Inicio Blog Página 559

Crítica de La favorita: Lo último de Lanthimos

La filmografía de Yorgos Lanthimos es cuanto menos curiosa, ha conseguido reunir a un séquito de fieles seguidores y proclamarse como uno de los cineastas más brillantes de los últimos años. Después de películas como El Sacrificio de un Ciervo Sagrado y Langosta, divisorias especialmente entre la audiencia general, Yorgos viaja al siglo XVIII con su nueva película, La favorita. Se empezó a hablar de ella desde su estreno en el Festival de Cine de Venecia, después de pasar por otros festivales, de que se estrenase en Estados Unidos  y de que fuese nominada en varias categorías en los Globos de Oro, llega a España, un poco tarde como suele pasar con este tipo de películas. En esta ocasión, Lanthimos ha actuado únicamente como director del proyecto, de la tarea de desarrollar el guion se han encargado Deborah Davis y Tony McNamara.

La favorita se sitúa a principios del siglo XVIII, durante el reinado de Ana Estuardo (Olivia Colman). La reina Ana se encuentra en un estado delicado, con problemas de salud y psicológicos, es su confidente, Sarah Churchill (Rachel Weisz), quien, en realidad, está a cargo del Gobierno. Todo se empieza a tambalear cuando llega una nueva criada, Abigail Masham (Emma Stone), que con su encanto va ascendiendo y se gana la confianza de Sarah y más tarde la de la propia reina Ana. Por tanto, a pesar de que se incluyen datos históricos, el foco central del filme es la relación entre estas tres mujeres, sus traiciones, sus deseos y sus ambiciones.

Los tres personajes principales de La favorita, Abigail, Sarah y Ana están desarrollados con tal complejidad que es difícil desprenderse de ellos una vez acaba el filme. Abigail, en una película simple sería la típica villana, en este filme es un personaje que posee una moralidad cuestionable, pero con el suficiente desarrollo como para comprender sus actos. Emma Stone sobresale interpretando a este personaje que dista tanto de otros que la hayamos visto dar vida. El personaje de Ana es probablemente es más fascinante del filme, y uno de los más difíciles de dotar humanidad. El guion equilibra perfectamente los momentos en los que vemos a una reina caprichosa e infantil e instantes en los que está rota por su oscuro pasado. Olivia Colman se desenvuelve perfectamente, igual de brillante en la comicidad y en el drama que tanto caracteriza a este filme y que tan bien incluye por Lanthimos. Por último, el personaje de Sarah es quizás el más sobrio de los tres, sin embargo eso no significa que no sea lo suficientemente misterioso como para dudar de sus verdaderas intenciones y así aportar intriga al filme. Rachel Weisz está magnífica, sabe perfectamente cómo expresar la contundencia del personaje.

Resultado de imagen para the favourite

Por otro lado, los aspectos técnicos del filme son magníficos. El director de fotografía, Robbie Ryan junto a Lanthimos han planificado minuciosamente los detalles que han incluido en el filme y las decisiones estilísticas que han decidido adoptar. La cámara siempre está inquieta y con ángulos o planos que desde un primer momento llaman la atención. El filme se caracteriza por tener una abundancia de planos generales, que no solo ilustran las magníficas localizaciones, también sirven para mostrar la grandeza de las habitaciones y la soledad, incluso el distanciamiento con el mundo real de los personajes. Se utiliza también en varias ocasiones un efecto de ojo de pez, que no solo impacta visualmente, enfatiza la sensación de agobio. Abundan los primeros planos contrapicados, normalmente utilizados para mostrar esa grandilocuencia de los personajes. Otros apartados como la iluminación, la música y los vestuarios no dejan de ser estupendos, especialmente si consideramos que toda la iluminación del filme es natural, los vestuarios distinguen el carácter de Abigail y Sarah  (especialmente en las escenas de disparos) y la música en algunos momentos llega a ser perturbadora.

Resultado de imagen para the favourite

En cuanto a temática La favorita recorre la soledad de las personas que están en puestos de poder, y cómo es difícil para ellas confiar en alguien debido a las dobles intenciones. Por otro lado, Abigail representa la desesperación por ascender en la escala de poder para garantizarse una vida mejor. La reina Ana representa la paranoia que viene acompañado por un cargo de tal importancia.

En conclusión, La favorita es una película excelente, que anima a  la conversación sobre un producto cinematográfico, una película que te persigue después de visionarla y que fascina cada vez que se piensa en ella. Se recomienda visionarla en una gran pantalla para estar completamente inmerso, a ser posible recomiendo la versión original para captar las increíbles actuaciones del reparto. Sin duda, La favorita merece ser considerada en la época de premios.

Rompiendo una lanza a favor de Prison School

Tiempo a que en estos prados de códigos html y algún que otro ccs, un alma, sabe el supremo si en pena o a conciencia, realizó una crítica mordaz hoy caída en desgracia y olvido. Reviviendo los fantasmas de un tiempo pasado, aquí, este humilde hidalgo de teclado y ratón se dispone a defender aquella serie mutilada tras tan burdo ataque, realizado por alguien de cuyo nombre no quiero acordarme… (y dejemos el castellano antiguo, que ya está bien la coña).

Revisando las entradas de este nuestro blog, encontré hace poco una crítica terriblemente destructiva, que prácticamente era un ataque abierto hacia una serie que personalmente considero una genialidad. Siendo esta una opinión como otra cualquiera, considero adecuado que los lectores tengan un contrapunto y un nuevo prisma desde el cual mirar esta obra, que oculta más virtudes de las que aparenta.

prison school

La premisa desde la que parte es extremadamente absurda y surrealista, pero crea el contexto perfecto sobre el que trabajar todo aquello que la serie busca transmitir. El instituto femenino de Hachimitsu es uno de los centros educativos más prestigiosos y estrictos de Tokio. Sin embargo en un determinado momento el director decide aceptar estudiantes masculinos. Así pues, cinco chicos son aceptados en el instituto: Kiyoshi Fujino, Takehito Morokuzu, Shingo Wakamoto, Jōji Nezu y Reiji Andou. Rodeados por mujeres, estos cinco adolescentes vírgenes son víctimas de las hormonas e intentan colarse en el baño de las chicas. Desgraciadamente son descubiertos por el Consejo Estudiantil Clandestino, una organización que castiga incluso las infracciones más leves con una estancia en una especie de prisión que posee la escuela donde se realizan prácticas sádicas y violentas.

Si nos acercamos a esta serie sin mucha idea y sin prestar atención más que a lo obvio, la imagen que podemos llevarnos de la serie es errónea. Tal y como se presenta, aparenta ser una parodia del feminismo radical, que busca ridiculizar y criminalizar a todas aquellas que luchan por la igualdad y contra el machismo. Sin embargo los tiros no van por ahí. Todos estos supuestos los estamos realizando desde una perspectiva occidental, sin tener en cuenta el contexto de esta serie: Japón.

1525635132854848039

Japón es un país donde la presencia del machismo es algo habitual. Forma parte de su cultura y aunque ciertas ideas se van erradicando con los años, los avances que se pueden realizar en este campo avanzan a un ritmo infinitamente más lento que en Europa o América. Una de las cuestiones sobre las que se centra la obra principalmente es la presencia del porno y de lo sexual en la cultura japonesa. Aquí un servidor os puede asegurar que hay porno en todos y cada uno de los quioscos. A su vez hay una gran cantidad de publicidad sugerente y los animes con contenido ecchi no son precisamente pocos. Pero al contrario de lo que puede parecer, el sexo no está para nada normalizado en Japón. Es un tema tabú. Nadie habla de ello.

Prison School ataca directamente a esta doble moralidad. Los cuerpos femeninos son sugerentes hasta un punto enfermizo. Las proporciones no son normales, como tampoco es normal la obsesión que la sociedad japonesa presenta. Sus personajes son un claro reflejo de ello. Prácticamente en su mayoría personas inadaptadas con trastornos mentales leves provocados por una mala integración en la sociedad. Las concepciones que estos tienen del sexo y las mujeres están basadas en fantasías, en cuestiones irreales y fetiches extraños llegando incluso a confundir el odio con el amor y el dolor con el placer. Desde el masoquista extremo, pasando por el reprimido debido a su condición física o el pesimista por definición, tampoco falta aquel anclado en la tradición y en una época pasada donde la mujer tenía un papel sin apenas relevancia.

hRbk6jy

Las chicas se encuentran en una situación similar. Obligadas a negar su sexualidad por una imposición social que les impone una conducta pulcra y puritana llegan a extremos violentos que rozan los actos de la inquisición española. Curiosamente aquellas más interesadas lo sexual son las más radicales a la hora de negarlo todo y mostrar la pureza de la joven japonesa ejemplar.

Este es un lugar de personas enfermas a raíz de una represión continua. Tanto chicos como chicas se encuentran rodeados día tras día por imágenes provocativas pero se ven incapaces de liberarse y llevar a cabo sus deseos, de modo que estos se deforman hasta convertirse en horribles derivados que no se pueden llamar ni amor ni sexo. La hipocresía del país y sus gobernantes es inmensa. Una muestra de ello es que el mismo director del instituto es un reprimido sexual tanto o más que los alumnos. La serie utiliza esto como herramienta de crítica directa hacia el sistema y se toma la molestia de recordarlo cada vez que este personaje pronuncia cualquier frase, porque en su mayoría son deplorables y lascivas pero se tratan como cualquier discurso épico o trascendental en el anime: con un zoom a primer plano y un efecto de sonido rimbombante.

1437802535 c88bde874460cdcc135cbb515dff2e59
En este plano grandilocuente, el director llora tras enterrar su colección de fotos calientes. Se vanagloria su actitud.

Una de las cosas que más se han criticado de la serie es la enorme cantidad de ecchi o material sexual que contiene. En cada plano, en cada toma, da igual cómo, cuándo y dónde sea, hay una pierna, una teta, un pezón o unas bragas. En muchas ocasiones el ángulo desde donde el que se realizan los planos es ridículo, incoherente y no concuerda con la narración. Esto sucede porque se sacrifica toda la secuencia y la continuidad narrativa para que aparezca un mínimo de carne en la pantalla, lo cual se repite una y otra vez, a lo largo de toda la serie. Además, no es un ecchi normal, sugerente y picarón, no, es grotesco, desagradable, repugnante y repulsivo. ¿Por qué sucede esto? El equipo intenta transmitirnos un mensaje casi a gritos: ¡ESTO ES LO QUE VIVIMOS LOS JAPONESES CADA VEZ QUE SALIMOS A LA CALLE!

prison school review2
En este plano se presenta un ángulo incoherente solo para colocarte debajo de la falda.

El manga de Akira Hiramoto es una crítica brutal hacia la concepción moralista e hipócrita que los japoneses tienen con respecto al sexo. Es una obra necesariamente polémica, porque es la única forma de llamar la atención al respecto y conseguir que la gente se cuestione todo esto, y debata y opine, algo en lo que los nipones tampoco destacan excesivamente.

Mi recomendación. No es una obra para todos los públicos. Es muy desagradable y obscena, pero tiene una doble lectura muy interesante que si se logra encontrar, otorga un enorme valor tanto a las páginas de su manga como a su anime.

El cómic de la semana: Yo, loco, de Antonio Altarriba y Keko: la vida normal convertida en trastorno mental

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana y a su vez auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez. Hoy destacamos Yo, loco, de Antonio Altarriba y Keko. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hoy hablaremos de Yo, loco, cómic dibujado por Keko y con Antonio Altarriba al guión que ha sacado Norma Editorial en nuestro país. Es una historia completa sin necesidad de leer nada antes ni después, por más que algún detalle no muy importante pueda venir de la anterior obra de los autores, la fantástica y premiada «Yo, asesino» (de la que ya hemos hablado en este blog).

Es posible que Paco Roca y Antonio Altarriba sean dos de los mejores autores de cómic de este siglo. Hay que empezar a decirlo así. Los que son capaces de hacer Arrugas y Los surcos del azar o El arte de volar (aquí) y Yo, asesino deben ser tratados así. Hay muy pocas cosas en el cómic anglosajón o asiático a ese nivel. La anterior obra, «Yo, asesino», dejó el listón altísimo, hasta el punto que el mismísimo Museo del Prado les hizo un encargo para publicarlo. Mucha gente les demandaba una segunda parte.

yo loco002

Los autores afirman que «Yo, loco» es una segunda parte que empezó en «Yo, asesino» y que acabará en un tercer cómic llamado «Yo, mentiroso». Tanto el primero como éste podrían leerse de manera independiente sin perder gran cosa. Donde el primero es una mezcla de cómic y novela negra con el trasfondo del mundo del arte aquí el trasfondo es el mundo de la industria psicofarmacéutica, perteneciendo el género de la novela negra también. El primero nos recordaba a las bravas la naturaleza conflictiva y agresiva del ser humano ahogada en el proceso de civilización a lo largo de los siglos. Es decir, de la creación de una mentira compartida socialmente que es mejor que la realidad, la cual el protagonista quiere recordar por más que dicha realidad sea espantosa. En este cómic se va hacia la dirección contraria: la creación de otra mentira compartida que es peor que la realidad. En las propias palabras del guionista:

“Es una trilogía en tono de thriller, que quiere tener crítica social –asegura el guionista-. Pensamos que las grandes corporaciones cada vez tienen más poder y su funcionamiento es más opaco. Toman sus decisiones más en función de los beneficios que de los intereses de la gente. Desde la industria automovilística, que truca las emisiones del CO2, a las prácticas ilegales de los bancos. O el aviso hace muy poco, por parte de Naciones Unidas, del riesgo que suponía que algunas multinacionales se estuvieran haciendo con el monopolio de las semillas y lo que puede ser significar eso para la agricultura y la alimentación”

”Ese problema es especialmente sensible en las farmacéuticas –continúa Altarriba-. Nuestra salud depende de lo que fabriquen y pongan en el mercado. Y hemos querido indagar en cómo perfilan los comportamientos de las personas, hasta llegar a catalogarlos como enfermedades mentales. Creo que se están inventando enfermedades mentales que no existen para aumentar sus ventas. Actualmente sacan sus mayores beneficios de los hipnosedantes, los ansiolíticos… los medicamentos para tratar trastornos mentales”.

Tampoco debería ser una sorpresa: la novela negra tiene toda una tradición de denuncia social y poco disimulado izquierdismo que casi llega a lo marxista muchas veces. Al fin y al cabo, es común hablar de mundos de corrupción generalizada en la que la maldad no es una cuestión de uno o dos individuos, sino que es el cómo está montado el sistema lo que hace que todo esté podrido, siendo el protagonista un sujeto extraño que no tiene ninguna posibilidad de destruir por sí mismo el sistema. No es posible para el héroe acabar con todo el sistema: ninguna hazaña individual puede acabar con el Mal, como mucho puede derrotar a otros individuos beneficiados por el sistema o a partes del mismo. Pero todo continuará igual después, porque toda la estructura de incentivos y de recompensas está construída del mismo deprimente modo, y los individuos que ocupen los puestos vacíos funcionarán igual. No tiene nada que ver con su ideología, tiene que ver con de dónde y cómo viene su dinero y su posición social. Los cómics tratados comparten todas estas premisas.

yo loco004

De nuevo el cómic se adapta visualmente a todo este tono. Los claroscuros del blanco y negro del dibujante Keko son muy marcados, muy fuertes. Hay una clara diferenciación en las caras y las constituciones de los distintos personajes, cosa poco común por el clásico molde de tanto dibujante en cuanto encuentra un modelo de mujer y otro de hombre que le sale más o menos bien y con el que está cómodo. Hay una forma distinta de dibujar interiores y exteriores, así como de mostrar los movimientos en una calle o en un interior. En una obra como ésta, en la que los sueños o las escenas protagonizadas por alucionaciones tienen que tener peso, lo irreal tiene el mismo tratamiento visual que lo real, que es lo correcto para contribuir a la confusión entre ambos lados. El trabajo del blanco y negro así como el uso del otro color usado, el amarillo (como indicador de la locura, de lo irreal, de la caída a la irracionalidad, en la mejor tradición de Lorca con su famoso uso del color verde) es fantástico.

yo loco005

La trama sigue un ritmo parecido al del anterior cómic: la vida profesional se entrelaza con algo siniestro y criminal, la vida personal del protagonista es tirando a desastrosa y caótica, tendente a la soledad más asfixiante. Hay un ambiente claustrofóbico en toda la historia, una sensación de vivir en un pasillo con pocas salidas del que no se conoce el fin. En este caso, la conspiranoia en relación a las prácticas de la industria farmacéutica.

Y, siendo el ritmo muy bien medido y la historia muy absorbente, tenemos que tener cuidado con las intenciones de los autores. Al fin y al cabo, es un gran cómic en casi todos los sentidos. Las obras artísticamente estupendas son expresiones de emociones de los autores bien pulidas en las formas y es fácil que pasen los radares de la racionalidad y nos afecten emocionalmente. Los autores tratan de denunciar algo que no es ningún secreto oculto en cajones olvidados. Es decir, la tendencia que uno puede observar en medios de comunicación o instituciones de convertir en trastorno mental cosas normales de la vida.

Así, uno puede encontrar cosas como el «síndrome postvacacional», que teóricamente es una pequeña depresión por volver de vacaciones al trabajo. Algo tan normal como querer seguir de vacaciones y estar algo fastidiado por tener que volver a madrugar se convierte en algo que suena a «enfermedad mental», aunque sea transitoria y de baja intensidad. Cuando yo hice prácticas de quinto de Psicología se presentaba una madre con su hijo adolescente diciendo que llevaba una semana muy triste porque le había dejado su novia. El dolor de que corten contigo forma parte de la normalidad, no es ningún trastorno, al contrario: ese dolor es adaptativo. Lo preocupante sería que te abandonen como pareja y nunca te preguntes el porqué, no pudiendo así madurar como persona. Esa madre quería que su hijo no sufriera bajo ningún concepto, aunque determinados dolores sean parte normal y lógica de la vida que hay que afrontar para ser una persona adulta.

yo loco006 1

El cómic acierta al denunciar lo que podríamos llamar la psicopatologización de la vida normal: la transformación de partes de la vida que no son bonitas ni agradables pero parte de la normalidad en enfermedades mentales, es decir en cosas que no son normales y deben ser tratadas con medicación. Aldous Huxley hablaba ya en «Un mundo feliz» de niños a los que se llevaba a ver a muertos para que no sintieran pena ni miedo de la muerte. Es decir, la eliminación de todo sufrimiento o dolor de la vida, la idea de que cualquier sentimiento desagradable tiene que ser extirpado del ser humano, que no hay que soportar ni adaptarse a nada que nos moleste. Es, de hecho, la idea peligrosísima que trata de combatir el cómic: la vida tiene decepciones, mierdas, bajones emocionales y sin ellos lo mejor de la vida es complicado que llegue. Sin ellos posiblemente es complicadísimo crecer y disfrutar de las muchas cosas bellas y maravillosas que hay. Si sólo estamos anestesiados y en una burbuja lo que seremos es eternamente niños.

En todo este discurso no hay que olvidar algo importante: el mundo para los enfermos mentales graves, los reales, es mucho mejor con la existencia de psicofármacos. Los cuentos de terror sobre las familias que tenían un esquizofrénico en su casa en los años 50 son para no dormir, con familias destrozadas por tener un hijo «loco» al que atan a la cama, no dejan de salir de la habitación y que son consumidas por las enormes cantidades de energías mentales y físicas de soportar algo así durante el resto de su vida. Para estas familias con personas que han padecido trastornos psiquiátricos graves los psicofármacos les han librado de un sufrimiento casi inimaginable para quienes no han pasado por ello. De lo que se trata no es de negar que los psicofármacos hayan sido un avance enorme para el bienestar de cientos de miles de personas sino de denunciar la ampliación de la idea de «trastorno mental» a los ámbitos normales (aunque dolorosos) de la vida.

yo loco007

Donde quizás el cómic derrapa es determinada caracterización de algunos personajes de la empresa del protagonista. Quiero decir: no es tampoco ninguna cosa oculta la enorme cantidad de psicópatas que hay en el mundo de los directivos (aquí más), pero la trama de peleas corporativas quizás es más débil de lo debería. Alguien que ha llegado a un puesto más o menos alto de una multinacional con renombre es complicado que hable como hablan algunos del cómic: las cosas raramente se dicen tal cual son y hay una cantidad de psicochachara y humo discursivo que hace casi imposible decir cosas realmente concretas. No es creíble que se hable con tantísima franqueza en una reunión de tan alto nivel. No digo que no sea posible en la realidad: digo que en determinadas ocasiones en el cómic huelen a villanos de opereta de segunda o a supervillanos de cómics de superhéroes de los años 40 del pasado siglo. El giro final argumental tampoco ayuda a esto, y puede que sea demasiado rebuscado y conveniente. Hubiese sido mucho más desolador un final más abierto, como en el del primer cómic.

En todo caso, es un gran cómic en lo artístico, es meritorio en jardín en el que se meten y es un poco triste que determinados personajes y el final sean el que son. Pero es más que recomendable y un cómic, a pesar de las cosas menos bonitas mencionadas, que hay que leer.

Sed felices.

Os dejo la portada y enlace a Norma Editorial.

yo loco

Crítica de IO: Sola en la Tierra de Netflix

Sean bienvenidos a la crítica del último estreno cinematográfico de esa máquina de producir que es Netflix. Quizás la ciencia ficción es el género predilecto del servicio de streaming. No han sido pocas las cintas que nos llegaron del género por parte de la misma. Os dejamos enlaces de nuestras críticas y pasamos a hablar de la cinta que nos ocupa:

IO o Sola en la Tierra.

La premisa es la siguiente, el planeta Tierra ha dado de si y se muere. El oxígeno se acaba por lo que hay que salir del planeta. Pero estamos preparados para una colonización. Gran cantidad  de naves lleva a los supervivientes a la luna de Júpiter conocida como IO. Al principio de la película conocemos a Sam Walden una científica, digna heredera de su padre, el célebre Doctor Walden. Pero donde la Humanidad ha abandonado toda esperanza de vida en su antiguo planeta, ella busca resquicios de un renacer del mismo. Su soledad se verá alterada por la llegada de Micah un hombre que ofrece más preguntas que respuestas. Juntos iniciarán una carrera contrarreloj para salir de un planeta moribundo hacia una nueva vida en IO.

io poster

Un batiburrillo de tópicos… una vez más.

La película tiene un prometedor comienzo con Sam (Margaret Qualley) andando por en medio de la ciudad, una urbe apocalíptica que nos recuerda a The Last of Us, por ejemplo. Pero lo que podría haber sido una cinta de aventuras y acción se convierte en una mediocre película de ciencia ficción científica y romántica. Con una duración ajustada de 93 minutos la película no llega a aburrir del todo pero supone una nueva oportunidad perdida. La cinta podía haber tirado por otros derroteros pero decide volcarse en la explicación, en la razón e investigación científica. La mayor parte está ambientada en una instalación que hace las veces de casa y laboratorio donde ella ha tomado el relevo de las investigaciones de su padre. Esto hace que el ritmo de la película sea muy lento ya que poco o nada de interés ocurre realmente. La llegada de Micah, que está interpretado por Anthony Mackie, (el Halcón en la saga de los Vengadores de Marvel) tampoco aporta demasiado y es que son dos personas en medio de la nada. No hay aventura, no hay riesgo, no hay emoción por lo que el espectador no se puede entretener.

Detrás de IO.

Netflix lleva tiempo tratando de dotar de contenido de calidad en lo que a cine se refiere. Ya he hablado de este tema en la web en alguna ocasión, por ejemplo aquí y aquí. Esto se suele notar en que nos han llegado producciones de cierta importancia aunque muchas veces se ha impuesto la decepción en las mismas. Producciones en la que solemos  ver siempre una cara conocida. En el caso de IO encontramos un actor reconocido para el publico joven como es Anthony Mackie por interpretar a un superhéroe en las películas Marvel. Su partenaire Margaret Qualley es sin embargo desconocida para el gran público como sucede también con el director de la cinta Jonathan Helpert o los guionistas de la misma, Will Basanta, Clay Jeter y Charles Spano. Si bien Mackie y Qualley si cumplen en sus papeles trayéndonos dos personajes convincentes, no sucede lo mismo con el realizador y los guionistas que van a lo previsible, nos llevan a territorios ya transitados en el cine en numerosas ocasiones.

static1.squarespace.com

Valoración Final.

La última persona sobre la Tierra era una premisa ya de por sí muy vista pero siempre apetecible de ver porque bien contado puede dar mucho juego. Aquí, como casi todo en la película, no funciona porque tenemos a nuestra protagonista en un laboratorio todo el tiempo. Imagino que el presupuesto no daba para más paseos por la ciudad. La película de 90 minutos de duración tiene un ritmo muy lento que tampoco ayuda. Y no hay explicación al contexto de ese fin del mundo que estamos contemplando. Es en definitiva una de tantas películas de ciencia ficción de la que te olvidarás pronto. Netflix trata de mejorar su cine con proyectos caros y arriesgados (¿cuando The Irishman?) pero también nos siguen llegando estos mediocres productos que lo único que consigue es llenar la plataforma de comida rápida.

Un saludo y sed felices.

 

Vagabond: hacer del dibujo pura poesía

Quien crea que el manga en general es solo ciencia ficción y fantasía, robots enormes y personajes con poderes sobrenaturales increíbles, Vagabond va a romper sus esquemas porque no es a lo que estamos acostumbrados a ver aquí en España. En nuestro país, lo más popular siempre han sido historias sobre gente intercambiando puñetazos, espadazos, kamehames y rasengans siempre detrás de un contexto fantasioso, pero… ¿y si eso cambiara? ¿Y si el contexto fuera la época Sengoku? ¿Y si los personajes no fueran ficticios? ¿Y si la historia se basara en la vida de un personaje histórico? Esta es la obra de Takehiko Inoue, este es su arte.

El nombre del autor quizá os sonará por ser el creador de Slam Dunk (1990 – 1996), pero aunque ambas historias están impregnadas del deseo de Inoue por crear una historia con personajes vivos y con carácter, se nota a leguas que Vagabond supera artísticamente a su predecesora. En los 37 tomos que lleva publicados, se ha dedicado a hacer de su dibujo pura poesía. Los diálogos son los justos y necesarios, los paneles no necesitan estar saturados de globos de texto, haciendo uso casi total de las posibilidades narrativas que ofrece lo visual. Su arte se sirve y se basta para explicarte una historia y su significado sin dejar de entretenerte, captando tu atención en cada página y en cada uno de sus trazos.

v9 1

Su estilo destaca, por un lado, por su realismo: por el cuidado a los detalles de las casas, el paisaje, los objetos y la ropa. Un conjunto que te transporta a otra época y cultura que se aleja de forma abismal del mundo actual. En este marco temporal, está acabando el período Sengoku —la época más sangrienta de la historia de Japón—, desde el año 1.100 los emperadores habían perdido su poder político y el país estaba en una guerra constante entre señores feudales para conquistar los territorios de uno y de otro. Hasta que en el 1.573 Nobunaga Oda consiguió conquistar gran parte del archipiélago asiático convirtiéndose en el Shogun, precedido en el 82 por Hideyoshi cuyo hijo fue derrotado por Ieyasu Tokagawa a principios del siglo XV. Este es el periodo en el que nació el protagonista de esta historia: Musashi Miyamoto.

Aquí es donde está el otro lado por el que destaca el estilo de Inoue: como consigue dotar a todos los personajes de alma propia. En la mirada de todos ellos se puede apreciar que son más que unos garabatos, que tienen vida, que cuentan con un trasfondo y mundo interno que necesita ser descubierto. Miyamoto fue un ronin —un samurai que no le debe lealtad a ningún señor feudal—, un alma libre, un vagabundo. Según la historia que se cuenta sobre él, dedicó su vida a perfeccionar su habilidad con la espada y apenas se relacionaba con otras personas a no ser que fuera para combatir. Con estos detalles, casi parece un personaje más de shonen que se pasa la vida entrenando y que vive por y para el combate como podría ser perfectamente, por ejemplo, Netero de Hunter x Hunter. ¿Pero quién iba a decir que realmente existió alguien que tuvo una vida como esa? A pesar de esto, Vagabond no es una historia sobre violencia y sangre, sino sobre la superación, la búsqueda de la paz que uno consigue a través del arte de la espada.

b1f00c0f53a03754bb0a8e75ff6a8faf

Inoue se inspira en unas situaciones y personajes reales para crear esta historia y hace su propia interpretación, es decir, no hace un calco exacto de lo que sucedió, hace ficción histórica narrada en viñetas. Esto hace imposible que se puedan encontrar hechos fantasiosos o místicos, nada de criaturas inventadas ni viajes en el tiempo. Esta es su interpretación sobre Myiamoto, a quien Inoue le da otra vida con lo que esto implica: sin adentrarte demasiado en los conflictos políticos de la época.

Cabe añadir que esta es una oportunidad para conocer más tanto sobre la historia feudal y la cultura japonesa, como sobre el código del honor y el significado de la espada para la figura del samurai, todo eso que se ve a menudo reflejada en otros mangas (sin ir más lejos en los últimos capítulos de One Piece).

La obra publicada por Ivrea hasta el tomo 37 merece ser leída, tanto por lo que significa, por su profundidad y sobretodo por este dibujo que es puro arte, pura poesía que solo se puede disfrutar.

 

Scumbag loser, de Mikoto Yamaguchi. Los olores asquerosos y maravillosos del manga.

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Ya hemos hablado mucho en este sacrosanto sitio de Japón. Ese sitio que mucha gente inteligente tiene en lo más alto de la civilización humana gracias al manga, el anime y los videojuegos. Y también ese sitio que otra mucha gente inteligente tiene como sitio de raritos precisamente por su manga o sus videojuegos. Que existe un sector de la población occidental que acepta sin críticas todo lo que viene de Japón es un hecho, como lo es que existe otro sector que casi ni considera a los videojuegos japoneses videojuegos de verdad. Desde este humilde pero pretencioso blog no queremos hacer apología de la bobada aquella de “en el centro está la virtud” ni en promover ideológicamente la moderación: aquí todos somos extremistas. También somos burgueses y nos gusta vivir bien, claro. Somos partidarios de que el Pueblo, al que tanto amamos, empiece la Revolución por sí mismo con nuestros consejos apoyándoles. Ánimo con los antidisturbios. Ánimo. Nosotros lo analizamos desde casa.

Desde aquí soñamos con ser los próximos Marinetti o Hobsbawn, y con ese empeño de servicio de formación para el Pueblo no podemos sino recomendar algo que es espantoso para los odiadores de lo japonés y maravilloso para los admiradores acríticos de lo nipón. Es la síntesis hegeliana de lo japonés, amado Pueblo. Ya podéis ir diciéndolo en Tinder a vuestros acosados favoritos: ¡voy a contarte la síntesis hegeliana de lo japonés!. Éxito garantizado (es decir, igual a cero: garantizado que te bloquea).

Scumbag loser

Se trata de Scumbag loser (Saiteihen no Otoko), manga de Mikoto Yamaguchi que Ivrea está publicando en 3 tomos formato B6 en España desde Septiembre de 2018. Pongamos la sinopsis que puede uno encontrar en la contraportada del primer tomo tal cual:

Masahiko Murai es un chaval de 16 años al que todo el mundo en su clase considera un perdedor. Es obeso, poco agraciado, no tiene novia y además tiene una especie de fetiche que consiste en oler todo lo que tiene a su alrededor. Si pertenece a chicas, mejor que mejor. Un día, viendo que su humillación no va a hacer más que crecer, se inventa una novia ficticia que está más buena que el pan para que en su clase lo vean de otra manera.
Su sorpresa es mayúscula cuando esa chica de la que les había enseñado una foto, Haruka Misuzawa, aparece en su clase como nueva estudiante y empieza a salir con él. El hecho de por sí ya es extraño, sin embargo, hay algo todavía peor: esa chica murió hace cinco años…

La propia portada o la sinopsis nos llevarán, casi seguro, a una idea equivocada. Yo la tenía. Es decir: esto es un manga erótico-festivo en el que todo es un rebozarnos por el patetismo del protagonista, a lo Prison School, pero con toques de misterio y algo de suspense. Aprovechamos el espacio que no siguen dejando para decir: viva Prison School, viva y bravo. Necesitamos más Prison School para ser felices. Viva la vicepresidenta y viva el director. Pero no, estimado Pueblo. La portada y la contraportada engañan totalmente. Ya las primeras páginas te avisan: aquello no tiene chistes. Aquello es una cuesta abajo, que empieza siendo muy ligera y conforme pasas páginas sin darte cuenta se ha convertido en una caída libre a un precipicio. A uno de horror, de asco, de repugnancia y de odio a uno mismo.

1 4
La esencia de la psicología del protagonista

Puede uno ver ciertas influencias del gran Junji Ito (del que hemos hablado varias veces por aquí: 1 y 2) en el dibujo, en la narración de ciertas partes e incluso en aquello en lo que Ito es un maestro: transmitir miedo a través de deformaciones físicas en las caras y cuerpos de las personas. Me temo que el autor de Scumbag Loser no es tan magistral ni tiene ese mismo talento, aunque, como decimos tiene sus dejes más que evidentes. Podemos decir que el dibujo es claramente correcto sin grandes alardes, prescinde por lo general de los detalles y trata de no liarse demasiado con las perspectivas, por más que juegue con ellas para reflejar la sumisión o humillación bastante. Hay que reconocerle algún mérito en cierta página doble de prácticamente el final del tomo, que el que la lea no se la quitará de la cabeza por lo inesperada e impactante que es.

Si por algo destaca la historia del tomo es por donde ataca el tema del miedo. Hay algo evidentemente sobrenatural en el ambiente de la historia, pero está todo inteligentemente muy dosificado. Apenas se muestra nada verdaderamente sangriento o violento. Incluso esas escenas suelen ser puestas sólo parcialmente o estar en segundo plano, jugando más con la imaginación de lo horrible que está pasando más que mostrarlo.

1 5

Pero el fuerte de la historia es otro. Es meterse en algo muy original y pocas veces visto: el sentimiento de sentirse un mierda y actuar como tal. La constatación de que tu vida es una mierda y que a la primera que tengas un mínimo de poder o capacidad de cambiar las cosas lo vas a aprovechar para vengarte, para ser igual que los que te han jodido la vida o incluso peor que ellos. La idea de que toda esa caída al abismo moral es totalmente consciente y que toda excusa al respecto es para quien sea tan inocente para creérsela. El recorrido del protagonista lleva en poco tiempo a decisiones terribles y muy desagradables desde el punto de vista emocional y de la autoestima. Y es totalmente comprensible. Todos hemos sido miserables más de una vez con gente normal o incluso con gente que nos ha querido. Desde esa conciencia del apestoso olor que dejan las decisiones que hacen daño a personas que nos han querido es posible entender los olores que tanto obsesionan al protagonista. El autor lo tiene claro: el poder no cambia a nadie, sólo saca lo que antes estaba dentro del individuo. Toda la miseria moral que sólo torturaba al individuo puede salir hacia los demás si empieza a tener poder, pasando a torturar a más gente.

Es sorprendente cómo la simpleza del dibujo contrasta con sentimientos y pensamientos pegajosos y desagradables que revolotean y salen como si nada al leer el manga. No es exactamente terror o inquietud, por más que el manga vaya de eso. Es la incomodidad de ser consciente de la parte de ti que hay que te asquea y que el autor saca a pasear por las páginas con toda la naturalidad, pero visualmente de forma sutil.

Scumbag Loser Haruka 2

Soy consciente que alguien que ha hecho algo tan turbador, excesivo, cercano al mito de la snuff movies y gore como Dead Tube (aquí en 15 minutos tenéis el principio) hay que vigilarle, sobre todo por su tendencia a liarse con las tramas tirando a largas y a no saber finalizar las historias (aún recuerdo el cacao maravillao de cierto arco en una isla de Dead Tube y su final que no se creía nadie). Es posible que las tramas de japonesas de terror no deban durar demasiado para ser eficaces, pero en este caso hablamos de sólo tres tomos. Vemos qué tal. Mientras tanto, comprar y leed este primer tomo, Pueblo, pues en él está la síntesis de todo lo asombroso y también asqueroso/turbador de la cultura pop japonesa.

Sed felices.

Tres películas que parecen videojuegos

El mundo de los videojuegos y el del cine generalmente no se han llevado muy bien. Hemos tenido malas adaptaciones a la pantalla grande sobre nuestros juegos favoritos y la mayoría de ellos fracasaron, aunque se sigue insistiendo para que algún día llegue una buena adaptación. Pero en esta ocasión os traigo una pequeña lista sobre aquellas películas que de cierta manera homenajearon a los juegos electrónicos, ya sea por su puesta en escena o por su dirección. No os traigo adaptaciones buenas sobre historias de videojuegos, sino películas que al verlas pareciera que estamos en un videojuego.

3 – Snowpiercer (Rompenieves)

Empezamos la lista con Snowpiercer o Rompenieves, dirigida por Bong Joon-ho quien ya hizo lo propio con grandes películas como Memorias de un asesino y la más reciente Okja. La acción nos sitúa en una era de hielo post-apocalíptica que obliga a los últimos sobrevivientes de la humanidad a subir a un tren que da la vuelta al mundo. Este tren divide a los supervivientes en clase sociales. Con este concepto la película se desarrolla como si se tratase de un videojuego con progresión de niveles. Tenemos el nivel 1, si se podría decir, que es la cola del tren donde veremos a los más pobres del tren y donde nuestro protagonista se sitúa como punto de partida. Y claro nuestro héroe necesitará avanzar vagones para lograr su objetivo, que es llegar a la mismísima maquina del tren, en la cabecera del mismo. A medida de que nuestro protagonista avanza por los diferentes vagones se enfrentara a nuevos desafíos e incluso jefes finales. Una película que logra una estructura de fases y ambientación a lo que puede llegar a ser, por ejemplo, un ghouls and ghosts.

Una película no muy conocida pero que a mi me parece muy entretenida. Una película protagonizada entre otros por Chris Evans, el Capitán América en las películas del universo Marvel.

2- The Raid: Redemption (Redada asesina)

Siguiendo un poco el esquema de la anterior película, sigue en la lista The Raid (Redada asesina), una cinta de artes marciales indonesia que reproduce el esquema por niveles de los videojuegos, pero en vez de que se desarrolle en horizontal como la anterior película (Rompenieves), esta se desarrolla de manera vertical, en un edificio de treinta pisos. La historia versa de un grupo de policías que entran en este edificio y en el que van constantemente subiendo plantas, en este caso niveles y fases, hasta el enfrentamiento con el jefe final.

No os dejéis llevar porque sea una película indonesia, la cinta es una maravilla del cine de acción, una película muy superior a la media del cine americano, que bien es cierto cuenta con más medios y recursos. Si no la habéis visto, os la recomiendo.

1- Battle Royale

Si, evidentemente tenemos que terminar esta lista con un clásico entre los clásicos. La mayoría ya la conoceréis pero los que no, os llevo directamente a la fuente. Os hablo de Battle Royale, una película japonesa de 2002 que narra la historia de cuarenta y dos estudiantes de noveno grado que son enviados a una isla desértica donde reciben un mapa, comida, y varias armas, además de un collar explosivo colocado alrededor de su cuello para que si ellos rompen una regla, el collar explota. Su misión es matarse entre ellos y el último que queda en pié, el último que quede vivo, gana el juego.

En la película no existe la típica mecánica de loteríasino que implementa algo muy curioso que es que al principio de la acción les dejan elegir las armas que van a utilizar. Y las armas van desde una uzi hasta una sarten (espero que entiendan la referencia).

Sin duda Battle Royale es una pionera en su género y se puede decir que fue la precursora de muchas otras, entre las que incluyo videojuegos como Fortnite. Y para no irnos del 7º Arte también os tengo que decir que películas como Los Juegos del hambre, de reconocimiento mundial, beben directamente de la fuente: Battle Royale.

Si te gustan los videojuegos y quieres ver una película entretenida sin adaptaciones mediocres estas tres películas te mantendrán en la silla y disfrutarla sin necesidad de un joystick en la mano.

Un saludo y sed felices.

Fuga en Dannemora: Brillante drama carcelario con un elenco en estado de gracia

2018 acabó con una de las mejores series del año, Fuga en Dannemora. Un drama carcelario de ocho capítulos muy intensos dirigidos por un sorprendente Ben Stiller que se maneja tras las cámaras con la misma soltura que delante de ellas por lo visto aquí. Basada en hechos reales esta es la serie que ha supuesto todos los elogios para una inmensa Patricia Arquette. No obstante el resto del reparto está a la altura: Benicio del Toro, Paul Dano, David Morse y Eric Lange.

El género cansino de las fugas carcelarias… o no

Es verdad que el «subgénero» de fuga carcelaria puede estar más que trillado y es que a lo largo de la historia del cine hemos visto decenas de fugas, muchas de ellas basadas también en hechos reales. Una de las más famosas es Fuga de Alcatraz, por estar ambientada en tan mítica cárcel. Dirigida por Don Siegel, Clint Eastwood era el reo de turno que se proponía a huir de ese lugar a priori inexpugnable.

alcatraz

Otros grandes clásicos son El expreso de medianoche, Cadena Perpetua, La gran evasión, Papillón, Evasión en la Granja o Fuerza bruta, protagonizada por Burt Lancaster, quien más adelante haría otro gran drama carcelario, El hombre de Alcatraz. Como vemos, hemos citado unas pocas dejando clásicos carcelarios sin nombrar, podéis hacerlo en los comentarios y así me refrescais la memoria.

Dannemora y la riqueza de sus personajes.

Uno de los grandes alicientes de la serie es el reparto. Patricia Arquette se ha llevado todos los vítores, Globo de Oro incluído. Pero el trabajo de actores como Benicio del Toro o Paul Dano, protagonistas de la fuga, no desmerecen para nada. Este es pues el punto fuerte de la serie junto a la dirección de Ben Stiller, realizador de los ocho capítulos. Stiller sorprende detrás de las cámaras regalándonos un quinto episodio magnífico que se situa como uno de los mejores de la temporada 2018.

fuga

A partir de ahora entraremos en algún TERRITORIO SPOILER. Hay dos grandes arcos argumentales, uno que va del episodio 1 al 4 y el segundo del 5 al 8. En el primero, más pausado pero sumamente interesante, vamos conociendo a los personajes. Tenemos a Richard Matt (Del Toro) y David Sweat ( Dano) prisioneros que han entablado una relación de camadería. Están en celdas contiguas. Por lo bien que conocen el entorno y a los presos entendemos que llevan años en prisión. Gene Palmer (David Morse) es el seguridad de la planta, tiene una relación empática con Matt, le permite ciertos «privilegios» por los que el preso debe pagar a Palmer. Y por último tenemos a Joyce «Tilly» Mitchell (Arquette). Ella es empleada de una fábrica de costura en la que los confinados trabajan. Ella es una mujer hastiada del trabajo, del matrimonio, de la vida. Ella mantiene relaciones íntimas con David Sweat desde una relación de superioridad ya que el no puede oponerse. Sin duda este aspecto nos muestra que para Tilly esas relaciones sexuales son su vía de escape de su propia prisión. Sin duda el personaje de Patricia Arquette es el mejor dibujado, tiene muchas capas y luego a nivel interpretativo la actriz se ha llevado todos los aplausos en uno de esos papeles que tanto gustan en las ceremonias de premios.

Escape at Dannemora 0 62091412 ver1.0 1280 720
Los presos fugados reales

En estos primeros cuatro capítulos la serie, a diferencia de lo que se pudiera uno imaginar, huye de la acción y la tensión para profundizar en la personalidad del trío protagonista, el como vivían día a día. Es en definitiva un relato intimista, hasta que surge la idea de la fuga. Personalmente considero el quinto capítulo como el más logrado sobre todo en montaje y dirección. Es el capítulo donde se produce la ansiada fuga. El espectador ha empatizado con los personajes a estas alturas deseando que la fuga sea un éxito y en los siguientes capítulos se da una patada al mismo espectador. Empatizabas con dos criminales y es que narrado en forma de flashback se nos muestra lo que condujo a que Matt y Sweat acabasen en la cárcel. Sin duda un gran golpe de efecto de la serie, todo un acierto en el montaje de la misma.

Valoración Final.

Varios son los puntos que me hacen destacar Fuga en Dannemora como una de las mejores series del pasado año. Por una parte el reparto. Es perfecto. Todos ellos brillan a gran nivel. Luego está Ben Stiller y su impecable dirección tanto en interiores como en exteriores en los capítulos de la fuga. Otro punto a destacar es la banda sonora. Suenan los hits de 2015 (año en el que se produjo la fuga) y la verdad es que no fue mal año para la música. En definitiva ocho capítulos que van en una tensión in crescendo. La serie que es del canal Showtime y que aquí ha emitido Movistar+, es mi recomendación desde ya.

Un saludo y sed felices.

poster dannemora

100% Marvel HC. El Castigador: El Pelotón. Castle y Ennis vuelven a Vietnam

El Castigador es un personaje curioso que desentona con lo que estamos acostumbrados a ver en los cómics de superhéroes y en sus adaptaciones audiovisuales. Aunque pertenece a Marvel, no tiene poderes ni cuenta con una tecnología prodigiosa a su disposición. No tiene identidad secreta, y sus villanos no van a la cárcel para volver dentro de treinta números, sino que los ejecuta sin piedad. Más que un superhéroe, El Castigador es uno de esos antihéroes de los setenta como Harry el Sucio o el Paul Kersey de Charles Bronson. Es una respuesta violenta y exagerada a las frustraciones que todos, de algún modo u otro, tenemos: Frank Castle es un padre de familia, veterano de Vietnam, que ve cómo su mujer y sus hijos son asesinados por unos mafiosos para silenciar un ajuste de cuentas. Un origen sencillo, pero muy anclado en la vida real: en muchas ocasiones sentimos, como Castle, que el Sistema no funciona, y que el mal queda impune con demasiada frecuencia.

Por eso, el irlandés Garth Ennis lo alejó del Universo Marvel y creó una continuidad distinta para contar sus mejores aventuras en el sello MAX de la editorial, destinado a contar historias enfocadas al público adulto. Nosotros mismos hemos comentado esta magistral etapa, que le otorga una dignidad al personaje que jamás había tenido y que trata temas muy diversos como la trata de blancas, las organizaciones mafiosas, el terrorismo, las cloacas del Estado… desde una óptica crudamente realista, y con un guión muy cuidado. En 2017, casi una década después del final de su etapa, volvería al personaje con El Castigador: El Pelotón, publicado por Panini en 2018. Aprovechando la llegada de la segunda temporada de su serie de Netflix, hacemos un repaso a esta miniserie de seis números que cuenta la historia del joven teniente Castle.

Un buen soldado

Garth Ennis siempre ha estado fascinado por el género bélico, que logra introducir en casi todas sus obras de un modo u otro, y El Castigador era el personaje ideal para ello. Por eso, guionizó la miniserie El Castigador: Nacimiento, en la que explicaba cómo ser el único superviviente de una masacre en Vietnam había forjado su dura personalidad. En esta ocasión, el autor nos narra el primer viaje de Frank Castle a este país, cuando todavía no tenía experiencia militar previa y era un tipo ya duro, pero con un idealismo optimista que haría fruncir el ceño a su yo del futuro.

el castigador valley forge las cosas que nos hacen felices

El irlandés consigue que este cómic funcione como un prólogo y, a la vez, un epílogo de su etapa. ¿Cómo lo hace? Fácil: el tebeo comienza con una reunión entre varios soldados de su antiguo pelotón y el autor de Valley Forge, Valley Forge, un libro en el que cuenta la historia de Frank Castle en Vietnam y que tuvo una importancia capital en el último arco de El Castigador: MAX. A través de la conversación que tiene con estos curtidos veteranos y de los flashbacks que la historieta introduce, vamos descubriendo algunos aspectos desconocidos del hombre que acabaría convirtiéndose en una implacable máquina de matar.

Las miserias de ambos bandos

En El Castigador: El Pelotón vemos el regreso del mejor Ennis, que trata temas controvertidos con una acidez y un realismo que, sin embargo, no impiden que el tebeo sea endiabladamente entretenido. Esto se debe en gran parte a los diálogos, en los que cada personaje se expresa no solo por lo que dice, sino por cómo lo dice. Solo al leer los bocadillos, vemos las diferencias entre los jóvenes soldados y los malhablados veteranos que comparten mesa con el escritor. Y, gracias a la acción, comprobamos el violento proceso que les llevó a convertirse en esos cínicos individuos. Ennis, como siempre, no se corta un pelo al mostrar la crueldad de la guerra. Aunque aquí no abusa tanto de la casquería, logra que el peligro de pisar una mina o de ser asaltado por un guerrillero del Vietcong sea palpable para el lector.

el castigador el peloton frank castle las cosas que nos hacen felices

Y, hablando de los soldados vietnamitas, el cómic se centra también en ellos, en lugar de insistir únicamente en la experiencia americana. Los antagonistas son tan humanos como los estadounidenses a los que combaten, y tienen sus propias razones para participar en esa cruenta guerra. Casi podríamos aventurar que Garth Ennis ha querido dejar al Castigador en un segundo plano, para centrarse en sus hombres y en el enemigo que tan desdibujado aparece en multitud de películas. Es cierto que la presencia de este justiciero empapa toda la obra, y que los soldados que sirvieron junto a él mencionan cómo ha cambiado desde entonces, pero él ya tuvo su ocasión de ser el personaje principal. Aunque se relatan elementos importantes de su desarrollo personal, el verdadero protagonista es Vietnam, y todo lo que supuso el conflicto. Este queda hermosamente retratado por Goran Parlov, que ya participó anteriormente en la colección de este antihéroe, y cuyo dibujo le va como anillo al dedo a las escenas descarnadas de combate.

Conclusión

El Pelotón no llega a alcanzar las cotas de calidad establecidas por la etapa de Ennis en El Castigador, quizás por falta de espacio y porque la historia no le deja utilizar la continuidad de un modo tan excelente como lo hizo en ese cómic. Sin embargo, sigue siendo mucho mejor que la mayoría de obras que se publican en la actualidad, y tiene ese sello inconfundible de identidad propia que le aporta el combo perfecto de autor y personaje. Un excelente aperitivo o postre para la segunda temporada de The Punisher y que, a juzgar por la primera, quizás sea más delicioso que el plato principal.

el castigador el peloton portada las cosas que nos hacen felices

 

Análisis de True Detective temporada 3. Episodios 1 y 2.

Bienvenidos a los análisis, capítulo a capítulo, de la esperada tercera temporada de True Detective, que HBO estrenó por todo lo alto con la muestra de los dos primeros capítulos. Tras Luisiana y California, estamos preparados para un nuevo caso en los Ozarks.

Análisis de la segunda temporada de True Detective

Comparativa primera y segunda temporada de True Detective. ¿Cuál es mejor?

LO QUE VIMOS.

1 2

Sin duda alguna, uno de los grandes fenómenos televisivos de la década fue la primera temporada de True Detective. Ocho capítulos, un caso criminal en un lugar pintoresco de Estados Unidos. Como protagonistas, dos actores (Matthew McConaughey y Woody Harrelson) que no pasaban por su mejor momento. Su creador, Nic Pizzolatto, fue el autor de un guión que combinaba la intriga criminal, el desarrollo sobresaliente de sus personajes y una ambientación tétrica y opresiva con ecos lovecraftianos. Todo ello bajo la elegante batuta de Cary Joji Fukunaga, director de la reputada serie Maniac, así como de la magnífica Beast of no nations o Jane Eyre.

El éxito, tanto de crítica como de público, fue inmediato, y HBO  tomo una decisión que (casi) nunca le ha venido bien: le entró prisa. Un año después, Pizzolato desarrolló una trama radicalmente diferente. Decidió innovar en lugar de perpetuar la forma del éxito mencionado. De dos protagonistas a cuatro con múltiples secundarios. Del Estados Unidos rural a la California urbanita. De sectas satánicas y superstición local a corrupción y droga. De un director para ocho capítulos a varios directores, lo que restó unidad a toda la segunda temporada.

El éxito, por definición,  puede apagarse de un soplido. La crítica fulminó a una segunda temporada que, tal vez, no mereció esa repulsión. La serie parecía enterrada con la decisión de Pizzolatto de tomarse un tiempo para encontrar la trama adecuada para una hipotética tercera temporada.

Y aquí estamos.

La primera temporada fue Pizzolatto en estado puro. Trama cocida a fuego lento. Monólogos nihilistas. Referencias a literatura gótica. Todo ello ensamblado con un guión ensamblado con contención y deudor de la obra maestra Seven, como podéis ver en este magnífico vídeo.

La segunda temporada fue Pizzolatto sin filtro. Trama lenta y liosa. Monólogos fuera de lugar en una localización más convencional. Nula contención. Donde otras series triunfan cuando sus creadores apuestan por innovar (veáse Sherlock o Peaky Blinders), True Detective fracasó parcialmente.

La cuestión es, ¿Qué Pizolatto veremos en True Detective III?

LO QUE VEMOS

3 2

Volvemos a los Estados Unidos rurales, pero no a Luisiana. Pizzolatto nos transporta a los Ozarks, una de las zonas más pobres del país, repleta de trabajadores de clase media-baja. La trama transcurre a lo largo de tres líneas temporales:

1980: Wayne Hays (Mahershala Ali) y Roland West (Stephen Dorff)investigan la desaparición de Will y Julie Purcell, dos niños fruto de un matrimonio disfuncional.

1990: Un abogado privado entrevista a Hays para recordar su versión del caso tras la demanda de la familia por la resolución del juicio y por un suceso que Hays niega.

2015: El presente. Un Hays con demencia incipiente es entrevistado por una reportera de un programa de casos no cerrados.

Sí. Muchos habréis pensado lo mismo. Pizzolatto prácticamente ha calcado la estructura del primer True Detective, salvo algunas diferencias. En esta ocasión, toda la carga de la trama es sostenida por la magnífica y contenida interpretación de Ali. De momento, Dorff no cuenta con la profundidad equiparable a su compañero de reparto.

La ambientación es magnífica, igual de opresiva que en la primera temporada aunque sin el encanto de esta. Los Ozarks es una zona de gente pobre, de cobertizos, de torres de guardabosques oxidadas y de gente seria, de pocas palabras. Ya lo dicen en un momento de la serie, “no me puedo ir pero tampoco me quiero quedar”. Es la Estados Unidos post Vietnam, donde muchos veteranos vuelven a una zona donde trabajar es la única opción. Son como fantasmas en vida. Incluso Amelia, la profesora que, posteriormente, se convertirá en esposa de Hays, era una idealista que recibió un bofetón de realidad durante la Universidad y tuvo que volver a su pueblo natal.

La trama transcurre lenta pero a buen ritmo, especialmente en el primer capítulo. No hay monólogos. Todo lo que hay que decir se dice con la mirada. Hay mucho que contar pero no se ven capaces de decir nada. En este sentido, tiene menor vocación de trascendentalidad que las dos primeras temporadas. No hay nihilismo expresado en True Detective III. Si acaso, mucho trauma escondido.

LO QUE VEREMOS

2 2

¿Qué nos pueden ofrecer los seis próximos episodios? Por lo pronto, no volveremos a ver al interesante Jeremy Saulnier (Green Room, Noche de lobos), que abandonó el proyecto antes de tiempo. El resto de episodios serán dirigidos por Nic Pizzolatto y Daniel Sackheim, reputado director de televisión de series como Juego de Tronos, Ozark o The Americans. Saulnier ha conseguido imprimir ese tono oscuro y asfixiante, aunque no deja ninguna escena ni plano memorable a lo Fukunaga.

Desde luego, no parece que True Detective III busque sorprender. De hecho, no tendría ningún sentido. Más bien pretende asentar el fenómeno, no elevar el listón como intentó en la segunda temporada. Esto, lógicamente, deja un pequeño poso de decepción. El calco en el planteamiento hace que, una vez más, sea inevitable la comparación con la primera temporada. De momento, pierde.

Quedan muchas incógnitas por desvelar. La chica está viva y, desde luego, algo ocurrió entre su padre y ella en 1990. Queda por saber a quién culparon erróneamente en 1980. ¿Qué simbolismo tienen esas muñecas deudoras de los símbolos satánicos de Luisana? Lógicamente, tampoco conocemos al asesino. Pero, lo más interesante, es que el narrador es un Hays con demencia y, por tanto, un narrador no fiable. ¿Qué impacto causará esto en True Detective?

Un saludo y sed felices!

Nos leemos la semana que viene!

Novedades Minotauro para febrero 2019

0

Ya tenemos las novedades del mes de febrero de 2019 de Minotauro. Los mejores libros del género en español.

El pdf después del texto que nos ha facilitado la editorial.

Como Philip K. Dick dijo (o puede que dijese), “todo en esta vida dura un momento”. Así, ya nos toca hablar sobre las novedades Minotauro para febrero, un mes con 5 novedades, repartidas en dos fechas de salida:

5/2/19

· LOS CAMINANTES 2. NECRÓPOLIS. Reedición de la segunda parte del universo zombie de terror de Carlos Sisí, celebrando así el décimo aniversario de su inicio.

· METRO 2035. EDICIÓN BOLSILLO. Con esta novela, Dmitry Glukhovsky prosigue la fascinante y siniestra historia de un mundo postapocalíptico, tras Metro 2033 y Metro 2034.

19/2/19

· TORMENTA DE GUERRA 1. Primera entrega de The Realmgate Wars, una serie de narraciones cortas y trepidantes de Age of Sigmar (Mundos Warhammer).

· LA LEYENDA DE SIGMAR. El primero de tres ómnibus donde se cuentan los orígenes de la nueva Era de Warhammer Fantasy.

· RAVENCRY 2. Segundo libro de la saga La marca del cuervo, que retoma la historia que comenzó con la galardonada fantasía épica de Blackwing.

Un saludo y sed felices

Teaser de Cazafantasmas 3. Si, vuelven en 2020

Para muchos, una alegría. Los Cazafantasmas, los auténticos, los de los años 80 vuelven en una tercera parte en verano de 2020. Sin desmerecer en nada la cinta de 2016 de Paul Feig, esta película que se espera para verano de 2020 ya ha lanzado un teaser, nada revelador a las RRSS. Ya advertimos que no hay nada significativo, aunque si una imagen que vale para abrir el apetito de los más fans de la saga.

Sin duda una cinta a la que se espera que los actores clásicos vuelvan. Nos estamos refiriendo a los actores como Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson. También tendríamos ganas de ver de nuevo a Sigourney Weaver o Rick Moranis en la película. El actor Harold Ramis que interpretaba a Egon Spengler lamentablemente murió en 2014, por lo que nunca podremos tener el elenco original al completo.

Os dejo a continuación el teaser. Como os dije antes no aporta nada, pero que seguro que os alegrará a más de uno. Ya es oficial. Verano de 2020.

https://www.youtube.com/watch?v=hDkk5n-RJww

Un saludo y sed felices.

Novedades ECC Ediciones Marzo 2019

Ya tenemos las novedades de marzo de 2019 de ECC Ediciones.

Os dejamos a continuación la nota de prensa con el correspondiente PDF con todas las novedades.

Hola a todos:

Con tan solo hacer clic en el siguiente enlace, descubriréis todas las novedades que ECC Ediciones os tiene preparadas para el próximo mes de marzo:

http://www.ecccomics.com/ComunicadosNovedades/201903_ComunicadoNovedades.pdf

Marzo es el mes en el que daremos el pistoletazo de salida a la esperada serie Héroes en crisis, obra de uno de los guionistas contemporáneos más exitosos y aclamados. Nos referimos, claro está, a Tom King, autor también de recientes éxitos como Batman: La boda, Mr. Milagro o Omega Men, obra de la que en marzo lanzaremos también una edición en formato cartoné.

También en marzo daremos inicio a otra esperada serie, en este caso la reedición de la imprescindible etapa de Grant Morrison al frente de la serie Batman, que forma parte de un proyecto del que pronto os daremos más detalles y que consiste ni más ni menos que en recuperar la trayectoria moderna del héroe de Gotham, empezando por la etapa de Grant Morrison y finalizando en la reciente etapa del ya mencionado Tom King.

Novedades ECC Ediciones Febrero 2019

Novedades ECC Ediciones Enero 2019

Novedades ECC Diciembre 2018

Novedades ECC Noviembre 2018

Novedades ECC Octubre 2018

Novedades ECC Septiembre 2018

Novedades ECC Agosto 2018

Novedades ECC Julio 2018

Novedades ECC Junio 2018

Novedades ECC Mayo 2018

Novedades ECC Abril 2018

Un saludo y sed felices

Crítica de Revenger: Netflix nos lleva a una isla llena de asesinos en una de artes marciales coreana

Ya estoy aquí fiel a la cita con el último estreno cinematográfico de Netflix. La verdad es que no pensaba verla porque la película de nacionalidad coreana ha llegado a la plataforma en V.O. y no me apetecía mucho ponerme a leer, pero tras ver los primeros cinco minutos percibí lo que a la postre iba a ser una realidad, la cinta apenas tiene diálogos por lo que su visionado en versión original con subtítulos en español se hace llevadero.

En este caso no os puedo traer ficha técnica porque a día de hoy en IMDb apenas hay tres nombres y no se a que actores pertenecen, si acaso el del actor protagonista Bruce Khan, presentado en el tráiler como el maestro de las artes marciales. La película, de nacionalidad coreana, es un cliché continuo. Un policía pierde a su familia a manos de la mafia, así que al más puro estilo Punisher se toma la justicia por su mano. Tras matar a la mafia, es declarado nuestro protagonista culpable por diversos asesinatos a sangre fría yendo a parar a la Isla

poster rev

Cárceles inexpugnables en el cine.

La isla es donde van los convictos y parece que para no volver nunca a la civilización. Esta premisa de una cárcel diferente e inhóspita ya la hemos visto en otras ocasiones. En Escape de Absolom (1994) Ray Liotta tenía que sobrevivir  en una isla selvática donde los presos más conflictivos se veían abandonados a su suerte. Robbins (Liotta) se enfrentaba allí contra una sociedad salvaje y primitiva, los presos más terribles y los demonios de su pasado. Del 2007 es la producción de la WWE Studios, La Isla de los Condenados. Protagonizada por Steve Austin en la que interpreta a un condenado a muerte que es llevado a un reality show en una isla desierta. Pronto descubrirá que no está solo y que debe luchar a muerte contra otros nueve asesinos. Un violento y sangriento concurso visto en todo el mundo a través de internet. En el 2015 la película conoció una secuela en la que Randy Orton era el protagonista. En el 2012 vimos una entretenida pero fallida película espacial. Basada en una historia del visionario (ejem) Luc Besson nos llegó MS1: Máxima seguridad, en la que Guy Pearce va en misión de rescate en una prisión experimental en el espacio, donde están encerrados los 500 criminales más peligrosos de la Tierra. Y del 2013 es Plan de Escape, la película que nos traía por fin juntos a Arnold Schwarzenegger y Silvester Stallone. Una divertida por momentos película carcelaria con elemento sorpresa por donde estaba ubicada la prisión que retenía a nuestros dos protagonistas. Paso de ponerlo por aquí que es spoiler. Esta cinta a lo mejor no lo sabéis pero ha conocido dos secuelas (2018 y 2019) con Dave Bautista de coprotagonista y es que el bueno de Stallone se pasó de forma inadvertida al cine de serie b alternándolo con superproducciones venideras como Creed II o Rambo V.

escape plan 2 hades 555086814 large
Ejem

Artes Marciales en una isla llena de asesinos.

Como vemos la premisa no es nada del otro mundo y mucho menos original, por lo que la cinta recurre rápidamente a la acción. Nuestro protagonista es abandonado en la orilla de la isla y allí mismo verá lo caro que está la supervivencia. Las motivaciones del ex-policía pasan por acabar con la vida de su enemigo. Por lo que irá eliminado como si fuera un videojuego a distintos clanes para llegar hasta él. En el camino confraternizará con una niña. Al ser una historia tan simple y no saber nada de los personajes no hay forma de empatizar con ellos. La presencia de una niña adolescente en una isla carcelaria es también digno de analizar.

Si en el aspecto de la historia la película no puede ser más simple y anodina, sucede lo mismo en su punto fuerte que es la acción y las espectaculares coreografías. En este sentido la película de 100 minutos de duración cansa un poco. Al no tener apenas historia la cinta nos va llevando por distintos paisajes donde nuestro protagonista va venciendo a sus enemigos con coreografías irregulares en las que se alternan algunas espectaculares con otras muy poco conseguidas.

rev

Valoración Final.

El cine de artes marciales está viviendo momentos de gloria gracias a lo que nos llega de Oriente, sobre todo desde The Raid, Redada Asesina y su secuela. Bien es cierto que se esperaba más de The night comes from us del pasado año y que comparte con esta que es una A Netflix original film, pero ambas quedan deslucidas por lo floja de la historia y por lo descuidado de alguna de sus espectaculares coreografías que acaban estropeando el producto final. Es Revenger una floja película de artes marciales que puede valer para un domingo por la tarde si no tienes nada mejor que hacer, te la pones mientras estás con otra cosa y no pasa nada; pero como película de género es anodina y no será recordada.

Un saludo y sed felices.