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Ya tenemos Tráiler Oficial de Miércoles (Wednesday), la serie de Tim Burton para Netflix que es spin-off de La Familia Addams

La hija de la Familia Addams ya es adolescente y se ha ganado serie por derecho propio. Te mostramos el tráiler de Miércoles, la serie que involucra nada menos que a Tim Burton y está a punto de estrenar Netflix.

Hace ya casi dos años este mismo redactor anunciaba en esta web la noticia de que Tim Burton preparaba para Netflix un remake de La Familia Addams (aquí el artículo). El proyecto ya está aquí con traíler y todo, siendo más bien un spin-off ya que, desde el título mismo, sigue a Wednesday (Miércoles o Merlina según los países de habla hispana), la (a su modo) entrañable hija de una de las familias más icónicas en la historia de la televisión.

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La serie, que constará de ocho episodios en su primera temporada, está creada por Alfred Gough y Miles Millar, responsables en su momento de Smallville (aquí el artículo de un servidor al cumplirse veinte años de la misma) y cuenta a Tim Burton no solo en la producción sino también en la dirección de la mitad de los episodios, constituye ello el primer desembarco en tv o streaming del prestigioso realizador.

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Recordemos que Miércoles (Wednesday Friday Addams) es la única hija de Gomez y Morticia Addams y si bien el personaje nació en las tiras de humor negro publicadas en The New Yorker, al igual que el resto de los miembros de su familia no tuvo nombre hasta que llegó la adaptación televisiva de 1964 en que la niña fue encarnada por Lisa Loring. Mucho más tarde, Christina Ricci fue la encargada de darle vida en las películas de Barry Sonnenfeld en los años noventa.

Siempre vestida de negro y con sus cuellos almidonados y clásicas trenzas, el personaje, ya adolescente, es interpretado en esta ocasión por Jenna Ortega, quien ha cosechado elogios por sus papeles en las series Jane the Virgin (The CW) y Stuck in the Middle (Disney Channel), así como los filmes The Babysitter: Killer Queen, The Fallout o la Scream de 2022.

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El tráiler, por lo que se ve, promete y destila estética burtoniana por todas partes. Y no sé ustedes, pero yo me emocioné mucho cuando la vi chasquear los dedos en el final…

La serie, según adelanta Netflix, mostrará “… los intentos de Miércoles por dominar su incipiente habilidad psíquica, detener una monstruosa ola de asesinatos que tiene aterrorizada a la ciudad y resolver el misterio paranormal en el que sus padres se vieron envueltos hace veinticinco años. Todo mientras navega sus nuevas y enredadas relaciones con el diverso y extrañado alumnado de la Academia”. Recordemos que, además, el reparto incluye a Catherine Zeta-Jones en el papel de Morticia y al puertorriqueño Luis Guzmán (Atrapado por su Pasado, Narcos) como Gomez Addams.

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El tráiler no especifica aún fecha de estreno y Netflix tampoco la anuncia, salvo que será “en otoño” (primavera para el hemisferio sur), lo cual significa que está al caer. ¿Será un miércoles…?

Hasta pronto y sean felices…

Análisis de Westworld. Temporada 4. Final de temporada.

Han pasado dos años desde el final de la tercera temporada de Westworld. Unos episodios que sacaron a relucir todas las flaquezas de una serie llamada a hacer historia en la ciencia ficción en su primera temporada. Ahora, la serie de HBO Max creada por Jonathan Nolan (hermano de Christopher) y Lisa Joy vuelve para continuar haciéndonos reflexionar sobre humanos y máquinas.

Enlace a los análisis de todos los episodios de Westworld.

¿Queréis saber qué me ha parecido este octavo y último episodio?

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Comienza el último episodio de esta cuarta y, por ahora, última temporada (la quinta está por confirmar) con un “todos contra todos” en la ciudad de Charlotte. De entre todos, William parece el más apto, decidido a sobrevivir y acabar con todo ser sintiente… incluidos aquellos que se encuentran en lo Sublime.

Al fin y al cabo, ese cielo de los robots creado por Robert Ford oferta la posibilidad de que los anfitriones allí alojados puedan regresar en un momento u otro al mundo real.

Mientras tanto, Charlotte es intervenida por sus ayudantes robóticos. Su “alma” (esa bolita que tiene todo anfitrión) no se encuentra en el lugar habitual de otros anfitriones, sino justo detrás de la nariz, por lo que el disparo de William no acabó con su vida.

Charlotte recibe un cuerpo nuevo, más preparado para enfrentarse a William y escucha el mensaje que deja Bernard en la torre. En un acto de fe ciega, Bernard deja a Charlotte la decisión de intentar un nuevo mundo en lo Sublime utilizando la mente de Dolores. Al fin y al cabo, los intentos de Charlotte de crear un nuevo mundo dominado por los anfitriones han sido un fracaso.

Así, averiguamos por fin cuál es el papel de Dolores (o Cristina) en esta temporada. Básicamente, toda la narrativa que sostiene la ciudad de Charlotte se sustenta en los datos que contiene su mente.

Sin embargo, en un proceso que haría sonreír a René Descartes, el mero hecho de que Dolores piense ya le hace existir. Aunque su mente construye la ciudad, también se advierte “a sí misma” de los contenidos ocultos a los que en principio no puede acceder. Tanto su vecina como el atormentado suicida o el mismísimo Teddy son proyecciones de los propios recuerdos de Dolores. Como si de un sueño se tratase, todas las personas con los que interacciona Cristina no son sino la propia Cristina intentando sacar la verdad del inconsciente al plano consciente. Descartes y Freud abrazados como hermanos.

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Charlotte coge el alma de Dolores y se dirige a lo Sublime para detener a William, no sin antes despedirse de Clementine, que rehúye el enfrentamiento y decide encontrar a los atípicos para esconderse del poder de William.

Charlotte y William se encuentran en la presa donde se encuentra lo Sublime; allí asistimos a un duelo en el que acaba ganando la primera gracias a la ayuda de Bernard (sí que conocía todas las variantes posibles).

Charlotte introduce a Dolores como arquitecta de lo Sublime. El objetivo tanto de Bernard como de la propia Dolores (que, milagrosamente, decide hacer lo mismo) es una nueva prueba. Utilizar lo Sublime como simulación de una nueva relación entre humanos y anfitriones con la esperanza de que, esta vez, no se destruyan a sí mismos.

Y Dolores realiza esta simulación amparándose en sus recuerdos como anfitriona más antigua. Es decir, sitúa esta simulación en Westworld. Un nuevo bucle comienza.

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Mientras tanto, en el mundo real, Caleb, Stubbs y C intentan escapar de la ciudad. Stubbs es asesinado de forma despiadada y brutal por Clementine que, a su vez, es asesinada por C.

Finalmente, Caleb y C llegan hasta un barco. Algunos humanos han escapado, pero Caleb decide quedarse en la ciudad porque su tiempo de caducidad como anfitrión se acaba.

CONCLUSIONES

Seré claro. No me ha gustado esta cuarta temporada de Westworld. Lógicamente, no es una mala serie. De hecho, es entretenida. Pero no llega a las cotas de calidad ni de la primera ni segunda temporada.

Es cierto que el giro de la victoria de Charlotte es, probablemente, la mayor trampa argumental de Westworld desde la primera temporada. Pero es que las triquiñuelas narrativas eran solo uno de los pilares de la serie, el que más teorías generaba: no solo de giros vivía esta serie creada por Lisa Joy y Jonathan Nolan.

El final de la segunda temporada, con la salida al mundo real, hacía desaparecer de plano los anacronismos que tan bien sentaban a la serie. Esa pianola que nunca dejaba de tocar, ese Oeste robótico… la segunda temporada no explotó del todo parques como el japonés o colonial, pero al menos dejaba algunas imágenes estimulantes. A partir de entonces, asistimos a una ciencia ficción de diseño simplista y tan convencional como el de otras obras del género.

Pero lo más doloroso es el ritmo narrativo. Westworld se caracterizó por estar cocida a fuego lento y por una construcción de personajes que hacían más real esa autoconciencia. Hay mucho de eso en esta cuarta temporada, pero la rapidez con la que ocurre todo hace imposible creérselo. Por poner un ejemplo, la conversión del William robótico hubiera necesitado de, al menos, cinco conversaciones con su original y no solo una. Nunca una infección había comenzado tan rápido.

En definitiva, terminó la cuarta temporada de Westworld con el final más cerrado de la serie. Desconozco si habrá una quinta (sus creadores así lo desean) pero, en mi opinión, Westworld ha dado todo lo que podía dar y no creo que una nueva tanda de capítulos salve una serie que ha decaído hasta ir a la deriva.

Un saludo y sed felices!

Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices.

Top Gun: Maverick sigue volando muy alto en taquilla y ya está a punto de superar la recaudación de Vengadores: Infinity War en USA

Hace unos meses escribí aquí en la web que se estrenaba Top Gun: Maverick y que prometía ser un taquillazo, seguramente la segunda tras Doctor Strange en el multiverso de la locura. Pero jamás pensé que sería tal el éxito. Cuando escribo estas líneas la película lleva recaudada a nivel mundial 1,378,790,745 $.

Pero nos vamos a centrar en lo que es para mí una gran sorpresa. La cinta de Tom Cruise está muy cerca de colocarse como la sexta película más taquillera de la historia en Estados Unidos superando a Vengadores: Infinity War, ahí es nada.

A día de hoy la cinta de los Vengadores tiene una taquilla doméstica de 678,815,482 $ y la de Tom Cruise tras tres meses de su estreno lleva recaudado 674,590,745 $.

¿Podrá alcanzarla? Si tenemos en cuenta que el pasado fin de semana la cinta de Joseph Kosinski sumó $6.6 millones de dólares más, la tendencia indica que la película podría alcanzar en pocos días al Capitán América y compañía.

Top Gun: Maverick

Una película que ha dado un aire fresco al cine tras un estreno complicado.

Paramount tenía un calendario precovid la mar de interesante con Tom Cruise copando los grandes estrenos con Top Gun: Maverick y dos secuelas más de Misión Imposible. Cuando llegó el covid, la productora dio un paso atrás y tras ver el fiasco de Warner mantuvo la prudencia y tuvo a Maverick dos años en el cajón.

Finalmente la jugada le ha salido bien. Top Gun: Maverick, con una taquilla global a día de hoy de 1,378,790,745 $, ha hecho que la gente (fuera de los superhéroes) vaya al cine tras dos años en los que el mismo lo ha pasado muy mal. Ojalá esta tendencia siga al alza y sigamos yendo al cine.

Un saludo y sed felices.

 

 

Juez Dredd necesita más películas según Karl Urban

Juez Dredd es uno de los personajes con más carisma del comic británico y que a priori es susceptible de triunfar en la gran pantalla. Pero la verdad es que en el horizonte más próximo no se vislumbra ningún nuevo amanecer para Dredd. Karl Urban pienso que esto tiene que cambiar.

«Ciertamente me interesaría volver a visitar al personaje (Juez Dredd)», dijo Urban a GQ en un nuevo video que explora sus personajes más memorables, desde Billy Butcher en The Boys hasta Leonard «Bones» McCoy de Star Trek . Al interpretar a Dredd en 2012 , Urban recordó haberse «divertido mucho» en el set y abogó por que un estudio diera luz verde al futuro contenido temático de Dredd basado en sus comics. «Hay una gran profundidad de material allí que fue escrito por John Wagner y varios escritores a lo largo de los años, particularmente historias que giran en torno al Juez Muerte y muchas historias geniales», continuó. «A mí no me molesta si tengo la oportunidad de volver a interpretar a Dredd o si es otra persona. ¨

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Dirigida por Pete Travis a partir de un guion escrito por Alex Garland de Ex Machina , Dredd marcó la segunda adaptación al cine del personaje de Dredd después de la terrible versión de Stallone en 1995. La película siguió al juez Dredd mientras él y la jueza novata Cassandra Anderson (Olivia Thirlby) intentan arrestar al líder de la pandilla «Ma-Ma» Madrigal (Lena Headley) por tráfico de un nuevo tipo de narcótico peligroso. Sin embargo, al entrar en su complejo de tugurios de 200 pisos, Ma-Ma atrapa a los dos adentro y arroja a toda su pandilla sobre ellos, lo que obliga a ambos jueces a luchar para llegar a la cima.

A pesar del bajo rendimiento en el momento de su lanzamiento, Dredd fue muy elogiado por sus escenas de acción, efectos visuales y la actuación de Urban como personaje principal. Desafortunadamente, debido a la baja venta de entradas, las futuras secuelas de la película Dredd fueron canceladas, aunque más tarde recibiría continuaciones de cómics en Dredd Underbelly de 2014 y Dredd: Final Judgement de 2018.

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En diciembre, la editorial Judge Dredd 2000 AD publicó un crossover en el que Dredd se encuentra con sus homólogos cinematográficos. En el cómic, Dredd intenta detener a un multimillonario inspirado en Elon Musk después de escapar a través de un portal interdimensional, solo para encontrarse con las encarnaciones del juez de Stallone y Urban en un universo alternativo.

Desde 2017, la productora IM Global ha estado trabajando en una serie de televisión titulada Judge Dredd: Mega-City One , aunque aún no está claro cuándo se estrenará. IM Global también tiene que confirmar si Urban volverá a interpretar al juez Dredd en esta serie aunque la predisposición del actor para ello está más que clara.

Recuerdo cómo me impresionó la primera vez que leí al Juez Dredd. Ya había leído Perros de Estroncio, que también me había impactado, pero el carisma de Dredd me pasó por encima. Un héroe que no habla más de lo necesario. Con un sentido del deber y la ley casi robótico. Prácticamente desprovisto de emociones, sobre todo el miedo y la duda. Unos villanos que rozan el terror y todo ello ambientado en un futuro apocalíptico post nuclear donde la humanidad se hacina en dos grandes urbes.

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Por el contrario la película de Urban no me pareció gran cosa la primera vez que la vi. Supongo que el hecho de que no salieran de aquel edificio lleno de apartamentos me bajó un poco el hype. Esperaba una aventura con diversos paisajes arrasados por la guerra como en los comics. Eso sí, el personaje estaba bastante logrado. Y también el villano, o villana en este caso. Alguien muy terrenal, no como en los comics, pero con una maldad y alma desterrada que sí ensambla muy bien con los personajes del papel.

Me encantaría ver esa serie de la que se habla de vez en cuando. No sabemos si es un proyecto real o tan solo fuegos artificiales que se lanzan al aire para mantener las pupilas de los fans dilatadas. Y si Urban tiene tantas ganas de volver al personaje tal vez habría que confiar en él. Ya demostró su buen hacer en la película.

Un abrazo a todos.

Novedades Norma Editorial del mes de septiembre de 2022

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades del mes de septiembre de Norma Editorial.

A la vuelta de este caluroso verano, Norma Editorial nos trae interesantes y frescas novedades. Como siempre, os vamos a dar un par de recomendaciones del catálogo de septiembre.

Novedades de septiembre de Norma Editorial

1.- WILD WEST. CALAMITY JANE / WILD BILL

Norma

«Martha Jane Cannary trabaja como criada en un prostíbulo de Omaha. Aunque arregla habitaciones, se mantiene al margen del funcionamiento del burdel».

«Sin embargo, su vida dará un vuelco cuando, a causa de una violación, se vea obligada a ejercer de prostituta».

«Por fortuna, tropezará con Wild Bill Hickok, auténtica leyenda del Oeste, que le ofrecerá una vía de escape hacia una vida azarosa, pero libre».

«Por ese camino, Martha Cannary dejará de existir y habrá nacido Calamity Jane».

Lo tendremos disponible el 22 de septiembre.

2.- PERCEVAN. INTEGRAL 4

Norma

«Perceván es un joven caballero que vive en un universo medieval rebosante de magia, aventura, amor y humor. Acompañado por Kervin el trovador, Perceván se verá envuelto en toda clase de enredos».

«En esta ocasión viajará al oasis de El Djamal para asistir a un prodigio astronómico. Acto seguido tratará de impedir el desencadenamiento del apocalipsis».

Tendremos este cuarto integral de Perceván, el día 23 de septiembre.

Estas dos han sido mis recomendaciones del catálogo de septiembre de Norma Editorial. Siempre, basándome en mis gustos personales, claro está.

Espero que os resulte interesante, o que os «pique» un poco la curiosidad por alguno de los títulos que se resaltan. Al final del todo, os dejamos el pdf completo con todos los títulos que salen en septiembre.

Sin más … Me despido de todos vosotros.

¡Sed Felices!

Análisis de Better Call Saul. Temporada 6. Capítulo 12

Bienvenidos al penúltimo capítulo de Better Call Saul. Esta serie que comenzó como un spin off de Breaking Bad, y terminó, por méritos propios, haciéndose un lugar entre las mejores series de la historia.

Viejos secretos develados

Pincha aquí para ver los análisis anteriores.

Better Call saul

Fueron tantos los detalles que nos dejó este episodio que no me alcanzaría un solo análisis para ponerlos a todos. También vi en algunos comentarios que Better Call Saul en estos últimos capítulos bajó un poco el nivel. Para mi está muy lejos de ser así, tal vez cambió el foco y ahora nos centramos en Gene y nos alejamos del cártel, dado que ya no tenían nada más para contarnos. Igual son muy aceptables las opiniones distintas. Esto es lo mágico de las series, y sobre todo de esta serie. Dicho esto, vamos al grano.

«Riego de lágrimas», el nombre de este capítulo número doce de Better Call Saul tiene como principales protagonistas a Gene y Kim. Nos deja claro qué fue de la vida de la ex esposa de Saul luego de que se alejara de él. Se va a Florida y trabaja en una empresa de rociadores donde no se la ve muy feliz ni en paz.

Lo que verdaderamente la perturba aún, muchos años después, es cargar con la muerte de Howard. Entonces vemos a Kim emprender un viaje desde Florida hasta Alburquerque. La primera parada era la fiscalía, donde ella brinda declaraciones sobre lo sucedido. Luego visita a la viuda de Hamlin y cierra todo el círculo perfecto con un: «Howard solo estuvo en el lugar y momento equivocado».

De esa forma rompe en llanto dejando salir todos sus demonios de adentro y consiguiendo la ansiada redención. Kim nunca fue un personaje que demuestre demasiado sus sentimientos, pero en ese aeropuerto esperando su avión, no pudo evitar que las lágrimas corrieran por sus mejillas. Rhea merece ganarse la estatuilla a la mejor actriz en los próximos premios. Gracias por tanto, Seehorn.

Antes que todo esto sucediera, Gene llama a Kim. Allí su ex mujer le pide que se entregue, recibiendo una negativa muy grande por parte de Saul. A pesar de llamarla porque aún la ama y siente cosas muy fuertes por su ex pareja, Goodman no puede evitar salir siempre victorioso y se pone en una posición arrogante y orgullosa, sabiendo que está en una situación muy distinta a la quiere demostrar.

Luego vemos un flashback en el wur Kim le pide divorcio a Saul. Aquí Goodman (que era el abogado más famoso de Alburquerque), la hace esperar a su entonces esposa en una clara muestra de superioridad y poder. Todo era de cartón, una escenografía decorosa, dado que Saul todavía siente cosas por ella, pero no quiere dejar de lado esta personalidad que ha creado y le está dando muchos beneficios.

Aquí hay una escena muy significativa, igual a una de Breaking Bad: Kim luego de firmar los papeles, sale a fumar un cigarrillo afuera de la oficina, allí esta Jesse, al igual cuando Walter vio por última vez a su mujer antes de morir. Luego de un pequeño dialogo donde Pinkman le pregunta si es un buen abogado a la mujer, ella se va y el joven entra. Otra metáfora muy grande, se va una persona que tiene sus fantasmas adentro, para que entre otra que será uno de los encargados de producir aún más mal a todos los que los rodean.

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Tal fue el terremoto que causo ese ingreso de Jesse a la oficina de Saul, que luego ya teniendo la personalidad de Gene, y por la gran ambición que le generó su alter ego, en el enésimo robo que realiza, es descubierto y casi termina asesinando a Marion. Aquí vemos otra analogía con Walter White: mientras más pasaba el tiempo, más oscuro e inmoral se volvía, llegando a matar a cualquiera que se cruzara por su camino.

Conclusiones

Este episodio nos mostró que fue de Kim luego de los sucesos de Better Call Saul. Ella está llevando una vida triste y gris, nada puede hacerla cambiar, hasta que recibe el llamado de Saul y ahí algo en ella vuelve a vivir. La angustia y la sensación de redención la llevan nuevamente a Alburquerque y brinda la verdad sobre la muerte de Howard.

Excelente cierre para este personaje que fue de los más brillantes durante toda la serie. Algunos dicen que ella puede ser quien saque de la cárcel a Goodman. Yo no lo creo así: dado que ya dio de baja su licencia, y parece haber sacado de una vez por todas a Saul de su vida. Tal como le pasó a Walter con Skyler, Wexler también luego de tanto sufrimiento pudo alejarse de la persona que le cambio su vida para mal.

Seguramente en el último episodio veremos como Gene es encarcelado. No tiene otra escapatoria. Pienso que llamará nuevamente al hombre de las aspiradoras pero no podrá evitar su destino. Creo que el abogado que lo va defender ante la corte, será William Oakley. También considero,  que se terminará por cerrar el caso de Howard, que descubrirán los verdaderos culpables.

Saludos, hasta la próxima y última semana.

Ya tenemos tráiler y fecha de estreno de la quinta temporada de Cobra Kai

Ya tenemos tráiler y fecha de estreno de la quinta temporada de Cobra Kai.

Después del sorprendente resultado del Campeonato de All Valley, el imperio Cobra Kai de Terry Silver sigue creciendo e intentando que su estilo de kárate «sin piedad» sea el único de la ciudad. Como Kreese está entre rejas y Johnny Lawrence ha dejado el kárate para intentar reparar el daño que ha causado, Daniel LaRusso tiene que recurrir a un viejo amigo.

Cobra Kai

En esta temporada descubriremos las respuestas que nos quedaron por resolver de temporadas anteriores, como la identidad del padre de Miguel Díaz hasta qué pasará con John Kreese después del giro final de la cuarta temporada.

Cobra Kai

La serie está protagonizada por William Zabka, Ralph Macchio, Xolo Maridueña, Tanner Buchanan, Mary Mouser, Martin Kove, Thomas Ian Griffith, Jacob Bertrand, Nichole Brown, Peyton List y Gianni De Cenzo, entre otros.

Con la quinta temporada de Cobra Kai se unen dos nuevos personajes. Chozen Toguchi (Yuji Okumoto) quien fue el rival de LaRusso en Karate Kid 2. También vuelve Mike Barnes (Sean Kanan), quien fue otro de los enemigos de Daniel, pero en Karate Kid 3. Aunque se desconoce el rol que tendrá el personaje en la serie.

La serie llegará el próximo 9 de septiembre.

Se confirma la última entrega de Saw, para el 27 de octubre de 2023.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Tenemos confirmación de lo que será la última entrega de la saga Saw.

Pero aún hemos sabido más … Kevin Greutert, el que fuera el director de la sexta entrega, será el encargado de dirigir la décima y última parte de esta conocida saga de terror.

Saw 10. Estreno en cines el 23 de octubre de 2023.

Saw

«Hemos estado escuchando lo que los fans han estado pidiendo y estamos trabajando duro para planear una película que los aficionados a Saw y los fans del terror por igual amarán», dijeron los productores Mark Burg y Oren Koules.

«Y parte de eso es dar las riendas a Kevin Greutert, director de Saw 6, que sigue siendo una de las favoritas de los fans de toda la saga. Pronto se revelarán más detalles».

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El anuncio ha sido realizado por Lionsgate y Twisted Pictures, a través de un comunicado oficial y también a través de sus RRSS.

La noticia de Kevin Greutert como director de la definitiva entrega, ha tenido muy buena acogida por los fans de Saw, puesto que quedaron muy satisfechos con las entregas sexta y séptima de la aclamada saga.

Lo único que hemos sabido del argumento, que aún permanece en secreto, es que habrá nuevas y macabras trampas.

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Esteremos muy atentos a las noticias que puedan surgir, como consecuencia de la producción de Saw 10.

Pasad una terrorífica tarde y …

¡Sed Felices!

Reseña de El Increíble Hulk de Peter David: Perdido en Las Vegas

El increíble Hulk, ese Goliat verde capaz de destrozarlo todo a su paso, imparable y sin capacidad de raciocinio. Pero … ¿ Y si sacrificara algo de su fuerza a cambio de discurrir de una manera más inteligente ?  Esto es lo que ocurrió en la etapa dirigida por Peter David y que ahora Panini Comics ha recopilado en un tomo ambientado en Las Vegas.

Podéis adquirir el ejemplar aquí.

Hulk Peter David

Ahora Hulk es gris. Ese es el detalle que salta a la vista. Pero ahí no queda la cosa. Ha reducido un poco su tamaño, su fuerza es descomunal pero también ha disminuido un poco y en cambio su mente funciona de una manera mucho más racional. Por si esto fuera poco ahora se hace llamar Joe Arréglalo y trabaja como matón de Casino para la Mafia. Desconcertante, lo sé. Pero hay que reconocer que sacude los arquetipos que teníamos del gigante verde. Y eso siempre despierta la curiosidad.

Hay cosas ciertamente bien llevadas en este tomo. Por ejemplo, respeta una de las máximas del cine en este tipo de género. Nunca enseñes al monstruo demasiado pronto. Así, en el primer capítulo nos pasamos varias páginas viendo cómo todo el mundo habla del Sr. Arréglalo sin que nos lo muestren. Esto eleva la expectativa y te hace quedarte dentro de la historia viñeta tras viñeta hasta poder ver a este nuevo Hulk. Y cuando aparece es un golpe a nuestro cerebro.

Hulk La Cosa

Vemos a un Hulk vestido con un traje de rayas muy caro hecho a medida. Sombrero y bufanda al más puro estilo de gangster de los años veinte. Y aunque tiene una personalidad muy marcada, ésta es todo lo que no queremos ver en un súper héroe. Es violento, déspota, sin un ápice de sentimiento y descortés con todo aquel que intenta acercarse a él. No hay nada de Bruce Banner en él. Ni siquiera del aspecto bonachón que en el pasado esgrimiera de vez en cuando el gigante esmeralda. Ahora es malo en todas sus vertientes.

Durante su periplo en Las Vegas le veremos combatir en numerosas ocasiones con matones de tres al cuarto. Pero estos no serán los únicos que se zurraran con él. Así, desfilarán por estas página invitados del calibre de Spiderman, La Cosa, Lobezno o Iron Man entre otros. De la misma manera el escenario no se limitará a la ciudad del pecado sino que nuestro protagonista visitará otros lugares como por ejemplo un submundo microscópico.

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Para mí lo más interesante del tomo es su lucha interna con Bruce Banner. Concretamente en un capítulo la historia comienza con Hulk construyendo un muro y dejando al otro lado al bueno de Banner pidiéndole explicaciones. Ahí el dibujo es impactante reflejando claramente el mito del Doctor Jekill y Mr. Hyde. Ahora que Hulk puede pensar de una manera más profunda esto le permite encontrar resortes para evitar que Banner salga a la superficie.

Por contra, lo que menos me ha gustado es la maldad pura que se le ha inyectado a Hulk. Incluso en un capítulo llega a matar a un perro con sus propias manos, algo que por ejemplo está muy mal visto en Hollywood y que prácticamente nunca se ve en sus películas. Se ha evolucionado al personaje hasta un rincón demasiado oscuro. Ya no es el bruto que golpea porque quiere que le dejen en paz. Este Hulk busca él la pelea. Y no le importa con quién sea ni el dolor o daño que cause en su camino.

El tomo, en definitiva es interesante. Porque vemos a un Hulk como nunca antes se había visto. Porque el esperpento en que se ha convertido llama mucho la atención. Y un gran parque de atracciones como Las Vegas sirve de escenario idóneo para sus correrías. Una evolución del personaje hacia los límites más oscuros, violentos y básicos de los seres vivos. Lleno de acción y peleas por doquier. Con duelos de fuerza que ponen en jaque el poder de Hulk.

Antes era verde. Ahora es gris. Y con la tonalidad han venido otros cambios. Deseas con todas las fuerzas que a la página siguiente llegue la redención para Mr. Arréglalo. Tal vez esta historia sirva a más de uno para mirarse al espejo y sacar conclusiones.

Un abrazo a todos.

Ezra Miller emite un comunicado y admite que busca tratamiento para su salud mental

Recientemente mi compañero Juanma hablaba de la estrella Ezra Miller y de todos los charcos en los que andaba metido y que ponían en peligro el estreno de la película The Flash, además de la propia salud mental del actor.

Pues parece que el actor se ha dejado asesorar y ha emitido un comunicado a The Hollywood Reporter en el que dice que está buscando tratamiento para “problemas complejos de salud mental”.

Miller dice en el comunicado, enviado a través de un representante a The Hollywood Reporter lo siguiente:

“Habiendo pasado recientemente por un momento de intensa crisis, ahora entiendo que estoy sufriendo problemas complejos de salud mental y he comenzado un tratamiento contÍnuo. Quiero disculparme con todos los que he alarmado y molestado con mi comportamiento pasado. Me comprometo a hacer el trabajo necesario para volver a una etapa saludable, segura y productiva en mi vida”.

Miller fue arrestado en dos ocasiones distintas en Hawai, una vez en marzo por alteración del orden público y acoso luego de un incidente en un bar de karaoke, y nuevamente en abril por un presunto asalto en el que se acusó al actor de golpear a una mujer en la cabeza en una residencia privada. Los padres de un joven de 18 años presentaron una orden de protección contra Miller, alegando que el actor preparó a su hijo desde que tenía 12 años. (El niño ha negado haber sido coaccionado por Miller en una publicación de Instagram). Más recientemente, Miller fue acusado el 8 de agosto con un delito grave de robo en Vermont, donde reside el actor, luego de supuestamente robar botellas de alcohol de una casa local desocupada en mayo.

Ezra Miller

Todo esto ocasionó que Warner Bros llegase a plantar diferentes opciones sobre The Flash, una de ellas según cuenta mi compañero Juanma era:

«El primer escenario sería que el actor reconociese sus problemas y buscase ayuda. Ante esta situación Warner Discovery podría aconsejar al actor que diese una rueda de prensa explicando sus comportamientos y el estreno de ‘The Flash’ continuaría con total normalidad y Miller podría participar de forma limitada en la publicitación del filme».

Pues parece que el actor está por la labor de colaborar y de paso curarse. Bravo por ello.

The Flash está programado para el 23 de junio de 2023 como fecha de lanzamiento.

Un saludo y sed felices.

Crítica de Turno de día (Day Shift, 2022), de Netflix: Una comedia de vampiros light marca de la casa

Muy buenas. Entre los estrenos del pasado 12 de agosto de Netflix estaba Turno de día, la nueva película de Jamie Foxx con la compañía de streaming tras la muy olvidable Proyecto Power.

Una película de vampiros y mucha sangre con comedia y tono familiar.

He de decir que la película antes de estrenarse no me llamaba la atención para nada. Os hable de ella en el artículo Estrenos cinematográficos en Netflix para el 2022. Esta fue mi valoración:

“He dudado en ponerla. No me fío de esta película. Jamie Foxx es el protagonista. Interpreta a un padre de familia que lleva una aparentemente tranquila vida. En realidad se dedica a dar caza a vampiros.

Lo malo de la propuesta es el tono de comedia. Foxx ya ha colaborado con Netflix en la mediocre Proyecto Power.

No tendré prisa en verla”.

El caso es que con el paso de los días me he venido arriba por dos motivos principalmente: la primera y más importante es que está producida por los chicos de 87eleven lo cual le da un plus de calidad a las escenas de acción. La segunda es que aparece mi idolatrado Scott Adkins en un pequeñísimo papel, justo en la mejor escena de la película.

Y la película cumple con los estándares de Netflix, es una película para ver una noche de agosto, es entretenida y a la vez muy típica, por lo que rápidamente irá al cajón del olvido. Pero Netflix lleva produciendo así unos años y ya esto no debería ser noticia.

Hablamos de una producción de 100 millones, lo cual me parece excesivo para una película que no está diseñada por Netflix como uno de sus grandes estrenos. Además ese gran presupuesto está en manos de un director novel, J.J. Perry. Pues a este respecto he de decir que el realizador cumple sobradamente y nos da muy buenas coreografías de lucha y alguna muy buena persecución de coches.

Turno de día

¿La historia? Jamie Foxx interpreta a Bud Jablonski, un padre trabajador que se deja la piel en su empleo de limpiapiscinas en el valle de San Fernando. Aunque pronto nos damos cuenta que no es más que una tapadera para su verdadero trabajo: perseguir y matar vampiros como miembro de un sindicato internacional de cazadores de chupasangres.

Aunque la escena inicial contra la vieja vampira consigue atraer por la coreografía y los movimientos del vampiro, pronto vemos que la película tira por los derroteros de una comedia light. Jablonski está a punto de perder a su familia debido a la manida conciliación trabajo familia, por lo que necesita cazar vampiros ya que le dará el dinero que impida que su mujer e hija se vayan.

Por el camino tenemos personajes como Seth (Dave Franco) que es el punto cómico de la película o el desaprovechado Big John Elliott (Snoop Dogg) como un cazavampiros poco sutil a la hora de pasar a la acción.

Y respecto a la acción, destacar la escena de la casa en la que hay una colmena de vampiros, menos mal que en esta ocasión el bueno de Jablonski va acompañado de los locos Hermanos Nazarian, interpretados por Steve Howey y el bueno de Scott Adkins.

Como curiosidad, destacar la persecución en los canales de desagüe del Valle de San Fernando. está inspirada en esta otra archiconocida:

Valoraciones finales.

Netflix está cambiando el cine. Casi todas sus últimas películas están cortadas por el mismo patrón, basada en el famoso algoritmo. ¿De qué estoy hablando? Nos encontramos cada vez más con «películas prefabricadas», por así decirlo, a gusto del consumidor (más bien a gusto de Netflix). Lo que hace la compañía es utilizar una fórmula algorítmica para analizar los datos y predecir los gustos de audiencia. Cuanto más se usa la plataforma más datos sobre películas y series favoritas, las no favoritas y horas de consumo obtiene.

Pero sin entrar en teorías de conspiración, Netflix da un paso más allá y lleva creando películas prefabricadas, es decir, crea el contenido en base a las preferencias de los usuarios durante varios años.

Así llevamos viéndolo en los últimos años, películas en apariencia que nada tienen que ver pero que a la postre son muy parecidas en el montaje, tres o cuatro set pieces de acción y para complementar entre medias algunas escenas de comedia para descansar al espectador. Hablamos además de películas que no bajan de los 100 millones de presupuesto (Alerta Roja y El agente invisible llegaron a los 200 millones) y que en el fin de semana siempre aparecen como no en el número 1 del Top de más vistas.

Esto nos da a la postre películas vacías de alma y es una lástima, ya que en el pasado una película de los Hermanos Russo con Ryan Gosling y Chris Evans y con ese presupuesto sería una película que perduraría en el tiempo y no un disfrutable pasatiempo olvidadizo de Netflix.

Después de esta perorata he de decir que Turno de día es una película entretenida, sin mayores pretensiones más que la de hacernos pasar un buen rato. Y cuando acabas de verla va a ese enorme cajón de sastre que es la plataforma de Netflix.

Turno de día

Un saludo y sed felices.

 

Bullet Train (2022): Un desternillante y alocado puzle repleto de acción desenfrenada

‘Bullet train’ es la última cinta protagonizada por Brad Pitt y dirigida por su amigo David Leitch (John Wick, Atómica y Deadpool 2). Un largometraje de acción que ha venido a refrescar este caluroso verano con esa acción desbocada y ese humor irreverente y (por momentos) absurdo.

Antes de entrar en detalles os dejo aquí el tráiler de Bullet train’

La trama de esta cinta es muy sencilla: Mariquita (Brad Pitt) deberá subir al tren bala en Tokio, robar un maletín y bajar en la primera parada. Fácil, demasiado fácil. Un trabajo que le ha llegado de rebote, ya que su compañero Carver ha enfermado y él tendrá que sustituirlo.

Pese a lo sencillo de la premisa, la historia se desvela como un elaborado puzle en el que cada pieza tiene una gran importancia para que veamos el cuadro al completo. Nada ocurre de forma arbitraria, todo tiene explicación y la veremos.

Teniendo a Brad Pitt como protagonista podríamos pensar que él es el que ‘reparte el bacalao’ en esta cinta pero no es así. Esta propuesta nos entrega un reparto coral que tiene momentos memorables y que demuestra, como ya ocurrió con John Wick, que con pocas pinceladas bien trazadas se pueden crear personajes increíbles.

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La película, desde el comienzo nos deja claro que Japón como telón de fondo no es solo un escenario bonito: es el país del manga y eso se va a notar en algunas escenas de acción dignas del mejor anime y personajes inverosímiles aunque creíbles como los que pululan por algunas de sus OVAs o películas.

Una referencia que me vino a la cabeza tras la primera media hora de ‘Bullet train’ fue ‘Snatch: Cerdos y diamantes‘ o cualquier otra cinta de Guy Ritchie o Quentin Tarantino. Un tipo de cine en el que la violencia campa a sus anchas con una naturalidad tal que consigue que el espectador le quite importancia a la escena en la que un personaje se desangra al seccionarle la arteria carótida.

La mezcla de humor, acción y violencia es otra de las claves del cine de Ritchie, junto con esos gansters elegantes y excéntricos que habitan en su filmografía. Leitch abraza eso y lo lleva un paso más allá con momentos histriónicos que nos van a sacar carcajadas. Como personajes de dibujos animados, sus protagonistas van a abrazar el exceso y lo van a hacer suyo para crear personajes que rozan la caricatura.

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La escena entre el Avispón y Mariquita es desternillante en su desenlace y es otro gran ejemplo de la forma en la que se ha llevado la violencia en esta cinta.

Se nota que todo el elenco se lo ha pasado en grande rodando ‘Bullet train’ porque están sobresalientes. Aaron Taylor-Johnson y Brian Tyree Henry (Como ‘Mandarina’ y ‘Limón’ respectivamente) están de dulce y la química entre estos hermanos es excelente.  Joey King como ‘Prince’ esta de lujo, incluso Bad Bunny, que interpreta a este personaje que parece salido de una película de Robert Rodríguez, realiza un gran trabajo.

Michael Shannon, Hiroyuji Sanada, Adrew Koji, hay una larga lista de actores y actrices que conforman este filme que merecen mención. Me ha alegrado ver a Karen Fukuhara (‘The Boys’) o a mi querido Hiro Nakamura de ‘Héroes’ (Masi Oka).

Como amante del cine de acción y artes marciales, cuando supe que Andrew Koji formaba parte del elenco me alegré, ya que soy un gran fan de la serie ‘Warrior’ de la que es protagonista.  Aunque he sentido la misma decepción que sentí cuando vi el papel de Scott Adkins en ‘Mercenarios 2’.  Un artista marcial que es un gran actor desaprovechado en la cinta.  Ver a Koji repartiendo estopa hubiese sido la guinda.

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Y hablando de la acción, no tengo nada malo que decir sobre ella ya que está a la altura de lo que se espera de David Leitch. Todo filmado con un gusto y un mimo que nos deja ver cada movimiento de cada personaje involucrado.

Coreografías que se encuentran al mismo nivel de las vistas en la filmografía de este cineasta y que se muestran más viscerales aún al llevarse a cabo en un lugar tan reducido como es el vagón de un tren.

El aspecto visual de ‘Bullet train’ es también algo muy potente y llamativo con un excesivo uso del color, que ayuda a ese edulcoración de la violencia. Quiero recalcar el momento del flashback sobre el ascenso de ‘La Peste Blanca’ que parece rodado por el mismísimo Zack Snyder.

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Conclusión

Me ha encantado la propuesta de David Leitch y Brad Pitt y ‘Bullet train’ está llamada a ser la película del verano. Un entretenimiento puro que nos va sacar más de una sonrisa por un guion repleto de momentos alocados, exagerados con diálogos agiles y ácidos.

¿Alguien dijo McGuffin? Aunque el maletín se convierte en ese elemento, es tan irrelevante que casi nos deja de importar una vez que nos hemos subido al tren y han pasado 20 minutos del metraje.

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Las referencias al estilo de otros cineastas es más que evidente (Tarantino, Ritchie, Rodríguez o Snyder) y eso enriquece ‘Bullet train’.

El elenco está desatado y eso beneficia a la película ya que consiguen defender personajes estridentes con los que puede parecer difícil empatizar.

Los amantes del cine de acción van a disfrutar este largometraje de principio a fin y su trama encaja perfectamente sin dejar ningún cabo suelto. Nada ocurre por casualidad en ‘Bullet train’.

Ojo a los cameos que son muy divertidos, pese a que los tráilers ya arruinaron el de Sandra Bullock.

Un papel muy importante lo tiene la música y quiero remarcar esa versión en japonés de ‘Holding out for a hero’ de Bonnie Tyler.

Corred al cine a ver ‘Bullet train’, no os vais a arrepentir de verla en pantalla grande.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Liga de la justicia: el último viaje (2022), el no tan crepuscular relato de Chip Zdarsky

A la hora de valorar lo acertado de tal o cual colección de un determinado personaje hay que tener en cuenta que, para gustos, colores. Pero lo cierto es que pocas etapas de la actualidad han cosechado tan buenas críticas como el Daredevil de Chip Zdarsky. Ahora, el autor de la una de las etapas más aclamadas del diablo de la Cocina del infierno aborda a la Liga de la Justicia previo a su esperadísima etapa de Batman (el caramelo que todo autor quiere). ¿Queréis saber qué me ha parecido Liga de la Justicia: el último viaje?

Análisis de otros cómics de La liga de la Justicia en Las cosas que nos hacen felices

«Solo para que lo sepáis, puedo dormirme en siete segundos y solo necesito dos horas. Así que no dudéis en despertarme si es necesario.» Batman.

Liga de la Justicia: El último viaje narra una nueva misión del grupo de superhéroes de DC cómics…con la diferencia que, esta vez, el grupo está totalmente roto. Una misión contra el archienemigo de la Liga, Darkseid, deviene en tragedia y genera una fractura insalvable entre sus dos más grandes héroes: el extraterrestre Superman y el (super)humano Batman.

Básicamente, el motivo de dicho conflicto nace de una necesidad común: la de salvar a todos. Sus diferencias radican en sus orígenes. El omnipotente Superman se atormenta por cada persona que no ha podido fallar. Tiene que salvar a todos porque puede hacerlo. En el caso de Batman, su sentido del deber es aún más fuerte. Consciente de sus limitaciones humanas, las ha ampliado hasta lo (valga la redundancia) humanamente posible. Tiene que salvar a todos porque tiene que hacerlo. Y hará lo que sea necesario para ello.

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Así, una Liga marcada por el enfrentamiento entre ambos héroes debe realizar una última misión. No en el sentido crepuscular que todos podríamos pensar, sino que, dada la distancia entre Superman y Batman, es impensable que la Liga vuelva a constituirse.

Esta misión consiste en escoltar a Lobo, buscado por múltiples gobiernos intergalácticos, y protegerlo antes de que lo lleven a juicio.

Liga de la justicia: el último viaje comienza muy bien dada la profundización psicológica de ambos personajes pero, a medida que avanza la trama se va volviendo cada vez más comercial, con apariciones sorpresa, giros de guión…el argumento se va haciendo cada vez más grande y, a la vez, se va empequeñeciendo y perdiendo interés.

Muchos de los personajes carecen de interés. El ejemplo más sangrante es el de Flash, reducido a un mero artificio cómico. Pero es loable la figura de Wonder Woman como equilibrio entre lo humano (Batman) y lo divino (Superman).

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En cuanto a la caracterización de los dos protagonistas, lo más sorprendente es el retrato que Zdarsky hace de Superman con sus miserias y su elevado sentido del deber omnipotente. En lo que respecta a Batman, no logra pasar del retrato del personaje oscuro, callado y obsesivo que hemos conocido en tantos otros cómics.

A Zdarsky le acompaña el dibujante  portugués Miguel Mendoça, que entrega unos personajes visualmente muy potentes y se muestra capaz de unir el drama del guión con la expresiones de los héroes.

En definitiva, Liga de la justicia: el último viaje es una entretenida historia que comienza profundizando en un interesante conflicto psicológico entre Superman y Batman, a raíz de sus distintas capacidades para poder salvar a todos, pero que termina convirtiéndose en otra historia superheroica bigger tan life en la que se suceden intensos acontecimientos, pero pierde la fuerza de las motivaciones de sus personajes.

¿Qué ha sido de la Liga de la Justicia? Los héroes más poderosos de la Tierra fueron amigos y aliados durante años; pero entonces, ocurrió algo que lo echó todo al traste. No obstante, ha llegado el momento de que Superman, Batman, Wonder Woman, Flash y compañía vuelvan a unir fuerzas para… ¡proteger a Lobo! Planetas Unidos por fin ha arrestado al czarniano para que responda por los delitos que ha cometido, pero no llegará al tribunal si antes lo encuentran sus muchos enemigos.

Enlace a Liga de la Justicia: el último viaje en ECC Cómics

Chip Zdarsky, guionista de Stillwater y Batman: Leyendas urbanas, nos trae una historia inédita de la Liga de la Justicia en compañía del dibujante Miguel Mendonça. Recopila los números del 1 al 7 de la miniserie original Justice League: Last Ride.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Retro-Análisis | Spawn (1997): El 25 aniversario del ejemplo de cómo maltratar a un buen personaje

Bienvenid@s amantes del VHS y de la era analógica a otro Retro-Análisis más en esta sección que trata de ser semanal y que os trae joyas (o no) del siglo XX que me gusta rescatar para que los más jóvenes las conozcan y los más veteranos las recuerden.

‘Spawn’ cumple este mes de agosto 25 años. El aniversario de una oportunidad perdida, de un ‘quiero y no puedo’ que quedó eclipsada por la brutal adaptación animada de HBO.

‘Spawn’ fue el primer personaje creado por Todd McFarlane cuando dejó Marvel y fundó (junto con otros dibujantes) Image Comics. Su obra maestra junto a la creación del simbionte más querido: Venom.

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Es verdad que podríamos decir que este autor lleva ya años viviendo de este personaje y la línea de figuras que comenzó con él y que ha ampliado a otras franquicias, pero no hemos venido a hablar de eso. Hoy estamos aquí para hablar de la adaptación cinematográfica que tan mal sabor de boca me dejó.

Hay mucha gente que la considera una de esas obras de culto que hay que venerar, yo no estoy entre ellas.  La cinta de Mark A.Z. Dippé tiene elementos positivos, pero le pesan mucho más los negativos y lastran la oportunidad de haber visto algo opuesto a la colorida y deplorable Batman y Robin estrenada el mismo año.

La historia es relativamente fiel al cómic, aunque (por temas de derechos) se cambió la identidad de la persona que asesina a Al Simmons.  Básicamente nos encontramos con una trama de venganza en la que el nuevo Spawn trata de saldar cuentas con Jason Wynn (Martin Sheen) mientras se resiste a ser quien está destinado a ser y desea recuperar su vida anterior.

No es mala premisa, pero está realizada con mucha tosquedad y poca imaginación. Vamos a empezar con este retro-Análisis que no va a ser muy bueno para este largometraje.

Comencemos por el nivel actoral de los protagonistas: Malo. De Michael Jai White cabía esperar sus limitaciones, pero de Martin Sheen no. A su favor diré que el guion que sustenta a su villano está muy lejos de ser algo defendible y que no hay por dónde cogerlo. Tanto él como el personaje de Jessica Priest (Melinda Clarke) son más planos que el papel que usaron para imprimir el libreto.

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Personalmente salvo únicamente a John Leguizamo que se deja llevar por la locura de su personaje y tiene los mejores momentos de todo el largometraje.  Es verdad que por momentos parece el Jim Carrey de los 90 con un poco de mala leche infernal, aunque le sienta bien.

El diseño de producción funciona por momentos, ya que (aunque se nota demasiado cuando ha sido rodado en escenarios) algunos tienen una buena calidad (como la guarida de Spawn y el callejón) pero otros parecen sacados de películas de dudosa calidad: como el despacho de Wynn.

‘Spawn’ es una cinta de contradicciones: por un lado, buenos momentos de efectos especiales para la época y por otro, escenas por CGI que dan vergüenza ajena.

Es cierto que la textura que se le dio a la capa del personaje no me terminó de encajar, pero quedaba bien en pantalla en algunas escenas: el aterrizaje en la fiesta o cuando lo vemos en la cruz. El problema es que no queda bien implementada en la escena y resalta demasiado, pero funciona teniendo en cuenta los años que han pasado ya.

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Es por lo costoso de realizar la capa con CGI que casi siempre veremos al personaje sin ella y eso le quita presencia en pantalla, ya que (podríamos decir) que es su sello.

Por otro lado, tenemos las escenas del infierno con Malebolgia y la legión de spawns que es de risa. Desde un villano que no mueve la boca, hasta cromas que hacen buenos a los que puede hacer uno mismo en casa con un móvil, un pc medio decente y un croma de AliExpress.

Todo el último tercio de la cinta que debería ser épico, acaba siendo un despropósito que arruina lo poco que había conseguido el guion hasta ese momento.

Conclusión

El mundo de los efectos especiales no estaba preparado para todo lo que necesitaba la premisa y el personaje de ‘Spawn’. Quizás ahora, que su creador quiere realizar un reboot, la cosa sea diferente, aunque viendo el presupuesto que se estaba manejando me da que estaremos ante algo igual.

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No cabe como excusa hablar de lo difícil que es adaptar la creación de McFarlane, pues la serie de animación de HBO lo hace de una manera brutal y muy superior a esto.

Por desgracia, ‘Spawn’ ha envejecido muy mal y los 25 años que han pasado desde su estreno en cines no la han mejorado.

Malas actuaciones y personajes tan olvidables como planos la han lastrado y convertido en un producto para amantes del cine de escasa calidad. Sinceramente es algo que duele, como lo hizo Batman y Robin, ya que es un personaje con todos los mimbres para entregarnos una película con mayor calado.

Antes de terminar quiero hablar de tres curiosidades muy conocidas: Todd McFarlane hace un cameo en el callejón, Twitch y Burke aparecen al final llevando esposado a Wynn y el grupo Iced Earth (fans de Spawn y al que le dedicaron un disco) se negó a participar en la banda sonora ya que había demasiada música electrónica.

Un saludo desde el sótano de la Batcueva.