Muy buenas, vuelvo a los Retroanálisis con una de mis películas favoritas de este siglo: El fuego de la venganza. Días atrás se estrenó The equalizer 3 y me dispuse a ver varías películas de la filmografía de Denzel Washington para realizar el típico y manido listado de las 10 mejores películas.
El motivo era refrescarme de algunas que tenía olvidadas. No es el caso de El fuego de la venganza, cinta que he disfrutado en varias ocasiones, por lo que se trataba, al volverla a poner, de disfrutar nuevamente de frases lapidarias y sobre todo de ver a dos maravillosos actores y personajes como el citado Denzel y la niña Dakota Fanning.
México, un país sin ley
La película nos cuenta que en un periodo de seis días se han producido 24 secuestros por lo que las familias acaudaladas viven temerosas de sufrir algún secuestro por lo que se recurre a contratar seguridad privada sobre todo para los hijos.
Bueno, ya sabes lo que dicen: Una bala siempre dice la verdad
En este contexto aparece John Creasy (Denzel Washington), un antiguo agente de la CIA quemado con un trabajo en el que tenía licencia para matar y que ha renunciado a su vida anterior.
Aconsejado por su buen amigo Rayburn (Christopher Walken) Creasy se empleará como guardaespaldas de una niña de nueve años de edad, Pita Ramos (Dakota Fanning), hija del empresario Samuel Ramos (Marc Anthony) y de su mujer Lisa (Radha Mitchell).
La primera hora de la película es un relato que nos sirve para empatizar con Lisa y la relación, en un principio complicada, que surge entre la niña Pita y Creasy.
Dakota y Denzel lo bordan y no queremos que pase nada contra ellos. Ella es una niña adorable que vive en un mundo complicado. El viene traumatizado de una vida anterior que le ha provocado heridas emocionales imposibles de curar.
Pero poco a poco Pita consigue abrir sentimientos en ese corazón inerte de Creasy y comienza a surgir un hermoso vínculo. Hasta que finalmente el mal aparece en la vida de Pita.
El perdón es entre Dios y ellos, yo solo les facilito la entrevista
La siguiente hora es un disfrute culpable. Creasy puede contra todos los malos de México y cada muerte y tortura que inflige es disfrutada por el excitado espectador (yo) cada vez más.
A esto ayuda el realizador Tony Scott que dirige aquí su mejor película, eso sí, más pasado que nunca con esos constantes movimientos de cámara y un estilo visual apabullante y excesivo. Pero a la película le viene que ni pintado.
Un hombre puede ser un artista, en lo que sea, cocinando por ejemplo, depende de lo bueno que sea haciéndolo, el arte de Creasy es la muerte y está a punto de pintar su obra maestra
Efectivamente, Creasy es un ángel vengador y si nos sorprendió con el lado tierno de la primera parte de la película, no debería de sorprendernos cuando ejecute la venganza máxima.
El fuego de la venganza nos lleva a un clímax final quizás anticlimático, valga la redundancia, después de la sinfonía de la venganza a la que hemos asistido y es que quizás en manos de por ejemplo Sam Peckinpah, hubiese acabado de otra forma. Sin embargo creo que es el final que Creasy merece, sacrificio y redención.
Consideraciones finales
No he nombrado al azar a Sam Peckinpah anteriormente. Esta película es muy «peckinpahiana», México, arena y balas. Y como tal su violencia es descarnada, visceral y seca.
Nunca una historia de venganza ha sido tan disfrutada como aquí llevada al paroxismo por la locura visual y narrativa de Tony Scott. Un inmenso placer culpable.
Este cómic, al igual que ocurrió con el primer volumen en 2022, pasa directamente a mi lista de “los mejores cómics de 2023”. Una vez más Nuevo Nueve Editores nos trae una serie de grandísima calidad.
Los Demonios de Alexia 2
Como ya os he comentado, quiero que tengáis en cuenta que incluimos el primer volumen de Los Demonios de Alexia, fue incluido en nuestra lista de «Los mejores cómics de 2022«. Podéis echar un ojo a la lista pinchando aquí.
Por eso debéis saber, desde un primer momento, que la serie me ha encantado. Dicho esto, vamos con ello …
La historia de este segundo y último número da comienzo después de los trágicos sucesos con los que concluyó el volumen anterior.
Casi todos los miembros del CRPS, Centro de Investigación de Fenómenos Sobrenaturales han perdido la vida. Entre ellos el propio director del Centro.
Además, a lo largo de todo el globo terráqueo, se suceden numerosos e impactantes fenómenos sobrenaturales. Todos ellos, aparentemente sin relación.
El mundo tal como lo conocemos, no puede soportar esa cantidad de fenómenos sin llegar al colapso.
Alexia, en su doble condición de bruja y exorcista y tras haber hecho lo que hizo en el primer tomo, es nombrada directora del CRPS. Y ella misma duda de su capacidad para hacerlo y si esa elección ha sido acertada.
Si todo esto no fuera suficiente, la labor del CRPS se está poniendo en duda por parte de los diferentes gobiernos que lo financian. Por este motivo, nombran un inspector para que supervise las intervenciones del Centro y de su nueva directora.
Si Alexia no es capaz de poner freno a la actividad paranormal que sucede en todo el globo terráqueo, el CRPS será relevado de sus funciones y desmantelado.
¿Será capaz Alexia y el CRPS de arreglar la situación?
Para saberlo, deberás leer este tomo, que contiene la conclusión de la serie.
La edición de Nuevo Nueve
Lo primero que debo decir, es que la edición de Nuevo Nueve es absolutamente impresionante. Al igual que lo ha hecho con otro de sus mejores títulos de 2022, El Puerto Prohibido o el primer volumen de Los Demonios de Alexia (cuya reseña puedes leer pinchando aquí) o bien la edición de Belladona del grandísimo autor Pierre Alary y publicada este año.
La editorial madrileña nos ha traído este tomo, que parece una biblia antigua, en tapa dura, a todo color, con papel poroso de gran calidad y un muy alto gramaje, en un formato de 19×27 (este formato le gusta mucho a Ricardo Esteban).
El volumen cuenta con 224 páginas y cuenta con un P.V.P. de 30€. Lo tenemos disponible en nuestras librerías, desde el 10 de mayo de 2023. Si lo deseáis, también podéis adquirirlo en la web de Nuevo Nueve, pinchando aquí.
Debo decir que la serie finaliza en este segundo tomo y consta de siete álbumes europeos, publicados originalmente en Spirou.
El equipo creativo
Vincent Dugomier. Guionista. Nacido en Uccle (Bélgica) en 1964. Desde el año 1987 trabajaba en la revista Spirou. En Spirou, trabajó en diferentes series con multitud de dibujantes.
A finales de los 90′, entró a formar parte de Marsu Productions, empresa propietaria del universo del Marsupilami, creado por el maestro Franquin.
En España es conocido por la serie Los Niños de la Resistencia, editado país por Editorial Base, acompañado por el dibujante Benoît Ers a los lápices.
Uno de los últimos títulos publicados en nuestro país ha sido Los Omniscientes, editado por Astronave, el sello infantil-juvenil de Norma Editorial.
Benoît Ers. Dibujante. Nacido en Lieja (Bélgica), el 20 de julio de 1971. Entró en la Escuela de Bellas Artes de Lieja y a los seis meses de su ingreso, fue reclutado por Marsu Productions.
En Marsu Productions conoció a Vincent Dugomier y juntos crearon la serie Los Niños de la Resistencia, editada originalmente por la prestigiosa editorial francesa Le Lombard.
Valoración Final de Los Demonios de Alexia. Tomo 2.
Los Demonios de Alexia es un cómic adulto, un thriller sobrenatural, con tintes de terror, edulcorado por un dibujo caricaturesco. Aquí hay demonios, brujas, espíritus, venganza, muertes …
Esto es un cómic lleno de intriga y aventura, que no dejará al lector despegar la vista de sus páginas.
Los autores consiguen que nosotros los lectores sintamos intriga y desasosiego, además que nos sintamos identificados con alguno o algunos de los personajes.
Lo cierto es que no me sorprende que Nuevo Nueve sea quien nos ha traído esta magnífica serie a los lectores españoles puesto que, como ya he dicho en numerosas ocasiones: «El bribón de Ricardo Esteban tiene muy buen gusto«.
Sin duda, Los Demonios de Alexia 2, estará en nuestra lista de «Los Mejores Cómics de 2023«.
La novela naval ha sido adaptada en numerosas ocasiones, quizás la más famosa sea la versión de 1954 de Edward Dmytryk, protagonizada por Humphrey Bogart. Casi al mismo tiempo, también fue adaptada por el propio Wouk, como una obra de dos actos llamada The Caine Mutiny Court-Martial, que narra los eventos del libro hasta su juicio militar central. Esta obra forma la base de la última película de William Friedkin, que el director de El Exorcista completó antes de su muerte el mes pasado.
Llama la atención el ayudante de dirección de Friedkin, nada más y nada menos que Guillermo del Toro. Aunque esto tiene más que ver con un tema contractual por la edad del realizador, como ya advirtió la productoraAnnabelle Dunne:
«Esto es muy común, Hollywood es edadista; a veces es difícil pasar la prueba del seguro. Amablemente, [del Toro] dijo que sí, y a pesar de haber lanzado Pinocho recientemente, fue al set todos los días para sentarse junto a Billy. Dijo que era nuestra mascota. Fue un placer para todos nosotros, incluidos los actores, contar con su presencia. Dejó claro que era la película de Billy».
The Caine Mutiny Court-Martial cuenta con un reparto estelar formado por Kiefer Sutherland, Jason Clarke, Lance Reddick, Lewis Potts y Jake Lacy.
La película llegará a Paramount+ el próximo 6 de octubre en Estados Unidos. En España toca esperar.
Os dejo con la sinopsis:
Cuando un capitán de la marina estadounidense muestra signos de inestabilidad mental que ponen en peligro la seguridad de su barco, el primer oficial le releva del mando y se enfrenta a un consejo de guerra por amotinamiento. Greenwald, un abogado escéptico, defiende a regañadientes a Maryk, un oficial de la marina que arrebató el control del barco a su dominante capitán Queeg mientras se encontraban atrapados en una violenta tormenta marina. Greenwald se muestra cada vez más preocupado a medida que avanza el consejo de guerra y se pregunta si lo del Caine fue un verdadero motín o simplemente los valerosos actos de un grupo de marineros que no podían confiar en su inestable líder.
El Último Viaje del Demeter, película del realizador noruego André Øvredal, recrea uno de los capítulos más famosos de la novela Drácula. El estreno en España estaba previsto para hoy, pero se ha postergado por razones misteriosas. Habiéndola visto, te contamos de qué va y qué nos ha parecido…
Películas que se basan en novelas hay muchas y diría que imposibles de contar, pero no sé cuántas que, como El Último Viaje del Demeter, se basen en un único capítulo. En efecto, el Demeter es el barco ruso que hace de escenario a la historia del capítulo 16 del célebre Drácula de Bram Stoker, tan despegado del resto del libro que la mayoría de las adaptaciones decidieron omitir esa parte.
Lo primero que lo particulariza con respecto al resto de la historia es su carácter náutico y lo segundo es que está supuestamente relatado a partir del testimonio subjetivo de la bitácora del capitán. Entre las pocas adaptaciones que han decidido utilizarlo, se destaca sobremanera Nosferatu: Una Sinfonía del Horror (F. W. Murnau, 1922), obra icónica del cine expresionista alemán que cumplió su centenario el año pasado y de la que pueden leer aquí el retro-análisis de un servidor.
En dicho filme, la secuencia del barco es una de las más recordadas (si no la más), ya sea por constituir en sí misma una película dentro de otra o por contener algunos de los momentos más estremecedores y tomas más logradas del filme. Como tal, dejó muy alta la vara para cualquier recreación posterior y allí está, para decirlo en términos de navegación, uno de los mayores escollos que afronta una película que toma esa parte de la novela como eje, más allá de lo original e interesante que pueda pintar la propuesta.
En lo particular, estaba muy expectante, ya que el filme combina dos géneros para mí muy queridos como son el terror gótico y las historias náuticas: casi como si se cruzaran la mencionada Nosferatu con el magistral Moby Dickde John Huston, adaptación brillante si las hay.
Pero también me intrigaba saber cómo lograrían montar una historia de dos horas sobre lo que en el libro no llega a veinte páginas y, encima, sabiéndose de sobra que no va a sobrevivir nadie. Por cierto, si creen, en caso de nunca haber leído la novela, que estoy haciendo spoiler, les comento que el propio capitán Eliot (Liam Cunningham) lo dice en off apenas comenzar. Y ojo: a fin de cuentas no es tan así, pues siempre está la posibilidad de que este desconociera ciertos detalles al escribir su bitácora…
El título requiere ya de por sí de un cierto conocimiento previo, lo cual implica asumir un riesgo en la medida en que quizás el gran público no lo relacione con la que es la historia de vampiros por excelencia, ya sea en la literatura o en el cine. Será por eso que en América Latina los distribuidores han decidido estrenarla con un título terriblemente obvio y bastante menos poético como Drácula: Mar de Sangre. Ignoro qué tanta repercusión tenga eso en la taquilla, pero suena horrendo, más que cualquier vampiro…
Por otra parte, deberíamos hablar de largo viaje más que de último, ya que así ha sido justamente el recorrido desde que el primer guion de esta historia fuera presentado en 2002 por Bragi Schut. Más de veinte años y una pléyade de directores y actores han pasado por el proyecto para que finalmente, con Amblin y Dreamworks de por medio, llegue hasta nosotros con la dirección del noruego André Øvredal, de experiencia en el género con títulos como The Troll Hunter, La Autopsia de Jane Doe o Historias de Miedo para contar en la Oscuridad.
Antes de pasar a hablar más concretamente de la película, les comento que no hay en este artículo más spoiler que el inherente a la historia misma y, si les interesa, les invito a echar ojo al listado de las que son, a mi humilde juicio, las veinte mejores películas de vampiros de la historia.
Viejos y Nuevos Personajes
La película, ubicada en 1897, toma entonces como eje el viaje del conde Drácula desde Transilvania a Londres o, más específicamente, desde el puerto de Varna hasta el de Whitby, donde se produce el naufragio final. Lo hace en una goleta mercante rusa llamada Demeter, cuyos mástiles y velas representan un mundo en decadencia ante el avance de la navegación a vapor. Y no viaja como pasajero común, sino en una de tantas cajas misteriosas que les toca transportar y que contienen tierra de Transilvania, al parecer destinada a la abadía de Carfax.
De más está decir que el trayecto acaba convirtiéndose en una pesadilla en la medida que el pasajero no invitado sale a saciar su hambre cada noche, comenzando primero por los animales que transportan y siguiendo con la tripulación en un auténtico festín de sangre.
Era obvio que se agregarían situaciones al material original y, posiblemente, nuevos personajes, que son fundamentalmente tres. Por un lado, tenemos a Clemens (Corey Hawkins), médico británico que se suma a último momento después de que varios deciden bajarse por reconocer en una de las cajas la marca del demonio. En segundo lugar, Anna(Aisling Franciosi), muchacha que viaja aparentemente como polizón y que, mediante transfusiones de sangre, es curada por el propio Clemens de un mal desconocido, pero que reconocemos rápidamente como vampirización. Por último, un niño que es nieto del capitán y cuyo nombre es Toby (Woody Norman).
Ninguno de los tres parece puesto al azar. Clemens aporta el papel del investigador racional que intenta dar con el origen del mal y es, según dice, el primer médico negro graduado en Cambridge, lo que introduce casi con calzador el tema del racismo al ser incriminado como posible responsable de los males a bordo e incluso tildado de “moreno salvaje”.
En cuanto a Anna, no es exactamente un polizón. Ya veremos que su condición de viajera de incógnito reviste otro carácter y que al proceder de una aldea transilvana, es quien pone al resto al tanto de la verdadera naturaleza de la siniestra criatura que despierta cada noche. Ello además, por supuesto, de la necesidad de incorporar un toque feminista acorde a los tiempos que corren…
En cuanto a Toby, al ser un niño, creo que el principal sentido de su presencia a bordo es introducir un golpe bajo ya que, desde el momento en que sabemos que el Demeter no dejará sobrevivientes, todo indica que le veremos morir y, una vez más, no estoy haciendo más spoiler que el que ya de por sí la película hace.
Más cerca de Alien que de Drácula
Una de las preguntas que me hacía al saber de esta adaptación era qué aspecto le darían a Drácula. Es que la imagen más común que tenemos de él y de cualquier vampiro, con los colmillos especialmente desarrollados, difiere de la que Murnau presenta en Nosferatu, donde, por el contrario, son los incisivos. Pues parecen haberlo resuelto con dos hileras completas de dientes aguzados más propios de un “gremlin” que de un vampiro…
También estaba por definir si le daban un aspecto más aristocrático como el de Bela Lugosio de una criatura casi animal como el de Max Schreck. Y aquí no ha habido puntos medios, sino que han llevado esa última característica a un extremo en el cual pierde toda humanidad y es más bien un gran murciélago antropomorfo que susurra palabras apenas inteligibles: hace recordar a Gollum cuando se arrastra por cubierta, pero luce como gárgola de iglesia cuando levanta vuelo entre las jarcias.
Esa pérdida de humanidad, lamentablemente, no es ganancia sino pérdida, pues hace que el filme parezca Alien en el mar y, consecuentemente, pierda en originalidad. La situación de aislamiento combinada con criatura desconocida es ya un tópico demasiadas veces recorrido desde la icónica película de Ridley Scott.
Asimismo y al ir rellenando las lagunas que la bitácora de Eliot deja en el material original, tenemos la novedad de que la tripulación se va vampirizando en la medida en que son mordidos por la criatura o bien entre ellos mismos, lo cual da a la historia innecesarios rasgos de película de zombies.
Algunos Aciertos y (más) Desaciertos
El filme acierta al eludir la casi compulsiva óptica juvenil de la mayoría del terror actual, pero pierde puntos al querer acercar el terror gótico a extremos gore que le son ajenos y no le cuadran bien: el gótico, para decirlo simple, funciona con sombras y el gore con sangre a chorros, pero juntos no acaban de funcionar bien. Y al estirar la historia para llevarla a dos horas, aparecen además detalles inverosímiles, como por qué la tripulación no baja a la bodega durante el día para matar al vampiro cuando ya saben que está allí y solo actúa en la noche…
El racismo, como hemos dicho, está metido con calzador y otro tanto el feminismo, al presentarnos una poco creíble aldeana de armas tomar y personalidad tan fuerte que logra imponer su carácter sobre rústicos navegantes. Hay también algún esbozo de discurso existencialista, evidente sobre todo en Clemens, cuya preocupación es encontrarle sentido a un mundo que no lo tiene, pero lamentablemente tampoco es un tema que después el guion desarrolle demasiado y lo mismo el planteo ético acerca de si matar o no a quienes ya han sido vampirizados: aparece fugazmente y punto…
Las actuaciones sí que son un punto alto. De hecho, los actores consiguen mucho más que lo que el guion les permite. Liam Cunningham nunca defrauda: es un actor muy expresivo sin necesidad de abusar de los gestos y ya hemos conocido sobradamente su talento cuando diera vida a Davos en Juego de Tronos.
La isla de Malta aporta al rodaje una interesante localización y la recreación de época está muy bien lograda, sobre todo en las escenas de puerto sobre el inicio y el final. La fotografía está a la altura y hay momentos en que pareciera rendir tributo a la famosa escena de Nosferatu con tomas casi desde el piso de la cubierta.
La iluminación nocturna se luce por partes, como en la recreación nocturna de Whitby, pero no lo hace igual en algunas escenas de persecución a bordo en las que no sabemos bien qué está pasando o bien incurre en los consabidos lugares comunes de criatura iluminada fugazmente por un rayo durante la tormenta. Lo mismo los efectos visuales: por momentos bien y otros no tanto, como cuando los tripulantes se consumen en llamas demasiado artificiales que parecen casi estar fuera de la película.
Balance Final
El Último Viaje del Demeter, finalmente, se queda a mitad de camino y mucho de lo interesante que prometía el convertir en película ese icónico capítulo del libro acaba naufragando con el barco mismo. No es que sea un desastre: hay un suspenso razonablemente logrado y algunos momentos escalofriantes, pero no se acierta en generar una nueva reinterpretación de la historia y ni hablemos de hacerle mínima sombra a lo que consiguió Murnau más de cien años atrás.
Es cierto que el hecho de que ya conozcamos el final puede quitar algo de encanto, pues tanto en la novela como en el legendario filme alemán, la trama del barco llevaba hacia otro lado y era utilizada como puente para que entendiéramos qué clase de horror estaba viajando hacia Inglaterra. Pero eso, justamente, era lo más interesante del desafío: conseguir que esa parte de la historia fuera autosuficiente. Y allí es donde la película falla…
Es una pena por el gran trabajo de los actores involucrados y porque llevó veinte años que el proyecto llegara a la pantalla, pero la realidad es que nos deja sabor a poco y sensación de oportunidad desaprovechada. No es que el filme no sea entretenido: estén seguros que no se aburrirán y hasta pasarán algún sobresalto, pero lamentablemente el pastiche entre zombies, vampiros y Alien conspira contra el resultado final y, sobre todo, contra la fuerza de ícono que tiene un capítulo como ese dentro de la novela original.
De momento, y mientras apostamos alguna ficha al Nosferatu que nos traerá Robert Eggers en 2024, el de Murnau puede seguir durmiendo tranquilo en su ataúd y mi listado de las mejores películas de vampiros sigue sin cambios…
Aquí os traigo el volumen 2 de la violenta serie de cómics ‘The Haunt’ sigue la sangrienta cruzada de los hermanos Daniel y Kurt Kilgore, quienes comparten la identidad este ser con cierto parecido a Spawn conocido como The Haunt. Al igual que en el primer volumen, esta entrega prioriza la acción extrema por sobre la narrativa, con abundantes escenas de peleas brutales y derramamiento de sangre. Aunque es cierto que esta segunda entrega (con menos páginas que la anterior) se me ha hecho algo menos atractiva.
La premisa básica continúa los eventos del volumen anterior: los hermanos buscan vengarse ya que sus enemigos han arruinado sus vidas, así que todo sigue el camino previsto, aunque la relación entre Daniel y Kurt se pone en el centro del escenario pero no de muy buena forma. Lo ocurrido con Autumn enquista la relación y tenemos un recurrente baile de idas y venidas de Kurt que se vuelven monótonas y afectan negativamente a la trama.
Las riendas del guion las coge Joe Casey (Batman Presagios) y creo que la calidad baja un par de puntos con respecto a lo que pudimos leer en el anterior tomo. Pese a que la historia sigue entreteniendo, no tiene ese plus para hacer que haya querido devorar el tomo de una sentada, como me ocurrió con su predecesor.
Los fans del género de antihéroes hiperviolentos probablemente quedarán complacidos con las intensas escenas de acción. Con un estilo exagerado y caótico se ajusta al tono sombrío de la historia, lleno de momentos macabros y brutales.
Sin embargo, al darle tanto protagonismo a la violencia gráfica, algunos elementos narrativos se sienten descuidados. El desarrollo de personajes es débil en puntos, con varios roles secundarios que se sienten como arquetipos genéricos de gángsters, personajes enigmáticos de manual o soldados sádicos. La trama avanza de forma coherente pero predictible, sin giros o revelaciones sorprendentes.
Además, el tono oscuro extremo puede resultar excesivo e incluso gratuito para algunos lectores y demasiado similar a la obra cumbre del señor McFarlane. The Haunt no rehúye de escenas sangrientas repletas de explosiones (al más puro estilo Michael Bay), pero a veces se siente como que solo busca sorprendernos con viñetas brutales y espectaculares que ocultan la falta de sustancia en la historia.
Los temas de redención, venganza y perdón que plantea la serie carecen de una exploración profunda. La emotividad entre los hermanos Kilgore a veces surge bien lograda, pero otras veces sus diálogos se sienten apresurados y superficiales. La lucha entre ‘el hermano soldado’ y ‘el hermano sacerdote’ se repite tanto sin buscar otras maneras de ampliar el conflicto que hay momentos en los que dices “y dale Perico al torno”.
Conclusión
‘The Haunt’ entrega exactamente lo esperado para fans del género de antihéroes sangrientos. La acción es vívida e intensa, con mucho espectáculo visual violento. Pero más allá de satisfacer ese nicho específico, la serie no aporta complejidad narrativa ni temática. Le falta ambición para trascender el género de historietas hiperviolentas, conformándose con cumplir las expectativas de sus seguidores mediante más de lo mismo.
Creo que se resiente mucho por dar demasiadas vueltas sobre lo mismo y se pierde la chispa entre los hermanos Kilgore que tan buenos momentos generó al comienzo de la historia.
‘The Haunt’ se parecía demasiado a Spawn y creo que se ha pedido la oportunidad de haber alejado a ambos personajes con una trama algo más compleja alrededor de Daniel y Kurt y su obligación de trabajar juntos.
Estamos ante un comic que entretiene aunque se basa demasiado en la espectacularidad para tapar ciertas carencias que acaban pesando.
Reconozco que procuro vivir ajeno al auge de la Inteligencia Artificial en nuestras vidas. Entre otras cosas, porque tanto Terminator me ha hecho desconfiar de una IA que quiera dominarnos a todos. No he probado (y, de momento, seguiré sin probarlo) ChatGPT. Pero uno no puede evitar sentir escalofríos ante lo que le ha ocurrido a Stephen Fry.
Para quien no lo conozca, Fry es uno de esos actores británicos secundarios que te suena nada más verlo. Apareció en V de Vendetta, El Hobbit o Sherlock Holmes: Juego de sombras. Más recientemente, en la serie The Sandman.
Pero Fry es también la voz de los audiolibros de Harry Potter.
Lo inquietante ha sido que, utilizando la inteligencia artificial, se ha empleado la voz de Fry para realizar nuevas narraciones que él nunca ha llevado a cabo y, además, sin su consentimiento.
No hace falta imaginar las implicaciones que pueda tener esta noticia pero, por si acaso, os dejo la reflexión del propio Stephen Fry:
“Lo que escuchaste no fue el resultado de una mezcla. Se trata de una voz artificial flexible, donde las palabras se modulan para adaptarse al significado de cada frase. Por lo tanto, podría hacerme leer cualquier cosa, desde un llamado a asaltar el Parlamento hasta pornografía dura, todo sin mi conocimiento y sin mi permiso. Y esto, lo que acabas de oír, se hizo sin mi conocimiento”.
¿Qué opináis? ¿Creéis que debería establecerse algún tipo de control sobre la Inteligencia Artificial?
Ahsoka ha vuelto esta semana, y aquí comentaremos los dos últimos capítulos. Dejamos a nuestra protagonista en su punto más bajo, derrotada por los esbirros de Morgan, traicionada por Sabine y en un encuentro onírico con el maestro que cayó al Lado Oscuro. En estos dos capítulos han sucedido muchas cosas que tendrán un impacto muy grande no solo en la vida de la togruta más querida de la galaxia, sino en la saga en general. Esta serie va mejorando a pasos agigantados, sobre todo en comparación con otras competidoras dentro de la plataforma Disney Plus.
El sueño de Ahsoka
Ahsoka se encuentra con Anakin dentro de un sueño donde revive su pasado como aprendiz de jedi en las guerras clon, y en el que debe enfrentarse a las inseguridades que lleva acumulando desde que dejó la Orden hace décadas. Cuando despierte, verá a su vieja camarada Hera Syndulla, a la que comunicará el destino de Sabine, y partirá para buscarla gracias a las ballenas espaciales que conocimos en Star Wars: Rebels.
En el sexto capítulo, vemos qué ha sucedido con la mandaloriana, que se encuentra en poder de los nuevos imperiales y que verá confirmados sus peores temores dentro de la Galaxia donde se encuentra. Y es que, cuando los antagonistas llegan a su destino, descubrirá que no están solos, sino que hay alguien con ellos que puede poner en peligro la paz que ha conseguido la Nueva República.
El encuentro entre dos mundos
El quinto capítulo ha sido una delicia para los fans de Las guerras clon, que han disfrutado al ver en acción real algunas escenas que parecen sacadas de la serie de animación, Ahsoka joven incluida. Hayden Christensen borda una gran interpretación, tendiendo un puente entre el jedi más inseguro de El ataque de los clones y el carismático general que conocimos en la serie estrella de Filoni. Al episodio se le puede reprochar que esta experiencia mística obedece más al fanservice que al desarrollo de Ahsoka, pero no se puede negar que está bien hecho y no contradice nada de lo que hemos visto antes.
Pero, si bien esta entrega cuenta con momentos realmente emocionantes que habrán cautivado a los que llevaban años esperando este reencuentro, palidece ante el sexto capítulo, en el que la trama sigue avanzando hasta llegar al lugar que llevamos tanto tiempo esperando: la misteriosa galaxia que se encuentra más allá del territorio conocido. Hay que aplaudir a los responsables de fotografía por mostrarnos un mundo realmente alienígena, en el que nos queda claro que no estamos ante un planeta más de la Nueva República.
Asimismo, se nos va dando información a cuentagotas sobre las motivaciones de Baylan Skoll, que no parece dispuesto a dejar que un nuevo Imperio surja en la galaxia. Siguen siendo pistas muy difusas sobre qué está buscando, pero es más que probable que surjan conflictos con sus superiores, sobre todo teniendo en cuenta algunos de los giros y la promesa que hizo a Sabine. Esta también prosigue con su arco, enfrentándose a las consecuencias de su traición y encontrándose finalmente con Ezra. Su retorno, eso sí, es algo anticlimático después de tantos años de espera. Sobre todo si se le compara con…
El Gran Almirante Thrawn
El villano más famoso del universo Leyendas está de vuelta, por primera vez en carne y hueso, y no lo podrían haber adaptado mejor. El Thrawn que vemos en Ahsoka es calculador, eficiente y, al menos por el momento, no ha caído en los errores comunes que los personajes malignos suelen cometer en esta clase de ficción. No sabemos todavía qué planea exactamente, pero Lars Mikkelsen hace un trabajo magistral al dar vida a este oficial tan sosegado y elegante como capaz de dar una puñalada en la espalda a cualquiera.
A Thrawn no parece haberle afectado el exilio, y cuenta con un ejército y un segundo al mando que continúan siendo un enigma. Parecen ser los soldados que naufragaron con él, pero no está claro a qué obedecen los cambios en sus uniformes ni por qué se mantienen tan leales a su superior. Eso sí, preveo que la armadura de Enoch estará muy cotizada por coleccionistas y cosplayers por lo atractiva que resulta, todo un salto de gigante frente a las poco inspiradas variaciones de los soldados imperiales que a veces nos presentan en estos productos.
Conclusión
Ahsoka está trayendo elementos del universo Star Wars que nunca pensamos que veríamos en acción real. Encuentros espirituales, majestuosas ballenas espaciales, Ezra, Thrawn… y casi todo ello, milagrosamente, parece funcionar. Si consigue aterrizar bien, podríamos estar ante un hito para las series de la saga.
Pues ahí en el titular tenéis la noticia sobre The Marvels, por confirmar por la propia Disney, todo sea dicho. Pero en Forbes dicen que Disney ha revelado que gastó más de 270 millones en hacer The Marvels.
El presupuesto se revela en los documentos de la compañía publicados ayer por la subsidiaria de Disney que hizo la película.
Si le restamos el subsidio que Reino Unido le dio a Marvel Studios, por un total de 55 millones de dólares, The Marvels le ha costado a Marvel Studios 220 millones de dólares sin contar los gastos de marketing. Según Forbes la película tendría que recaudar al menos 439 millones para que fuese mínimamente rentable y sinceramente ahora mismo lo veo complicado. Aunque Capitana Marvel superó la barrera de los mil millones, ganó mucho hate, además el publico comienza a ir menos a ver películas del UCM quitando Guardianes de la Galaxia Vol 3, y es que recordemos que Ant Man y la Avispa: Quantumanía no fue todo lo bien que se esperaba en taquilla.
The Marvels se estrena el próximo 10 de noviembre. La película está dirigida por Nia DaCosta y protagonizada por la ganadora del Oscar Brie Larson como la Capitana Marvel. A ella se unen Iman Vellani y Teyonah Parris, protagonistas de Ms Marvel y Wandavision respectivamente.
Muy buenas. Hoy os traigo reseña de Batman: El detective. El motivo principal de acercarme a este cómic fue por Tom Taylor, su guionista y artífice de dos colosales «blockbusters» como son Injustice y DCsos.
Ahora Taylor se mete en una historia de Batman llevándolo a un futuro inmediato, donde tendrá que lidiar en Europa una guerra en la que su pasado es puesto a prueba.
Batman: El detective
Tom Taylor en esta ocasión coge a Batman y nos lo presenta en un futuro inmediato. Es un Caballero Oscuro desencantado, ve que el crimen en Gotham City sigue creciendo pese a su interacción. Entonces decide ir a Europa, al ver que ha habido un ataque terrorista que lleva la firma de Batman.
Así tenemos dos innovaciones, por un lado un Batman más mayor (vale, de innovación nada, lo se) y a la vez fuera de Gotham (valeeeeeee, tampoco es lo más innovador).
¿Y quiénes son los malos? Es un grupo que van disfrazados de Batman sembrando el caos y la destrucción.
Pero la historia gana enteros cuando nos enteramos, y esto forma parte de la sinopsis, que los crímenes responden a una idea, las víctimas son gente que Batman salvó en su día.
¿Por qué este grupo castiga así a esta gente? ¿Qué relación tienen los terroristas con Batman? A lo largo de las 160 páginas de las que se compone el cómic iremos avanzando en la trama y en el pasado de Bruce Wayne.
En su cruzada Batman tendrá unos aliados peculiares, distintos a los que estamos acostumbrados a ver. Así en esta historia estará acompañado por su antiguo mentor Henri Ducard, y por el dúo formado por Caballera y Escudera.
¿Quién es Henri Ducard?
Es uno de los alicientes de la obra y es que a Ducard lo vimos en el cine en Batman Begins interpretado por Liam Neeson. Este personaje fue creado por Sam Hamm (guionista del film Batman, de Tim Burton), e hizo su primera aparición en Detective Comics #599 (abril de 1989), como parte de la saga titulada «Justicia Ciega«.
El personaje es una especie de extraordinario detective independiente y fue uno de los tantos mentores que tuvo Bruce Wayne en su juventud, hasta que Bruce descubre que Ducard realmente era un hábil y efectivo asesino a sueldo.
Tom Taylor y Andy Kubert
Menuda dupla tiene este cómic. Apuesta segura. Y sin embargo he de decir que se queda el cómic a medio camino. Es una obra muy entretenida pero… lejos de lo que uno podía esperar de Tom Taylor. Aunque la historia avanza de forma fluida y entretenida no es gran cosa, no hay grandes hallazgos y desde luego no hace honor al título del cómic. Mucho mejor está el lado artístico con un Andy Kubert muy espectacular, con muy buenas composiciones y con un Batman imponente que recuerda en ocasiones al Batman de Frank Miller.
Consideraciones generales
Batman: El detective prometía demasiado por venir de la mano de Tom Taylor y las expectativas han jugado una mala pasada. Estamos ante un buen cómic pero lejos de lo que uno podría esperar. No es una gran historia ni hay grandes sorpresas. Eso sí, se deja leer con suma facilidad, yo me lo he leído en dos sentadas. Así que siempre es bienvenida una historia más del Caballero Oscuro.
Además el apartado artístico es espectacular. Andy Kubert con el color de Brad Anderson, hacen que el Señor de la Noche luzca imponentemente.
En un futuro no muy lejano, un Bruce Wayne cansado del mundo cambia Gotham City, donde ya no le queda nadie por quien luchar, por ciudades como Londres o París. ¿El motivo? Se ha estrellado un avión y, en la zona del accidente, ha aparecido el nombre de Batman asociado a una cifra. Alguien está tratando de llamar su atención, pero ¿qué pretende la nueva amenaza conocida como Equilibrio? Con ayuda de Caballera y Escudera, el Caballero Oscuro investiga un misterio peculiar y muy relacionado con su pasado que solo podrá resolver si logra zafarse de las autoridades.
Continuamos analizando la primera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon, serie que, en su periplo por Francia, sigue a uno de los personajes más queridos y emblemáticos salidos de la serie principal de la franquicia (recordemos que en los cómics originales no existe). Y en esta segunda entrega conocemos los detalles del pasado de Isabelle. La serie, creada por David Zabel, es emitida por AMC+.
Hola otra vez, caminantes del apocalipsis. Nos volvemos a encontrar para desbrozar otro episodio de esta primera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon, en este caso el segundo, cuyo título, al igual que una tradicional canción francesa, es Alouette (Alondra).
Una entrega que, a través de la doble línea temporal, nos ha permitido explorar el pasado de Isabelle y, por extensión, el de Laurent, ayudándonos a entender el vínculo que les une y el origen de la vocación religiosa en ella. Por otra parte, continúa el viaje hacia el norte en procura de llevar al niño a destino y por el medio se cruzan de manera impensada, pero merecida, homenajes a Astérix y a la serie Mork y Mindy.
Por lo pronto, pasemos ya mismo a ver qué nos ha dejado esta entrega no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejarles link con nuestros análisis episódicos, tanto de esta serie como de las otras de la franquicia.
Comenzamos con un flashback que nos lleva a la “ciudad luz” cuando todavía lo era y la Torre Eiffel se erguía altiva y luminosa. Entre fiesta nocturna, alcohol, pastillas, línea de cocaína y música de New Order, reconocemos a Isabelle, sin hábitos y con vestido de noche.
De pronto comienza la pesadilla y lo de comenzar no puede ser más literal porque estamos en el país en que todo se inició y, por lo tanto, viendo quizás su primera manifestación. Lo que hasta hace un momento era fiesta es ahora festín de sangre mientras las calles son invadidas por caminantes y un tren que pasa pareciera rendir homenaje al filme coreano Train to Busan.
En medio del caos, Isabelle es rescatada de la calle por su novio Quinn (Adam Nagaitis) y huyen en auto. La idea es escapar hacia alguna zona apartada, pero ella no quiere hacerlo sin su hermana Lily (Faustine Koziel) así que pasan a buscarla. Ya en las afueras, esta se siente mal y descubren que tiene un avanzado embarazo que ha estado ocultando: no hace falta ser demasiado astutos para darnos cuenta de quién pueda ser el niño en camino…
El novio de Isabelle cree que lo mejor sería dejarla en alguna clínica, pues en el lugar al que van será un estorbo y no habrá forma de atenderla adecuadamente. Ella parece darle la razón, pero al primer descuido le birla la llave y huye en el auto con su hermana.
Por el camino, se detienen al ver una unidad móvil de paramédicos, pero para esta altura los mismos son ya caminantes que se les abalanzan encima e incluso uno muerde a Lily que, para colmo de males, está teniendo prematuras contracciones.
Isabelle consigue llegar con ella a un convento que ya sabemos cuál es, pero a pesar del esmero puesto por las monjas, Lily no sobrevive. Es un momento durísimo, pero una luz de esperanza se enciende para Isabelle cuando consiguen, a pesar de todo, extraerle el bebé en buen estado de salud.
No solo se queda con él, sino que además evidencia querer permanecer allí, en el lugar en que se operó el milagro por el cual el legado de su hermana sigue vivo. Mientras sostiene al niño en brazos ante una estatua de St. Laurent, ya ha decidido cuál será su nombre…
Asalto al Castillo
Vueltos al presente, Daryl y el resto discuten sobre un mapa cuál es el mejor camino para llegar a destino en el norte. Él quiere hacerlo por París porque dice que es más corto, pero Isabelle no quiere saber nada y prefiere la ruta de Angers: visto el flashback, entendemos su trauma.
En un momento, la mula que tira del carro (llamada Astérix en genial guiño) se niega a avanzar y la razón es que hay caminantes. A los efectos de que no se convierta en su alimento, Daryl la espanta y el animal echa a correr para desesperación de Laurent. Deben seguir a pie…
En los bosques son sorprendidos por una banda de niños y adolescentes con máscaras a los que lidera una tal Lou (Kim Higelin). Les llevan detenidos a su comunidad, que funciona en una antigua institución preescolar y, una vez allí, Isabelle y Sylvie deben demostrar que son monjas recitando la Oración a Sr. San José.
En cuanto a Daryl, lo presentan como un misionero llegado de América, lo cual lo pone en aprietos cuando le piden que pronuncie el agradecimiento en la mesa. Improvisa como puede y sus palabras, de tan simples, caen bien, pero ya Lou se ha dado cuenta que no es sacerdote.
Quienes viven allí son niños cuyos padres nunca llegaron a buscarlos y que a su vez acabaron amparando a otros que quedaron huérfanos. En algún momento, el lugar estaba a cargo una tal señora Dubois, pero ya hace seis meses que no reacciona y, aun cuando su estado luce irreversible, no quieren darla por muerta porque dicen que volverá. Suena disparatado pero no tanto: algo parecido ocurrió en 2014 con un gurú cuyos seguidores afirmaban que estaba meditando y tuvo que intervenir la justicia para determinar que llevaba meses muerto.
Daryl quiere una nueva mula y lo más cercano, según le informan, son los caballos de los que dispone un sujeto que vive en un castillo de las cercanías al que llaman La Tarasque. No es muy querido ya que, al parecer, exprime a la región quitándoles medicinas, alimentos y combustible. Pero Daryl ve la oportunidad y convence a Lou de guiarlo con el incentivo de conseguir los medicamentos que Dubois necesita para volver en sí: sin embargo y según le admite luego a Isabelle, sabe que no es posible.
La Tarasque es un castillo medieval protegido con una fosa recorrida por caminantes. A quienes hemos visto The Walking Dead: Dead City nos viene rápidamente al recuerdo el método similar que usaba el Croata para resguardar su fortaleza en el Madison Square Garden.
Una vez allí y sabiendo del peligro al que la expone, Daryl encierra a Lou en una de las dependencias para ingresar en soledad. Se encuentra con uno de los niños que anda hurgando por alimentos, pero alguien les está disparando. Cuando, distracción mediante, logra sorprenderle y reducirlo, se encuentra con que es un americano apellidado Gaines (Ned Dennehy).
Dice ser de Texas y estar esperando el momento de volver a su hogar, pero Daryl le anoticia de que ya no lo hay. Tiene pinta de bastante inescrupuloso y no genera confianza, por lo que lo sacan atado al carro junto con las rescatadas provisiones pero, al pasar por el puente, una de las ruedas se rompe y caen tubos de gas a la fosa de los caminantes.
El sujeto aprovecha la situación para atacar a Daryl e intentar escapar, pero acaban forcejeando y ambos caen. A Gaines le va bastante mal y acaba devorado.
A Daryl se le complica pero, afortunadamente, no parecen caminantes de los que queman y más bien es eso lo que él hace con ellos al volar de un disparo uno de los tubos y provocar un estallido que deja un tendal de zombies.
Es rescatado por los niños y, al frente de ellos, la propia Lou, que ha conseguido liberarse pero no se muestra resentida. Al regresar a la comunidad, sin embargo, la señora Dubois acaba de morir y Lou lamenta que llegaron tarde. Aun sin necesidad, Daryl siente que debe sincerarse y admite que las medicinas no la habrían salvado…
Los niños despiden tristemente a quien fuera su protectora y Lou queda definitivamente a cargo del lugar aun cuando ya lo estuviera de hecho.
Terminan disfrutando todos una función de episodios de Mork y Mindy, sitcom de finales de los setenta y principios de los ochenta que, al parecer, hacía las delicias de Daryl en su infancia y admito que en la mía también, por lo cual me parece un justo y delicioso homenaje a la serie que en su momento lanzara a la fama a Robin Williamsy de la cual los niños repiten los diálogos de memoria y hasta saludan con el clásico «nano-nano«…
Pero cuando el cuarteto quiere reiniciar la marcha, Laurent debe ser prácticamente obligado, pues quiere quedarse allí donde ha encontrado nuevos amigos y ya ni siquiera tiene la esperanza de hallar con vida a su mula tras verle muerta. Marchando a regañadientes, dice renegar de ser un niño especial y del supuesto destino de mesías que le han endilgado.
En la última escena, tenemos noticias de Codron, tras no haberle visto en todo el episodio: está escuchando las grabaciones que Daryl dejara a poco de llegar a Francia y en las cuales confiesa su intención de regresar a América. Un mapa muestra su posible camino y está claro que Codron irá tras él…
Balance del Episodio
Entrega correcta y entretenida, aunque continúan algunas inconsistencias que ya mostrara la primera que, en la comparación, termina siendo más sólida que esta. Entre lo más interesante ha estado, desde luego, el largo flashback de Isabelle que, alternándose con la línea actual, nos ha ido contando su historia. Ojo: fue bastante previsible y a cada momento sabíamos lo que ocurriría al siguiente, pero nos ha ayudado a entender el porqué de su sentir religioso y la necesidad de aferrarse a una esperanza que ve encarnarse en su sobrino al momento del “milagroso” alumbramiento.
La banda de Lou me trajo reminiscencias de la de Osa en Sweet Tooth (inclusive ella como líder) y hasta de los “niños perdidos” en Peter Pan, aunque también me vinieron imágenes de la novela El Señor de las Moscas (William Golding) o la banda de la Sinforosa en El Barón Rampante (Italo Calvino). Aun sin ser del todo original (de hecho, los niños criados en comunidad son bastante comunes en las historias postapocalípticas), era una buena idea para explotar, así como Lou un personaje interesante, pero lamentablemente ya no creo que volvamos a saber de ellos.
Más enigmática nos resulta la señora Dubois, a quien ni siquiera hemos conocido y ello nos priva de sentir lo que los niños sienten al despedirla: quizás ese arco merecía un par de flashbacks, pero al estar buena parte del capítulo ocupado por el de Isabelle, se hubiera visto algo recargado con lo que, en todo caso, podemos concluir que no fue buena idea reunir ambas historias en un mismo episodio pues una, necesariamente, pierde fuerza y es una lástima.
Vamos conociendo un poco más a Laurent y eso es bueno. No solo entendemos mejor su vínculo con Isabelle al saber que es sobrino y huérfano de su hermana, sino que además se ve interesante el propio conflicto que el muchacho tiene al querer ser un niño normal como el resto, destino que se le niega en aras de otro más trascendente, aunque de momento incomprobable. Digamos que hasta aquí no ha hecho nada especial, pero la impresión es que ya lo hará…
Sylvie, en cambio, todavía no pinta demasiado ni conocemos nada sobre su pasado o personalidad, pero se me ocurre que por algo la hicieron sobrevivir a la matanza del convento y doy por sentado que en algún momento nos pondrán al tanto.
Los villanos principales han estado desaparecidos por completo y el que pintaba para central del episodio no lo fue tanto: Gaines terminó teniendo pocos minutos en pantalla y yo lo había imaginado más como una especie de señor feudal que como un americano rústico, algo atropellado y casi estereotipo de Texas. El castillo, incluso, podría haber aportado un escenario gótico interesante, pero nos lo mostraron muy poco, aunque la voladura de zombies haya estado genial…
Pero no hemos tenido noticia alguna de Genet y apenas uno o dos minutos finales de Codron en los que no dijo palabra. No es que fuera obligatorio hablar de ellos, pero estamos ante una temporada de solo seis episodios y si van a ocupar un lugar central como villanos de la serie, ya tendríamos que irlos conociendo mejor. Ojalá así sea en el próximo…
Por otra parte, sigue sonando inverosímil que en todos los lugares que visitan hablen inglés. Incluso los niños lo hacen, lo cual Lou justifica en la oportunidad de ensayar el idioma: no sé con qué sentivo la señora Dubois se los enseñaría en un mundo devastado por el apocalipsis, pero al parecer así era. Solo en el arco de Isabelle hemos oído un par de diálogos en francés. Gran homenaje, en cambio, el llamar Astérix a la mula de Laurent, sobre todo porque el icónico y maravilloso personaje creado por René Goscinny es reconocido prácticamente en todo el mundo a excepción de Estados Unidos y ya es hora de que enmienden esa falta.
A pesar de todas esas debilidades, la serie sigue entretenida: Daryl es un personajazo, lo cual casi ni falta hace decir por lo mucho que le conocemos, del mismo modo que se perfilan bien Isabelle y Laurent, pero creo y repito que siendo solo seis episodios en la temporada, habría que acelerar ya algunas situaciones para dar forma a la idea central.
Esperemos que la próxima entrega apunte en tal sentido. Les espero cuando llegue y veremos si en efecto así es. Hasta entonces y sean felices…
Netflixha estrenado El Conde, película dirigida por Pablo Larraín (director de Spencer; no, la de Mark Whalberg no, la de Kirsten Stewart haciendo de Diana de Gales) que parte de una premisa interesante pero que se queda a medio camino de todo.
Pinochet Vampire
La premisa es que el dictador Augusto Pinochet (Jaime Vadell) es un vampiro que lleva paseando su maldad por el mundo desde los tiempos de la revolución francesa. Acorralado social y políticamente más por la corrupción que por los crímenes cometidos contra la humanidad, fingió su propia muerte y se retiró a un páramo chileno, donde acabará por desear morir mientras su mujer y sus hijos revuelven todo en busca de su herencia.
Sí, como ya he dicho el punto de partida podía dar mucho juego pero Larraín acaba por entregarnos una mezcla de géneros que no funciona más que a ratos. Y es que no sabemos si estamos ante una sátira o una película de vampiros. El Conde tiene sus momentos algo gore (tampoco muchos, la verdad) y otros de crítica pura y dura que destilan brillantez pero todo junto no consigue despegar.
Tampoco es que la cadencia de la película ayude mucho a que nos absorba la historia. El Conde se inicia con una voz en off en inglés, tal que fuese un documental, con un ritmo lento y una estética marcada por una gran fotografía en blanco y negro que es de largo lo mejor de la cinta. De repente, ese formato semi-documental da paso a una narración más de autor, con primeros planos y una puesta en escena que, junto a la estética y la inclusión de monjas exorcistas, habría hecho las delicias de Buñuel.
A partir de aquí se suceden escenas que pretenden ser más graciosas (como cuando los protagonistas tratan de justificarse) con escenas de surrealismo puro y duro (lo de la monja fornicando con Pinochet y luego vestida de María Antonieta no lo hubiese superado el maño)
Pinochet: la mascarada
Con todo, hay que reconocerle a Pablo Larraín que se moja (y mucho) a la hora de retratar a Pinochet y su familia como lo que verdaderamente fueron, aunque puede que también se le pueda acusar de frivolizar con un tema demasiado serio como es la dictadura chilena.
Y es que si a mitad de la cinta, con el cara a cara entre Carmen (la monja exorcista interpretada por Paula Luchsinger) y los hijos de Pinochet, te arranca una sonrisa y te muestra de qué pasta estaban hechos y qué piensa el director de ellos, al final la cosa se va de madre, con esa explicación de quién es la voz en off, cayendo en un mensaje demasiado burdo para lo que nos ha venido contado (si, más aún).
En fin, que El Conde es puro cine de autor de esos que no abundan en Netflix, una mezcla de géneros que no acaba de definirse y una película no apta para todos los paladares, a pesar de ganar el premio del Festival de Cine de Venecia al mejor guión. ¿Valen la pena sus casi dos horas de duración? Sinceramente, le sobran minutos como también pretenciosidad y le falta humor, pero tampoco es un desastre y no tiene uno la sensación de haber perdido el tiempo.
Eso sí, películas que pongan en solfa a dictadores las tenemos mucho mejores y uno no puede evitar pensar en esa obra maestra de Antonio Mercero que es Espérame en el cielo, donde se cachondeaban de Franco a base de bien sin caer en la frivolidad. A Larraín le ha faltado eso: humor, aunque pueda que las heridas estén aun demasiado recientes. Un saludo, sed felices.
‘Yara’ es el nombre de este spin-off de ‘Barbarian King’ que nos ha llegado de la mano de Leviathan Labs en un formato rustica de 140 páginas.
‘Yara’ ha venido para ampliar el mundo creado por Robert E. Howard sin que el Cimmerio favorito de los amantes de la fantasía haga acto de presencia. Tampoco lo hemos echado en falta en esta historia.
La trama nos lleva a conocer a Yara, un joven que pronto se verá llevado por la rama laboral del latrocinio cuando pierde a su padre (y al resto de conocidos) durante un ataque a una tribu. El joven deberá crecer tratando de sobrevivir en un mundo que no es fácil para los débiles y esto le llevará a conocer a un mago que lo instruirá en los conocimientos de la magia.
El universo de Conan es un tipo de fantasía oscura, como serían las obras de Michael Moorcock, así que todo se torcerá y las aventuras y desventuras de Yara van a estar repletas de lugares poco acogedores y poderes oscuros que flirtean con otros universos terroríficos como serían los creador por H.P. Lovecraft.
Con esto os podéis hacer una idea de los caminos que recorre la historia creada por José Luis Vidal durante el periplo de nuestro protagonista. Pese a los oscuro y sucio del mundo que se presenta en ‘Yara’, la narración es ágil y repleta de momentos intensos y de acción que no van a dejar que nos despeguemos de las páginas.
Además de un universo muy rico y cautivador, en este cómic, nos encontramos con un protagonista que cabalga entre el gris y el negro y pese a que pueda parecer difícil empatizar con él, el guion consigue que nos interesemos por las situaciones peligrosas que vive. Teniendo en cuenta mi fascinación por este tipo de personajes, pues he de decir que Yara me parece muy interesante.
Si hablamos de las virtudes que tiene este cómic de Leviathan Labs, no podemos olvidar su apartado visual que es muy, pero que muy sólido. Manuel Espinosa al dibujo y Alicia Soria al color nos meten de llenos en ese mundo sucio y brutal con esos colores y trazos tan oscuros y emborronados que le dan un plus a la historia de Vidal.
Mucho predominio de los colores térreos para darle a ‘Yara’ la pátina perfecta para narrar lo que ocurre en las viñetas de este cómic.
Conclusión
‘Yara’ es un spin-off que nos deja con muchas ganas de conocer y descubrir más cosas de este universo expandido de Robert E. Howard.
La personalidad y la historia del protagonista encajan a la perfección con ese mundo tan brutal, cruel y sucio que conocimos con ‘Conan’.
Tanto el dibujo de Manuel Espinosa como el color de Alicia Soria en ‘Yara’ son perfectos para traernos de vuelta ese mundo fantástico tan poco ‘family friendly’.
Pese a lo simple de la trama, consigue meternos de lleno en ese universo tan reconocible y tiene los mimbres suficientes para que nos sintamos muy atraídos por los que se nos cuenta en sus páginas.
Si he de ponerle una pega a ‘Yara’ viene de la mano de su formato de edición, ya que nos encontramos con un tomo de dimensiones inferiores a las de una grapa o rústica estándar (16,8 x 25,8 cm). Siento decir que no soy muy fan de las publicaciones ‘jibarizadas’, pese a que tengo algún tomo de DC Pocket. Este sería el punto negativo de este cómic de Leviathan labs.
‘Mortal Kombat 1’es el reboot de la franquicia de NetherRealms Studios tras los acontecimientos de Mortal Kombat 11 y su expansión Aftermath. Este nuevo título representa una vuelta a los orígenes aunque con ligeros (y no tan ligeros) cambios que puede que no sean los agrados de todos los fans de ‘hueso colorao’.
Lo que está claro es que el equipo liderado por Ed Boon ha sabido reinventarse y colocar a la franquicia del Fatality en lo más alto de mundo de los videojuegos.
Tras haber podido darle mucho amor a este nuevo título que ha salido hoy mismo a la venta (quienes adquirieron la versión Premium llevan unos días disfrutando ya de Mortal Kombat 1) quiero traer mis impresiones sobre lo nuevo de Liu Kang y compañía.
Empecemos por la jugabilidad que pese a los cambios que nos trae, es bastante continuista con lo que llevamos viendo en los títulos anteriores. Teniendo en cuenta que le ha ido funcionando muy bien, cambiarlo ahora podría haber sido contraproducente. Sobre la base planteada han ido implementando nuevas mecánicas de juego y dando mucha fuerza a los combos.
El elemento más novedoso son los luchadores Kameo que aparecerán para ayudarnos cuando lo requiramos con el uso de un único botón (R1 en PS5). Pero no solo nos ayudarán, sino que son sus ataques podremos realizar combos más largos y dañinos a nuestros oponentes y eso le da mucha agilidad al combate. Es todo un acierto de cara a la estrategia del combate el haber implementado el uso de estos luchadores de apoyo.
Una vez que hayas combatido en un par de ocasiones con tu personaje favorito, te darás cuenta que el manejo es bastante sencillo para toda las posibilidades que nos trae ‘Mortal Kombat 1’. Todas esas opciones harán de cada enfrentamiento de todo un espectáculo visual brutal.
El modo historia sigue siendo una de las partes mejor cuidadas de ‘Mortal Kombat 1’ como en sus predecesores y nos mete de lleno en una trama repleta de giros, traiciones y cinemáticas dignas de una película de Hollywood. Motivo que hace que me pregunte por que no se plasma algo así de bien cuidado en las adaptacionesque hemos visto de esta franquicia.
NetherRealm ha mejorado mucho al entrelazar las peleas en la narrativa y eso va hacer que los fans disfrutemos muchísimo. También es cierto que quizás algunos cambios que se han realizado con la historia de algunos personajes, y en su diseño, puede que deje a algún fan muy descolocado.
Todo está completamente traducido y doblado al castellano con un trabajo bastante bueno aunque he de mencionar que hay ciertos personajes que tienen voces demasiado similares, que da la sensación de estar siendo interpretados por el mismo actor tratando de poner una voz diferente.
Me ha parecido muy curiosa la forma en la que ‘Mortal Kombat 1’ ha implementado los ‘Test your might’ dentro de la trama del modo historia.
El modo Invasiones te permite embarcarte en una misión a través de los reinos, completando varios desafíos para obtener un montón de recompensas en el juego. Estas pruebas creativas van desde peleas sencillas y difíciles batallas contra jefes de varias fases hasta pruebas de supervivencia para esquivar obstáculos y encuentros de ‘Test you might’. Este modo vendría ser el sustituto de la ‘Kripta’ que hemos tenido en los títulos anteriores.
Para los más tradicionales, ‘Mortal Kombat 1’ trae de vuelta las Torres estilo arcade para un jugador.
Hace más de 30 años Ed Boob y John Tobias crearon un juego que ha superado la barrera del tiempo y se ha convertido en todo un referente y que a día de hoy goza de una salud inmejorable y que se ha convertido en algo más que un juego en el que se realizan fatalities.
‘Mortal Kombat 1’ es un juego excelente que va a gustar a todos los fan de la saga, además solo por los guiños de Johnny Cage a títulos del mundo de celuloide como Indiana Jones, Alien o Star wars, ya merece la pena.
A unos tres meses de su estreno, Disney+ nos presenta lo que parece el tráiler definitivo de Percy Jackson and The Olympians, la serie basada en los libros de Rick Riordan que está llamada a petarlo en la plataforma. O por lo menos eso esperan sus responsables.
Basada en la saga que nos cuenta la historia de Percy Jackson, hijo de Poseidón, la nueva serie está protagonizada por Walker Scobell, Leah Sava Jeffries y Aryan Simhadri en sus principales papeles (Percy, Annabeth y Grover), secundados por un reparto donde destacan Toby Stephens como Poseidón y el añorado Lance Reddick en su último papel, el de Zeus.
Percy Jackson and The Olympians cuenta con Jonathan E. Steinberg (Black Sails y The Old Man) como principal productor y lo más importante, con el beneplácito de Rick Riordan, que nunca quedó contento con las adaptaciones de los dos primeros libros que se realizaron para la gran pantalla.
Os dejamos con el nuevo tráiler de Percy Jackson and The Olympians . Su estreno, el 20 de diciembre en Disney+, con los dos primeros episodios. Un saludo, sed felices.
