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Crítica de Jerjes, la secuela tardía de 300

Hace ya once años, la película 300 invadió nuestras pantallas, tomándolas por sorpresa cual horda espartana. No es de extrañar: desde que Heródoto contó la hazaña de estos espartanos que combatieron en la desigual batalla de las Termópilas, una fascinación fuera de lo normal ha surgido en torno a este episodio de la historia griega. Frank Miller, uno de los creadores de cómic más prestigiosos que existen, contaba con un filón insuperable al crear la obra en la que se basaría esta exitosa cinta: el titánico esfuerzo y el sacrificio final de estos trescientos guerreros era la clase de relato que a este artista le gusta reflejar en sus trabajos más característicos. Batman contra las fuerzas de Ronald Reagan, Marv contra una red de protección de un caníbal en Sin City, Daredevil contra el mafioso Kingpin y la corrupción que le rodea… y Leónidas y sus hombres contra el aparentemente invencible ejército del rey Jerjes I de Persia.

jerjes contra leonidas frank miller las cosas que nos hacen felices

En el tebeo original, este monarca se nos presenta como un semidiós de una altura increíble y cubierto de oro. Sin embargo, acabamos descubriendo una esperanzadora verdad: se trata solo de un ser humano, tan mortal como los griegos a los que se enfrenta. El cómic no necesita profundizar más en sus motivaciones o su personalidad. Al fin y al cabo, se trata simplemente de un obstáculo a superar (o, más bien, a contener) por parte de los protagonistas. 300 cuenta una historia sencilla y efectiva que apela a nuestras pulsiones más primarias, con el mejor dibujo de un Miller a punto de entrar en decadencia. Pero, a medida que el artista fue estudiando el mundo persa, vio que había algo más que contar desde el lado del antagonista. Esto declaraba Frank Miller en una entrevista en Comic Book Resources, donde también advertía una cosa: era guionista y dibujante de cómics. No historiador. Una vez hechas las aclaraciones, es el momento de adentrarnos en Jerjes, publicada este mismo año por Dark Horse.

La muerte de Darío I

Este tebeo, que lleva años gestándose, iba a ser la base para la secuela de la película 300, y se nota. Al igual que esta olvidable película, comienza con la primera guerra médica, en la que se relatan los esfuerzos del ateniense Temístocles para frenar al ejército persa. Durante estas escenas de batalla, el dibujo se asemeja más al antiguo Miller: quizás no refleje la anatomía humana con exactitud, pero conserva esa fuerza que tan célebre hizo a este dibujante en su momento. Las batallas navales se narran con un ritmo adecuado, pero ya en este primer número nos encontramos con el principal problema de este cómic. Se trata de su brevedad, que impide desarrollar esta historia de forma tan magistral como la gesta de los espartanos. No llegamos a empatizar con estos soldados atenienses, ni a hacernos una idea de la amenaza a la que se enfrentan.

temistocles frank miller 300 las cosas que nos hacen felices

No es de extrañar: al fin y al cabo, se trata del prólogo. Pero pronto veremos que este problema también afecta al nudo y al desenlace de esta trama, compuesta de tan solo cinco números. Esta primera entrega puede resumirse de una forma tan cruel como descriptiva: 300 pero peor. No es mala, y habría sido una primera parte más que adecuada si el conjunto hubiera mejorado… y, sin embargo, no se puede evitar la sensación de estar ante una mera repetición, ante un viejo rockero tocando únicamente las canciones que su público conoce. A pesar de ello, termina de manera distinta al original: con la victoria griega en la batalla de Maratón, y el rey persa muerto en combate. Pero ese monarca ha dejado a un hijo vengativo que, más temprano que tarde, volverá a probar suerte contra Grecia.

No es su látigo lo que temen

Al contar la historia del rey persa, a pesar del conformismo de la primera parte, el estilo de Miller cambia. No de una manera drástica, claro: sigue manteniendo sus monólogos internos, y sigue intentando plasmar imágenes impactantes en el papel, pero de una manera más pausada. El artista nos muestra distintos momentos en la vida de Jerjes, con una novedad bastante interesante respecto a 300. No da ninguna versión histórica de este personaje por buena, sino que se presentan escenas contradictorias sobre momentos clave como su muerte, acrecentando el enigma que ya rodeaba a este gigantesco dirigente. Al comienzo de esta historieta, el hijo de Darío era un simple mocoso vengativo, pero acaba por convertirse en algo más grande que sí mismo. La transición de hombre a leyenda es algo abrupta pero el autor logra revestir al personaje de esa aura divina de la que hacía gala en la obra original.

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A pesar de que se trata de un experimento más que interesante, la duración sigue siendo el principal problema de este cómic. Miller dice haberse documentado mucho para realizar este tebeo, por lo que podría haber extendido la historia un par de números más, para hacer un repaso más completo del reinado de Jerjes. En lugar de mostrarnos una trama lineal de la que se habría beneficiado a la hora de mostrar las intrigas palaciegas y los lujos que rodearon al rey, opta por plasmar una escena detrás de otra sin un hilo narrativo claro que las una. De nuevo, una oportunidad desperdiciada.

La caída de la casa de Darío y el auge de Alejandro

Ese el subtítulo de este cómic, lo que nos advierte de lo que nos vamos a encontrar entre sus páginas: solo un par de números de estos cincos están dedicados a Jerjes como individuo. En realidad, a Frank Miller parece interesarle mucho más el proceso que este rey inició, es decir, la decadencia del imperio persa y su conquista por parte de Alejandro Magno. Por ello, el tebeo da un salto temporal hasta llegar al descendiente de Jerjes, Darío III.

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El último gobernante persa antes del conquistador macedonio es reflejado como una imitación de Jerjes, cubierto de metal y convertido en un ser grotesco, aún más que su predecesor. Es difícil adivinar las intenciones de Miller: ¿quería hacer una caricatura? ¿Quería darle un aire de grandeza a este descendiente del rey? Nunca queda muy claro, pero este autodenominado gran monarca acaba palideciendo en comparación con su antepasado. Su caída se narra de forma tan apresurada que no hay tiempo para ponerse de su lado o del de Alejandro. Este es uno de los exponentes más dolorosos de la decadencia de su autor: lo que en el cómic original se contaba con una viñeta no tiene el mismo impacto en estos dos últimos números de la miniserie. Si este par de capítulos hubieran sido dedicados al supuesto protagonista, quizás estaríamos hablando de un producto final más satisfactorio.

Conclusión

300 destacó por centrarse en un episodio concreto de la historia griega y exprimir toda su capacidad para la épica con un dibujo espectacular y unos textos de acompañamiento muy eficaces. Este extraño spin-off intenta aplicar ese mismo estilo a un reinado completo, e incluso a la decadencia de un imperio. Lo que el autor no ha tenido en cuenta es que estas dos historias son muy distintas, y por ello requieren de una narrativa diferente, no tan centrada en lo estético y sí en el argumento, que apenas tiene importancia en esta obra. Además, se dedica poco espacio a los acontecimientos, restándoles el impacto que deberían tener en el lector, y se añaden unos episodios dedicados a Darío III que quizás tendrían lugar en otra secuela, pero no aquí. Quien tuvo retuvo, y por eso nos podemos consolar con las espléndidas splash pages que este artista nos regala, pero se trata de un tebeo fallido. Después de ocho años de espera desde que se anunció, el resultado final es decepcionante.

Novedades Planeta Septiembre 2018

Ya tenemos las novedades del mes de agosto de Planeta Cómic.

A continuación os dejo la nota de prensa con el pdf.

Buenas,

Tras unas semanas de recarga, nos disponemos a informar sobre las novedades Planeta Cómic previstas para septiembre. Star Wars nos ayudará a reincorporarnos gracias a las nuevas aventuras en curso, aliñadas con el último tomo recopilatorio de Darth Vader.

El Cómic USA vendrá con energía y grandes series de autores referenciales: American Gods, Paper Girls, Los Muertos Vivientes, Saga…El BD francobelga tendrá regusto a clásico Disney, con dos entregas protagonizadas por Mickey MouseSuper Land Games y Mocha Dickserán los representantes de habla hispana.

Finalmente, el manga seducirá con colecciones de la talla de Dragon Ball, My Hero Academia, No me lo digas con flores o Ghost in the Shell Arise. Cabe destacar para este mes el estreno de Emblem of Roto, la primera serie Dragon Quest (Square Enix) que aterrizará en nuestro país. Será el inicio de muchas aventuras dentro del universo creado por Akira Toriyama. ¡Atentos!

Más información en el pdf adjunto

Un saludo y sed felices.

Crítica de El Ángel, un criminal con mentalidad de niño

El genero policial en el cine esta un poco trillado. Aunque se pueden rescatar grandes joyas, a lo largo de su historia, hoy en día, destaca muy poco. Sin embargo esta obra, de la que escribo aquí, es diferente. El Ángel es un película biográfica argentina basado en el caso de Carlos Robledo Puch, un asesino múltiple que con solo 20 años fue condenado a doble cadena perpetua. La cinta, presente en el festival de Cannes, fue dirigida por el reconocido director argentino Luis Ortega y protagonizada por el debutante Lorenzo Ferro. Ademas lo acompaña un elenco de lujo como el chino Darin, Cecilia Roth, Mercedes Moran y la participación especial de Pedro o Peter Lanzani.

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Empecemos por lo bueno, si hay algo que caracteriza a la película es que se trata de un cinta policíaca narrada desde el punto de vista de Carlitos, como lo llaman en la ciudad. Un joven con mentalidad liberal que no cree en el esto es tuyo y esto es mio. Su afán de robo se debe a pura diversión y no busca sacar dinero de ello. Esto lo muestra el director desde el primer minuto con una gran secuencia de robo. La música de la película es fundamental, un compendio de clásicos setenteros argentinos, que ayuda a fortalecer la época y darle un tono mas potente, con referencias a lo que esta sucediendo. La dirección artística es impecable, ambientada en los años 70 de Argentina. En la cinta se puede ver como desde el vestuario hasta los coches están inmersos en esta época. Ademas, cada uno de los personajes presenta características y maneras de hablar únicas. Otro punto a favor son las actuaciones que son increíbles, el chino Darin como Ramón, amigo de Carlitos, hace un papel a medida y Lorenzo Ferro, como Carlitos, es alguien que no decepciono. Ahora voy a explayarme mas en este punto.

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Lorenzo Ferro es alguien nuevo en el mundo de el cine, no tenía experiencia, pero, por azar, se presentó al casting de esta película y el director quedo fascinado. Al ser su debut, podemos pensar que es mucho peso sobre sus hombros o que no va a tener la suficiente fuerza para interpretar el personaje, pero esto no es así. Luis Ortega estuvo trabajando con él casi 6 meses antes antes del rodaje, mostrandole toda la historia de Carlitos y enseñándole a soltarse frente a la cámara. Básicamente preparo el personaje para él, aunque personalmente creo que hay trazos en donde su actuación flojea,  situaciones dramáticas o emotivas que puede descolocarte. Pero sus compañeros de reparto hacen que esto pase casi desapercibido.

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Ahora hablemos de lo malo. La película se desarrolla con un ritmo vertiginoso, con muchas secuencias impactantes y divertidas. Pero hay secuencias en donde la película se torna lenta, con una pausa casi innecesaria mostrando, por ejemplo, a Carlitos tocando el piano, todo el himno nacional Argentino y planos artísticos que, si bien visualmente son grandiosas, no aportan nada a la historia. Ademas, los últimos 20 minutos de la película sobran de la película. Es estirar y mostrar una secuencia de acción totalmente innecesaria y hasta hilarante. Otro punto negativo son los efectos especiales que tiene la película, algo inverosímil o poco creíble.

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Con El Ángel no esperes una película de acción o un thriller, es mas una biopic, con toques de ficción, que busca centrarse en el protagonista, entender su mentalidad, su sexualidad, que es algo que explora bastante la película. Y mostrar como un joven, con cara de inocente, puede ser uno de los criminales mas importantes de la historia de Argentina. El Ángel se estrena el 2 de noviembre en España, una fecha para recordar y así poder disfrutar de una de las películas mas destacadas del año.

Supreme: Alan Moore nos presenta a su Superman definitivo

Cualquier personaje con varias décadas de vida se tendrá que adaptar a los tiempos que corren, aunque siga siendo hijo de una época y un lugar determinados. El propio Shakespeare, uno de los dramaturgos de mayor renombre de la historia, actualizó leyendas ya existentes, y este mismo año Terry Gilliam nos ha presentado su propia versión de un personaje que lleva formando parte de nuestra cultura desde hace cuatro siglos: Don Quijote. Los superhéroes del cómic, con aventuras publicadas de forma ininterrumpida durante décadas, siguen estando en control de las editoriales en las que surgieron: por ello, a pesar de las incontables versiones alternativas de los mismos, suelen mantener unas características bastante similares a las que presentaban en su nacimiento. Sin embargo, hay algunos elementos de los mismos que no pertenecen a sus propietarios, por lo que existen arquetipos que escapan al copyright. Pensemos, por ejemplo, en el superhéroe más típico que podamos imaginar: a pesar del reciente éxito cinematográfico de héroes con armadura o con trajes militares, lo más probable es que pensemos en un tipo con capa, con los calzoncillos por fuera y que protege celosamente su identidad secreta. Lo más probable es que pensemos en Superman.

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El hecho de que estos arquetipos sean de dominio público permite a distintos autores experimentar con ellos de forma arriesgada, creando historias que las grandes editoriales no aceptarían en sus personajes más populares. Así, surgieron grandes cómics como Miracleman, Watchmen… o, algunos peldaños por debajo, Supreme. Creado por el fundador de Image Rob Liefeld, este superhéroe comenzó como una versión violenta de Superman, uno de tantos intentos de la primigenia editorial por captar a nuevos y viejos lectores. Sin embargo, tras la contratación del legendario Alan Moore como guionista, el personaje cambiaría para siempre: pasaría de ser una actualización gamberra del primer superhéroe en la primera mitad de los noventa a convertirse en un compendio de toda su historia, paralelo a historias más clásicas como Kingdom Come o Marvels. ¿Tuvo éxito Alan Moore? Echemos un vistazo a su etapa para averiguarlo.

Reinventando al personaje

Al Bardo de Northampton no le interesaba para nada la versión de Rob Liefeld, ya que la consideraba uno de los excesos surgidos al rebufo de sus propias obras y de la de otros autores como Frank Miller, pero sin la profundidad de estas. Por lo tanto, decidió librarse de este redundante personaje con una excusa bastante original: un reboot reconocido dentro del propio cómic. Supreme, tras volver de una misión espacial, se encuentra con una sorpresa: la realidad está cambiando, y él con ella. Unos seres extraños parecidos a él le rescatan de ese mundo mutado, y le llevan a otra realidad. Se trata de un limbo al que cada Supreme va cuando la realidad se reinventa, de forma periódica. Es una especie de Valhalla para estos superhéroes, sus ayudantes y sus parejas, un paraíso al que nuestro protagonista irá cuando termine su andadura.

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La Ciudadela Suprema, espacio ficticio durante el que sucede el primer número, es una auténtica delicia para los aficionados al cómic de superhéroes: no solo explica los reinicios constantes que sufren los personajes de cómic, sino que muchos de los Supremes que aparecen son un guiño a tebeos ya existentes. Tenemos a un Supreme similar al Superman de la Edad de Oro, varios Supremes que adaptan las historias imaginarias de la Edad de Plata… y hasta un Supreme siniestro de los ochenta, sospechosamente similar a Marv de Sin City. Grant Morrison acusaría a Moore de plagiar su idea del limbo de los personajes olvidados que presentó en Animal Man, en unas declaraciones cuya veracidad quedará a criterio del lector. En cualquier caso, este primer número supone un gran comienzo que el guionista no hace sino superar a lo largo de la obra.

En busca de los recuerdos

Este Supreme llega a su mundo como un adulto que ya ha pasado toda su vida en él: sabe que vive entre los mortales como el dibujante de cómics Ethan Crane, que tiene poderes muy superiores a los de la mayoría… y poco más. Para superar su amnesia, tendrá que viajar a su localidad natal y hablar con sus antiguos aliados, a la vez que revisita su fortaleza celeste para echar un vistazo a su galería de villanos o descubrir qué ha sido de sus ayudantes robóticos. Este viaje nostálgico le sirve a Alan Moore para hacer un repaso de la historia de los superhéroes a través de una versión del más anciano de ellos. El hecho de que Supreme tenga una edad avanzada y trabaje en una editorial de cómics permite mantener el tono metaficcional de los primeros números: desde su origen en los años cuarenta, pasando por la decadencia durante los cincuenta y la posterior Edad de Plata, los flashbacks de esta historieta se convierten en un ensayo y una parodia de los viejos tebeos de superhéroes, reconociendo su importancia a la vez que se hace mofa de sus elementos más obsoletos. Y cada revolución o regresión del medio en la vida real tiene su explicación dentro del delirante mundo de Supreme.

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Pero esta obra no se limita a homenajear éxitos pasados, sino que es en sí misma un cómic de superhéroes muy logrado, con unas aventuras que no saben a refritos sino que explotan ideas novedosas que jamás se habían visto en las colecciones originales. ¿Cómo sería una Legión de Superhéroes que no pertenezca a una época concreta, sino que incluya a personalidades de todas ellas? ¿Y si Jimmy Olsen fuera un arrogante guionista de cómics británico? ¿Qué pasa cuando Krypto el superperro está en celo? Las respuestas a estas preguntas diferencian a esta etapa de sus fuentes de inspiración, y dan pie a situaciones cómicas y dramáticas por igual. Cuando Moore quiere que nos echemos unas risas, nos reímos. Y, aunque nunca llegamos a llorar, este cómic también muestra que la vida de un superhéroe no es un camino de rosas.

A lo largo de esta etapa, se va desarrollando la mitología del personaje, presuntamente con un plan en mente. Nunca lo llegaremos a saber, ya que las circunstancias editoriales impidieron que diera una conclusión a la obra. Sin embargo, a pesar de algún cabo suelto que otro, la trama queda cerrada de un modo discreto pero adecuado. Años más tarde, Erik Larsen tomaría las riendas de la colección, pero esa es otra historia…

Conclusión

Con la ayuda de soberbios dibujantes como Rick Veitch o Chris Sprouse, Alan Moore nos recuerda que no hay personajes malos: un buen autor puede contar una gran historia con el secundario o el villano más desfasado de los años sesenta. Además de guionizar un buen cómic de superhéroes, logra sintetizar la historia de uno de los personajes ficticios más importantes e imitados del Siglo XX con una maestría que debería hacerse ruborizar a los propietarios del Hombre de Acero. Tenemos suerte de que la epopeya de Superman haya pasado, al igual que todas las grandes historias, al imaginario popular. En cierto modo, como nos demuestran los tebeos de esta índole, ya es de dominio público.

¿Cómo se dice Wolverine (Logan) en los países de habla hispana? ¿Lobezno, Glotón, Guepardo, Carcayú?

Hace algunos años hicimos un artículo sobre el nuevo actor que interpretaría a Lobezno una vez Hugh Jackman dejara el papel que le lanzó a la fama. Por si aún no lo sabéis será después de Logan cuando el actor dejará de interpretar al mutante canadiense. Y es que la edad pasa factura y lamentablemente Jackman envejece como cualquier hijo de vecino.

El post tuvo bastante repercusión pero lo que más me llamó la atención fue la infinidad de comentarios que se vertieron en las RRSS, sobre todo en grupos de Facebook. Los comentarios empezaron porque al ser un blog español utilizamos términos y acepciones del país y al parecer la traducción de Wolverine por Lobezno no gusta mucho en Sudamérica.

Realmente no voy a entrar en un debate porque en cada país cuecen habas y cada uno tiene sus problemas. Lo que sí vamos a analizar el porqué de algunos nombres. Y, por si lo preferís, podéis verlo en formato vídeo. (Si os gusta no olvidéis suscribiros a vuestro canal).

PODÉIS VER NUESTRO VÍDEO JUSTO AQUÍ DEBAJO

En primer lugar tenemos que decir que Wolverine (he estado a punto de escribir Lobezno, lo siento) es una creación de Len Wein y el dibujante Herb Trimpe para el Incredible Hulk nº180 (como cameo) y en el nº181 como presentación oficial. Por tanto se disipan los comentarios que decían que Wolverine surgió de su propia colección o de un cómic de los X-Men. La segunda aparición de Logan fue en el Giant-Size de los X-Men, es lógica la confusión, pero es correcto explicar en que cómic apareció en primer lugar.

¿Cómo se dice Wolverine (Logan) en los países de habla hispana? ¿Lobezno, Glotón, Guepardo, Carcayú?

La segunda cuestión es el tema de los autores. Ni Claremont ni Byrne fueron sus creadores. Es que he leído en varios grupos esta premisa como afirmación y es totalmente falsa. Bien es cierto que Byrne (Podéis leer nuestro homenaje aquí) fue el impulsor de Wolverine compartiendo con Claremont los argumentos y que posteriormente el propio Chris fue el que lo llevó a los altares de la fama creando una compleja personalidad. Pero ni uno y el otro fueron sus creadores.

Hasta aquí espero haber aclarado dudas. Ahora lo siguiente, la traducción. Cuando Wolverine llegó a España la editorial que publicaba Marvel era Ediciones Vértice y el tema de las traducciones no pasaba por su mejor momento. Sí, se puede estar peor que ahora. Y claro, a Wolverine en España no se le puede llamar Glotón o Carcayú que quizás fueran las traducciones más literales del nombre. Aquí suenan a chiste, a guasa. ¿Os imagináis en el cine viendo al fiero Hugh Jackman y de repente escuchar a Tormenta llamándolo Glotón? «Vamos Glotón, no te retrases» La respuesta sería «Espera que acabe la pizza». ¿Carcayú? No digo que sea un nombre bonito o feo, pero ¿que es un carcayú? ¿Alguien conoce al animal? Seguro que algún ilustrado dirá que sí, que el sí. Pero el 99% de la gente de la calle no sabrán ni que responderte. Ve a la Gran Vía a preguntar y verás como tengo razón.

Por tanto el nombre de Wolverine fue muy sencillo para el traductor. Wolverine suena a Wolf=lobo y «verine» a pequeño. Por tanto un lobo pequeño, un cachorro sería una buena traducción. Lobezno implica ser lobo, garras, animal noble y temido a la vez con una personalidad acorde con el personaje. Da el pego.

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¿Y porque traducirlo? Muy sencillo, porque en esa época se traducía todo. Un ejemplo muy claro fueron los X-Men. Como en los años 60 eso de X-Men sonaba raro, lo tradujeron como La Patrulla-X, con dos narices. Por tanto el nombre de Lobezno nunca quedó raro o fuera de lugar.

Pero en gran parte de Sudamérica pasó tres cuartas partes de lo mismo. Glotón o Carcayú suenan mal. Un héroe no puede llamarse Glotón porque suena al amigo de Popeye, el que comía hamburguesas y se llamaba Gordo Pilón. Es que ¿quien iría al cine a ver «Glotón»? Con ese nombre solo te esperarías una comedia de las malas con Adam Sandler o con Chris Rock.

Quizás lo más adecuado habría sido dejar el nombre sin traducir como han hecho en muchos países de habla hispana porque si Lobezno no tiene nada que ver, Guepardo es más de lo mismo. Sí, señores, Guepardo es otro de los nombres escogidos en muchos países de nuestra lengua materna. Tiene garras y rayas a los lados del traje. No es lo mismo que tener manchas pero entendemos que el color anaranjado del traje puede tener similitud con el felino.

Por tanto creo que nadie puede decir que su traducción es mejor que la del país hermano aunque suene mal Lobezno fuera de España o Guepardo en España. Lo que no veo de recibo es llamarle Glotón o Carcayú porque son nombres de mofa y porque son animales de los que la inmensa mayoría no ha oído hablar. ¿La mejor solución? Quizás dejarle por su nombre original pero ya es tarde para eso.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Capitán América #1, de Ta-Nehisi Coates y Leinil Francis Yu. Compromiso sin fisuras.

Bienvenidos a un nuevo análisis de los comics Marvel más actuales. Antes de nada quiero dar las gracias a mi compañero Juanjo Aviles, que es quien suele realizar estas reseñas, por cederme el testigo por un solo número mientras él está de vacaciones. Y es que si hay una serie que me apetecía analizar es está, el Capitán América de Ta-Nehisi Coates y Leinil Francis Yu.

Make Captain América Great Again

capitan america 2018

Cuando un autor inicia el nuevo volumen de una serie con tantos números a su espalda, tiene dos opciones. La primera es hacer borrón y cuenta nueva con respecto a la etapa anterior, como ha hecho Nick Spencer en The Amazing Spider-Man; la segunda es coger el toro por los cuernos y asumir la etapa precedente con todas sus consecuencias, que es lo que Coates ha hecho aquí.

Tras un prólogo en Rusia que involucra a Selene, aquella villana inmortal que se inventó Chris Claremont en The New Mutans y que presenta una variedad de poderes que cambia según el gusto del guionista, la acción nos traslada a América. Un ejercito de Nukes, supervillano mitad cyborg, mitad supersoldado obsesionado con Vietman creado por Frank Miller en Daredevil, organizan una masacre a la que responden el Capi, Bucky Barnes y una envejecida Sharon Carter. Quién ha puesto en marcha a estos cyborgs, cuya aparición se repite en el segundo número, es uno de los misterios a resolver por el Capi y sus aliados.

El enfrentamiento con los Nukes centra la acción de los dos primeros números del tándem Coates – Yu. El resto lo conforman varias escenas encaminadas a hacernos un resumen de lo sucedido en la etapa anterior y a presentarnos a los secundarios que acompañaran a Steve Rogers. Entre ellos destaca el General Thaddeus «Trueno» Ross, asesor para la defensa del «chico nuevo de Washington», como dice él. Entre diálogos con Ross, escenas íntimas con Sharon y monólogos interiores a modo de textos de apoyo, la trama avanza de forma algo lenta, lo que parece ser marca de la casa del guionista. Quien haya leído su Black Panther ya sabrá a que me refiero.

Sin embargo que vaya lento no quiere decir que no sepa a donde va. Tan sólo que necesitaremos varios números para unir todas las piezas del puzzle que Coates está planteando.

Comprometidos con la causa

Ta-Nehisi Coates es un autor afroamericano, periodista y escritor de un par de libros, fuertemente comprometido con los derechos civiles y con los derechos de las minorías. Sus escritos tienen un marcado carácter político y reivindicativo, así como una gran carga crítica hacia el poder, sus abusos y la corrupción dominante en las altas esferas. Todo eso se traslada de forma directa a sus comics y tened en cuenta que precisamente por eso lo ficho Marvel. Esta ahí con toda la intención. Para una editorial, tener a alguien de su prestigio escribiendo comics es todo un lujo y Coates tiene en USA mucho prestigio. Salvando las distancias, es como si en España pusiéramos a Iñaki Gabilondo a guionizar Superlopez.

Ta Nehisi Coates black panther capitan america
Ta-Nehisi Coates, un autor comprometido

Establecido lo anterior, es fácil ver de que nos está hablando el guionista. Tal y como sucedía en Black Panther, en Capitán América no sólo tenemos acción sino también una profunda reflexión sobre el poder, la corrupción imperante y lo que todo eso significa en cuanto a lo que conocemos como «el sueño americano», a saber que América puede ser un gran país donde impera la paz y la justicia y cualquier hombre puede alcanzar sus sueños si trabaja duro. Ahora ese sueño esta transformándose en pesadilla. En la anterior etapa de la serie, Hydra conquistó el país sirvindiñendose del cuerpo, el rostro y la imagen de Steve Rogers. La cosa acabó como tenía que acabar, con Hydra derrotada pero, como cualquier gobernante en el poder, Hydra tenía sus partidarios. Ahora nadie confía en nadie y en quien menos confían es en el Capitán América. Es el mundo de la posverdad y las fake news, un mundo donde la historia oficial se impone a la historia verdadera y donde muchos se preguntan cuál es el camino a seguir y cuál es su sitio en este nuevo mundo. Es pronto para dilucidar la respuesta a esas preguntas porque, como ya he señalado, Coates se lo toma con calma pero de lo que no tengo duda es de que el intento es loable. Puede que muchos no simpaticen con la tremenda carga política que destila el cómic pero no podemos estar toda la vida reviviendo una y otra vez batallitas sin sentido. Además no es la primera vez que Marvel opta por ese camino. Es más, es precisamente ese posicionamiento político y social lo que la ha llevado a ser lo que es, en clara oposición a su Distinguida Competencia. De esta forma, Coates convierte Capitán América en todo un disparo en la linea de flotación del «chico nuevo en Washington», a quien no menciona directamente pero que todos sabemos quién es. Trueno Ross le llega a soltar a la cara que todos sus partidarios liberales en Washington se han dado a la fuga y  que a nadie le importa ya. Evidentemente, son malos tiempos para la lírica.

En cuanto al apartado gráfico, queda en manos de Leinil Francis Yu, un autor que ha mejorado mucho con los años. Yu es de los pocos hoy en día que tiene un estilo  propio identificable y es capaz de narrar con solvencia escenas de acción y diálogos. Destaca sobretodo en la representación de los rostros, donde brilla esa Sharon Carter envejecida, con arrugas de experiencia tras años de lucha; también Trueno Ross aparece como alguien que destila autoridad, un viejo militar honorable y justo. Se también que Yu, a quien su llegada a los X-Men hace muchos años le generó muchos detractores, no es del agrado de muchos pero a mi no se me ocurre nadie mejor para esta nueva etapa de la serie. Su dibujo transmite la seriedad y dureza que Coates imprime a sus guiones, donde no hay espacio ni para frivolidades ni para chascarrillos. Mención aparte merecen las portadas de Alex Ross, que hacen que sea una de esas series que merece la pena coleccionar en grapa (otro día hablaremos de este tema).

Capitan America Yu

En resumen, este Capitán América es una serie que no llegará a todo el mundo. Coates y Yu exigen atención, concentración y sobretodo espíritu crítico, ganas de ver más allá y de cuestionarse quienes somos y a dónde vamos. Pero si tengo claro que esta es una serie necesaria y que con el paso del tiempo puede llegar a ser de culto, si mantienen el pulso firme y no se pierden en el camino. Aun es pronto pero necesitamos series como esta y autores como estos para demostrar que descerebrados como los que forman el Comicsgate son minoria y no triunfaran sobre el resto de aficionados. Un saludo y sed felices.

El muro de la vergüenza: 21 películas que todos vimos en el siglo XXI pero nadie colocaría en su lista de lo mejor del cine

Después del éxito que ha tenido el artículo publicado por mi compañero Alberto con Nuestras 21 películas favoritas, he querido en esta ocasión compartir la que para mí sería la lista de películas que, sin ser precisamente obras maestras, se han convertido en mis favoritas al estar buscando algo que ver en la televisión.

Me disculpo de antemano por mi mal gusto, la idea de este artículo es sincerarnos un poco acerca de esos placeres culposos que todos tenemos, y no se piense que las películas que hemos colocado en el primer artículo son solo para hacernos los interesantes

A continuación os muestro mis 21 películas de mal gusto preferidas sin orden específico, aclarando que no me avergüenzo de admitir que las he visto más de una vez y me han hecho pasar un buen rato. De hecho algunas hasta las he visto de estreno en el cine. Sin más que agregar os dejo con el top.

 

Dos rubias de pelo en pecho (2004)

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Razones: Muchas, la película no tiene desperdicio de principio a fin, a parte que le debemos un montón de frases célebres y memes que aún se comparten en la red. Mala pero entretenida para ver en el salón de tu casa mil y una vez.

Zohan: licencia para peinar (2008)

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Razones: La forma en que se parodia la preparación de un comando israelí y los prejuicios de profesión, además de la fama que tiene la comunidad árabe en cuanto a sus costumbres y forma en que se tratan a sí mismos. No tiene desperdicio.

Zoolander (2001)

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Razones: Con una cantidad impresionante de cameos, los diálogos más estúpidos que jamás he escuchado, zoolander es una de mis películas favoritas. En serio verla y opinad. Si os gusta Torrente por los famosos que salen, aquí no se quedan cortos y las situaciones son mega estupidas.

Star Wars episodios I, II y II (1999- 2005)

Anakin estrangula Padmé

Razones: Tendría unos 12 años en esa época para mi Anakin Skywalker molaba un montón, tanto como le mola Kylo Rem a Pedro y a Sofía. ¿Son flojas? Si. ¿Cuentan algo? Poco. Pero si las comparamos con las nuevas de Disney, me quedo con esta trilogía aunque a años luz de la original.

Sexo en Nueva York: La película (2008)

Razones: Típico caso de película que no tienes ninguna razón para ver, pero si la están dando en un canal por pura curiosidad la dejas y terminas viéndola entera. Es una continuación directa de la serie por lo que si además eres fan de los personajes la veras encantado.

Borat y El Dictador (2006- 2012)

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Razones: Para mí son de las mejores películas de Sacha Baron Cohen y en una de ellas sale Pamela Anderson y en otra Megan Fox. Una estrella del humor americano infravalorado pero que me hace reir siempre que las veo.

El diario de Noah (2004)

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Razones: Aunque sea de las películas más cursis jamás hechas, le guardo cierto aprecio a la película, además de admitir que se me salieron unas cuantas lágrimas cuando la protagonista suelta la frase; “Éramos nosotros Noah” :'( .

Scary Movie 1, 2 y 3 (2000- 2003)

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Razones: Soy de la generación del 2000 y ya la creatividad escaseaba un poco cuando teníamos que entretenernos con lo que había. Algún día serán clásicos de culto aun con sus claras carencias. Más que películas son una mezcla de chorradas a veces sin gracia.

El bosque (2004)

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Razones: Aunque Shyamalan ya estaba en horas bajas debo admitir que me encantó la película casi al punto de aplaudir en la sala de cine al terminar. Luego me entere que según paladares más exquisitos es una mala película… y bueno tuve que vivir con ello.

El truco final (2006)

El Truco Final

Razones: Christopher Nolan, Christian Bale y Hugh Jackman dieron la talla en una película con buena factura y un final sorprendente. Eso sí, una vez digerido te das cuenta que quizás ese climax de la película puede ser la mayor tomadura de la historia del cine, pero no pasa nada, te la puedes ver varias veces.

Kick Ass (2010)

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Razones: Deadpool se encontraba muy lejos de ver la luz y Mark Millar sabe lo que el pueblo quiere. Maravillosa adaptación al cómic que incluso tuvo una secuela de menor éxito. Película infravalorada.

Las ventajas de ser un marginado (2012)

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Razones: Yo también intenté parecer más maduro de lo que realmente era para impresionar a una chica mayor que yo. La diferencia con la película es que mi tía no tocó mis partes íntimas y no tengo transtornos… o simplemente no lo recuerdo.

Saga Crepúsculo (2008 -2012)

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Razones: Tenía 16 años y cualquiera de las entregas era 100% efectiva para ligar. Está de mal decir que le debo mucho a la saga. Que vivan los vampiros y lobos que van al instituto.

Transformers (2007)

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Razones: En un principio Transformers y Michael Bay molaban aunque luego viendo la película te daba verguenza ajena en muchas partes. Pero bueno en esta cinta conocí a Megan Fox y mi vida cambió radicalmente.

El incidente (2008)

el fin de los tiempos

Razones: Shyamalan me engaño de nuevo. Este hombre me ha engañado tantas veces que ya no las cuento con los dedos de una mano pero aún me quedan dedos de la otra, aunque cada vez menos. Hay que verla.

El efecto mariposa (2004)

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Razones: Una de las pocas películas en que las decisiones estúpidas de Ashton Kutcher tienen algo de sentido. ¿Realmente son decisiones estúpidas o es que todo es un sin sentido?

La cabaña en el bosque (2011)

no querras entrar a la cabana del terror

Razones: La reivindicación del Slaher o lo que es lo mismo, el cine de adolescentes donde un psicópata les acuchilla hasta que no deja títere con cabeza. Thor Chris Hemsworth también puede hacer otras cosas además de usar el martillo.

Mama (2013)

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Razones: La única película que realmente me ha hecho sentir miedo en lo que va de siglo y esto es decir mucho. Por tanto tenía que ponerla en este top.

Austin Powers: Goldmenber (2002)

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Razones: Aunque no lo crean, Kingsman se inspira más en Austin Powers de lo que cualquiera está dispuesto a admitir. Y lo peor es que no puedo meter en esta lista las dos primeras porque son del siglo pasado.

The Disaster Artist

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Razones: La conocí gracias a LasCosasQueNosHacenFelices y ahora voy predicando el mal recomendándola. Además tenemos el morbo de ver a James Franco acusado de abusos sexuales y a su hermano Dave Franco. Todo queda en casa y en los juzgados.

El Cuerpo de Jennifer (2009)

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Razones: Megan Fox otra vez, pero esta vez es una diabólica tentación. Mala de narices pero como sale mi idolatrada Mega Fox, pues hay que verla con las palomitas y la coca cola.

 

Espero que con esta revelación no dejéis de leerme y os animo a que os atreváis a compartir vuestra lista. Os espero en los comentarios. Eso si, tienen que gustarte tanto como a mí las mencionadas anteriormente. Nadie se ha muerto por tener mal gusto.

Hasta entonces, sed felices.

Ping Pong the animation: el lado oscuro del mundo del deporte.

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Los spokon son un género recibido con entusiasmo no sólo por los japoneses, sino por amantes del mundo de la deportividad de todo el globo. Normalmente éste se engloba en los shonen, porque después de todo normalmente cuenta con la tenacidad muchas veces heroica presente en el género, así como del valor de la amistad o de la rivalidad. Bien, pues podríamos decir que ésta serie se trata de un spokon clásico cogido con pinzas, por lo atípico-en todos los aspectos-que es.

Los temas anteriormente nombrados son aquellos que siempre son representados de una forma similar, pero se dejan aspectos menos amables del mundillo en el bolsillo, tales como la importancia del talento, de la frustración desde los dos lados, de la presión de los deportistas, del alto precio a pagar cuando formas parte de la élite y no has cumplido con ciertas expectativas, la absoluta entrega a la actividad a la que le dedicas, literalmente, casi todos los minutos de tu vida.

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Debo confesar que al principio me costó encajar esta cortísima serie de 11 capítulos. Y no lo digo por el mayor factor atrayente y repelente de esta producción, su extrañísima animación, que comentaré más tarde, sino por su forma de contar la historia y por la misma historia que cuenta. Sin embargo, tras terminar la serie una serie de emociones me invadieron para dejar con pie firme una certeza: había visto algo único, que jamás había visto y que no creo que vaya a ver en el género por lo menos en mucho tiempo.

La madurez, a la vez triste y alentadora, que destilaba la serie me aturdían, con un realismo aveces demasiado crudo. En primer lugar hablando de dos tipos de personas que fracasan en aquello en lo que quieren triunfar: la que simplemente no tiene el talento, aun con toda su ilusión, y la otra la de un talento extraordinario sin ninguna voluntad para encaminar dicho talento hacia un puerto seguro, muchas veces por miedo o pereza. Luego del suplicio por el que tienen que pasar aquello elegidos con el talento que requiere triunfar. Uno es la absoluta prohibición ante la derrota, el fallo, con resultados nefastos en un mundo en el que eres, en muchos casos, desechable. La otra es la presión constante de ser el ganador, en el que, como si Saitama de One Punch Man fueses, todo resultase un deber que cumplir a rajatabla y que dejaste de disfrutar hace tiempo, además de que porque no puedes permitírtelo, porque no hay un rival a tu nivel.

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El último y puede que el más interesante, puede que porque sea el más complejo de entender, es la de un amante del deporte que se teme a sí mismo como a un monstruo. Una persona que tiene las mismas ganas de sacar todo su potencial a la luz y luchar con ello que de que esta fuerza arrolladora sea frenada y sepultada para no destacar y perder el amor que tiene por lo que hace, en la intimidad, lejos de todo. Un protagonista que ha elegido a su verdugo, al que admira y del que se siente profundamente agradecido para que sea la persona que acabe con su imparable fuerza. Aquí es donde aparece el spokon clásico, que aveces tan ausente parece. Donde la rivalidad y la amistad, con un profundo respeto por el contrario y una pasión arrasadora por el deporte aparece.

Y aunque la derrota sea algo que aparece devastadoramente en la serie, de manera repetida y reiterada, es afrontada desde un ángulo tan realista y adulto, al final se convierte en una victoria ante la vida, una vida que habría sido horrible de haber seguido en ese camino. ¿A qué me refiero? pues a que la serie te invita a dejar ir, tras haber luchado todo lo que podías, aquello a lo que es evidente que no estabas destinado a hacer, por una razón u otra. Algunos llamarían a esto resignación, arrugarían la nariz y lo despecharían como una serie que no incita a mejorar. Y es al contrario, bien podrías decir que es resignación de alguna forma, sí, pero más que eso es un llamamiento al dejar ir cuando algo ya no da de más, y has luchado lo indecible por ello dándote cuenta de que es algo inalcanzable. Y al contrario de lo que podrías pensar, todos los personajes son felices, como un buen final shonen. Todos viven con la certeza de que lucharon lo que pudieron para estar en la cima, reservada a una persona, y de que simplemente fracasaron, bien por falta de carácter, de trabajo o de aptitudes, otra parte más de la vida.

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Por último hablaré de la inolvidable animación de la serie, cuyo dibujo es simplón y su animación hasta chapucera en algunas ocasiones, lo que la hace algo fantástico, porque le da un dinamismo y ritmo muy peculiar. Los partidos son representados de tal forma que todo queda claro, es estético y al mismo tiempo emocionante, con una rapidez de la «cámara» que hace de ellos algo espectacular. Además, los ángulos imposibles, las deformaciones monstruosas y las partes experimentales, como Kazama y el dragón, así como las pequeñas metáforas visuales enriquecen la serie en el aspecto técnico tanto como lo hace la parte narrativa. Y aunque pueda espantar, este dibujo, o más bien desdibujo, como lo quieras ver, es una forma insuperable de adaptar a una serie animada un deporte tan rápido y dinámico como el Ping Pong, lo que al final lo hace una elección perfecta para lo que se quiere contar.

En resumen, aunque entiendo que a cierto sector esta serie le pueda chirriar en un primer momento y sabiendo de qué va, creo que la experiencia de verlo es única y enriquecedora, porque no es algo que se haya visto ni, me temo, se vaya a ver mucho, así que invito insistentemente a aquellos a los que les guste el mundillo del anime a verlo por lo especial del conjunto, y a los de la animación, por que es un verdadero estudio del movimiento.

Un saludo y sed felices.

Cómics. La lista de la compra del mes de Septiembre 2018

   Se va acabando este extraño verano e imagino que la mayoría, poco a poco, estaréis volviendo a la rutina. Nosotros también volvemos con nuestras recomendaciones para este mes. Espero que os sirvan de ayuda a la hora de decidir que comprar este mes. Cualquier sugerencia o aportación, ¡a comentarios! ¡Muchas Gracias!


Adrián De La Fuente Lucena

1) Las crónicas de Red Sonja 1. Planeta Cómics. 18,95 euros. Probablemente haya personas que no estén de acuerdo con que recomiende este recopilatorio que inicia la reedición de las aventuras clásicas de la guerrera de cabello escarlata. Yo creo que sí debo hacerlo. Este tomo tiene una importancia histórica. Son los primeros cómics de Red Sonja, magistralmente dibujados por artistas como Dick Giordano y Frank Thorne. ¡Casi nada! Si bien los guiones de Bruce Jones flojean en algunos momentos, siguen siendo historias aceptables que elevan bastante su calidad cuando el gran Roy Thomas le sustituye, anunciando así el invitable cruce con Conan el Bárbaro. Una colección a la que los seguidores de la fantasía heroica deberían darle una oportunidad.

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2) Conan el Bárbaro (integral) 1. Planeta Cómics. 35,00 euros. No es la primera vez que se reedita este material pero si la primera que se menciona en nuestra lista de la compra. Esta colección es la oportunidad de acercarse al material que dio comienzo a la andadura del personaje de Robert E. Howard en las viñetas. Hablo de la que la crítica considera la etapa clásica de Conan el Bárbaro. Con Roy Thomas, Barry Windsor-Smith y, posteriormente, John Buscema al cargo del título no es sorprendente el reconocimiento que se le ha dado. Uno de los mejores cómics de la Marvel de los setenta que nadie debería perderse.

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Mario Losada

1) Marvel Integral. La Increíble Patrulla-X 2. Panini Cómics. 32 euros. Segundo y último integral de la increíble Patrulla-X de Joss Whedon y John Cassaday. En el primer lustro del siglo XXI estos autores redefinieron los cimientos de la Patrulla-X de un modo que muchos compararon con la etapa de Claremont. Un año despues de su primer arco argumental se volvieron a juntar para darnos otra historia para enmarcar en los anales del cómic americano. Recomendado.

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3) Batman vol.1 Yo soy Gotham. ECC Ediciones. 19,50 euros. Con el Universo DC Renacimiento las series de DC tomaron un nuevo impulso que cambió el rumbo de muchas de ellas «para siempre». Batman entró en la dinámica de este giro inesperado y bajo la batuta de Tom King parece que nuevas cosas están cambiando para el señor de la noche. Este tomo es el principio de todo, el inicio de un nuevo reboot de Batman y su alter ego, Bruce Wayne.

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Jose Carlos García

1) Britannia: Los que van a morir. Medusa Cómics. 13,95 euros. De segundas partes va la cosa, porque este tomo es la continuación de Britannia, un notable cómic ambientado en la época del Imperio Romano con elementos sobrenaturales. En esta ocasión volveremos a seguir las investigaciones de Antonius Axia sobre un nuevo fenómeno sobrenatural que está asustando a toda Roma. La única pista que tendrá Antonius para empezar, será el nombre de Achillia, una popular gladiadora. Esta saga merece una oportunidad, no os quepa duda, tanto por los guiones de Peter Milligan como por los elaboradísimos dibujos del español Juan José Ryp.

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2) Los cuatro rincones del mundo: Integral. Ponent Mon. 24,00 euros. Aventuras en el Sáhara con el alférez Dupuy como protagonista, allá por el año 1913. Con un fantástico dibujo asistiréis a la realización del sueño de la infancia de Dupuy, que era el de enrolarse en la compañía del general Laperrine. Lejos de la civilización, y rodeado de héroes, Dupuy empezará a formar parte de la leyenda. Para quien disfrutara con películas como Lawrence de Arabia, ésta puede ser una buena oportunidad de leer un cómic ambientado en el desierto con todo lo que ello conlleva.

Los cuatro rincones del mundo

 

Un saludo a todos y sed felices.

Ediciones ECC anuncia para el Batman Day 2018 las ediciones especiales de Noches oscuras: Metal y Batman: La broma asesina

Ediciones ECC saca por sorpresa un evento MUY especial para celebrar el 15 de septiembre el Batman Day.

Os dejo a continuación la nota de prensa y el PDF para que lo disfrutéis. Al final del artículo podéis ver el pdf.

El próximo sábado 15 de septiembre celebraremos una nueva edición del Batman Day, el evento favorito de los lectores, que DC Comics y ECC Ediciones organizan desde hace cinco años. En 2018 queremos que el Batman Day sea más especial y grande que nunca, de manera que hemos preparado dos lanzamientos especiales y limitados, que llegarán a las tiendas que lo soliciten un día antes, a partir del viernes 14 de septiembre, junto al resto de lanzamientos del comunicado de novedades de octubre 2018. En el siguiente enlace tenéis todos los detalles al respecto:

https://www.ecccomics.com/ComunicadosNovedades/Comunicado_Batman_Day_2018.pdf

Lomo Metal

En primer lugar, presentamos una edición exclusiva de 1.000 unidades del evento DC del año, Noches oscuras: Metal, encartada en una caja que hace un homenaje al formato vinilo. Noches oscuras: Metal (Edición vinilo) incluirá seis púas de guitarra con motivos de cada uno de los personajes de la Liga de la Justicia (Batman, Superman, Wonder Woman, Flash, Aquaman y Green Lantern) y de sus versiones del Multiverso Oscuro, además de un parche termoadhesivo y una entrada de concierto alegórico de la serie orquestada por el guionista Scott Snyder y el dibujante Greg Capullo.

Montaje BROMA regalos suelto

OS DEJO A CONTINUACIÓN EL PDF:

Un saludo y sed felices

Las distintas adaptaciones de Lois Lane, la pareja de Superman

La serie Supergirl no es de las más populares dentro del género de los superhéroes. Sin embargo, lleva emitiéndose tres temporadas, y una cuarta entrega de las aventuras de Kara Danvers se estrenará en octubre de este año. Parte de su popularidad, y de la del Universo DC televisivo en conjunto, se debe a la sensación de realidad compartida que imita el modelo creativo que popularizó los cómics de superhéroes después de su decadencia en los años cincuenta, y que llevó a Marvel Studios al estrellato. Recientemente, se ha anunciado uno de los crossovers entre las series que comparten continuidad con la fundacional Arrow, en el que hay una novedad interesante: el Superman interpretado por Tyler Hoechlin, que tuvo una buena acogida en su momento, vendrá acompañado por su pareja Lois Lane.

Aunque todavía no se sabe qué actriz interpretará a la periodista del Daily Planet, se trata de una buena noticia para la serie protagonizada por Melissa Benoist, ya que le permitirá ampliar la mitología que rodea a esta superheroína y explorar uno de los personajes más fundamentales del universo de Superman: la que, desde su aparición en el primer número de Action Comics, siempre ha acompañado al personaje. Sin embargo, como veremos a continuación, ha experimentado una evolución constante desde su origen hasta sus versiones más recientes, por lo que supone un exponente casi perfecto de la evolución de la mujer en el cine y la televisión. Aunque no repasaremos todas las adaptaciones en las que ha aparecido este personaje, sí que comentaremos las más significativas e influyentes.

Las primeras adaptaciones

La actriz Joan Alexander puso la voz a Lois Lane en el serial radiofónico de Superman, con un tono irónico y algo borde en una adaptación fiel de la Lois primigenia en la Edad de Oro del cómic. También interpretaría al mismo personaje en la primera serie de animación de Superman, de Fleischer Studios, un prodigio técnico para la época, y ayudaría a cimentar la imagen de una Lois independiente y aventurera, aunque ocupara de vez en cuando el papel de damisela en apuros.

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Sin embargo, con el puritanismo de los años cincuenta y sesenta, esta Lois se convirtió en una mujer dependiente por completo del Hombre de Acero, siempre tratando de impresionarle y poniéndose en peligro a propósito para que este la rescatara. Este cambio se vio reflejado en Las aventuras de Superman, popular serie de la década de los cincuenta en la que Phyllis Coates y Noel Neill interpretan a una mujer cuyo único interés en la vida es emparejarse con el Hombre de Acero, algo antagónico a la Lois que conocemos hoy en día. Quizás se deba a cierta interpretación posterior…

Creerás que una mujer puede volar

La aparición de Lois Lane en la exitosa película Superman en 1978 supuso un punto de inflexión respecto a las otras adapataciones y, sobre todo, respecto a su papel en los cómics, completamente supeditada al Último Hijo de Krypton. Frente a su dulce (y, admitámoslo, algo sosa) contraparte en el papel, la reportera más valiente de Metrópolis tuvo la suerte de ser interpretada por Margot Kidder, fallecida en mayo de este año. La actriz, valiéndose del guión de Mario Puzo y la dirección de Richard Donner, aportó algo de picardía a este personaje, un rasgo que acabaría adoptando en las historietas y que se convertiría en una de sus características fundamentales. Además, esta versión de Lois Lane protagonizó la icónica escena de la entrevista con Kal-El, y le daría al visitante kryptoniano el nombre por el que se le recuerda.

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No resulta difícil deducir que John Byrne se inspiró en esta interpretación para dar forma a su propia Lois Lane en el reboot de Superman: no solo es mucho más independiente que la de la Edad de Plata, sino que también le aporta un cierto toque de ironía en sus interacciones con ese fascinante entorno que supone la ciudad de Metrópolis. La Lois Lane de Margot Kidder investiga por su cuenta y está sumida en una constante rivalidad con su compañero Clark. En cierto modo, supone un retorno a la Lois más proactiva de los primeros cómics del Hombre de Acero, antes de convertirse en una mera comparsa en los años cincuenta y sesenta. Este retorno a las raíces es más que adecuado para esta preciosa cinta de los años setenta y, en un proceso de retroalimentación, acabó afectando a los propios cómics. Y esto nos lleva a la siguiente adaptación…

La Lois Lane de la serie animada

En respuesta a la serie animada de Batman tras el éxito de la película de Tim Burton, Warner dio luz verde a una contrapartida protagonizada por el Hombre del Mañana. Este producto, que tomó elementos del art decó que caracterizó al Universo DC animado, se inspiró notablemente en la etapa de Byrne al frente de las colecciones de Superman: el héroe que aparecía no era tan poderoso como en las adaptaciones cinematográficas, Lex Luthor era un empresario de éxito en lugar de un científico loco… y Lois Lane era una reportera temeraria y carismática, siempre incisiva y con algún chascarrillo en la boca. Esta versión del famoso personaje, la definitiva para muchos, tomó una inspiración más que evidente de la interpretación de Kidder y de la periodista que nos presentó el dibujante canadiense.

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La Lois Lane de la serie animada, interpretada magistralmente por Dana Delany, desafiaba a Lex Luthor sin amedrentarse, no se cortaba a la hora de hacer preguntas y siempre se metía en problemas al llevar a cabo sus investigaciones independientemente de su relación con Clark Kent e incluso con Superman. Este último tuvo que salvarla en numerosas ocasiones a lo largo de las cuatro temporadas de esta serie, pero hay un punto a su favor: si se encontraba en situaciones de vida o muerte, solía deberse a su propio trabajo como periodista de investigación en lugar de a sus sentimientos por el Último Hijo de Krypton. Esta sintetización de todas las versiones de Lois Lane también tuvo su influencia en los cómics, al popularizar el uso del morado en su vestimenta. Muchos artistas tratarían de emular la lograda estética de esta serie, que resulta atemporal pero destila modernidad por los cuatro costados.

Unos zapatos difíciles de llenar

Las dos siguientes Lois de acción real dentro del cine no lograron alcanzar la iconicidad de Margot Kidder: por una parte, la interpretación de Kate Bosworth en Superman Returns supuso, como toda la película, una mala imitación del estilo de Richard Donner, incapaz de adaptarse a lo que se espera de una película de superhéroes en el siglo XXI. En este sentido, la actriz representaba a un personaje soporífero que no lograba alcanzar el encanto de otras versiones. A pesar del indiscutible talento de Amy Adams, ella tampoco pudo hacerle justicia al personaje en El hombre de acero. Al igual que el Perry White encarnado por Laurence Fishburne, fue reducida a un vehículo argumental para contar al espectador los elementos de la trama que no quedaban muy claros en la película. Su relación con Superman era bastante fría y forzada, y por momentos parece que solo fue incluida por obligación.

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En cuanto a la televisión, las interpretaciones más populares son las de Erica Durance en Smallville y la de Tery Hatcher en Lois y Clark, ambas más fieles al cómic que estas dos últimas versiones cinematográficas. Aunque ninguna de ellas es recordada con especial cariño en la actualidad, la serie Lois y Clark tuvo una influencia indudable en el cómic, retrasando la boda de Superman y provocando su muerte. Además, le dio nombre a una serie regular sobre el matrimonio.

Conclusión

Ha habido muchas versiones distintas de Lois Lane, tantas como interpretaciones de Superman. Las más influyentes y acertadas han sido, sin duda alguna, las que aparecen en la película de Richard Donner y en la serie animada. Además, resulta interesante comprobar cómo las encarnaciones de este personaje nos sirven para sacar conclusiones sobre la evolución de la mujer en las historias de aventuras: cualquier personaje con más de cincuenta años sufre cambios, y la mejor reportera del Daily Planet no iba a ser menos. Esperemos que la actriz escogida para interpretarla en Supergirl, así como el guión, estén a la altura de este mítico personaje.

Fase Extra: Analizamos la demo de Cyberpunk 2077, echamos un vistazo a todos los brazos de Nero en DMCV y nuevo tráiler sobre el single player de Anthem

Bienvenidos amigos y amigas una vez más a nuestra sección semanal sobre las noticias más candentes del mundo de los videojuegos. La Gamescom ya pasó, pero como coletilla esta semana hemos tenido otra feria menor -la PAX West 2018 que nos ha traído algunas novedades, pero lo más destacado de estos últimos días ha sido sin lugar a dudas  la demo jugable de Cyberpunk 2077 que CD Projekt Red ha hecho pública, 48 minutos de gameplay sin diluir, con comentario incluido, que han cogido por sorpresa a la comunidad jugona y nos han dejado del revés.

Hemos tenido además un panel de DMCV con un vistazo a nuevos e impresionantes elementos jugables y como colofón os traemos información sobre el componente de un jugador de Anthem. ¿Preparados?

-YA TENEMOS AQUÍ LA DEMO DE 48 MINUTOS DE CYBERPUNK 2077-

Tras dos años consecutivos de demostraciones a puerta cerrada y de comernos las uñas a raíz de las alabanzas de la prensa especializada, CD Projekt Red ha decidido sin previo aviso (pero gracias a las muy positivas reacciones) lanzar al gran público una demo completa de la versión actual de Cyberpunk 2077. Y digo actual porque dejan muy claro que esto solo es una versión ‘alfa’ del título, que podrá cambiar bastante antes de ver la luz.

¿Y qué podemos concluir de la demo?

En primer lugar, el título es claramente ambicioso, según el video análisis de Digital Foundry nos encontramos ante un producto técnicamente impactante para ser de mundo abierto, siendo Night City una ciudad de grandes dimensiones, pero absolutamente llena de detalles y con una densidad de personajes en pantalla aún mayor que la de alguno de los juegos líderes en ese campo como podrían ser Watch Dogs 2Assassin’s Creed Unity.

En segundo lugar, a más de uno le habrá llamado la atención que en contraste con anteriores juegos de la desarrolladora nos encontramos ante un First Person Perspective RPG. Esta decisión se ha tomado por varias razones de peso. La primera es la inmersión del jugador, queriendo CDPR meternos directamente dentro de los zapatos del protagonista, V, y experimentar la aventura desde sus ojos.

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Siendo Cyberpunk 2077 un juego primordialmente de disparos (aunque tendremos armas tanto de fuego como de combate cuerpo a cuerpo) la vista en primera persona permite más versatilidad y combates a velocidad frenética. Finalmente, las animaciones también tienen mucho que ver, ya que cuentan con una calidad sin precedentes dentro del género de mundo abierto y la vista en primera persona nos permitirá apreciarlas tanto en las conversaciones (con especial detalle en las expresiones faciales y los fluidos movimientos) como en el combate.

En cuanto a nuestro ya mencionado protagonista, tendremos extensivas opciones para su personalización. A parte de su alias, que no podremos cambiar, si que podremos elegir si jugar como hombre o mujer, así como personalizar la apariencia, historia pasada y hasta ídolos de infancia de nuestro personaje principal.

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Si cabía alguna duda después de la saga the Witcher, el juego estará dirigido a audiencias adultas, lo que significa que tanto el gore como el lenguaje obsceno y los desnudos serán parte común de la experiencia, que pretende reflejar fielmente los distópicos bajos fondos de Night City donde el cuerpo humano se ha convertido en algo meramente utilitario gracias a las modificaciones genéticas y prótesis cibernéticas.

Y como conclusión y punto más importante, el juego no cuenta solo con el nombre sino con una verdadera alma ciberpunk, que debemos recordar no es solo una estética creada por la legendaria Blade Runner, es un género literario que tiene como piedra angular el mantra, high-tech-low life, o lo que es lo mismo, un mundo en el que el avance desenfrenado de la tecnología se superpone con cambios violentos y radicales en el orden social, algo que el juego refleja a la perfección en lo poco que hemos visto.

-REVELADOS TODOS LOS NUEVOS BRAZOS DE NERO EN DMCV-

Devil May Cry V sigue en racha de promoción y durante un panel en la PAX West (cuyos momentos álgidos podéis ver en el video de más arriba) los productores del juego Hideaki Itsuno y Matt Walker nos han revelado todos los ‘Devil Breakers’ de Nero, los brazos robóticos que cuentan con habilidades especiales y que podremos usar durante el juego.

Os dejo resumen, pero os recomiendo ver el video.

[Overture] El breaker básico, nos proporciona descargas eléctricas que propinan un poderoso choque a nuestros enemigos.

[Gerbera] Se basa en lanzar rayos de energía, desde rayos que rebotan en las paredes (parecidos a los de Nightmare Beta de DMC1 o Artemis de DMC3) a una enrome onda de energía tipo Kame Hame Ha.

[Punch Line] Literalmente un puño cohete en el que Nero se podrá montar y dirigir hacia los adversarios, mientras realiza movimientos de skateboarding. Si, en serio, ved el video, no me lo invento.

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[Tomboy] Un brazo que potencia las habilidades de las armas de Nero, las balas del revólver Blue Rose se convierten en el equivalente de un disparo de cañón y aún no sabemos que ocurrirá con la espada. No todo son ventajas, eso sí, el poder en este modo es tan abrumador que no podremos ir a por un único enemigo, perdiendo nuestra capacidad de lock-on.

[Ragtime] Un brazo que contiene energía demoniaca dentro y que cuando se libera para el tiempo temporalmente. Muy parecido al estilo ‘Quicksilver’ de Dante en DMC3.

[Helter Skelter] Un taladro al más puro estilo Tengen Toppa Gurren-Lagann que tiene tres niveles de uso, cuanto más rápido apretemos el botón más daño causaremos.

[Rawhide] Un brazo que se convierte en un látigo y nos permite manejar grandes cantidades de enemigos a la vez. Por si echáis de menos Castlevania.

[Buster Arm] un brazo que replica las propiedades del perdido Devil Bringer de Nero, su brazo original con el que podíamos jugar durante la anterior entrega de la saga. Como en ese juego, nos permitirá realizar movimientos especiales contra enemigos y jefes.

-ANTHEM: NUESTRO MUNDO, TU HISTORIA-

Finalmente, BioWare ha dedicado un nuevo tráiler a Anthem en el que podemos ver más detenidamente la parte de un jugador. La idea principal es que fuera de la zona habilitada para un jugador, llamada Fuerte Tarsis, sólo podremos jugar en modo multijugador de forma parecida a juegos como The Divison o Destiny mientras que dentro del fuerte cambiaremos al modo en primera persona y jugaremos explorando la ciudad y hablando con los miembros de nuestro equipo.

Como fan irredento de BioWare he de decir que el juego no me hace mucho tilín, especialmente ahora que sabemos que no habrá compañeros IA ni romances y las posibilidades de elegir nuestras respuestas en las conversaciones se limitaran a un sistema binario, únicamente dos posibilidades. Aún así pinta genial gráfica y jugablemente así que habrá que esperar a las reseñas e impresiones de la comunidad para ver que tal es el producto final.

Y hasta aquí la Fase Extra de esta primera semana de septiembre. Nos leemos dentro de siete días y hasta entonces, y como siempre, sed muy felices amig@s.

Nominados y quiniela de los premios Emmy 2018

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Ya queda menos para el mayor premio de las serie de TV en Estados Unidos, y es que el próximo 17 de Septiembre conoceremos a los ganados de esta 70 edición de los Premios Emmy.

Juego de Tronos vuelve a los Premios Emmy con 22 nominaciones, lo que convierte a la serie de HBO, la producción que recibe el mayor número de nominaciones. La siguen de cerca Westworld con 21 nominaciones y El Cuento de la criada con 20 nominaciones. En el siguiente artículo comento mi quiniela sobre los que pienso que ganaran cada categoría, no olvides poner tu quiniela en los comentarios y dar tu opinión sobre los nominados de este año. Espero que os guste.

 

DRAMA

Mejor actor de drama

  • Jason Bateman  (Ozark)
  • Sterling K. Brown  (This is us)
  • Ed Harris  (Westworld)
  • Matthew Rhys (The Americans)
  • Milo Ventimiglia  (This is us)
  • Jeffrey Wright  (Westworld)

EL VEREDICTO: En esta categoría creo que tenemos un claro ganador, y es que Sterling K. Brown lo ha bordado en This is us, serie que está arrasando en Estados Unidos. Si a esto le sumas que ganó el Globo de Oro, pocas posibilidades le quedan a grandes actores como Ed Harris o Matthew Rhys, que se despedide este año de una de las series más infravaloradas en los últimos años como es The Americans.

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Mejor actriz de drama

  • Claire Foy (The Crown)
  • Tatiana Maslany (Orphan Black)
  • Elisabeth Moss (El cuento de la criada)
  • Sandra Oh  (Killing eve)
  • Keri Russell (The Americans)
  • Evan Rachel Wood (Westworld)

EL VEREDICTO: Difícil escoger una de estas grandes actrices, y aunque me apena que Keri Russel se despida de The Americans sin premio este año, creo que la justa vencedora tiene que ser Elisabeth Moss, que ha rozado la perfección en El cuento de la criada. Cabe mencionar que la nominación de Sandra Oh ha sido una agradable sorpresa, convirtiéndose en la primera actriz asiática que consigue una nominación.

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Mejor actor secundario de drama

  • Nikolaj Coster-Waldau (Juego de Tronos) 
  • Peter Dinklage (Juego de Tronos) 
  • Mandy Patinkin (‘Homeland’)
  • David Harbour (Stranger Things)
  • Matt Smith (The Crown)
  • Joseph Fiennes (El cuento de la criada)

EL VEREDICTO: Complicada elección, ya que ninguno destaca especialmente por encima del resto. Me alegra la primera nominación de Matt Smith, que ha tenido dos años de gran nivel en The Crown, quien además se lleva la X en mi quiniela. Tampoco sería una sorpresa que ganara Joseph Fiennes, aunque ha tenido un menor protagonismo. Una agradable sorpresa sería que el gran Peter Dinklage se llevara el premio, pero me decanto por Matt Smith.

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Mejor actriz secundaria de drama

  • Lena Headey  (Juego de Tronos)
  • Millie Bobby Brown  (Stranger Things)
  • Vanessa Kirby (The Crown)
  • Ann Dowd (El cuento de la criada)
  • Yvonne Strahovski (El cuento de la criada)
  • Alexis Bledel (El cuento de la criada)
  • Thandie Newton (Westworld)

EL VEREDICTO: Aunque creo que Lena Headey se lo merece, creo que la ganadora de este año -y merecidamente- será la actriz de El cuento de la criada Yvonne Strahovski, quien ha tenido una mayor importancia en la segunda temporada, y se ha lucido. Una de las sorpresas del año.

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Mejor serie de drama

  • The Americans
  • The Crown
  • Juego de Tronos
  • El cuento de la criada
  • Stranger Things
  • This is Us
  • Westworld

EL VEREDICTO: Como suele ocurrir, esta categoría cuenta con grandes series, en la que podría ganar dos o incluso tres series. Pero la favorita de este año creo que es Juego de Tronos, que termina este año con su temporada número siete y podría arrasar en estos premios. Personalmente pienso que el premio se lo merece sin ninguna duda, El cuento de la criada. Esta segunda temporada ha estado a un gran nivel, aunque ha recibido numerosas críticas. Y para mí, debe ser la ganadora.

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COMEDIA

Mejor actor de comedia

  • Anthony Anderson  (Black-ish)
  • Ted Danson  (The  Good Place)
  • Larry David  (El show de Larry David)
  • Donald Glover (Atlanta)
  • Bill Hader  (Barry)
  • William H. Macy  (Shameless)

EL VEREDICTO: Grandes actores en esta categoría, que creo que tiene como gran favorito a Donald Glover, que a falta de sorpresa se llevará su segundo premio consecutivo. Me alegra que se hayan acordado al menos de Ted Danson, gran actor, pero que injusto que sea el único representante de The Good Place.

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Mejor actriz de comedia

  • Pamela Adlon (Better Things)
  • Rachel Brosnahan  (Marvelous Mrs. Maisel)
  • Allison Janney  (Mom)
  • Issa Rae (Insecure)
  • Tracee Ellis Ross (Black-ish)
  • Lily Tomlin (Grace y Frankie)

EL VEREDICTO: Aunque me alegraría que ganara Pamela Adlon, creo que Rachel Brosnahan no tiene rival en esta categoría. Probablemente el premio más claro.

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Mejor actor secundario de comedia

  • Bryan Tyree Henry (Atlanta)
  • Henry Winkler (Barry)
  • Louie Anderson (Baskets)
  • Kenan Thompson (SNL)
  • Alec Baldwin (SNL)
  • Tony Shaloub (The Marvelous Mrs. Marvel)
  • Tituss Burgess (Unbreakable Kimmy Schmidt)

EL VEREDICTO: Una de las categorías donde tengo menos claro el ganador. Tituss Burgess hace un gran personaje en su serie, pero creo que Bryan Henry será el merecido ganador.

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Mejor actriz secundaria de comedia

  • Zazie Beetz (Atlanta)
  • Betty Gilpin (Glow)
  • Laurie Metcalf (Roseanne)
  • Leslie Jones (Saturday Night Live)
  • Kate McKinno (Saturday Night Live)
  • Aidy Bryant (Saturday Night Live)
  • Alex Borstein (The Marvelous Mrs. Maisel)
  • Megan Mullally (Will y Grace)

EL VEREDICO: Dificil elegir, creo que las favoritas son Betty Gilpin, Zazie Beetz Y Laurie Metcalf, aunque Saturday Night Live tiene mucho peso en Estados Unidos y mete tres nominaciones. Me decanto por Laurie Metcalf.

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Mejor serie de comedia

  • Atlanta
  • Barry
  • Black-ish
  • Curb your enthusiasm’
  • Marvelous Mrs. Maisel’
  • Glow
  • Sillicon Valley
  • Unbreakble Kimmy Schmidt

EL VEREDICTO: Después de 3 años no tenemos a Veep, por lo que da esperenzas a otras grandes series como Atlanta, Sillicon Valley, La maravillosa Sra. Maisel o Unbreakble Kimmy Schmidt. No puedo entender como no se encuentra nominada The Good Place, una de mis series de comedia preferida de los últimos años. Si tengo que apostar por una, me quedo con Atlanta como gran favorita.

Ya podéis ver la serie Atlanta en Netflix

 

MINISERIES

Mejor actor de miniserie o tv movie

  • Antonio Banderas (Genius: Picasso)
  • Darren Criss (El asesinato de Gianni Versace)
  • Benedict Cumberbatch (Patrick Melrose)
  • Jeff Daniels (The Looming Tower)
  • John Legend (Jesucristo Super Star LIVE)
  • Jesse Plemons (Black Mirror)

EL VEREDICTO: El malagueño Antonio Banderas da su representación española en esta categoría, una pena que su serie no haya tenido una temporada de buen nivel. Creo que El asesinato de Gianni Versace triunfará en los premios de miniserie, y Darren Criss es el claro vencedor de esta categoría.

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Mejor actriz de miniserie o tv movie

  • Jessica Biel (The sinner)
  • Laure Dern (The Tale)
  • Michelle Dockery (Godless)
  • Edie Falco (Ley y Orden True Crime)
  • Regina King (Seven Seconds)
  • Sarah Paulson (American Horror Story: Cult)

EL VEREDICTO: Grandes actrices a las que tengo un gran cariño, Jessica Biel enThe sinner ha sido una gran sorpresa, Sarah Paulson a un gran nivel como siempre, pero este año el premio irá claramente para Laure Dern, una actriz mayúscula.

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Mejor actor secundario de miniserie o tv movie

  • Jeff Daniels (Godless)
  • Brandon Victor Dixon (Jesucristo Superstar)
  • Ricky Martin (El asesinato de Gianni Versace)
  • Edgar Ramírez (El asesinato de Gianni Versace)
  • Finn Wittrock (El asesinato de Gianni Versace)
  • Michael Stuhlbarg (The looming tower)
  • John Leguizamo (WACO)

EL VEREDICTO: Algun actor de El asesinato de Gianni Versace parece claro que se llevará el premio, por lo que la disputa queda en casa, y muy igualada. Creo que Finn Wittrock  se llevará el premio.

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Mejor actriz secundaria de miniserie o tv movie

  • Adina Porter (American Horror Story: Cult)
  • Letitia Wright (Black Mirror: Black Museum)
  • Merritt Wever (Godless)
  • Sara Bareilles (Jesucristo Superstar)
  • Penélope Cruz (El asesinato de Gianni Versace)
  • Judith Light (El asesinato de Gianni Versace)

EL VEREDICTO: Penélope ha callado muchas bocas en su interpretación en El asesinato de Gianni Versace, y aunque no me sorprendería que se llevara el galardón, creo que irá para su compañera de reparto Judith Light, que está a un gran nivel en la serie.

Mejor miniserie

  • El alienista
  • El asesinato de Gianni Versace
  • Genius: Picasso
  • Godless
  • Patrick Melrose

EL VEREDICTO: El asesinato de Gianni Versace tiene prácticamente todo hecho para llevarse el premio, no tiene rival y sus 18 candidaturas hablan por si solas.

7 claves que debes conocer de el asesinato de gianni versace antes de su estreno

 

Mejor película para televisión

  • Fahrenheit 451
  • Flint
  • Paterno
  • The Tale
  • USS Callister (Black Mirror)

EL VEREDICTO: Tengo dudas entre Black Mirror y The Tale, no quiero que la primera se vaya de vacío, pero The Tale merece ser reconocida, por lo que apuesto por su victoria.

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Crítica de Atlanta, el valor de lo anodino

Durante estos últimos años, hemos podido apreciar un paulatino crecimiento en la asiduidad de las apariciones y relevancia de un tal Donald Glover. Hay veces que se reúnen en un mismo individuo muchas ambiciones al mismo tiempo y, gracias a su facilidad y adaptabilidad, Glover ha sido capaz de ya no solo combinarlas, sino de triunfar en todas y cada una de las metas que se ha propuesto: como músico ha estado nominado y ganado prestigiosos premios como los Grammy y goza de videoclips tan relevantes y polémicos como el de This is America; en su labor de guionista ha sido premiado por su trabajo en series como 30 Rock Atlanta; como actor ha destacado en Solo y sido nominado en la serie Community; y la lista sigue…

Pero para entender mejor su éxito, quizás sea mejor centrarse en una de sus últimas creaciones: Atlanta. La serie creada, escrita y dirigida por él, que causó sensación en los Emmys del año pasado y que, con el permiso de Curb Your Enthusiasm, promete hacer lo mismo en la siguiente entrega. Pero, ¿Qué es Atlanta y qué la hace tan especial?ya30brzntllvmkvzyohu

The Wire y la continuidad como herramienta narrativa

La serie nos sitúa, para sorpresa de todos, en Atlanta y nos presenta la vida de Earn, un joven de clase humilde interpretado por Donald Glover que no puede andar más perdido en la vida. Sin apenas dinero ni gente a la que acudir, se aferra a su primo, un rapero malhumorado que acaba de convertirse en un fenómeno viral, en busca de cobijo y, con suerte, trabajo como su representante. Pero el argumento en Atlanta no es lo realmente importante, la historia en este caso cumple la función de elemento unificador. Aquí el grueso de la acción no surge de la progresión de una historia, sino de las situaciones a la que esta termina dando pie. Lo importante no es la continuidad, sino la emotividad y esta se obtiene con la variedad de escenarios y temáticas. Como ya hizo en su día The wire, Atlanta antepone la exploración de su universo y personajes a una progresión argumental más clásica.

Pero una serie planteada bajo esas bases, necesita de un núcleo de protagonistas sólido y carismático con el que poder sustentar divagaciones acerca de lo que se supone que debería ser una línea recta sin tangentes al narrar una historia. Y Atlanta consigue eso a la perfección. El triángulo creado entre Earn, Darius y Alfred (Paper Boi); es lo suficientemente atractivo como para crear unas interacciones divertidas y entretenidas, pero también son lo bastante raros y atípicos como para no hacerlos estereotipados. Son imperfectos y reales, consiguiendo a través de sus rarezas y peculiaridades convertirlos en personas extrañamente cercanas.atl1020465d1200xx3000 1688 0 156

El carisma de lo corriente

Al restarle relevancia a una continuidad más férrea o clásica, Atlanta también se abre muchas puertas a la exploración narrativa. Desde el primer capítulo, la serie tiene un andar distinto, el tempo en el que se mueve y hasta su misma dirección, están enfocados para acentuar y enriquecer su temática. Atlanta pretende mostrar la realidad, pero no una realidad adulterada y pasada de vueltas, sino una más cercana y en todo momento plausible. Ninguno de los sucesos que acontecen en la serie, por muy descabellados que parezcan, pueden ser tildados de exagerados o poco creíbles. Y es que gracias a su cercanía y verosimilitud, Atlanta es capaz de exponernos uno de los retratos más hilarantemente ciertos de la realidad que hoy vivimos.06 teddy atlanta 2.w710.h473

Y es por este peculiar estilo, que la serie puede permitirse largos paréntesis en los que profundizar en sus personajes y contar, sin desentonar, historias independientes al arco de temporada, cambiando temporalidades y registros, rompiendo así la dinámica de la serie y manteniendo la sensación de frescura más tiempo. El hablar sobre lo mundano, contra todo pronóstico, lo único que hace es abrir puertas en la ficción y Atlanta demuestra con creces que la voz que más se oye no es siempre la que habla más fuerte. Prueba de ello son las muchas críticas que hace sobre nuestra sociedad, ya sean las incongruencias en nuestro comportamiento, el racismo o el machismo. Críticas que, al estar despojadas de todo glamour o excesivamente recalcadas, pillan al espectador completamente desprevenido y al haber este cambio en la predisposición ante determinadas cuestiones, la serie termina facilitando la entrada y la comprensión de lo que, por norma general, suelen ser considerados temas tabú o muy densos, como la cultura negra en los guetos de Estados Unidos y determinados estilos de vida.

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Porqué ver Atlanta

Hay pocos productos en pantalla que se parezcan a Atlanta. Desde sus personajes hasta la misma estructura y ritmo de la serie, desprenden un aire distinto. Es una comedia especial, que a momentos recuerda a Louie por su ritmo y manera de reivindicar, muy cuidada y bien dirigida, capaz de mostrar el lado más despreciable y más tierno del ser humano. Atlanta no es la típica sitcom y no siempre garantizará una buena carcajada, pero el encanto y cercanía que desarrolla, no se encuentra todos los días.

Una serie de la que nunca sabes qué esperar, capaz de romper dinámicas ya consolidadas en la narrativa serial y crear algo nuevo y distinto. Una historia simple sobre la vida misma, capaz de hablar con una voz que pocos poseen. Atlanta es la silenciosa reivindicación de lo mundano, una experiencia que ha renovado la comedia en la televisión y que acerca mundos muy distintos y los pone al alcance de todos. gambino Cropped