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Análisis de One Piece: Capítulos 1068 a 1072

¡Buenas Nakamas! con nuestros nakamas en la Isla del Futuro, Egghead. En estos capítulos vemos que hay una transición de muchos personajes que seguramente den que hablar en los próximos análisis. Espero que estéis disfrutando de estos análisis, os dejaré los enlaces a continuación.

No olvides comentar cualquier cosa que se me haya podido pasar, que seguramente serán muchas… ¡Comencemos!

Analizando el manga de One piece

 

One Piece 1068 «El sueño de un genio»

Este capítulo comienza con la llegada del CP0 a Egghead, formado en esta ocasión por Rob Lucci (alias «el tío de la paloma»), Hattori, Stussi y Kaku. Para que sirva de recordatorio, el CPO (Cipher Pol Zero) es la organización de inteligencia más poderosa entre los Cipher Pol y opera bajo orden directa entre los Tenryuubito (Nobles Mundiales). Esta serie de organizaciones secretas forman parte del Gobierno Mundial, llevando a cabo espionaje, asesinatos e infiltraciones. Recordemos que nuestros nakamas ya lucharon contra el CP9 en el arco de Water 7.

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Pythagoras intenta convencerles para que no se adentren en la isla, pero el CP0 afirma que hace varios meses han desaparecido varios barcos pertenecientes a otras Cipher Pol, además de todos los barcos del Gobierno Mundial que han viajado a Egg Head. Para entrar en la isla, el CP0 utiliza la habilidad de la fruta artificial Nikyu Nikyu del seraphim S Bear. Quien también hace uso de este poder es Kuma, desapareciendo de la isla de Momoiro, donde se encontraba con el ejército revolucionario y dejando a Monkey D. Dragon con cara de asombro.

A continuación, volvemos con Luffy, Jimbei y Chopper, quienes se encuentran con el Doctor Vegapunk en el depósito de chatarra. Vegapunk cuenta a nuestros camaradas que le gustaría que lo sacaran de Egghead y les revela que su sueño es crear un mundo donde la energía esté disponible de manera gratuita y en abundancia para todos sus habitantes.  También les cuenta que el Gobierno Mundial quiere deshacerse de él debido a que sabe demasiado sobre Siglo Vacío.

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Recordemos que el Siglo Vacío es un periodo que comenzó hace 900 años y finalizó hace 800 aproximadamente. El Gobierno Mundial borró de la historia este periodo y prohibió que fuese estudiada por historiadores y arqueólogos, por lo que actualmente en este capítulo no se conoce demasiado lo que ocurrió. Los únicos registros históricos se encuentran en los poneglyphs, que además se encuentran en una antigua lengua que actualmente solo puede ser descifrada por Nico Robin.

El capítulo termina con el CP0 dentro de Egghead y encontrándose cara a cara Rob Luccy y Luffy ¿Se viene revancha cientos de capítulos después?

 

Capítulo 1069 «Todo lo que desees, puede existir en este mundo»

Una vez que Rob Luccy derrota a Atlas, Luffy quiere venganza por el ataque al mismo, ya que está agradecido de que le diera de comer. Rob Luccy nos muestra su forma despertada de la fruta Neko Neko, con la que aumenta su poder ¿Qué nuevos trucos tendrá el líder del CP0?

Las formas despertadas de las frutas del diablo se consiguen una vez que el usuario ha conseguido alcanzar el máximo potencial de sus habilidades. Su efecto depende del tipo de fruta del diablo que posea. En el caso de la fruta tipo Zoan de Luccy, este adquiere mucha más fuerza, velocidad y resistencia, haciendo posible que utilice nuevas técnicas. Como contraparte, los despertares de las tipos Zoan puede hacer cambiar la personalidad del consumidor al convertirlo en un «hombre bestia» y hacer que no pueda controlar sus acciones.

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Por otro lado, Luffy adquiere su forma Gear 5, llamando la atención de Vegapunk, nombrándolo el «guerrero blanco» y añadiendo que se ve idéntico a un dios que solo aparece en los textos antiguos. Continúa comentando que este dios es el «Guerrero de la liberación» conocido por estar siempre bromeando y haciendo reír a las personas, Nika el dios del Sol. Otra información interesante que nos muestra Vegapunk es su teoría de que las frutas del diablo pueden ser una evolución humana que alguien deseó.

Durante la pelea entre Luccy y Luffy aparece en escena Sentomaru, capítán del escuadrón científico de la marina, comandando a los Seraphim en contra del CPO. Recordemos que ya nos encontramos con Sentomaru como un antagonista secundario del arco de Sabaody y también en el de Marineford.

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La jerarquía de autoridad en los pacifistas es de manera descendente: el Gorosei, el Dr. Vegapunk (incluyendo los satélites), Sentomaru y por último los propietarios del chip de autoridad, propiedad del CP0. Esto hace que Sentomaru pueda dar órdenes a los Seraphim, por lo que Luccy ataca a Sentomaru, terminando el capítulo con el posible control de los Pacifistas por parte del CP0.

Capítulo 1070: La humanidad más poderosa

La portada de este capítulo es de interés, ya que nos muestra la formación de MADS, un equipo de investigación científico ilegal que estuvo activo alrededor de unos veinticuatro años atrás. Los miembros de este equipo eran Vegapunk, Caesar Clown, Vingsmoke Judge (el padre de Sanji) , Queen (uno de los tres «desastres» de Kaidou), Buckingham Stussy (antigua Piratas de Rocks y madre de Edward Weevil, el supuesto hijo de Barbablanca).

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Volvemos a Egghead después de que Luccy haya atacado a Sentomaru, aunque parece que este solo se encuentra malherido y logró parar parte del ataque de Luccy, y evitando que el CP0 se haga con el control de los Seraphim.

Vegapunk nos vuelve a dar valiosa información sobre las frutas artificiales. Nos explica que solamente las frutas de tipo Zoan pueden ser copiadas con éxito, incluso con grandes recursos las de tipo mitológicas. En cambio, las frutas tipo Logia son muy difíciles de copiar y para las frutas Paramecia se necesita el factor de linaje del usuario y una transfusión de sangre verde, que es lo que se inyecta y da poder a los Seraphim.

1070Una vez que Luffy derrote a Rob Luccy, quien parece que actualmente está bastante por debajo de él , logran escapar en el cohete al vacío del Dr. Vegapunk, llevándose a la malherida Atlas con ellos y despertando Bonney.

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Finalmente el CP0 toma el control de los Seraphim después de que Sentomaru caiga derrotado. El capítulo termina con la aparición del almirante Kizaru haciendo los preparativos para dirigirse a Egghead.

 

Capítulo 1071. El héroe pasa a la acción

El capítulo comienza con la aparición de Kuma en la Red Line, provocando el caos entre los ciudadanos del lugar.

Mientras tanto, en Egghead, el CP0 planea bloquear cualquier lugar que el Dr. Vegapunk pueda utilizar para escapar de la isla, por lo que sus satélites debaten sobre el próximo movimiento, pero las cosas no paran de empeorar, ya que el sistema de seguridad del Labophase se apaga para desconcierto de todos, el CP0 incluido, que piensa que puede tratarse de una trampa. Mientras inspeccionan logran ver el Thousand Sunny, por lo que Kaku intenta destruirlo, pero Zoro, que se encontraba echando una siesta, logra parar su ataque fácilmente.

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Dentro del Labophase, logran restaurar el sistema de seguridad y Bonney va detrás del Dr. Vegapunk para que vuelva a Kuma a la normalidad.

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El capítulo termina con la tripulación de Eustaas Kid dirigiéndose a Elbaf, el hogar de los gigantes, y con el vicealmirante Garp llegando a la base de la Marina G14 para preparar el rescate del Capitán Koby, quien recordemos se encuentra capturado por Kurohige en la isla pirata Hachinosu.

Capítulo 1072: El peso de la memoria

En este capítulo volvemos a tener una nueva portada que nos muestra el grupo de MADS, con Queen, Caesar Clown y Vinsmoke Judge haciendo experimentos en el pasado.
Al comienzo del capítulo tenemos a Bonney atacando a Vegapunk para que le cuenta lo ocurrido a Kuma, pero el Doctor prometió a este que nunca revelaría lo sucedido. Mientras tanto, vemos a Kuma escalando la Red Line.

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Por otro lado, en el laboratorio, Shaka comenta a nuestros Nakamas que pueden revertir el control de los Seraphim, ya que cuentan con una jerarquía de mando mayor.

Volviendo al Thousand Sunny, vemos como continúa la lucha de Zoro y Brook contra el CP0, mostrándonos la forma despertada de la fruta de Kaku, la Ushi Ushi: modelo jirafa. Pero el combate se ve interrumpido de manera sorpresiva por el ataque de Stussy a su compañero Kaku, mostrándonos a esta como un experimento de clonación de MADS de Miss Bucking Ham Stussy, antigua miembro de los temibles Piratas de Rocks.

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X-Men’97. Temporada 1. Quemando tramas en favor de la nostalgia

X-Men’97 ha finalizado su primera temporada en Disney+. Ya hablamos en este post de los dos primeros episodios. Nos atrevimos a afirmar que era un innecesario chute de nostalgia noventera y que esperábamos que la cosa mejorase.

Tras ver los diez episodios que conforman esta temporada nos reafirmamos: X-Men’97 abusa de la nostalgia y aunque tiene momentos inspirados, no nos cuenta nada que no nos hayan contado antes.

A toda mecha

En los siguientes episodios de X-Men’97 se adaptan diferentes tramas que ya vimos en los cómics. De esta forma tenemos una versión de Inferno, la historia en la que Chris Claremont enfrentó a los X-Men con la Reina Duende / Madelyne Pryor, el clon de Jean de Grey, que aquí vimos al final del episodio 2.

El problema es que, si bien el tema del clon crea tensión y angustia (¿quién es el clon y quién el original? ¿En qué momento fueron intercambiadas? ¿De quién es hijo Nathan Summers?)?  Aquí está todo metido con calzador. «¡Soy la Reina Duende!«, exclama Madelyne sin venir a cuento porque, por lo que sabemos, podría haber gritado «¡Soy Dominatrix!» o cualquier otra cosa.

Ciclope

X-Men’97 tiene tantas ganas de molar que va quemando historias a todo trapo, sin tiempo para presentar personajes o tramas, pasando de una a otra sin freno y confundiendo ritmo con velocidad.

Otro ejemplo es la adaptación de Muerte viva, la historia que a Claremont le llevó meses construir, en la que Tormenta perdía sus poderes, conocía a Forja y se enamoraba de él para descubrir que era el responsable del arma que le destrozó la vida.

En los cómics, Tormenta conoce a un antiguo chamán indio, el maestro de Forja, que la acompaña en su búsqueda y que resulta estar poseído por El Adversario, un demonio que aquí aparece como un búho, que no se sabe de dónde viene o adónde va y ocupando esa historia un episodio y medio.

No solo de Claremont viven los X-Men

Efectivamente. Otro que ve cómo sus historias son masacradas a la velocidad del rayo es Grant Morrison, responsable de la masacre de Genosha en E de Extinción. En X-Men’97 la masacre sucede en el episodio 5, donde por lo menos tenemos un atisbo de originalidad en la muerte de Gambito, sustituido por Rondador Nocturno en la alineación mutante.

X-Men

El título que abría los New X-Men del escocés se mezcla con el de Operación Tolerancia Cero, saga guionada por Scott Lobdell, el peor guionista de la historia de la franquicia mutante, y que solo tenía de bueno los dibujos del añorado Carlos Pacheco, formando La tolerancia es la extinción, el título de los tres episodios finales.

En la traca final se mezclan otras sagas, como la que terminó con Magneto arrancándole el adamantiun a Lobezno; al final aparecen los Askani, los habitantes del futuro que criaron a Nathan Summers y Apocalipsis, mutante milenario llamado a ser el villano de la siguiente temporada.

Como ya he dicho, nada nuevo bajo el sol. Todo lo que hemos visto en X-Men’97 lo han contado en los cómics, tomándose más tiempo y con más ganas y acierto. ¿Que ha sido un éxito de público y crítica? De público no sé pero de crítica seguro porque muchos la alaban como la mejor serie de Marvel en Disney+. En mi opinión, está muy sobrevalorada y si no llega a ser por el componente nostálgico no habría habido críticas tan benévolas.

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Marcando la diferencia

Sin embargo, a pesar de tanta caña, romperé una lanza a favor de X-Men’97 en un aspecto y es que la serie se preocupa por mostrar la diversidad y las consecuencias del odio hacia los que son diferentes. Como en los cómics, los X-Men se convierten en una parábola, en un ejemplo de integración y tolerancia hacia el que no es como los demás.

De hecho lo han sido siempre, ya desde los cómics de Chris Claremont. Y aquí hay que alabar la labor de Beau DeMayo y supongo que también de Victoria Alonso, ambos activistas gays y despedidos por Disney por motivos nada claros. Aun así, hay quien no acaba de enterarse de lo que ha visto, a tenor de algunos comentarios en internet que alaban que Disney haya dejado de ser tan progre y tan woke y haya hecho una serie como esta. En fin…

En resumen, que X-Men’97 es una serie para nostálgicos y para aquellos que en su vida han leído un cómic de los X-Men, que seguro disfrutarán con las historias. Esperemos que cuando los mutantes lleguen al UCM sean más originales. No se si podrán porque las historias más importantes ya se han contado. Como repitan por enésima vez la muerte de Fénix habrá que pensar si pasamos por taquilla. Un saludo, sed felices.

Reseña de Criaturas. Tomo 3. En las entrañas de Yog. Publicado por Nuevo Nueve Editores. La cosa avanza … ¡Y de qué manera!

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. hoy os queremos hablar del segundo tomo de esta serie que está causando sensación entre jóvenes y adultos. Se trata nada más y nada menos que de Criaturas 3 – En las entrañas de Yog. Editado por Nuevo Nueve Editores.

Antes de nada … Podéis leer la reseña de Criaturas 1 – La ciudad que nunca duerme y también la reseña de Criaturas 2 – La Gran Noche, pinchando aquí.

Y por si acaso algún despistado llega por primera vez a esta fantástica serie que nos ha traído el bribón de Ricardo Esteban, vamos a hacer un …

Resumen de los dos capítulos anteriores …

Hace ya algún tiempo, hubo una primera «Gran Noche«, que asoló y destruyó una gran parte de Nueva York. Y en pleno corazón de Manhattan pudimos ver un gran cráter que albergaba a una inmensa deidad extraterrestre, a la que todos los «convertidos» llaman YogSothoth.

La gran mayoría de los adultos han sido poseídos por Yog, que a través de una extraña niebla verde, ha conseguido anular su personalidad y convertirles en adoradores o en zombies sin cerebro.

Criaturas

Un pequeño grupo de niños, ha conseguido apañárselas sin la ayuda de los adultos y han sobrevivido a este apocalipsis. Jefe, Cara Sucia, Topo y Testo, han formado un perfecto equipo de incursiones para conseguir alimento y cosas necesarias para sobrevivir en este ambiente hostil.

En una de estas incursiones, se encuentran con Vainilla y su extraño hermano Minus. Minus fue raptado por los «cabeza de pulpo» y para rescatarlo, tendrán que penetrar en la niebla verde de Manhattan, en las inmediaciones del territorio ocupado por YogSothoth.

Aún con la ayuda de un extraño anciano, conocido como Viejo Tarado, el equipo fracasará y Minus será absorbido por YogSothoth. Todos quedarán atrapados en el interior del ecosistema de la propia criatura, tras sufrir una segunda Gran Noche.

Nuestro pequeño grupo de héroes se encuentra atrapado en el interior de la criatura y YogSothoth parece estar más fuerte que nunca …

Criaturas 3.- En las entrañas de Yog.

Criaturas

En esta tercera entrega de nuestra más querida y trepidante serie (Criaturas 3.- En las entrañas de Yog), YogSothoth ha decidido que Vainilla debe ser sacrificada, pero dos desconocidos (bueno … quizá no tan desconocidos) le salvan en el último momento.

Por otra parte, Minus, que se encuentra atrapado en el interior de YogSothoth, sufre un extraño sueño y dentro de éste, conoce a un nuevo y extraño adversario.

Con la ayuda de otros pequeños, que al igual que él, tienen poderes psiónicos, Minus logra salvarse del interior del sueño de aquel extraño y nuevo adversario, que parece que aún tiene mucho que decir en esta historia.

En este tipo de situaciones, pueden surgir extrañas alianzas entre grupos antaño antagonistas, que deberán superar sus diferencias en beneficio de un bien mayor.

Pero para ello … Todo parece indicar, que la clave de todo ello será salvar a Minus. Ese pequeño y peculiar niño albino, que alberga en su interior unos crepitantes poderes psiónicos. Mayores de los que pueda tener el resto de los «niños especiales«.

Para realizar tamaña hazaña, nuestro grupo de pequeños héroes, con la ayuda de Viejo Tarado, deberán superar grandes peligros y tremendos enemigos, además de averiguar cómo podrán detener a YogSothoth.

«Entre Lovecraft, “Stranger Things” y “Los Goonies”, Betbeder y Djief componen una saga con atmósfera trepidante y única, que convierten a “Criaturas” en el nuevo referente del cómic de aventuras juvenil».

El apartado gráfico

El dibujo en Criaturas, corre a cargo de Djief.

Con un estilo de dibujo “cartoon” y utilizando técnicas de color digital, el autor consigue una ambientación espectacular, que nos transmite de manera soberbia esa sensación de angustia, casi permanente, que tienen nuestros protagonistas.

Como ya dije en la reseña del primer tomo, no conocía a este autor. Pero creo que habrá que seguirle la pista.

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La Edición de Nuevo Nueve

Nuevo Nueve, nos trae un tomo en tapa dura, a todo color, en un formato de 27x19cm (el favorito del editor), lomo curvo, 72 páginas y un P.V.P. de 18€.

El papel empleado en esta edición es un papel poroso, con un muy buen gramaje, tal es que las páginas parecen cartulinas. Así da gusto.

Este segundo tomo de Criaturas se encuentra disponible en su librería habitual desde el 15 de enero de 2024.

Tenéis más información en la web de Nuevo Nueve Editores, pinchando aquí. Debo deciros que aún se encuentra disponible.

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Los creadores de la serie

Stéphane Betbeder. Guionista. Nacido nuestra vecina Francia en 1971. Ingresó en la Escuela Superior de Dibujo de Anguleme en 1989.

Es un aficionado a los cómics  y la fantasía. Enseguida se dio cuenta que no era muy bueno dibujando y cambió su dedicación a la Comunicación.

En nuestro país se han publicado obras suyas como Santuario Redux y Dr. Watson – El Gran Hiato.

Djief (Jean-François Bergeron). Dibujante. Canadiense de 53 años (Nació en Qebec en 1971. Estudió diseño gráfico e inició sus primeros trabajos profesionales como diseñador en 3D.

Posteriormente, trabajó como diseñador de videojuegos y desde el año 2006, se dedica al dibujo de cómics, como ilustrador independiente.

Ha publicado desde el año 2000 diversos libros para el mercado francófono a través de Soleil (Le crépuscule des dieux, White Crows, Brodway?) y Glenat (Dangerous Liaisons).

Ahora, junto a Betbeder, se encuentra inmerso en la serie de éxito en Francia Criaturas, que cuenta ya con una versión en inglés por Europe Cómics.

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Valoración Final y … El placer de la relectura.

Esta es una buena ocasión para hablar del placer de la relectura. Sí … Ese extraño placer de volver a leer una y otra vez algo que nos ha encantado. Relectura. Ese extraño vicio que repetíamos una y otra vez cuando éramos pequeños y teníamos pocas cosas para leer.

Esta serie … Criaturas, nos permite hacerlo. El primer volumen, Criaturas 1 – La ciudad que nunca duerme, salió el 17 de enero de 2022. La segunda entrega, Criaturas 2 – La Gran Noche, vio la luz el 16 de enero de 2023. Y este tercer tomo, Criaturas 3- En las entrañas de Yog, está disponible desde el 15 de enero de 2024.

Un volumen cada mes de enero. Una sola entrega cada mes de enero de 2022. Esto nos «obliga» (entre comillas, sí) a leer nuevamente una y otra vez las entregas anteriores a las que han ido saliendo, para recordar y refrescarnos la historia, para disfrutarla nuevamente.

¡Y eso me encanta!

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A un precio de 18€ cada tomo. Y Nuevo Nueve sin incrementar el precio, pese a las famosas subidas del papel y del cartón.

Pues bien … En enero de 2025, volveré a leer todas las entregas antes de leer por primera vez la cuarta entrega de esta fantástica serie.

¡Un dinero bien invertido!

Y después de hablaros de todo esto … ¿Alguien necesita que le cuente qué es lo que me está pareciendo Criaturas?

Ciencia ficción postapocalíptica … Una extraña mezcla que funciona como un reloj suizo, en las que tenemos un Stranguer Things lovecraftiano, aderezado con un poquito de Los Goonies.

Una historia muy bien construida por Stéphane Betbeder con un pedazo de dibujo de Djief (Jean-François Bergeron).

Id a por ello … Entrad en el mundo de estas Criaturas, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

5 películas con tramas que son un disparate

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Hay veces en que las películas nacen de ideas absurdas, como si directamente fueran sacadas de un sueño inconexo en el que se mezclan los disparates, mientras nos levantamos con la sensación de que más que dormir hemos desvariado cayendo en lo absurdo.

Quizás el sentido de estas películas, es que quieran sorprendernos de formas que jamás esperaríamos, sin embargo, lo único que se consigue es que el nivel de disparate sea tan abismal, que acabemos viéndolas con un cierto encanto desprejuiciado. Todo, porque nos demuestran que nuestro nivel de locura es el correcto, para discernir que esa trama no es más que el flipado sueño de una noche de verano. Por eso, tal vez, valga la pena reivindicar también un tipo de cine, ¡ojo! no significa que sea malo o bueno, que busca empujar los límites de nuestra percepción, para descifrar el significado de la incoherencia.

En busca del disparate

  1. Serpientes en el avión

El agente del FBI Neville Flynn (Samuel L. Jackson) debe escoltar a un testigo de un crimen de la mafia en un vuelo entre Hawai y Los Ángeles. Hasta aquí todo bien, pero el guionista se acostó pensando en que la trama se parecía a pasajero 57 de Wesley Snipes. Soñó con las serpientes de Indiana Jones y se le encendió la bombilla, tiremos muchas serpientes en el avión y que sea lo que dios quiera.

Esta monster movie tiene la capacidad de inocularte su veneno para que la consideres un pasatiempo lúdico. La desvergüenza puede alcanzar hasta a un buen actor como Samuel, que luce su sonrisa mientras piensa en el cheque que va a cobrar, y si encima puede matar a muchos bichos por el camino mejor. Una película, que por lo menos, mantiene el tipo para ser entretenida, gracias a su acertado tempo narrativo y sus revoltosas protagonistas, las serpientes. Sin duda, para una tarde de domingo lluviosa, el mejor antídoto es ponerte a ver este disparate.

  1. Salvaje

Esta idea no daba para una película, pero así y todo la terminaron haciendo. Metiendo clichés y disparates durante todo su metraje. Si te dejas llevar y no le buscas sentido, se convierte en un descarado y descerebrado cruce de Slasher y el día de furia de Michael Douglas. Gran parte de que se pueda disfrutar es gracias a un Rusell Crowe, sudoroso y grasiento, con cara de no querer hacer este tipo de películas.

La trama nos sitúa en medio de un atasco, cuando una mujer toca el claxon de su coche en el momento equivocado, al hombre equivocado. Idea simple, que no daba para un desarrollo, pero que sus creadores se empeñan en convertir en una oda al disparate y la salvajada. Eso sí, hay que reconocerle que posee algunas escenas que tienen merito, por ejemplo, con la que se abre el inicio del film. Aunque al final, su factura se acerca bastante a la de un telefilm. Si disfrutas de la fórmula del psicópata perseguidor despiadado, un violento y perturbado Russel Crowe, y la víctima convertida en heroína, este disparate se puede convertir en tu película favorita.

 

  1. Sharknado

Esta película, si se puede llamar así, es desde su propio nombre ya un disparate. Sin embargo promete lo que vas a ver, un insólito tornado repleto de tiburones. Este film de serie z, que se ha convertido en un fenómeno de culto dando lugar a su propia saga. Tantas que hasta ha superado a la saga de Tiburón, y algunas son más entretenidas que las continuaciones del film de Spielberg, que ya es un merito enorme.

Su trama nos cuenta que un violento tornado ha traído a una pequeña ciudad decenas de tiburones, una ciudad en pánico, dos actores en declive, poco presupuesto…nada más que comentar. Una película que hace de lo ridículo su gran valor. Lo curioso del caso es que ha tenido mucho éxito, con lo cual, o hay mucha fascinación por los tiburones o al cerebro le hace falta consumir cosas que no hagan pensar.

  1. El vengador tóxico.

Aprovechando que se acerca su remake, puedes ver su tráiler aquí, he metido este autentico disparate en la lista. Es curioso como esta película se convertido en mítica e inolvidable para los que crecimos en los años 80. El Vengador Tóxico es de esos largometrajes que te dan dos opciones: sentir emoción y ganas de volver a verla, o huir sin mirar atrás, para que no te persiga el recuerdo de sus imágenes. Pero lo que no cabe duda, es que la productora de películas de serie Z (Troma) de Lloyd Kaufman, consigue con muy poco dinero, mucha desvergüenza y falta de complejos, algo nuevo que aportar.

La historia transcurre en una población llamada Tromaville, que tiene el dudoso honor de ser la mayor capital gestora de residuos, basura tóxica y delincuentes. El protagonista, que es objeto de burlas constantes, hasta que cae en un barril de ácido, sí como el Joker. A partir de este incidente, se deforma adquiriendo poderes, con los cuales, se vengará de sus enemigos y de paso limpiará la ciudad de criminales. Un disparate de principio a fin, que tiene su capa cutre-divertida con muchos excesos de violencia, sexo y sangre.

  1. R.O.T.O.R.

Esta película es la que podría hacer enaltecer el disparate hasta extremos infinitos. Un divertimento sin pies ni cabeza que navega entre la insensatez y la genialidad. ¿El argumento?, te preguntas, estamos hablando de ROTOR y él no necesita ningún argumento. Un guion que desafía las leyes de la física, de la gravedad, de la lógica, y digo desafía por no imitar las palabras que te diría su protagonista, “Por la misma razón que un perro se lame a sí mismo, ¡porque puede!”

Estamos ante la comedia absurda más divertida de todos los tiempos, una de esas joyas que solo sabia darnos el VHS. Un film de Serie-ZZ, muy mala, pero muy divertida, que convierten a ROTOR en un robot más sórdido que Robocop. Para muestra, os dejo con una de sus frases más emblemáticas, “Despídame y haré más ruido que dos esqueletos haciendo el amor en una tumba de hojalata”.

Bonus track. Battle Royale

Antecedente directo de la saga de Los Juegos del Hambre, pero más propensa a la sangre y a la violencia desmedida. Lo que la convierte en un disparate, es su historia retorcida, que parece sacada del sueño de un profesor hastiado que ha perdido su vocación. Una trama que avanza sin preocuparse por el guion y lo basa casi todo en el impacto de sus frenéticas escenas y sus violentas imágenes. Con el tiempo se ha convertido en un filme de culto.

Su trama nos cuenta que para controlar a los estudiantes rebeldes, el gobierno celebra cada año una batalla entre los alumnos de una clase escogida al azar. Luego, en una isla aislada, se produce una encarnizada supervivencia de la que solo saldrá un estudiante con vida. Un disparate salvaje, donde se suceden las secuencias incómodas, que derivan en un retrato inquietante, conmovedor, capaces de mostrar tanto la nobleza como la bestialidad del ser humano.

Una película que puede ser terriblemente divertida o llevarte a las profundidades del trastorno. Lo mejor es que el largometraje te ofrece la posibilidad de adivinar quién es en secreto un asesino en serie, un héroe abnegado, una víctima nata o simplemente otra estadística de recuento de cadáveres.

Crítica de Segundo premio (2024), un antibiopic de arrebatadora fuerza visual

Este viernes 24 de mayo se estrena Segundo premio (2024), la nueva película dirigida por Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez sobre el grupo de rock Los Planetas, y el proceso de creación de su tercer álbum Una semana en el motor de un autobús a finales de los 90, que se hizo con la Biznaga de Oro a la mejor película en el pasado Festival de Málaga 2024. Más que un biopic es el retrato de una época y sus taras, una muestra de amor, dolor, amistad y música con una estética deslumbrante que navega entre Val del Omar y Wong Kar-Wai.  

Trailer de Segundo premio (2024) de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez

A finales de los 90 en Granada, el grupo de rock indie Los Planetas atraviesa un momento complicado cuando su bajista (Stéphanie Magnin) rompe con la banda y el guitarrista (Cristalino) se autodestruye sin remedio aparente. El cantante (Daniel Ibáñez) intenta poner orden al asunto para poder sacar adelante el proyecto de su tercer disco (Una semana en el motor de un autobús). 

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Póster de Segundo premio (2024) de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez

“Esta no es una película sobre Los Planetas” 

Su propio eslogan —“esta no es una película sobre Los Planetas”— plantea de inicio la deriva que va a tomar la película, alejándose del retrato fidedigno de la realidad y el éxito del grupo de rock, para indagar en sus disputas personales, cuestiones amorosas, adicciones y amistad, pues lo que interesa realmente es captar la esencia del relato («las historias que pasan en una banda de rock son muy extrapolables a cualquier otra profesión» decía el director). Los propios protagonistas, comentan en off muchas de las secuencias del filme para rebatir su veracidad —“en realidad, esto no fue del todo así”—, una forma muy inteligente de otorgarles espacio para poder contar una historia que les pertenece más que a nadie: una suerte de respeto máximo hacia sus intimidades.  

La película no es sino un fragmento de tiempo, una sucesión de acontecimientos dentro de la banda durante un periodo turbulento, que a su vez proyecta la esencia de una época: dibuja un bodegón noventero de greñas, CDs y cigarrillos, con sus luces y sombras (puede que más abundantes estas segundas). Los Planteas rompen, se pelean, discuten con la discográfica, se drogan… viven en una espiral de inestabilidad fruto de su oficio que, por otro lado, alienta una creatividad —el proceso de encierro colectivo para dar a luz el álbum pone en valor el sentido de banda musical— que les conduce, sin que lo sepan (y sin que jamás se muestre, claro) al estrellato del rock indie nacional.  

El libertinaje en que se mueven los artistas se abstrae del grueso argumental para permear en la propia construcción formal narrativa que, pese seguir el proceso de creación de su álbum Una semana en el motor de un autobús, no centra su interés en la expectativa del producto o el éxito de la banda (de nuevo, el eslogan), sino que se permite divagar y desdibujar los bordes del marco, sin que todo lo que ocurre atienda necesariamente a la construcción habitual del biopic musical (grandes éxitos como Elvis o Bohemian Rhapsody) y las películas de corte más clásico en general.  

Un lirismo incluso onírico en algunos momentos se apodera de la cinta (o la vertebra más bien) creando la sensación legendaria que busca, así como transmiendo cierto aire de melancolía o tristeza suspendida. Esta atmósfera tan especial, junto a las poderosas imágenes que la propician, resuena en mis adentros hasta el momento en que escribo esta crítica, aún embriagado por su descomunal fuerza; resultante de un tratamiento estético único en términos fotográficos y de puesta en escena: Lacuesta, Takeuchi y Rodríguez construyen una imaginería visual digna de un cruce entre Kar-Wai y Val del Omar, pero con alma propia. Este despliegue hace de Segundo premio una película tan arrebatadora en lo audiovisual, que logra trascender su esencia, más allá del texto en sí.  

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La implicación de Jonás Trueba

Existe en Segundo premio cierto poso en el retrato de las relaciones humanas y la poética de la realidad, que casa con el cine de Jonás Trueba (Los ilusos, La virgen de agosto…), pienso por ejemplo en la conversación casual en una terraza de bar, o la representativa y recurrente imagen de los tres principales personajes de la película tumbados en contacto.  

Esta relación quizá tenga que ver con que el cineasta madrileño iba a dirigir la película sobre Los Planetas y, aunque finalmente no lo hizo, su productora Los Ilusos sí participó, siendo el primer proyecto que no dirige Trueba en que se implica. Es posible también, que esté mirando donde no hay nada que ver, y que de no saber este dato no estableciera conexión, pero mi imaginación divaga sin mi mando, y es mi deber plasmar los puertos que reciben su desembarco, aunque pueda resultar sinrazón en ocasiones.  

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Músicos y actores 

La decisión de poner músicos en escena permite una adecuación más realista de los personajes, así como descubrir la maravillosa faceta interpretativa del artista musical Fran Ocete AKA Cristalino. El guitarrista enfrascado en una autodestructiva drogadicción y aislamiento, al más puro estilo Mark Renton (Ewan McGregor) en Trainspotting (1996). El joven Daniel Ibáñez logra una interpretación también encomiable como cabecilla vocalista de la banda (Jota), que seguramente catapulte su incipiente carrera artística.  

El personaje de Stéphanie Magnin tiene más peso por su ausencia que por sus apariciones (en un sentido narrativo, no menospreciando su interpretación). Es la musa y compañera de Jota, que no concibe el grupo sin ella y constantemente insiste en su vuelta porque siente que Los Planetas “somos nosotros dos. Ante la continua negativa de ella, una mujer decidida que no se deja llevar, puede que el vocalista construya su música atormentado por la pérdida ya que, al final, de eso se trata el arte.  

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Conclusión 

Isaki Lacuesta vira radicalmente de tema respecto a su anterior largometraje Un año, una noche (2022), sin dejar atrás el afán por retratar la realidad en diferentes vertientes. Con Segundo premio, explora los entresijos de una época y ambiente concretos: drogas, música, sufrimiento y amor, con una estética tan arrebatadora que trasciende en forma de pura sensación.  

La película se aleja de la concepción clásica de biopic musical, para crear un producto tan propio y libre como sus artistas, encaminados hacia un desconocido conocido por el espectador, que se suprime inteligentemente como todo lo mediático o externo al propio grupo buscando plasmar únicamente su humanidad. Es el retrato de una época, de un ambiente y de unos personajes; disfrutable para los fans del grupo y para sus absolutos desconocedores. 

Muchas gracias por leerme e id al cine.  

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Reseña de Injustice – Las aventuras de Superman: Jon Kent. Tom Taylor clava al hijo de Superman en su vuelta al universo de Injustice

Hay personajes que dependen mucho de los autores que se hagan cargo de ellos. Y Jon Kent es un ejemplo paradigmático. Siendo hijo como es de Superman, tratar con un personaje como Jon siempre es complicado ya que es difícil huir de la alargada sombra de su padre. El primer escritor que supo que hacer con él fue el gran Peter J. Tomasi, que uniendo su destino al de joven Damian Wayne (el hijo de Batman), ofreció unas aventuras muy divertidas que sirvieron de punto de apoyo para la evolución de ambos niños. Pero nada dura para siempre, y menos en el Universo DC. Así que llegó Brian Michael Bendis y decidió (con el beneplácito de sus jefes, no lo olvidemos) que el bueno de Jon tenía poco que ofrecer como niño y lo hizo crecer de manera artificial hasta la edad postadolescente. El problema es que una vez que Jon era mayor, nadie, ni el propio Bendis, sabía qué hacer con él. Pero entonces apareció Tom Taylor y se hizo cargo del personaje, haciéndolo evolucionar más allá de la sombra de su padre y ofreciendo un desarrollo que ha hecho que Jon sea uno de los personajes más interesantes de la editorial, más allá de las polémicas sobre su orientación sexual. Y es que el bueno de Tom Taylor es simplemente, uno de los mejores guionistas de cómics de la actualidad.

Después de este pequeño resumen sobre la vida editorial de personaje toca reseñar sus últimas aventuras, que llegan a España publicadas por ECC en un tomo con el sugerente título de Injustice – Las aventuras de Superman: Jon Kent, a cargo de Tom Taylor en el guion y con dibujos de Clayton Henry y Darick Roberston.

Superman

El resumen de la editorial de este libro es el siguiente: Jon, el hijo de Clark Kent y Lois Lane, es muy joven, pero ya se ha enfrentado a muchos enemigos. Y hay uno a quien teme especialmente. Se trata de Ultraman, el último kryptoniano de otra dimensión, que lo tuvo preso durante años. Ahora, el villano se ha propuesto matar a los Superman de todo el Multiverso, y Jon es el único capaz de detenerlo. Lo que nuestro héroe no sospecha es que está a punto de emprender un viaje que lo conducirá a un mundo donde su madre está muerta… y donde su padre ha cambiado mucho.

El guionista Tom Taylor recupera una de las sagas más célebres de la historia reciente de DC Comics en este volumen dibujado por Clayton Henry y Darick Roberston.

El punto de partida de la historia no puede ser más interesante. Jon tiene que enfrentarse a Ultraman, el único ser al que tiene miedo, el que le torturó siendo muy joven. Y lo hará por que es lo que hace Superman, enfrentarse al mal sea cual sea el precio y las consecuencias. Los diálogos de Taylor en el primer número del tomo, en el que Jon toma esa complicada decisión, demuestran lo bien que le tiene cogido el tono al personaje. No es su padre y nunca lo será, pero tiene sus mismos valores, aunque con un punto de vista diferente.

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Ultraman, el «ogro» de Jon Kent

Pero una vez se pone en marcha la historia, la acción da un brusco giro llevando a nuestro protagonista a un mundo que Tom Taylor conoce a la perfección, el universo de Injustice. En dicha serie Taylor presentó una trama espectacular en la que Superman se vuelve un tiránico dictador que tiene al mundo atrapado en sus manos y las de sus aliados. El único que le hace frente es un Batman que no duda en enfrentarse a su antiguo amigo para liberar a la humanidad.

En este universo, el Joker manipuló a Superman para que acabará con la vida de una Lois Lane embarazada, por lo que la llegada de Jon le revolverá el alma y la mente. El propio Jon tendrá que tomar decisiones complicadas y difíciles ya que este mundo es totalmente diferente al suyo, y este Superman no es desde luego su padre. Y además tendrá que lidiar con otro problema más, ya que parece que sus poderes están evolucionando hacia algo más.

Jon Kent
El Superman de Injustice con nuestro Jon Kent

Jon servirá como espejo moral frente a las encarnaciones que hay en este mundo de los héroes que conoce de su propio universo. Nuestro protagonista los conoce, tal vez más íntimamente de los que ellos creen, así que no duda en confrontar a los Batman, Superman, Wonder Woman y demás habitantes de esta tierra, sin usar la fuerza física, más bien apelando a su corazón. Y es aquí donde se vuelve a notar el talento de Tom Taylor. Con unos afilados diálogos disecciona a los miembros del Universo DC que aparecen en este mundo a la vez que logra presentar a Jon como un soberbio Superman, con opiniones propias alejadas de las de su padre, pero que conectan perfectamente con el legado del personaje.

Es cierto que el guion es un poco rápido. Pasan muchas cosas sin que haya demasiado tiempo para que se asienten situaciones que son muy interesante. Pero es el peaje que hay que pagar para poder contar la historia que el escritor tiene en mente en el número de páginas disponibles.

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La «resistencia» al reino del terror de Superman

En cuanto al dibujo, solo puedo decir que el trabajo de Clayton Henry es soberbio, encajando de manera perfecta con la historia que nos están contando. Su dibujo es bonito y elegante, brillante en las escenas de acción y superlativo a la hora de plasmar las emociones de los personajes, algo fundamental en un tomo donde los diálogos tienen tanta importancia a la hora de expresar las posturas de los personajes. Darick Roberson echa una mano en un número intermedio y, aunque es un buen dibujante, nunca ha sido un artista especialmente dotado para dibujar superhéroes, algo que se nota y hace que se heche de menos a Clayton Henry en sus páginas.

La edición de ECC recoge en un tomo de tapa blanda los numeros 1-6 de Adventures of Superman: Jon Kent, ofreciendo así la saga completa para que disfrutemos mejor de su lectura. Este volumen consta de 144 páginas y se incluyen como extras un prólogo a cargo de Fran San Rafael además de todas las portadas originales. El precio de venta es de 18 euros. Es de esperar que la editorial siga ofreciendo en posteriores tomos los siguientes números de la cabecera americana.

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Batman cuenta a Jon la trágica historia del Superman de Injustice

En resumen, Injustice – Las aventuras de Superman: Jon Kent es un comic perfecto para los amantes de las buenas historias de superhéroes, sobre todo para los fans de un Jon Kent que no podría estar en mejores manos. El trabajo de evolución del personaje a cargo de Tom Taylor es soberbio, con un manejo de los diálogos brillantes que sirven para subrayar la personalidad del protagonista. Y si encima te gustan los universos alternativos con versiones chungas de los héroes, no lo dudes, este tomo tiene que estar en tu biblioteca.

Las películas más esperadas del verano 2024

Llega el verano y Hollywood lo sabe; por eso despliega sus mejores películas durante el mismo, para que busquemos un lugar fresquito, las salas de cine, donde pasar un buen rato. Ofrecemos con esta lista un calendario; corre a coger lápiz y papel para apuntar aquellos estrenos que nos llamen la atención, y así, no perdernos las fechas imprescindibles de los lanzamientos del verano 2024.

los estrenos de películas mas esperadas

  1. Amigos imaginarios

John Krasinski sigue explorando un camino como director interesante. En esta ocasión, apuesta por la fantasía en su nueva película, en la que se rodea de criaturas fantásticas con la que volver a generar ruido como cineasta. La historia sigue a una niña que tras una crisis personal empieza a ver a los amigos imaginarios que tenemos cuando somos niños, y que se quedan olvidados cuando la vida real nos hace crecer.

Amigos imaginarios es una película que combina acción real con personajes animados digitalmente en un intento por replicar el éxito de un clásico como ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Protagonizada por Ryan Reynolds, antes de partir la taquilla con Deapool, y Cailey Fleming, con música de Michael Giacchino. Amigos imaginarios promete ser una de esas películas que ofrecen una emotiva aventura para toda la familia. Se estrena el 17 de mayo.

  1. Furiosa: De la saga Mad Max

Calentando los motores para convertiste en una de las mejores películas de acción del año. George Miller sigue apostando a lo grande por esta road movie desértica, repleta de escenas salvajes de acción. Esta vez nos cuenta el origen de la joven Furiosa mientras sobrevive a la guerra encarnizada que se desarrolla en el páramo entre dos líderes brutales: el Señor de la Guerra Dementus e Immortan Joe.

Esta precuela, que ocurre 15 años antes de los eventos de Mad Max: Fury Road, será la quinta película de la franquicia Mad Max. Protagonizada por Anya Taylor-JoyChris Hemsworth y Tom Burke. ¿Logrará despertar la taquilla el ruido de los carburadores sucios? Lo descubriremos el 24 de mayo.

  1. Inside Out 2

Disney necesita alegrías económicas para reflotar un año 2023 que fue flojo en cuanto a recaudación. Por eso, se ha decidido por apuestas seguras como esta secuela de una de sus películas más alabadas del sello Pixar, Del Revés. Está dirigida por Kelsey Mann y escrita por Meg LeFauve, además de protagonizada por las voces de Amy PoehlerPhyllis Smith y Lewis Black, con Tony HaleLiza Lapira y Maya Hawke.

Con esta secuela, Disney quiere replicar el éxito de público y crítica que siempre ha generado Pixar para poder levantar las expectativas sobre su producción después de unas cuantas películas de animación que han pinchado en taquilla. En esta ocasión, conoceremos a la nueva sensación, Ansiedad, que dará mucho de qué hablar. Mientras tanto, Alegría, Tristeza e Ira tienen que enfrentarse a la adolescencia, una etapa confusa que lo pondrá todo patas arriba. Se estrena el 19 de junio.

  1. Un lugar tranquilo: Día 1

Un spin off de una de las películas más admiradas que nos ha dado la ciencia ficción moderna. Protagonizada por Lupita Nyong’o, que estará acompañada por Joseph Quinn, el actor que ha despuntado en la temporada 4 de Stranger Things, Alex Wolff, Djimon Hounsou y dirigida por Michael Sarnoski.

Su trama sigue la línea de misterio y sorpresa de sus predecesoras, aunque sí conocemos que girará sobre la llegada de las criaturas a la ciudad de Nueva York. Podremos comprobar cómo se desató el caos en ese día 1, con el comienzo de esta pesadilla para la raza humana. Disfrutaremos de una buena ración de apocalipsis con el consiguiente colapso de la sociedad tal y como la conocemos.  Eso sí: todo tendrá que ser en el más absoluto de los silencios si quieres sobrevivir. Se estrena el 28 de junio.

  1. Bad Boys 4

Una saga de películas divertidas, que han hecho las delicias de los fans durante varias décadas. La cuarta entrega de la franquicia, Bad Boys Ride or Die, está dirigida nuevamente por Adil El Arbi & Bilall. Will SmithMartin Lawrence estarán acompañados por Paola NúñezVanessa Hudgens y Alexander Ludwig que repiten sus papeles de la película anterior.

En esta secuela, los veteranos agentes Lowrey y Burnett se verán envueltos en una peligrosa trama de conspiración por la que serán perseguidos por sus mismos compañeros. Tras escuchar falsas acusaciones sobre su ex capitán y mentor de que estaba involucrado en sucios negocios relacionados con cárteles de droga, los dos policías tendrán que salirse de la ley y convertirse en fugitivos para poder limpiar su nombre. Sin duda, una apuesta entretenida con la que pasar una buena tarde de verano en el cine. Se estrena el 7 de junio.

  1. Horizon: An American Saga

Kevin Costner regresa al género western que más réditos le ha generado. Vuelve a dirigir, protagonizar y también coescribir junto al guionista Jon Baird, el estudio profundo de personajes, llenos de polvo, que transitan por los terrenos baldíos y desérticos de las leyendas del oeste americano.  El largometraje está coprotagonizado por un extenso reparto que incluye a Sienna MillerSam WorthingtonJena MaloneAbbey LeeMichael RookerDanny HustonLuke WilsonIsabelle FuhrmanJeff Fahey y Will Patton

La película narra un lapso de 15 años antes y después de la expansión de la Guerra de Secesión y el asentamiento del oeste americano. La ficción nos trasladará a 1861 para fotografiar el inicio del fin del Salvaje Oeste, todo ello a lo largo y ancho de diferentes personajes, familias y escenarios. Se estrena en dos partes, el 28 de junio el capítulo 1 y el 16 agosto el capítulo 2, .

  1. Gru, mi villano favorito 4

Vuelve el villano favorito de todos: Gru, que viene acompañado por los Megaminions, unos Minions con superpoderes. Con sus personajes divertidos, un villano carismático y sus aventuras siempre entretenidas, muestra su candidatura a convertirse en una de las películas de animación del año.

Gru se encontrará en una situación familiar y profesional  comprometida. El nacimiento de su cuarto hijo, Gru Jr., romperá la dinámica familiar convirtiéndose en un autentico quebradero de cabeza para él, Lucy y las niñas. Esta cuarta entrega de la popular saga de animación está dirigida por Chris Renaud, que dirigió las dos primeras partes, con un guion escrito por Mike White. Cuenta con las voces en versión original de Steve CarellKristen WiigWill FerrellSofía VergaraJoey King.  ¿Conseguirá esta cuarta parte de la saga de Mi villano favorito seguir siendo una de las películas de animación más taquilleras de la historia? Tendremos que esperar hasta su estreno el 3 de julio para conocer la respuesta.

  1. Twisters

Como a Hollywood le gustan los remakes innecesarios, pues ya tenemos aquí el siguiente, encontrando una excusa para ver nuevamente tornados en la pantalla, aunque el resultado del anterior film más bien fue una experiencia bastante mediocre. Nos encontramos ante una actualización de la película de 1996, Twister, centrada en un par de cazadores de tormentas que arriesgan sus vidas en un intento de probar un sistema experimental de alerta meteorológica.

Dirigida por Lee Isaac Chung, está protagonizada por Daisy Edgar-Jones y Glen Powell. Esta película intentará que el verano se convierta en una sinfonía épica sobre catástrofes. Un viaje peligroso por uno de los fenómenos naturales más sorprendentes y destructivos de la naturaleza. Se estrena el 19 de julio.

  1. Deadpool 3

Una de las películas más esperadas del año, el acontecimiento Marvel de la década, con el que aspira a que el cine de superhéroes pueda volver a su estatus de invencible en la taquilla. Ryan Reynolds vuelve a meterse, o quizás nunca se la ha quitado, en la piel de Deadpool, para ofrecernos una de las más adictivas y entretenidas películas que ha dado el universo superheroico. Si a ello añadimos el regreso de Lobezno, el más salvaje de los héroes, con la cara de Hugh Jackman, el éxito está garantizado.

Poco más que decir ya, puesto que es una película que ha generado multitud de noticias en las redes, hasta de cuántas veces iba al baño Deadpool, quedando solo por emplazar a los espectadores, a descubrir si el hype puesto en el cielo está justificado. Respuesta que conoceremos, y sabremos si finalmente arrasará, el 26 de julio.

  1. La trampa

Una nueva película de M. Night Shyamalan siempre es noticia, ya sea para criticar o alabar, ya que tiene la capacidad innata de sorprendernos o aburrirnos. El particular cineasta intentará atrapar una vez más al espectador con sus historias rotatorias y ambiguas. En esta ocasión nos presenta un thriller psicológico que gira en torno a un cruel asesino en serie durante la celebración de un concierto.

Dirigida y escrita por M. Night Shyamalan, la película está protagonizada por Josh Hartnett, Ariel Donoghue, Saleka ShyamalanHayley Mills y Alison Pill. Este inquietante proyecto del cineasta promete perturbar nuestro plácido verano con su estreno en cines el 9 de agosto.

  1. Borderlands

La adaptación del popular videojuego, Borderlands, ha generado cierto revuelo entre los fans jugadores. Las expectativas están controladas, ya que en muy pocas ocasiones las adaptaciones de videojuegos han dado buenos resultados en el cine. De momento, ha logrado respetar el espíritu festivo del juego y prestando atención al detalle en la caracterización de los personajes.

Dirigida por Eli Roth y protagonizada por Cate Blanchett, Kevin Hart, Ariana Greenblatt, Florian Munteanu, Jamie Lee Curtis y la voz de Jack Black como el robot Claptrap. Esperemos que esta adaptación, por lo menos, nos traiga un poco de diversión veraniega. ¿Será capaz este diverso grupo de inadaptados de conseguir reventar la taquilla? Habrá que esperar hasta el 9 de agosto para averiguarlo.

  1. Alien: Romulus

Llega una nueva entrega de Alien, que promete devolver a la senda del éxito a nuestro xenomorfo favorito. Esta versión persigue volver a los orígenes de terror espacial que instauró Ridley Scott en 1979. La historia gira sobre un grupo de jóvenes que se dedican a robar todo lo que pueden en naves espaciales abandonadas, encontrándose, como no podía ser de otra manera, con uno de estos letales seres en una estación que flota a la deriva.

Dirigida por Fede Álvarez y coescrita por Álvarez y Rodo Sayagues. Protagonizada por Cailee SpaenyIsabela MercedDavid JonssonArchie Renaux, Spike Fearn y Aileen Wu. Nos encontramos ante la séptima de las películas de la serie que configura el universo de Alien. ¿Logrará esta nueva entrega que tus gritos no se puedan volver a oír en el espacio exterior? La respuesta la tendremos el 16 de agosto.

  1. Kraven the Hunter

Nuevo intento de Sony por lograr un mega éxito con los personajes del universo Spiderman. Le toca el turno a Kraven el Cazador, un personaje curioso, pero quizás no con el suficiente carisma para tener su propia película; ya veremos. La historia es de orígenes: en este caso conoceremos cómo el  joven Sergei Kravinoff es entrenado para convertirse en el mejor cazador del mundo, que siempre anhela la mejor presa para poner a prueba sus habilidades sobrehumanas.

La película está dirigida por J. C. Chandor, con un guion escrito por Richard Wenk . Está protagonizada por Aaron Taylor-JohnsonAriana DeBoseChristopher AbbottAlessandro Nivola y Russell Crowe. Despues de los fracasos sonados de Madame Web y Morbius, no se espera mucho de esta adaptación, aunque tiene el listón tan bajo que puede convertirse en una sorpresa agradable. El veredicto se dará el 30 de agosto.

  1. Bikeriders. La ley del asfalto

Candidata a ser una de las películas del verano. Narra el ascenso de un club de moteros durante los años 60. Observaremos el auge y la creación de la banda a través de las vidas de sus miembros. Cuenta con una buena plantilla de actores y sus primeras críticas están siendo bastantes positivas.

Dirigida por Jeff Nichols y protagonizada por Jodie ComerAustin ButlerTom HardyMichael ShannonMike Faist y Norman Reedus. Una película de bandas moteras que promete acción, robos, actos delictivos y toda una cadena de emociones dramáticas. Su estreno será el 12 de julio.

  1. Fly Me to the Moon

Para finalizar la lista, la que promete ser una de las mejores películas de comedia del verano. La historia está ambientada durante la carrera espacial de 1960, desarrollada entre Estados Unidos y la Unión Soviética, mientras una pareja de trabajadores de la Nasa comienzan un romance. Con un detalle curioso: cuando la Casa Blanca considera que la misión no puede fracasar, da la orden de simular un alunizaje falso por si el Apolo 11 no consigue acabar su misión.

Dirigida por Greg Berlanti, escrita por Rose Gilroy y protagonizada por Scarlett Johansson y Channing Tatum. Este largometraje presenta una trama interesante, que puede hacer saltar chispas en este verano que se presenta bastante tórrido. Su estreno será el 12 de julio. 

 

Hasta aquí este listado de las películas más esperadas del verano. Disfrutad del cine y sed felices.

Análisis de Outer Range, temporada 2

Outer Range ha regresado a Amazon Prime. La segunda temporada de una de las series revelación del 2022 continúa justo donde terminó la primera. Si no recordáis nada tenéis dos opciones: o volverla a ver, o leer nuestros análisis. Así que aquí os dejo el enlace:

Esta segunda temporada de Outer Range consta de 7 episodios, es decir uno menos que la temporada anterior. Amazon Prime los ha puesto todos del tirón, cuando hace dos años los dosificó a razón de dos a la semana. Mala señal, en mi opinión. Menos episodios y todos de una tacada denota cierta falta de confianza en la serie. Por el momento no sabemos nada de renovaciones ni de cancelaciones, así que esto es lo que hay…

De vuelta al bujero

Outer Range, temporada 2, responde algunas preguntas que se plantearon en la temporada anterior pero presenta otras nuevas. Intentaremos sintetizar los 7 episodios en este post y después haremos una valoración general. Lo mejor, para ser algo ordenados, será empezar por los personajes.

Sheriff Joy (Tamara Podensky)

El personaje de la Sheriff Joy es el más fácil de seguir. Al final de la temporada anterior había llegado al pasado. Ahora sabemos que se ha plantado en 1882. Roy Abbott tiene 7 años y Joy permanecerá en el pasado 4 años más, hasta 1886. En esos años convivirá con la tribu de sus ancestros y conocerá a Martha Hawk (Morningstar Angeline), enfermera indígena que procede de 1965 y que lleva allí 14 años.

Con esto se establece que por el agujero (u otros similares) hay gente entrando y saliendo a lo largo de diferentes épocas, aunque el lejano oeste parece una constante. ¿Un punto de partida?

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En todo caso, los 4 años que Joy permanece en el pasado la convierten en una persona diferente y a su regreso sufre una suerte de estrés post-traumático que sólo Royal Abbot puede entender. Más si tenemos en cuenta que Royal fue determinante en el regreso de Joy. Lo que antes se reveló como un accidente de caza, es decir la muerte del padre de Royal a manos de su hijo, ahora se transforma en un asesinato a sangre fría cuando Royal salva a Joy y mata a su padre, un ser despreciable que segundos antes ha manifestado que ojalá la madre de Royal muera en un parto y así se libra de ella.

¿Tenía Royal los recuerdos reprimidos y transforma el asesinato de su padre en un accidente o Joy ha cambiado el pasado? ¿Puede el pasado cambiarse? Esto último es difícil de responder.

Autumn (Imogen Poots)

A Autumn la dejamos medio convaleciente en casa de los Abbott. La gran revelación de la temporada anterior fue que Autumn es Amy Abbott (Olive Abercrombie). Ahora sabemos que ni la propia Autumn conocía este hecho pero lo asume como cierto, aunque con ciertas reticencias. Tras darse un chute del mineral que le proporciona Luke Tillerson, Autumn asume su destino. Es más, está empeñada en hacerlo realidad, así que sale en busca de Amy, quien desapareció con su madre al final de la temporada anterior.

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La historia de Amy y Autumn parece quedar cerrada ya que, tras un tira y afloja con la Sheriff Joy, Amy cae en el agujero y aparece no se sabe bien dónde, con los recuerdos perdidos, aunque cree llamarse Autumn.

¿Adónde ha ido a parar Amy? Uno diría que al pasado pero, por el paisaje desértico en que despierta, parece más bien un futuro apocalíptico. No se si responderán a esta pregunta porque uno de los problemas de Outer Range es el estirón de Olive Abercrombie, quien ya no aparenta nueve años ni queriendo.

Los Tillerson

A los Tillerson los meteremos en un mismo apartado. Por un lado tenemos a Wayne Tillerson (Will Patton), quien despierta del coma gracias al mineral que Billy (Noah Reid) le dio de comer en el último episodio.

Wayne se encuentra con que Billy está agonizando, víctima del disparo que Royal Abbott le encasquetó en la temporada anterior. Contra todo pronóstico, Billy sobrevive y nosotros que lo lamentamos porque no solo sigue con su manía de cantar sino que la ha contagiado a su padre. Se ve que los Tillerson son una familia muy cantarina. Menos Luke.

Luke Tillerson (Shaun Sipos) es la oveja negra de la familia. En el episodio anterior excavó y excavó y se trajo una manada de bisontes del pasado. Su contacto con el mineral le ha dado la opción de conocer su futuro, que parece unido al de Autumn.

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La relación de Luke con su padre y su hermano se complica en esta temporada hasta llegar a un punto de no retorno. Lo único que tienen los tres en común es que quieren lo que hay en el rancho de los Abbott pero entre ellos se desprecian, si bien Luke aspira al cariño y la atención de su padre. El rancho no lo consiguen porque una alma caritativa paga la fianza impuesta por el juez tras no presentarse Perry en el juzgado.

No lo conseguirá porque Luke se encapricha de Autumn y en un arrebato de furia, mata a Billy. Su padre lo maldice por los siglos de los siglos y presa del dolor, Wayne Tillerson salta al agujero (que por cierto, ¿a nadie se le ha ocurrido poner vigilancia en ese pasto?: cualquiera entra y sale del rancho Abbott) mientras Luke ayuda a Autumn a llevar a Amy al agujero para cumplir su destino.

Rhett Abbott (Lewis Pullman)

El personaje más desaprovechado de la temporada. Rhett Abbott ve frustrada su intención de largarse con su novia Maria (Isabel Arraiza) cuando se entera de la desaparición de Amy. Prácticamente no hace nada en toda la temporada más que lamentarse y retozar con Maria en la habitación de un motel.

En el episodio final parece ganar algo de protagonismo ya que se ofrece a traicionar a su padre a cambio de 30.000 dólares que le permitirían empezar de nuevo en otro lugar. Y es que Rhett firma un pacto con la doctora Nia Bintu (Yrsa Daley-Ward), la universitaria a la que Royal dejó una muestra de mineral en la temporada anterior.

Es Nia Bintu la que confirma lo que hasta ahora eran especulaciones (acertadas, eso sí): lo que hay en el pasto oeste es tiempo, tiempo en forma de río en el que te zambulles, en forma de mineral que te puedes comer y con el que puedes comercializar. Nia Bintu avisa a Rhett de lo que está por llegar, que parece relacionarse con la escena de la temporada anterior en la que Royal aparece en el futuro, en una especie de instalación militar que rodea el agujero.

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Cecilia Abbott (Lili Taylor)

La gran protagonista de la temporada es Cecilia Abbott, especialmente por la relación que establece con Autumn. Dicha relación ocupa gran parte de la trama, incluso podríamos decir que la vertebra. Además, en estos nuevos episodios tenemos una gran revelación: la desaparición de Rebecca Abbott, la madre de Amy, se produjo porque Cecilia la echó del rancho al enterarse de que estaba liada con un tal Louis, una especie de líder sectario que tiene todo un harén.

Se resuelve pues una de las grandes preguntas de la temporada anterior, con una respuesta que ha resultado menos fantasiosa de lo que imaginábamos. Atormentada por la culpa, Cecilia le confiesa la verdad a Royal y se pasa toda la temporada intentando recuperar a Amy. Aunque fracasa, acepta que Autumn es Amy y que nada puede hacer para recuperar a su nieta de nueve años.

Outer Range

Royal Abbott (Josh Brolin)

Josh Brolin sigue desbordando carisma cada vez que aparece en pantalla, aunque su personaje aparece algo desdibujado al lado de Cecilia (aunque no tanto como Rhett). A Royal no le ha quedado otra que revelar su origen a su mujer y explicar lo del agujero y siempre resulta fascinante como los americanos se toman las cosas más sobrenaturales como si fuesen el pan nuestro de cada día.

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Por lo demás, a lo largo de esta temporada Royal actúa más como un apoyo para todos los que le rodean, ya sea Autumn, Cecilia o Joy, con la que guarda una relación especial tras su paso por el agujero. Aún así le queda tiempo para amenazar a Nia Bintu con una bala, mandar a Wayne a la mierda y aceptar que mató a su padre a sangre fría. ¿O no fue así en realidad? Hay una escena en la que parece que los nuevos recuerdos, creados por la intromisión de Joy en el pasado, se solapan a los antiguos.

Pues con esto terminamos y pasamos a… Un momento. Parece que tenemos una pregunta por parte de un joven lector.

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Perry Abbott (Tom Pelphrey)

Efectivamente. Gracias, joven (aunque quizás eres demasiado joven para ver esta serie, ¿no?). Nos dejábamos al gran Perry Abbott, quien se lanzó de cabeza al agujero al final de la temporada anterior. ¿Dónde fue a parar?

Pues Perry Abbott protagoniza su propia versión de Regreso al futuro, apareciendo en un momento del pasado en el que sus padres ni siquiera estaban liados. Es más, Cecilia estaba liada con Wayne Tillerson («¡Hostia puta!», exclama el bueno de Perry cuando se entera). Cual Marty McFly vaquero (mejor vestido, eso sí), Perry pasará unos días en el pasado con la excusa de buscar a Rebecca, con tan mala suerte que, en un momento en que Wayne se toma un chute de mineral tiempero, este se entera de que Perry viaja en el tiempo.

Outer Range Royal y Cecilia

Todo parece indicar que la misión de Perry es que sus padres se enamoren antes de que todos desaparezcan de la foto y de que el rayo caiga sobre el reloj de la torre. ¿O me estoy liando? Es igual. Royal Abbott, en su versión joven, le empuja al agujero con la excusa de que no pertenece a ese tiempo. Y vamos a ver, Royal, ¿acaso tú sí? ¿Por qué Perry tiene que largarse y tú te has quedado cincuenta años?

¿Y adónde va a parar Perry en su segundo viaje por el bujero temporal? Pues ojo que aquí viene el gran giro de la segunda temporada porque Perry, nuestro Perry, aparece unos momentos antes de que matase a Trevor Tillerson (Matt Lauria) y todo se fuese a la mierda. Como es un cacho de pan (algo tonto pero un cacho de pan) intenta impedir que su yo mate a Trevor y… ¡sorpresa, sorpresa!, es él quien acaba con el cráneo roto.

 

En una escena surrealista, Perry coge su propio cadáver y lo echa al agujero, tal como Royal hizo con Trevor en la primera temporada. Tras esto, Perry regresa al rancho como si tal cosa, a sustituirse a sí mismo y contarle un cuento a Amy.

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Aquí surge la gran pregunta. ¿Perry se halla en otra línea temporal? ¿Ha cambiado el pasado? ¿Está Trevor vivo? Estos sucesos hacen saltar por los aires toda la serie porque, lo más lógico, lo que toda película y serie sobre viajes en el tiempo establece, es que si muere tu yo pasado automáticamente pasas a mejor vida. Ya sabéis, el rollo de si viajo al pasado y mato a mi abuelo entonces no naceré y no viajaré al pasado y no mataré al abuelo, etc, etc, etc.

Lo más lógico hubiese sido que Perry desapareciese cuando su yo pasado murió pero no, eso no ha pasado. Por el momento no tenemos explicación a todo este embrollo y habrá que esperar a la siguiente temporada porque, tal y como le dice Autumn a Royal al final del episodio, esto sólo es el principio.

 

Valoración de la temporada

Efectivamente, esto parece el principio. Tal y como se ha planteado esta segunda temporada, la anterior parece el prólogo de esta. Es verdad que algunas preguntas se han resuelto pero, como era de esperar, han aparecido otras.

Queda claro que el tiempo fluye y que eso es lo que hay en el agujero: tiempo. Queda claro que hay viajeros del tiempo y que se hallan conectados (como cuando Joy, Perry o Royal oyen un zumbido cada vez que aparece el agujero). Queda claro que los animales que no sabíamos qué pintaban son animales que han viajado en el tiempo (hay que fijarse en la escena en la que aparecen ante Joy, reconociendo su conexión), especialmente el bisonte con flechas clavadas.

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Lo que no queda claro es si el pasado se puede cambiar o el futuro ya está escrito. No queda claro adónde ha ido a parar Amy o dónde está Wayne. Y hay algunos personajes de los que nunca más se supo, como Karl Cleaver (Kevin Chamberlain), el abogado que parece tener un accidente en la temporada anterior pero del que no nos confirman nada.

O peor, el personaje de Patricia Tillerson (Deirdre O’Connell), que tiene una brillante aparición en esta temporada («Satanás nos envía a su emisario», afirma Wayne cuando la ve en el hospital), pero que luego desaparece totalmente.

Por otro lado, la sorpresa inicial se ha diluido (y más tras dos años de espera). Outer Range se ha consolidado como una serie sobre viajes en el tiempo pero me atrevo a decir que ha perdido algo de surrealismo por el camino, ese toque a lo David Lynch que muchos señalábamos en la temporada anterior (como sucede al explicar qué pintaba el bisonte con las flechas clavadas).

También es cierto que tenemos alguna escena tan surrealista o más que las anteriores, especialmente las protagonizadas por el clan Tillerson y cada vez que algún personaje se mete un chute de mineral tiempero.

En fin, que la segunda temporada de Outer Range nos ha gustado porque nos gustan las series enrevesadas, las que van planteando preguntas y dando respuestas justas, las que son adictivas. Y esta lo es.

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Eso sí, los siete episodios se me han antojado algo cortos. Un episodio o dos más no le habrían sentado mal y podrían haber dado más protagonismo a personajes que no han gozado de tantos minutos en pantalla. Outer Range es también una serie coral, en la que cada uno tiene su papel y quizás no hayan logrado el equilibrio que sí lograron en la temporada anterior.

Y la última pregunta: ¿tendremos tercera temporada? No hay nada confirmado y yo soy algo pesimista pero Josh Brolin ha dejado caer que sería fantástico que hubiera una. Dependerá de Amazon, quienes deben andar algo escasos de dinero, pobrecitos míos.

Si no, no se explica esa manía de meter publicidad al principio y en medio de cada episodio. Será que Jeff Bezos anda corto de calderilla. Eso o que tienen ganas de exprimirnos como un limón porque eso de que la publicidad sea de sus propias series y películas demuestra que su fin es molestarnos y que paguemos más por quitarnos esa molestia. Lo llevan claro. Un saludo, sed felices.

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Novedades de Nuevo Nueve Editores de junio de 2024. Una vez más, vienen cositas chulas.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de junio. Un mes más, Ricardo Esteban nos lo pone difícil para seleccionar títulos.

Nueve

Novedades de Nuevo Nueve de junio de 2024

Cada mes, intentamos seleccionar uno o dos títulos, sobre las novedades de cada editorial, previstas para el siguiente mes. Normalmente es difícil seleccionar. Para este mes de junio, el bribón de Ricardo Esteban nos lo está haciendo pasar mal. Vamos a intentarlo …

En primer lugar, debemos destacar la necesaria reedición de un título: Mecánica Celeste. Que al salir este mes el segundo número, lo tendremos nuevamente disponible.

1.- Mecánica Celeste 2. La Fuente.

Nueve

«Después de su victoria contra Fortuna en ‘Mecánica Celeste’, el equipo de Aster y Pan huyen de la ciudad y encuentran refugio en una antigua fábrica abandonada.
Allí se encuentran con una extraña comunidad solitaria llamada La Fuente, que aboga por la neutralidad hacia Fortuna y Ceres.
Pero la paz sólo dura un tiempo y los emisarios de Fortuna llegan a la fábrica decididos a echar mano a los responsables de un ataque contra sus dispositivos tecnológicos que se han refugiado allí.
Lo que sigue es una verdadera persecución entre falsos terroristas, verdaderos espías y en medio de este lío, ¡Aster y su equipo de brazos rotos!»

Mecánica Celeste 2, verá la luz el próximo 3 de junio. Podéis reservarlo en la web de Nuevo Nueve pinchando aquí.

2.- Rebis.

Nueve«Martino es el hijo más joven y menos querido de una familia. Al ser albino, se le considera el causante de toda suerte adversa, hasta el punto de que un día su padre lo repudia.
Tras huir de casa, Martino no sólo tendrá que aprender a aceptar su diversidad, sino sobre todo comprender que no es la palidez de su piel o el color de su pelo lo que le hace sentirse tan solo y equivocado.
Irene Marchesini y Carlotta Dicataldo crean un mundo rico y detallado, maravillosamente verosímil y, por tanto, aún más aterrador, en el que los marginados se protegen entre sí, en el que uno se vuelve loco si se le da tiempo a una larva para que se convierta en insecto y aprenda a volar, y en el que comprender la propia identidad real hace latir de vida el corazón».

Tendremos disponible este título el 17 de junio. Podéis reservarlo en la web de Nuevo Nueve pinchando aquí.

Y hasta aquí nuestras recomendaciones de las novedades de Nuevo Nueve, previstas para el mes de junio.  Más abajo, os dejamos el pdf completo. Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

Novedades de Norma Editorial y Astronave de junio de 2024

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. hoy tenemos el inmenso placer de presentaros las novedades de Norma Editorial, previstas para este mes de junio. Vamos a echarles un ojo …

Novedades Norma Editorial y Astronave de junio de 2024

Debo deciros que me declaro fan absoluto de uno de los mejores personajes que han existido y existen (y existirán) en el noveno arte. Este personaje es Corto Maltés. Este mes, Norma Editorial nos trae una nueva entrega de la versión del mítico personaje del maestro Hugo Pratt, a cargo de Bastien Bibès.

1.- Corto Maltés. La reina de Babilonia.

Norma

«Una fiesta en un yate privado es la primera etapa de un descenso a los infiernos que conduce a Corto Maltés desde los exclusivos festejos de la jet set veneciana hasta el corazón sangrante de Irak, pasando por la costa croata, los arrabales de Sarajevo y las callejuelas de Estambul.
Su camino está empedrado de buenas (y malas) intenciones, pero también de piratas, terroristas y agentes de la CIA.
Después de Océano negro, el guionista Martin Quenehen y el extraordinario dibujante Bastien Vivès (uno de los mejores historietistas franceses de la actualidad) prosiguen las aventuras de Corto Maltés en el siglo XXI ofreciendo una versión insólita, pero muy respetuosa, del célebre personaje del maestro Hugo Pratt».

Lo tendremos disponible el 21 de junio.

2.- La doble vida de Max Fridman.

Norma

«Oficialmente, Max Fridman es el inofensivo director de una pequeña empresa que comercia con tabaco y que opera desde Ginebra.
Extraoficialmente, es un agente ligado a “la Firma”, o sea, a los servicios de espionaje franceses, que lo obligan a participar en misiones secretas mientras atraviesa una Europa desgarrada por los totalitarismos y al borde mismo de la II Guerra Mundial.
Este volumen reúne los dos primeros álbumes que el maestro italiano Vittorio Giardino (¡No pasarán!, Jonas Fink) dedicó a Max Fridman, su personaje más emblemático. Rapsodia húngara y La puerta de Oriente son dos obras maestras esenciales para entender la evolución de la historieta europea de los años 80 en su registro más adulto».

Tendremos disponible este impresionante volumen integral, que consta de 232 páginas, el próximo 21 de junio.

Y hasta aquí, las recomendaciones de novedades de Norma Editorial, previstas para este mes de junio. Un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de Norma, que saldrán este mes de abril.

Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Baldur´s Gate III (PC, Playstation 5): ni Fallout pudo contigo ayer ni lo hará Pathfinder hoy

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Desde este vuestro amado sitio hemos hablado de mucho de Baldur´s Gate, y como ni ibamos a hacerlo de Baldur´s Gate III. Mucho de todos sus herederos: de Tyranny, de los Dragon Age, de Divinity Original Sin I y II, de los Mass Effect, de los Fallout y, claro, de lo mejor del género en perspectiva isométrica: los dos Pathfinder (especialmente Pathfinder: Wrath of the Righteous, cima del género). En fin, que incluso hicimos un glorioso video de gran éxito de crítica y público (=nuestras respectivas parejas nos comunicaron que no habíamos hecho demasiado el ridículo) sobre el porqué de la importancia del primer Baldur´s Gate, de la locura que inició a finales de los años 90 incluso entre quienes tampoco jugaban mucho a videojuegos y tantas cosas más. Aquí lo tienen en toda su gloria, con voz del muy sexy Miguel de Lys y texto adaptado de un servidor:

Y aunque, estimado Pueblo, desde este rincón sabemos que os encantan los textos largos, con muchas oraciones compuestas y citas en latín vamos a ahorraros, otra vez, el tiempo. Somos conscientes de la importancia de cada minuto y segundo en vuestras vidas. Para qué perder más tiempo leyendo sobre Baldur´s Gate III. Resumen: a favor. No perdéis el tiempo comprándolo. Ni jugándolo. Ni yendo a la cama pensando en lo que vais a hacer en el juego mientras la cabeza se apoya en la almohada. Es más: no solo perdéis el tiempo, sino que lo ganáis. Porque es uno de esos raros casos en los que uno juega no para completar realmente nada sino porque es genuinamente divertido de principio a fin. Juegazo. No sé qué haces continuando este párrafo. Vete ya a comprar el juego de Larian Studios. Venga.

Al lector asiduo del blog no le extrañará que incluyamos más texto a esta crítica (más o menos) de Baldur´s Gate III. Pensamos en la persona que folla mucho (o incluso algo) y en el que se duerme leyendo pero también en quién desea pasar el mayor tiempo posible de su jornada laboral en el baño cagando y leyendo tontadas en el móvil. A ti, que conoces los secretos horribles del universo y tratas de olvidarlos, te agradecemos el esfuerzo, amado lector. No estás solo. Ya no. Formas parte de nuestra familia. Nos ahogaremos juntos mientras nada hacia ningún sitio esperando encontrar una isla. Ven aquí, no tengas miedo, nos hemos duchado.

Todos los análisis habidos y por haber de Baldur´s Gate III hablan del larguísimo desarrollo del juego (6 años), en que lleva como 70-100 horas acabarlo, en que tiene más texto que El Señor de los Anillos y más escenas cinemáticas que toda la serie de Juego de Tronos. Ya se han podido leer y ver análisis repitiendo como papagayos que es la mejor recreación de un juego de rol de mesa a un videojuego. O que los personajes parecen más vivos que nunca. También, dentro de los encendidos y justificados elogios, se ha pasado por alto varias taras que prácticamente todo el mundo le ha perdonado. Pero que existen. Resumiendo, lo fantástico que es el juego (lo es) y lo que supone filosóficamente ha hecho olvidar lo menos bonito y sobredimensionar lo bueno.

Al fin y el cabo Baldur´s Gate III supone recobrar la filosofía de hacer y vender un videojuego de los años 90 pero en casi la mitad de la segunda década del siglo XXI. Es decir, no tiene los habituales programas corriendo a la vez que el videojuego para asegurar que el no es una copia pirata (y que tanto ralentizan tantos videojuegos actuales). No te venden ese horror ya habitual de lo que llaman «pase de temporada«, con los añadidos futuros al juego vendidos por anticipado. No hay recortes del juego para vendértelos aparte. No hay microtransacciones. Compras el juego y ahí está todo. Ya está. Queremos ganar tu dinero, amigo aficionado a los videojuegos, pero te damos un beso antes de intentar accederte sexualmente por uno de los otros dos orificios.

También en cuanto a filosofía Baldur´s Gate III no te trata como un niño que sale por primera vez de casa a por el pan. No es un videojuego de mundo abierto sino de mapas cerrados gigantescos interconectados, pero en los que es fácil perderse misiones o directamente zonas enteras. Aquella puerta que no abriste. Aquel enano al que no limpiaste el cinturón. Aquel monstruo que decidiste matar y no deberías. Hay zonas y mapas gigantes enteros que puede que ni veas si haces esto o aquello. Y el videojuego no se esfuerza en llevarte allí a rastras. Así acabas el juego, lees sobre él y descubres que hay una zona llena de…ni te lo imaginas. Pues existía. Y muchas veces tú te encuentras estas cosas un poco de casualidad, un poco no, pero el sentimiento de maravilla existe y es real.

Baldur´s Gate III es un refinamiento en cuanto a combate de los Divinity Original Sin. Las peleas son en vertical y horizontal. Se puede combatir desde muy alto, a la misma altura, muy lejos, muy cerca, a distancia media. Hay peleas con lava, en colinas, en edificios en llamas, en templos abandonados, en mazmorras subterráneas que se están llenando de agua, en criptas oscuras que no se ve nada y a saber cuantos tipos más de entornos. Éstos cambian las condiciones de cada combate. Los enemigos son enormemente variados en cómo atacan, qué cosas les hacen más daño y en cómo se aprovechan del escenario (cuidado con los sitios donde puedan empujarte al vacío que lo hacen).

Las dos cosas se combinan para darnos combates que casi nunca se repiten por sus circunstancias, no siendo solo un cambio estético sino profundo en cuanto a qué hay que hacer para ganar. Es divertidísimo casi cada combate que puede uno jugar…pero se nota que han bajado mucho el listón de dificultad desde los Divinity Original Sin. Es inmensamente accesible, y más si ya hemos jugado algún juego de rol antes y entendemos lo de llevar más o menos un tanque, un curador, un mago y un pícaro. Es decir, es tirando a poco desafiante y en eso sí es peor que Divinity Original Sin 2, que estaba perfectamente equilibrado en cuanto a dificultad.

En este punto hay que llegar a la frase manida de «es lo más cercano al rol de mesa» para hablar de Baldur´s Gate III, lo cual nos lo vamos a tomar como lo que es. Es decir, una frase hecha que se ha repetido una y otra vez hasta acabar con la cordura humana. Pero no es así. Baldur´s Gate III nos lleva al campamento a dormir sin que nos asalten en mitad de la noche. Nos permite repetir tiradas de dados en pruebas de habilidad. Nos facilita rectificar la progresión de niveles y las habilidades que vayamos cogiendo con nuestro personaje dejándonos cambiarlo casi como queramos costándonos muy poco. LA pesar de las muchísimas habilidades y hechizos que podemos tener realmente en cada subida de nivel de personaje las decisiones no son tantas. También el tema del peso que llevamos es irrelevante porque podemos mandar mágicamente las cosas al campamento, no influyendo prácticamente nada. Es decir, cosas que Pathfinder: Wrath of the Righteous hace sobradamente de manera mucho más fiel en un videojuego que Baldur´s Gate III.

También Pathfinder: Wrath of the Righteous es mucho más complejo a la hora de viajar, en cantidad y variedad de hechizos o en las mismas relaciones o romances. Pero ayh amigo, Baldur´s Gate III es fiel a las dos primeras partes en algo esencial que al final es lo que cuenta. Baldur´s Gate era en su día menos complejo argumentalmente que Planescape Torment y como videojuego de rol que da alternativas para resolver cada enfrentamiento era inferior de lejos a Fallout, pero acercó de manera accesible al rol a mucha gente que nunca había jugado a nada del género. Y Baldur´s Gate III es igual en espíritu: es superior en el sistema de combate a cualquier videojuego de rol occidental pero en cuanto a lo épico, la profundidad argumental o complejidad de desarrollo de personaje ni se acerca a los Pathfinder. No es solo llegar a la mejor representación de lo real sino en hacer al final mejor videojuego para un público mayor. Baldur´s Gate III es heredero de los dos anteriores en esto, y posiblemente en el imaginario de los aficionados a videojuegos ocupe el mismo lugar y por los mismos motivos que sus dos partes anteriores.

Y si lo hará es, además de por lo ya dicho y elogiado, es por lo mucho que recompensa el juego explorar. También lo que recompensa hablar con seres vivos, con muertos o incluso con animales. Cómo consigue que no solo se haga por ver qué objeto o cuanta recompensa nos dan, sino porque el proceso de hacerlo es divertidísimo. El juego ha tardado años en acabarse por el mimo casi sin fin de casi cada rincón. Por las mil anécdotas de las mil historias o situaciones en las que nos metemos, con un sentido del humor macabro o surrealista que nos sacará más de una sonrisa. Baldur´s Gate III no produce cansancio que sí podía producir Cyberpunk tras llevar algunas horas, sino que uno piensa, sin haber acabado, en hacerse otro personaje y hacer las cosas de otro modo totalmente distinto…

Y, en ese hacer algo distinto en otra partida de Baldur´s Gate III, el mundo cambia. Algunos personajes mueren. Otros que eran enemigos resulta que son personajes jugables. Otros se van. De algunos nunca volvemos a saber, de ellos ni de sus misiones, pero en su lugar se abren nuevas zonas, nuevas misiones y la historia transcurre de un modo distinto, llegando a afectar a la dificultad de las batallas…o a la propia existencia o no de éstas. Se ha llegado a un punto de acciones que repercuten mucho tiempo después en la misma partida a niveles de The Witcher 3 o Alpha Protocol. Así pasa, que al llegar al Acto 3 del juego cuando se publica esto lo normal es que corra a pedales. Es así. Del mismo modo que los dos primeros actos pueden correr de maravilla en nuestro ladrillo de ordenador de hace 10 años, lo cual es un prodigio de la optimización, la cantidad de variables y cosas que pueden cambiar y suceder en función de nuestras elecciones y eficacia combatiendo hacen que ningún ordenador corra bien el Acto 3 hoy. Es en la segunda partida cuando te das cuenta de la barbaridad que es el juego en cuanto a ambición, no menos que Pathfinder: Wrath of the Righteous, pero más enfocada a las consecuencias respecto a lo que haces o dejas de hacer (sí, vuelven las misiones que pueden fallarse si haces otras antes).

Y desde aquí sabemos lo que le ha gustado al Pueblo que Baldur´s Gate III sea tan cinematográfico en sus peleas, conversaciones o discusiones. Cómo todo el mundo quiere ligar con el aprendiz de vampiro o con la medio diablesa. Se han hecho cosas muy bien escribiendo a los personajes y el medio es medio-alto, por más que sigamos diciendo que ninguno supera o iguala al enorme gnomo caballero infernal de Pathfinder, Regil, al que ya hemos hecho un homenaje aquí. Pero el conjunto es el que es, uno que mezcla accesibilidad, suficiente profundidad, relaciones desde un punto de vista cinematográfico, combate maravillosamente divertido, muchísimas recompensas por explorar y una influencia decisiva del personaje en el mundo. Todo ello además listo para que alguien que nunca ha jugado a nada relacionado con el rol entre y se enamore del género para siempre.

Diremos de Baldur´s Gate III lo que dice todo el mundo: está a la altura del nombre de la saga. Es de esas cosas que uno quiere olvidar todo para haber podido entrar de nuevas a disfrutar otra vez de las peleas rodeados de lava, luchando contrareloj en una mazmorra subterránea rescatando a prisioneros mientras todo se inunda rápido o atendiendo al holograma de un compañero muerto que nos da las instrucciones muy precisas para resucitarlo (uno de los momentos más espectaculares del juego). Todo eso nos hace perdonar, aunque no olvidar, que a pesar de su increíble optimización el juego se cuelga cada cierto tiempo, que quizás se han pasado con poner las cosas sencillas (lo del peso termina siendo irrelevante cuando todo lo puedes mandar mágicamente al campamento) y que el nivel de dificultad normal es tirando a muy sencillo. Pero, como decimos, son cosas menores. Baldur´s Gate III sin ser el más profundo ni el más fiel va a ser, como las anteriores dos partes, la referencia de su generación de videojuegos de rol. Otra vez.

Sed felices.

Análisis de Star Trek: Discovery. Temporada 5. Episodio 8

Quedan solo dos episodios para decirle adiós a Star Trek: Discovery y analizamos el octavo, cuyo título es Laberintos y termina de reunir las pistas que llevan a la tan buscada como peligrosa tecnología de los Progenitores. La serie, creada por Bryan Fuller y Alex Kurtzman, puede ser vista por Skyshowtime para España y por Paramount+ para América Latina.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Qué triste saber que nos queda tan poco. Solo dos episodios y le decimos adiós a Star Trek: Discovery, aunque ya sabemos que en esta franquicia las despedidas son siempre relativas porque los personajes pueden volver a cruzarse en cualquier momento siempre y cuando las líneas temporales lo permitan. A propósito, una pregunta: ¿quedará la tripulación de la Discovery para siempre en el siglo XXXII o habrá alguna chance final de que regresen a su tiempo?

Por lo pronto, este octavo episodio, de gran factura visual, ha acabado de reunir las pistas de la tecnología de los Progenitores aunque todavía sin ponerla directamente ante nuestros ojos. Y ha presentado dilemas éticos, elecciones difíciles y resolución de enigmas, todo muy Star Trek y complementado con los buenos desempeños de Sonequa Martin-Green y, muy especialmente, David Ajala. Ah… y tuvimos un archivo galáctico de antología…

Sin más trámite, pasemos ya mismo a ver qué nos ha dejado esta octava entrega no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

A Través de la Tormenta

Continuando la excelente factura visual que vienen teniendo los últimos episodios, el que nos ocupa se abre con zoom y secuencia realmente impactantes que nos hacen conocer en su real dimensión el interior de la nave de los breen, a quienes vemos golpear acompasadamente el piso con sus armas en lo que parece un ritual guerrero.

Luciendo el casco del cual en su momento renegara, el cuerpo de L’ak yace sin vida sobre una mesa mientras Ruhn pronuncia una encendida arenga a sus tropas llamándoles a seguirle en la consecución de la tecnología que les permitirá poder absoluto. Sorprende tanta confianza en Moll, pero pronto queda claro que no es tan así, pues cuando ella pretende también asumir voz de líder en su condición de cónyuge del último heredero imperial, Ruhn la pone en su lugar advirtiéndole que su supervivencia es condicional a la obtención de lo que ha prometido.

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A todo esto, la Discovery ha llegado a las Tierras Baldías y se halla ante una impresionante tormenta de plasma junto a la cual hay una baliza de comunicaciones. Una efrosiana llamada Ky´rell (Elena Juatco) se les presenta en nombre de la orden que resguarda la Galería y Archivo Eternos, donde, según dice, se halla el mayor patrimonio cultural de los sectores Alfa y Beta.

Parece simpática y se ofrece a guiarlos en la tormenta para llegar al archivo, aunque por momentos se oye como guía turística y ello impacienta un poco a Michael que, con la mayor amabilidad que puede, le remarca que tienen prisa. Claro: no lo dice, pero el problema es que los breen vienen pisándoles los talones.

El camino es harto complicado y la Discovery se ve afectada por violentas sacudidas mientras, para asombro general, Ky´rell recomienda apagar los motores. Así, aunque con los escudos debilitados, logran siguiendo sus coordenadas e instrucciones llegar al Archivo, que luce como un castillo de hadas en medio del espacio.

Mientras Michael se apresta a transportarse, Ky´rell le transmite que, enterados los guardianes de la presencia de un kwejiano entre la tripulación, desean que vaya en compañía del mismo, pues lo necesitan para desentrañar un misterioso objeto de ese mismo origen. Casi imposible que Michael diga que no a ir acompañada por Book

Una vez en el lugar (impresionante escenografía), Ky´rell conduce a Michael hasta el libro Los Laberintos de la Mente, el mentado manuscrito betazoide que, según le dice, nadie más ha pedido jamás consultar. Mientras la guardiana se marcha con Book, Michael se pone a investigar el mismo y descubre en su interior una tarjeta metálica idéntica a la de la última pista. Para bien o para mal, la presiona en su centro…

La Raíz Madre

A Ky´rell, como buena bibliotecaria, le fascina el nombre Book y quiere saber si es real. Tras la respuesta afirmativa de este último, le entrega el objeto en cuestión que, según él puede determinar, es una caja de madera de Tuli. El impacto más fuerte, sin embargo, le sobreviene al encontrar en su interior un par de esquejes de la raíz madre de Kwejian. Advirtiendo su emoción, ella le permite quedárselos a condición de que entregue periódicos informes sobre su evolución o cambios de estado. Atención a ese MacGuffin

Cuando regresan a la sala en que dejaran a Michael, la encuentran en el piso inconsciente y no logran hacerla volver en sí, por lo que solicitan la presencia de Culber, que se transporta de inmediato en compañía de Rayner. El médico descubre la vinculación entre la tarjeta y lo que sea que a Michael aqueja, pero no logra ir mas allá de eso y tampoco recomienda llevarla a la Discovery porque podría cortarse el vínculo y perderla quizás del todo.

No quedando otra opción que atenderla in situ, Rayner pide a Ky’rell toda la información disponible sobre los textos que pudiera haber consultado Marina Derex durante el tiempo que estuvo en el Archivo. Pero una vez obtenida la lista, es tan extensa que un desalentado Book ironiza con que “sería más fácil revisar lo que no consultó”…

Paisaje Mental

Michael experimenta la sensación de despertar, pero extrañamente se encuentra en un lugar diferente, quizás otra sección de la biblioteca. No hay a la vista rastro de Ty’rell ni de sus compañeros o mejor dicho sí, pues allí está Book, pero luciendo por alguna razón el atuendo de los guardianes del Archivo.

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Rápidamente la pone al tanto de que en realidad no es Book, sino una personificación del programa desarrollado por Marina Derex a los fines de proteger la tecnología de los Progenitores. Si se parece a Book, es porque esa es la imagen que ella tiene en su inconsciente, mientras que el ambiente que les rodea es un paisaje mental (otro homenaje a Deanna Troi y a Marina Sirtis).

Michael deduce que si fue llevada allí ha de ser para encontrar la pista faltante y el guardián le da la razón, pero tampoco puede dársela en bandeja sino a lo sumo ayudarla en lo básico y responder preguntas por sí o por no.

Debiendo entonces arreglárselas por su cuenta, Michael elige un camino equivocado al hurgar en la sección de historia por haber sido el texto escrito durante la Guerra del Dominio, pero no encuentra nada. Tampoco le va mejor cuando descubre que el lugar es un laberinto e intenta resolverlo con el algoritmo de Trémaux y un balde de arena que le facilita el guardián para marcar el camino: a la larga, termina siempre volviendo al mismo sitio, mientras las luces del lugar se van poco a poco apagando y sabe que le queda poco tiempo.

Tunelización

A todo esto, los breen han llegado a las Tierras Baldías. Aun advertida acerca de su belicosidad, Ky´rell se transporta para recibirlos, pero negociar con ellos no es tan fácil como con la tripulación de la Discovery y Ruhn amenaza con destruir el Archivo si no le dan lo que busca. Al retirarse el holograma de Ky’rell, los breen logran incluso descifrar su camino de transporte y averiguar así cómo llegar a la biblioteca por el tortuoso camino de plasma.

Moll anoticia a Ruhn que la pista a obtener no es por sí sola indicativa de nada, sino que hay que ensamblarla con las anteriormente obtenidas que tienen a bordo de la Discovery, lo cual irrita sobremanera al Primarca por haberle ocultado antes esa información. Parece evidente que si Moll no la dio a conocer en su momento, fue para evitar que los breen atacasen a la Discovery, lo cual se traduce en dos posiblidades: o tiene en el fondo buenos sentimientos o, después de todo, considera a Book como su familia.

Cuando en la Discovery se enteran que los breen ya están en la zona, se ven obligados a ocultarse mientras en el Archivo levantan sus propios escudos, pero resulta que los atacantes tienen tecnología de tunelización y están haciendo una perforación a los fines de pasar tropas a través de los mismos. Tras consultar a Reno y trabajando contrarreloj, Stamets, Tilly y Adira llegan a la conclusión de que podrían revertir el proceso disparando un haz de positrones al punto de contacto entre túnel y escudos. Lo logran, pero solo es un alivio temporario que permite ganar tiempo hasta que los breen corrijan el error.

Prueba Superada

En el paisaje mental, entretanto, Michael luce descorazonada y por mucho que intente convencer al guardián de que le dé más ayuda con la resolución del enigma, este le recuerda que la intención original de quienes ocultaron las pistas era que la tecnología de los Progenitores solo cayera en manos de alguien que lo mereciese, cosa que aún no ha demostrado ser.

Embargada por la tristeza, Michael dice no temer a la muerte pero sí al fracaso, sobre todo si ello implica decepcionar a su tripulación. Manifiesta asimismo que sus propios miedos fueron los que le impidieron desarrollar una relación con Book, confesión que cobra especial significación desde el momento en que el guardián del Archivo, que escucha atentamente, tiene su mismo rostro.

Una vez que Michael termina de hablar, las luces se encienden y él le informa que ha pasado la prueba: lo que querían era saber si tenía la sinceridad suficiente para ser merecedora de un secreto tan trascendental y celosamente guardado. Para alegría de Michael, la instruye para que, una vez vuelta en sí, se dirija a la cámara siete y destruya el cristal que protege la tan preciada pieza que allí se encuentra. Y no solo eso: además le da un dato más que no llegamos a oír, pero que al parecer tiene que ver con su destino final…

Nueva Líder

Michael vuelve entonces en sí desatando la felicidad de Culber, Rayner y el verdadero Book. Echa a correr hacia la cámara indicada y se hace allí con la pista para ser luego el grupo completo transportado de regreso a la Discovery en el preciso momento en que los breen están volviendo a vulnerar los escudos del Archivo.

Tilly logra encastrar la pieza con las restantes y se despliega entonces el mapa holográfico que, se supone, conduce a la tecnología de los Progenitores. Pero de momento no hay tiempo de indagar mucho, ya que desde la nave breen, Ruhn está reclamando la pieza bajo amenaza de atacar. Michael le replica que si destruyen la Discovery, destruirán también su posiblidad de llegar a lo que buscan y Ruhn cambia entonces de estrategia amenazando con destuir el Archivo…

De nada sirve que ella intente hacerlo tomar conciencia de las vidas inocentes que allí se hallan: Ruhn ordena abrir fuego y llegan datos de que hay heridos de gravedad. Aun cuando los demás le rueguen en contrario, Michael decide entonces entregar el mapa interponiendo un tergun (juramento de honor breen) para hacerle prometer a Ruhn que no seguirá atacando al Archivo una vez que lo tenga en su poder.

El Primarca acaba accediendo pero, para estupor de Moll, está dispuesto a pasar por encima de su juramento y destruir la Discovery de todas formas. Era previsible, por lo cual Michael ha tomado recaudos y ordenado arrojar plasma al espacio a los fines de generar una explosión al momento de saltar y hacer creer a sus atacantes que han destruido la nave. El engaño surte efecto y la Discovery va a parar al límite exterior de las Tierras Baldías, pero con serios daños tanto en el motor warp como en el de esporas. Según Tilly, tomará unas seis horas a los breen llegar allí, lo que significa que hay que apurarse…

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Mientras tanto, en la nave breen, Ruhn deja clara su intención de no respetar ningún juramento ni tampoco la supuesta autoridad real de Moll. Pero ello no parece convencer a sus seguidores, a quienes ella advierte que su Primarca los está llevando a una guerra con la Federación y ello desalentará sus posibilidades en la lucha con las otras facciones por la sucesión imperial.

Moll termina, por lo tanto, desarmando y matando a Ruhn mientras el resto, dada su condición de esposa del Vástago , la reconocen y erigen en su nueva líder.

Balance del Episodio

Gran capítulo el que hemos visto. No es que no haya tenido debilidades, las cuales mayormente siguen viniendo por el lado del arco de Moll, cuyo vertiginoso ascenso como líder de los breen no se ve del todo verosímil. Pero ha revestido nuevamente una factura visual sorprendente y no deja de ser muy gratificante que la producción no escatime en gastos para que la serie, ahora que se está despidiendo, lo haga en su mejor forma. Las tomas de la nave de los breen han sido espectaculares, lo mismo que las Tierras Baldías y la magnífica recreación de la biblioteca en la Galería y Archivo Eternos.

Por cierto, lo de reunir lo más importante del conocimiento de media galaxia en un único lugar es una idea atractiva y fascinante que, por supuesto, tiene antecedentes tanto en la literatura como en el propio mundo trekkie. Basta recordar, por ejemplo, la Biblioteca de Trántor en la saga Fundación de Isaac Asimov o, por fuera de la ciencia ficción, en La Biblioteca de Babel imaginada por Jorge Luis Borges que, de algún modo, se anticipó a la existencia de Wikipedia. También el físico y escritor Kurd Lasswitz planteó algo parecido en su relato La Biblioteca Universal y lo mismo Lewis Carroll en su novela Silvia y Bruno.

Pero si hablamos del propio universo Star Trek, es imposible no relacionar con la serie original y específicamente con el episodio Todos Nuestros Ayeres (temporada 3, episodio 23), que sería el penúltimo de la misma. Allí, en un planeta a punto de morir por convertirse su sol en supernova, Kirk y los suyos se encontraban con un único humanoide que era precisamente un bibliotecario llamado Atoz (lo cual en inglés se puede leer como A to Z, es decir de la A a la Z) y que administraba un gran archivo que preservaba el saber de su civilización, así como un dispositivo a través del cual había enviado al pasado a los habitantes del planeta para evitar su inminente final.

Tampoco la resolución de puzles o laberintos es extraña a la franquicia y nos viene quizás a la cabeza el juego de Chula en Deep Space Nine (temporada 1, epidoso 10), pero también el caso del granjero de Illinois que, siendo fan absoluto de la franquicia y para conmemorar los cincuenta años de la misma, diseñó el laberinto de maíz más grande del mundo con una extensión de trece hectáreas y dieciocho kilómetros de caminos recreando los rostros de Kirk y Spock, así como también la insignia de la Flota y la silueta de la Enterprise.

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Amén de todas esas conexiones, el episodio ha tenido gran intriga y suspenso, además de jugar con los dilemas y elecciones morales, algo bien caro a la franquicia. Tal es el caso de la que ha tenido que hacer Michael sobre el final, poniendo quizás en riesgo el futuro de la galaxia para salvar a unos pocos inocentes, aunque por otra parte la sensación es que se ha guardado un as en la manga, no sé si porque habrá de algún modo adulterado el mapa que entregó a los breen o por ese detalle que no conocemos y que el guardián con el rostro de Book le dijera antes de despertar del paisaje mental.

David Ajala ha vuelto a entregar un buen trabajo, realzado en esta oportunidad por el doble papel que le ha tocado interpretar. Y los esquejes provenientes de su mundo no dan impresión de estar puestos por casualidad: es evidente que tendrán importante papel en lo que venga y uniendo un poco tecnología de los Progenitores con raíz madre se me ocurre que quizás exista la impensada posibilidad de que Kwejian vuelva a existir.

También Sonequa Martin-Green ha tenido un gran desempeño, aunque la resolución de la trama ha hecho que volviera aquella Michael llorosa que tanto irritaba a mi compañero Mario en los análisis de la tercera temporada. Lo que sí es verdad es que la resolución ha sido de lo más Star Trek: simple, a la vez que filosófica y resaltando, como diría Oscar Wilde, la importancia de ser honesto (un juego fonético difícil de traducir al español en el título de su obra The Importance of being Earnest), tal como Michael lo fue. Y la honestidad, sobre todo con uno mismo, siempre tiene en Star Trek su premio.

En fin, nos quedan solo dos episodios por delante, lo cual no puede sino provocarnos tristeza, a la vez que dejarnos expectantes por lo que se viene que, de acuerdo a lo que se ve y tal como les anticipara en el análisis anterior, pareciera en el tramo final ser más una gran película que episodios aislados, algo muy semejante a lo que ocurriera con el último tramo de la cuarta temporada.

Por lo pronto, la semana que viene estaremos aquí para analizar el penúltimo episodio de la serie. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…

‘Ork Saga’ Integral de cARTEm | Una típica aventura de fantasía con unos protagonistas no tan típicos

‘Ork Saga’ es una obra que bebe de la fantasía épica de toda la vida y que nos sumerge en un mundo donde los orcos no son solo brutos guerreros, sino también héroes reacios con un destino grandioso. Michael Peinkofer y Peter Snejbjerg han creado una historia que, pese a ser muy arquetípica,  ofrece una perspectiva fresca y emocionante.

La historia sigue a los hermanos orcos Balbok y Rammar, quienes, tras sobrevivir a una batalla contra unos gnomos, se ven obligados a volver a su poblado con el rabo entre las piernas y eso va a propiciar un viaje obligado.  Obviamente ese periplo se va a complicar muchísimo, como cualquier aventura heroica, y los va a llevar a forjar un pacto con el hechicero Rurak, cuya oscura naturaleza es más que evidente.

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A medida que avanzan en su aventura, Balbok y Rammar se van a ir cruzando con una caterva de personajes variopintos e interesantes. Desde enanos y elfos hasta criaturas mágicas, todo esto rodeado de parajes fantásticos clásicos de cualquier plano de Dragones y Mazmorras

Corwyn, un cazador de orcos cuya vida ha sido marcada por la tragedia, y Alannah, una sacerdotisa elfa hastiada de sus obligaciones, van a acompañar a Balbok y Rammar en una historia más épica de lo que ellos pensaron cuando dejaron su poblado. La relación entre estos cuatro dispares compañeros va a enriquecer la dinámica del grupo.

El arte de Snejbjerg logra un equilibrio perfecto entre claridad y detalle, teniendo ese aspecto de las historias añejas (como Tygra: Hielo y Fuego) y las virtudes de la ilustraciones modernas. Sus viñetas están diseñadas con habilidad y que hacen que la lectura sea fácil y atractiva.

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La narrativa de Peinkofer combina humor, acción y emoción, ‘Ork Saga’ se convierte en una lectura que es tanto divertida como emocionante. La historia es un homenaje, más que evidente, a la espada y brujería más clásica, aunque tenga interesantes giros de guion. Nos encontramos ante el más que recurrido recurso del mal ancestral que busca retornar a la tierra, maldiciones, profecías y elegidos, pero funciona bien.

Si tengo que destacar un aspecto de ‘Ork Saga’ es la decisión de situar a los rocos como los protagonistas de la esta aventura. Balbok y Rammar son personajes complejos no son meros villanos o monstruos; son seres con corazón.

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Conclusión

La trama de ‘Ork Saga’ es clásica, típica y por momentos tópica, pero son sus personajes los que la hacen especial. Tendremos giros y vueltas, con cada capítulo revelando intrigas, profecías y traiciones.

La búsqueda de un antiguo tesoro y la lucha contra fuerzas malignas es el tronco de este cómic. Un viaje épico que no solo entretiene, sino que nos hace ver que cualquiera (hasta un orco) puede ser un héroe.

En resumen, ‘Ork Saga’ es una adición imprescindible a la biblioteca de cualquier aficionado al cómic y a la fantasía. Peinkofer y Snejbjerg han tejido una historia que es a la vez familiar, conocida  y sorprendente, ofreciendo una gran aventura.

Sus personajes memorables adornan un mundo rico en detalles que bebe de los clásicos y que captura esa esencia que tanto gusta a los lectores de ese género.

Aquí os dejo la portada de este integral de ‘Ork Saga’ y la web de cARTEm donde encontrarlo:

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Un saludo y sed felices.

Análisis de El simpatizante (2024). Capítulo 5.

Últimamente no tengo suerte. Al menos, en lo que se refiere a las series que analizo para esta sacrosanta web. En un 2024 en el que me estrené con la fallida cuarta temporada de True Detective y continué con el fiasco de The regime, mis esperanzas están puestas en El simpatizante, adaptación de HBO de la novela de Viet Thanh Nguyen, ganadora del premio Pulitzer en 2015.

Análisis de todos los capítulos de El simpatizante

La trama regresa a la misión principal, pero no por ello mejora la cosa. Que bajón de serie, en serio.

LO QUE OCURRE

La explosión del final del rodaje afecta seriamente al Capitán. Ya fuera provocada o no por el director, nuestro protagonista tarda en recuperarse y le quedan lagunas de memoria como secuelas que puede explicar los vaivenes narrativos de El simpatizante.

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Claude, avergonzado por la deriva de la relación entre el director y El capitán, le ofrece volver a Vietnam. Además, el estudio le ofrece una indemnización que nuestro protagonista, invadido por la culpa, intenta cederlo a la viuda del Mayor asesinado. Ella lo rechaza pero le sugiera que donde la indemnización al restaurante del General.

Contra todo pronóstico, el líder de los vietnamitas afincados en Estados Unidos está preparando una operación militar para regresar a Vietman. El general no se lo había confiado porque estaba enfadado por la marcha de su hija y lo achacaba al papel que el Capitán había tenido.

Por otro lado, el Capitán sabe dónde está Lana. Cantando en un club nocturno con la compañía de Jamie Jackson. Poco a poco, las personas que siempre habían tenido en cuenta a nuestro protagonista lo desplazan. El colmo es su pareja, que lleva semanas acostándose con su enemigo de la facultad y periodista de investigación de ideología radical de izquierdas.

Con toda esta situación, a la que se añade que Claude parece tener sus ojos puestos en El capitán, a nuestro protagonista solo le queda su propósito, su misión. Consigue coaccionar al director de la película para que acabe introduciendo las frases vietnamitas en el montaje final.

Además, la operación militar del General no es ninguna tontería. Bon está adiestrando a unos cincuenta soldados a las afueras de la ciudad. Una vez más, el Capitán deberá tomar partido.

LO QUE ME PARECE

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Un desastre.

Me sabe francamente mal tener que escribir estos artículos porque mi fe en esta serie era grande y las expectativas del primer episodio hacían presagiar una serie interesante. Pero menudo bodrio. El simpatizante es un despropósito, aunque al menos en este quinto episodio regresan a la trama principal para mostrar a un protagonista cada vez más desprovisto de alicientes para hacer lo que siempre se le ha dado bien. No se entiende el sentido de los flashbacks a la infancia y, al final, lo que queda es una historia tremendamente simple en un envoltorio supuestamente complejo.

Lo peor que puedo decir es que me cuesta entender que la historia que adapta ganara el Pulitzer.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!