Lo reconozco, llego un poco tarde. Con tanta plataforma de streaming e inmerso en el análisis capítulo a capítulo de esa soberana castaña que es El simpatizante, he tenido la oportunidad de ver Mi reno de peluche, ese fenómeno (uno más) de Netflix que dio tanto que hablar durante unos días. Como suele ocurrir con todo fenómeno ahora, que es más corto que el recorrido de la Blackberry, apenas se habla de ella, pero aquí estoy yo para, aconsejado por mi estimado compañero Pedro, que realizó la crítica de la serie, elaborar un humilde y subjetivo (como no) análisis psicológico de una serie que ha dado mucho que hablar.
Por lo tanto, esta no es una crítica de la serie Mi reno de peluche. Es más, no recomiendo que se lea este artículo porque, básicamente, vamos a diseccionar lo que ocurre en ella y os puede estropear la experiencia.
Además, como en todo análisis psicológico, está sometido al tipo de terapia en el que uno está formado, a la categoría a la que pertenece (no soy psicólogo, sino psiquiatra) y a las propias experiencias vitales de las personas con las que ha tratado y que uno mismo ha experimentado. Es decir, que tal vez sea un artículo que aporte poca luz porque la mente humana sigue siendo un enorme agujero negro para todos nosotros.
Mi reno de peluche es una serie triangular, marcada por una relación entre dos personas y, lo que no es menos importante, la adaptación de esta relación por una de las dos partes implicadas.
Digo esto porque Mi reno de peluche es una serie extraña no solo por su concepción dramática, sino porque el creador, escritor y protagonista de la serie fue el que sufrió el acoso que luego relató en un monólogo posterior. Este hecho puede ser visto de forma admirable. Al fin y al cabo, expone sus miserias como persona a todo el mundo.
Sin embargo, no todo el mundo es capaz de hacerlo sin una buena razón. Hablamos de un cómico, Richard Gadd, que ha utilizado su propia vida, con todo lo bueno y malo que ello conlleve, para hacer reír a los demás. Es un gesto frecuente escribir una historia con detalles y tintes de la vida de uno mismo con el fin de ayudar a los demás. Pero el hecho de que Gadd se haya basado (según él) fielmente en su propia historia habla no solo de la intención de exponer un mensaje, sino de la de necesidad de que el mundo hable de sí mismo. A su modo, ya desde su concepción, Mi reno de peluche es un fascinante ejercicio de exposición narcisista. Lo que ya nos da una pista de la forma que tiene Gadd, nuestro protagonista, de relacionarse con el mundo.
Ahora nos centraremos en la relación entre Martha y Donny.
Mi reno de peluche, más allá de su tono y del realismo de lo que refleja, tiene una narrativa en reloj de arena. Lo que empieza siendo la típica trama de acosador y acosado pivota a partir del cuarto episodio, creciendo poco a poco nuestro entendimiento sobre la acosadora y el desconcierto con el acosado.
¿Por qué ocurre esto? Martha es una persona que sufre un tipo de erotomanía, la creencia imposible e irrebatible a la razón de que una persona está enamorada de ella. Es decir, un delirio.
Por lo que podemos ver en la serie, este tipo de idea es redundante en la vida de Martha, denunciada anteriormente por acoso a otros hombres a los que se acercaba pensando que era mutuo. Este síndrome es conocido clásicamente como delirio de Clerambault y, normalmente, afecta a personas que, exceptuando su pensamiento delirante sobre la otra persona, tienen una vida totalmente normal. Como curiosidad, os recomiendo la notable El intruso y, sobre todo, la estremecedora Solo te tengo a ti.
En el caso de Martha, no solo muestra claras señales de erotomanía, sino también de lo que conocemos como pseudología fantástica. Es decir, la necesidad de mentir sobre la vida de uno mismo para poder tener la atención de los demás. Solo así se explica su tan cutre como incansable intento de insistir sobre su condición de conocida abogada y las fotos mal adulteradas de su perfil de Facebook.
Y queda claro que se conduce por la vida de una forma ajena a la sociedad que tenemos. No hay más que ver su piso, la ausencia total de filtro social a la hora de mostrar su enfado con Donny o su forma de escribir, repleta de faltas de ortografía y letras permutadas. Martha se relaciona con el otro de forma literal y extrema. Como si fuera un bebé recién nacido que siente que lo tiene todo cuando es alimentado por su madre (o padre) y, que de repente, se le retira su sustento y se convierte en un ser humano sometido a un mundo hostil sin nadie que le proteja. Si el otro está presente, lo es todo. Si no lo está, le ha abandonado en territorio desconocido, por lo que es un ser odioso que no merece perdón. Sin poder definir a Martha con un diagnóstico (aún así, las personas somos mucho más que una etiqueta diagnóstica), podemos decir que la protagonista de Mi reno de peluche se conduce por la vida en la esfera de la psicosis.
A lo largo de estos siete episodios, nos terminamos acostumbrando a su comportamiento porque, por muy inapropiado y demencial que nos parezca, es coherente en todo momento. Tanto que termina por resultar predecible.
Lo de Donny es otra historia.
Hablamos antes del papel del protagonista de esta historia como creador de la serie, una suerte de particular exposición narcisista de sus propias miserias. Un enseñar los defectos de uno abiertamente a todo el mundo buscando que se hablen de ellos porque, en el fondo, se está hablando de uno mismo.
En este sentido, la mera existencia de Mi reno de peluche no deja de ser la expresión más extrema de las inquietudes de Gadd. Recordemos que, inicialmente, el protagonista aspira a ser cómico, a hacer reír con un tipo de humor poco convencional.
El comportamiento de Gadd, con sus peculiaridades, no deja de ser el del típico neurótico. Mientras que el psicótico se mueve en el todo o nada, la neurosis vive del deseo, del conseguir lo que nuestra moral pueda permitirnos y renunciar lo que no nos deje, aunque queramos poseerlo con toda nuestra alma, con lo que ello implica. Es decir, la inmensa mayoría de la sociedad actual.
Donny busca el reconocimiento de la gente a través de un particular tipo de comedia. Sin embargo, los abusos y violaciones repetidas de su “mentor” lo rompen psicológicamente.
Es conocido el efecto psicológico que puede llegar a producir el trauma de una violación. El dique psicológico que contiene la identidad de Donny se rompe y esta empieza a difundirse. El protagonista ya no sabe quién es y duda de todas y cada una de las decisiones que toma. Al fin y al cabo, en los valores instaurados en una sociedad neurótica, se supone que una persona debería defenderse de una violación. No debería haberse plegado a las peticiones de un hombre ejerciendo su poder por querer ser admirado. Y tampoco deberían gustarle los hombres siendo hombre.
Tras la violación, Donny se embarca en un viaje de sexo desenfrenado e incontrolable porque, a juicio de su mente (que no siempre es el mejor juicio), la única forma de restaurar su identidad atentada es controlando situaciones lo más parecidas posibles a la que sufrió. Controlar lo incontrolable.
Este viaje únicamente le conduce a un periodo de mayor confusión, de una nula autoestima porque es imposible querer algo que no se conoce ni se define. Es entonces cuando intenta retomar el rumbo de su vida sin tener todavía el control sobre sus propios afectos.
Solo así se explica que busque amor en una página de mujeres trans. Donny no puede reconocer que le gustan los hombres no solo porque a la sociedad le cueste aceptarlo, sino porque sería como reconocer que disfrutó ser violado por aquel hombre. En una solución mentalmente salomónica, busca lo que no tiene en personas nacidas con el género masculino cuya identidad de género es femenina. Obviamente, un parche que solo mantiene su confusión.
Es en todo este maremágnun de sentimientos contenidos cuando aparece Martha, la acosadora. Siendo una víctima, Donny siente repulsión por las conductas de esta pero, en el fondo, a una identidad rota le alivia el halago estable, el que le hagan sentir bien. El que alguien vea, de forma espontánea, lo bueno que uno tiene. Lo que uno ni siquiera sabe si tiene. Como me dijo un paciente al que atendí una vez, mejor perseguido que solo.
Paradójicamente, las idas y venidas de su relación con Martha son las que conducen a su propia catarsis en forma de monólogo. El convertir el indescriptible pensamiento en la más limitada palabra. Con ello, al convertir lo inasible en algo palpable, razona sobre ello y se permite intentar solucionarlo. Confesándolo a sus padres y (propio del protagonista) al mundo en forma de monólogo.
El final de la serie, con un Donny convertido en un reflejo de Martha, solo habla de la necesidad universal de amor que todos tenemos. Incluso cuando intentamos presumir de cómoda soledad creando o compartiendo publicaciones en redes, lo único que queremos es esa reacción del otro. Martha busca al otro de forma extrema y Donny está dispuesto a todo con tal de conseguir la aprobación de los demás, pero no dejan de ser versiones rotas de todos nosotros. Seres para los que la existencia sin el otro no es existencia.
Gracias a nuestros amigos de Astiberri ya podemos disfrutar del segundo y último volumen de Little Monsters, la nueva obra del tándem creativo Jeff Lemire – Dustin Nguyen que nos cuenta como es la vida de un grupo de niños vampiros en un escenario postapocalíptico.
El resumen de la editorial es el siguiente: Esta es la noche y estos son los niños. Romie. Yui. Lucas. Ronnie y Raymond. Billy. Bats. Vickie. El pequeño grupo de vampiros se ha dividido con la llegada de los humanos a las ruinas de la ciudad que llaman “su hogar” y su supervivencia final dependerá de su capacidad o no para trabajar juntos contra los humanos. Ante la certeza de que los mayores no regresarán, algunos de estos pequeños tendrán que dar un paso al frente para mantener al grupo unido.
Jeff Lemire y Dustin Nguyen, el equipo creativo premiado con el Eisner por las series Descender y Ascender, ponen fin con este segundo tomo a una serie valiente y atrevida que el propio Lemire ha definido como “El señor de las moscas con niños vampiro”.
En el primer volumen, Lemire se dedicó a presentar a los personajes y al mundo en el que viven, desatando el conflicto cuando nuestros protagonistas descubren la existencia de seres humanos más allá de los límites de la ciudad donde viven. Ahora ha llegado el momento de ver que supone esta nueva situación a la vez que salen a la luz los secretos que los vampiros mayores habían estado ocultando a los niños durante mucho, muchísimo tiempo.
La historia de este tomo se centra en ofrecer respuestas a los múltiples interrogantes que el autor había ido dejando en el anterior. Unas preguntas que no solo se hacen los lectores, sino que también atormentan a la mayoría de los vampiros protagonistas. Sólo uno, el más antiguo de todos, sabe que es lo que los mayores han ocultado a los niños y parece que ya ha llegado la hora de que sus compañeros conozcan toda la verdad.
Nos vamos a encontrar momentos de acción y tensión en el enfrentamiento que se produce entre los dos grupos en los que se ha dividido la comunidad de niños vampiros. Unos están enloquecidos después de haber probado la sangre humana, lo que los convierte en monstruos sedientos del líquido rojo, mientras que los otros se dedican a proteger a su amiga humana. Aunque tal vez el peso de la decisión de beber sangre sea demasiado alto…
Los momentos de acción hacen que el ritmo narrativo sea más alto que en el anterior volumen. El guionista se esfuerza por contarnos de manera rápida y eficaz todo lo que esta pasando, intercalando otra vez varios flashbacks que sirven para poner en contexto la personalidad de los personajes y para ofrecer respuestas manteniendo siempre el suspense y dosificando de manera genial la información para mantener el interés del lector.
Lemire siempre se caracteriza por el importante peso que tiene en sus historias el aspecto emocional de sus personajes. Por supuesto que eso tampoco va a faltar en este volumen, donde las emociones están a flor de piel, pero es cierto que se nota que el guionista esta interesado en ofrecer un relato con unas altas dosis de acción y misterio, algo que todo sea dicho de paso, también se le da muy bien.
Hay que señalar que este volumen supone el final de la historia de estos niños vampiros y el desenlace no puede ser más redondo. En esta ocasión los autores no han querido explayarse demasiado ya que parece que tenían muy claro la historia que querían contar y no se han andado por las ramas. Todas lo que va ocurriendo en la trama nos conduce de manera irremediable a ese final tan emotivo, triste y esperanzador a la vez.
En cuanto al apartado artístico, poco puedo añadir a lo que comente en la reseña del anterior libro. Dustin Nguyen sigue estando a un nivel altísimo, con un acabado brillante tanto en las escenas de acción como en los momentos más expositivos, logrando dotar a cada protagonista de una personalidad propia. La decisión de dejar atrás el efecto acuarela para usar un entintado fijo y tramas digitales hace que estemos ante uno de sus mejores trabajos.
En cuanto a la edición de Astiberri, este segundo volumen de Little Monsters recoge los siete últimos números de la colección (7-13) en un bonito tomo de 152 páginas encuadernadas en tapa dura que contiene además una pequeña galería de portadas alternativas. El precio de venta es de 22 euros.
En resumen, Little Monsters es una obra muy interesante en la que los autores saben jugar de manera perfecta con los tropos tanto de las historias de vampiros como de los escenarios postapocalípticos mientras crean una sensación de suspense que eleva muchísimo el nivel de la obra. Un gran guion, un dibujo perfecto y una historia corta pero intensa y muy bien cerrada… poco más se le puede pedir a un comic.
En dos días más se cumplen treinta años de que Pulp Fiction (1994) tuviera su estreno oficial en el Festival de Cannes. En nuestra sección de retro-análisis hacemos repaso de la disruptiva obra cumbre de Quentin Tarantino y analizamos las razones por las que hay un antes y un después de la misma.
Cuando hace dos años y medio me tocó hacer retro-análisis de La Naranja Mecánica (Stanley Kubrick, 1971), comenté que hay películas que marcan un quiebre en la historia del cine, ya sea por cambiar la forma de narrar, de filmar o ambas cosas, tal el caso de la que en aquel momento me ocupaba, como los de Tiempos Modernos (Charles Chaplin, 1936), Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941) o Pulp Fiction (1994). Qué mejor que aprovechar el 30° aniversario del estreno de esta última para hacer repaso de un filme tan disruptivo como no volvió a haber otro desde entonces.
¿Pero qué es lo que hace a la película deQuentin Tarantino tan única e innovadora? Fundamentalmente tres elementos: su particular manejo del tiempo, sus excelentes diálogos en apariencia pueriles y un maletín que es central en la trama, pero de cuyo contenido nada sabemos ni tampoco importa.
Si a ello sumamos la corrosiva atmósfera pulp a que hace referencia el título más un elenco impagable con algún rescatado del olvido y una banda sonora que remueve el polvo a vinilos largamente olvidados en un sótano, no exageramos al decir que estamos ante una obra sencillamente perfecta. Y lo irónico es que perfección es lo que menos busca…
Tarantino, de hecho, no es cineasta de formación académica sino autodidacta de videoclub. Su escuela fueron las películas B, las publicaciones pulp y la calle, lo cual no le impidió sin embargo nutrirse también del cine con mayúsculas y particularmente europeo: quizás no sea casualidad que Pulp Fiction fuera presentada por primera vez en Cannes.
Reservoir Dogs (1992), su primera película, se ganó a la crítica merced a su planteo minimalista y sadismo gore, sumado a que actores de la talla de Harvey Keitel, Michael Madsen o Tim Roth bajaran su cachet para estar en un filme de poco más de un millón de dólares de presupuesto. Algo le habrán visto a ese joven y desconocido director, pues ese es el tipo de concesión que se hace ante Woody Allen, los hermanos Coen o Jim Jarmusch.
La idea inicial de Tarantino era hacer uno o más cortos en colaboración conRoger Avary, pero encontrar quien produzca un corto es un problema y decidió pasar al formato largometraje haciendo que las distintas historias se tocasen entre sí.
Aun así, TriStar Pictures rechazó el guion por demasiado inentendible, demencial y violento, con personajes que volvían a aparecer después de muertos. En cambio, en Miramax, la idea cautivó desde un principio y así, con un presupuesto de ocho millones y medio de dólares, Pulp Fiction se convirtió en la primera película que el estudio financió por completo.
Para su equipo, Tarantino volvió a echar mano prácticamente de todos quienes le habían acompañado en Reservoir Dogs, lo cual incluía a Andrzej Sekula en fotografía y Sally Menke en edición. En cuanto al elenco, puede sonar hoy repleto de luminarias, pero con la única excepción deBruce Willis(que de todos modos venía de un par de fracasos), ninguno tenía en ese momento estatus de estrella…
El de John Travolta es uno de los mayores rescates de la historia del cine: contratado por poco más de cien mil dólares luego de que Michael Madsen (quien ya había estado en Reservoir Dogs), rechazara el papel de Vincent Vega por preferir sumarse a Wyatt Earp (Lawrence Kasdan, 1994), decisión que después lamentó. Y Daniel Day-Lewis, segunda opción, era caro…
Tampoco Samuel Jackson llegó de primeras al papel de Jules Winnfield. Tarantino había escrito ese personaje para Laurence Fishburne, que lo rechazó por considerar que el guion embellecía la heroína. La batalla se libró entre Paul Calderón y Samuel Jackson, pero aunque la audición inicial favoreció al primero, todo cambió en la segunda cuando Tarantino vio a Jackson actuar la escena final y ya no tuvo dudas. Calderón, de todos modos, terminó haciendo de barman y asistente de Marsellus (Ving Rhames).
En lo que respecta a Mia Wallace, la esposa de Marsellus, Tarantino siempre tuvo en claro que quería para el papel a Uma Thurman, con quien quedó tan impactado desde la primera audición que logró imponerla por sobre Holly Hunter y Meg Ryan, las preferencias de Miramax. No solo eso: la blonda, aunque con el pelo negro, terminó siendo imagen del icónico afiche de la película.
Pulp Fiction, como hemos dicho, fue estrenada el 21 de mayo de 1994 en el Festival de Cannes, donde se alzó con la Palma de Oro, y debutaría a partir de octubre en las salas cinematográficas de Estados Unidos y otros países. ¿Pero de qué trata? Veamos…
La Historia
Ups, vaya problema en que me he metido, pero ya es tarde: nada más difícil que contar el argumento de Pulp Fiction sin detalles ni spoilers por lo poco lineal de la película y la particular forma en que se entrelazan las subtramas, pero lo intentaremos…
La historia comienza con una pareja en un restaurante. Podría ser el inicio de una comedia romántica, pero Ringo (Tim Roth) y Yolanda (Amanda Plummer) son dos ladrones que, con cierto tono de desencanto, hablan sosegadamente sobre la conveniencia de abandonar los asaltos a supermercados porque las cajeras, mayormente extranjeras, ya ni siquiera entienden lo que les dicen.
Lo que él propone es cambiar de rubro y pasar a restaurantes, así que tras exponer sus argumentos, ambos sacan sus armas y amenazan a la concurrencia con una serie de improperios que, proferidos a los gritos por Yolanda, se volverán luego icónicos; todo ello mientras la escena se congela con fondo de surf-rock y no volvemos a ese escenario hasta el final.
Tras esa introducción, la trama se fragmenta en tres historias. La primera es la de Vincent(John Travolta) y Jules (Samuel Jackson), asesinos a sueldo que trabajan para un mafioso llamado Marsellus, de quien se dice que alguna vez arrojó a un tipo de un cuarto piso por masajearle los pies a su esposa. Después de una charla de antología en que el primero cuenta sus experiencias en Amsterdam poniendo el eje en McDonald´s y en los nombres que dan los holandeses a sus menúes de hamburguesas, nos enteramos que van en busca de unos sujetos que, al parecer, se han quedado con algo de su jefe.
Vincent, además, ha recibido el encargo de llevar a Mia (Uma Thurman), esposa de Marsellus, a un bar retro en donde se baila y hay émulos de Marilyn, Elvis, Jerry Lee Lewis y demás. Baile mediante, (también icónico), las cosas se acabarán complicando incluyendo sobredosis de heroína y, por supuesto, masaje de pies…
La segunda historia tiene que ver con un boxeador llamado Butch (Bruce Willis), de quien un flashback nos ilustra que recibió en herencia un reloj de oro que su padre se metió en el culo para ocultarlo de sus captores durante la guerra de Vietnam, llegándole el mismo a través de un compañero suyo (Christopher Walken) que también se lo escondió donde no llega el sol: una escena que sirve para entender la importancia que ese objeto tendrá para Butch y la historia que lo tiene en su centro.
Tras ganar una pelea que se suponía que debía perder e incluso matar literalmente a su contrincante, Butch planea escapar a Bora Bora o Tahití junto a su novia francesa Fabianne (María de Medeiros), pero las cosas no salen como estaba pensado porque ella, al momento de cargar el equipaje, olvidó el reloj…
A riesgo de su propia vida, Butch debe entonces regresar al apartamento para buscarlo y, en fin, no quiero contar demasiado, pero habrá un par de encuentros casuales con personajes de la historia anterior y todo acabará del modo más impensado en una tienda de empeños con violación, katana, máscara de cuero y pacto fuera de cálculo.
En la tercera historia, volvemos a Vincent (lo cual significa regresar el tiempo atrás) y a Jules, quienes logran hacerse con el maletín de Marsellus, en el cual nunca nos enteramos qué hay. En el medio ocurre un aparente milagro o al menos así es cómo lo ve Jules, que tiene un discurso místico y no para de recitar el libro de Ezequiel.
Tras dar cuenta de los desdichados que habían osado apropiarse del maletín, se llevan con ellos a un tal Marvin (Phil LaMarr) que aparentemente no tiene nada que ver con el asunto y, de camino en el auto, un hecho fortuito sin relación con nada acaba obligándolos a tener que visitar a un limpiador profesional de escenas de crimen al que apodan el “lobo” Winston (Harvey Keitel). Las circunstancias acabarán conduciéndolos al mismo restaurante del inicio y a otro encuentro casual, en este caso con la pareja de ladrones…
Tarantino y la Reinvención del Cine
Si hay algo más difícil que contar Pulp Fiction es encasillarla. Coexisten en la cinta el thriller, el cine de acción, el de gangsters, la parodia, el neo-noir, la comedia negra, el cine B y el posmoderno, pero ninguno de esos géneros la abarca por completo ni logran en conjunto dar cuenta del carácter inclasificable de la obra.
Y el hecho de que sea un filme absolutamente original y rupturista no impide reconocer en el cine de Tarantino claras influencias, siendo probablemente las de Martin Scorsese, David Lynch y los hermanos Coen las más reconocibles. Son detalles fortuitos los que impulsan la trama, pero no se trata de deus ex machina: los imponderables y casualidades no están puestos para dar forzado sentido a lo que se viene contando, sino más bien para quitárselo a lo que viene después, en una película que no pareciera seguir ningún eje y a la vez tener en claro lo que busca.
“Lo que se encuentra al comienzo histórico de las cosas no es la identidad preservada de su origen – dice Foucault al releer a Nietzsche -: es la discordia de las otras cosas, es el disparate”. No se puede resumir mejor el concepto detrás de Pulp Fiction. Es un disparate absoluto que se te escape una bala y mates a alguien por casualidad, lo mismo que encontrar un asesino a sueldo cagando en tu baño o que te cruces en un semáforo al mafioso que jodiste. O que caigas en el local de unos psicópatas que mantienen a un deficiente mental encadenado en el sótano.
Ese aparente desorden, esa discordia para ponerlo en términos de Foucault, acaba por ser un retrato de la decadencia del sueño americano, con lo que el filme no está exento de crítica social o política, pero no vienen con una etiqueta que las identifica como tales, sino que deben ser decodificadas en un contexto que cobra sentido a la luz de páginas y páginas de literatura pulp o toneladas de cintas de cine basura.
De modo semejante a lo que hiciera Alfred Hitchcock con Psicosis (aquí retro-análisis), Tarantino derriba la barrera entre el cine de autor y el comercial, pero de un modo mucho más corrosivo y acorde a los noventa, momento en que el cine se estaba volviendo aburrido y previsible de tan perfectas que se habían vuelto las películas. Y la mención a Hitchcock no es casualidad, ya que la escena en que Butch, escapando en auto, se cruza a Marsellus en el semáforo es claramente reminiscente de aquella en que Marion Crane se cruzaba en iguales circunstancias a su jefe (y también había un maletín).
El homenaje cinéfilo, de hecho, está por todas partes. La escena en que Vincent y Mia bailan al son de Chuck Berry muestra a Travolta parodiando a su propio personaje de Fiebre de Sábado por la Noche (John Badham, 1977), aunque ello parece haber sido idea del propio actor pues, según Tarantino, el baile ya formaba parte del guion antes de que él se sumara al elenco y la intención, en realidad, era homenajear a Jean-Luc Godard, de quien en sus inicios Quentin era admirador, como de la “nouvelle vague” en general.
“Godard es al cine lo que Bob Dylan a la música”, llegó a decir por aquellos días (casi una paráfrasis de aquel famoso crítico que afirmó que Phil Collins era a la música lo que Alfred Hitchcock al cine). La escena del baile, de hecho, homenajea al filme Banda Aparte (1964) y si Travolta la remitió de algún modo a su más emblemática película fue por cuenta propia. Asimismo, el look de Uma Thurman rinde tributo a Nana, personaje que interpretara Anna Karina en Vivir su Vida (1962).
Lo paradójico es que a Godard no le gustó Pulp Fiction y, vaya a saber si por “devolución de gentilezas” o qué, el propio Tarantino se desdijo de aquella reverencial admiración al afirmar hace algunos años que el francés ya había dejado de ser para él una influencia y que lo veía más bien como alguien que te puede impactar mucho cuando comienzas a filmar, pero no tanto al ir creciendo como cineasta.
Por supuesto que hay también marcas registradas del propio Tarantino, de quien, aunque tenía para ese entonces una única película dirigida, no hay que olvidar que también había tenido a su cargo los guiones de Amor a Quemarropa (Tony Scott, 1993) y Asesinos Natos (Oliver Stone, 1994), aunque esta última se estrenaría después de Pulp Fiction y renegaría de ella diciendo que Stone había destrozado su historia (de hecho, aparece apenas como crédito aislado).
La escena final del restaurante en la cual todos se apuntan entre sí es reminiscente de la escena también final de Reservoir Dogs y se puede encontrar al año siguiente en Marea Roja (Tony Scott, 1995), donde Tarantino tendría importante peso en el guion pero no aparecería acreditado por cuestiones contractuales.
Esa situación de todos contra todos en la que cualquiera puede ser muerto por cualquiera es la mejor definición posible de una sociedad anómica, marginal, violenta y obsesionada por las armas. Pero a diferencia de Oliver Stone, que prefiere en Asesinos Natos poner todo eso en boca de Woody Harrelson con un monólogo, Tarantino no subestima al espectador y deja que las cosas fluyan y hablen por sí solas. Pulp Fiction no es el tipo de película que pida disculpas o busque el mensaje moral; por el contrario (y volvemos a Nietzsche), hay una amoralidad que puebla todo el filme.
Lejos de dilemas éticos, los personajes de Tarantino se mueven cómodos en sus contradicciones y sin ser conscientes de ellas, como cuando Jules recita la Biblia camino de matar a un tipo. Y la conversación más pueril, sea sobre hamburguesas o sobre lo que es el episodio piloto de una serie, convive con las situaciones más escabrosas. Al igual que si trabajaran en una oficina, no hay para Vincent y Jules motivo para no hablar de esas cosas en medio de su rutina.
Y en los brillantes diálogos, justamente, reside buena parte de la fuerza del filme. En su aparente carácter liviano y pueril, las conversaciones discurren de modo tan natural que cuesta creer que estén guionadas pero, por sobre todo, crean una apariencia de normalidad que engaña y hasta adormece al espectador, provocándole la sensación de que nada malo puede ocurrir. No es cine experimental ni surrealista en el que pueda pasar absolutamente cualquier cosa en cualquier momento y al espectador le termine quizás dando lo mismo: es echar mano a algo inesperado para subvertir la aparente normalidad, concepto bastante deudor de David Lynch.
Las actuaciones, desde ya, son el complemento perfecto para que ello ocurra, componiendo Travolta y Jackson a una de las mejores duplas de la historia del cine. El primero entrega una actuación formidable que le devolverá a su lugar de estrella, pero ahora con el elogio de la crítica y hasta una nominación al Oscar, mientras que en su primera etapa de éxito había sido solo un muchacho guapo y sin grandes cualidades como actor (aunque para el tiempo de filmar Pulp Fiction venía ya mostrando una aceptable evolución en las películas de la saga Mira quién habla).
En cuanto a Jackson, compone a un personaje sencillamente genial, capaz de introducir el tono místico en su discurso criminal o entender literalmente como milagro que no le haya dado ninguna bala tras ser tiroteado a quemarropa por un sujeto tan asustado como descontrolado.
El manejo del tiempo es otro de los elementos novedosos. Recuerdo murmullos en la sala de cine al reaparecer un personaje supuestamente muerto. Es que la forma particular en que la película está narrada y las distintas historias se van entrelazando nos lleva hacia adelante y hacia atrás al punto que la escena final no se corresponde, temporalmente hablando, con lo más “reciente” . Una influencia que se transmitirá a mucho del cine posterior y basta para muestra la intrincada estructura temporal de Memento (Christopher Nolan, 2000).
El maletín, por otra parte, es el gran MacGuffin de la película: un objeto cuyo contenido nada importa, por lo que si alguien no ha visto el filme y se queda a la espera de que el enigma se resuelva al final, vaya sabiendo que Pulp Fiction no es ese tipo de película. Es el objeto que ayuda a mover la trama como también lo hace el reloj de oro en la historia puntual de Butch que, de paso, sirve de analogía para el particular manejo del tiempo en la película. Incluso cuando baja a buscar la katana en la tienda de empeños, el lugar está repleto de relojes.
La Música
Una de las particularidades de Pulp Fiction es que no se compuso ninguna música especial para el filme. Simplemente Tarantino se dedicó a revolver su discoteca y sacar a relucir vinilos olvidados. Y si bien se suele relacionar a la película con el surf-rock californiano, dicho género solo suena en tres momentos específicos con Dick Dale & His Del-Tones, The Tornadoes y, ya con la escena y créditos finales, The Lively Ones, obedeciendo al hecho de que Vincent y Jules están vestidos con camisetas de playa y shorts de baño, únicas ropas que encontraron al momento de tener que mudar las suyas propias por estar ensangrentadas.
Pero hay mucho rock n´roll, soul o funk, sonando Chuck Berry, Dusty Springfield, Al Green o Kool & The Gang en un repertorio mayormente anclado entre los cincuenta y setenta, donde lo mas contemporáneo es Urge Overkill que, de todas formas, entrega un cover de Neil Diamond de 1967 (Girl, You´ll be a Woman soon) para acompañar el desquiciado baile en solitario de Uma Thurman, casi tan icónico como el compartido con Travolta.
Suenan en total veinte canciones, pero el álbum incluye trece. Por cierto, el mismo se convirtió en todo un éxito y piezas largamente olvidadas sonaban de repente por las emisoras como hits recién salidos del horno.
Valoración y Legado
A partir de Pulp Fiction la jerga cinematográfica incorpora un término nuevo: tarantiniano (o tarantinesco). El tipo de adjetivo que, no aceptado por la RAE, se suele reservar para genios como Chaplin, Hitchcock y Fellinio, saliendo del cine, Kafka, Borges, Shakespeare, Wagner y Freud. Y no me digan que nunca han escuchado decir chaplinesco, hitchcockiano, fellinesco, kafkiano, borgiano, shakesperiano, wagneriano o freudiano. Es algo que solo ocurre cuando la referencia es tan fuerte que crea escuela o estilo y tienes que ser realmente revolucionario para que a tu apellido le agreguen una terminación a modo de sufijo.
Cuando uno ve una película tan maravillosa y sin concesiones como la brasileña Ciudad de Dios (Fernando Meirelles y Kátia Lund, 2002), reconoce claramente elementos tarantinianos, como la falta de linealidad, el particular manejo del tiempo o el delincuente que cree tener una revelación divina. Y así muchos ejemplos más…
Pero además el estilo Tarantino ha incluso reinfluenciado a sus propios maestros. Ya hemos hablado en otro retro-análisis de la fresca huella de Pulp Fiction en Casino (Martin Scorsese, 1995) y tenemos también el caso de los Coen en Quemar después de leer (2008), donde, cambiando auto por closet, hay también una muerte inesperada y prácticamente accidental con un disparo en la cabeza.
También podemos reconocer en Pulp Fiction muchos guiños a futuro en relación con la propia carrera de Tarantino. Vincent dice estar cansado de una vida de crimen y que quizás acabe por largar todo y andar de un lado a otro como el protagonista de Kung Fu: un perfecto adelanto de Kill Bill (2003), para la cual el director convocaría justamente a David Carradine, protagonista de aquella legendaria serie de los setenta. Y la katana que encuentra Butch en la casa de empeños está también, nueve años antes, anunciando la misma película.
El fetiche de los pies, un tema largamente transitado al hablar de Tarantino, llegará al deliberado paroxismo en Death Proof (2007), de la cual pueden leer aquí el retro-análisis de un servidor. Y las tomas en que, durante buena parte del filme, se enfoca a Marsellus desde la nuca, volverán a repetirse con el mismo actor (Ving Rhames) en Sin City (2005), película dirigida por Robert Rodríguez que tendrá a Tarantino como productor y de la que también, a riesgo de ser reiterativo, invito a leer mi retro-análisis.
No es para sorprenderse que la Academia de Hollywood haya decidido entregar a Forrest Gump el Oscar a mejor película por sobre Pulp Fiction. Que no se malentienda: el de Robert Zemeckis es un bello filme (y con curiosa coincidencia en cuanto a tener un repertorio musical retro), pero es a todas luces una película mucho menos subversiva y capaz de llegar emocionalmente a un público más amplio.
Pulp Fiction tuvo siete nominaciones al Oscar: película, director, actor principal, actor de reparto, actriz de reparto, montaje y guion original, única categoría en la cual salió vencedora y tampoco es para sorprenderse, pues cuando la Academia se topa con una película distinta e innovadora pero que posiblemente no guste a madres de familia, se quita culpas de encima entregando la estatuilla a mejor guion, compartido en este caso entre Tarantino y Avary.
Pulp Fiction es una película que vino a subvertir el cine en un momento en que se había vuelto demasiado perfecto y, si le creemos a Aristóteles, toda virtud puede por exceso convertirse en vicio o defecto, en este caso el del aburrimiento…
No es exagerado, por lo tanto, decir que con esta película Tarantino reinventa el cine y tal pensamiento cobra actualidad en el momento actual en que, una vez más, el mismo se está volviendo aburrido merced a lecturas unilineales y mensajes compulsivos y forzados. Quizás sea la hora para que llegue el nuevo Tarantino…
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Odisea Cósmica. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Simplemente tengo que decir que los autores son Jim Starlin y Mike Mignola. Ya está; con esto debería acabar el artículo. Y es que hablamos de dos de los mayores artistas que ha dado el mundo del cómic americano de todos los tiempos.
Odisea Cósmica es una gran obra, una obra entretenida que como su mismo nombre indica es una odisea espacial. Pero si algo tengo que decir malo o contraproducente es que cuando lo acabamos de leer, nos queda un regusto amargo. Y no es porque el cómic, o la novela gráfica como ahora gusta llamarla, sea mala. Al revés: es una gran obra, como antes hemos dicho. Es porque sabemos que Odisea Cósmica podría haber dado mucho más de si.
En Odisea Cósmica tenemos de todo, pero condensado, y al tenerlo en poco espacio de tiempo, se pierde que sea más épica. O yo lo veo así.
Tenemos a los grandes héroes de la Tierra, a los nuevos dioses y a Darkseid. Que si alguien no lo conoce es el equivalente a Thanos en el Universo DC, por poner una referencia que creo que todo el mundo puede relacionar. Pero el problema no es la obra en sí; el problema es el planteamiento de DC. Me explico…
Si esta obra fuera gestada en Marvel sería muy diferente. Y voy a poner el ejemplo de la saga del Infinito porque el autor es el mismo: Jim Starlin.
En esa saga todo empezó justamente con el Guantelete del Infinito. Al principio, la resurrección de Thanos tuvo lugar en la colección de Silver Surfer (Estela Plateada) y esa epopeya duró varios números. Pero no solo eso, sino que luego Marvel creó dos novelas gráficas independientes llamadas Thanos Quest donde se veía cómo el villano iba adquiriendo las siete gemas del infinito, para volver a la colección de Silver Surfer y demostrar todo su poder. Y este preámbulo duró medio año, haciendo que los fans fueran saboreando la esencia de la historia, y además, pudiendo profundizar en los personajes y sus motivaciones.
Pero después de eso, se las agenciaron para sacar una serie limitada de seis números, nada más y nada menos, donde todos los héroes y grandes seres cósmicos se enfrentaban a esta gran amenaza. Y para darle más transcendencia a todo este batiburrillo, la mayoría de las series Marvel tenían algún cross-over con este gran evento, involucrando así al 100% a su propio universo y agrandando la leyenda. Así nacen y se hacen los grandes eventos que tienen repercusión en las compañías.
Sin embargo DC, en muchas ocasiones no ha sabido vender sus productos tan bien como Marvel. DC tenía en Odisea Cósmica su propia saga del Infinito. Tenía los autores, los personajes y los materiales. Pero no; DC lo acotó a una serie limitada de cuatro números sin repercusiones antes o después en las demás series regulares. En definitiva, DC hizo estos cuatro números sin contar con el resto de las colecciones de la editorial, haciendo que esta gran obra se perdiera entre tantas otras dentro del océano de DC Comics.
Tened por seguro que si Odisea Cósmica se hubiera planteado como una gran saga Marvel, posiblemente estaríamos viendo en la gran pantalla una película o una serie de películas sobre este cómic. Pero DC volvió a dejar coja una gran historia cósmica, con grandes héroes y villanos sin repercusión sobre el resto de su universo.
Odisea Cósmica podría haber sido un equivalente a la saga del Infinito en Marvel. Una gran obra de acción, divertida de leer, pero sin repercusiones posteriores. No obstante, merece la pena leerla.
Darkseid, el tirano de Apokolips, ha descubierto que hay algo aún más poderoso que él. A fin de derrotarlo, recurre a sus archienemigos de Nueva Génesis y recluta a los principales héroes de la Tierra. Así empieza un viaje cuyas consecuencias no son capaces de aventurar ni siquiera Superman, Green Lantern y sus compañeros. El guionista Jim Starlin y el dibujante Mike Mignola conforman el equipo creativo de Odisea cósmica, una obra que combina el característico estilo del segundo con el talento del primero para deslumbrar a los lectores con aventuras espaciales y grandiosas que enriquecen todos los universos que tocan.
Cuando Jack Kirby creó Apokolips, Nueva Génesis y a todos sus habitantes, no imaginaba que estaba inventando una mitología de la que se nutrirían durante décadas autores como Starlin o Mignola, que incorporaron los elementos de aquella guerra espacial a la vida de personajes tradicionales como el propio Hombre de Acero.
Shōgun es el programa más visto en FX y Disney +, y en principio estaba planificado para ser una miniserie. Y esto es así porque la serie adapta el libro completo de James Clavell a la pequeña pantalla. Recordemos que Shōgun ya tuvo una adaptación en la NBC en 1980, considerándose una de las mejores series de todos los tiempos. Pero debido al éxito total de esta nueva adaptación de 2024, FX ha anunciado que los socios creativos de Shōgun están desarrollando dos nuevas temporadas. La fuente es de la prestigiosa revista Variety.
Para muchos Shōgun es el equivalente a Juego de Tronos en la plataforma de Disney +, por lo que no es de extrañar que de alguna manera u otra se quiera estirar el chicle. Desde Las cosas que nos hacen felices hemos analizado capítulo a capítulo toda la temporada 1 de esta serie. Puedes leer todos los análisis aquí.
Justin Marks y Rachel Kondo, que son los creadores y guionistas, junto a Michaela Clavell y el protagonista Hiroyuki Sanada (en el papel de Yoshii Toranaga) parece que ya está implicados en el desarrollo de los nuevos capítulos.
“continuarán la saga que probablemente producirá dos temporadas más”.
Aún no hay más detalles, ni se sabe cuando empezará la preproducción, sólo que el equipo de guionistas empezará a trabajar en este proyecto este mismo verano. Pero a diferencia a la primera temporada, esta vez no tendrán un libro en el que basarse. Serán historias nuevas creadas por ellos mismos. Espero que den la talla. Lo que parece claro es que las plataformas de streaming no quieren dejar morir este maravilloso mundo del Japón feudal que tantos éxitos les está dando.
La editorial Celaeno Books ha sacado en Verkamiel segundo crowdfunding de Lobo Solitario, el librojuego más famoso de la historia. Este crowdfunding ya ha batido el récord en la sección juegos de Verkami de todos los tiempos. Desde Las Cosas que nos hacen Felices nos hemos querido sumar a esta iniciativa y dar a conocer esta campaña para los noveles, así como también para los más veteranos, que en los años 80 disfrutaron de esta manera de entretenimiento.
¿Qué es un librojuego? Si entras en la plataforma de Verkami verás que dice algo así como: «Según la definición tradicional, un librojuego sería todo aquel libro que involucra al lector en la toma de decisiones del protagonista, ya sea mediante la decisión simple o mediante la aplicación de mecánicas de reglas.»
Los librojuegos fueron tan famosos en los años 80 que se llegaron a vender más de 250 millones de ejemplares en todo el mundo. Pero poco a poco y con la llegada de los videojuegos, su popularidad fue disminuyendo hasta quedarse en cifras pírricas.
Pero parece que desde hace algún tiempo se está produciendo un impulso a nivel mundial sobre este producto. Ojo, a años luz de cualquier industria relacionada con otros tipos de entretenimiento, pero un impulso que hace que los libros de este estilo sigan vigentes.
Celaeno Books ya sacó en 2022 el primer crowdfunding de Lobo Solitario batiendo todos los récords, y en enero de 2024 el primer crowdfunding de La búsqueda del Grial, otra serie de librojuegos muy famosa en los años 80. Y parece que va para largo porque saldrán nuevas series como Brujos y guerreros (mi favorita de todos los tiempos) y Lucha Ficción. Por tanto da la impresión de que los librojuegos siguen gustando a gran parte de las antiguas generaciones y están al menos abriendo un caminito entre las nuevas.
En este crowdfunding de Lobo Solitario tenemos completa la saga del Magnakai, que incluye los libros 6 al 12 de la colección. Pero si estás interesado en entrar a este fabuloso mundo no te preocupes porque además de poder adquirir estos libros, puedes también comprar los cinco primeros, con la saga completa del Kai, que narra los primeros pasos del Lobo Solitario.
Está todo pensado para que entres de lleno en el librojuego más famoso de todos los tiempos. Lo importante de esta edición en español es que está totalmente restaurada con portadas nuevas, traducciones nuevas y errores de la época subsanados. Una maravilla de nueva edición que parece que está calando entre los coleccionistas.
Además, por cuantía en la recaudación, los mecenas van recogiendo recompensas totalmente gratuitas, que hacen que tenga más sentido participar en este crowdfunding que bate récords en España.
Ya tenemos el tráiler de la temporada 2 de La Casa del Dragón, la famosa precuela deJuego de Tronos. El 17 de junio empezarán nuevas aventuras de la Casa de los Targaryen.
Por cierto, en Las Cosas que nos hacen Felices haremos un análisis semanal de todos los capítulos de la temporada 2, tal y como ya hicimos de la primera temporada. Desde aquí te instamos a que nos sigas semanalmente y comentes los capítulos con nosotros.
Recordemos que la primera temporada empezó con dudas, era una precuela de quizás la serie más famosa del mundo y, claro, eso generaba incertidumbre. Pero esas dudas se disiparon desde el primer instante gracias a los 20 millones de espectadores que tuvo el primer capítulo. Todo esto hizo que MAX (HBO) renovara automáticamente las historias contadas en la novela Fuego y Sangre. Además la crítica y el público han sido benignos con la serie dándole un voto de confianza a la producción y al guion. Parece que La Casa del Dragón gustó (que no entusiasmó) a la gran mayoría de los espectadores. ¿Será lo mismo con la segunda temporada?
Les dejamos a continuación el tráiler para España…
Y si no estás en España y no puedes visualizarlo, te dejamos aquí el tráiler para América Latina…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos las novedades de ECC Ediciones agosto 2024.
Seguimos celebrando el 85 cumpleaños de Batman en verano. Anticipándonos al clásico Batman Day de septiembre, hemos preparado dos novedades muy esperadas por los seguidores del Hombre Murciélago y del cómic de superhéroes en general: Batman/Joker: La carta ganadora, de Tom King y Mitch Gerads y Batman: La Edad Oscura, de Mark Russell, Mike Allred y Laura Allred. Equipos creativos de referencia que nos ofrecerán una visión innovadora del icono de Gotham City.
Completan los lanzamientos del sello DC títulos como Liga de la Justicia vs. Godzilla vs. Kong o Green Lantern, en su debut en El Amanecer de DC. Recuperamos imprescindibles de la talla de Crisis de Identidad o el Green Arrow de Jeff Lemire y Andrea Sorrentino, mientras que en ECC Pocket damos continuidad a la edición de bolsillo de Predicador y a sagas como DCsos y Antes de Watchmen, entre otros títulos.
En ECC Cómics, llegamos al desenlace del primer arco argumental de w0rldtr33, de James Tynion IV y Fernando Blanco. El guionista estadounidense también forma parte del equipo creativo de Universo Sandman: País de pesadillas – La casa de cristal, con el regreso del terrorífico Corintio.
Y terminamos el repaso de la mano del sello ECC Manga con la esperada nueva entrega del fenómeno Los diarios de la boticaria, que ya acumula numerosas reimpresiones de sus entregas previas.
Ya nos quedan solo tres capítulos para el desenlace de Star Trek: Discovery y analizamos el séptimo episodio de esta temporada final cuyo título es Erigah. La serie, creada por Bryan Fuller y Alex Kurtzman, puede ser vista por Skyshowtime para España y por Paramount+ para América Latina.
Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Nos embargan la tristeza y a la vez la emoción de saber que estamos ya tan cerca de la despedida, pues nos quedan solo tres episodios para decir adiós a Star Trek: Discovery.
Y aun con algunas irregularidades, estamos viendo una temporada final que viene dejando un balance positivo y de la cual analizamos hoy el séptimo episodio, que arroja sobre el pasado de Rayner la luz que venía faltando y nos trae noticias después de mucho tiempo sobre una ubicación de la cual hacía rato que no oíamos hablar, pero que está muy ligada al inicio de Star Trek: Voyager y visitáramos también en Deep Space Nine.
Vayamos pues a ver qué nos ha dejado entonces esta nueva entrega no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Reunión Cumbre
Tal como nos enteráramos al final del episodio anterior, Moll y L’ak han sido capturados y detenidos, lo cual ha ocurrido tras serles interceptado un mensaje de auxilio. Convocada la Discovery a encuentro con la USS Locherer y otras naves, un impactante zoom desciende sobre la misma y sigue a través de los corredores a Michael y la comandante Nhan (Rachael Ancheril), a quien no veíamos desde la temporada anterior.
Precisamente esta última tiene reservas con respecto a la presencia de Book por sus actitudes del pasado, que incluyeron disparar contra una nave de la Federación, pero a la vez sabe del especial vínculo que le une con Michael y solo por ello está dispuesta a tolerarlo.
Bajo rigurosas condiciones de vigilancia y aislamiento, los detenidos son llevados a enfermería, pues L’ak está herido y esa fue la razón de la llamada de auxilio, pero el pobre Culber no tiene idea de cómo lidiar con la fisiología de los breen. Investigando un poco, descubre que son capaces de regenerar células somáticas a bajas temperaturas, por lo que hace acondicionar a ese fin el ambiente de la enfermería.
Pero las cosas se complican cuando, liderados por Ruhn (Tony Nappo), el tío de L’ak, los breen se presentan en escena para exigir la entrega de este último, pues recordemos que sobre él pesa la eriga o recompensa de sangre.
Según parece y tras la muerte del último emperador, el imperio está en conflicto entre seis facciones que se disputan el control, respondiendo cada una a un Primarca que oficia como líder y siendo Ruhn uno de ellos. Lo que este necesita es la sangre de L’ak para reclamar su derecho al trono, pues su sobrino, a pesar de haber renegado de ello e incluso de su especie, es el único que queda de la familia imperial.
T’ Rina, quien representa a la Federación en ausencia de Rillak, pretende negociar con los breen, pero Rayner se opone con vehemencia al decir que son una especie a la cual ni siquiera se les puede dar la espalda y cuya versión de la Primera Directiva es el genocidio. Considerando sus dichos como xenófobos, es llamado al orden incluso por la propia Michael, pero hablando esta con él después en privado, se entera del motivo de su odio: su planeta natal, Kellerun, fue arrasado justamente por los breen bajo el liderazgo de una despiadada Primarca llamada Tahal.
Biblioteca en el Espacio
Stamets, mientras tanto, está obsesionado con descifrar la cuarta pista que, dejada por una tal Marina Derex (claro homenaje a Marina Sirtis), consiste tan solo en un trozo de metal sobre el cual se lee en betazoide “Los Laberintos de la Mente”. Convenciendo a Tilly de quedarse un tiempo más a bordo en lugar de regresar a la Academia, logra que se ponga a trabajar codo a codo con Adira para resolver el enigma y así ambas logran determinar que la misteriosa frase corresponde al título de un antiguo manuscrito betazoide.
En vista de ello, van a ver a Reno (Tig Notaro), pues saben que en el pasado ha sido, entre otras cosas, comerciante e incluso contrabandista de textos antiguos y exóticos. Esta ve como lo más probable que el manuscrito en cuestión se halle en una antigua biblioteca ubicada en pleno espacio exterior que es conocida como Galería y Archivo Eternos.
El problema, claro, es que no saben su ubicación, por lo que a Stamets se le ocurre que, siendo los betazoides empáticos, no sería mala idea someter la pieza al escrutinio de Book, que también lo es. Es así que este tiene la visión de una gran tormenta de plasma, pero no da otro dato cuando se le pregunta al respecto y en cambio sí la impresión de estarse guardando algo que no dice…
En tanto y temiendo ser entregados a los breen, L’ak y Moll han ideado un plan de escape algo extremo. Hackeando su biocama, él se inyecta una altísima dosis de una sustancia médica llamada tricordacina (¿tendrá algo que ver con los tricorders?) a los efectos de entrar en convulsión y atraer a los enfermeros mientras ella aprovecha la confusión para escapar y robar una lanzadera.
En efecto, lo consiguen parcialmente, pero a un precio tan alto como la dosis que L’ak se ha administrado. Book encuentra en los corredores a Moll escapada de la enfermería y la convence de regresar junto a su pareja ahora que está en sus momentos finales…
Reaparecen las Tierras Baldías
A todo esto y a pesar de que T’Rina se mantiene firme en no entregar a los prisioneros, la negociación está más que complicada y no logran convencer a los breen ni con dilitio. Tampoco aceptan las cuatro horas que les piden para evaluar la situación y solo conceden una.
Pero valiéndose de la información aportada por Rayner, Michael logra engañarlos con que tienen otra oferta por los prisioneros y que procede de Tahal, nombre que parece inquietar a Ruhn con solo oírlo. Al principio no lo cree, pero todo cambia cuando le dan algunos datos que no podría conocer nadie que no hubiese estado en contacto con ella.
El peligro de enfrentamiento parece de momento alejarse, pero L’ak está muy mal y aunque se le ofrece la posibilidad de ser visto por un médico breen, él dice preferir morir antes que ser entregado a los de su especie. Su estado es crítico y su muerte acaba por producirse, lo cual proporciona un nuevo giro a la historia: A Ruhn le sirve lo mismo muerto, ya que todo lo que quiere es demostrar su sangre real, en tanto que para la Federación no tiene ya sentido arriesgarse por proteger un cadáver, lo cual hace inminente la entrega del mismo.
Pero es entonces cuando interviene Moll que, mostrando en su antebrazo un dibujo idéntico al de L’ak, anoticia a los breen de que son matrimonio y por lo tanto, de acuerdo a la regla y a la tradición, deben llevarla con él por más que esté muerto. Para terminar de convencerlos, les ofrece un secreto que puede darles poder ilimitado y que es, claro, la tecnología de los Progenitores, en la cual deposita la esperanza de que sirva para devolver a la vida a L’ak.
La cosa termina con Ruhn aceptando la oferta y los breen partiendo con Moll y su difunto esposo, mientras en la Discovery determinan que la zona contenida en la pista de Marina Derex y visualizada en su empatía por Book es una de la cual hacía rato que no oíamos hablar: las Tierras Baldías. Así que hacia allá ponen destino…
Balance del Episodio
Muy buena entrega hemos visto. Ha tenido la suficiente tensión como para mantenernos prendidos en todo momento y aunque no se cierra (es decir, no es tan autoconclusiva como las anteriores y especialmente la sexta), deja la puerta abierta para lo que se avecina que, según parece y como ocurriera con el tramo final de la temporada anterior, va camino de una gran película en tres partes más que de tres episodios aislados.
T’Rina ha sido importantísima, lo que ha permitido el lucimiento de Tara Rosling: su cintura política ha sido fundamental para manejar la crisis con los breen y enfrentar una batalla de consecuencias imprevistas, ya que hay que decir que el tamaño y aspecto de esa nave metían miedito.
Y Michael no se ha quedado atrás a la hora de mediar con Rayner que, por cierto, continúa revelándose como un personaje interesantísimo. La revelación del genocidio practicado en el planeta natal de este no solo nos ayuda a nosotros a entenderlo mejor, sino también a la propia Michael porque, aunque no lo diga, es inevitable que establezca algún paralelismo con su propio pasado, en el cual la muerte de sus padres a manos de los klingon le hizo engendrar un odio visceral hacia ellos. Sigue siendo un misterio, eso sí, el que la Flota le acepte tenerlo como primer oficial, pues en este episodio ha quedado claro que Vance está perfectamente al tanto…
Una pena que hayamos conocido a Rayner tan tarde y estemos próximos a despedirlo, aunque el lugar central que ha tenido en esta temporada me hace abrigar esperanzas de verle en alguna otra serie de la franquicia, probablemente Star Fleet Academy, ya que transcurriría en la misma línea temporal y, además, no pierden oportunidad de promocionarla (Tilly estaba a punto de regresar a la Academia cuando fue convocada por Stamets).
Quizás las mayores debilidades del capítulo vengan por el lado de Moll y L’ak, que terminaron siendo bastante torpes en contradicción con la imagen que desde el inicio de la temporada nos venían dejando. Tras escaparse tantas veces en las narices de sus perseguidores, terminaron torpemente capturados por un llamado de auxilio y L’ak matándose por una sobredosis accidental de tricordacina o como se llame. No se corresponde con lo astutos que parecían…
Y si hablamos de contradicciones, Moll se lleva todos los premios pues, en contra de la voluntad de su esposo, termina entregándolo a los breen en la esperanza de verlo con vida. No sé cómo podrá él tomarlo si ello ocurre, pues fue claro cuando dijo que prefería morir y tampoco da la sensación de que su tío tenga mucho interés en respetar su palabra. O los breen no lo reviven en absoluto o si lo hacen es para matarlo nuevamente. O bien se vuelve a matar él mismo al saberse en manos de ellos, solo que esta vez de manera intencional…
Y siguen las reconexiones con la franquicia, en este caso con la mención a las Tierras Baldías. Allí fue donde, si hacemos memoria, se disparó la trama de STV que terminó con Janeway y su tripulación yendo a parar al Cuadrante Delta y debiendo iniciar un largo camino de regreso. Después de eso, tuvimos noticias un par de veces en DS9 y en dos novelas, pero nada más en por lo menos veinticinco años. Se trata de una zona convulsiva del espacio, afectada por anomalías y, tal como visualizó Book, tormentas de plasma, así que habrá que ver cómo se las apañan allí Michael y los suyos.
Por último, pero no menos importante, hay que destacar una vez más la factura visual de esta temporada y que en en este capítulo ha sido excelente. Jon Dudkwoski, a cargo del mismo, es un prestigioso editor de series como Fringe, Buffy o The Umbrella Academy que ha estado en buena parte de STD desde sus inicios, pero esta es la segunda ocasión en que le toca dirigir (la anterior había sido en la temporada 3, episodio 7) y su mano se advierte en tomas, ángulos o zooms sorprendentes, así como en esa estremecedora y oscura nave breen que hace poner los pelos de punta. Sería bueno que dirigiera más seguido.
En fin, solo nos quedan tres episodios y ello, por supuesto, nos genera algo de tristeza, a la vez que expectativa e intriga por lo que se viene. Entramos en esa situación paradójica en la cual tenemos ansiedad por el próximo capítulo, pero a la vez no queremos que todo termine demasiado rápido.
A ver qué nos trae el octavo. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…
El titular es correcto: Netflix renueva El problema de los 3 cuerpos, pero no es todo oro lo que reluce.
El problema de los 3 cuerpos es una serie muy cara de producir. Cada capítulo ha costado una media de 20 millones de dólares, convirtiéndose así en una de las series más caras de la plataforma. Y si, ha sido un éxito en visualizaciones, pero no tanto como Netflix se esperaba para tanta inversión. Y es que Netflix no tiene piedad con estás cosas. La producción de series es constante, pero generalmente son mucho más baratas y aunque no tengan ni la mitad de espectadores, les compensa. Pero hay un problema, valga la redundancia, con las series de gran presupuesto, ya que tienen que dar un ingente número de visualizaciones para ser rentables.
David Benioff y D.B. Weiss, son los showrunners más famosos del momento. Vienen de varias series famosas como Juego de tronos, y su incorporación a Netflix costó cerca de los 200 millones de dólares. ¿Quienes son los showrunners de El problema de los 3 cuerpos? Bingo. Y Netflix no es tonta. Aunque se mueve por dinero sabe que superproducciones menos «juveniles» que Stranger Things le confieren un gran status y un gran prestigio. Por eso series como Sandman o El problema de los 3 cuerpos tienen que mantenerlas en antena, y no cancelarlas decepcionando a millones de fans en todo el mundo. Además, tampoco creo que sea muy correcto contrariar a sus dos showrunners más famosos. Por todo esto creo que El problema de los 3 cuerpos ha sido renovada, pero no por una segunda temporada, sino simplemente renovada.
Benioff y Weiss querían 4 temporadas para adaptar los tres libros de Cixin, pero esta renovación no implica hacerlas, significa que seguirán o acabarán con la serie de una manera digna, pero quizás no como querían en principio los showrunners. Realmente necesitamos tiempo para ver como discurren los acontecimientos. Veremos.
Por ahora podemos decir que Netflix renueva El problema de los 3 cuerpos, pero por ahora no de la manera que querían los showrunners ni los fans. Veremos si finalmente la terminan cerrando todos los cabos sueltos o tenemos la suerte de ver más temporadas.
HBO Max (Ahora sólo Max) ha presentado el tráiler en español de Dune la profecía. Esta nueva serie es una adaptación de una de las precuelas de Dune, la novela Sisterhood of Dune de Brian Herbert y Kevin J. Anderson, que por el momento está inédita en España.
El universo de Dune es muy extenso. Además de las 6 novelas de Frank Herbet en la saga original, hay que añadir otra dos más que cierran toda la trama original, escritas por Brian Herbert y Kevin J. Anderson.
Pero no es sólo eso. Existen 2 trilogías muy famosas que sirven de precuela. La primera se sitúa pocos años antes de Dune dónde nos muestra las tres grandes Casas antes de los acontecimientos ocurridos en la obra principal. La otra trilogía, por el contrario transcurre decenas de miles de años antes y aborda la guerra entre los hombres y las máquinas.
Pero Brian Herbert y Kevin J. Anderson, los autores de estas ampliaciones del Universo de Dune no se han quedado aquí. Han continuado con nuevas novelas donde siguen abordando datos que se nos han quedado cortos en esta gran epopeya. Una de esas historias hace mención a las Bene Gesserit, en la novela Sisterhood of Dune, y ahora parece que la veremos en la serie llamada Dune la profecía.
A continuación os dejo el tráiler en español. En Dune la profecía contemplaremos los comienzos de esta hermandad de mujeres 10.000 años antes de Dune, y seremos testigos de sus manipulaciones políticas y genéticas.
En un giro emocionante para los fans del universo Marvel, Nicolas Cageregresa a la franquicia, pero esta vez, lejos de la animación y en carne y hueso. El actor, conocido por su versatilidad, carisma y expresiones faciales extrañas, ha sido confirmado para interpretar al icónico Spider-Man Noir en una nueva serie de acción real que se estrenará en Amazon Prime Video.
La serie, titulada simplemente “Noir”, está ambientada en la Nueva York de los años 30, una época marcada por la Gran Depresión. Cage dará vida a un envejecido y venido a menos investigador privado que debe enfrentarse a su pasado como el único superhéroe de la ciudad. Esto marca el primer papel regular de televisión en la carrera de Cage, quien ya prestó su voz a este personaje en la aclamada película animada “Spider-Man: Into the Spider-Verse”.
“Expandir el universo Marvel con ‘Noir’ es una oportunidad única y especial y nos sentimos honrados de llevar esta serie a nuestros clientes globales de Prime Video”, dijo Vernon Sanders, jefe de televisión de Amazon MGM Studios3. La serie promete explorar las sombras más oscuras del personaje, ofreciendo una narrativa rica y compleja que seguramente capturará la atención de la audiencia.
Con un equipo de producción estelar que incluye a Phil Lord, Christopher Miller y Amy Pascal, la serie “Noir” se perfila como una de las propuestas más esperadas del año. Los fans pueden esperar una mezcla de misterio, acción y drama, todo envuelto en la atmósfera única que solo Spider-Man Noir puede ofrecer.
Con este proyecto, Nicolas Cage no solo regresa a un personaje que ya ha interpretado, sino que también se embarca en una nueva aventura que seguramente dejará huella en su ya impresionante carrera.
No hay películas como los westerns. Sobre ese lienzo en blanco que es el lejano Oeste americano, ese territorio salvaje en el que la barbarie y la libertad libran una batalla perdida de antemano contra la civilización y el encorsetamiento, se puede construir cualquier tipo de historia. Desde las luchas idealizadas contra los indios a las historias de venganza, pasando por las andanzas de los pistoleros o la mirada crepuscular a un tiempo que ya no fue, no hay películas como los westerns porque, con su particular unión entre mitología y realidad, el western siempre es algo más que un western. Prueba de ello es Hasta el fin del mundo, traducción al español del muy superior The dead don’t hurt, segunda película como director de Viggo Mortensen. Al que, por otro lado, ya le vimos con sombrero y botas de cowboy en Appalaosa, subestimado y estupendo western sobre la amistad.
Hasta el fin del mundo se centra en la relación entre Vivienne Le Coudy, una joven independiente, y Holger Olsen, inmigrante danés, cuya unión les lleva al rancho del segundo, donde Vivienne permanecerá esperando a su pareja, alistado para la Guerra Civil Americana. Ella quedará a merced del hijo desalmado de uno de los terratenientes del pueblo vecino.
Es imposible abordar Hasta el fin del mundosin hablar de Viggo Mortensen. Uno de los actores más excepcionales del siglo XXI, no tanto por su capacidad interpretativa como por las elecciones que ha tomado a lo largo de su carrera. Hablamos de un actor que, después de ser el rostro de Aragorn en la inmortal trilogía de El señor de los anillos, se marchó a España a rodar Alatriste, se convirtió en el actor fetiche de David Cronenberg o protagonizó Captain Fantastic. Y no solo debemos hablar de su faceta como actor, sino como escritor de poesía, compositor o pintor.
Su primera película, Falling (cuya crítica tenéis en esta sacrosanta web), se benefició de una distribución en plena pandemia (tuve la oportunidad de verla en el cine) y ya daba pistas de su visión tan realista como humanista de las relaciones humanas. Es decir, que el hecho de que la vida te exponga a continuos golpes (que lo hace) no quita que tengamos la capacidad de reponernos a estos. Por tanto, una visión tanto dura como dignificadora del ser humano.
En Hasta el fin del mundo, Mortensen dirige, protagoniza, escribe y compone la música de un western clásico en forma aunque atípico en contenido. De hecho, uno de los errores de marketing del cartel de la película es una cita que más o menos viene a decir que a John Ford y Howard Hawks les encantaría esta película. Cosa que dudo, sobre todo a Hawks.
¿Por qué digo esto?
En primer lugar, por lo atípico de sus personajes protagonistas. Por supuesto, hablo de Vicky Krieps, magnífica en su papel de mujer independiente contra todo y todos. Una joven que de pequeña soñaba con un encuentro con un caballero andante que la protegiera y que, ya adulta, su sueño es bien distinto. Pero también de Viggo Mortensen, como un hombre que también va a lo suyo y que, tras una dura pérdida, busca una vida sosegada y, lo que es una rara avis en el western, se puede hablar con él. Porque, por encima de todo, Holger Olsen es un hombre que escucha.
En segundo lugar, porque Hasta el fin del mundo, con su saloon, sus tiroteos y sus vándalos, es un western que se centra en los que se quedan. En lugar de contar la odisea de Olsen en la Guerra, la cámara de Mortensen se queda con la dura vida que le espera a Vivienne por el empeño de su pareja en luchar una guerra que no le corresponde. Si es que a alguien le corresponde alguna guerra. Con una mirada sosegada como la del propio protagonista, Mortensen atiende a sus duras condiciones de vida. Condiciones que afronta como puede, dotando de dignidad al personaje y, sobre todo, convirtiendo a la improbable protagonista en la verdadera heroína de la historia.
En tercer lugar, porque con sus continuos (y muy claros) saltos temporales, Mortensen juega un poco con nosotros como espectadores. Donde todos, imbuidos colectivamente de los códigos del western, esperábamos una historia de venganza, Hasta el fin del mundo es una apuesta decidida por el perdón. Incluso cuando no hay nada que perdonar. Así, merced a esa contraposición realista del Oeste americano y humanista de seres excepcionales, Hasta el fin del mundo tiene un final tan triste como bello.
En definitiva, Hasta el fin del mundo continúa con la interesante carrera como director de Viggo Mortensen. Un western típico en forma y atípico en contenido que se beneficia de un guion reflexivo, unos paisajes espectaculares y la caracterización de sus dos protagonistas. Lástima de que el resto de personajes estén algo desdibujados y de que su ritmo, sobre todo en el nudo de la trama, se resienta algo. Aún así, queda un western notable que dan ganas de acompañar a Viggo Mortensen hasta…pues eso, hasta el fin del mundo.
Que Tomb Raider es una de las sagas de videojuegos más importantes de la industria es innegable, que pasó altibajos también, pero la última trilogía que vimos devolvió a Lara Croft a su lugar.
El auge de las plataformas de streaming y las buenas adaptaciones que se están realizando de videojuegos (‘The Last of Us’ y ‘FallOut’) está consiguiendo acabar con la maldición de adaptaciones mediocres y sacando a la palestra franquicias que llevamos tiempo pidiendo que tengan repercusión más allá de las consolas y los PCs.
Así que ha sido una excelente noticia saber que Amazon ha ordenado la producción de una nueva serie de televisión Tomb Raider, que será escrita y producida por la estrella y escritora de Fleabag, Phoebe Waller-Bridge, quien también protagonizó ‘Indiana Jones y el dial del destino’.
Desconozco los trabajos de Waller-Bridge, pero lo que espero es que sea fiel a la obra original, ya que Lara Croft es un personaje atractivo, interesante y con mucho peso dentro del fandom del mundo de los videojuegos. Solo pido que se tomen en serio Tomb Raider y que se adapte bien.
Al igual que la serie Fallout, Tomb Raider se estrenará exclusivamente en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo, así que su alcance va a ser digno del legado de la arqueóloga.
Esta ficción llega como parte de un acuerdo más amplio entre Amazon MGM Studios y el desarrollador Crystal Dynamics, que actualmente está trabajando en un nuevo juego de Tomb Raider en Unreal Engine 5. En 2022, supimos que Amazon Games publicará el nuevo juego Tomb Raider en desarrollo, al que Amazon describe como una «aventura narrativa para un jugador que agregará un nuevo capítulo a la historia de Lara Croft en la serie Tomb Raider».
«Con una gran propiedad intelectual, las posibilidades son infinitas» – escribió en un comunicado de prensa Christoph Hartmann,vicepresidente de Amazon Games –.«La riqueza y profundidad de la ficción permite que la serie Tomb Raider de Prime Video y el videojuego de Amazon Games cuenten historias separadas sobre las aventuras de Lara Croft. Nos sentimos honrados de que Crystal Dynamics haya confiado a Amazon esta franquicia icónica y nosotros «estamos deseando ver adónde nos lleva esta colaboración».
Recordemos que esta no es la única adaptación televisiva protagonizada por la icónica cazatesoros. La serie animada de Netflix ‘Tomb Raider: The Legend of Lara Croft’, protagonizada por Haley Atwell, está pendiente de estreno. Una historia que tiene lugar después de los eventos de ‘Shadow of the Tomb Raider.’
No podemos más que estar de enhorabuena por lo que se viene de nuestra arqueóloga favorita; hemos visto sus primero títulos remasterizados con acierto y ahora esto. Todo pinta muy bien para Lara Croft a corto, medio y largo plazo.
Aquí os dejo el tráiler de ‘Tomb Raider: La Leyenda de Lara Croft’:
