No cabe duda de que para el gran público, la imagen de Chris Hemsworth está indisolublemente ligada a Marvel y, de manera particular, al dios Thor. Sin embargo, el actor acaba de sorprender revelando su superhéroe favorito de infancia con una foto que lo demuestra. ¿Fue sin intención?
Todavía resuenan, a favor o en contra, las repercusiones del paso por las salas cinematográficas de Thor: Love and Thunder, de la cual mi compañero Fernando Vilchez no solo nos ha dejado en esta web una aguda crítica sino también un muy interesante análisis psicológico que les invito a leer.
Desde 2011 hasta hoy, el australiano Chris Hemsworth ha dado vida al clásico personaje de Marvel en ocho oportunidades, lo cual incluye las cuatro películas de Vengadores y las también cuatro en solitario que le convierten, de hecho, en el único personaje del MCU con tantas en tal condición y único sobreviviente central de la Fase 3 que sigue vigente en pantalla grande en la Fase 4.
¿Acaso alguien puede para esta altura imaginar al dios del trueno con otro rostro? Impensable. Y aun cuando no esté del todo claro si Thor: Love and Thunder ha sido realmente su última película interpretándolo, sí lo está que nadie más lo encarnará en el futuro del MCU.
Pero el actor ha dado una sorpresa en las redes con motivo de cumplir recientemente sus treinta y nueve años. Así como su esposa Elsa Pataky o su hermano Liam Hemsworth sacaron a relucir fotos “embarazosas” en las que se le ve con un loro en la cabeza o la barba llena de nieve, él también publicó la suya propia y allí se lo ve de niño luciendo tierno y sonriente una sudadera que demuestra que su amor por los superhéroes ya venía desde la infancia, pero también que su favorito en aquellos años no pertenecía a Marvel…
“My younger self would be disappointed in my superhero choices” (mi yo más joven estaría decepcionado con mis elecciones de superhéroe) reza el texto con el cual Chris acompaña en Instagram la fotografía en que le vemos con una sudadera de… ¡Batman! En Twitter, el texto se acorta y cambia ligeramente a «mi yo más joven estaría tan decepcionado«.
Desde ya que la publicación se pobló de comentarios y reacciones de todo tipo: los más racionales lo tomaron a risa, pero también estuvieron, por supuesto, los infaltables fundamentalistas que hasta llegaron a hablar de “traición” por tratarse de un personaje emblemático de “la competencia”.
Pero bueno, no hace falta decir que la jungla de la opinión pública da para todo y más aún en redes sociales. De cualquier manera, no es esta la primera vez que el nombre del actor se codea con DC como quien no quiere la cosa. Es cierto que esta va más en tono de broma nostálgica, pero en 2020 se le había mencionado como posible reemplazo para Henry Cavill en el rol de Superman y aunque quedó descartado, al año siguiente circuló que DC estaría interesado en él en caso de que Thor: Amor y Trueno fuese su despedida de Marvel.
Si bien no se precisó en aquel entonces el personaje en cuestión, se descuenta que no Batman, pues el traje parece de momento bastante firme en el cuerpo de Robert Pattinson. Pero aun así cabe la pregunta: ¿fue la publicación de esa foto infantil un guiño a DC? ¿O un pequeño adelanto? ¿Viene a confirmar su despedida de Marvel? El tiempo lo dirá y sería un verdadero cruce de destinos considerando que Christian Bale ha estado en la última película de Thor interpretando a Gorr, pero no deja de ser sugerente que Chris haya mantenido esa foto en secreto toda su vida y la publique precisamente a tan poco de haberse estrenado.
Más allá de cualquier especulación a futuro, lo primero que me vino a la cabeza al ver la foto fue tratar de imaginar a Chris en la piel y el traje del hombre murciélago en las distintas películas que hemos visto del personaje. Y, vaya… ¡en algunas no hubiera ido mal!
Les dejo por lo tanto las dos preguntas, una mirando hacia adelante y otra hacia atrás… ¿Es casual o intencional la publicación de la fotografía? ¿Hubiera sido Chris un buen Batman? Aguardo opiniones…
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Elecboy 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Elecboy 1, los dos primeros números franco-belgas en un tomo español de gran calidad
Reconozco que leo casi de todo, pero no soy el mayor experto de la historia en el cómic franco-belga, y a este autor Jaouen Salaün no le conocía. Y si, he mirado en Internet y antes de este Elecboy 1, no tiene mucho más en el mundo del cómic. Por tanto, pocas referencias anteriores de Jaouen he tenido. A decir verdad no he tenido ninguna, pero su referencia con Elecboy es más que satisfactoria.
Jaouen ejerce un control total sobre la obra ya que es el autor completo tanto del guion como del dibujo, cosa que sin ser una rareza, no es lo habitual. Autores completos y de calidad se cuentan con las manos de los dedos, y creo que se nota en la obra que no es redonda, aunque tenemos buenas noticias. Sigue leyendo.
Creo que Elecboy 1, al menos hablo de este primer tomo que contiene los dos primeros números de la edición franco-belga, va de menos a más. Se nota que al principio Jaouen Salaün tiene miedo, o debería decir va con pies de plomo a la hora de iniciar la historia. El primer tomo franco-belga me parece de un recorrido más lento y más embarrullado que el segundo. Si te quedas en ese primer número verás una historia en pañales donde no consigue avanzar en la trama, y donde te quedas a medio camino. Sin embargo en el segundo tomo franco-belga, la segunda parte del tomo español, la historia mejora de manera notable. Parece que como si el autor hubiera perdido sus complejos, y además tenga ya una mejor visión general de donde quiere ir a parar. Y si esto es bueno, me llena de más esperanzas para afrontar un segundo tomo español que aún deberemos esperar, ya que contendrá los álbumes 3 y 4 de la edición franco-belga.
Este artículo lo escribo y se publica en agosto de 2022. A finales de este mes sale en Francia el tomo 3, y parece que aún habrá más historias por delante. Mejor, quiero más.
Sobre todo quiero saber más del protagonista, de esos ángeles «malos» que matan a diestro y siniestro, de esos dominadores del pueblo que realmente son más carniceros que sus antiguos opresores. Quiero saber que pasa con determinados personajes, que no voy a nombrar para no hacer spoilers, pero que finalmente te acabas encariñando con ellos. Quiero saber más, y realmente quiero saber de que va todo esto. Porque parece que no, pero finalmente esta serie engancha, siempre y como dije antes sigas leyendo y no caigas en las garras del soponcio del primer tomo franco-belga, que incluso en sus diálogos puede parecer confuso.
Realmente no esperaba mucho de esta serie y tengo que decir que me he llevado una grata sorpresa. Elecboy 1 es, sobre todo en su segunda parte del tomo español, una gran obra del cómic franco-belga y de ciencia ficción. Espero que siga esta tendencia y el autor Jaouen Salaün no la cague en vanalidades en el siguiente tomo. Por ahora puedo decir que es una obra que empieza regular pero que continúa y acaba de forma magistral. Estaré aquí para la reseña del segundo tomo de Yermo ediciones.
Contiene: Elecboy 1 y 2
En una ciudad devastada, un hombre solitario lucha contra criaturas de un poder temible: blancas, aladas, impasibles y capaces de transformarse de forma aterradora… Décadas más tarde, en un desolado suroeste de Estados Unidos, una exigua colonia de supervivientes humanos se las arregla a duras penas para vivir una existencia precaria con cada vez suministros de agua más pequeños y escudos magnéticos que los protegen de bandidos aéreos. Los preside una clase alta ancestral, mientras que, en la ciudad baja, los trabajadores hacen el trabajo peligroso de mantener a todos con vida. Pero todo eso puede estar a punto de cambiar cuando un chiquillo llamado Joshua alcanza la mayoría de edad…
Ezra Miller y ‘The Flash’ no están viviendo sus mejores momentos, seamos sinceros, pese a que David Zaslav(nuevo CEO de Warner Discovery) aseguró que esa cinta no se encontraba en la misma situación que Batgirly otras producciones.
‘The Flash’ con Ezra Miller está llamada a ser la puerta al multiverso de DC en el cine y a ser la primera piedra de un presumible reinicio para seguir (guardando las distancias) la senda de Marvel Studios y planificar un universo más coherente. Zaslav ya anunció que habría planes a 10 años vista y eso nos llenó de esperanza pese a que significó que proyectos ya anunciados se caerían para darle prioridad a la calidad sobre la cantidad.
Todo estaba revuelto en Warner Discovery con la llegada del nuevo CEO y de sus planes para que DC Studios fuese la punta de lanza y tuviese mucha importancia en el futuro del conglomerado audiovisual. No había hueco para Walter Hamada y sus ideas que tan poco habían funcionado hasta ahora así que seguíamos teniendo esperanza. ‘In Zaslav we trust’.
Pero como las cosas nunca están destinadas a ir bien en DC durante mucho tiempo, apareció en escena es señor Ezra Millercon sus devaneos con la justicia. Seamos sinceros, al comienzo toda parecía tan raro que casi sonaba a broma de mal gusto. Pronto descubrimos que algo no funcionaba bien en la mente del actor y que todo lo que aparecía en los medios de comunicación era muy real. Es cierto que la vida supera a la ficción.
Desde ir por la calle con un chaleco antibalas argumentando que era perseguido por el FBI y el Ku Klux Klan, hasta atacar a una fan pasando por haber robado bebidas alcohólicas de una casa en Vermont. Esto sin contar toda la telenovela alrededor de su relación con Tokata (menos de edad) y las acusaciones de sus padres por maltratarla y drogarla.
Supongo que algún día veremos un biopic de Ezra Miller porque hay material para una película del Oliver Stone más extravagante o para un cómic del maravillosamente característico Grant Morrison.
Ezra Miller posa en la alfombra roja de la Gala Met de 2019. EFE/Justin Lane
Ayer salió la noticia que Warner estaba sopesando tres escenarios con respecto a Miller y ‘The Flash’ y eso ya no pinta nada bien. Esto ya nos hace pensar que la cinta de Andy Muschiettino está tan salvo como pensábamos al comienzo de la semana.
Voy a hablar de cada opción de Warner Discovery sobre este problemón que tiene encima por culpa de las acciones de un Ezra Miller que parece muy ajeno a la realidad y que ha acabado con todo su futuro en la industria de un plumazo.
El primer escenario sería que el actor reconociese sus problemas y buscase ayuda. Ante esta situación Warner Discovery podría aconsejar al actor que diese una rueda de prensa explicando sus comportamientos y el estreno de ‘The Flash’ continuaría con total normalidad y Miller podría participar de forma limitada en la publicitación del filme.
Obviamente todo esto dependerá de la predisposición de Ezra Miller a admitir que todos sus actos han sido reprobables y asumir las consecuencias legales de ellos. Vista su trayectoria no sé si llegaríamos a ver eso antes de afrontar los supuestos delitos que se le imputan.
Esto nos llevaría a la segunda opción y es continuar con el estreno tratando de cortar todos los vínculos con el actor y buscarle un reemplazo para las siguientes películas.
Sinceramente, esta es la realidad más probable para el futuro de Miller y ‘The Flash’ viendo cómo están avanzando los eventos su alrededor.
El escenario más drástico sería la cancelación de la cinta con lo que conllevaría un varapalo económico brutal, además, de acabar con ese presunto reinicio que se esperaba con ‘The Flash’. Esta opción sería la elegida por el estudio en el caso que la situación con Miller empeorase más aún y sus actos hiciesen insostenible el vínculo de su nombre con el proyecto. Personalmente es que el que veo menos probable por lo catastrófico de sus consecuencias, pero tampoco lo descarto por la gran habilidad del actor para superarse en lo que actos delictivos se refiere.
Ezra Miller ha hecho un daño irreparable al personaje y al universo de DC en el cine. Cuando parecía que se podía salir del pozo y, que gracias a Zaslav y al nuevo equipo creativo, veríamos el resurgir de estos personajes en la gran pantalla, el actor ha pisado una de las manos que permiten a DC agarrarse al borde del precipicio. La pregunta es: ¿acabará pisando la otra?
A estas alturas ya ha pasado a segundo plano que ocurrirá con el Batman de Michael Keaton o qué futuro tiene Ben Affleck en DC. Todo depende de cómo evolucione el ‘caso Ezra Miller’. Lo que sí es cierto es que esto ha dejado tocados a todos los que están involucrados en ‘The Flash’ y en división de DC Studios.
Ha sido dolorosa la cancelación de ‘Batgirl’, ya que ver cómo se va a la basura el trabajo de tanta gente no es motivo de alegría, no sé si el estudio podría aguantar que ocurriese lo mismo con ‘The Flash’.
Vienen tiempos convulsos en Warner Discovery de los que esperemos salga reforzada y podamos seguir disfrutando de nuestros personajes favoritos en la gran y pequeña pantalla.
También deseamos que Ezra Miller reciba la ayuda que necesita y que no se alargue más esta situación que no beneficia a nadie. Ahora mis el mayor enemigo del actor es él mismo.
Han pasado dos años desde el final de la tercera temporada de Westworld. Unos episodios que sacaron a relucir todas las flaquezas de una serie llamada a hacer historia en la ciencia ficción en su primera temporada. Ahora, la serie de HBO Max creada por Jonathan Nolan (hermano de Christopher) y Lisa Joy vuelve para continuar haciéndonos reflexionar sobre humanos y máquinas.
¿Queréis saber qué me ha parecido este séptimo episodio?
El penúltimo episodio de esta cuarta temporada redunda en los defectos ya vistos en los primeros episodios pero, eso sí, nos regala un giro narrativo que es lo mejor de lo que llevamos de temporada.
Por primera vez, todos los personajes aparecen porque se reúnen en la ciudad orquestada por Charlotte Hale. Grosso modo, Metanoia, título de este séptimo episodio, divide su trama en dos partes.
Empezamos el capítulo con la introducción más larga de lo que va de temporada. Bernard y Maeve llegan a la central hidroeléctrica que William adquirió al inicio de la temporada. Descubrimos que este lugar sirve como soporte para mantener abierto lo Sublime, el cielo robótico creado por Dolores cuya llave tiene Bernard.
Aparte de abrir lo Sublime, Bernard revela dos cuestiones importantes: por un lado, que ninguno de los caminos que ha visto les permite ganar. La extinción de humanos y anfitriones es un hecho, pero hay un camino que permite mantener una llama de esperanza.
Así, Bernard le ofrece la posibilidad a Maeve de una salvación. De entrar a lo Sublime y reunirse con su hija sin luchar…y sin esperanza. O luchar y mantener un resquicio de luz, por pequeño que sea.
Por otro lado, Bernard le revela a Maeve que no es la original. Como William, solo es una versión que Bernard programó. Lo que explicaría la pérdida de chispa del personaje en las primeras temporadas. Así cualquiera es guionista.
El motivo de la duración de la secuencia de introducción es la repetición de la escena para mostrarnos que Bernard esconde una pistola en el túnel de la central, incidiendo en la capacidad de Bernard para predecir lo que va a ocurrir.
Tras abrir lo Sublime, se reúnen con el resto de rebeldes. El plan es entrar en la ciudad y, mientras unos encuentran al padre de C, Bernard y Maeve llegarán hasta la torre. Antes del evento central del episodio, asistimos a la despedida entre Stubbs, alivio cómico por excelencia, y Bernard. Se augura la muerte para el compañero de aventuras de Bernard.
Una de las cosas que más llama la atención de Westworld es la poca seguridad y lo vacíos que están los escenarios. Esto, es una serie que se ha caracterizado por cuidar los detalles y los escenarios anacrónicos, ha empobrecido estéticamente la serie. Y esto se nota en la “gran” infiltración de los rebeldes en la ciudad. Ni rastro de oposición, ni en la ciudad ni en la torre.
Stubbs y C acceden a la empresa donde Cristina elaboraba sus historias para la ciudad. El objetivo, encontrar a Caleb.
En dicha empresa confluyen tanto una Cristina acompañada de Teddy que destruye todas las historias que acaecen en el mundo de Charlotte; como un William decepcionado por la decisión de Charlotte de arrasar con un mundo en el que los humanos, previstos como esclavos, están infectando a los anfitriones hasta el punto del suicidio.
Charlotte busca destrozar toda conexión entre los robots y los humanos, arrasando la ciudad. La ciudad de William. Este, con tan solo dos conversaciones (que rápido se adquiere la autoconciencia comparado con la primera temporada de Westworld) con el William original, adquiere la personalidad de este. Sin duda, lo mejor del capítulo es lo mejor de la temporada. Ed Harris, un actor camaleónico que nos suelta el mejor discurso de la temporada. William ya no busca trascender porque no hay que buscar nada más elevado que la cadena alimentaria. Westworld no es una invención. La civilización lo es, ya que busca esconder a los humanos de su verdadera naturaleza: meros animales llevados por sus instintos.
Mientras tanto, Maeve lucha con Charlotte en una pelea poco espectacular que finaliza con William asesinando a ambas. El villano, en menos de diez minutos, se carga a casi toda la plana mayor de Westworld, incluido un Bernard en plan Doctor Extraño en Infinity War, exprimiendo la única posibilidad de esperanza antes de que William active la destrucción mutua de todos los habitantes de la ciudad.
En una ciudad en ebullición, dos grupos intentan escapar.
El primero, Stubbs, Caleb y C, tras un reencuentro poco emotivo por lo escasamente construida que está la relación.
El segundo, Cristina y Teddy. La primera, impotente cuando no consigue hacer que le obedezcan, recibe una inquietante revelación de Teddy. Ella no puede actuar porque no es real en un mundo que si lo es. Y todos los anfitriones desaparecen… ¿Es este una especie de sueño de Cristina? Su papel en esta historia es la pieza del puzzle que falta.
Para terminar, una imagen. La mejor de la temporada. El regreso del anacronismo. El hombre de negro, enfundado en su traje de vaquero, caminando impávido mientras acaba con todo ser que se cruza en su camino mientras se acerca a la ciudad orquestada por la diosa caída en desgracia.
OMAC es uno de esos variopintos personajes surgidos en una década de experimentación y creatividad en el cómic de superhéroes: los lisérgicos años setenta, que también vieron nacer a Howard el Pato, el Hijo de Satán o Etrigan. Precisamente, el ejército de un solo hombre comparte padre con este último.
Se trata, cómo no, de Jack Kirby, uno de los dibujantes más prolíficos e imaginativos del medio, que durante su etapa en DC recicló algunas de las ideas que tenía para un Capitán América futurista y dio vida a uno de los héroes más inclasificables de la editorial donde nacieron Superman o Batman.
De todos los personajes que el Rey creó para la Distinguida Competencia, OMAC es de los menos populares. No ha sido adaptado al cine o a la animación como los dioses de su Cuarto Mundo, no ha tenido largas etapas posteriores como Etrigan… pero, pese a ello, resulta muy interesante revisitar esta obra casi cincuenta años después de su publicación en 1974 para comprobar cómo no ha perdido vigencia. Más bien, todo lo contrario.
OMAC, el ejército de un solo hombre
Buddy Blank es un personaje tan insignificante como patético, un trabajador más de una empresa que fabrica amigos virtuales. Incluso dentro del futuro distópico en el que vive, es una persona gris y débil. Pero, como guiada por la mano de Alfred Hitchcock, una casualidad cambiará su vida para siempre: descubrirá una conspiración por la que se están utilizando los muñecos confeccionados por su empresa para llevar a cabo asesinatos políticos. Los culpables le intentarán asesinar a sangre fría.
Sin embargo, al igual que sucedió con el escuálido Steve Rogers, sus inquebrantables principios harán que sea seleccionado para formar parte de un programa secreto: el proyecto OMAC de la Agencia Global para la Paz, que unirá telepáticamente a Buddy con un satélite llamado Hermano Ojo, que le proporcionará increíbles poderes. Gracias a ellos, se convertirá en un defensor de la paz y la justicia dentro de un mundo al borde del apocalipsis.
Un mundo infeliz
Jack Kirby siempre fue conocido por sus ideas alocadas e irresistibles, pero hay otra faceta de este gran artista que ha pasado más desapercibida: el uso del medio como crítica social. Si en 1941 mostró al Capitán América dando un puñetazo a Hitler antes de que Estados Unidos entrara en guerra, en 1974 usó a este atípico sucesor como vehículo para crear una distopía tan espeluznante como familiar.
OMAC vive en un mundo donde la deshumanizante cultura empresarial hace que sean necesarias habitaciones reservadas para llorar o destrozar objetos a modo de terapia, donde la concentración de riquezas se ha vuelto tan pronunciada que un magnate puede alquilar una ciudad entera para dar una fiesta y donde los poderosos intentan extender su vida a cualquier precio, incluido el sacrificio de jóvenes con los que intercambian sus cuerpos.
Kirby aprovecha para proponer desarrollos futuros muy pesimistas pero que, en casos como los milmillonarios más poderosos que algunos Estados o el creciente mercado de «amigas» sintéticas, se asemejan demasiado a nuestro mundo.
En cierto modo, y no solo por la cresta del protagonista, esta propuesta se asemeja a lo que luego se llamaría cyberpunk. No cuesta imaginarse a Kaneda o a Deckard deambulando por las calles de estas urbes donde la vida es tan barata y la acción frenética no deja ni un respiro. Por supuesto, Kirby incluye además a sus villanos habituales, los dictadores y los científicos locos.
Pero lo llamativo no son solo las aventuras, sino el escenario donde suceden: en este futuro, como se dice desde el primer número, existen armas tan poderosas que una sola guerra podría destruir el mundo entero. Este elemento argumental, heredero de la bomba atómica, justifica la existencia de OMAC.
Hombre y superhombre
Pero… ¿quién es el hombre del futuro? ¿Quién es nuestro héroe Buddy Blank? La respuesta es bien sencilla: no es nadie. Es un individuo lamentable y depresivo que nunca se ha salido del guion en su vida y cuya única amiga es una androide sin sentimientos.
Esta medianía alienada no solo es el producto de un mundo en el que las relaciones humanas se han vuelto frías, sino un Clark Kent elevado a la enésima potencia. Esta no es esta la única semejanza con la creación de Siegel y Shuster… y es que, pese a la ausencia casi total de supervillanos disfrazados y el tono agridulce de gran parte de la obra, OMAC sigue siendo en esencia un cómic de superhéroes.
Desde sus comienzos, el género ha sido una fantasía de poder, pero no de un poder utilizado de manera egoísta como se ve en sátiras como The Boys: Clark Kent representaba en cierto modo al ciudadano medio al que, tras haber sufrido la Gran Depresión, le habría gustado dar su merecido a los mafiosos sin escrúpulos y ricachones corruptos a los que Superman se enfrentaba en sus primeros tebeos. Kirby, advertida o inadvertidamente, actualiza este arquetipo permitiendo que nos pongamos en la piel de un tipo gris que, pese a que parece imposible, pone su granito de arena para hacer del mundo un lugar mejor.
OMAC presenta un futuro desolador, pero deja lugar para el optimismo: en este mundo, las naciones de la Tierra se han puesto de acuerdo para formar la Agencia Global para la Paz, un mecanismo internacional para la resolución de conflictos que funciona de verdad y que, a lo largo de las páginas de este tebeo, consigue proteger a los débiles de los desmanes de los poderosos.
Sus integrantes, que visten uniformes que ocultan sus rasgos para representar eficazmente a todas las etnias y naciones del planeta, asisten al protagonista en sus misiones. Al ejército de un solo hombre le ayuda toda la humanidad, que se niega aceptar el futuro distópico que le espera.
Conclusión
Esta serie surgió únicamente como un modo de completar las quince páginas semanales que Kirby estaba obligado contractualmente a producir, y no es un cómic perfecto: acaba de manera abrupta por la cancelación de la colección, los personajes están desdibujados y las aventuras son algo irregulares. Pese a ello, nos presenta unas ideas fascinantes que, en manos de un Moore o un Ellis, habrían podido dar lugar a una obra maestra. Pero, por desgracia, DC apenas ha aprovechado el potencial que tiene.
Después de Kirby, se ha intentado recuperar a OMAC en algunas ocasiones, sin un gran éxito y, en la mayoría de casos, renunciando a lo que hace genial a esta rareza. Y, sin embargo, el potencial sigue allí, como en un diamante en bruto: los temas que se proponen con una brutalidad nada sutil siguen estando tan vigentes como siempre. Por ello, aunque los diálogos hayan envejecido mal, no podemos sino animar a la lectura de esta serie.
Miento. Podemos hacer algo más: hacernos eco de lo que decía Grant Morrison sobre este cómic en Supergods. «El primer ejecutivo de DC Entertainment que lea estas palabras debería darle luz verde a una película». Hasta entonces, esperemos que algún providencial Hermano Ojo nos libre del tedio en que vivimos y del futuro que nos aguarda.
Norma publica en España el álbum autoconclusivo Arale, obra de Tristan Roulot y Denis Rodier, un cómic que nos presenta una atractiva ucronía en la que la Primera Guerra Mundial no ha acabado aún, la revolución rusa ha fracasado y el Zar reina sin oposición sobre Rusia. Gravemente herido en un atentado y bajo los cuidados de Rasputín y los magos negros, el soberano ha caído en un profundo coma. Solo Kyril Noskov, un héroe de guerra embarcado en el más extraño de los viajes, tiene la clave para traer de vuelta al Zar. De su éxito o fracaso dependerá el desenlace de esa guerra infinita.
La trama que nos presenta Tristan Roulot no puede ser más atractiva ya que las ucronías son un tipo de historia que suelen ser muy agradecidas, con un poco de trabajo se logra captar rápido el interés del lector y sólo hay que dejarse llevar para disfrutar. En este caso el guion es muy interesante ya que tenemos un escenario complejo en el que hay una pugna entre tradición y modernidad, entre los avances tecnológicos y la magia que es sumamente atractivo. Sin olvidar el uso de personajes históricos y míticos como Rasputín o Baba Yaga, muy importantes dentro del folklore ruso y que dotan de mayor peso a la trama.
La historia tiene una doble vertiente que la hace aún más interesante. Por un lado, tenemos una trama más terrenal, en la que el guionista nos va presentando a los personajes y las circunstancias propias del escenario ucrónico en el que viven. Vemos como Rusia sigue inmersa en un conflicto (la I Guerra Mundial), que la ha ido desangrando de recursos con el tiempo. Lo bueno es ver cómo ha ido evolucionando la guerra durante todo este tiempo, con nuevas máquinas de matar cada vez más eficientes. También hay algunas pinceladas de la situación geopolítica tanto de Europa como de la propia Rusia, donde el fracaso de la revolución ha tenido serias consecuencias en el país y sus gentes a la vez que ha engrandecido el poder del Zar y sobre todo de Rasputín, la figura que manda entre bambalinas.
Y por otro lado hay una trama más fantástica a través de la cual vamos a ver como es posible que el Zar siga vivo después del intento de asesinato cuando fracasó la revolución y como es posible que se mantenga tan joven como entonces a pesar del paso del tiempo. No en vano es conocido como “El Zar Inmortal”. Esto nos lleva a adentrarnos en un viaje onírico en el que el protagonista de la historia, Kyril Noskov, deberá salvar al Zar… Aunque es posible que esa salvación no sea la que todo el mundo espera.
El atentado que pone en marcha la historia
Pero a pesar de una premisa tan interesante, la obra tiene un gran problema, que no es otro que el escaso número de páginas del álbum. Es curioso porque siempre se suele a alargar las tramas sin mucho sentido, pero en Arale pasa todo lo contrario. Hay unos personajes fantásticos, pero casi no hay tiempo para conocerlos y empatizar con ellos, de tal manera que las relaciones que hay en la obra parecen un tanto forzadas al carecer de contexto.
Y qué decir del escenario. Magía, guerra, intrigas políticas.. todo muy bien presentado pero que deja con ganas al lector de conocer una nueva Rusia que está sólo esbozada. En este caso además el problema se agrava por la doble vertiente de la historia que hemos comentado. En mi caso me parece mucho más interesante todo lo que tiene que ver con el contexto sociopolítico que lo que vemos en el mundo onírico al que viaja el protagonista. Así que cuando esta segunda trama empieza a cobrar mayor importancia me desengancha un poco.
Rasputín y Baba Baga, dos de los protagonistas de la obra
Yo quiero saber más del conflicto entre Rasputín y Baba Baga, de la relación entre Kyril, el héroe de guerra perfecto que cree ciegamente en su Gobierno y su mujer Saskia, de la situación del país con esos obreros descontentos pero que aman ciegamente a su Zar… Todo el álbum está repleto de buenas ideas y de conceptos interesantes de los que apenas vemos una parte, y es una verdadera pena.
Y es que además el dibujo que acompaña al guion es una verdadera maravilla. El trabajo de Rodier es magnífico, con un corte clásico que viene perfecto a una historia como esta. Brilla tanto en el apartado más fantástico, con unos diseños de tecnología y del mundo onírico realmente espectaculares, como a la hora de plasmar una Rusia extraña y maravillosa y los personajes que la pueblan. Además, el color de Bruno Tatti realza ese trazo limpio y espectacular haciendo que el apartado artístico sea sobresaliente.
Kyril, Saskia y una de las nuevas máquinas de guerra
La edición de Norma es correcta sin más. Tenemos un álbum en tapa dura de 64 a todo color con un precio de 18 euros que no incluye ningún extra. No hubiera estado de más algún artículo sobre el contexto histórico o por lo menos alguna breve semblanza de los autores.
En resumen, Arale es un cómic que se queda a medio camino ya que no hay espacio suficiente para que la historia respire y crezca de manera orgánica. Es una pena porque presenta conceptos muy interesantes que dejan con ganas de saber más, de profundizar en esa Rusia mágica y misteriosa de la que apenas arañamos la superficie. A pesar de todo, la historia se entiende y es atractiva, a lo que ayuda y mucho un apartado artístico realmente brillante.
Aprovechando el reciente estreno de Predator (Depredador): La Presa (2022) he decidido retomar esta sección del Boss y traeros toda la saga ordenada de peor a mejor. Incluimos los crossover Alien vs Predator. Sin más dilación comenzamos:
Un insulto a la creación de Jim Thomas y John Thomas. Dirigida por los hermanos Strause, que desde 2010 tienen el curriculum vacío y con actores que tampoco conocemos nos encontramos con una película muy mal hecha y muy oscura en la que no se distingue nada.
La película enlaza directamente con el final de la anterior. Recordemos que cuando el Predator marcha en su nave lleva un polizón. Pero como decía todo está mal en esta secuela, acrores, directores, fotografía, montaje… (como si la otra fuese un bálsamo).
La película fue la 48 más taquillera a nivel mundial del 2007 con una taquilla de 130,290,885 millones, en un año en el que las franquicias dominaron los primeros puestos. Piratas del Caribe: En el fin del mundo fue la más taquillera con 960,996,492 $, le siguió Harry Potter y la Orden del Fénix con 941,676,843 $ y cerró el podio Spiderman 3 con la nada desdeñable cifra de 894,983,373 $.
8. Predator (2018)
Con el añorado Shane Black resucitado por el UCM brevemente, nos llegó en 2018 lo peor de lo peor. Uno podía esperar muchos chascarrilos por venir de Black pero lo que no podíamos prever fue los personajes tan bobos e insulsos que nos trajo para enfrentarse a Predator.
En esta ocasión tenemos un Depredador mejorado genéticamente con ADN de otras especies. Este no tiene necesidad de ocultarse por la fuerza que posee. Además va acompañado de dos perros enormes.
La película tiene mucha acción pero con escenas muy poco inspiradas y que no nos recuerda la tensión de las películas antiguas. Estamos ante todo un desastre y que coincide con que es la última película de Shane Black hasta la fecha.
Predator fue un fracaso en taquilla. Con 88 millones de presupuesto solo generó 160,542,134 $, siendo la 51 película más taquillera del año, en un 2018 en el que encontramos hasta 5 películas de superhéroes en el top ten. La más taquillera del año fue la monumental Vengadores: Infinity War con 2,048,359,754 $, ahí es nada. Le siguió Black Panther con otra barbaridad, 1,346,913,161 $ y cerró el podio Juan Antonio Bayona con Jurassic World El Reino Caído con 1,308,467,944 $.
7. Predators (2010)
Muy mala y aburida en diversos tramos. Es lo peor que se puede decir de una película donde sale Depredador. Aquí nos la seguían colando. Todos los fans esperábamos una locura de película y nos encontramos con un remake encubierto y sin alma de la original. Ocho personajes que no se conocen entre sí despiertan en una isla y pronto se dan cuenta que son la presa de algo grande que se oculta en la isla. Todos ellos son expertos guerreros (menos uno que decía ser médico) pero pronto veremos que no son nada ante Depredador.
En la película tenemos a Adrien Brody, Danny Trejo, Alice Braga o un desconocido todavía Mahershala Ali.
Es la secuela más respetuosa con la película original y es por ello que me da mucha pena ver lo mal que se hizo nuevamente.
Predators no funciona tampoco en taquilla. Es la 55 en taquilla con 127,233,108 $. En el año en que Toy Story 3 fue la más taquillera con 1,066,969,703 $. La segunda fue Alicia en el País de las Maravillas con 1,025,467,110 $ y cerró el podio Harry Potter y las reliquias de la muerte Parte 1 con 976,536,918 $.
6. Predator:Badlands (2025)
Es indudable que Dan Trachtenberg ha revitalizado la franquicia con Prey y Predator: Asesino de Asesinos. Es verdad que me gustan las dos películas pero también es verdad que Trachtenberg cambia las reglas del Depredador, en Prey lo vuelve demasiado marrullero cuando en las dos primeras lo mejor que tenía era el acecho con el camuflaje. Pero en Badlands, va más allá y se carga la esencia del Predator, ahora es el cazador cazado y además se alía con otros seres. Se infantiliza la saga y no reconozco al personaje principal como los que me enamoró de niño.
Badlands es un paso atrás en la saga y una película que a mi personalmente me ha aburrido.
Predator: Badlands fue la 29 en taquilla con 184,561,056 $. Como no, fue un año de secuelas las que dominaron la taquilla, el fenómeno Ne Zha 2 con 2,259,822,417$. Completan el podio dos secuelas más, Zootopia 2 con 1,834,140,777 y Avatar: Fuego y cenizas con 1,463,018,788$.
5. Alien vs Predator (2004)
Es una lástima el poco respeto que se le tuvo a estas dos franquicias a la que estuvieron asociados grandes nombres del cine. Hablamos de Ridley Scott, John McTiernan, James Cameron, Arnold Schwarzenegger o Danny Glover entre otros muchos.
Sin embargo para la película que unía a las dos criaturas cuentan con Paul W.S. Anderson de director y un reparto lleno de caras desconocidas.
En esta película lo que falla son los humanos. Son personajes que nada nos interesan. Por lo demás hay alguna que otra sorpresa en forma de combate entre las dos criaturas. La premisa tampoco está nada mal. La película tiene una correcta dirección de Anderson en la que es quizás su mejor película tras Horizonte final.
Alien vs Predator fue la 30 en taquilla con 177,427,090 $. Un año dominado el podio por secuelas. Shreck 2 fue la más taquillera del año con 928,760,770 $. Harry Potter y el Prisionero de Azkaban hizo 795,634,069 $ y Spiderman 2 de Sam Raimi cerró el podio con la nada desdeñable cifra de 788,618,317 $.
4. Predator: asesino de asesinos (2025)
Toda una sorpresa. La película está narrada como una película animada de episodios, la historia se centra en tres personajes distintos de épocas históricas diferentes que tienen que lidiar con un Predator. La primera historia se centra en los vikingos, la segunda en samuráis y la tercera en pilotos durante la II Guerra Mundial.
No puedo dar datos de taquilla porque es cinta de streaming. Os dejo con la crítica.
3. Predator: La Presa (2022)
Muy buena película, espectacular ambientación y gran utilización del Depredador. Si bien es verdad que este Predator es muy marrullero, recibe gran cantidad de golpes y daño a lo largo de la película.
La cinta es muy respetuosa con la original y está hecha con mucho mimo. Además tiene guiños a las dos primeras películas destacando la pistola con la que cierra la película, la misma que el Depredador obsequia a Danny Glover.
No puedo dar datos de taquilla porque es cinta de streaming pero os avanzo que La Presa ha alcanzado el estreno número 1 en Hulu hasta la fecha, incluidos todos los estrenos de películas y series de televisión. En taquilla de este año Top Gun Maverick ha devuelto a la gente a las salas de cine, con una brutal recaudación que a día de hoy sigue sumando gente a las salas. Lleva 1,354,758,251 $. Jurassic World: Dominion se ha alzado de momento con el segundo puesto con 960,654,170 $. Doctor Strange en el multiverso de la locura cierra de momento el podio con 954,860,995.
2. Depredador 2 (1990)
Pedazo de película infravalorada, como bien señaló mi compañero Juanma en su crítica. Podéis leerla pinchando aquí.
En esta ocasión cambiamos la jungla de la selva por la de asfalto de una ciudad de Los Ángeles en plena ola de calor. Es cierto que perdemos por el camino a John McTiernan y a Arnold Schwarzenegger, además del factor sorpresa. Pero el director Stephen Hopkins cumple sobradamente. Y el reparto es bastante carismático dándonos muy buenos personajes. Hablamos de Danny Glover,Gary Busey,Rubén Blades,Maria Conchita Alonso,Bill PaxtonyAdam Baldwin.
Danny Glover es un gran rival para el Depredador, dejándonos muy buenos momentos como ese final cuando en la nave le dan la pistola en reconocimiento a ser un digno rival.
Depredador 2 no tuvo éxito en taquilla. Ocupó el puesto 38 con 30,669,413 $. Grandes clásicos en los tres primeros puestos. El primero para Solo en casa, con 285,761,244 $, el segundo puesto lo ocuparía Ghost, con 217,631,306 $ y la tercera la pelicula de Kevin Costner, Bailando con lobos, con 184,208,848 $.
1. Depredador (1987)
Obra maestra del género. Un icono como el actor austriaco se enfrentaba a una criatura formidable. Vamos descubriendo las habilidades de Depredador a lo largo de la cinta destacando la habilidad del camuflaje.
Aunque solo puedo hablar maravillas de esta película hay una cosa en la que la secuela supera a la original, en los personajes. El grupo de Harrigan (Glover) es mucho más carismático que el grupo de mercenarios de Dutch (Schwarzenegger).
Depredador es la decimosegunda película más taquillera del año con 59,735,548 $. La más taquillera de 1987 fue una comedia, Tres solteros y un bebé, con 167,780,960 $. Atracción fatal fue la segunda con 156,645,693 $ y la segunda parte de Superdetective en Hollywood cierra el podio con 153,665,036 $.
¿Qué os ha parecido el ranking? ¿Hubiéseis metido más arriba la nueva película?
Prime Video ha desvelado el tráiler y la fecha de estreno de la película original Catherine CalledBirdy. La película, basada en la novela homónima de Karen Cushman, está escrita y dirigida por Lena Dunham (Girls) y protagonizada por Bella Ramsey ( The Last of Us y Juego de tronos), BilliePiper (Servicio completo) y Andrew Scott (Fleabag). Catherine CalledBirdyse estrenará en exclusiva en Prime Video el 7 de octubre.
¿El año? 1290. En el pueblo medieval inglés de Stonebridge, Lady Catherine (conocida como Birdy) es la hija menor de Lord Rollo y Lady Aislinn. Su patio de recreo es la Mansión Stonebridge, una casa que, al igual que la familia, ha visto días mejores. Con una economía precaria y al mismo tiempo una codicia total, Rollo ve en su hija la solución para salir de la ruina económica casándola con un hombre rico a cambio de dinero y tierras. Pero Birdy, como todas las grandes heroínas adolescentes, es enérgica, inteligente y aventurera, y está dispuesta a rechazar a cualquier pretendiente de maneras cada vez más ingeniosas. Su imaginación, su rebeldía y su profunda creencia en su propio derecho a la independencia la llevan a chocar con sus padres. Cuando llega el pretendiente más malvado de todos, los padres de Birdy deberán superar la máxima prueba de amor hacia su hija.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Tenemos fecha para Ninja Turtles: Mutant Mayhem. El estreno será el 4 de agosto de 2023. Un añito nos queda.
El film de animación realizado por Seth Rogen ya tiene su título oficial y fecha de estreno:
Ninja Turtles: Mutant Mayhem
El productor Seth Rogen, ha ha comentado en diversos medios que la película se enfocará en el aspecto más adolescente de nuestros cuatro queridos protagonistas.
Ninja Turtles: Caos Mutante, fue anunciada allá por 2020. La verdad es que suena lejos, pero la pandemia ha hecho algún qué otro estrago en todos.
La producción del film, se encuentra a cargo de Point Grey Pictures, la productora de Rogen junto al estudio de animación Nickelodeon. También hemos sabido que Paramount Pictures será la encargada de la distribución.
Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem is in theaters one year from today!!!!! pic.twitter.com/bm1jVyawa6
Ninja Turtles: Mutant Mayhem, será la primera de este nuevo reinicio del universo de las Tortugas Ninja.
Nickelodeon tiene la esperanza de continuar Mutant Mayhem con una serie de películas que sigan a los villanos de la franquicia. Esta nueva serie forma parte de un gran plan en torno a esta entrañable franquicia.
El guion corre a cargo de Lindsey Beer yBrendan O’Brien y la dirección de Jeff Rowe y Kyler Spears.
En mi caso, estoy deseando ver las nuevas aventuras de Leonardo, Raphael, Michelangelo y Donatello. Podéis echar un ojo a todo lo reflejado en la web sobre las Tortugas Ninja, pinchando aquí.
Mientras tanto, esperaremos un añito antes de poder disfrutar de esta nueva película. No paséis mucho calor y …
Bienvenidos amig@s felices a una nueva reseña de Solo leveling, la versión en papel del popular Webtoon del estudio Redice. La última vez dejamos a nuestro protagonista completando su encargo de cambio de profesión, y recibiendo un resultado inesperado…
Este es el improbable resultado que nuestro héroe, Sung Jinwoo, recibe al completar su prueba de cambio de profesión. Como Señor de las Sombras, Jinwoo puede invocar las sombras de sus enemigos caídos para que se unan a su ejercito, convirtiéndolo en un auténtico gremio de un sólo Cazador. La primera gran sombra que recluta para su ejercito es la de Igris, el caballero rojo.
Pero no todo puede ser cazar sin parar y los compromisos de la vida cotidiana llevan a Jinwoo a reunirse con la tutora de su hermana que le informa de que Han Song-Yi, una estudiante adolescente y amiga de Jinha, ha ‘despertado’ hace poco y quiere dejar su estudios para convertirse en Cazadora.
En un intento de disuadirla de comenzar un camino que indudablemente terminará en tragedia, Jinwoo contacta con Ahn Sangmin, el ‘relaciones públicas’ del gremio del Tigre Blanco y consigue una participación para ambos en una exploración de mazmorra que sirve como entrenamiento para nuevos reclutas. Sin embargo, para sorpresa de todos una vez han entrado, la mazmorra se convierte en un Portal Rojo atrapando a nuestros protagonistas en otra dimensión.
Asediados por un grupo de elfos del hielo en un mundo helado, Jinwoo tiene una rencilla sobre el liderazgo del grupo de Cazadores con Kim Chul, un orgulloso cazador de rango A que quiere asumir el mando por la fuerza. Cuando el grupo se divide, Jinwoo es capaz de hacer prosperar a sus aliados proporcionándoles carne y pieles de los monstruosos osos autóctonos, mientras que el grupo de Chul es aniquilado en una emboscada del enemigo.
Kim Chul huye dejando atrás a sus aliados y, sin saberlo, lleva a los elfos hasta nuestros protagonistas lo que propicia una batalla multitudinaria en la que por primera vez vemos el ejercito oscuro de Jinwoo en toda su gloria, enfrentándose a un enemigo numeroso. Durante la batalla Chul intenta traicionar y asesinar a Jinwoo, pero nuestro protagonista se adelanta y le da finiquito convirtiéndolo en otro de sus generales sombra: Hierro.
ASALTO AL CASTILLO DEMONÍACO
Tras regresar a nuestro mundo, Jinwoo decide volver a intentar aventurarse en el Castillo de los Demonios, aquella mazmorra de rango S creada por el sistema que nuestro héroe tuvo que abandonar previamente. Atravesando un Seúl consumido por llamas infernales Jinwoo elimina horda tras horda de engendros demoníacos, fortaleciéndose mientras derrota a los monstruosos generales de la horda y encontrando, finalmente, un objeto que resultará clave: el Agua Sagrada de la Vida.
Mientras tanto en EE.UU. un misterioso monstruo humanoide destruye una mazmorra de clase A. Capturado por el gobierno estadounidense e interrogado por Hwang Dongsoo del gremio de los Carroneros (Scavenger), el ‘monstruo’ manifesta que es un Cazador Coreano que lleva años atrapado en el otro lado, y que se acerca un gran cataclismo que arruinará el mundo tal y como se conoce. Tras interrogarlo, Dongsoo descubre que es, de hecho, el padre de Jinwoo.
Tras descubrir que el Agua Sagrada de la Vida podría salvar a su madre de la enfermedad que la tiene postrada en la cama de un hospital, y proponiendose curarla como objetivo primordia, Jinwoo considera finalmente que es la hora de convertirse en un personaje público y decide someterse a una re-evaluación de rango, que le siturá como uno de los legendarios Cazadores de rango S.
NOTA DEL EDITOR
A finales de Julio de 2022 el artista encargado de esta serie, Jang Sung Rak, también conocido como DUBU, falleció debido a problemas de salud. Desde Las Cosas Felices queremos expresar nuestras condolencias y nuestro agradecimiento por su monumental trabajao en esta serie.
Amazon Prime ha estrenado Salvaje, película que pasó por los cines en 2021 sin pena ni gloria. Hemos aprovechado que Russell Crowe lo peta en Thor: Love and Thunder para ver la cinta (si, lo peta le pese a quién le pese, y quien opine lo contrario no está invitado a la orgía) y ya de paso escribir algunas líneas sobre ella. ¿Qué nos ha parecido? Pues más que recomendable.
No me toques el claxon que me pongo atómico
Salvaje cuenta la historia de un encuentro fortuito entre Rachel (Caren Pistorius) y Tom Cooper (Russell Crowe) en la autopista. Él no arranca cuando el semáforo está en verde y ella le toca el claxon de mala manera, lo que hace que Tom se sienta ofendido y decida mostrarle lo que es el respeto. Hay que decir que antes del claxon Tom ya no estaba muy bien de la cabeza. La escena inicial lo muestra matando a su ex-mujer a martillazos y quemando la casa, por lo que lo del claxon se queda en nada ante estos antecedentes.
Salvaje es una película trepidante, de esas que crean ansiedad en cada escena, terrorífica en cuanto a que sí, le puede pasar a cualquiera porque hay muchos Toms por el mundo. Y también muchas Rachels perdiendo los estribos al volante. Es la exageración de una situación cotidiana lo que confiere a la película ese carácter desasosegante.
Estilísticamente, estamos ante un cruce muy inteligente entre El diablo sobre ruedas y Un día de furia, aunque sin el estilo de Steven Spielberg y sin los colorines y el neón de Joel Schumacher (gracias al cielo). El director Derrick Borte sabe aprovechar los escasos 80 minutos de la película para entretener y ya de paso reflexionar sobre la sociedad en la que vivimos.
Russell Crowe mola
La gran baza de la película es Russell Crowe. Aunque algunos hablan de que está en pleno proceso de ‘nicolascagerización’ de su carrera (no es mía la frase sino de Fotogramas), hay que decir que esta película no sería posible sin su imponente presencia. Su personaje, justamente, no podría ser sin esa presencia física que Crowe ha adquirido. No solo destila maldad sino también fuerza, poder. Tom es la quintaesencia del varón blanco, heterosexual y americano / europeo que se siente injustamente agraviado, que sabe que todos van a por él, que no se merece lo que le pasa.
En este sentido hay que decir que es imposible tomar partido por semejante personaje. Un mal día lo tiene cualquiera y cualquiera puede perder los estribos, pero eso no justifica tanta crueldad y sadismo como la que lleva a cabo Tom. Con Michael Douglas en Un día de furia podíamos empatizar, porque a todos nos han timado en McDonalds con el tamaño de la hamburguesa. Con Tom Cooper no. Y la película se ocupa de que lo tengamos claro.
Desde aquí rompemos una lanza por Russell Crowe, que en 2006 fue definido como el icono incontestablemente viril que la generación metrosexual necesitaba. Ahora, a sus 57 años, a Crowe le dan igual los cánones físicos de Hollywood y aprovecha para hacerse con papeles que se ajusten más a su físico. Porque buen actor lo ha sido siempre, incluso más que Nicolas Cage, siempre tendente a la sobreactuación. Si este es el destino de la generación metrosexual, bienvenido sea.
En resumen, Salvajees una película adrenalínica, muy entretenida y especialmente recomendada para todos aquellos que gustan de pasarlo mal. Su mayor virtud es ser consciente de sus limitaciones y ajustarse a una duración que deberían tener otras cintas con más pretensiones. Un saludo, sed felices y tened cuidado al volante, que nunca se sabe si el de al lado está mal de la cabeza.
Ya tenemos las novedades Yermo ediciones del mes de agosto de 2022.
A continuación os dejo la nota de prensa y el pdf.
LAS REINAS DE SANGRE: LAS TRES JULIAS
Abril, 217 d.C.: el emperador romano Lucio Septimio Basiano, más conocido como Caracalla, muere durante una campaña militar en la que había movilizado al ejército contra los persas. Destrozada por la muerte de su hijo, la princesa siria Julia Domna pone fin a sus días y al linaje de los Basianos en el trono de Roma. Pero una mujer se niega a seguir ese mismo destino: Julia Mesa, la hermana de Julia Domna, quien vuelve a Siria para enriquecerse y urdir un maquiavélico plan para reconquistar el Palatino. Si Caracalla no tenía descendientes que lo sucedieran, ella inventaría a uno, su propio nieto Heliogábalo…
CONQUISTAS 4. TANAMI / NEÏTA
Tras la destrucción de la Tierra, la Humanidad surca el espacio buscando nuevos planetas que habitar, que dominar, que conquistar… En Tanami, un puñado de supervivientes despierta en medio de la jungla y lo único que recuerdan son sus esfuerzos para escapar de la destrucción del planeta. Mientras, a Neïta, una colonia minera, llegan los Cruzados, cuyo líder, el inquisidor Evangelisti, inicia una investigación para descubrir quién es la entidad que se hace denominar Yahvé y que se esconde en las profundidades de la mina…
WEST LEGENDS 5. WILD BILL HICKOK
El tren en el que viaja Wild Bill Hickok descarrila poco después de dejar la estación. Aislados, los supervivientes ignoran que la mayor amenaza a la que se enfrentan no es ni el frío, ni los lobos ni los indios, sino la caballería de los Estados Unidos, dispuestos a matar a todo aquel que se cruce en su camino para recuperar lo que Hickok les ha robado…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos el avance editorial de ECC Ediciones para las Colecciones y Novelas Gráficas DC.
Avance editorial ECC Ediciones:
Colecciones y Novelas Gráficas DC.
En ECC Ediciones están trabajando a toda velocidad para lanzar en el último trimestre del año los dos libros de la colección ya anunciados, Batman en Barcelona: El caballero del dragón, de Mark Waid y Diego Olmos. Su salida está prevista para el mes de noviembre.
También está previsto para el mes de octubre, Superman: La caída de Camelot, de Kurt Busiek y Carlos Pacheco.
Además, ECC Ediciones traerá la miniserie de Rorschach, de Tom King y Jorge Fornés en un único recopilatorio junto a cuidados extras dedicados al dibujante español. Llegará justo antes de navidades.
Solamente os he mostrado estas tres pinceladas, pero ECC Ediciones nos traerá lanzamientos para DC Pocket, Focus, DC Saga, DC Deluxe y Novelas gráficas DC.
Echad un ojo al pdf completo que os dejo más abajo. Ahí tenéis toda la información acerca de este nuevo avance editorial.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos una magnífica noticia. ECC Ediciones nos trae un concurso en el que se sortea la última edición de Sandman. La Saga Completa.
Aprovechando el reciente estreno de The Sandman, en la plataforma Netflix, ECC Ediciones ha decidido sortear el estuche de Sandman, la saga completa, a través de sus redes sociales.
Concurso Sandman. La Saga Completa
¿Queréis participar?
¡Sandman ya está disponible en Netflix!
ECC Ediciones quiere celebrar el estreno de la adaptación de la obra de Neil Gaiman y otros grandes creadores con un concurso …
Los participantes pueden conseguir el estuche Sandman – La saga completa, que contiene los dos tomos que recopilan todo el cómic original y sus especiales más estrechamente relacionados.
ECC Ediciones ha publicado hace muy poquito, en su perfil en Twitter, Facebook e Instagram los posts explicativos con las normas de participación.
«Podéis participar a través de las tres plataformas, siguiendo las condiciones indicadas en cada una, una vez por persona.
Importante: el ámbito de la iniciativa está limitado al territorio español, con independencia de la plataforma.
¡Mucha suerte!
¡El plazo para participar termina a las 23:59h. del día 26/08/2022!»
