Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Como pone en el título de aquí arriba: «Los peques también tenemos derecho!». Aunque tengamos ya cuarenta y pico años largos. Por eso quiero que echemos un ojo a las novedades de julio de Editorial Astronave.
Por si acaso hay algún despistado por aquí, quiero explicar un poco qué es la Editorial Astronave. Astronave es un sello dedicado al público infantil y juvenil, perteneciente a Norma Editorial. Y tiene un catálogo muy interesante.
Novedades Editorial Astronave de julio de 2023
Tenemos todo un universo de historias para todos los públicos en la Editorial Astronave. No solamente para los pequeños. También para los mayores.
Justo aquí, un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de la Editorial Astronave, previstas para el próximo 7 de julio.
Disney+ sigue empeñada en demostrar que es mucho más que Marvel, Star Wars o el propio mundo Disney. Fruto de esta intención es el estreno de Chino Americano, una serie que es una adaptación de la novela gráfica American Born Chinese de Gene Luen Yang, en la que se entremezclan elementos autobiográficos con la mitología china, inspirada por la novela clásica del siglo XVI de Viaje al Oeste. Toda esta amalgama de elementos sirve al autor para explicarnos la realidad del joven norteamericano Jin Wang con raíces chinas en su vida cotidiana hasta que un elemento inesperado da un giro a su vida.
El encargado de llevar a buen puerto esta adaptación es Destin Cretton que dirige los ocho episodios de unos 35 minutos de duración que tiene la serie. Teniendo en cuenta que Chino americano está plagada de acción y mitología china, la elección de Cretton es todo un acierto. No hay que olvidar que su anterior trabajo es Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos (2021).
Jin Wang y Wei-Chen Sun haciéndose amigos
La serie cuenta la historia del joven Jin Wang (Ben Wang), un chino nacido en EEUU que lucha por encontrar su lugar en el mundo y llegar a comprenderse a sí mismo mientras intenta encajar en su instituto. El problema llega cuando un nuevo alumno, Wei-Chen Sun (Jimmy Liu), se acerca a él con la intención de ser su amigo. Aunque el bueno de Wei-Chen Sun es realmente el hijo del mítico Rey Mono que ha llegado a la tierra en busca de un objeto de gran poder para ayudar a su padre a luchar contra una insurrección en el reino de los cielos. Y cree que la clave para encontrar dicho objeto está en Jin Wang.
La intención de los guionistas es tratar temas tan serios como la desigualdad, los problemas de integración de los inmigrantes de segunda generación o el bullying de una manera divertida y moderna gracias a los elementos fantásticos de la serie. Para ello nada mejor que acompañar a Jin Wang en su día a día, donde vemos los microrracismos que sufre y lo apartado que está de todo el mundo. Aunque como viene siendo habitual en este tipo de series, poco a poco el personaje va creciendo, superando todos los obstáculos y encontrando su lugar en el instituto. En este sentido, lo mejor de la serie es la mirada que ofrece sobre la vida de una familia china, con sus propios problemas, alejada la visión que siempre hemos tenido de la vida familiar norteamericana.
Jin Wang siendo protagonista en el instituto
El problema es que todo esto nos suena a muy visto ya. Hay veces en que los institutos de EEUU parecen campos de tortura más que centros educativos y al menos ese no es el caso ya que los problemas de Jin Wang en su vida escolar no son tan graves como los que hemos visto otras veces y eso hace que sean más creíbles. Pero al fin y al cabo no deja de ser más de lo mismo.
La gracia entonces es la manera en que esa mirada a la vida cotidiana se entremezcla con el elemento fantástico que supone la llegada de Wei-Chen Sun. Pero el equilibrio entre las dos patas de la serie deja un poco que desear. La trama discurre de manera muy lenta, demasiado centrada en la vida de Jin Wang y su familia, con aportaciones alegóricas de una antigua serie donde un chino hacia de personaje gracioso y que no aportan demasiado a la historia más allá de subrayar el racismo inherente en el mundo del espectáculo. Solo al final, el elemento fantástico cobra fuerza logrando levantar un poco la serie, pero dejando un regusto amargo sobre lo que podía haber sido. Incluso el protagonista cae bastante “gordo” a veces, poniéndose del lado de los abusones y teniendo siempre una cara de pánfilo que hace que sea muy complicado empatizar con él.
Ver a Michelle Yeoh siempre es un placer
Y es una verdadera pena ya que la serie lo tenía todo para ser un pelotazo, incluido un reparto con caras conocidas como las de Michelle Yeoh, Ke Huy Quan y Stephanie Hsu, muy de actualidad gracias a triunfar con la oscarizada Todo a la vez en todas partes (2022). También es cierto que coinciden muy poco en pantalla y que sus roles son secundarios.
En resumen, la serie acaba quedándose en el viaje de descubrimiento personal de Jin Wang pasando por una serie de acontecimientos que ya hemos visto mil veces y que el poco carisma del personaje hace aún más aburridos de lo que son. La trama levanta cabeza cada vez que aparece Wei-Chen Sun y sus locuras sobre el mundo mitológico chino, empeñado en que su amigo es la solución a unos problemas que tal vez debería enfrentar de otra manera. Al menos, las coreografías de artes marciales están bien trabajadas y su mirada fantástica deja secuencias interesantes. Lo justo para ser una serie que podría ser mucho más que al menos entretiene.
Por último hay que señalar que aunque la historia principal acabe cerrada, el final queda muy abierto de cara a una posible segunda temporada que aún no ha sido confirmada.
El 14 de junio se cumplieron 10 años del comienzo del DCEU con ‘El Hombre de acero’ de Zack Snyder. En esta década de andadura este universo va a contar con 16 películas (si las cuentas no me fallan), cuando su competencia había estrenado 20, de Iron Man (2008) a Ant-man y La Avispa (2018), la diferencia no es muy significativa, la verdad, pero la calidad de los dos universos si lo es.
Con el estreno hoy de ‘The Flash’ antepenúltima cinta de este DCEU, hemos querido hacer un repaso por las recaudaciones de ambos estudios.
Marvel Studios siempre ha tenido un plan para sus franquicias, un calendario y camino marcado por una única persona: Kevin Feige. Warner depositó todas sus esperanzas en Zack Snyder (300, Watchmen), pero pronto las cosas no fueron en la dirección que el estudio deseaba, ya que quisieron pasar de 0 a 100 en muy poco tiempo y todo el castillo de naipes de desmoronó.
Feige presentó a todos los componentes de ‘Los Vengadores’ en apariciones o con película propia antes de estrenar la cinta dirigida por Joss Wheddon, por el contrario, Warner Bros. nos mostró a Flash, Aquaman y Cyborg en fotos o imágenes del disco duro de Lex Luthor y enfrentó a Batman y Superman en la segunda película del DCEU. Todo muy atropellado que culminó en ‘La Liga de la Justicia’ (2017) que fue un despropósito descomunal. El último clavo del ataúd del DCEU.
Cuatro años después nos resarcimos con una cinta de 4 horas de duración que sí hacía justicia (valga la redundancia) a ‘La Liga de la Justicia’ de Zack Snyder, pero ya era demasiado tarde. Warner Bros. tenía muy claro que (pese al éxito del Snyder’s cut) ese no sería el camino que seguía este universo cinematográfico.
Han tardado 9 años en aprender que debe haber una persona al mando del este barco si no queremos chocar contra el iceberg otra vez ¿Es demasiado tarde? No, no lo es, pero también es cierto que el público cada vez es más crítico con este tipo de cine, ya lo hemos podido ver con las valoraciones de la ultimas cintas de Marvel.
Tras una década como pollo sin cabeza, ahora DC Studios tendrá a alguien que dirigirá este universo en el que su primer capítulo se llamará ‘Dioses y Monstruos’ y que espero sinceramente que funcione por que los personajes de DC se lo merecen.
Más allá de la calidad de las películas de ambos estudios, hay algo que es lo que manda en este tipo de producciones: La taquilla. Si una cinta (por muy perfecta que sea) no recauda lo suficiente para no ser considerada un fracaso, sabemos que su destino está sellado y todo lo que pueda venir después se tambalea.
Este año se acaba oficialmente el DCEU que comenzó Snyder, ‘The Flash’, ‘Blue Beetle’ y ‘Aquaman 2’ son los últimos coletazos antes del reinicio que veremos con la nueva cinta de James Gunn sobre Kal- El: Superman Legado.
Es por ello que hemos querido realizar un artículo en que mostraremos la taquilla de las 12 películas estrenadas (en cine) hasta el momento del DCEU y las 12 primeras del UCM para que juzguéis por vosotros mismos la enorme diferencia que hay entre ambos. No está en la lista ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’ por que no se estrenó en cines y no hay datos sobre su recaudación.
Quiero aclarar que este artículo no es contra DC (no podría hacerlo), ya que amo esta editorial con todo mi alma y siempre será más especial para mí que Marvel. Esto lo hago para que veáis que el mayor enemigo del DCEU fue su recaudación.
Antes de entrar en el listado de películas con sus respectivas recaudaciones quiero apuntar que a ninguna de las 12 de Marvel les pilló la pandemia que nos tuvo en 2020 y 2021 casi sin cines y que a DC si perjudicó, además de su política de estrenar simultáneamente en HBO Max sin coste adicional. Una idea que fue lo peor que le pudo ocurrir a estas cintas.
TITULO DC
RECAUDACION
TITULO MARVEL
RECAUDACION
El Hombre de acero (2013)
668 millones
Iron Man (2008)
585 millones
Batman v Superman (2016)
873 millones
El Increíble Hulk (2008)
264 millones
Escuadrón Suicida (2016)
746 millones
Iron Man 2 (2010)
623 millones
Wonder Woman (2017)
822 millones
Thor (2011)
449 millones
La Liga de la Justicia (2017)
657 millones
El capitán América: El Primer Vengador (2011)
370 millones
Aquaman (2018)
1148 millones
Los Vengadores (2012)
1520 millones
¡Shazam! (2019)
367 millones
Iron Man 3 (2013)
1215 millones
Aves de Presa (2020)
205 millones
Thor 2: EL mundo oscuro (2013)
644 millones
Wonder Woman 1984 (2020)
169 millones
Capitán América: Soldado de Invierno (2014)
714 millones
El Escuadrón Suicida (2021)
168 millones
Guardianes de la Galaxia Vol.1 (2014)
773 millones
Black Adam (2022)
393 millones
Vengadores: La era de Ultrón (2015)
1405 millones
¡Shazam! 2 (2022)
133 millones
Ant-Man (2015)
519 millones
TOTAL
6349 millones
TOTAL
9081 millones
Una diferencia de 2700 millones de dólares, es cierto que en otras circunstancias, la secuela de Wonder Woman, El Escuadrón Suicida de James Gunn y Aves de Presa habrían recaudado como mínimo el doble, pero por desgracia eso nunca lo sabremos.
Las 12 películas del UCM engloban solo sus dos primeras fases, con lo que también se han quedado fuera taquillazos como ‘Vengadores: Infinity War’ y ‘End Game’. Y por parte de DC se han quedado fuera ‘The Batman’ y ‘Joker’ ambas con 770 y 1074 millones de recaudación respectivamente.
Ojalá ‘The Flash’ de Andy Muschietti se quede cerca de la marca de los 1.000 millones o la supere, sería una alegría para los fans de DC y para el mundo del cine superheróico.
Tanto estas como el resto de recaudaciones de cintas de DC fuera del DCEU y del UCM las podéis encontrar en BOXOFFICEMOJO.COM.
Ayer miércoles, 14 de junio de 2023, falleció John Romita, uno de los dibujantes más importantes en la historia de Marvel. Con él se ha ido el último dibujante clásico de la historía de la editorial, tras la estela de Jack Kirby y Steve Ditko. Con Romita Sr. se va una forma de entender el cómic, el canon más clasicista en cuanto a dibujo de superhéroes.
I say this with a heavy heart, My father passed away peacefully in his sleep. He is a legend in the art world and it would be my honor to follow in his footsteps. Please keep your thoughts and condolences here out of respect for my family. He was the greatest man I ever met. pic.twitter.com/Pe2K3ywbWX
Aunque ya había colaborado con la editorial en labores de entintado, John Romita se asienta en Marvel a mediados de la década de los 60, sustituyendo a Steve Ditko en The Amazing Spider-Man # 39 y lo hace con una historia que será recordada durante décadas: la revelación de la identidad del Duende Verde, una historia que cuenta la leyenda provocó la espantada de Steve Ditko (aunque la cosa ya venía de lejos).
John Romita llega a Spider-Man y aprovecha su bagaje como dibujante en historietas románticas para embellecer la serie. Lejos queda el trazo de Ditko y sus personajes a lo Chester Gould. Como si fuese El profesor chiflado, con Romita el adolescente Peter Paker se transforma en un tiarrón y las chicas Parker en modelos de pasarela.
La serie abandona ese ínfulas objetivistas de Ditko (gracias a Odín) y se convierte en todo un culebrón. La trama superheroíca se enreda con las desventuras de Peter Parker hasta un punto que es imposible distinguir una de otra y los fans, que cada vez se ven más reflejados en el hombre araña, aplauden entusiasmados y eso se debe en gran parte a John Romita, cada vez más involucrado en las tramas (y si hacemos caso de muchos, autor casi definitivo de ellas).
Su paso por The Amazing Spider-Man le convierte en uno de los dibujantes preferidos del fandom. Su estilo limpio, elegante, de lectura fácil y clasicista pero sin llegar a la contundencia de John Buscema, se convierte en marca de la casa y en 1973 John Romita asciende a director artístico de Marvel. No es un cargo menor porque es él quien decide la dirección artística de la editorial en la siguiente década en lo que a dibujo se refiere. Miles de jóvenes han llevado (hemos llevado) los dibujos de John Romita en carpetas, camisetas, tazas, etc.
Días de gloria
Así se titula el tomo editado por Editorial Panini que inicia la etapa de John Romita en The Amazing Spider-Man. El título no podía ser más acertado porque esa etapa marca un punto y aparte no sólo en la trayectoria del trepamuros sino también de la editorial. Con John Romita se inicia el pasó a la madurez de personajes y lectores.
Se abandona el angst adolescente y vienen otros problemas con un tono más adulto (o por lo menos todo lo adulto que podía ser un cómic de superhéroes de la época) pero también llega más alegría, más pop, más Beatles (que diría Raúl Sánchez). Los personajes no sólo pelean sino que bailan y se divierten en el Coffee Bean.
Con John Romita ha muerto un referente, un autor que ilustro la infancia y la adolescencia de muchos, el último clásico que quedaba en el imaginario colectivo de aquellos que leemos cómics de superhéroes. Eso si, con permiso de Sal Buscema. Un saludo, sed felices.
Como toda película de superhéroes desde hace unos años, la largamente retrasada The Flash es una trama más con películas que le han precedido y, sobre todo, con todo un nuevo universo DC por delante después de la misma. Por eso, es lógico pensar que tenga escenas poscréditos que nos ayuden a dar pistas sobre lo qué ocurrirá bajo la batuta de James Gunn y Peter Safran.
Pues bien, los compañeros de The Collider, que han podido ver la película antes de su estreno, comentan sin spoilers no solo la presencia de escenas, sino si estas pueden tener importancia para el futuro de DC o no.
En primer lugar, la próxima película de DC no tendrá dos escenas poscréditos, sino solamente una.
Eso sí, mencionan que el final de la película será tan increíble que compensará con creces la ausencia de una de las dos escenas poscréditos a las que estamos acostumbrados.
Con respecto a la escena poscréditos, no es una tan impactante o épica como cabría esperar, pero sí que, tras una breve reflexión, da bastantes pistas sobre el futuro del Universo DC. Algo así como la escena poscréditos de la segunda entrega de Shazam. Ni mucho menos tan impactante como la de Black Adam. Aunque claro, para lo que sirvió ver a Henry Cavill de nuevo como Superman…
Ingresamos en la segunda mitad de esta temporada final de Riverdale y analizamos el episodio 11 o, si lo prefieren, capítulo 128 del listado total. La serie, creada por Roberto Aguirre-Sacasa, es emitida por The CW y para España por Movistar+.
Hola riverdaleros. Bienvenidos una vez más a analizar una nueva entrega de Riverdale, con la cual entramos ya en la segunda mitad de temporada y el momento de despedirnos está cada vez más cercano.
El episodio que nos ocupa en el decimoprimero de esta temporada final y si bien el título es Halloween II, las referencias cinéfilas remiten más bien a dos títulos musicales icónicos respectivamente de los setenta y ochenta, como son The Rocky Horror Picture Show y Footloose. No es la primera vez que ocurre: el episodio Dirty Dancing tampoco guardaba demasiada relación con la película a la que su título homenajeaba.
Hay mucho para contar y analizar, así que pasemos ya mismo a hacerlo advirtiendo que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Noche de Brujas
Luego de que Jughead fuera puesto al tanto por la vecina de Rayberry (“la dama de los gatos”, como él la llama) del supuesto paso de un lechero por el domicilio del escritor justo antes de su muerte, corre a dar la noticia al sheriff Keller en la esperanza de que este abra una investigación al respecto. Nada más lejano: por mucho que le insista en unir cabos con la historia en su momento contada por Ethel, Tom sigue con lo del suicidio y nosotros sin entender a qué venía entonces tanto interés en ir por Jughead en busca de datos.
Por otra parte, se aproxima Halloween y Veronica, siempre atenta a los festejos, se presenta en el colegio vestida como bruja y hasta con escoba: la reacción no es la esperada sino que todos la miran raro, por lo que Archie y sus amigos la ponen al tanto de que en Riverdale no se festeja Halloween desde los años veinte, cuando cuatro jóvenes en plan de juerga (dos Bulldogs y dos Vixens), perdieron la vida en trágico accidente. Desde entonces, está prohibido que los adolescentes salgan a las calles para esa fecha a menos que sea para repartir dulces. ¿Alguien ha dicho Footloose?…
Veronica no lo entiende: dice que los adolescentes necesitan Halloween y, haciendo una analogía, habla de la importancia que para ella y su familia tenía el festejo del Día de Muertos. Decidida a cambiar las cosas, programa una función especial en el Babylonium ambientando la sala con ataúdes, murciélagos y arañas gigantes, más el anuncio de que serán resucitados en el evento los cuatro jóvenes que perdieran la vida aquella noche.
La venta de entradas marcha de maravillas, aunque los conservadores ojos de la ciudad están puestos sobre Veronica por no encajar lo suyo en el carácter familiar y naif que en esta versión de Riverdale tienen los festejos de Halloween. Alice la recrimina al respecto y ella replica que la idea es justamente hacer un evento solo para jóvenes y sin violar norma alguna, pues al estar en el cine no estarán en la calle.
El plan consiste en montar un musical, mezcla de película de terror con espectáculo de burlesque. A Toni se le ocurre invitar a participar a Cheryl, pero esta, con pesar, se excusa por estar comprometida en la tradicional fiesta de pijamas que las Vixens hacen cada año en Thornhill. Toni objeta que Halloween puede ser para ambas una inmejorable oportunidad de mostrarse tal cual son ya que todos llevarán caretas y ellas, al igual que Kevin y Clay, no tienen necesidad de hacerlo. La deja pensando…
Las Fantasías de Betty
Mientras trabajan poniendo a punto un “cacharro” que Pop Tate les ha puesto a disposición, Archie no puede creer que Reggie no tenga costumbre de celebrar Halloween, a la que este ve como “solo una noche más”. Sin participar del debate, Betty mira con lascivos ojos los músculos de Reggie haciéndole así por primera vez objeto de sus fantasías, tanto que un instante después está imaginando un “ménage à trois” con él y Archie.
Cuando la sacan de su ensoñación para pedirle su parecer sobre el sentido de la fecha, la rubia aprovecha la oportunidad para decir que es ocasión ideal para repartir dulces, visitar un cementerio y… besuquearse en una casa encantada.
Al contarle luego a Veronica sobre sus nuevas fantasías con Reggie, esta no reacciona tan celosamente como cabría esperar y, por el contrario, le dice que Halloween es buena oportunidad para liberar las mismas.
Fugada
Por fin volvemos a saber de Ethel, a quien Jughead llama para ponerla al tanto del nuevo asesinato y las posibles conexiones con el lechero que dijo haber visto. Ella dice no poder hablar mucho porque las Hermanas de la Misericordia le tienen la vista encima (literal), pero llega a sugerir que el autor del cómic original podría aportar algo al respecto.
Jughead se dirige entonces a Pep Comics para averiguar sobre él, pero Fieldstone no tiene idea de quién es, aunque ve como posible que esté presente en el festejo de Halloween a realizarse en la sede de la editorial.
Pero la gran sorpresa se la lleva Jughead al regresar a su vagón y encontrarse con Ethel, visiblemente demacrada, maltrecha y claramente escapada de su reclusión. Según dice, se fugó por un sistema de túneles de cuya existencia oyó rumores apenas llegada a la institución. Jughead ve posible que la estén buscando y a ella le faltan solo días para alcanzar la mayoría de edad y tener decisión propia para eludir cualquier tutela, por lo que le ofrece quedarse en el apartamento de Rayberry hasta que ello ocurra. Por cierto, no parece el mejor sitio…
Ricitos de Oro
Archie y Reggie se preparan para salir en la noche de Halloween, pero en virtud del carácter familiar que se da a la celebración en Riverdale, no lucen como monstruos o espectros, sino respectivamente como sheriff y aventurero espacial estilo Buck Rogers. La gran sorpresa la da Betty al aparecerse como Ricitos de Oro y decir que ha escogido el disfraz por tratarse de un personaje que se acostó en tres camas diferentes. Los muchachos quedan algo tontos y recalculando sus palabras, pero en definitiva los tres salen a la calle…
De acuerdo al cronograma propuesto por la rubia, van primero a repartir dulces. Al hacerlo se cruzan con Julian y sus amigos que, en contra de la norma vigente, andan en auto disfrazados de esqueletos y causando destrozos con bates de béisbol.
Sigue la visita al cementerio y mientras Betty y Reggie se divierten sobre una lápida aullando como lobos, él dice que hay montones de ellos en Duck Creek y no le generan temor sino que, por el contrario, siempre sintió conexión con ellos por considerarse un “alfa”.
A Betty le pega fuerte la analogía y sale a la búsqueda de Archie, a quien encuentra junto a la tumba de su padre; recala entonces en que no fue la mejor idea ir allí, pero él manifiesta que no hay problema alguno y se toman de la mano mientras ella le consuela…
La escena es vista por Reggie, quien se retira de la escena por percibir entre ellos vibraciones recíprocas que le excluyen. Cuando Betty advierte su ausencia, Archie lo excusa con que se sentía muy cansado…
Sigue, desde ya, lo de la casa encantada y eligen la que en la noche de la tragedia fuera escenario del encuentro entre los cuatro jóvenes. La atmósfera de misterio da el contexto justo para que se produzca por fin el beso, pero la romántica escena se interrumpe cuando ella cree ver una figura tras los cristales de la ventana mientras nosotros, por supuesto, asociamos con el lechero…
El beso deberá esperar hasta la puerta de la casa de Betty, pero una vez más será interrumpido por un monstruo, este caso más material y tangible por tratarse de Alice, irritadísima con su hija por sus libertinas salidas.
Quitarse la Careta
Midge se disculpa con Cheryl por no poder asistir a la fiesta de pijamas: el motivo es que Fangs estará actuando en el evento de Veronica en el Babylonium y no puede faltar.
El espectáculo, por cierto, termina siendo todo un éxito, con una maravillosa puesta escénica reminiscente de las fiestas de los años veinte y un número que imita el musical The Rocky Horror Picture Show: cuatro ataúdes se abren y de sus interiores salen respectivamente Toni, Clay, Kevin y Cheryl, quien finalmente ha decidido aceptar la invitación de Toni y delegado el liderazgo de la fiesta de pijamas en Evelyn.
Como es habitual en la serie, el número musical es de gran calidad y los cuatro se lucen vocalmente; incluso Casey Cott, quien siempre hace lo mejor que puede, está por encima de su media. Y como broche de oro, Cheryl y Toni acaban besándose sobre el escenario para terminar de cumplir lo de “mostrarse sin careta”.
El éxito es arrollador, pero una vez que todos se retiran, Veronica queda sola: Cheryl está con Toni, Kevin con Clay, Betty posiblemente con Archie y quizás también con Reggie, pero nadie con ella que, recordando días felices de celebración familiar, se queda mirando tristemente una foto suya junto a sus padres. Primera vez en la temporada que vemos a Mark Consuelos y Marisol Nichols, aunque más no sea en fotografía…
La Muerte llama
La experiencia de Jughead y Ethel en la fiesta de la editorial no da el resultado esperado; cuando por fin logran de uno e los asistentes obtener información sobre el autor del cómic original, se encuentran con que este ya falleció.
Con las manos vacías, entonces, Jughead acompaña a Ethel al apartamento de Rayberry; sigue con las malas ideas, pues la deja en la puerta en lugar de entrar con ella. En el corredor se cruza con la “dama de los gatos”, quien pensó que era el lechero por haber escuchado el tintineo de las botellas. Alarmado, Jughead regresa a toda prisa y fuerza la puerta (el clásico empellón que rompe cerraduras) para encontrarse con la dantesca imagen de un muerto en el piso, pero no es Ethel sino el lechero, a cuyo lado ella permanece cuchilla en mano…
A todo esto y tras dejar a Archie y Betty en la “casa encantada”, Reggie se cruza con Julian y los suyos, quienes andan en plan vandálico y lucen como salidos de La Purga. Le invitan a subirse al auto y, no de buena gana, lo termina haciendo. En la mañana, Archie recibe del tío Frank la noticia de que, una vez más, ha tenido lugar una tragedia con un grupo de jóvenes; la angustia le invade al echar un vistazo a la cama de Reggie y verla vacía…
Balance del Episodio
Hay cuatro cosas que siempre funcionan en Riverdale: los escenarios alternativos, los homenajes cinéfilos, los roces con el género del terror y los musicales. Y aquí hemos tenido las cuatro: casi imposible que no viéramos entonces un buen episodio. Bastante superior, por cierto, al anterior, del cual vemos ahora que la mayoría de sus subtramas inconclusas no conducían a ningún lado.
Realmente la sala de cine de Babylonium nos está entregando algunos de los mejores momentos de la temporada y quizás de la serie: ya había ocurrido con el homenaje al cine B de dos episodios atrás y vuelve a suceder con la magnífica recreación de The Rocky Horror Picture Show. Ya estamos acostumbrados al lucimiento vocal de Madelaine Petsch y Camila Mendes, pero ha sido una grata sorpresa Karl Walcott (Clay), de quien nada sabíamos, así como un Casey Cott muy mejorado dentro de sus limitaciones.
Pero ha habido, desde ya y de manera más implícita, otra película homenajeada que es, por supuesto, Footloose, comedia romántica bien ochentera y musical de una línea semejante a Fama, Flashdance y Dirty Dancing e igual de icónica (aunque todas diferentes en el tono). Ese filme, que sirvió de despegue para la carrera de Kevin Bacon, contaba la historia de un adolescente que, llegado a una pequeña localidad desde Chicago, se encontraba con que los bailes y la música rock estaban prohibidos después de que un trágico accidente costara la vida a cinco jóvenes.
Interesante además la analogía de Halloween como momento de liberación de todo lo que la moralina de la ciudad reprime durante el año: ello puede tener, desde ya, efectos positivos, como el sinceramiento de las relaciones, o negativos, como los actos de vandalismo de Julian y los suyos. Por cierto, ¿han muerto? (el avance de más abajo algo nos dice): no es que en el caso específico de él nos preocupe mucho, pero lo de Reggie sería un golpe duro, sobre todo porque en esta versión alternativa hasta nos cae mejor que en la otra.
No hemos sabido nada de Tabitha en el episodio, en ninguna de sus dos versiones. Pero ha reaparecido Ethel, de quien todavía no termino de interpretar su papel en la historia. Está claro que el lechero existe (o existió a juzgar por lo que vimos), pero… ¿fue realmente el asesino de sus padres?
El verla cuchilla en mano sobre el final nos inquieta y llena de dudas ante un horizonte que se avizora sombrío si se entera de la incipiente relación entre Jughead y Tabitha. Ni qué decir si reaparece la otra Tabitha que anda viajando por el tiempo y tenemos un “triángulo de cuatro”…
Como lo vengo diciendo, espero de todos modos que eso tarde en ocurrir porque estoy disfrutando de esta burbuja temporal. Sin embargo, ahora que hemos entrado en la segunda mitad de temporada, debo admitir sentimientos encontrados, pues si bien deseo que sigan en ese mundo, también es cierto que la serie está entrando en su fase de despedida y espero que no dejen todas las emociones para un capítulo final en el cual, además, deberán cerrar la trama apocalíptica. Sería demasiado…
Y volviendo a los guiños y referencias, está ya clara la adoración de Roberto Aguirre-Sacasa no solo por Stephen King sino también por Ray Bradbury. Ya habíamos tenido en otras temporadas excelentes homenajes como aquel episodio en que, borrando huellas digitales, Betty se obsesionaba con volver a limpiar siempre una misma fruta de cera. O aquel profesor que en el colegio les diera a leer Fahrenheit 451. Pues en esta temporada y aun con Brad Rayberry ya fallecido, siguen apareciendo las referencias, como cuando Ethel se refiere a él como el autor de El País de Noviembre en clara alusión a El País de Octubre…
Considerando eso, se me ocurrió por un momento la posiblidad de que se utilizara la festividad de Halloween como excusa para homenajear su historia El Árbol de las Brujas, pero creo que al showrunner se le pasó o bien no habrá querido meter más viajes en el tiempo cuando ya tenemos uno que subsume toda la historia en esta temporada.
En fin, creo que hemos visto un gran episodio que sube claramente la puntería después del bache del anterior y que nos deja unas cuantas preguntas, no solo en cuanto a la resolución de la trama policíaca, sino también en cuanto a cómo se resolverá la soledad de Veronica o cuáles serán las consecuencias de los besos que, interrumpidos o no, hemos visto en esta entrega.
Aunque el cine y el cómic son dos artes completamente diferentes, en los últimos tiempos ha existido un interés creciente en adaptar al séptimo arte muchas de las más conocidas obras del noveno. Hasta el punto de que toda una referencia en la industria como el norteamericano David Fincher va a adaptar El asesino con Michael Fassbender y Tilda Swinton.
Obviamente, El asesino es una serie de cómic policiaco publicada por Norma Editorial. Hoy es el turno del segundo arco de esta trama.
Han pasado cuatro años desde el final del primer tomo. El asesino ha conseguido sobrevivir a la conspiración que se cernía sobre él y vive tranquilo en Venezuela junto con su pareja y su hijo. Sin embargo, un nuevo encargo le coloca en medio de una lucha geopolítica internacional con Estados Unidos y Cuba en el centro. Por segunda vez, el asesino intentará salir de la ratonera en la que le han metido utilizando a sus dudosos aliados.
Al igual que en el primer arco, es importante dedicar unas palabras a los autores de El asesino, que siguen siendo los mismos que en su primer tomo.
Sus autores son Matz y Luc Jacamon. El primero, aparte de ser autor de El asesino, cuyos cinco álbumes fueron escritos entre 1998 y 2003, también es el autor de Una bala en la cabeza, historia ya adaptada al cine por Walter Hill con un Sylvester Stallone post Mercenarios. También ha adaptado al cómic obras de otros medios, como la película Adiós, muchachos y la novela La dalia negra. De Luc Jacamon poco hay más destacable que esta obra que analizamos aquí.
He de reconocer que este es un cómic que me descoloca. Sobre todo porque el primer capítulo de esta historia planteaba una situación diferente. Un asesino con una personalidad marcada por un vasto mundo interior y un escaso interés en el mundo exterior, con un método muy rígido que, cuando se rebasa, puede conducirle a la locura. No me extraña que, siguiendo este patrón, David Fincher esté rodando la adaptación de este cómic para Netflix con guión de Andrew Kevin Walker, el mismo que escribió la historia de Seven.
Sin embargo, ese tono se iba abandonando a medida que pasa la historia, hasta el punto de que en este segundo tomo apenas queda rastro de ese fascinante inicio.
Ojo, eso no quiere decir que el segundo arco de El asesino sea una decepción. Solo que, tratándose de una entretenida trama con asesino profesional, esta es más convencional de lo que su inicio preveía.
En concreto, en este segundo arco la trama se expande hasta el punto de situar al asesino sin nombre como un peón más de la geopolítica internacional. Así, nuestro protagonista se mueve entre espías del gobierno castrista cubano, agentes de la CIA y funcionarios venezolanos, todos ellos interesados en un pozo de petróleo en aguas cubanas.
La historia está enfocada de forma realista e incluso un poco liosa, como corresponde a una trama de espionaje y política. Lo más interesante es lo que nos hace recordar a ese mencionado primer tomo de El asesino.
Esto es, la visión del mundo geopolítico a lo largo de distintos monólogos de nuestro particular personaje. Lo más sorprendente es la absoluta defensa de los regímenes comunistas, con una visión idealizada de Cuba (que sea más o menos realista no es algo que importe al propósito de este artículo).
En definitiva, el segundo arco de El asesino es bastante continuista con respecto al primer tomo. Si sois aficionados a las tramas de espionaje y geopolítica, os interesará.
CONTINÚA LA COLECCIÓN INTEGRAL DEL ASESINO MÁS IMPLACABLE DEL NOVENO ARTE
El asesino ha pasado oculto los últimos cuatro años de su vida. Ha tenido un hijo y una existencia paradisíaca en la costa de Venezuela. Pero un encargo inapelable lo obliga a volver al trabajo enredándolo en un juego mortal con epicentro en La Habana. La diplomacia, la codicia y el asesinato serán piezas clave en el tablero de la política internacional.
El guionista Matz y el dibujante Luc Jacamon firman el segundo acto de este brillante thriller de suspense que presentamos en edición integral y del que Netflix prepara una adaptación cinematográfica interpretada por Michael Fassbender y dirigida por David Fincher (Mindhunter).
A los ochenta y nueve años nos dejó ayer Cormac McCarthy, considerado como uno de los escritores más influyentes de la escena americana de finales del siglo XX y principios del XXI. Varios de sus títulos más emblemáticos como Todos los Hermosos Caballos, No es País para Viejos o La Carretera han sido llevados al cine y, de hecho, suele mencionarse a esta última novela como referente de inspiración para el universo de The Last of Us.
Había nacido en Providence, Rhode Island, un 20 de julio de 1933, aunque su crianza tuvo lugar en Knoxville, Tennessee. De familia irlandesa y católica, cambió su nombre Charles por el de un rey de la Irlanda medieval y desde entonces fue conocido como Cormac McCarthy.
Sus inicios estuvieron bastante alejados de la literatura, que no parecía figurar en su futuro. De hecho, su formación como escritor tuvo bastante de autodidacta y dejó muy pronto sus estudios (“odié la escuela desde el primer día que la pisé”, llegó a declarar) para enrolarse en la Fuerza Aérea y participar incluso en laguerra de Corea.
Fue ya con veintiocho años que descubrió su veta literaria al publicar en 1965 su primera novela El Guardián del Vergel, pero el reconocimiento y el éxito le llegarían recién pisando los sesenta años con Todos los Hermosos Caballos.
Durante algún tiempo vivió en Ibizay, de hecho, fue allí donde terminó de escribir su segunda novela La Oscuridad Exterior. Luego regresó a Tennessee y anduvo por Alaska para finalmente asentarse en El Paso, Texas y después en Santa Fe, Nuevo México, localizaciones que sirvieron de inspiración a mucha de su literatura.
Con un estilo de redacción austero y minimalista en cuanto a puntuación (“no hay por qué ensuciar la hoja con manchas raras”, decía), se dedicó a retratar de manera especial el costado más oscuro de la sociedad norteamericana a través de personajes grises que, guiados inicialmente por el romanticismo, se lanzan a una viaje que, sin embargo y más allá de cualquier fachada, les hará caer tristemente en la cuenta de que el mundo está lleno de brutalidad y violencia.
En buena medida, se considera a sus escritos deudores de William Faulkner, sobre todo por su manera de retratar el oeste y sur de Estados Unidos, aunque la permanente presencia del viaje y del río remiten bastante a Mark Twain y también se lo ha llegado a ubicar como un Herman Melville de tierra adentro. No faltan quienes lo ligan a Dostoievski, particularmente por las obsesiones religiosas de sus personajes, de inspiración familiar y con frecuentes alusiones bíblicas que ponen mayor énfasis en el Antiguo Testamento (más crudo y visceral) que en el Nuevo.
Sus primeras novelas gozaron del beneplácito de la crítica pero no del éxito comercial, cabiéndole incluso tal suerte a Meridiano de Sangre (1985), sórdida historia resultado de sus viajes por el sudoeste y considerada por muchos como su obra maestra.
Distinto sería el caso a partir de Todos los Hermosos Caballos (1992) que, además de ser un gran suceso, marcó un cambio estilístico importante al dar un mayor toque de romanticismo a la oscuridad que venía impregnando sus historias: el autor, de hecho, solía considerarse a sí mismo como un pesimista, pero a la vez se negaba a que eso se convirtiera en una carga o un agobio. La novela fue llevada al cine por Billy Bob Thornton en 2000, con Matt Damon y Penélope Cruz en los papeles principales.
La Carretera, de tono más apocalíptico, le valió el Premio Pulitzer y fue también adaptada a la gran pantalla con dirección de John Hillcoat y Viggo Mortensen en el papel principal. A pesar de su atmósfera triste y depresiva, marca otro giro en la carrera del escritor al depositar, en clara referencia autobiográfica, alguna luz de esperanza en el amor de un padre por su hijo. El libro, al igual que el filme que lo adaptó, suelen ser mencionados como referencia para The Last of Us, tanto la mundialmente conocida saga de videojuegos como la serie inspirada.
Después de La Carretera, vinieron dieciséis años sin publicar una novela hasta que hace ocho meses, en octubre de 2022, llegaron dos prácticamente juntas: El Pasajero y Stella Maris. Obviamente interconectadas, se publicaron con solo cuarenta días de diferencia e incluso en un único volumen para España .
En general, cultivó un perfil bajo con pocas y excepcionales apariciones públicas, como la entrevista que a Oprah Winfreyconcedió en una biblioteca en 2007 y en la cual hizo referencia a tener poca relación con otros escritores y preferir, en cambio, la compañía de científicos (otra de sus obsesiones), además de reconocer que durante la mayor parte de su vida vivió en situación de “descarnada pobreza”.
Ayer, en su domicilio de Santa Fe, nos dejó por causas no especificadas en el comunicado que la editorial Penguin Random House lanzó al respecto, aunque su hijo habló simplemente de “causas naturales”.
Deja un gran hueco en la literatura norteamericana de las últimas décadas, en la que ocupa un lugar destacado junto a sus contemporáneos Thomas Pynchon, Don DeLillo y Philip Roth. De hecho,Stephen King, ferviente admirador suyo y de los primeros en manifestarse tras conocerse su fallecimiento, lo definió vía Twittercomo “quizás el mejor novelista estadounidense de mi tiempo”.
Detrás suyo quedan doce novelas, dos obras de teatro, tres historias cortas y tres guiones para cine, entre ellos El Consejero (Ridley Scott, 2013), todo un legado digno de ser descubierto o redescubierto.
“Todo lo que tengo para decir está en mis libros”, ha llegado a decir y creo que, justamente y en consonancia con tales palabras, lo mejor es no agregar más. Hasta siempre Cormac, gracias por tanto…
El gameplay de ‘Star Wars: Outlaws’ ha conseguido alegrar a todos los fans de la franquicia creada por George Lucas. Seamos sinceros, dejando a un lado los Battlefront y su afán recaudatorio, la saga galáctica goza de buena salud en el mundo del videojuego. ‘El poder de la fuerza’ y las dos entregas de las aventuras de Cal Kestis son productos derivados más que dignos.
‘Star Wars: Outlaws’ es todo un despliegue visual con unos gráficos de infarto que van a poner a prueba a las consolas de nueva generación. Esos efectos de la arena movida por el viento en la ciudad es algo que puede parecer absurdo pero que le da mucha vida a este mundo. Kay Vess (la protagonista) es una mujer de armas tomar que se va a mover por los bajos fondos acompañada por Nix, una adorable criatura que nos ayudará en ciertos momentos.
Quizás pocos se acuerden ahora de Star Wars 1313, desarrollado por LucasArts, planeado para ser lanzado en 2013. Sin embargo, el proyecto fue cancelado y no llegó a completarse cuando Disney se hizo con la creación de George Lucas.
El nombre ‘Star Wars 1313′ se refería a un nivel subterráneo de Coruscant, En este nivel, llamado Nivel 1313, se encontraban los bajos fondos del mundo urbano, lleno de criminales, contrabandistas y cazarrecompensas.
El juego estaba protagonizado por un cazarrecompensas anónimo y su historia se centraba en los bajos fondos de Star Wars, explorando la vida y las misiones peligrosas de un cazador de recompensas en ese entorno oscuro y peligroso. El juego iba a tener un enfoque más adulto y oscuro que los juegos de Star Wars anteriores.
Por primera vez dejábamos a un lado el tema Jedi/Sith y nos viajábamos al lado menos legal de la galaxia y esa es la sensación que tengo con ‘Star Wars: Outlaws’, una vuelta de tuerca a la idea desechada, pero en un mundo abierto espectacular. Es de agradecer que nos alejemos de la temática de ‘la fuerza’ y vivamos aventuras con protagonistas que solo tratan de sobrevivir en el borde exterior.
Tendremos tiroteos, secciones de sigilo e (incluso) combates espaciales contra El Imperio, todo lo que se puede pedir y más de un título de Star Wars.
Kay Vess me ha recordado a la Doctora Aphra, un personaje carismático que se mueve por los bajos fondos trapicheando con todo tipo de artículos y metiéndose siempre en líos.
Sea como fuere, ‘Star Wars: Outlaws’ tiene una pinta espectacular y no puedo esperar a que llegue a las tiendas para hacerme con él.
Aquí os dejo el Gameplay de ‘Star Wars: Outlaws’ y debajo el de Star Wars 1313, disfrutadlos:
Pues si, esta noticia tenía que llegar. La huelga dee guionistas es una realidad y comienza a hacer estragos. Disney ha realizado un comunicado donde informan del baile de fechas.
Así Avengers: Kang Dynasty que tenía fecha de estreno el 2 de mayo de 2025 pasa ahora al 1 de mayo de 2026. Avengers: Secret Wars pasa al 7 de mayo de 2027, ya no el 1 de mayo de 2026. Como vemos un año de diferencia.
Deadpool 3 se estrena el 8 de noviembre del 2024, su fecha anterior era el 3 de mayo. Captain America: Brave New World se estrenará el 26 de julio del 2024, siendo su fecha anterior el 3 de mayo. Thunderbolts se estrenará ahora el 20 de diciembre de 2024, antes el 26 de julio. Blade se estrenará ahora el 14 de febrero de 2025, ya no el 6 de septiembre de 2024. Fantastic Four el 2 de mayo del 2025 y no el 14 de febrero.
Las secuelas de Avatar también se retrasan hasta un año cada una. Así Avatar 3 llegará el 19 de diciembre de 2025, Avatar 4 el 21 de diciembre de 2029 y Avatar 5 el 19 de diciembre de 2031.
Y novedades en una Galaxia muy lejana
Sin dar títulos hay novedades en Star Wars, por un lado se ha añadido una película al calendario para diciembre de 2026. Otra película sin título ha sido postergada del 19 de diciembre de 2025 al 22 de mayo del 2026, por lo que tendremos dos películas de Star Wars en 2026. Y ojo porque aparece otra película también sin título para el 17 de diciembre de 2027. Imaginamos que una de estas películas será la de Rey centrada en la nueva orden Jedi y que se ambienta diez años después del final del Episodio IX El ascenso de Skywalker.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos las novedades de ECC Ediciones septiembre 2023.
Septiembre va a ser un mes señalado para los seguidores de DC. Además del ya tradicional Batman Day, cuya edición 2023 explicaremos en futuros comunicados, hemos preparado una serie de jugosos lanzamientos que van más allá de la esperada edición para librerías de Los Nuevos Titanes de Marv Wolfman y George Pérez de los que ya os podemos ir adelantando algunos conceptos.
DC Pocket Max es una nueva colección en la que se publicarán los tomos de bolsillo de mayor extensión.
Grandes Novelas Gráficas es una línea en la que encontraréis historias generalmente autoconclusivas, en formato cartoné estándar.
No terminan ahí las sorpresas, ya que con el primer recopilatorio de la etapa de Tom Taylor y Bruno Redondo en Nightwing inauguramos una nueva forma de recopilar las etapas más destacadas de la continuidad actual.
La vuelta al cole también va a ser inolvidable para los lectores de ECC Manga, puesto que llega una de las licencias más demandadas por el público español: Chihayafuru, de Yuki Suetsugu. Un título que mezcla romance, drama y karuta de competición, que viene avalado por un inmenso éxito en Japón. Ha sido adaptado al anime y a películas de acción real.
Ya que hablamos de coles, no nos podemos olvidar de Kodomo y de cierto personaje que está a punto de descubrirnos la magia de la naturaleza. Sfar, el elefante es la primera entrega de la serie para jóvenes lectores Sobrevivir en la naturaleza, de Remy Lay.
‘Final Fantasy XVI’ sale a la venta el 22 de junio y como buen fan de la saga de Square Enix, ya tengo reservado este último título numerado de la saga. Desde ayer a las 10 de la mañana (hora española) en la Playstation Store estaba disponible la demo para ir abriendo boca.
Ya la hemos disfrutado y aquí os traemos nuestras impresiones de lo que nos ha hecho sentir esta nueva entrega de esta longeva franquicia de videojuegos.
Antes de entrar en detalles mencionar que la duración de este avance es de unas dos horas en las que se mezclan cinemáticas con partes jugables y que engloban el prólogo y alguna que otra batalla para ponernos los dientes largos. Otro dato que alegrará a quienes hemos hecho la reserva del título de Square Enix es que los datos de esta demo se transferirán al juego final.
Empecemos por el apartado visual, que es lo primero que nos entra por los ojos (perdón por el chiste malo). ‘Final Fantasy XVI’ luce de escándalo, yo lo he jugado en PS5 en modo calidad, pese a que nos vamos a mover por escenarios que no son nada espectaculares: Un castillo, una aldea destruida y unas montañas. Estoy deseando ver todo lo que nos puede dar este juego.
El modelado de los personajes y sus expresiones faciales están al nivel que se espera de un título como ‘Final Fantasy’.
La demo nos mete de lleno en la acción con el enfrentamiento entre dos ‘Eikons’ (algo similar a lo que serían las invocaciones de antaño) que me ha recordado mucho a la batalla entre Gandalf y el Balrog tras caer del puente de Khazad-dum.
Eso si que se puede llamar una entrada a lo grande en este título, ya que nos vamos a encontrar con un enfrentamiento que es básicamente un ‘shooter’ con un nivel de espectacularidad sobresaliente.
Para no arruinar la experiencia no hablaré de lo demás, pero mencionar que tendremos el clásico tutorial para hacernos con los mandos de este nuevo juego y poco después arranca la trama.
En lo que a jugabilidad se refiere, estamos ante un ‘action RPG’ que se olvida de los turnos, algo con lo que ya se había coqueteado en algunas entregas anteriores. Tendremos un botón para golpear, otro para la magia, la esquiva y el salto. Como buen juego de este tipo, se nos premiará al realizar una esquiva perfecta y podremos ir desbloqueando más habilidades conforme vayamos subiendo de nivel.
Más allá del choque inicial, al encontrarnos con algo que no cabría esperar de un ‘Final Fantasy’, todo está muy bien encajado para que la jugabilidad sea muy atractiva, dinámica y envolvente.
En lo visto en esta demo de dos horas, tendremos saltos temporales en la narrativa, recordemos que el título anterior comenzaba por el final y después nos retrotraía al pasado para comenzar la aventura.
Conclusión
‘Final Fantasy XVI’ apunta maneras y podemos estar ante uno de los grandes de la franquicia de Square Enix. Pese a que el sistema de juego se ha cambiado, la esencia continúa siendo la misma. En cuanto asistamos a un par de cinemáticas y diálogos sabremos que estamos en un ‘Final Fantasy’.
Clive, nuestro protagonista es un joven noble que se va a ver involucrado en la historia de una forma muy personal. Desprende cierto carisma que espero vaya aumentando conforme avancen las horas.
Es pronto para decir si este cambio al ‘action RPG’ aguantará todas las horas de juego sin acabar siendo repetitivo o aburrido, por el momento resulta refrescante y dinámico.
Como apunte mencionar que esta doblado al ingles, japonés, italiano, francés, alemán y español (latinoamericano) y que tendrá categoría PEGI 18.
La editorial Leviathan Labs sigue asentándose en este difícil mundo de los cómics y nos trae en esta ocasión una historia apocalíptica, Locust. Guionizada por Massimo Rosi (editor de Leviathan Labs a su vez) y con el español Alex Nieto al dibujo. Antes de empezar con la reseña os dejo algunos enlaces de otras obras de Leviathan Labs.
En Locust nos encontramos un mundo devastado por una terrible plaga que convierte a la gente en una especie de insecto ortóptero, en definitiva en una especie de langosta que parecen surgidos de una autentica pesadilla.
Para presentarnos este mundo apocalíptico, Rosi crea dos arcos argumentales que son a su vez dos líneas temporales. Una nos lleva al presente, dos años después del fatídico acontecimiento que lo cambió todo y mediante flashbacks vamos a ir viendo el origen de la terrible mutación y como la gente reacciona ante ello. Este sería el segundo arco argumental.
Aunque pueda parecer un recurso manido, el guionista maneja muy bien los tiempos y las situaciones. así, por ejemplo, vemos una espléndida transformación de Max en dos años. En los flashbacks es un pescador, al cual el fin del mundo le supera pero se jugará la vida por su anciana madre. Sin embargo, en la línea temporal del presente, Max es un hombre sin escrúpulos que hará lo que haga falta para sobrevivir. Y es que Rosi lo que nos quiere decir es que o te adaptas a este nuevo mundo o eres hombre muerto.
Un apocalipsis brutal pero con abundantes clichés
No se me malinterprete, este Locust es superentretenido. Yo me he leído sus 128 páginas de una sentada, así que imaginarse. Pero si que es cierto que se nos presentan situaciones que ya hemos visto en otros escenario distópicos. Como las sectas, la gente acude a la fe cuando se siente perdida y esto lo hemos visto en juegos como The Last of Us Parte 2 o en la película de Netflix, The Silence. Por poner dos ejemplos. Pero Rosi si que es cierto que nos va mostrando de forma gradual como se va gestando ese movimiento.
También tenemos el cliché del superviviente solitario o acompañado de un menor, en este caso una niña. Y es que la historia de Max me recordó rapidamente al del protagonista de La carretera, gran novela de Cormac McCarthy.
Pero como decía son aspectos que se dejan pasar ya que Massimo Rosi lo que nos trae aquí es un blockbuster, recurriendo al argot cinematográfico, y funciona perfectamente. Eso y que no se nos olvide que este es el primer volumen de dos. Todavía nos quedan muchas sorpresas.
Massimo Rosi y Alex Nieto, autores de la obra
Ya os he hablado de Massimo Rosi. Es el editor de Leviathan Labs y guionista de cómics. Sus obras más conocidas son Vietnam Horror y The Barbarian King, además de escribir en la Revista Giallo. Alex Nieto es es el dibujante de Locust. Entre su producción cabe destacar «La invocación de Ion», o «Beyond. El estilo de Nieto en el cómic que nos ocupa destaca por ser realista y crudo. Nieto se muestra muy habilidoso para crear un mundo apocalíptico con esos parajes desoladores. Además un aspecto a destacar es el de las criaturas monstruosas. Asímismo hemos de destacar una muy bien usada paleta de colores donde destaca los tonos oscuros que refleja ese mundo apocalíptico.
Portada alternativa. De José Juan Ryp
Consideraciones finales
Locust es un cómic muy entretenido y fácil de leer. Su protagonista Max uizás no sea el más original del mundo pero engancha y nos conmueve por la lealtad que tiene para con los suyos. Me ha llamado mucho la atención el dibujo de Alex Nieto, nos traslada muy bien a los horrores de un mundo apocalíptico. Así que con muchas ganas de ver como acaba esta historia.
La mayor parte de la humanidad ha sido víctima de una terrible plaga que la ha convertido en langostas gigantes. Mientras estos insectos consumen la tierra, los supervivientes no infectados luchan por mantenerse con vida.
Durante la «Gran Transformación», un pescador y su anciana madre intentan escapar de una Nueva York diezmada.
Prime Video estrenó a finales de mayo una serie alemana de fantasía que ha sorprendido a muchos: El Grifo. Se trata de la adaptación de la novela homónima escrita por Wolfgang y Heike Hohlbein, y publicada en 1985, que marcó a una generación de jóvenes volviéndolos amantes de la fantasía.
La serie se presenta como una mezcla entre Stranger Things, Dark y Sobrenatural, pero con su propia personalidad. Consta de seis episodios y está ambientada en los años ochenta, una época que ha dado muy buenos resultados en series y películas.
El Grifo. Fantasía destinada a un público juvenil.
Prime Video sigue apostando por el género de la fantasía. Series como La rueda del Tiempo, Carnival Row, Los anillos del poder, y las más recientes El Poder y Good Omens con su 2 temporada que se estrenará en breve, son un buen ejemplo de lo implicada que está la plataforma de streaming con este tipo de historias que siempre han tenido muchos seguidores.
Esta vez, con El Grifo, busca enganchar a su historia a una generación de jóvenes y adolescentes a los que no es nada fácil convencer para que pasen seis horas de su vida viendo una serie. Pero no solo eso, también busca el favor de aquella generación, con canas ahora, que leyeron la novela en su juventud.
Para ello han recreado una historia intrigante, con muchas preguntas en el aire, y le han sumado un toque de aventura con monstruos, y un drama familiar propio de la edad adolescente. Todo ello, siendo lo más fieles posible a la historia escrita en la década de los ochenta.
Mark es un joven bastante tímido y solitario, debido básicamente a la trágica historia sobre su padre que siempre lo acompaña, y que es conocida por todos los habitantes de la ciudad donde reside. Su padre perdió la cabeza cuando él era solo un niño. Siempre había sido un hombre extraño, que contaba historias tenebrosas de otros mundos y sus peligros a su hermano mayor Thomas y a él. Hasta que un día esos cuentos atraparon su mente convirtiéndolo en una persona que no sabía diferenciar la realidad de lo imaginario.
Esa parte de la vida de Mark tiene una sombra demasiado larga, ya que poco después sería su hermano mayor el que empezaría a seguir los pasos de su padre, contando historias de mundos fantásticos y de los peligros que allí acechan. Entonces, su madre tuvo que internar a Thomas para ayudarle antes de que fuera demasiado tarde, y ahora mismo ambos, regentan una tienda de música.
Aunque han pasado muchos años de aquello, Mark aun no lo ha superado. De hecho, el joven debe de asistir a terapia para evitar que las fantasías de su padre y de su hermano supongan un problema también para él. Pero todo empezará a tambalearse al llegar su décimo sexto cumpleaños.
Qué dice Prime Video de El Grifo.
A Mark Zimmermann (Jeremias Meyer), le encantaría celebrar su 16 cumpleaños con Becky (Lea Drinda), su nuevo amor. Sin embargo, su hermano Thomas (Theo Trebs) es llevado al espeluznante mundo de la Torre Negra, gobernado por una bestia despiadada, el Grifo.
Mark reúne todo su valor y se embarca en una épica misión de rescate. Junto con su compañero de trabajo y experto en heavy metal Memo (Zoran Pingel), se adentra en las llanuras mineras de la Torre Negra. Al mismo tiempo, Becky intenta averiguar si ese otro mundo existe realmente.
Cuando descubre la verdad sobre Mark, su familia y la Torre Negra, a Mark casi se le acaba el tiempo. Con cada aventura que experimenta en el otro mundo para acercarse un paso más a su hermano, a la vez que se produce un cambio en Mark, que pronto le resultará difícil de controlar.
