Que Tomb Raider es una de las sagas de videojuegos más importantes de la industria es innegable, que pasó altibajos también, pero la última trilogía que vimos devolvió a Lara Croft a su lugar.
El auge de las plataformas de streaming y las buenas adaptaciones que se están realizando de videojuegos (‘The Last of Us’ y ‘FallOut’) está consiguiendo acabar con la maldición de adaptaciones mediocres y sacando a la palestra franquicias que llevamos tiempo pidiendo que tengan repercusión más allá de las consolas y los PCs.
Así que ha sido una excelente noticia saber que Amazon ha ordenado la producción de una nueva serie de televisión Tomb Raider, que será escrita y producida por la estrella y escritora de Fleabag, Phoebe Waller-Bridge, quien también protagonizó ‘Indiana Jones y el dial del destino’.
Desconozco los trabajos de Waller-Bridge, pero lo que espero es que sea fiel a la obra original, ya que Lara Croft es un personaje atractivo, interesante y con mucho peso dentro del fandom del mundo de los videojuegos. Solo pido que se tomen en serio Tomb Raider y que se adapte bien.
Al igual que la serie Fallout, Tomb Raider se estrenará exclusivamente en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo, así que su alcance va a ser digno del legado de la arqueóloga.
Esta ficción llega como parte de un acuerdo más amplio entre Amazon MGM Studios y el desarrollador Crystal Dynamics, que actualmente está trabajando en un nuevo juego de Tomb Raider en Unreal Engine 5. En 2022, supimos que Amazon Games publicará el nuevo juego Tomb Raider en desarrollo, al que Amazon describe como una «aventura narrativa para un jugador que agregará un nuevo capítulo a la historia de Lara Croft en la serie Tomb Raider».
«Con una gran propiedad intelectual, las posibilidades son infinitas» – escribió en un comunicado de prensa Christoph Hartmann,vicepresidente de Amazon Games –.«La riqueza y profundidad de la ficción permite que la serie Tomb Raider de Prime Video y el videojuego de Amazon Games cuenten historias separadas sobre las aventuras de Lara Croft. Nos sentimos honrados de que Crystal Dynamics haya confiado a Amazon esta franquicia icónica y nosotros «estamos deseando ver adónde nos lleva esta colaboración».
Recordemos que esta no es la única adaptación televisiva protagonizada por la icónica cazatesoros. La serie animada de Netflix ‘Tomb Raider: The Legend of Lara Croft’, protagonizada por Haley Atwell, está pendiente de estreno. Una historia que tiene lugar después de los eventos de ‘Shadow of the Tomb Raider.’
No podemos más que estar de enhorabuena por lo que se viene de nuestra arqueóloga favorita; hemos visto sus primero títulos remasterizados con acierto y ahora esto. Todo pinta muy bien para Lara Croft a corto, medio y largo plazo.
Aquí os dejo el tráiler de ‘Tomb Raider: La Leyenda de Lara Croft’:
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos la reseña de la última edición disponible de ECC Ediciones, de una de las más grandes obras maestras del noveno arte: V de Vendetta.
V de Vendetta
V de Vendetta, además de ser una de las mayores obras maestras de la industria del cómic y una de las obras más personales de sus autores, Alan Moore y David Lloyd.
Es una historia espeluznante y terriblemente real acerca de la pérdida de la libertad y de la identidad del individuo que se ve inmerso en un mundo hostil, frío y totalitario.
Ambientada en una Inglaterra imaginaria que ha caído bajo la bota de un régimen fascista, se analiza tanto la vida bajo un estado policial asfixiante como el poder de la rebelión y la resistencia del espíritu humano ante la opresión y el totalitarismo.
V de Vendetta se encuentra ambientada en un hipotético 1997. Tras la consecución de la III Guerra Mundial, Gran Bretaña se convirtió en un estado totalitario, en el que las libertades individuales han quedado atrás, en pro de la prosperidad del pueblo. Un pueblo del que en realidad, nadie se preocupa realmente.
El partido fascista Fuego Nórdico domina y controla con mano férrea cada uno de los movimientos de los ciudadanos, que son sometidos en pro de un bien mayor.
Los ciudadanos de a pie, se encuentran adormecidos y aborregados, tal y como quizá estemos aborregados a día de hoy. En un mundo en que los gobiernos de Europa, bajo el amparo de la ley, controlarán internet, a partir del 1 de marzo de 2024. Pero eso … Eso es otra historia.
En este mundo distópico de Alan Moore, se rebela un solo hombre: el misterioso «V«. Oculto bajo la máscara del conspirador católico inglés Guy Fawkes, se rebelará contra la tirana clase dirigente de Gran Bretaña y utilizará cualquier tipo de medio para hacer reaccionar al grueso de los ciudadanos.
El tomo comienza con una joven de 16 años, Every Hammond, que subsiste a duras penas con un miserable trabajo en una fábrica de municiones.
Mientras Every se encuentra en su habitación escuchando el parte de las últimas noticias, decide para sobrevivir, necesita prostituirse en los suburbios de Londres.
Every Hammond se dispone a ofrecer sus servicios a un cliente que se encuentra en esas oscuras calles de ese Londres distópico. Para su sorpresa, ese cliente es agente de policía y según las leyes de Gran Bretaña, los agentes pueden decidir el destino de la joven sin un juicio previo.
Esos funcionarios públicos del tiránico gobierno, se disponen a abusar y asesinar a la joven. Todo ello bajo el amparo de la corrupta ley vigente.
Y aquí es donde el misterioso «V» entra en acción. Rescatando a la joven Every y sometiéndole a una reeducación, con la esperanza de lograr que si la joven logra tomar consciencia y rebelarse de forma activa contra al corrupto gobierno.
Y como se decía en un antiguo y mítico programa … ¡Hasta aquí puedo leer!
La última edición de ECC.
La presente edición de ECC, de V de Vendetta, se encuentra dentro de las Grandes Novelas Gráficas de DC.
Tenemos ante nosotros una edición en tapa dura, a todo color, que consta de 288 páginas con un papel satinado con un gramaje suficiente, en un formato de 17×26 cm y que cuenta con un P.V.P. de 36,50€.
Podéis adquirir esta edición de V de Vendetta desde la página web de la editorial, pinchando aquí.
Hay muchos, muchísimos tebeos que tenemos a nuestra disposición, pero no todas las obras son atemporales e imprescindibles. Pero eso es tan solo mi humilde opinión.
¿Qué decir del equipo artístico de V de Vendetta?
Alan Moore, guionista. Aunque lo justo sería decir que es el mejor guionista del mundo, en toda la historia del noveno arte.
El bardo de Northampton nació en esta localidad el 18 de noviembre de 1953. En la actualidad tiene 70 años y es el mejor guionista de la historia (insisto en ello).
Su carrera comenzó en esa mítica revista inglesa en cuyas páginas tantos y tantos autores de grandísima calidad, se han dado a conocer: 2000 AD (y también la revista Warrior).
En 1984 dio al salto al mercado norteamericano, en el que principalmente trabajó para DC Comics.
Desde 1990, trabaja solamente en editoriales independientes, tanto en EEUU como en Europa.
Alan Moore es una persona muy compleja, con un carácter difícil y sin duda alguna, es un genio absoluto. Se declara a sí mismo como un «Mago del Caos«, anarquista y la mayoría de sus obras se cuentan como obras maestras.
En Las Cosas Felices tenéis reseñas de muchas de sus obras:
Pinchad aquí para ver todas la entradas de Alan Moore en la web.
David Lloyd, maestro dibujante. Nació en Enfield (Inglaterra) en 1950. Es un dibujante, ilustrador e historietista inglés, que comenzó su carrera a finales de los años 70′.
Comenzó dibujando títulos como Halls of Horror, TV Comic y otros números más de títulos de Marvel UK.
V de Vendetta es su obra más importante, pero me parece muy interesante su participación en la mítica serie de Vertigo: Hellblazer.
Valoración final de la obra.
Si uno consulta en ese inmenso mar de datos llamado internet y realiza una búsqueda como «Los mejores cómics de la historia» (aquí tenéis la nuestra), me atrevería asegurar que en ninguna de esas listas falta V de Vendetta.
Esta obra o tiene todo para que te pueda gustar. Se encuentra realizada por el mejor guionista de la historia (que es Alan Moore), dibujada de manera inigualable (por David Lloyd) y además, se encuentra dentro de todas las lista de «Los mejores cómics de la historia«.
Cualquier aficionado al noveno arte (y cualquiera que no lo sea), debería leerlo y tenerlo en su casa, para poder disfrutarlo en el momento que quiera. Esta presente edición, podéis adquirirla en la web de ECC Ediciones, pinchando aquí.
Pero no solamente por eso deberíamos leerlo todos.
V de Vendetta vio la luz allá por 1982. Han pasado muchos, muchísimos años de su primera publicación. Pero creo que sus planteamientos de rebelarse contra los poderes fácticos, autoritarios y que coartan lo más que pueden nuestras libertades, se encuentran más vigentes que nunca.
Espero que los lectores no se equivoquen y no me malinterpreten. No soy antisistema, ni soy anarquista, no soy partidista, ni tampoco un fanático.
Soy un simple lector. soy un simple padre de familia al que le desagrada ver cómo los gobiernos (de un color y de otro) coartan cada vez más nuestras libertades, pretenden radicalizarnos a un extremo u otro y que tan solo quieren que tengamos voz una vez cada cuatro años.
Quiero que el lector lea y disfrute esta obra y que piense en nuestra situación actual. Quiero que el lector vea cómo los gobiernos europeos, a partir del 1 de marzo de 2024 controlarán internet, YouTube, Facebook y demás plataformas y que bajo el amparo de la ley (que se está modificando), podrán censurar y cerrar canales y plataformas.
Y también quiero dejar claro que la violencia no es la respuesta. Si nos paramos a estudiar un poco la historia, llegaremos rápido a la conclusión que esa no es la respuesta.
Leed V de Vendetta, pensad, reflexionad sobre nuestra sociedad actual y sobre todo …
Últimamente no tengo suerte. Al menos, en lo que se refiere a las series que analizo para esta sacrosanta web. En un 2024 en el que me estrené con la fallida cuarta temporada de True Detective y continué con el fiasco de The regime, mis esperanzas están puestas en El simpatizante, adaptación de HBO de la novela de Viet Thanh Nguyen, ganadora del premio Pulitzer en 2015.
Reconozco no haber leído la novela original en la que se basa El simpatizante. Distintas críticas reconocen la fidelidad del material. Pero que queréis que os diga. A mí esta serie me desconcierta. Después de la progresión dramática de los primeros episodios, este cuarto capítulo es una mera misión secundaria de videojuego que sí, continúa reforzando el mensaje que la historia quiere promover pero que frustra la poca tensión que la serie había reunido hasta ahora.
LO QUE OCURRE
Tras la reunión con los cuatro Robert Downey Jr., El capitán abandona al General para participar como consultor en un rodaje de 4 meses de una película sobre la guerra de Vietnam.
El director, uno de los cuatro Robert Downey Jr., es un alma creativa que busca dirigir la película definitiva sobre la guerra, lo que nos recuerda al Francis Ford Coppola de Apocalypse Now.
Pese a que el Capitán ha sido contratado para aportar una visión más realista y dignificadora de su pueblo, el trato con el director es difícil. No deja de ser un narcisista que ve a nuestro protagonista como un ser inferior. Desde el principio, apenas accede a las peticiones del Capitán. Empezando por el dar voz a los vietnamitas (el director no quería que hablaran en toda la película).
En el rodaje hay tensiones entre los protagonistas, una joven promesa negra y un veterano actor de método con el rostro de David Duchovny, el Mulder de Expediente X. A todo esto se añade la presencia de Lana, la hija de El General, deseosa de hacer carrera en el cine.
Por otro lado, el Capitán poco a poco consigue hacer de las suyas, reclutando extras vietnamitas entre las filas del General y verbalizando frases procomunistas en el idioma de su país, por lo que el equipo de rodaje es incapaz de entender.
Sin embargo, esta es la primera vez en la que le vemos perder los estribos. Ocurre cuando tiene la certeza de que el director va a incluir una escena de violación del actor de método a Lana para aprovechar la atracción de esta con la joven promesa y acrecentar la rivalidad entre ambos fuera de la cámara y, así, crear una verdadera tensión delante de esta.
Lo que ocurre es que, aparte del interés que el Capitán pueda tener sobre Lana, el director ha decidido llamar a la muchacha exactamente igual que la madre del protagonista.
Finalmente, el rodaje de la película termina y apenas sabemos que ocurrirá posteriormente con el protagonista, que ha terminado despedido tras su enfrentamiento con el director.
LO QUE VEO
Si algo define a El simpatizante es desconcierto. El primer capítulo que dirige Fernando Meirelles (al que tenemos dirigiendo la muy superior Sugar en Apple TV) mantiene un tono similar al que ha aportado Park Chan Wook y esto es lo único coherente que encontramos en El simpatizante.
Bueno, eso y un mensaje centrado en la actitud que los Estados Unidos con respecto a los vietnamitas. En este episodio se incide en la visión de los asiáticos por el cine norteamericano, ejemplificado en el actor asiático mas famoso de la industria, conocido por la cantidad de veces que ha muerto a manos de actores famosos.
Por lo demás, este cuarto capítulo rompe con una progresión narrativa que, para bien o para mal, era coherente con lo visto desde el inicio de El simpatizante. Con esta misión secundaria, este freno, la serie no ha dejado de empeorar…¿Más todavía?
Prime Video nos ha sorprendido con un tráiler de la segunda temporada de ‘Los Anillos de Poder’. Este avance ha sido acompañado de una fecha de estreno y una sinopsis que nos mete de lleno en una época oscura.
Vemos a Charlie Vickers retomando su papel como Sauron, pero con «una transformación que le ayudará a engañar a los habitantes de la Tierra Media».
Retornamos a la Segunda Edad de la obra maestra de J.R.R. Tolkien, prometiendo explorar «el ascenso maligno de Sauron mientras continúa su búsqueda vengativa del poder absoluto». El espectáculo regresará el 29 de agosto.
La sinopsis oficial dice: «En la segunda temporada de ‘Los Anillos de Poder’, Sauron ha vuelto. Expulsado por Galadriel, sin ejército ni aliados, el Señor Oscuro en ascenso debe confiar en su propia astucia para reconstruir su fuerza y supervisar la creación de los Anillos de Poder, que le permitirán subyugar a todos los pueblos de la Tierra Media a su voluntad siniestra. Ampliando el alcance épico y la ambición de la primera temporada, esta nueva entrega sumerge aún más a sus personajes más queridos y vulnerables en una creciente oscuridad, desafiando a cada uno a encontrar su lugar en un mundo al borde de la calamidad. Elfos y enanos, orcos y hombres, magos y pelosos… mientras las amistades se tensan y los reinos comienzan a fracturarse, las fuerzas del bien luchan con valentía cada vez mayor para aferrarse a lo que más les importa… unos a otros».
A pesar de su éxito inicial, es importante destacar que la primera temporada recibió críticas mixtas, con algunos elogiando su ambición y escala, mientras que otros señalaron problemas de ritmo y desarrollo de personajes. Sin embargo, la serie sigue siendo una de las producciones más esperadas en el panorama televisivo actual.
La segunda temporada de «Los Anillos de Poder» contará con los showrunners y productores ejecutivos JD Payne y Patrick McKay. Los directores de esta temporada incluyen el regreso de Charlotte Brändström, así como Sanaa Hamri y Louise Hooper.
Aquí os dejo el tráiler de ‘Los Anillos de Poder’ de Amazon Prime Vídeo:
Si tuviera que elaborar una lista de cosas que nos hacen felices, probablemente diría que una de las primeras de mi vida fue Tintín. El héroe belga creado por Hergé marcó mi afición por la lectura desde pequeñito. Y también es el motivo por el que me decidí a adquirir el primer integral de Blake y Mortimer, personajes creados por Edgar P. Jacobs, pupilo de Hergé.
Francis Blake, aguerrido militar británico, y Phillip Angus Mortimer, físico nuclear escocés. Guerrero y científico, aunque el segundo no es el típico hombre de biblioteca. Ambos son aventureros solteros que comparten piso, como Sherlock Holmes y John Watson. Y son la primera pareja protagonista adulta del cómic belga.
Su autor, Edgar P. Jacobs, es considerado, junto con Hergé, el creador más importante del cómic belga. Se inició completando historias de Flash Gordon cuando estas no podían llegar a Bélgica por la Segunda Guerra Mundial. Posteriormente, conoció a Hergé, que le encomendó la tarea de diseñar los decorados y colorear algunas de las historias de Tintín más reconocidas, como El cetro de Ottokar o El tesoro de Rackham el Rojo. Finalmente, Hergé le dio la oportunidad de publicar en la revista Tintín sus primeras historias originales. Las de Blake y Mortimer.
Esencialmente, Blake y Mortimer es una historia de aventuras muy deudora de la narrativa de Tintín. El análisis de personajes es inexistente y el ritmo se centra en encadenar unas situaciones con otras. En este integral tenemos dos historias.
La primera, titulada El secreto del espadón, es un Tintín al cubo. Sin apenas presentación de personajes, Jacobs nos sitúa en una Tercera Guerra Mundial provocada por “el terror amarillo”. Hay que tener en cuenta que se trata de una trama escrita en 1946, justo al final de la Segunda Guerra Mundial y que, en aquel entonces, los asiáticos no estaban muy bien vistos por Occidente.
El desarrollo es una aventura hipervitaminada que comienza con una invasión a nivel mundial de tintes apocalípticos y un intento de contraataque por parte de Blake y Mortimer, que buscan desarrollar un avión supersónico llamado el Espadón.
En la segunda, el misterio de la Gran Pirámide, Jacobs se contagia de la fiebre egiptóloga de la época (ahí está Hergé y su Los cigarros del faraón) con una historia que mejora lo visto en la primera, que tiene algunos defectos propios de un debut.
El principal defecto es que es Blake y Mortimer tiene un ritmo demasiado acelerado. No paran de ocurrir cosas, no hay dosificación y es fácil perderse porque no existe contexto. Sus protagonistas (como también le ocurre, por cierto, a Tintín) son tabulas rasas sobre las que construyen situaciones, no relaciones. Además, la principal seña de identidad de Jacobs son las grandes descripciones en forma de bocadillos que revelan la profunda dedicación de Jacobs a su historia. Se nota, tanto en El secreto del espadón como en El misterio de la gran pirámide, que el autor se documentaba de forma exhaustiva.
El dibujo de Jacobs es, nuevamente, muy deudor del de Hergé, con ocasionales splash pages que impactan al lector.
Esta edición integral, aparte de las dos primeras historias de Blake y Mortimer, contiene multitud de extras, ilustraciones inéditas y dos textos espectaculares del ganador del Premio Nacional del cómic, Antonio Altarriba (autor de El arte de volar) y Jorge García, guionista y crítico de cómic.
En definitiva, el primer integral de Blake y Mortimer es todo un clásico del cómic de aventuras, ideal para los fans de Tintín. Tal vez no tenga la maestría en el ritmo, el carisma de sus personajes o el magnetismo de sus historias (algunos de sus personajes están entre los 50 mejores de la historia del cómic), pero es un tomo muy disfrutable para echar a volar la imaginación.
LLEGA LA ESPERADA EDICIÓN INTEGRAL DE UNO DE LOS GRANDES CLÁSICOS DEL 9º ARTE
Al fin en edición integral las peripecias de Blake y Mortimer, mítica pareja de aventureros creada en 1946 por el maestro Edgar P. Jacobs y continuada por autores de la talla de Jean Van Hamme, André Juillard o Ted Benoit. Esta edición reúne todos los álbumes de la serie acompañados por extensos dosieres con multitud de extras e ilustraciones inéditas.
Iniciamos la colección con dos entregas legendarias: la apocalíptica El secreto del Espadón y El misterio de la gran pirámide, prologadas ni más ni menos que por Antonio Altarriba y Jorge García.
A lo largo de la historia el cine y la literatura siempre han estado entrelazados como formas de narración y entretenimiento. En concreto, la literatura siempre ha sido una fuente inagotable para contar historias que trasladen la palabra al mundo audiovisual. Y es que entre ambos ha surgido una retro-alimentación a lo largo de estos años. Por un lado, el cine ha recibido de la literatura argumentos, formas y estilos, y de manera inversa, la literatura, absorbe del cine los diferentes puntos de vista que ofrecen una concepción narrativa distinta, sobre todo, en lo que respecta a la mirada y al estilo.
El año pasado fueron adaptadas cerca de cuarenta obras que se convirtieron en películas. Por eso, queremos hacer un repaso, a las adaptaciones literarias programadas para este 2024, que veremos en pantallas de cine y streaming.
Orión y la oscuridad
Orión, es un niño que le teme la oscuridad. Le cuesta dormir con las ventanas cerradas o las luces apagadas. Es un personaje creado por Emma Yarlett. La aventura comienza para Orión cuando hace un nuevo amigo, Oscuridad, una colosal criatura que siempre está risueña.
Gracias a este insólito amigo, Orión logra enfrentarse a sus miedos, embarcándose en un viaje inolvidable. Las nocturnas aventuras comienzan cuando oscuridad toma forma e invita a Orión a recorrer el mundo de las sombras. Durante su viaje deberá decidir si puede aprender a no permitir que el miedo controle su vida. La serie animada inspirada en esta historia se verá por Netflix. Se estrenó el 2 de febrero.
Película dramática de ciencia ficción, basada en la novela Spaceman of Bohemia de 2017 de Jaroslav Kalfar. Sin duda, esta adaptación de la novela de ciencia ficción es uno de los platos fuertes de Netflix para el 2024. El argumento relata cómo Jacob, un astronauta en misión a Venus, descubre una misteriosa criatura alienígena con quien creará un extraño vínculo, con la que compartirá sus emociones más profundas.
Jacob descubre asombrado que la criatura es capaz de comunicarse y además, posee vastos conocimientos que cambiará todo lo que Jacob creía conocer para siempre. Protagonizada por Adam Sandler como el astronauta y Paul Dano como la voz de la criatura. Se estrenó el 1 de marzo.
Una joven aventurera y su robot, tratan de viajar al oeste atravesando una América que ha sido prácticamente destruida por la guerra civil y una extraña raza de drones monstruosos. Durante este viaje se encontraran humanos adictos a la realidad virtual que siguen conectados a sus auriculares. La historia es una mescolanza de nostalgia, ya que el autor suele combinar su infancia con elementos de películas de ciencia ficción, lo que da como resultado un paisaje seco, desolado y con toques retro-futuristas.
Wicked: Parte 1
Gregory Maguire tomó como inspiración la historia de las brujas de El mago de Oz y lo convirtió en una serie de novelas. La obra explica los orígenes de las brujas del país de Oz, Elphaba, la bruja mala del oeste, y Glinda, la bruja buena, ofreciéndonos una versión alternativa de su participación en los acontecimientos desencadenados por la llegada de Dorothy desde Kansas. La adaptación toca temas como la discriminación, el racismo o el empoderamiento femenino.
Este musical será la primera de una adaptación que se desarrollará en dos partes. Protagonizada por Cynthia Erivo y Ariana Grande, se estrenará el 27 de noviembre de 2024.
El Señor de los Anillos: la Guerra de los Rohirrim
La trilogía de El señor de los anillos es uno de los mayores espectáculos de la historia del cine. Sin embargo, para quitarnos el mal sabor de boca que nos dejó la adaptación de El Hobbit, llega una historia que explora el ilustre legado del pueblo de Rohan.
La película sigue a Helm Hammerhand, un legendario rey de Rohan que debe defenderse del ejército de los Duledings de Wulf. Esta película animada ampliará el contexto de la cultura de los Rohirrim, y también detallará la batalla épica que se desata entre el pueblo de Rohan y los Dunlendinos. Según la línea cronológica de la saga, la cinta se ubica 183 años antes de lo narrado en la trilogía de Peter Jackson.
La fecha de estreno planeada por Warner Bros es para el 12 de abril.
Cien años de soledad
La obra maestra del premio Nobel, Gabriel García Márquez, será adaptada por primera vez en su historia. Netflix apuesta fuerte por recrear en pantalla la historia del pueblo de Macondo. Este podría llegar a ser uno de los proyectos más deslumbrantes del 2024. Ya que hablamos de todo un clásico de la literatura que es famosa por su complejidad. Hasta el momento se conoce muy poco sobre la producción, sin embargo, las expectativas son altas.
Argylle
Argylle es una película de espías dirigida y producida por Matthew Vaughn. Escrita por Jason Fuchs, se basa en la novela homónima de la autora primeriza Ellie Conway. Cuenta con un reparto coral compuesto por Henry Cavill, Sam Rockwell, Bryce Dallas Howard, Bryan Cranston, John Cena, Samuel L. Jackson y Dua Lipa. Una adaptación de la novela, que nos ofrece la clásica pareja compuesta por un experto y un novato para crear situaciones de comedia.
Los clásicos nunca decepcionan y aunque ya hemos visto diferentes versiones de esta novela lograremos revivir la emoción de ver a Edmond Dantès escapar y buscar su venganza. El actor Pierre Niney ha sido elegido para interpretar este complejo papel. El cine francés busca protagonismo de la mano de los directores Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière, que fueron los guionistas de la nueva versión de los tres mosqueteros. El cine francés sigue apostando por la épica de su legendaria producción literaria. Se espera su proyección el 23 de octubre del 2024.
Para los fanáticos del terror, los libros de King vuelven a cobrar vida en su universo de horror. Inicialmente, se esperaba que se estrenara en cines en 2023, pero su lanzamiento se ha retrasado varias veces y ahora llegará directamente a las plataformas de streaming. Esta nueva adaptación fue dirigida por James Wan, siendo curioso que el rodaje tuviera lugar hace tres años.
Esta adaptación de New Line, sobre la magnífica novela de vampiros de Stephen King, tiene a Gary Dauberman como director. El elenco incluye a Lewis Pullman, Makenzie Leigh, Alfre Woodard. Se desconoce la fecha de estreno, pero los rumores la sitúan como un lanzamiento directo a la plataforma Max (HBO Max), en lugar de a los cines durante este 2024.
Lisa Frankenstein
Una nueva vuelta de tuerca para adaptar la famosa novela de Mary Shelley. Con una trama que intenta combinar una sátira sobre el amor obsesivo y la marca terrorífica que deja la muerte. Protagonizada por Kathryn Newton que interpreta a Lisa, quien después de un accidente inexplicable, resucita a un cadáver de la época victoriana. Juntos, se embarcan en un viaje para encontrar las partes faltantes del cadáver, viviendo una turbadora historia de amor.
El guionista David Koepp se adapta a sí mismo con una novela que publico en el 2019. La historia narra los estragos que produce un virus almacenado en una instalación del gobierno, que al escaparse, obviamente, causa devastación en el mundo. El mismo autor reconoció la influencia del clásico videojuego, The Last of Us, en su obra. Puntualizando, que el fondo de ambas historias es divergente, sobre todo, en lo relativo a la hora de explorar las consecuencias de la catástrofe. Esta historia se centra en las consecuencias que tiene, cuando la cura, se convierte en un monopolio de pocos.
Cold Storage es una película de suspense dirigida por Jonny Campbell. Como Hemos dicho, escrita por David Koepp , basada en su propia novela del mismo título. Está protagonizada por Liam Neeson y Joe Keery .
12. The Uglies
Esta película de ciencia ficción, acción y fantasía está dirigida por McG, con un guion escrito por Jacob Forman. Protagonizada por Joey King, quien además se desempeña como productora ejecutiva.
Basada en la novela Uglies de Scott Westerfeld, la trama se centra en una futura sociedad distópica, en el que una operación obligatoria, borra todas las diferencias físicas para embellecer a todas las personas. Una nueva apuesta de Netflix por la ciencia ficción con un director capaz de lo mejor y de lo peor con sus películas.
The Boys (Serie de TV)
La mejor adaptación de una serie que existe hoy en día, a la que se le puede añadir su exitoso spin off, Gen-V. Esta cuarta temporada seguirá ofreciéndonos la mejor sátira sobre superhéroes, y porque no, sobre la sociedad actual. Una serie divertida, violenta, estridente, llena de locura y caos, que sin embargo ofrece una lectura profunda sobre el comportamiento del ser humano. Expectativas altas, para una serie que esta temporada cuenta con el bombazo del fichaje de Jeffrey Dean Morgan, el mismísimo Negan de The Walking Dead.
La fecha de estreno oficial de la cuarta temporada de The Boys, será el 13 de junio 2024 en Amazon Prime Video, con la emisión de los 3 primeros episodios de la temporada.
El simpatizante
The Sympathizer fue la novela que le valió un premio Pulitzer a Viet Thanh Nguyen. Una serie, que ha generado mucho ruido por ser el siguiente trabajo de Robert Downey Jr. después del Oscar al mejor actor de reparto, por su papel en Oppenheimer. También porque el actor dará vida a cuatro personajes distintos que pueden confirmarle como uno de los mejores actores de su generación. La adaptación estará dirigida por Park Chan-wook, el responsable de Old Boy, y Fernando Meirelles, Ciudad de Dios, con lo cual, la calidad está garantizada.
Nos cuenta la historia de un espía del ejército de Vietnam del Sur, que se encontrará en medio de una guerra de lealtades. Mezcla el thriller de espionaje con la sátira intercultural, que se desarrolla en el periodo que abarca, entre los últimos días de la Guerra de Vietnam y el exilio que sufre el protagonista en los Estados Unidos.
Dejamos para el último, al fenómeno en que se está convirtiendo esta saga cinematográfica cargada de épica y lujosa ciencia ficción. Dune continuará con la historia de Paul luego de ser dado por muerto junto a su madre. El heredero de la Casa Atreides buscará vengar la muerte de su padre, pero para hacerlo, tendrá que poner de su lado a los Fremen, la gente de la arena.
Esta temporada, al igual que la primera, es una adaptación de la novela homónima de 1965 de Frank Herbert. Esta película está siendo uno de los grandes éxitos de la ciencia ficción del año.
Sangre de Zeus ha logrado demostrar que todavía hay esperanza para la buena animación para adultos, y lo que es mejor, parece que está encontrando a un público ávido de buenas historias animadas. Parece, que todo se está enfocando en consumir animes como One Piece y Jujutsu Kaisen o adaptaciones animadas de cómic, como X-Men’ 97 e Invencible. Sin embargo, Netflix ha logrado encontrar una serie adulta, sangrienta, que marca territorios profundos de drama y violencia, donde la fantasía está destinada de manera exclusiva a un público adulto, algo que es de agradecer.
Sangre de Zeus, es una serie de animación creada por Charles y Vlas Parlapanides para la plataforma Netflix. Está producida por Powerhouse Animation Studios. La serie esta ambientada en el mundo de la mitología griega y nos cuenta la historia de un joven que descubre que es el hijo ilegítimo de Zeus. Podéis leer la reseña de la primera temporada aquí.
Esta segunda temporada sigue respetando la mitología griega, los creadores tratan a los dioses y monstruos originales con profundo respeto. No es para menos, ya que recordemos que la mitología griega es la línea base de la que surgen nuestros queridos superhéroes. Aunque sean dioses, una acertada decisión es lograr alejar la idea de perfección de la figura que podamos tener sobre los mismos. Sí, son inmortales, pero tienen en su personalidad rasgos defectuosos, que les hacen estar invadidos por las mismas inclinaciones negativas que los seres humanos. Gracias a esta capacidad de ser imperfectos, Sangre de Zeus logra que empaticemos con las ideas y acciones de los dioses, disfrutando de su historia compleja, densa y profunda.
En esta segunda parte, Sangre de Zeus apuesta por ir descubriendo la perspectiva de los dioses, conocemos la historia de hades y como a veces, las apariencias engañan. Incluso para un ser omnipotente, es insoportable estar escuchando el lamento de los muertos eternamente. Con Zeus fuera de escena, los dioses luchan por el control de los cielos. Mientras Heron que ha descubierto quien es, le surgen dudas sobre qué debería estar haciendo y cual son los pasos a seguir, ni más ni menos que las dudas que siempre han acompañado a los humanos, durante diferentes etapas de su vida.
En Sangre de Zeus, la contraposición de los perfiles de Heron y Seraphim, hermanos carnales, pero de carácter radicalmente diferentes, consigue enriquecer la trama a través de sus puntos de vista, y de cómo cada uno hace las cosas para conseguir sus objetivos. Apoyada en la mitología griega, la historia deriva en una acción más reflexiva, llena de toques de terror, en el que ambos hermanos tendrán que enfrentarse a lo que significa salvar el mundo y las personas que aman. Tanto la divinidad como la mortalidad se entrecruzan en una escala épica, donde son las decisiones de ambos hermanos los que darán forma a su propia leyenda.
La animación de Sangre de Zeus, se beneficia notablemente de sutiles mejorías. Los movimientos de los personajes son mucho más suaves, logrando mayor amplitud de emociones en las batallas. Las confrontaciones resultan más viscerales y creíbles, los escenarios están mejor delineados y contienen imágenes perfeccionadas, que capturan la brutalidad de las escenas de guerra.
El guion presta especial cuidado por mantener las alusiones a la mitología clásica. Con diálogos bien ejecutados que le dan sentido a la narración, dando forma a través de las palabras a la caracterización de los personajes. Sangre de Zeus preserva la estética y la estructura de la mitología en la historia que nos cuenta, ya que nos encontramos todos los temas heredados de la misma, como las alusiones a profecías, el héroe que parte a su destino, la política de los dioses causando estragos en el mundo de los hombres, los amantes condenados, etc.
Es de agradecer la ironía dramática que fluctúa durante el metraje de Sangre de Zeus, ya que trata al espectador con respeto, desplegando una narrativa inteligente que fuerza a reflexionar sobre la ambigüedad de las decisiones, tanto las humanas como la de los dioses. Puede que tenga algunos leves problemas de ritmo, ya que quizás intenta abarcar demasiadas cosas en poco más de media hora que dura el capitulo, pero acaba logrando que los eventos puedan tener suficiente espacio para respirar. Siendo una espléndida ejecución, de una epopeya brutal, de espadas, túnicas y profecías.
Lo mejor de Sangre de Zeus, sin duda, es la capacidad que tiene para canalizar todos los elementos típicos de la mitología griega, para crear una analogía con nuestra sociedad actual. Creando un cuento moderno con los elementos más clásicos de la tragedia griega, para dar forma a una nueva leyenda, que teje una historia original sobre la que cimentar una vieja aspiración del ser humano, que no es otra, que aspirar a ser valientes y honorables para acercarse a la inmortalidad. Todo ello, con el trasfondo de descubrir si los dioses y humanos son tan diferentes los unos de los otros.
En definitiva, esta serie está realizada con elegancia, poniendo mimo en sus detalles, respetando la mitología y sobre todo, a los espectadores adultos. Una serie para disfrutar de dioses, semidioses y monstruos, con su representación del panteón llena de personajes complejos e imperfectos, que luchan entre sí, mientras intentan averiguar quiénes son o que camino deben escoger. Una narración moderna de temas antiguos, que se desarrolla a través de unos personajes defectuosos pero auténticos, que están llenos de vida. Sangre de Zeus es una serie que se disfruta con creces, una tierra de tragedia y misticismo, que ofrece algo importante para los adultos, una buena historia bien contada.
La segunda temporada de Sangre de Zeus sigue siendo una continuación eficaz, enérgica y poderosa. Dispuesta a conquistar la inmortalidad de las grandes series de animación de la historia.
Planeta Cómic publica en España el primer tomo de Huérfana y las Cinco Bestias, la última obra de James Stokoe para Dark Horse. Stoke es un artista famoso por su dibujo barroco y lleno de detalles que ya ha hecho las delicias de los aficionados en obras como Orc Stain, Aliens: Dead Orbit o Godzilla: Half-Century War. Pero aquí va un poco más allá y ejerce como autor completo. Y cuando digo completo lo digo en el más amplio sentido de la palabra ya se ocupa del guion, lápices, entintado, color y portadas. Vamos el se lo guisa y el se lo come. Y muy bien comido que está todo además.
El resumen de la editorial de Huérfana y las Cinco Bestias es el siguiente:Espoleada por las últimas palabras en vida de su maestro, la guerrera adoptada «Huérfana Mo» trata de encontrar y matar a cinco antiguos discípulos que ahora amenazan el territorio con la corrupción de sus demoníacos poderes. James Stokoe aporta su ultra-detallado dibujo de fantasía con violencia desbocada en un relato de venganza clásico a lo John Wick.
Como podemos ver la trama no es que sea lo más original del mundo. Pero tampoco es que lo pretenda. Estamos ante una historia de acción que recuerda muy mucho a las películas de artes marciales asiáticas que tanto han fascinado a varias generaciones. En palabras del propio Stoke: «La mayor parte de mi trabajo anterior se ha centrado bastante en la acción. Y siempre ha habido una gran influencia de la coreografía de acción de Hong Kong en mi trabajo, y esta es la primera vez que abordo esa influencia directamente».
Así pues, vamos a leer una historia típica de venganza en la que nuestra protagonista tendrá que enfrentarse a unos enemigos tremendos a cada cual más poderoso, cada uno con su propio estilo y con sus propias armas y atributos personales, pasando “pantallas” en dificultad creciente como si se tratará de un videojuego.
El guion no tiene más, no puede ser más sencillo. Pero funciona como un reloj ya que es una mera excusa para que el autor se recree en lo que más le apetece y lo que mejor se le da. Ofrecernos unas escenas de lucha y acción realmente brutales y espectaculares. Aquí hemos venido a ver hostias como panes, y vaya si las vamos a tener.
A pesar de esa sencillez, la historia presenta momentos en los que merece la pena detenerse un poco. Stoke sabe que es complicado tomarse en serio lo que vemos en sus viñetas así que opta por ofrecer unas pinceladas de humor que quedan como un guante. Las personalidades y peculiaridades de las Bestias a las que se enfrenta Mo son sencillamente descacharrantes, por lo menos las de las dos que vemos en este primer volumen. Siempre es de agradecer que la acción vaya condimentada con algo más que llevarnos a la boca, y en este caso, la diversión está asegurada.
Pero vamos a lo realmente importante. El principal gancho de esta obra es el espectacular dibujo de James Stokoe, que llama la atención desde una impactante portada llena de detalles, hasta la más recóndita viñeta que pueda estar escondida en el tomo. Todo el apartado artístico brilla sobremanera. Las páginas están repletas de mil y un detalles, perfecto para regodearse en su contemplación descubriendo pequeñas cosas ocultas que hacen que el lector se sorprenda una y otra vez. Ese mimo y detalle sobresale en las escenas de acción, muy bien coreografiadas y con una puesta en escena soberbia, sin escatimar violencia y sangre. También hay que destacar el trabajo del autor en el diseño de los personajes, todos con su propia personalidad, incluso los guerreros secundarios, algo a lo que ayuda el buen trabajo a la hora de dibujar gestos y expresiones. Sin olvidarnos de las Bestias y sus poderes, plasmadas de una manera loca y divertida y a la vez aterradora y salvaje.
La edición de Planeta Cómic incluye en este tomo recopilatorio los cuatro números de la primera miniserie dedicada al personaje. El volumen esta encuadernado en tapa dura y tiene 120 páginas entre las que se incluyen varios extras muy interesantes como un libro de bocetos en el que autor explica parte de su proceso creativo. El precio de venta es de 17,95 euros. Es una pena no poder tener la historia completa en un solo tomo. Sin duda se disfrutaría más de su lectura, pero no se han publicado más en EE UU. Teniendo en cuenta que Mo se tiene que enfrentar a cinco Bestias y aquí lo hace con dos, esperemos que en breve tengamos nuevas aventuras de la que desde hoy es nuestra Huérfana favorita.
En resumen, Huérfana y las Cinco Bestias es un gran cómic de acción que además es muy divertido de leer. Los fans de las historias de venganza y artes marciales tipo John Wick tienen aquí una compra obligada que además entra por los ojos gracias a un detallado y ultraviolento dibujo que sin duda es el gran atractivo del tomo.
A los 98 años nos dejó Roger Corman, quien tanto en su faceta de director como de productor y con cientos de películas en su haber, ocupa un lugar destacado en la cinematografía mundial como uno de los realizadores más influyentes, además de ser referencia ineludible para el cine de bajo presupuesto.
“Cómo hice cien películas en Hollywood y nunca perdí un centavo” es el título de la autobiografía que, publicada en 1990 por Roger Corman, le define en cuerpo y alma en su condición de realizador influyente como pocos. Había nacido en Detroit un 5 de abril de 1926, pero se crió en Beverly Hills, aunque “no en la parte adinerada” como siempre se encargó de aclarar.
La trayectoria de Roger Corman es un inmejorable ejemplo de comenzar desde abajo y vivir con la lógica de un sobreviviente por adverso que sea el contexto y exiguos los presupuestos. Formado en una educación católica, estudió ingeniería industrial en Stanford, carrera que debió interrumpir por su alistamiento en la Marina hacia finales de la Segunda Guerra Mundial, pero que retomaría luego para graduarse en 1947. Su faceta como ingeniero, no obstante, solo duró cuatro días ya que eso fue lo que tardó en darse cuenta que no era lo suyo y decirle a su jefe, según propias palabras, “he cometido un terrible error”.
Es que ya para ese entonces Roger se codeaba con el cine. Desde muy abajo, claro, pues comenzó trabajando en la mensajería de Fox y después como asistente del agente literario de la firma. Al parecer, y según dijo, aportó ideas para el western El Pistolero (Henry King, 1950), pero nunca fue acreditado. Distinto fue el caso del policial negro Highway Dragnet (Nathan Juran, 1954), por cuyo guion cobró doce mil dólares que utilizó para producir su primer largometraje: una monster movie titulada justamente El Monstruo del Océano (Wyott Ordung, 1954).
El éxito de la cinta, mayormente en salas especializadas y autocines, le animó a producir al año siguiente The Fast and the Furious (¿sabían que ese título fue inventado por él?), dirigida por Edward Sampson y John Ireland.
Sería no solo engorroso sino imposible hacer un repaso exhaustivo de todo cuanto haya hecho: el título de su autobiografía dice bastante al respecto y además excedería los objetivos de este artículo, pero digamos que en los años siguientes la ciencia ficción y el terror lo tuvieron entre sus realizadores predilectos, llegando su gran despegue en 1960 con La Pequeña Tienda de los Horrores(también conocida como La Tiendita del Horror), comedia de terror que incluía en su elenco a un joven Jack Nicholson que, por cierto y también con producción de Corman, había tenido su debut cinematográfico dos años antes en Grita Asesino (Jus Addiss,1958).
Rodada con solo veintiocho mil dólares y reutilizando decorados de otra película, La Pequeña Tienda de los Horrores acabó convirtiéndose en clásico de culto con su combinación de comedia negra, parodia y humor judío al punto de dar lugar a una remake teatral en 1982 y posterior adaptación cinematográfica en 1986, ambas en formato musical.
Pero la década de los sesenta quedaría además indisolublemente ligada a sus adaptaciones de Edgar Allan Poe, que fueron ocho, todas en un lapso de cuatro años (1960-1964) y siete de ellas protagonizadas por Vincent Price, quien se convertiría en su actor fetiche y formaría con él un tándem cinematográfico que iba a quedar ligado a Poe de manera casi excluyente.
De esa etapa gótica, merecen especial atención La Caída de la Casa Usher (1960), Historias de Terror (1962) y El Cuervo (1963), que cuenta con el mérito no solo de adaptar un poema con poco material para desarrollar una historia, sino también el de refundar la comedia de horror al echar mano de actores icónicos del género de miedo como Vincent Price, Boris Karloffo Peter Lorre, pero para hacer reír en lugar de asustar. Si quieren saber más, les remito al retro-análisis de un servidor.
En la segunda mitad de los sesenta se acentuó su tendencia a producir cine chatarra a razón de cinco o seis filmes por año y con mucha tendencia al exploitation e inclusive se dedicó a comprar y estrenar en Estados Unidos películas extranjeras que luego vampirizaba.
El caso más escandaloso posiblemente sea El Planeta de las Tormentas, filme de ciencia ficción soviético que, sin complejo alguno, recicló dos veces, una como Viaje al Planeta Prehistórico (1965) y otra, sumándole obviamente chicas, como Viaje al Planeta de las Mujeres Prehistóricas(1968), un asunto sobre el cual no me extiendo más porque será en algún momento objeto de retro-análisis o quizás reseña basura…
Ese mismo rumbo se mantuvo durante las décadas que siguieron, llegando al paroxismo con Carnosaurio (Adam Simon, 1993), película que salía a explotar el fenómeno Jurassic Park y que, sin vergüenza alguna, fue directamente estrenada en algunos países como Carnosaur Park. Lo curioso del asunto es que Corman siempre se las arregló para que ese descaro rayano en la falta de crepúsculos se convirtiera en una forma de arte con códigos propios y no pocos cultores, como los casos de Robert Rodriguez y Quentin Tarantino.
A ello hay que agregar que su faceta de cinéfilo enamorado de las realizaciones europeas le llevó incluso a ser el responsable de que se estrenaran en Estados Unidos títulos como Gritos y Susurros (Ingmar Bergman, 1972), Amarcord(Federico Fellini, 1973) o El Tambor de Hojalata (Volker Schlöndorff, 1979). Casi nada. Muchos de los intelectuales savants que le denostaban por sus películas de bajo presupuesto deberían ser conscientes de que pudieron ver esas joyas en una sala de cine gracias a él.
Fue un acto de justicia, por lo tanto, que muchos de los directores por él promovidos le incluyeran en cameos o pequeños papeles en sus películas, apareciendo así enEl Padrino: Parte II, Aullidos, El Silencio de los Corderos, Filadelfia o Apolo 13, entre otras. Como también fue justo que en 2009 recibiera un Oscar Honorífico por su vasta trayectoria y aportes al cine.
A los 98 años, Roger Corman encontró su final el pasado jueves en Santa Monica, California, pero la noticia de su deceso recién fue difundida ayer en un comunicado familiar. Con él se apaga una parte de la historia del cine y quizás de nuestras vidas, ya que, por lo menos en mi caso particular, sus adaptaciones de Poe me acompañaron desde la infancia y las vi una y mil veces en las sucesivas repeticiones televisivas.
Cuando algún tiempo atrás se le preguntó como le gustaría ser recordado, simplemente se limitó a responder: “Yo era un cineasta, solo eso”. Una vez más, casi nada. Y sus películas, que eran cien al momento de publicar su autobiografía, terminaron sumando cerca de trescientas. ¿Acaso habrá muchos que puedan acreditar semejante número?
Gracias por tanto, Roger, y nunca mejor dicho lo de “tanto”. Hasta siempre…
Disney+ ha incoporado recientemente a su catálogo Let It Be, película de 1970 que, dirigida por Michael Lindsay-Hogg y reprocesada recientemente por los estudios de Peter Jackson, nos llega ahora en increíble versión restaurada que mejora con creces la original y además contribuye a revalorizarla en su justa dimensión como documento invaluable de los últimos días de los Beatles.
“El búho de Minerva solo abre sus alas en el ocaso”. La cita, que pertenece aHegel, dice a las claras que a veces se necesita un cierto tiempo para apreciar las cosas en su justa medida y eso es exactamente lo que ocurre al revisionar Let It Be, la película crepuscular de los Beatles que, en versión completamente restaurada, ha estrenado Disney+ hace apenas días.
Y es que realmente fue poco valorada en su momento. La intención inicial del director americano Michael Lindsay-Hogg (cuyo padre biológico fue Orson Welles) era hacer un documental sobre un hipotético concierto que, tras tres años sin actuar en vivo, la banda daría en un anfiteatro de Libia en medio del desierto, idea finalmente no concretada pero que seguramente habrá inspirado a Pink Floyd para su Live at Pompeii (1972).
Pero el alejamiento de George Harrison y la crisis final hicieron que el proyecto no se llevara a cabo y hubiera que cambiar planes: así fue como las imágenes de sesiones y ensayos que originalmente iban a ser solo complementarias acabaron convirtiéndose en sustancia del filme.
Tiene cierta lógica entonces, considerando ese carácter de testimonio involuntario, que al momento del estreno la cinta fuera vista por la crítica como desordenada y caótica, o que su tono elegíaco produjera desencanto en un público que quería otra imagen de los Beatles, muy distinta a la del resquebrajamiento que por esos días estaban viviendo.
De hecho, el filme solo estuvo un par de semanas en los cines y fue editado en los ochenta en VHS, pero jamás oficialmente en DVD ni subido a plataforma alguna hasta hoy. Las versiones piratas circularon durante décadas y si ya de por sí la calidad visual y sonora del material original no era la mejor (precisamente por el carácter secundario y complementario con que había sido realizado), la realidad es que fue empeorando con cada nueva copia.
Para cubrir ese bache y con realización de Peter Jackson, llegó en 2022 y también por Disney+, Get Back, la excelente serie documental que, con casi ocho horas de material inédito, cubrió prácticamente la misma estapa haciendo particular énfasis en el proceso compositivo de las canciones.
Y ahora el propio Jackson, a través de su estudio Park Road Post Production, es quien se encarga de restaurar el material original con increíble calidad no solo de imagen (realzando para bien los colores originalmente opacos de la cinta), sino también de sonido que, ahora depurado, permite apreciar con mayor fidelidad no solo las interpretaciones sino también los diálogos, antes sobrecargados de ecos y sonido ambiental que, a veces, dificultaban la comprensión si no había un subtitulado.
No es casual por lo tanto que, para poner al espectador desprevenido en contexto, esta versión se inicie con una conversación entre Peter Jackson y Michael Lindsay-Hogg en la cual este último reconoce el aporte del primero a la hora de rescatar aquel antiguo material y el segundo no puede dejar de sentir una mezcla de admiración y envidia al pensar que mientras él “solo” reprocesó el material grabado, Lindsay-Hogg estuvo en el momento y lugar de los hechos.
Pasada esa introducción, la película muestra básicamente a la banda trabajando, ensayando o arreglando canciones en los estudios Apple, básicamente las que componen el álbum que acompañó a la película, tales como One after 909 (compuesta por John Lennon cuando tenía diecisiete años), Dig a Pony, I Me Mine (bailada por John y Yoko en ritmo de vals) o las tan bellas como emblemáticas Let It Be, Across the Universe y The Long and Winding Road, todavía esta última sin el arreglo orquestal estilo años cincuenta que le agregaría Phil Spector y que tanto irritaría a Paul McCartney (en lo personal, me encanta).
Se oyen asimismo fragmentos de piezas de Abbey Road, pues no hay que olvidar que el retraso de la película hizo que los lanzamientos de los discos se dieran de manera invertida, pero la realización del mismo es en realidad posterior a Let It Be.
Suenan así Maxwell’s Silver Hammer (canción de Paul a la que luego John definió alguna vez como “indecente”), Oh! Darling (por el contrario, única de Paul que John admitió que le gustaría haber compuesto) y Octopus’s Garden (fantasía acuática compuesta por Ringo Starr y, según propias palabras, primera canción suya de la cual no se rieron). Y en medio de todo, el gran aporte de Billy Preston y su Hammond,casi como un “quinto Beatle”.
No es que haya material nuevo o imágenes que no hubiéramos visto y sin embargo todo se ve como si lo viéramos y oyéramos por primera vez, lo cual no solo tiene que ver con la imagen y sonido restaurados, sino también con esa perspectiva distinta que da el tiempo y de la que hablábamos al principio…
Alguna vez George Martin manifestó lamentar la cantidad de cintas que en su momento borró y en las cuales había conversaciones que hoy serían testimonios invaluables, pero en aquel momento no lo vio de ese modo y simplemente reutilizó las cintas por una cuestión de economía. Debe ser difícil darse cuenta de que se está presenciando algo que después será histórico y así se entiende el deslumbramiento de Jackson por el hecho de que Lindsay-Hogg estuviera allí.
Mucho de eso ocurre precisamente con Let It Be, a la que personalmente no recordaba como una buena película pero, al verla hoy, es una muestra fiel y crepuscular del final de los Beatles que resulta mucho más reveladora con la perspectiva del tiempo y a luz de la historia posterior de los miembros de la banda.
Pueden así apreciarse claramente las tensiones y roces, ya sea en forma expresa (como cuando George ironiza diciéndole a McCartney que simplemente tocará lo que lo haga feliz o incluso nada en absoluto si así lo desea), o bien tácita (como se aprecia en los rostros serios y circunspectos con que John, George y Ringo oyen a Paul dar instrucciones como si fuera líder de la banda.
Y quizás en definitiva lo fuera: el propio George Martin ha manifestado alguna vez que, de no ser por McCartney, los Beatles hubieran publicado menos discos. O tal vez sea que para esa época ya nadie quería estar en la banda salvo Paul y ello redunda en que el resto se limiten a callar y esperar un final que se avizora como inminente.
De hecho y contrariamente a la imagen rebelde y verborrágica que de él podemos llegar a tener, a Lennon se le nota retraído, parco y de pocas palabras. Y cuando le vemos simplemente escuchar a Paul en silencio mientras fuma y asiente de tanto en tanto, su actitud parece la de alguien que ya no tiene ganas de estar allí. Algo parecido ocurre con un Ringo que casi no sonríe y está a años luz del tipo simpático y divertido de otros tiempos.
También se percibe cierta atmósfera tensa por la presencia de Yoko Ono, sentada en los ensayos casi como un miembro más de la banda y dejando en evidencia que para esa altura no había un único motivo de disolución. Y no porque ella fuese, como suele decirse, responsable del final que se avecinaba, sino porque si algo se desprende de las filmaciones es que estaba allí porque John le dio ese lugar.
De hecho, Linda, esposa de Paul, también hace presencia en algún momento junto a la pequeña Heather, pero su actitud es la de alguien que está de visita y no la de un ancla, seguramente porque ese era, en su caso, el lugar que Paul le había dado, más allá de que después acabaría sumándola a Wings.
Pero no todo es mal clima. Es evidente que los momentos más tensos se producen al ensayar las composiciones de McCartney, pero la banda claramente se divierte cuando, puestos en modo lúdico, versionan canciones de rock n ´roll o rhtyhm & blues de los cincuenta, tales comoKansas City o Lawdy Miss Clawdy: allí dan impresión de estar todos en la misma y recordar con nostalgia la música que los formó. O cuando a modo de broma interpretan Bésame Mucho, clásico bolero de los treinta compuesto por Consuelo Velázquez y en el cual Paul canta las dos únicas palabras en español que la banda haya registrado.
Pero si hay un momento en que la banda suena y se ve mancomunada es durante el ya mítico concierto de la azotea, que ocupa el tramo final del filme. Ese que nunca fue anunciado y que sorprendió tanto a transeúntes y conductores que andaban por la zona como a la policía, cuyo ingreso al edificio, en un fino detalle que no recordaba, es acompañado por el reprise de Get Back mientras el estribillo, en tono sentencioso, parece llamarlos a volver adonde pertenecen (get back to where once belonged).
Es en esos minutos finales de la cinta cuando la banda se ve realmente como una banda en lugar de cuatro músicos, como si cada uno fuera consciente de que quizás nunca volverían a tocar juntos. Y en efecto así fue…
Valoración y Legado
Es curioso, pero al ver hoy la película parece un documental actual o, si se quiere, un germen de lo que después fueron los realities. La ausencia de relato en off hace que simplemente todo fluya de manera natural y nos sintamos parte de las sesiones, siendo realmente impresionante lo que los rostros de los protagonistas dejan traslucir sin necesidad de palabras.
No se puede dejar de reconocer en ello la hábil mano del director y no entiendo cómo Let I Be pudo haberme parecido tan mala en su momento; solo me sirve de consuelo no haber sido el único y que la crítica tampoco la haya tratado bien en su estreno. Más aún: la cinta ganó un Oscar por banda sonora, pero los Beatles ni siquiera fueron a recibirlo y debió hacerlo Quincy Jones en su nombre. Está claro que ni ellos la valoraban, pero algo debe haber cambiado en todos estos años para que tanto los dos sobrevivientes del grupo como las viudas de los fallecidos hayan dado su acuerdo para que esta versión restaurada viera la luz.
Vista hoy, se ve casi como si alguien hubiera estado tomando de manera casual una fotografía que terminaría quedando en la historia y es allí donde la película asume un peso y valor que quizás no formaran parte del plan original, pero a quién le importa…
Si a ello sumamos el excelente reprocesamiento de imagen y sonido, solo se puede decir que esta nueva oportunidad de revisionarla emociona. Y que teniendo ahora vista también la serie documental Get Back, ambas funcionan como perfecto complemento entre sí. Tal como afirma en la introducción el director Michael Lindsay-Hogg, “Let It Be es el padre de Get Back”. Y los Beatles, prácticamente, los padres de todo. ¿Cómo puede uno entonces resistirse a redescubrirlos?
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Abe Sapien Integral 3. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Abe Sapien Integral 3, el final de la aventura… o el principio.
Qué suerte tenemos todos de estar disfrutando de este Universo Hellboy creado por Mike Mignola desde décadas atrás. Gracias a la creación del personaje Hellboy, poco a poco y con el tiempo, se ha ido creando a su alrededor una franquicia que al principio nadie esperaba, y que es ahora un universo en si mismo. Y es una bendición para todos los fans, debería añadir. Por todo ello tengo que decir gracias, gracias por todo lo dado. Y lo digo ahora porque parece que este universo está llegando a su fin.
Y no es que la saga de Hellboy acabe por malas ventas o hastío (lo mismo hay algo de cansancio de los autores, eso no lo puedo asegurar), sino que acaba por llegar al final de la historia. Por eso digo que hay que estar contentos con estos cómics y con estos integrales. Una vez terminen los echaremos de menos. Y prefiero que se acaben todas las series con un final en vez de alargar el chicle hasta la extenuación.
Este tomo, realmente contiene historias cortas que se podrían (o deberían) leer antes que el tomo 1 de Abe Sapien, pero como eso de colocar un número 3 antes que los primeros en la comiteca queda mal, mejor ponerlo por detrás y tan a gusto que nos quedamos. Aún así hay una historia corta del Abe Sapien 3 que se puede leer después del futurible integral 10 de AIDP, que es Icthyo sapien. Por tanto y para los más puristas os dejo el orden de lectura de los integrales del Universo Hellboy hasta la fecha en España y editados por Norma.
AIDP (Edición integral) 10 – PROXIMAMENTE (FINAL DE LA SAGA DEL INFERNO)
Abe Sapiens (Edición integral) 3
AIDP (Edición integral) 11 – PROXIMAMENTE
Y ojo, si sacan más integrales, que espero que sí, indico que después del tercer integral de Hellboy y el quinto de AIDP habría que meter, y por este orden, El Cazador de brujas integral 1 y los dos de Bogavante Johnson.
Si en un futuro a medio o largo plazo siguen sacando más integrales, ya iría ampliando y actualizando este orden de lectura. Y tener por seguro que haré más artículos con la guía de lectura actualizada.
Tengo que reconocer también que aunque todos, y digo bien todos, los integrales de este Universo Hellboy son de una calidad de notable y ninguno tiene bajones escandalosos, este tomo, este Abe Sapien 3 no está entre los mejores. Ojo, que es de notable, pero no de sobresaliente. Las historias cortas aquí contadas no llegan a la excelencia de los anteriores, pero creo que amplían el universo de Abe Sapien para todos los fans.
Y además tengo que añadir que este volumen es perfecto para los no iniciados, porque nos cuentan a través de historias cortas una especie de cronología de Abe Sapien. Y estas historias pueden ser disfrutadas sin necesidad de haber leído nada nunca del universo Hellboy. Evidentemente amplían el espectro y mejor haber leído antes otras historias, pero creo que es un buen punto de partida para empezar a disfrutar las aventuras de este universo creado por Mike Mignola.
LAS HISTORIAS CORTAS PROTAGONIZADAS POR ABE SAPIEN RECOPILADAS EN UN ÚLTIMO VOLUMEN INTEGRAL.
Un volumen repleto de aventuras protagonizadas por Abe Sapien realizadas por grandes artistas del cómic americano Incluye las historias recopiladas anteriormente en:
En estos días ambos han dado noticias. Hemos conocido el nuevo traje de Superman y se acaba de estrenar en Disney+ la versión restaurada de la película Let it Be. Buena ocasión, entonces, para hacer repaso de los muchos cruces que han tenido Superman y los Beatles y que quizás no conocías…
Los años sesenta significaron una revolución cultural en todo sentido y muy especialmente en la música. Los editores de cómics no podían quedar fuera de ello y así fue como en DC (y en menor medida en Marvel) cruzaron a sus personajes con los íconos juveniles del momento y de manera muy especial con los Beatles. Ya hemos hablado de los cruces con Batman en otro artículo de un servidor pero, a diferencia del murciélago, Superman no tuvo una historia concreta en que interactuase con la banda (ni siquiera con nombres falsos), pero sí varios cruces, incluso más que Batman y a veces recíprocos.
Jimmy Olsen, el fotógrafo amigo y compañero de trabajo de Clark Kent, fue quien principalmente ofició de nexo en un momento en que la banda de Liverpool tenía revolucionada a toda la escena. Superman´s Pal Jimmy Olsen fue una revista de cómics que se publicó entre 1954 y 1974, tocándole por lo tanto coincidir en época con los años en que los Beatles estuvieron activos (1960-1970). Se trataba básicamente de un spin-off de Superman con historias de corte mucho más humorístico, a la vez que mayor roce con situaciones o personajes reales.
En el número 79, aparecido en septiembre de 1965, se publicó una historia titulada El Beatle Pelirrojo del año 1000 a.C., la cual tenía guion de Leo Dorfman y dibujo de George Papp que, por alguna razón que desconozco, reemplazaba en esa ocasión al gran Curt Swan, ilustrador habitual. No era, a decir verdad, una gran historia o, mejor dicho, tenía el tono pasatista y despreocupado que en general caracterizaba a las tiras de DC por esos días y más especialmente a las que la revista publicaba, pero era al menos divertida.
Comienza con Jimmy Olsen en su apartamento viendo a los Beatles en televisión mientras, con peluca para la ocasión, canta y baila al son de “I wanna hold your Hand”. En eso, le golpean la puerta y se encuentra con un supuesto policía del futuro llamado Kasmir que dice ser parte de la Legión de Super-Héroes (otro crossover por el mismo precio), pero en realidad es un criminal del tiempo. Ha robado justamente una máquina para desplazarse por el mismo y está buscando ocultarla de sus perseguidores pero, por un error, acaba enviando a Jimmy a la Judea del año mil antes de Cristo.
Sin saber cómo sobrevivir allí, este intenta por un tiempo esquilar ovejas, pero encuentra mejor suerte utilizando la lana de las mismas para hacer pelucas que, teñidas de negro y a la usanza “beatle”, causan furor entre los locales que las compran a moneda de plata por unidad. No conforme con ello, se vale además de un tambor y un cuerno de carnero para interpretar canciones de los Beatles a las que les faltan casi tres milenios para ser compuestas, pero que hacen delirar a la juventud de la época y muy especialmente a las muchachas.
El alboroto que causa, sumado a la acusación de que la lana que utilizó para las pelucas era robada, hace que termine en prisión y es salvado de su encierro por un desconocido que acaba siendo el mismísimo Sansón. Situación compleja se produce al verle Jimmy muy enamorado de Dalila, pues sabe la suerte que en manos de ella le espera , pero no puede advertirle porque cambiaría la historia, lo cual en cambio no le preocupó en absoluto cuando salió a interpretar en público el repertorio beatle.
A la larga, por supuesto, es Superman quien debe ir a rescatarlo tras averiguar a qué época y lugar ha ido a parar y sorprendiéndose de ver en persona la “beatlemanía” que su amigo allí ha causado. De más está decir que es él quien, además de rescatarlo, debe solucionar lo mejor que puede el entuerto que Jimmy ha generado. En medio de todo ello, Superman traba amistad con Sansón y no será la última vez que se les vea juntos, pero eso ya no es material de este artículo…
Volvería, por cierto, a haber referencia a los cuatro de Liverpool en otro ejemplar de Superman´s Paul Jimmy Olsen, que sería el número 100 de marzo de 1967, con historia a cargo (una vez más) de Leo Dorfman y dibujos de Pete Constanza. Allí, Perry White comunica a Jimmy que se ha ganado dos tickets para ver esa noche a los Beatles en el Metropolis Stadium y este, feliz con la noticia, piensa en invitar a Lucy Lane (hermana menor deLois), que ese mismo día está regresando de París.
Mientras va camino de buscarla al aeropuerto, incluso, se ve a un costado del camino un cartel promocionando el show que, a decir verdad, no luce muy actualizado ya que el look de los Beatles no se corresponde con el que tenían para ese entonces. E hilando incluso más fino, hasta habían dejado de actuar en vivo y no volverían a hacerlo durante el resto de su existencia como banda, pero supongo que todo eso estaría aún muy fresco y quizás aún se pensaba que acabarían regresando a las giras y los conciertos, lo cual finalmente no ocurrió.
De todos modos, la cosa acaba en frustración para Jimmy porque al ir a buscar a Lucy, se encuentra con la sorpresa de que hay un uniformado galán esperándola con un ramo de flores. A la larga, no obstante, todo terminará bien: Jimmy ganará el amor de Lucy y acabarán en matrimonio, pero en el medio se han perdido el show de los Beatles al cual, obviamente, Jimmy no ha querido asistir solo; supongo que se habrá arrepentido…
¿Pero serían todas estas referencias beatles parte de una estrategia para el público juvenil o habría quizás alguna devolución de gentilezas? A lo que voy: en agosto de 1965 se estrenó la película Help!, en la cual hay un par de escenas en que Paul McCartney aparece leyendo cómics ligados al mundo de Superman.
En una, está en su habitación de hotel leyendo un ejemplar de Superman´s Jimmy Olsen y en otra pueden apreciarse sobre su teclado varios más, como también títulos de Superman o Action Comics publicados entre 1962 y 1964.
De hecho, Paul lee los cómics mientras toca e incluso se distinguen y reconocen mejor las cubiertas cuando, sin tocarlo, es John Lennon quien está delante del teclado.
Habida cuenta de que la película se estrenó en agosto de 1965 y el cómic del «beatle pelirrojo» vio la luz editorial recién en septiembre de ese año, habrá que concluir que el homenaje de los Beatles a Superman estuvo antes y no sería de extrañar que desde DC Comics hubieran, como hemos dicho, devuelto la gentileza.
Es sabido, además, que Paul era (o es) un gran entusiasta de los cómics y dado que la película buscaba mostrar a los Beatles con características cercanas a sus personalidades reales (Ringo obsesionado con los anillos, por ejemplo), seguramente los de Superman estarían entre sus favoritos.
¿Y qué pasaba con John? Pues no se sabe si era también adorador del Hombre de Acero, pero un dato del año siguiente parecería dejar entrever que sí…
Recordemos que Lennon fue el primero de los Beatles en publicar libros y, en efecto, en 1966 lanzó The Penguin, básicamente una compilación de las dos obras humorísticas en prosa que había publicado hasta el momento más algunos dibujos originales suyos e introducción a cargo de Paul. El asunto es que en la portada de la primera edición aparecía luciendo traje de Superman y aquí mostramos la sesión de fotos correspondiente aclarando que, en la que quedó definitiva, el logo aparecería cambiado por obvias cuestiones de derechos.
Pero hay más: volviendo a Help!, el director de la película fue Richard Lester, quince años después responsable de terminar el rodaje de Superman II que, repitiendo a Christopher Reeve en el papel principal, era secuela del filme que dirigiera Richard Donner que, por tensiones con los productores, se desvinculó de la segunda película a mitad de la filmación. Con gran éxito, la misma se estrenó el 4 de diciembre de 1980 y Lennon, en trágica coincidencia, era asesinado durante la primera semana de estreno, solo cuatro días después.
Lester volvería a estar a cargo, esta vez en su totalidad, de Superman III que, estrenada en 1983, sería también éxito de público pero ya no de crítica. En concreto, el director americano realizó dos películas de Superman y dos de los Beatles (la otra había sido AHard Day´s Night, de 1964), más el documental Get Backque, estrenado en 1991, estaba dedicado a la gira mundial de Paul durante los años 1989 y 1990.
¿Hay más? Sí: en diciembre de 2022 DC Comics lanzó un especial navideño de Batman/Superman: World´s Finest y en su portada, realizada por el artista Dan Mora, se pueden ver abrazados a Superman y McCartney en clara conmemoración del single Wonderful Christmas que, con gran éxito, el ex Beatle editara hacia la navidad de 1979. Por detrás se pueden ver también a Robin, Batgirl, Catwoman, Supergirl, Alfred e incluso el perro Krypto.
Y a no olvidar que la canción Come Together, que abría el legendario álbum Abbey Road, fue utilizada como parte de la banda sonora para la película de laLiga de la Justicia estrenada en 2017, aunque versionada en gran cover por Gary Clarke Jr.
Y eso es todo de momento. Como vemos, los destinos del Hombre de Acero y los cuatro de Liverpool se vienen cruzando desde hace ya casi sesenta años y vuelven a hacerlo cada tanto. Y si bien Superman no tuvo una historia tan claramente dedicada a los Beatles como Batman, los cruces, como hemos dicho y queda demostrado, fueron más y de ambas partes. Espero que les haya divertido el artículo y ya habrá momento de repasar alguna otra interacción de la célebre y revolucionaria banda con más personajes de cómic, quizás esta vez de Marvel…
Netflix tiene claro que su apuesta por el anime le está dando éxitos en números de visualizaciones. Estamos ante la explosión del anime a nivel mundial, con grandes datos de audiencia y series que generan mucho ruido en internet. Por ello, Netflix no se conforma con crear contenido propio, sino que también licencia grandes series de anime, como Dr. Stone o Jujutsu Kaisen, que genera alegría en los fans.
Hoy hablaremos de Jujutsu Kaisen, una serie que tiene una producción de alta calidad, que le sirvió para ser, en Los Anime Awards, el mejor anime de 2024. Y no solo eso, empieza a estar considerado como uno de los mejores animes de todos los tiempos, palabras mayores para mi gusto, siendo una serie que ha generado muchas alabanzas y seguidores. También hay que comentar que Netflix ha añadido la película Jujutsu Kaisen 0, presentada como una especie de precuela del anime, siendo la misma muy recomendable aunque no hayas visto la serie.
Jujutsu Kaisen es un manga japonés escrito e ilustrado por Gege Akutami. El anime fue producido por uno de los estudios más conocidos de la actualidad, MAPPA. Dirigido por Park Sung-hoo, con Hiroshi Seko como guionista, Tadashi Hiramatsu encargado del diseño de los personajes y la banda sonora compuesta por Hiroaki Tsutsumi.
El anime de Jujutsu Kaisen nos cuenta la historia de Yuuji Itadori, un estudiante de secundaria que posee una rara habilidad física. Un día se encuentra con espíritus malditos que duermen en su escuela, y en ese instante, es cuando se da cuenta de que existen maldiciones que matan a los seres humanos, a partir de entonces su vida cambia por completo. Las emociones negativas creadas por los humanos se convierten en maldiciones, que llevan a las personas a la muerte. Estas maldiciones solo pueden ser exorcizadas.
En su encuentro con uno de estos seres, Yuji Itadori se come un dedo maldito para salvar a gente de su clase. Pero resulta que ese dedo pertenecía a Ryomen Sukuna, un poderoso hechicero malvado conocido como el Rey de las Maldiciones. El resultado de comerlo es que Ryomen coexiste con Yuji a través de su alma y a partir de las emociones negativas se genera una energía maldita, que puede usarse como fuente de poder por parte de los hechiceros y de los espíritus malditos.
La aventura de Jujutsu Kaisen comienza cuando Yuji Itadori se une a la Escuela Técnica de Hechicería de Tokio, una organización que se enfrenta a las maldiciones. Yuji contará con la ayuda de su profesor, Satoru Gojo, y sus nuevos compañeros Megumi Fushiguro y Nobara Kurosaki.
Puede que los animes de lucha sean los que más llamen la atención, pero ello no quita que se pueda desarrollar una buena historia, en donde las batallas sean parte de la acción y sirvan para hacer crecer la narración y no al revés, una simple excusa para rellenar una trama vacía y carente de interés. Jujutsu Kaisen es de las primeras, teniendo de base una mitología rica en torno a las maldiciones y los hechiceros. Una historia que evoluciona a medida que crecen los protagonistas, siendo la lucha una consecuencia de la historia que nos están contando.
Es verdad que el anime destaca sobre todo por sus peleas, repletas de animaciones explosivas con elegantes movimientos que te hacen vibrar en el sillón. Sin embargo, Jujutsu Kaisen no descuida sus diálogos, que están llenos de una vigorosa energía que le da más empaque a las batallas. La expresión física de los cuerpos consigue que los gestos están bien logrados, teniendo una animación, en general, de alta calidad, lo cual se nota en la interacción de los personajes con el paisaje en el que se desenvuelven.
El guion de Jujutsu Kaisen está bien perfilado con su trama de misterio que va in-crescendo a medida que avanza la historia. Logra que la leyenda de brujos y espectros sea creíble logrando que no desentone ni en su enfoque sobre las maldiciones, ni en las explicaciones sobre la hechicería. El anime crea una narrativa profunda pero fácil de digerir, siendo capaz de engancharte gracias a sus diálogos alejados de clichés, aunque alguno siempre cae en los animes de lucha.
Las motivaciones de los personajes en Jujutsu Kaisen están muy bien dibujadas. Esto se refleja acertadamente en los rostros de los personajes, en su mirada y sus expresiones, que le dan verosimilitud a su personalidad, que sirve tanto para creérnoslos como para entender sus acciones. Todo ello, en concordancia con las decisiones que toman, que respiran lógica, logrando no confundir al espectador. Lo que redunda en una narrativa dinámica con unos personajes atrayentes e inspirados. En especial Satoru Gojo, el maestro, uno de esos personajes capaces de irradiar tanto carisma que amenaza con trasgredir el tiempo para ganarse la inmortalidad de los grandes protagonistas del anime.
En definitiva, Jujutsu Kaisen cuenta con muchos puntos positivos. Empezando con el apartado técnico, pues recordemos que está realizada por el estudio Mappa, que logra la excelencia tanto en la fluidez de las escenas de pelea como en la riqueza de sus fondos. Destacar que la BSO que acompaña a cada capítulo es admirable. Con unos personajes que llaman la atención porque están bien detallados, porque logra que todos desarrollen su propia personalidad. Unas batallas épicas que están bien hilvanadas a la música que las acompaña. Cuenta con una animación sublime, que da su espacio e importancia a las acciones o técnicas que realiza cada personaje.
Lo más importante, resaltar la naturalidad que transmite la serie, que a pesar de ser del género de lucha y teniendo algunos inevitables clichés del mismo, logra tener su propia identidad, con la que logra alzarse sobre la media y subir al Olimpo de los animes y convertirse en una de esas series que anidan para siempre en la memoria de los espectadores.
Batman: Caped Crusader fue anunciado por primera vez como una serie de HBO Max en 2021, para ser cancelada luego y salvada por Amazon Prime Video.
Los nombres relacionados con ella no son poca cosa, hablamos de Bruce Timm, J.J. Abrams y Matt Reeves. Y Ed Brubaker también está acreditado como guionista así que solo podemos desear que llegue el estreno.
En Entertainment Weekly, Bruce Timm ha hablado largo y tendido de la serie. Al parecer estará ambientada con un look noir puro de los años 40. Reconoceremos a los personajes aunque Bruce Timm afirma que ha cambiado mucho de alguno de ellos como la propia Harley Quinn:
Co-creé el personaje, así que tengo mucho amor y afecto por ella, pero pensé que podría haber algo interesante en traerla al programa. Entonces, ¿cómo hacemos eso? Pensamos en traer a la Doctora original.
En lugar de atender al Joker y otros residentes criminalmente locos de Arkham Asylum, la Dr. Quinzel de Caped Crusader es una psiquiatra normal de Gotham City. De hecho, se le asigna para tratar nada menos que al propio Bruce Wayne.
Clayface y Catwoman también tienen un look diferente en la serie, volviendo a sus looks originales de cómic.
«No queríamos hacer la Catwoman de la serie animada otra vez o la versión que Ed Brubaker y Darwyn Cooke hicieron a principios de la década de 2000 con el práctico mono de cuero, que se ha convertido en su look predeterminado en los cómics y películas. Eso es genial, me encanta eso, pero queríamos hacer algo diferente. Así que pensamos, bueno, volvamos hasta el principio. Me encanta el aspecto original que tenía en los años 40. Es púrpura».
Clayface recibió un tratamiento retro similar. No esperes el monstruo de barro de cambio de forma de Batman La serie animada. Al parecer se basa en la aparición original del cómic del personaje, inspirada en películas de terror clásicas.
Por su parte Ed Brubaker dice lo siguiente sobre la serie:
“Es una reimaginación de la mitología, un nuevo un nuevo inicio. No es PG-13, pero es definitivamente muy diferente. Veremos mucha violencia a cuadro. No les quiero arruinar nada, porque todo el mundo me va a matar por decir eso, pero es tipo noir. Es definitivamente una versión diferente que espero, el público ame, pero pienso que la gente quedará impactada por algunas cosas”.
Batman: Caped Crusader estrenará los diez episodios el 1 de agosto en Prime Video.
