empezando a distinguir por sus inquietantes implicaciones filosóficas e identitarias. Y esta semana viene cargada de acción y revelaciones interesantes en lo que, probablemente, sea uno de los mejores capítulos de la temporada. Como siempre dejo un breve recordatorio con un link a los análisis anteriores y nos ponemos en marcha.
El fin de Claude Lambert
Siguiendo la tónica de estos últimos episodios, retomamos la serie con Claude Lambert, personaje que se ha visto revitalizado y asignado con una nueva relevancia en esta temporada, aunque no por mucho tiempo más, al menos en lo que a lo físico se refiere. Tras la muerte de su otro, el último de los Lambert se halla recluido en La Oficina para sorpresa y tormento de Peter. No es demasiado lo que tarda el astuto ex-embajador en darse cuenta de su privilegiada situación y a la primera de cambio chantajea al pobre Quayle por su silencio a cambio de la exorbitante suma de 2 millones. Pero Lambert no es alguien precisamente de fiar y Peter lo sabe, pues como recalca de nuevo al vacilarle delante de Naya: «Mis lealtades siempre han estado con el que puja más alto». Sorprendentemente y contra todo pronóstico, Quayle actúa rápido y parece conseguir convencer a una ya desconfiada Naya de que adquieran el dinero a través de la tesorería con los objetos incautados en la aduana. Con métodos un tanto peculiares, Peter consigue transmitirle la situación a Howard Prime y encomendarle la misión de eliminar a Claude Lambert robando un arma de entre los objetos incautados.
Mientras tanto, Clare es contactada de nuevo por Spencer para que este le comunique la situación de Lambert. Obviamente esto desmorona por completo la integridad de Clare, la cual creía tener resueltos sus posibles problemas y descubre la gravedad de su coyuntura. Para su fortuna, la célula de Spencer resulta ser brutalmente efectiva, consiguiendo llegar y terminar con el ex-embajador antes incluso que Howard Prime, que lo único que puede hacer es huir confuso ante la dantesca imagen con la que se encuentra. Semejante escena del crimen provoca el cierre inmediato del edificio y el inicio de unas sesiones interrogatorios a todo el personal para llegar al fondo del asunto, hecho que tan solo provocará todavía más confusión y ansiedad en el pobre Peter, ya que al ver que su cinta incriminatoria ha desaparecido y las cada vez más descaradas acusaciones de Naya hacia su persona, cree estar en un callejón sin salida. Para su suerte terminará descubriendo que es una pieza sumamente importante para Índigo, ya que su secretaria lo salva en el último momento del suicidio, dándole una excusa más o menos sólida para su comportamiento y tranquilizándolo sobre su cinta -la ha destruido-.
Yanek y el existencialismo
Quizás uno de los puntos más interesantes, aunque menos llamativos del episodio, haya estado en las conversaciones que Howard Alpha mantiene con Yanek. El regente de Echo parece por primera vez frustrado y ligeramente irritado con la evolución -o en este caso ausencia de la misma- que muestra. Yanek confiesa cansado no entender la conducta de Howard y de sentir de que le desafía a cada oportunidad. Para él -a pesar de que los dos Lamberts nos han demostrado lo contrario- el conocer a tu contrapartida tan solo puede significar el principio del fin, ya que son dos almas nacidas del mismo cuerpo y,en última instancia, solo hay sitio para una, y es precisamente en este conflicto en el que afirma que únicamente el lado más oscuro es el capacitado para prevalecer. Es justo por este razonamiento por el que Yanek se asombra de la misteriosa reticencia de Howard al cambio y a aceptar que Prime y él son la misma persona. De hecho, si reflexionamos sobre los acontecimientos de la temporada anterior y del final de este capítulo, sí que podemos apreciar cambios en la personalidad de Howard a raíz de conocer a su contrapartida. Es evidente que siguen siendo muy distintos, pero hay un lado en él que parece haber empezado a despertar y quizás el haber disparado a Osman en la incursión de Mira sea tan solo la puesta en evidencia de que ese proceso está en marcha…
Yanek sin duda se ha convertido en una intrigante y relevante figura en el esquema de Counterpart. Su visión belicista y reflexiones esencialistas que aluden al lado más despiadado del ser humano, despiertan muchas preguntas acerca de su pasado y, por suerte, en este capítulo descubrimos una pequeña parte: Yanek hizo un pacto con Dirección en el cual se estipulaba que debía estar al mando y vivir recluido en Echo por sus pecados pasados a cambio de poder defender «la verdad», que no es otra que la de que ambos mundos están en guerra y deben prepararse para ello. También averiguamos que se encontraba presente en el inicio de la creación de ambos lados y que dice ser él el motivo por el que existen. Este pasado despierta en Yanek emociones encontradas, pues cuando rememora el inicio del proyecto se muestra efusivo y excitado, pero a la que recuerda a su contrapartida se vuelve nostálgico y cabizbajo: «Creí que estábamos por encima de los impulsos básicos que motivan a todos los demás… pero no lo estábamos, nadie es inmune a eso.» «Enfrentados a la supervivencia, todos nos rendimos ante nuestra parte más oscura».
Counterpart hasta ahora
Counterpart nos deja una semana más con la cabeza llena de preguntas e incógnitas, ya sea por el descubrimiento de la vinculación y rescate de Yanek y Mira o por los nuevos caminos de la amargura que ahora se le abren a Peter. Y es que nos encontramos en un momento muy interesante de la serie pues prácticamente todo lo establecido previamente se está resquebrajando:
Howard Alpha, a pesar de sus reticencias, ha matado a una persona y si de ahí termina sucumbiendo al esencialismo de Yanek -según el cual son la misma persona independientemente de las vivencias-, podríamos terminar viendo el anticipado duelo de los Howards.
Howard Prime a su vez ya sabe que Emily es la fuente de Naya y que ha empezado a recordar parte de su vida anterior.
Emily Prime ha descubierto la vida secreta de su contrapartida y con ello el poderío real de Mira, que parece estar poniendo muy nerviosa a la Dirección de su lado.
Ian se ve chantajeado por Dirección y forzado a vigilar a Emily bajo el riesgo de que den a conocer su verdadera identidad: Wesley Pierce.
Clare se encuentra en plena crisis de valores y el reencuentro con el Spencer adulto, ha despertado sentimientos en ella que creía muertos.
Peter se ha descubierto a sí mismo una pieza sumamente importante en los planes de Índigo, que han salvado su pellejo pero, a su vez, le sumen en una tesitura radicalmente distinta la cual no sé si sus nervios podrán tolerar ya.
Estos son tan solo algunos ejemplos de lo mucho que ha cambiado Counterpart en muy poco tiempo, y este capítulo es una demostración de lo fuerte que llega la serie a mitad de temporada. En tan solo 5 episodios, son cuantiosas las revelaciones que hemos tenido acerca del funcionamiento real de su universo, pero todavía son muchas y nuevas las incógnitas que prevalecen. Veremos qué nos depara Counterpart en el resto de la temporada…
