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Análisis de The Walking Dead. Temporada 11. Episodio 24. FINAL DE LA SERIE

Bienvenidos al análisis de “Descanse en paz”, vigesimocuarto capítulo de la temporada once de The Walking Dead y final de una serie mítica que ha venido acompañados, con mayor o menor fortuna, desde hace la friolera de 12 años, que se dice pronto.

Aquí puedes ver los análisis de los episodios anteriores de The Walking dead

La acción continua directamente del final de episodio anterior, con Daryl logrando llegar con Judith en brazos hasta un hospital al que poco a poco logran ir llegando los demás. Entre ellos, Rosita, Gabriel y Eugene, que antes han tenido tiempo para ir al lugar donde estaban los niños salvando a Coco antes de que sea devorada por los caminantes. Hace poco que recuperamos a Jules y Luke, pues bien, su vuelta solo ha servido para verlos morir en los primeros minutos de este capítulo. Hay momentos de tensión muy emocionantes cuando un caminante inteligente rompe las puertas de cristal de hospital y nuestros protagonistas tienen que huir luchando por los pasillos. Estas escenas recuerdan los mejores momentos de acción de la serie, cuando la lucha por la supervivencia contra los zombies era el principal motor del programa.

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Daryl llega al hospital con Judith en brazos

Por otro lado, Princesa y Max liberan a Mercer de su celda e intentan reunirse con sus compañeros. Al final, de una manera que no queda demasiado clara, todos los protagonistas acaban en la zona rica de La Mancomunidad, esa que Pamela ordenó fortificar ante el avance de los caminantes. Es lo que tiene manejar tantos personajes, que es muy complicado saber llevar bien todas sus idas y venidas.

Cae la noche sobre la Mancomunidad y en esos breves momentos de paz el hermano de Yumiko intenta curar a Judith. Mientras, Rosita tiene una emotiva conversación con Eugene en la que le confiesa que fue mordida con un zombie cuando lucharon por llegar al hospital. La brava mujer quiere que no lo sepa nadie para vivir sus últimos momentos en paz. Negan por su parte se ofrece a Maggie para ir en solitario a matar a Pamela pero ella le acompaña para buscar un lugar desde el que poder disparar a Pamela y acabar con todo.

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Rosita intentado llegar al hospital con Coco en brazos

En esos momentos la situación empieza a ser desesperada ya que los habitantes que han quedado fuera del recinto vallado suplican entrar ante el avance de los caminantes. Mercer decide que ya es hora de enfrentarse a Pamela y ofrece a los supervivientes una salida, pero Ezekiel se niega diciendo que ya es hora luchar por tener algo mejor, por buscar un lugar en el mundo en el que asentarse definitivamente y que ese lugar debe ser La Mancomunidad. Todos los demás están de acuerdo con él y se ofrecen a ayudar a Mercer.

En la valla se viven momentos de angustia, con la gente empujando para entrar ante la negativa de Pamela. Nuestros protagonistas llegan para intentar convencerla de que tiene que abrir las puertas, aunque la gobernadora, loca de furia, no se deja convencer. Y mientras, Maggie la tiene en su punto de mira.

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La situación comienza a ser desesperada

Al final, gracias a la insistencia y a la labia de Daryl y Gabriel, logran convencer a Pamela de que les de las llaves para abrir las puertas. Muchos habitantes entran aliviados al reciento y entre ellos tenemos a Jerry y a un Elijah que se funde en un amoroso abrazo con Lydia. Cuando vuelven a cerrar las puertas los zombies se amontonan contra la valla y Pamela se acerca al ver entre ellos a Lance. Está a punto de entregarse a él para que le muerda. Pero Judith, ya recuperaada, le grita que no es demasiado tarde y tiene que luchar por todos los ciudadanos y Maggie dispara a la cabeza de Lance recuperando a Pamela de ese duro trance.

Es el momento de idear un plan para acabar con la horda. Se inundan las alcantarillas con gasolina y se abren las puertas para atraer a los caminantes con música mientras todos buscan refugio. Entonces se detonan unos explosivos que destruyen todo el lugar con una espectacular explosión que se lleva por delante a todos los zombies. Después llega el momento de asumir las consecuencias y Pamela es hecha prisionera mientras intenta exponer su punto de vista ante una impasible Maggie.

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La hora de zombies acaba muy quemada

Después Maggie tiene una conversación que tenía pendiente desde hace mucho con Negan. No puede perdonarle por la muerte de Glenn, pero sabe que el antiguo villano sigue intentando lograr la redención y ya no es el mismo hombre que fue, que ahora es mejor persona. Incluso está agradecida por que salvó a su hijo. Por eso le dice que no quiere seguir odiándole, pero no puede pasar página. Se ha ganado su sitio y puede quedarse con Annie y su hijo, pero nunca tendrá su perdón.

Llega el momento de la celebración, con todos los supervivientes reunidos en una mesa (y con Negan marchándose con la aprobación de Daryl). Rosita le cuenta a Gabriel que esta infectada y Judith se da cuenta. Entonces la llevan a una habitación donde se despide de sus amigos y su hija Coco. Al final se queda con Eugene, su más antiguo compañero, ese que le confiesa que ahora es mejor hombre gracias a ella. Y el que se encarga entre lágrimas de acabar con ella.

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Maggie y Negan tiene la convensarción que debían tener hace tiempo

Después, la serie da un salto temporal de un año en el que vemos que Max y Eugene han tenido una niña a la que han llamado Rosie en honor de su amiga. La Mancomunidad ha sido reconstruida y ahora Ezekiel es el gobernador y Mercer el vicegobernador. Connie ejerce de periodista y Daryl se dedica a patrullar la frontera. Vemos a Judith recibir un paquete con una brújula y una carta de Negan en la que se la devuelve y de las gracias por dejar que la use.

Otros supervivientes han reconstruido Alexandria donde Aaron y Maggie ejercen de lideres. Reciben la visita de sus compañeros de La Mancomunidad llevándoles suministros. Daryl se despide de su gran amiga Carol en un momento realmente emotivo en el que los dos personajes se dicen que se quieren y se funden en un sentido abrazo antes de que el bravo superviviente se marche solo en busca de Michonne y Rick para volver a llevárselos a RJ y Judith.

Como colofón tenemos la aparición de Michonne y Rick en dos escenas independientes. En la de Rick le vemos justo cuando se supone que murió, en la explosión del puente lleno de zombies cogiendo un móvil que luego será el que Michonne encuentre con un mensaje que le haga ir en su busca. Posteriormente parece que sigue huyendo de los que le capturaron, aunque un helicóptero le dice que se dé por vencido, que los vivos no tienen escapatoria. Michonne sigue sin darse por vencida, buscando a su amor sin descanso vestida con una llamativa armadura y enfrentándose a caballo con una horda de zombies.

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Un vistazo a Rick con una chaqueta con el simbolo de la CRM

Valoración final

Pues ahora si que sí, se acabó lo que se daba. The Walking Dead ha llegado a su final con un episodio que sirve para cerrar las tramas abiertas y que además planta las semillas de los spin-off que llegarán más adelante.

¿Estamos ante un buen cierre? Creo que se han cerrado bien casi todas las historias y hemos tenido momentos muy emotivos. Lo malo es que como se veía venir, ha sido demasiado apresurado. Es cierto que hay secuencias muy buenas, como el momento en que Rosita, Gabriel y Eugene llegan al hospital o la huida de todos los supervivientes por los pasillos de este mientras van acabando con los zombies. Pero la primera media hora del capítulo es un ir venir de gente de un lado a otro sin que en muchas ocasiones el espectador sepa donde están los personajes o como llegan a los sitios donde aparecen.

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Toda la escena del hospital es muy emocionante

Una vez que están todos juntos a salvo tras las vallas, sí que hay una sensación de control que hace que esas escenas funcionen mucho mejor. Los diálogos entre nuestros protagonistas y Pamela justo antes de que esta les entregue las llaves tienen mucha fuerza y respetan el mensaje final que la serie quiere dar. Todos juntos somos más fuertes, y sólo con esa unión, construyendo algo nuevo y mejor, vamos a poder sobrevivir en este mundo. Lo malo es que de nuevo se caen en las prisas para solucionar la invasión de la horda con una explosión que es espectacular pero que sabe a poco.

Es un poco inverosímil que, con todo lo que pasa, con la situación tan desesperada en la que se encontraban nuestros protagonistas, solo Luke y Jules acaben muriendo. Eso me parece un gran fallo. Alguna muerte más hubiera sentado muy bien a este desenlace.

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Pamela Milton se derrumba al final

Por otro lado, era virtualmente imposible que todos los personajes tuvieran tiempo para lucirse. Estamos ante una serie con un reparto muy pero que muy coral. Y eso hay que asumirlo. Al menos, el cierre de la historia de Rosita es magnífico y muy emotivo, con unos diálogos con Eugene que ponen la carne de gallina.

Lo que si es positivo es el epilogo en el que vemos como quedan las cosas un año después. Ezekiel es una elección muy buena para ser el nuevo gobernador, y más con Mercer de mano derecha. Vemos que todas las comunidades están colaborando entre ellas y parece que el mensaje de unión ha calado. La visión que Rick tenía, de paz y colaboración, es la que cierra la serie con un final esperanzador.

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Judith representa el futuro

Y además se presentan las semillas para las nuevas series de la franquicia. Por un lado, la de Daryl en solitario. Un proyecto en el que en principio iba a acompañarle Carol pero que al final contará solo con el maestro de la ballesta como protagonista. Por eso cobra especial importancia esa despedida final entre dos personajes que han demostrado tener una química especial más allá de lo romántico.

También vemos a Maggie estableciendo un punto y a parte en su relación con Negan. No lo puede perdonar, pero al menos acepta su presencia y se abre a colaborar con él. Algo que veremos en la serie en la que estos dos personajes viajaran a Nueva York.

Y por último tenemos ese epilogo que nos aclara un poco la situación de Michonne y Rick de cara a la serie en la que suponemos que por fin se encontrarán y que nos dará respuestas sobre la misteriosa organización que rescató a Rick. Recordemos que el primer proyecto era hacer una trilogía de películas contando la historia de Rick, pero finalmente se desechó esa idea.

Aunque The Walking Dead ha terminado, su universo sigue muy vivo y vamos a ver a sus protagonistas en muchas series en un futuro cercano. Ahora serán los espectadores los que decidan si quieren seguir a Daryl, Michonne, Rick, Negan y Maggie en sus nuevas aventuras o si ya ha llegado la hora de dejar este universo en paz.

Una breve opinión general sobre The Walking Dead y su camino

No podemos olvidar por último todo lo que ha supuesto esta serie. Recordemos que cuando empezó era un producto muy de nicho. Una serie de zombies que además adaptaba un cómic. Nada hacía presagiar el enorme éxito que fue cosechando, pasando de ser una serie de género a una producción mainstream de esas que hacían que la gente buscará la plataforma o el canal donde se emitía. El problema es que todo lo que sube, acaba bajando y The Walking Dead fue muriendo de éxito poco a poco. Los villanos humanos se fueron haciendo cada vez más peligroso y más protagonistas, dejando de lado a los zombies como gran amenaza. Eso nos permitió conocer a gente tan malvada con el Gobernador, Negan, Alpha o Pamela Milton.

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Una amarga celebración final

Pero cuando más atractivos eran estos villanos más importancia se les daba algo que se llevó hasta cotas insospechadas con Negan. Un malvado carismático que se comió el programa y que hizo que el enfrentamiento de los protagonistas contra él y sus Salvadores se prolongase durante varias temporadas alargando las tramas como un chicle y provocando que los espectadores se fueran aburriendo y abandonando la serie en masa. Además, cada vez había más y más personajes, de tal manera que era imposible dedicar tiempo a todos ellos para que fueran creciendo de manera orgánica. Algunos protagonistas han ido teniendo un arco argumental a lo largo de las temporadas que les ha permitido evolucionar muy bien (por ejemplo, Gabriel o Eugene), pero otros parece que sólo son parte del decorado general de la serie (Aaron o Rosita, aunque al menos esta tiene un gran final).

Cuando los responsables se dieron cuenta del problema y finiquitaron la historia de los Salvadores la serie ya estaba herida de muerte. Tampoco ayudó la marcha de los protagonistas, sobre todo de un Rick que ya estaba más que amortizado. Al menos las últimas temporadas han sido bastante buenas y se han podido sobreponer a los problemas con tramas más agiles, pero el público que se fue ya no volvió, así que ya era hora de cerrar una serie que sin duda pasará a la historia de la televisión.

«Los 4 Fantásticos: toda una vida», de Russell e Izaakse. El mundo (mejor) merece ser salvado.

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

«Spiderman: toda una vida» de Zdarsky y Bagley sorprendió a mucha gente. Y lo hizo para bien, especialmente para los más viejos aficionados a sus cómics. La idea no era original como recordó Máximo Simancas en el post sobre el cómic que hizo en esta sacrosanta casa, ya se le había ocurrido a John Byrne en DC. En resumen, relatar la historia del personaje más emblemático de Marvel pero con el paso del tiempo envejeciéndole. A él y a todo el Universo Marvel. Más allá de esto, que sería anecdótico en casi cualquier caso, Zdarksy consigue sintetizar el heroísmo de Peter Parker en cada época, oponiéndole cada vez más dificultades personales, más decepciones con la edad, más cambios naturales cuando alguien envejece. Es la historia alternativa definitiva del personaje, que tiene toda la esencia del mismo pero quitándole la inevitable ingenuidad de sus inicios y no cayendo en vicios cínicos ni nihilistas. Al contrario: pocas veces Peter Parker ha sido más heróico, más noble, más inspirador.

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Hemos tenido múltiples reediciones y ha sido todo un éxito merecidísimo de ventas. Incluso hemos tenido un spin-off de J. Jonah Jameson. Y aunque Spider-Man es el mascarón de proa de Marvel, el emblema y el que más ha vendido siempre son otros los que lo empezaron todo. En concreto cuatro personas. Y eso nos lleva al siguiente «Toda una vida» que hemos podido leer, el de Los Cuatro Fantásticos. Con la misma idea del de Spider-Man: contar la historia de la primera familia de Marvel con todos los personajes envejeciendo y con cada época cambiando a su alrededor.

En este «Toda una vida» el guionista, Mark Russell, tiene un enfoque distinto de esta idea respecto al Spider-Man de Chip Zdarsky antes mencionado. El «Toda una vida» de Spider-Man recoge hechos de los cómics de cada década y los encaja en el envejecimiento y evolución alternativa del personaje. En el de Los Cuatro Fantásticos no es así. Es decir, en Spider-Man sí se requería estar un mínimo al tanto de lo que pasó en los cómics, mientras que en Los Cuatro Fantásticos el ejercicio de paralelismos es mucho más débil. Es decir, que es mucho menos dependiente de haber leído o de conocer sus cómics anteriores. El que alguna vez se leyera alguno de joven y lea esto no se perderá mucho, cosa que quizás con el de Spider-Man sí lo haga.

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Mientras que en el «Toda una vida» de Spider-Man el envejecimiento de Peter y sus allegados va en paralelo al aumento de la dificultad y del mérito para tener comportamientos heróicos en el de Los Cuatro Fantásticos el tema principal es otro. No es ese arrastrar cargas, decepciones, engaños y achaques para que cada vez la lucha contra el Mal sea más épica. Aquí casi desde el principio se habla de otro tema, por más que las cosas icónicas tengan un encaje bien pensado y hasta divertido (como por ejemplo el porqué de los trajes).

Y el tema es salvar al mundo de un desastre global que se ve con décadas de antelación, en un paralelismo no explícito pero evidente con el cambio climático (de hecho en esta historia Tony Stark acaba con el problema del cambio climático). En este caso el desastre es la llegada de Galactus, que en los cómics originales sale en el número 48 de Los Cuatro Fantásticos y aquí no llega al enfrentamiento hasta el final del cómic, en la década de los 2000. Pero sabemos de su existencia desde el principio, desde 1960. Toda la historia gira en torno a cómo enfrentarse con mucha antelación a una fuerza de la naturaleza que destruirá todo. También a si tiene sentido hacerlo o para qué exactamente se va a salvar el mundo, si para dejarlo tal cual nos vale o si hay que mejorar el mundo para que merezca ser salvado. En definitiva, a si el heroísmo, el sacrificio personal para ayudar al bien común o la idea de que para defender al mundo también hay que defender que éste sea un sitio mejor siguen teniendo sentido en 2022.

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Este «Toda una vida» más que centrarse en la evolución de Los Cuatro Fantásticos envejeciendo y afectando al universo lo que hace es mostrar el espíritu de cada época a través de la preparación durante décadas antes de la llegada de Galactus (que pocas veces ha sido tan amenazante), aunque cada uno de los cuatro personajes tiene una constante que se mantiene gran parte del cómic. El sacrificio sin fin de Reed Richards en cada época por preparse para Galactus, el activismo de Sue Richards a favor de cambiar el mundo a mejor, el proceso de quitarse los traumas personales de Ben Grimm y el teórico cinismo optimista de Johnny. Cada número es una década y cada una empieza con cosas comunes (cada nuevo gobierno de los EEUU da largas a Reed Richards sobre la importancia de prepararse para Galactus), algún paralelismo débil respecto a la historia de los Cuatro Fantásticos (sí, aparece la más famosa muerte, pero sucede de un modo totalmente distinto y yo creo que mucho mejor), se nos esboza el espíritu sociológico de la época en pocas viñetas y vemos avanzar la trama y los cambios en cada uno de los cuatro protagonistas.

En este «Toda una vida» veremos la ingenuidad pop de los sesenta en el atrevimiento casi adolescente de los protagonistas en hacerse con el cohete que les llevará a su transformación en superhéroes. Los setenta traen el activismo político de Susan Storm, de Namor y de Pantera Negra…y también el de Victor Von Muerte, que con su particular teoría de qué hacer para salvar a la Humanidad de Galactus dará varios giros de tuerca que encajan con la más clásica y mejor versión del personaje (su plan final es tan escalofriante como lógico viniendo de alguien como él). Los ochenta nos traen las lógicas de la Guerra Fría y de las horribles consecuencias del poder atómico. Los noventa aparece como la década del optimismo, del avance tecnológico como solución a los problemas de la humanidad, de la felicidad y del amor…hasta el cambio de siglo que llevará a la más profunda desesperación a la Humanidad en los 2000 y al apocalipsis en 2010. Este «Toda una vida» es un estudio de libro de transmisión del estado de ánimo sociológico estadounidense (y quizás occidental, con sus matices) en cada época. En eso es fantástico y maravilloso, en su uso de historias superhéroicas para ir ilustrando y sintetizando el espíritu estadounidense de cada época.

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Quizás nos acostumbramos en su día con Bagley a que cada época tuviera matices de dibujo que recordaran al tipo de forma de dibujar de cada época, más aún siendo él mismo uno de los dibujantes históricos de Spider-Man. Quizás por ello este cómic, estando bien dibujado en un sentido clásico (hubiese sido impensable poner a alguien como Humberto Ramos) y bien narrado deja un sabor amargo en ese sentido. ¿Hubiese ganado más? No lo sé. Pero es cierto que el casi recorrido paralelo del «Toda una vida» de Spider-Man aquí no existe, va de otra cosa, como ya hemos repetido.

Los Cuatro Fantásticos son la primera familia de Marvel. Es su esencia, una familia de aventureros y exploradores del Universo. En este «Toda una vida» lo exploran, pero también exploran su interior personal (Ben Grimm), el corazón de las personas para mejorar el mundo (Susan), el ánimo de la gente para disfrutarlo (Johnny) o la propia realidad para enfrentarse a ella misma (Reed). Queda claro en el cómic, en la mejor tradición humanista e ilustrada de Marvel, que los conflictos humanos, peleas y discusiones forman parte de la normalidad humana. Comprenderlo y aceptarlo es el paso previo para poder querer tanto al ser humano como para querer protegerlo de los peligros espantosos que nos esperan. Y esto tendrá que ver con la gestión de los conflictos, con aceptar que son inevitables. Los supervillanos, otra vez, tratan de acabar con todo conflicto, toda división y todo trámite burocrático a las bravas y liderando ellos la teórica solución, aún a costa de imponerla a los demás violentamente.

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Si algo le podemos reprochar a este «Toda una vida», que sigue una senda valiente y honesta como el de Spider-Man, es que el momento de climax, el enfrentamiento de Galactus, es bastante decepcionante. Lo es hasta el punto que el momento más recordable al final es el de Johnny Storm justo en el número anterior. Es una auténtica pena porque es un lunar enorme en una historia que pone otra vez sobre el tapete el enorme precio que hay que pagar para combatir y vencer al Mal, como no podía ser de otro modo.

Sed felices.

Retro-Análisis: La Familia Addams (1991), una mirada a los sesenta con ojos de los noventa.

Por estos días Netflix ha estrenado Miércoles (en breve nuestro análisis en esta web), serie que, desarrollada por Tim Burton, redescubre a uno de los personajes más queridos y emblemáticos de La Familia Addams, de la cual oficia como spin-off . Oportunidad inmejorable para repasar en esta sección el remake que de la serie sesentera hiciera Barry Sonnenfeld a principios de los noventa.

Tal vez no todos sepan que La Familia Addams (Los Locos Addams para América Latina) nació en realidad en el cómic y originalmente no tenía apellido. Fue al ser llevada a serie televisiva por ABC en 1964 que se decidió darle el de su autor Charles Samuel Addams, así como nombres diferentes a los personajes. El estilo de humor que encarnaban era muy de la época: parodia de familia tipo de clase media americana en un contexto absurdo que podía ser la prehistoria, el futuro, una isla desierta o, como en este caso, una lóbrega mansión gótica.

Cuando a principios de los noventa llegaron por primera vez al cine, era inevitable que fueran aggiornados a los nuevos tiempos, sobre todo a la comedia negra que venía dando buenos resultados desde finales de los ochenta con filmes como Bitelchús (Tim Burton, 1988) o La Guerra de los Rose (Danny DeVito, 1989), caracterizados por insertar el humor en situaciones siniestras o escabrosas: esa incorrección de reírse de lo que no se debiera y que justamente suele ser llamada humor negro.

Era impensable que a nadie se le ocurriera en tal contexto rescatar a La Familia Addams para un remake cinematográfico ya que, tanto estética como argumentalmente, la tendencia les calzaba como anillo al dedo. También era esperable que, en función de los tiempos, el humor negro de la historia original fuera llevado algún escalón más arriba, haciéndolo menos inocente.

Alcanza con ver la primera escena en que, desde su tejado, los Addams están a punto de hacer caer algún potaje poco amistoso sobre un grupo de vecinos que entona villancicos navideños a sus puertas. Esa escena no se continúa y no hay forma, por lo tanto, de saber si alguien quedó ciego, con llagas de por vida o directamente murió.  Así, precisamente, funciona el humor negro; la hilaridad nace del carácter inconcluso de las situaciones y no sería tal si tuviéramos a la vista las consecuencias de las mismas.

Elenco Nuevo para Personajes largamente conocidos

Originalmente el proyecto del remake nació de la productora Orion, que tenía en su poder los derechos de la serie original, pero sus problemas financieros llevaron a que fuera acabado por Paramount, siendo esta última quien se quedó con los derechos de distribución para América del Norte, mientras que Orion los retuvo para el resto del mundo.

La película estaba producida por Bonnie Arnold, que venía de ser productora ejecutiva en la oscarizada Bailando con Lobos y desarrollaría después vasta trayectoria en el cine de animación para Disney, Pixar y DreamWorks. La dirección corría por cuenta de Barry Sonnenfeld, que debutaba en tal menester, pero acreditaba larga carrera como director de fotografía a través de títulos como Tira a Mamá del Tren, Cuando Harry conoció a Sally o Misery.

La historia, que se inicia en navidad y termina en Halloween, echa mano, por supuesto, de los personajes clásicos de la serie, siendo los roles principales ocupados por Raúl Juliá como Gomez Addams (Homero para América Latina) y Anjelica Huston como Morticia.

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Los hijos del matrimonio son interpretados por Christina Ricci en el rol de Miércoles (Merlina para América Latina) y Jimmy Workman en el de Pugsley (Pericles para América Latina). La primera venía de un debut cinematográfico como hija de Cher y hermana de Winona Ryder en Sirenas (Richard Benjamin, 1990); el segundo era un completo debutante que ni siquiera se había presentado al cásting sino que acabó seleccionado por casualidad tras haber acompañado a su hermana (Ariel Winter) a audicionar para el papel de Miércoles, en que finalmente no quedó.

La artista de teatro vanguardista Judith Malina es quien da vida a la excéntrica abuela y será posteriormente reemplazada en la secuela por Carol Kane: particularidad especial del personaje el que, entre pantalla chica y grande, haya sido interpretado por cinco actrices diferentes y la única que lo ha repetido en el cine es Bette Midler, dándole voz en las versiones animadas de 2019 y 2021.

Lurch, el mayordomo de cadavérico aspecto que es uno de los pocos que tiene un nombre atinado para América Latina (se le conoce allí como Largo, lo cual capta bien la similitud fonética entre “lurch” y “large”) es encarnado por Carel Struycken, mismo que diera vida al señor Homn en la serie Star Trek: La Nueva Generación, en la cual, sumadas todas sus apariciones, tenía solo una línea de diálogo. No es muy diferente aquí pues, al igual que en la serie de los sesenta, el mayordomo de los Addams siempre responde con expresiones aisladas o monosílabos guturales en tono de quejido. Y toca el clavicordio, por supuesto…

También está presente Cosa (conocido como Dedos para América Latina), quien, al igual que en la serie, es una mano sin cuerpo, pero en lugar de estar dentro de una caja o en el buzón recibiendo la correspondencia, se desplaza libremente por todos lados caminando sobre sus dedos merced a la tecnología digital. Solo como guiño, en un momento del filme en que, caídos en desgracia, los Addams se ven obligados a buscar trabajo, aparece desempeñándose para una conocida compañía de correos.

No puede faltar Eso Addams, personaje indefinible que es básicamente una catarata de pelos y habla una lengua absolutamente ininteligible salvo para su familia. En la más desacertada de las traducciones para Latinoamérica, es rebautizado como Tío Cosa, lo cual no solo le cambia el parentesco (es Cousin-Itt en el original, algo así como “primo eso”), sino que además crea confusión, justamente, con Cosa.

¿Y qué pasa con el Tío Fétido (Tío Lucas para América Latina)? Pues si lo he dejado para el final es por algo y es que la película comienza con su personaje desaparecido desde hace ya veinticinco años en el Triángulo de las Bermudas y luego de un conflicto familiar que lo enfrentara con su hermano Gomez por una cuestión de herencia. Es una ausencia fuerte, pero con un lugar central en la historia que se cuenta.

La Historia

Un abogado inescrupuloso llamado Tully (Dan Hedaya), del cual los Addams son clientes, ha descubierto que en alguna parte de la casa la familia tiene guardado un tesoro en doblones y, dado que él se encuentra en serios problemas y acuciado por deudas, ve tentadora la posibilidad de sustraérselos en caso de lograr averiguar dónde lo ocultan.

Y aquí es donde entra a jugar el Tío Fétido, pues Abigail Craven (Elizabeth Wilson), la usurera a quien Tully debe dinero, tiene un hijo adoptivo algo tonto al que llaman Gordon (Christopher Lloyd) y que, de acuerdo a las fotografías que pueden apreciar, es un calco del desaparecido pariente de los Addams. En complicidad con su esposa Margaret (Dana Ivey) y con la propia Abigail, la idea de Tully es introducirlo en la casa a través de una falsa sesión de espiritismo para hacerlo pasar por Fétido con la doble finalidad de que descubra los doblones y pueda además quedarse con la propiedad del inmueble al ser Fétido hermano mayor de Gomez y, por lo tanto, principal heredero.

El engaño comienza funcionando bien, pero no todo lo deseado. Gordon es torpe y las costuras se le notan cada vez que desconoce algún hecho del pasado e intenta camuflarlo como amnesia. Y Miércoles, ya desde un principio, intuye que no es él y poco a poco irá convenciendo de ello al resto de la familia.

Pero allí no acaba la cuestión, sino que Fétido, además, está cada vez más cómodo entre ellos, con quienes se siente mejor tratado y contenido que con su familia adoptiva. Ello le lleva a dudar de seguir adelante con el plan que le han encomendado y anuncia además un giro final sobre el que nada diré, pero que cambia lo que parecía.familia addams las cosas felices.04

Logros y Debilidades

Habíamos antes dicho que la experiencia previa de Sonnenfeld venía labrada como director de fotografía. Y se nota, ya que es en la parte estética donde obtiene sus mayores logros: es cierto que se advierten intentos por emular a Burton, pero no era eso algo fácil de evitar en esos años. En cambio, se nota que todavía no le sienta del todo cómoda la silla de director propiamente dicho, algo que irá puliendo más tarde (recordemos que será el responsable de Men in Black, de la cual pueden leer aquí nuestro retro-análisis).

Como ya fue dicho, la película apunta a subir de tono el humor de la serie original, pero no siempre lo logra con éxito. Hay, sí, escenas verdaderamente hilarantes como la representación teatral en la cual Pugsley y Miércoles fingen un combate de espadas y se cercenan miembros entre sí mientras la supuesta sangre mana a chorros y baña al auditorio.  Me desternillé en el cine cuando la vi hace más de treinta años y lo he vuelto a hacer en cada nuevo visionado.

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También se deja entrever una mayor asociación entre las torturas tan caras a la familia Addams y los hábitos sadomasoquistas, tal como se aprecia cuando Morticia, contrariamente a lo buscado por sus torturadores, goza con el potro de tormento. O cuando Miércoles disfruta torturando a su hermano Pugsley, cuyo sometimiento, sin embargo, no parece tan involuntario. Es en esos detalles donde el filme consigue sus puntos más altos…

El problema es que el guion (Tab Murphy, Bob Tzudicker y Noni White) es demasiado simple y falta la situación de gag con que la serie nos bombardeaba permanentemente: los mejores momentos de equívoco se producen cuando los Addams llevan su mundo fuera de casa, algo que en la serie prácticamente no ocurría pues, como buena sitcom que en definitiva era, todo se resolvía muros adentro.

Anjelica Huston calza perfecto en el rol de Morticia y lo mismo Raúl Juliá en el de Gomez, aunque por momentos este luce innecesariamente sobreactuado.  Como en la serie, él tiene especial debilidad por las lenguas latinas y suelta cada tanto expresiones en español o italiano, además de excitarse particularmente cuando ella habla en francés.

Están también, desde ya, los momentos de baile tan típicos de la pareja y que aquí incluso son llevados más allá, como cuando Gomez y Fétido ( o Gordon) bailan la mamushka; también están las escenas de esgrima, disciplina en la cual Gomez siempre ha sido experto. Eso sí: no se entiende a qué va tanto salto mortal ni acrobacia, tanto en las partes de danza como en las de lucha, al punto que por momentos parece más un anticipo de Matrix que un homenaje a La Familia Addams.

Christopher Lloyd muestra la solidez habitual, aunque las características mismas de la historia vuelven por momentos a su personaje algo insoportable al forzarlo a hacer tonterías propias de su condición mental. Y sobre el final, por suerte, le vemos encender una bombilla eléctrica con la boca, toda una marca suya registrada en la serie.

Pero si tenemos que otorgar las mayores palmas a alguien, es sin duda a Christina Ricci que, con apenas diez años o tal vez ya once, logra darle a su personaje una rigidez que, lejos de ser inexpresiva, raya claramente en el sadismo.  Hay un velo de permanente tristeza en su semblante, pero también de perversión.

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Lo que sí se parece a la serie original es que la historia termina en definitiva siendo una celebración de la familia: los esposos Addams pueden ser siniestros pero aman a sus hijos y, en el balance final, la suya es, para los cánones socialmente aceptados, una familia bien constituida aun cuando, inversamente, no encajen por igual en los gustos que se suelen considerar aceptables.

En otras palabras, los valores tradicionales no se contradicen necesariamente con lo que suele ser sindicado como morboso, sádico o siniestro: quizás, por el contrario, hasta vayan a la par y allí reside la principal crítica social contenida en el filme.

Una pena, por cierto, que no hayan recurrido a ninguno de los personajes de la serie original aunque más no fuese para algún cameo (al menos tres seguían vivos en ese momento), pero en los noventa todavía no era ello una práctica habitual: hoy, en cambio, se impondría como casi obligatorio y, de hecho, la propia Ricci tiene un papel secundario pero importante en la serie que Tim Burton dedica a Miércoles.

La música, a cargo de Marc Shaiman (Misery, Cowboys de Ciudad, Patch Adams, Hairspray), cumple y se complementa bien con la propuesta estética: recuerda mucho (una vez más) a las bandas sonoras de los filmes de Burton, sobre todo en esas melodías a mitad de camino entre navideñas y siniestras con notas campanilleantes muy reminiscentes de los ballets de Tchaikovsky. De modo análogo a lo que decíamos sobre el elenco original sobreviviente, también aquí es una pena lo poco que suena el leitmotiv de la serie de los sesenta.

Valoración Final

La Familia Addams es un remake que cumple bien en traer de regreso a personajes tan queridos e icónicos para el público y, sobre todo, en adaptarlos a los noventa. Aun cuando la historia sea demasiado simple y los momentos de humor menos copiosos que en la antigua serie, se deja ver y entretiene.

Sonnenfeld paga en parte el precio de un debut en el cual no tiene aún aceitadas sus herramientas como director, las cuales mostrará mucho mejor en la secuela de 1993, a mi juicio más lograda y de la que ya habrá seguramente tiempo de hablar en esta sección (por cierto, Morticia hace sobre el final un anuncio que da claro pie a la misma).

Nos entrega, además y sobre todo, a una soberbia Christina Ricci que, como suele ocurrir con tantos actores que se lucieron a temprana edad en los noventa (Anna Paquin, Anna Chlumsky, Macaulay Culkin), no mostró en años posteriores un crecimiento actoral acorde a lo que parecían anunciar sus inicios. Quizás lo más valioso del remake de Sonnenfeld sea llevar a las jóvenes generaciones a redescubrir el material original, por cierto mejor homenajeado en el filme animado de 2019 (aquí nuestra crítica).

Será hasta la próxima, lo cual quizás sea en breve si, como pienso, están siguiendo la serie Miércoles, de cuya primera temporada haré análisis en estos días. Hasta entonces y sean felices…

El cómic de la semana: Los Vengadores Marvel Gold 9 Traicionada… ¡por amigos!

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Los Vengadores Marvel Gold 9 Traicionada… ¡por amigos!. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Los Vengadores Marvel Gold 9 Traicionada… ¡por amigos!, el final de una era

Los maravillosos cómics de los Vengadores, la era dorada de su historia acaba aquí, en este tomo 9. Si, años después vendría un maestro poco reconocido como Roger Stern que volvería a meter a los Vengadores en una era de plata, pero hasta ese momento, nos queda este tomo, este canto del cisne de la época de Byrne y George Pérez en esta serie.

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Este tomo engloba los números 189 al 211 y además el annual 10, ese maravilloso annual donde Pícara es presentada en sociedad como una megavillana que absorbe los poderes a Mss Marvel y a Thor, todo un Dios. Y además dibujado por el maravilloso Michael Golden. Un super anual de los que marcan época.

Y no es sólo eso, porque nos despedimos de los autores top, los míticos Byrne y Pérez que dije antes, en sendas sagas que sin ser las mejores, son un canto del cisne de lo que fue la serie, y el pequeño vacío que vendrá después.

Además de todo esto tenemos la presentación del Supervisor, tenemos el famoso número 200 y su final tan comprometido que, nos llevará al annual 10 americano que comenté antes, y tenemos más batallitas contra Ultrón y Garra amarilla. Se nota un bajón en los dibujantes en el tramo final del tomo, y es que el vacío de los dos autores se notó mucho en la época, y tardaremos un poco en volver a la era de plata. Supongo que en un futurible tomo 11. El 10, será más de completistas.

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Y es que después del 200, Jim Shooter parece que acabó sus tramas, y tuvimos hasta el número 211, el último de este tomo, pequeñas sagas con guionistas del montón y con dibujantes mediocres. Un mal sabor de boca que se arregla con el número final donde se presentan los nuevos miembros de los Vengadores. Pero ojo, para ver a esos nuevos miembros tenemos que esperar al futuro tomo 10, que aunque si será un tomo más flojo, dará lugar a otros nuevos miembros y mejores aventuras con la incorporación final del guionista Roger Stern.

Como detalle os dejo los guionistas y dibujantes que pueblan este tomo de Marvel Gold: Steven Grant, Mark Gruenwald, Roger Stern, David Michelinie, Jim Shooter, George Perez, Bob Layton, Chris Claremont, Bob Budiansky, Bill Mantlo, Danny Fingeroth, J.M. DeMatteis, John Byrne, Arvell Jones, Sal Buscema, Carmine Infantino, Michael Golden, Don Newton, Alan Kupperberg y Gene Colan. Con tanto cambio de personal lo que no se consigue es dar una continuidad a los personajes, y a este tramo de la historia, que avanza a trompicones hasta languidecer en 1981, un año muy malo para los fans de los Vengadores.

Pero sin lugar a dudas tenemos un tomo entre manos que representa dos partes muy distintas. Hasta el número 200 con los mejores autores y aún con buenas sagas (no excelentes), y la parte final con sagas más irregulares y dibujantes muy flojos. Aún con todo esto recomiendo este tomo a todos los fans de los años 80 y a todos los completistas de los Vengadores. Yo espero, y lo digo sinceramente, que entremos en futuros tomos con Roger Stern y poder llegar al número 300 americano.

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Contiene The Avengers 189-211, Annual 10.

¡Las históricas aventuras con las que John Byrne y George Pérez se despidieron de Los Vengadores y cerraron una etapa de oro en Los Héroes Más Poderosos de la Tierra! Nuestros chicos y chicas combaten contra grandes amenazas mientras Henry Peter Gyrich trata de ponerles contra las cuerdas… ¡Y contra el congreso de Estados Unidos! A continuación, llega la aventura más polémica jamás vivida por Ms. Marvel, que coincidió con el apoteósico The Avengers #200 USA, y, por si fuera poco, el regreso del Hombre Hormiga, el debut de El Supervisor, las aventuras perdidas de La Bestia, el temible ataque de Ultrón, un día en la vida de Jarvis y el regreso de Garra Amarilla.

A continuación os dejo el enlace a la editorial y la portada editada por Panini Cómics en España.vengadores omnigold 9

Un saludo y sed felices

Reseña de Conan de Cimmeria nº 01/03 1932-1933.

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Ediciones Minotauro nos ha obsequiado con un ejemplar de Conan de Cimmeria nº 01/03 1932-1933, una nueva edición de los relatos que Robert E. Howard escribió acerca de las aventuras del bárbaro más famoso de todos los tiempos. Y a riesgo de parecer un pelota (que lo soy) debo decir que esta es, sin duda, la edición definitiva. Es imposible editarlo mejor.

Seguro que hay muchos de vosotros que conocen las aventuras de Conan, ya sea a través de los relatos de Howard, ya sea a través de los cómics, ya sea gracias a las películas. Aún así, igual os interesa esta reseña, más centrada en la nueva edición que en el contenido. Sin embargo ese contenido tampoco puede ser descuidado así que intentaremos contentar a todos y analizar porque Conan de Cimmeria nº 01/03 1932-1933 merece ser leido.

Sabed, oh, príncipe,…

Con estas legendarias palabras, extraídas de Las Crónicas Nemedias, se inciaron los relatos de Conan, publicados en la revista Weird Tales a partir de 1932 y hasta el fallecimiento de su autor. La presente edición recoge esas mismas palabras en el primer relato del libro, El Fénix en la espada, a su vez la primera aparición de Conan, ya rey de Aquilonia.

conan mark schultz

Como los más fanáticos del personaje habrán adivinado, Conan de Cimmeria nº 01/03 1932-1933 recopila los relatos de Conan tal cual fueron escritos por Robert E. Howard. Es decir, no en el orden en que fueron publicados sino en el orden de escritura. Por eso se intercalan un par de relatos que fueron publicados años más tarde, tras la muerte del autor tejano.

Para los recien llegados, Howard no transcribió las aventuras de Conan siguiendo un orden cronológico sino que fue saltando de una época a otras. Así, el personaje se nos presenta ya cmo rey envejecido en El Fénix en la espada y a continuación lo tendremos como un jovenzuelo mercenario en La hija del gigante de hielo.

De esta forma, los relatos que integran el libro son, por este orden:

  • El fénix en la espada.
  • La hija del gigante de hielo.
  • El dios del cuenco.
  • La Torre del Elefante.
  • La ciudadela escarlata.
  • La reina de la costa negra.
  • El coloso negro.
  • Sombras de hierro a la luz de la luna.
  • Xanthal del crepúsculo.
  • El estanque del negro.
  • Villanos en la casa.
  • El valle de las mujeres perdidas.
  • El diablo de hierro.

Conan

Y fué allí donde llegó Conan, el cimmerio

Muchos de estos relatos son ya míticos, sobre todo gracias a las adaptaciones que Marvel Cómics hizo en su día de la mano de Roy Thomas y Barry Windsor-Smith. Aun así, la lectura del material original resulta imprescindible. Robert E. Howard fue un escritor centrado en revistas populares, cuyo estilo resulta forzosamente dinámico, entretenido y sobre todo asequible a todo tipo de lectores.

Con todos los respetos, Howard no es Tolkien, mucho más centrado en el lenguaje y la mitología y en la creación de un universo propio. A Howard le resultó más sencillo y fácil basar las aventuras de Conan en un universo ficticio y al mismo tiempo reconocible e identificable, un universo que podia moldear y retorcer según le interesase.

Ese es uno de los motivos de la enorme popularidad de Conan, el poder conectar con el público más de noventa años después de su creación a través de un universo familiar y en base a unas ideas y valores con los que todos pueden identificarse. La corrupción y la mezquindad de la civilización frente a la nobleza y la sencillez del cimmerio tienen todas las de perder, más en los tiempos que corren.

Conan la torre del elefante

Acerca de la edición

Otro dia (otro más) hablaremos sobre Conan el cimmerio como personaje de la cultura popular pero ahora es tiempo de hablar de esta edición y el por qué no debería faltar en las estanterias de los aficionados.

Conan de Cimmeria nº 01/03 1932-1933 se presenta en una edición de tapa dura con sobrecubierta e incluye un estuche de cartón para guardar el tomo de 590 páginas. Incluye también un marca páginas de esos de tela que ya pocas veces encontramos.

La ilustración de la sobrecubierta y que ocupa todo el estuche es de Esteban Maroto, mientras que en el interior del tomo encontramos ilustraciones de Mark Schultz, que para quien no lo conozca hay que decir que se ocupó de otro clásico, realizando los guiones de las tiras de prensa de Principe Valiente desde 2004 a 2012.

Aparte de los relatos de Howard, en el tomo encontramos un Prefacio del propio Mark Schultz, una introducción de Patrice Louinet, una primera versión de El fénix en la espada, notas sobre la Edad Hiboria, un par de mapitas y unos apendices a cargo también de Patrice Louinet.

En resumen, aunque ya conocíamos los relatos, Conan de Cimmeria nº 01/03 1932-1933 se presenta ante nosotros como nunca lo habíamos visto antes, en una edición de lujo que ningún aficionado debería perderse.

Para los que no se han atrevido nunca con los relatos originales de Robert E. Howard, es una ocasión magnífica para descubrir un personaje y unas historias que han ido más allá de su autor y del tiempo en que fueron escritos, un personaje fascinante, lleno de matices y muy, muy alejado de esa imagen de bruto troglodita que Arnold Schwarzenegger instauró en el imaginario colectivo. Por Crom que ya estáis corriendo a comprarlo. Un saludo y sed felices.

Conan Minotauro

Cómo empezar a leer … Los Guardianes de la Galaxia

Introducción

Las cintas Guardianes de la Galaxia (2014) y su secuela, Guardianes de la Galaxia Vol. 2 (2017), de James Gunn, pusieron de moda todo el contexto «cósmico» del Universo Marvel, entendiéndose por «cósmico» el ambiente en el que suelen tener lugar las aventuras de una serie de personajes. A saber, entornos alienígenas alejados de La Tierra.

Cómo digo, lo cósmico de Marvel dio el salto a su Universo Cinematográfico e inauguro un estilo que hizo merecedor a las películas mencionadas de múltiples premios y nominaciones, asegurando así su continuación en forma de una futura tercera película de Los Guardianes, sin fecha confirmada. Sobre la polémica que ha rodeado la misma puedes leer nuestras publicaciones al respecto, las cuales te dejo a continuación:

Todo esto puede haber favorecido que haya personas que quieran acercarse a la versión en viñetas de Los Guardianes de la Galaxia pero no sepan por dónde empezar. Razón de ser de este post. Para lo cual me ceñiré a la accesibilidad del material para lectores primerizos, por el camino mencionaré algunas etapas, y cerraré con un extra.

guardians of the galaxy comics history

Si quieres introducirte en el mundo del cómic por medio de diferentes personajes, pincha aquí para saber cómo empezar a leer a algunos de los superhéroes más célebres.

Guardianes de la Galaxia. Madre Entropía

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Si has leído mi artículo Los Guardianes de la Galaxia: De las viñetas al cine habrás podido deducir que para mí, a grandes rasgos, hay dos enfoques para Los Guardianes. Uno es el de Steve Gerber y otro el de Dan Abnett y Andy Lanning. Siendo este último el que ha inspirado la formación de Los Guardianes de las películas. Formación de la que se sirven Jim Starlin y Alan Davis para elaborar la serie limitada Guardians of the Galaxy: Mother Entropy 1-5 (2017). Guardianes de la Galaxia. Madre Entropía fue publicada por Panini en un recopilatorio con formato de novela gráfica.

Si hay un guionista que lleva la palabra cósmico escrita en la frente ese es Starlin. Sus filosóficos guiones configuraron la forma de entender lo cósmico en Marvel durante tres décadas. Y Alan Davis es, sencillamente, uno de los mejores dibujantes de la industria. Juntos hacen de este producto algo aceptable en tanto que enfocado a nuevos lectores. Una historia cerrada e ideal para adentrarse en el Universo Cósmico de Marvel pero olvidable para lectores curtidos. Lo que no quiere decir que sea mala pero está muy alejada del nivel de ambos autores en obras más personales en tanto que va dirigida a lectores noveles. Razón por la que la incluyo en esta selección.

Y si Guardianes de la Galaxia. Madre Entropía consigue su propósito y te anima a seguir una colección regular o una etapa de Los Guardianes de la Galaxia pues tanto las de los mencionados Abnett y Lanning (Guardians of the Galaxy vol. 3 (08-10)) como la más recientes de Donny Cates y Geoff Shaw (Guardians of the Galaxy vol. 5 (19-20)) o la actual serie abierta de Al Ewing y Juann Cabalson (Guardians of the Galaxy vol. 6 (20-…)) son buena elección para meterte con fuerza en la Marvel Cósmica. Los autores implicados, grandes conocedores de la misma, te ponen al día enseguida para poder seguir sus tramas, sea cual sea el volumen que elijas. Si bien la etapa de Ewing es la que parece querer ir un poco más allá de lo convencionalmente establecido en esta parcela del Universo Marvel.

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Guardianes de la Galaxia de Steve Gerber

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Voy a romper una de las normas que me impuse para esta sección. A saber, empezar siempre seleccionando un cómic en formato novela gráfica, especial o serie limitada como principal producto a recomendar para, luego, en caso de lograr despertar el gusanillo, recomendar una etapa. Pero nunca dando prioridad a esta porque entiendo que quien no conoce un grupo o un personaje no se mete de lleno de una etapa sino que prefiere material más corto para probar.

Como digo, en el caso de Los Guardianes de la Galaxia de Steve Gerber voy a hacer una excepción porque la calidad del trabajo lo merece y porque no es una etapa tan larga. Ya de entrada te digo que Panini te la ofrece en dos tomos. Uno titulado Guardianes de la Galaxia: Vengadores Cósmicos y otro Guardianes de la Galaxia: El poder de Halcón Estelar.

Tomando la idea original de Los Guardianes de Arnold Drake y Gene Colan, a saber la de un grupo heterogéneo de personajes, pertenecientes a diferentes planetas del sistema solar y últimos supervivientes de sus razas, Gerber los llevó a explorar el espacio, los llevó a lugares donde no había llegado nadie. Si añadimos las diversas y complejas personalidades de cada uno de ellos, a saber, la polémica dualidad entre Aleta y Halcón Estelar, el cinismo y la amargura del Mayor Vance Astro, el idealismo y serenidad de Yondu, el carácter jovial, a la par que marcial, tanto de Nikki como de Charlie-27 o la actitud analítica de Martinex pues podíamos esperar cualquier cosa de este cómic setentero que poco tenía que ver con un grupo de superhéroes al uso. De ahí que no deje de ser de mal gusto que muchos de los recopilatorios de este proyecto tengan títulos como Vengadores Cósmicos o Vengadores del mañana, cuando poco tiene que ver con estos.

En todo caso esas descripciones se le deberían aplicar a las etapas anteriormente mencionadas. Etapas como la de Abnett y Lanning, más formulaicas, en tanto que se limitan a reciclar y a jugar con los conceptos introducidos por autores como Drake, Starlin, Gerber o Gruenwald para la parte cósmica Marvel pero sin introducir nada nuevo. Sencillamente manejan lo que ya hay, con habilidad pero sin estilo, hasta el punto de convertir a Los Guardianes en un grupo de superhéroes más, pero en el espacio, unos Vengadores del espacio por si no te gustan los terrestres. Lo cual, dicho sea de paso, fue algo que inauguró Jim Valentino en sus Guardianes de la Galaxia de los 90, de los cuales hablamos en la Reseña de Marvel Gold. Los Guardianes de la Galaxia: La búsqueda del escudo. Los auténticos.

Como digo, ese cansino remake no se dio en Gerber, que supo coger la premisa de Drake y llevarla a una nueva dirección. Así que no deja de ser algo triste que una colección de Los Guardianes de la Galaxia de los setenta sea más creativa que muchas de sus cabeceras actuales. Si he preferido ponerla aquí y no al principio, como exigiría una adecuada cronología, ha sido para no despistar a la gente que ya tiene una idea previa de quienes son los Guardianes de la Galaxia, por lo visto en el Universo Cinematográfico de Marvel. Evito así que alguien piense, al leer este artículo, que le estoy engañando con otros personajes.

Lo dicho, un grupo atípico que, por desmarcarse, ni llegó a tener cabecera propia. Drake y Colan lo crearon en Marvel Super-Heroes #18 (1969) y Gerber comenzó integrándolo en las colecciones que escribía entonces, Marvel Two-In-One #4-#5 (1974), Giant-Size Defenders #5 (1975) y The Defenders #26-#29 (1975), hasta poder desarrollarlos, de forma independiente en Marvel Presents #3-#12 (1976-1977).

Bien es cierto que los dibujantes de estos Guardianes primigenios, Sal Buscema o Al Milgrom, no eran artistas estrella. Pero no por ello su dibujo es despreciable. Cumple de sobra. Así que si puedes tolerar esta estética setentera te encontrarás con una de las colecciones más frescas y transgresoras de la Marvel de los 70.

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Extras: Cohete de Al Ewing y Adam Gorham

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Inevitablemente el éxito de Los Guardianes en el cine generó multitud de proyectos, en forma de series limitadas, centradas en cada uno de sus componentes, para explotar su popularidad. Tenemos Gamora de Nicole Periman y Marco Checchetto, Star-Lord de Sam Humphries y Paco Medica, Soy Groot de Chris Hastings y Flaviano Armentaro o Mapache Cohete de Skottie Young por citar algunos ejemplos. Con la excepción de alguna que otra idea curiosa y un dibujo notable, como en el caso de las dos últimas, la mayoría son para completistas de Los Guardianes de la Galaxia.

La que, en mi opinión, sobresale algo más es Cohete, Rocket #01-#06 (2017), de Al Ewing y Adam Gorham. Esta serie limitada es plasmada por Gorham como un libro ilustrado, en el sentido de que gran parte del cómic está formado por grandes dibujos, sin bocadillos ni textos de apoyo, y elaborados textos. En este formato Ewing aprovecha para profundizar en el pasado del Mapache Cohete a la vez que elabora una historia con aires de fábula y tono de gángsters. Ideal, por duración y enfoque, tanto para los seguidores de Los Guardianes de la Galaxia como para los incondicionales de Rocket, ya que se desarrolla de forma independiente a la cabecera del grupo.

Estoy seguro que no estarás de acuerdo conmigo en la selección que hago así que espero tus comentarios y críticas. ¡Muchas gracias! Un abrazo.

Eric Roberts tiene tropecientas películas por estrenar. Cotilleemos un poco

¿Quién es Eric Roberts? Me dirás tú, avezado lector o lectora. Pues el señor Roberts es un actor que en los ochenta hizo alguna película de relevancia digna de retro-análisis como Campeón de Campeones, cinta de VHS que en su momento quemé. Más conocida puede ser para el público la de El tren del infierno, con Jon Voight, de lejos su mejor película. Y eso que estaba producida por la nefasta Golan-Globus Productions.

Otra película a destacar del actor es La ambulancia. ¿Sabéis quién hacía cameo en esa película? El mismísimo Stan Lee.

Pero seamos sinceros, tras verlo en películas como El especialista, muy pronto comenzó su deriva hacia la serie B. Así que hoy se le reconoce por ser el hermano de Julia Roberts.

A propósito que este artículo se lo debo agradecer a Paco Alcázar, quién me hizo descubrir hace unos meses este gran hallazgo.

Lo dicho, cotilleemos un poco.

Vamos a ver películas la mar de curiosas, con actores y directores que tenías ya olvidados. Pero para empezar seamos justos. Eric Roberts participa en uno de los grandes estrenos que nos queda por ver este 2022: hablamos de Babylon, de Damien Chazelle. Fuera de la gran liga, la que más me ha llamado la atención y me ha llevado a escribir este artículo mierder es «Gateway to the West» (2022), una producción húngara. Aquí lo tenemos muy bien acompañado por Kevin Spacey, Terence Stamp y ¡Christopher Lambert!. Ahí sigue el Lambert, dándolo todo.

Eric Roberts

«Cuando el ejército de Genghis Khan está a punto de invadir Europa en 1242, no espera que un castillo húngaro y su Canon lo detengan».

Bueno, estoy ansioso por saber más de este engendro de película que está anunciada para 2023.

Ojo al repartazo también de Someone dies tonight (2022). Christopher Lambert, Michael Paré, Eric Roberts, Tom Sizemore y Costas Mandylor. Una constante de estas películas es que los acores repiten entre ellos o con los propios directores. Aquí nuevamente coinciden Lambert y Roberts. Magnífico tándem.

Eric Roberts

«Un grupo de amigos emprende un viaje de vacaciones por carretera a Grecia. En su camino hacia el sur, son interceptados por un grupo de mafiosos croatas. Encerrados en una casa remota, se encuentran luchando por sus vidas».

Buckle Up es el claro ejemplo de lo que os decía de actores que colaboran juntos en varias películas: Michael Madsen, Tom Sizemore, Bai Ling, Eric Roberts, Patrick Bergin, Stacy Keach, Daryl Hannah, Robert Davi, Peter Greene, Robert LaSardo, Chuck Liddell, Cynthia Rothrock, James Grixoni, Weston Cage, Michael Paré.

Recapitulemos apellidos de esta película, Madsen, Sizemore, Roberts, Bergin, Keach, Hannah, Paré y Rothrock, una artista marcial de la serie B de los 80 y principios de los 90. Ahí tenemos un reparto de campanillas si hubiese sido hace 25 años, ojo.

Eric Roberts

«La historia del ex corredor Jack Elger que tiene que pagar la deuda de juego de sus hermanos recogiendo un raro collar de diamantes de un príncipe árabe en la costa de Cornualles y llevárselo a Londres antes de que lo maten. El truco es mantenerse con vida mientras corren por las calles del oeste de Londres esquivando balas en el proceso».

Con Michael Madsen también coprotagoniza Arena Wars donde, en el año 2045, los criminales convictos tienen la oportunidad de competir en el evento deportivo televisado número 1 del mundo, Arena Wars. Deben sobrevivir 7 habitaciones y 7 de los asesinos más viciosos del país. Si ganan, recuperan su libertad. MARAVILLA.

Os dejo enlace a foto de Eric en el filme.

Sin duda alguna considero The Electric Man como el proyecto más vergonzoso de los que vamos a ver aquí. El tráiler es digno de una persona amateur que ha contado con Tom Sizemore y Eric Roberts.

Ver a Kevin Sorbo en una armadura medieval luchando a su edad contra seres del inframundo me da entre risa y pena. A Roberts de momento no se le ve en el tráiler. Hablamos de Devil´s Knight. Luce de pena, aunque a estas alturas del artículo no debería sorprendernos. Os dejo con tráiler.

Bueno, creo que ya está bien por hoy. Eric Roberts es un buen profesional que alterna este tipo de producciones con otras de más calado como El Caballero Oscuro. Nos alegra mucho que siga trabajando en el medio ya que nos ha dado grandes alegrías en el pasado.

Un saludo y sed felices.

 

 

 

Reseña de Centaurus. Volumen Integral. Otra nueva y fructífera colaboración entre Leo y Rodolphe. ECC Ediciones.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os vamos a hablar de otra gran serie de Leo, que es producto de una nueva y  una ve más, fructífera colaboración con Rodolphe. Se trata de Centaurus, editado por ECC Ediciones.

Luiz Eduardo De Oliveira (LEO), es un referente de la ciencia ficción en el noveno arte y sobre todo, en la Bande Dessinée.

Creo que todo aficionado al cómic, conocerá su gran saga: Los Mundos de Aldebarán. Si no lo habéis leído, esta es una buena excusa para apuntaros el título. Además, tenemos reseña en la web del primer ciclo de ese afamado título, pinchando aquí.

Centaurus. Volumen Integral.

Centaurus

Centaurus es una obra de ciencia ficción. Eso está claro. Hay naves espaciales surcando el universo, hay otros planetas y otras inteligencias, hay extrañas criaturas …

La historia comienza en un pequeño pueblo. Algunos miembros del gobierno, se trasladan para reclutar a las hermanas Joy y June, dos hermanas gemelas, para una especial y secreta misión.

Son trasladadas por agentes del gobierno a la capital, en compañía del joven y fuerte Bram, amigo de toda la vida de las dos gemelas.

Y a partir de aquí, empezamos a descubrir de qué trata Centaurus.

Nuestro planeta Tierra, debido a las guerras, la sobreexplotación y la contaminación, se volvió inhabitable.

Por ello, se construyó una gran nave cilíndrica, que inició un largo viaje de 400 años. Todo ello con un objetivo sin igual: Llegar al planeta Vera y establecer allí y que la humanidad tenga una nueva oportunidad.

Centaurus

En Centaurus, el viaje está llegando a su fin. La vieja nave que supuso un adalid de esperanza para toda la humanidad, casi ha llegado a su ansiado destino. Pero antes de instalarse, una pequeña expedición debe tomar tierra y comprobar las condiciones de habitabilidad en el nuevo mundo.

La humanidad tiene prisa por instalarse en el nuevo planeta. La nave-mundo es muy antigua y tiene bastantes desperfectos. La pregunta es … ¿Este planeta es el idóneo para establecer a la humanidad?

Eso es, precisamente, lo que deberá comprobar la pequeña expedición. Cada uno de los personajes de la expedición tiene una función.

Si bien, Centaurus es una obra coral, el lector prestará muchísima atención a las gemelas Joy y June. Especialmente a June, que aunque es ciega, puede ver en su mente precogniciones sobre este nuevo planeta y además, tiene cierto grado de telepatía y puede ver a través de los ojos de su hermana.

Aventura, relaciones interpersonales, apología del ecologismo, algo de crítica social … Todo ello ambientado en un clima de ciencia ficción. Leo en estado puro.

Centaurus

La edición de ECC.

Todo es criticado y criticable. Este volumen de Centaurus está editado en un tomo integral, en formato reducido. Tomo en tapa dura, a todo color, 256 páginas, en formato de 17x24cm, papel con escaso gramaje, pero que no transparenta y lomo curvo.

Cinco álbumes europeos (en formato reducido), con un P.V.P. de 25€. Creo que es un buen precio.

El formato puede gustarte o no, pero el precio por lo que nos ofrecen, es difícil de superar.

Leo, ese gran arquitecto.

Luiz Eduardo de Oliveira (LEO). Nació en Río de Janeiro (Brasil), el 1 de enero de 1944. Vivió en su país de origen y en Chile y tuvo que huir de ambos lugares por motivos políticos.

Vivió en Argentina antes de regresar a Brasil. En 1981 se trasladó a Francia, donde decidió dedicarse al noveno arte.

Sus obras más conocidas en el mercado español son Trent (Ponent Mon), Kenia (ECC Ediciones), Namibia (ECC Ediciones), Los Mundos de Aldebarán (ECC Ediciones) y Centaurus (ECC Ediciones).

Centaurus

Y el resto del equipo artístico …

Rodolphe. Guionista. Nacido en Francia en 1948. Ha sido profesor de literatura, libero, escritor y periodista. Comenzó a escribir guiones de cómics en 1976, para la revista Pilote y la revista Metal Hurlant.

En España es muy conocido por sus colaboraciones con Leo, en el Universo de Aldebarán. Sus principales series son Kenya, Trent, Namibia, La Maison Dieu o Dock 21.

Zoran Janjetov. Dibujante. Nacido en Serbia en 1961. Su padre fue arquitecto y siempre apoyó la temprana vocación al dibujo de su hijo.

Antes de ser dibujante, fue músico en un grupo de rock.

Cuando era pequeño, quedó ensimismado por todas las creaciones de Walt Disney. Su gran momento llegó cuando Alejandro Jodorowsky se fijó en él.

Sus dos grandes obras han sido Antes del Incal y este Centaurus.

Centaurus

Valoración final de Centaurus. Volumen integral.

Centaurus en una obra de aventuras, que contiene acción, crítica social, relaciones entre los personajes muy bien reflejadas, una dosis misterio e intriga y todo ello ambientado en un entorno de ciencia ficción contemporáneo.

En esta obra tenemos todos los temas que a Leo le intrigan, le interesan o le preocupan. Tenemos su dosis de ecología y crítica social ante el poder establecido.

Además … Centaurus está excelentemente dibujado por Zoran Janjetov.

El formato integral elegido por ECC Ediciones, si bien no es el formato ideal para confeccionar un álbum europeo, sí nos ofrece una obra redonda a un precio muy competitivo.

Para mí, es una obra redonda. Si os gusta la ciencia ficción y os gusta Leo, no dudéis en haceros con ello.

Sin más, me despido de todos vosotros.

¡Sed Felices!

Análisis de ‘The Peripheral’. Temporada 1. Capítulo 6

‘The peripheral’ de Amazon Prime Vídeo ha cogido carrerilla en este sexto episodio y las cosas se están poniendo muy interesantes a la par que complicadas para nuestros protagonistas, aunque aún le falta fuerza.

Aquí os dejo el resto de análisis de ‘The Peripheral’ hasta el momento.

The peripheral

Todos recordamos la historia del año 2028 sobre ese grupo de militares y el perro del capítulo anterior y como fueron modificados para sentir pena por el animal a sabiendas de lo que les iba a ocurrir. Pues sorpresa, esa historia involucraba a nuestros protagonistas y nos sirve para conocer como perdió Conner sus piernas y brazo.

Este personaje tendrá cierto protagonismo ya que vamos a ser testigos de cómo le está afectando su minusvalía hasta el punto de plantearse vivir su vida conectado al periférico para poder sentirse como lo hacía hasta el día de la bomba.

Por otro lado, tenemos a Wilf y Flynne teniendo una conversación para aclarar a los espectadores porque están en una calle concurrida rodeada de gente y todos parecen mantenerse alejada de ellos. Entonces descubrimos que todo es una ilusión y muchos edificios también lo son.

Ese futuro tan pulcro tras el ‘Jackpot’ es mentira ya que todavía no se han reparado todos los estragos de ese apocalíptico evento.

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Ambos también tienen acceso a los fabricantes del periférico en esa carnicería que les sirve de tapadera. Aquí asistimos a una gran escena de lucha que demuestra la calidad que maneja esta ficción de Amazon.

Las cosas se están comenzando a mover mucho en esta recta final. Corbell ha capturado a Bob, el asesino enviado a acabar con Flynne y Burton, y parece tener la sartén por el mango y ha demostrado ser alguien a quien hay que tener en cuenta como némesis. Por desgracia, Bob tiene otros planes y una pecera le va a ayudar a alcanzarlos.

Como ya digo, todo se está moviendo mucho y ahora ha hecho acto de presencia la inspectora Lowbeer para darle una mayor amplitud al número de jugadores de esta partida de ajedrez.  Es cierto que no me termina de enganchar del todo ‘The Peripheral’, no me está aburriendo, pero estoy notando que todo gira en torno a lo mismo y le cuesta avanzar.

También noto que cuando la trama da un par de pasos, lo hace de forma tropezada y acelerada. Está generando muchas expectativas que no está cumpliendo por el momento.

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Conclusión

‘The Peripheral’ tiene los mimbres para ser una gran serie, pero sigue sin impresionar lo más mínimo, creo que nos mantiene pegados a la televisión generando muy ‘hype’ que si no resuelve bien puede caer en los errores de muchas cintas de Night Shyamalan.

Por momentos noto que la serie ha encontrado un buen punto de partida, se aferra a él y está girando demasiado a su alrededor sin avanzar. Hay personajes muy interesantes que no tiene el protagonismo que necesitan para ser mejores.

Estamos a dos capítulos del final de la primera temporada de ‘The Peripheral’ y, mirando atrás, la ficción de Nolan y Joy no está haciendo méritos para ser una de las más importantes de este 2022. A día de hoy sigo poniendo por delante a ‘Westworld’ (eso es indiscutible) y a ‘Person of Interest’.

The Peripheral Season 1 Episode 6

Es la época en la que las series deben destacar entre el gran abanico de posibilidades que tenemos los espectadores, esta propuesta no va a estar en un top 5, al menos hasta el momento.

Un saludo y sed felices.

Análisis de Andor. Temporada 1. Episodio 12. Final de temporada

Bienvenidos a la rebelión. Bienvenidos al análisis del último episodio de esta primera temporada de Andor. Las piezas han convergido en Ferrix, donde se preparan para el funeral de Maarva Carassi Andor y donde se prenderá la chispa que desembocará en la Alianza Rebelde. Os dejo el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío con un resumen del episodio, algunas curiosidades y la valoración final de la serie.

La calle Rix

Ese es el título del episodio, la calle donde van a parar los restos de los ciudadanos tras convertirse en ladrillo, la calle donde transcurre la mayor parte del episodio. A Ferrix ha llegado todo el mundo, desde Dedra Meero a Luthen Rael, desde Vel a Cinta y por supuesto Syril. Todos con un objetivo en mente: capturar o matar a Cassian Andor.

Este último episodio de Andor se inicia con la llegada de Dedra Meero a Ferrix, flanqueada por dos Death Troopers, un grupo de élite de soldados de asalto especializado en sigilo y espionaje. Se dice que estos soldados de la muerte fueron nombrados por el propio emperador Palpatine y trabajaron únicamente para la Inteligencia Imperial y el ISB, lo que explica por qué acompañan a Dedra en su misión a Ferrix.

Los Death Troopers del Imperio hicieron su primera aparición en Rogue One: Una historia de Star Wars, por lo que su inclusión en este episodio es una forma más de establecer la conexión con la película de la que parte esta serie.

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Veta a Canto Bight

Mientras en Ferrix se masca la tragedia, Mon Mothma tiene una conversación totalmente intencionada con su marido, quien la servirá de chivo expiatorio para los huecos en sus cuentas. Resulta que el cónyuge de Mon Mothma es aficionado al juego y eso podría justificar los descuadres en las finanzas de la familia. Incluso Mon le dice que si tanto le gusta apostar, se vaya a Canto Bight.

Para los desmemoriados, Canto Bight es el planeta casino donde Fynn intenta reclutar a un hacker y acaba con Benicio del Toro en la injustamente denostada Star Wars: Los últimos Jedi.

Dejaremos a Mon Mothma y su familia a punto de dar el paso para que su hija de 13 años se comprometa.

Pese a que el principal aliciente para regresar a Ferrix era el funeral de su madre adoptiva, Cassian cambia su objetivo, que pasa a ser el rescate de Bix Caleen, muy machacada por las torturas del Imperio. En medio del tumulto y la rebelión contra los imperiales que propicia el funeral y discurso holográfico de Maarva, Cassian consigue rescatar a Bix, que abandona el planeta.

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Matamé o reclutamé

(pero no me pidas que te crea más, nanana nanana). Con esta frase se dirige Cassian a Luthen, quien por supuesto desiste en su idea inicial. Ya sabemos cómo y por qué Cassian Andor pasa a formar parte de la Alianza Rebelde. Ese ha sido el principal let motiv de la serie, junto a los inicios de la rebelión y por qué surgen los héroes. También se incide en la delgada línea que separa a héroes de villanos, lo que queda de manifiesto en el discurso holográfico de Maarva Andor.

Si  en el episodio 10 de Andor el discurso de Luthen marcaba época pero se situaba muy cerca del reverso tenebroso de la Fuerza, en este tenemos otro que incide en el aspecto luminoso. Maarva Andor ha resistido, se ha enfrentado de forma silenciosa al Imperio viendo sus abusos e injusticias, pero decidió, ya en su lecho de muerte, que estaba harta. Maarva incita a la rebelión, a alzarse, a luchar y la gente le hace caso. Este es el camino.

Luthen

Valoración final

Andor ha sido toda una sorpresa. Éramos muchos los que no esperábamos nada y nos hemos encontrado con la mejor serie de Star Wars, un producto más adulto que los precedentes, más maduro, más meditado. Sin abandonar el universo creado por George Lucas, el showrunner y creador Tony Gilroy se ha servido de la serie para construir una reflexión en torno al poder y sus abusos, y también a cómo puede uno convertirse en algo muy parecido a lo que se pretende derrocar.

A pesar de las alabanzas, se ha dado ha entender que Andor no ha triunfado entre el público, quizás precisamente por lo mismo que ha generado esas alabanzas. Su tono, su trama, su discurso, está muy alejado de la superficialidad que impregna al resto de la franquicia. Qué le vamos a hacer.

Este último episodio nos deja algunos personajes en el aire, como Dedra Meero y Syril, que suponemos sobreviven a los disturbios y regresan a lo suyo. También vemos a Bix alejarse, sin saber qué será de ella y del resto de colegas de Cassian. De igual forma, no sabemos qué pasa con Vel y Cinta. Lo que sí sabemos es que Diego Luna ha hecho suyo un personaje que ya apuntaba manera en Star Wars y que el gran descubrimiento de la serie ha sido Stellan Skarsgård y su personaje, actor todoterreno al que nunca valoramos lo suficiente.

Andor

Y hay que señalar que pese a que esta es una serie de Tony Gilroy (muy marcada por su creador) y además muy coral, al final es una serie sobre Cassian Andor, uno de los personajes más infravalorados de Star Wars y también uno de los más complejos. Tanto Gilroy al guion como Diego Luna en la interpretación, han conseguido realzar un personaje semi-olvidado por el gran público y los aficionados. Será imposible volver a Rogue One: una historia de Star Wars sin tener esta serie presente y, por supuesto, no volveremos a ver a Cassian Andor con los mimos ojos con los que lo vimos hace siete años.

Escena post-créditos

Siguiendo la tradición de Disney+, Andor muestra una escena post-créditos que incide en las ironías de la vida. Y es que descubrimos por fin qué narices fabricaban Cassian y sus colegas en la prisión de Narkina 5: ni más ni menos que componentes para el rayo destructor de la Estrella de la Muerte, aunque es verdad que unos doce años antes, en La venganza de los Sith, ya estaba a medio construir pero se perdona el desliz por lo que supone la ironía.

Andor Star Wars

Personalmente y dado que esta serie se sitúa cinco años antes de Rogue One: una historia de Star Wars, estaría encantado de que fuesen a un año por temporada pero ya han dicho que no, que la segunda temporada dará un salto en el tiempo y su episodio final terminará justo donde empieza Rogue One. Es más, Diego Luna ha confirmado que la siguiente temporada se estructurará en bloques de tres episodios y cada bloque reflejará un año en la vida de los personajes, llegando así a la primera escena de Rogue One.

Se esfuma así la posibilidad de que Andor fuese el Juego de Tronos de Star Wars. Aun con eso, Andor ha sido una gran serie en esta primera temporada, de lo mejor del año para mí. Gracias a todos por estar ahí. Nos leemos en la temporada dos. Un saludo y que la fuerza os acompañe… siempre.

Prime Video estrenará la película original Los Reyes Magos: La Verdad el 16 de diciembre

Los Reyes Magos: La Verdad es una comedia original rodada al estilo de falso documental dirigida por Víctor García León (Vota Juan) y producida por Onza para Prime Video. Camila Viyuela interpretará a la nueva representante de los Reyes Magos, a los que darán vida Mauro Muñiz, Javier Carramiñana y Pedro Gutiérrez. Los Reyes Magos: La Verdad se estrenará en exclusiva en Prime Video el próximo 16 de diciembre.

Melchor, Gaspar y Baltasar abren por primera vez las puertas de su palacio para el rodaje de un documental sobre su día a día mientras preparan la cabalgata de Reyes. Así, arranca una aventura disparatada en la que estos tres personajes míticos se ponen en manos de su nueva mánager, Lola, para modernizar su leyenda con colaboradores tan variopintos como Lorenzo Caprile, Almudena Cid, Jordi Hurtado, Esty Quesada o Rozalén.

Los Reyes Magos: La Verdad

A partir del 9 de diciembre, los miembros de Prime Video también podrán disfrutar de la esperada comedia familiar Reyes contra Santa, protagonizada por Karra Elejalde (Ocho apellidos vascos), David Verdaguer (Historias para no dormir), Matías Janick (Historias lamentables) y Andrés Almeida (Y tu mamá también) en la que los Reyes Magos, hartos de que Santa les quite cada vez más protagonismo, han decidido enfrentarse sin saber que esa guerra despertará a un enemigo común mucho más peligroso, el Krampus, que llevaba siglos inactivo.

Los Reyes Magos: La Verdad y Reyes contra Santa se sumarán a las más de 50 series y películas de temática navideña que Prime Video ofrecerá a su audiencia estas fiestas, incluyendo Algo de Tiffany’s producida por Reese Witherspoon (Big Little Lies) y protagonizada por Zoey Deutch (The Politician) y Kendrick Sampson (Insecure), y la conmovedora comedia británica Your Christmas Or Mine? con Asa Butterfield (Sex Education) y Cora Kirk (Prey for the Devil). Los espectadores de Prime Video también podrán disfrutar de películas emblemáticas como Love Actually, el Diario de Bridget Jones, El Grinch y la comedia navideña dirigida por Santiago Segura Padre no hay más que uno 3.

Los Reyes Magos: La Verdad

Un saludo y sed felices.

Indiana Jones 5 obligará al arqueólogo a encarar a su vejez

Indiana Jones 5, supuesto broche final del mejor héroe de aventuras de la historia del cine, obligará al personaje a enfrentarse a su vejez según James Mangold.

En una entrevista con Empire , Mangold describió cómo él y los guionistas Jez y John-Henry Butterworth se acercaron a hacer lo que ven como la última película de Indiana Jones . «Se volvió muy importante para mí descubrir cómo hacer de esta una película sobre un héroe al atardecer», explicó. «Los problemas que mencioné sobre la edad de Indy no eran cosas que pensé que se estaban abordando en el material que se estaba desarrollando en ese momento. Había chistes ‘viejos’, pero el material en sí no se trataba de eso. Para mí, cualquiera que sea su mayor responsabilidad , deberías volar directamente hacia eso. Si intentas fingir que no está allí, terminarás recibiendo hondas y flechas todo el camino».

Indiana Jones

En Indiana Jones 5 , actualmente sin título , verá a Harrison Ford, de 80 años, ponerse el sombrero y el látigo (supuestamente) por última vez como el arqueólogo favorito del cine. La película anterior de la serie, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull de 2008 , insinuó que el hijo de Jones, Mutt Williams (Shia LaBeouf), se convertiría en el héroe de la franquicia. Sin embargo, Mangold ha asegurado a los fans que él y el equipo de producción nunca consideraron reemplazar al héroe icónico y aseguró: «Nadie reemplazará a Indiana Jones. Ni en ningún guión. Ni en ningún corte. Esto no tiene discusión».

Además de Ford, Indiana Jones 5 verá el regreso de John Rhys-Davies como Sallah, un excavador egipcio y amigo de Indy que enamoró a todos en la primera entrega de la saga. Sin embargo, el enfoque también cambiará a algunos recién llegados a la franquicia. Mads Mikkelsen se unirá al elenco como el principal antagonista de la película, Voller, un científico espacial y ex nazi «a quien le gustaría corregir algunos de los errores del pasado», mientras que Boyd Holbrook interpretará a Klaber, el secuaz de Voller descrito como «un perro faldero.» Completando el reparto principal estará Phoebe Waller-Bridge como Helena, la ahijada de Indiana que será presentada como «una aventurera y una mujer fatal».

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Algunos fanáticos esperan que la serie, en un movimiento sorpresa, traiga de vuelta a Ke Huy Quan como Tapón, el hábil y joven compinche del arqueólogo en Indiana Jones and the Temple of Doom de 1984 . Este es especialmente el caso después de que el actor regresara a principios de este año en Everything Everywhere All at Once . Sin embargo, si tal regreso está en proceso, se mantiene en secreto.

Sin embargo, la quinta película no es lo único que está disponible, ya que se está desarrollando una serie de televisión de Indiana Jones para Disney+. Esto marcaría la segunda incursión del personaje en la televisión después de The Young Indiana Jones Chronicles  protagonizada por Sean Patrick Flannery y que emitió 28 episodios y cuatro películas para televisión entre 1992 y 1996.

Indiana Jones 5 llega a los cines el 30 de junio de 2023.

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El ocaso llega para todos. Incluso para un héroe tan eterno como Indiana Jones. Este personaje me marcó tanto en mi niñez que En busca del Arca Perdida es la película que más veces he visto en mi vida ya que para darme de comer mis padres tenían que ponerla en la tele o si no era imposible. No hay aventuras como las de Indiana. No hay historias mejor contadas que las de Indiana. Y no hay ningún personaje de este género que alcance la magia y el calado de Indiana.

Pero como digo, nadie puede eludir el momento de la despedida. Aunque reconozco que para mí esa despedida ya quedó perfectamente representada en La última Cruzada. Aún así nos obligaron a una cuarta y nefasta cuarta entrega y ahora no puedo evitar estremecerme de miedo con esta quinta película. Tal vez me equivoque y este broche final me emocione y me haga reconciliarme con la saga después de la Calavera de Cristal. Nada deseo más. Mi héroe favorito del cine merece quedarse en el Olimpo al que solo unos cuantos llegan. No hay nadie como él y mis recuerdos así lo certifican. Hora de sacar el látigo por última vez.

Un abrazo a todos.

Reseña de Alien: Linajes. Sabor clásico en un nuevo comienzo esperanzador para los xenomorfos

Alien es una de esas franquicias que todo buen amante de la ciencia ficción y el terror tiene en un altar, y eso a pesar de que sólo las dos primeras películas fueron buenas, por que las que vinieron después… mejor correr un tupido velo. Pero es que Alien el Octavo Pasajero y Alien: el Regreso son realmente dos obras de arte. Como todo producto de éxito, la franquicia se expandió por múltiples medios (cómics, videojuegos, novelas, juegos de rol…), siendo en Dark Horse donde se vio su plasmación en viñetas. Pero Disney, después de hacerse con Star Wars, se interesó en la Fox, haciéndose con todas sus propiedades intelectuales incluyendo Alien y Predator. Y como Disney también es la propietaria de Marvel Comics, al igual que hiciera con Star Wars, se decidió a publicar una nueva serie de Alien. Panini publica en España dicha serie recogiendo sus primeros ocho números en un solo volumen con el título de Alien: Linajes.

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Está claro que unos Aliens hechos por Disney pueden llevar a alzar las cejas a más de uno debido al nivel de sangre, violencia y terror que siempre tienen que llevar consigo los xenomorfos, algo que no se suele asociar precisamente con Disney. Pero esta nueva colección, a cargo de Phillip Kennedy Johnson y Salvador Larroca logra presentar una historia muy interesante que bebe de las mejores esencias de la franquicia.

Phillip Kennedy Johnson es un guionista con poca experiencia, pero solvente al que le gusta el universo de Alien y que lo conoce muy bien. Por eso decide no complicarse la vida en exceso y ofrecer lo que buscan todos los fans de la franquicia. Toma como punto de partida los sucesos de las dos primeras películas obviando todo lo demás para presentar una historia con un sabor clásico que gustará a los fans de los personajes.

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Los nuevos Aliens

En el primer arco de la serie que vamos a leer en este volumen la acción trascurre en una estación espacial en la que la corporación Weyland-Yutani se dedica a experimentar con los xenomorfos con la intención de controlarlos y convertirlos en un arma. Unos activistas anticorporaciones se infiltran en la estación con la intención de destapar esos turbios tejemanejes y como no podía ser de otra manera todo acaba saltando por los aires, con los Aliens libres y acabando con todo bicho viviente. Así que no queda otra que mandara la estación a Gabriel Cruz, el antiguo encargado de seguridad del lugar y con un pasado muy ligado a la investigación de Weyland-Yutani sobre los xenomorfos. Al pobre Gabriel no lo que da otra que aceptar esta peligrosa misión ya que uno de los activistas resulta ser su propio hijo. También acabará involocrado una unidad Bishop con una cara muy familiar.

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Gabriel Cruz y su hijo

Con estos mimbres el escritor logra ofrecer una trama muy entretenida en la que no falta ninguno de los ingredientes que debe tener una historia de Alien. Hay mucha acción y sangre, pero también momentos para profundizar en el pasado del protagonista que hacen que descubramos cosas muy interesantes de este nuevo universo Alien como esa mención a la Dama Oscura que tan mal rollo da. Sin olvidar ciertas dosis de misterio e intriga para ofrecer un conjunto muy equilibrado que se lee con buen ritmo gracias al buen hacer del guionista. Y como guinda, hay varios giros de guion sorprendentes que dejan el futuro de la serie muy interesante. Por que en sucesivos arcos argumentales vamos a seguir visitando este nuevo universo, cambiando siempre los personajes, pero no sus autores ni su trama de fondo.

En cuanto al dibujo hay que comentar que Salvador Larroca usa su característico estilo fotorrealista, tal y como hizo en la serie de Star Wars por ejemplo. Es cierto que dicho estilo puede venir bien para este tipo de franquicias, en las que ya hay una idea totalmente formada de los protagonistas gracias a las películas, pero a mí no me acaba de convencer. Es espectacular en algunas secuencias y su plasmación de los xenomorfos es bastante buena, pero lo veo demasiado frio y artificial cuando tiene que ponerse a narrar la historia. Como curiosidad comentar que la cara de Gabriel Cruz, el protagonista de la historia, es la del propio Larroca y la unidad Bishop tiene los rasgos de Lance Henriksen, el actor que interpretó al personaje en Alien: El Regreso.

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Gabriel Cruz y una unidad Bishop

La edición de Panini es muy buena. Recoge los primeros ocho números de la serie que conforman su primer arco argumental en un volumen de 160 páginas en tapa dura que incluye varios extras como todas las portadas originales, una pequeña semblanza de los autores y lo que es más interesante, un interesante artículo de Iñigo de Prada poniendo en contexto el nuevo universo de los personajes. El precio de venta al público es de 22 euros.

En resumen, Alien: Linajes es una historia que ofrece todo lo que los fans de la franquicia están deseando leer a la vez que ofrece algunos elementos nuevos que pueden ser muy interesantes de cara al futuro. Un primer paso prometedor que se lee de una tacada gracias al ritmo que Phillip Kennedy Johnson sabe dar a una historia que cuenta con un dibujo espectacular a ratos, pero demasiado apegado al fotorrealismo en otro.

Pues claro que lo han entendido

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Esperamos, desde este vuestro sitio, que hayáis visto la última temporada de The Boys. Nuestro compañero Juanma Martín ha estado hablando de la serie por aquí. En realidad no es tanto que la serie sea buena o mala: es que ha traspasado las pantallas para ser parte de la cultura popular. Casi siempre, vamos a decirlo, promocionada por gente con una ignorancia abismal sobre los cómics de superhéroes, soltando cosas como «si los superhéroes existieran en la realidad serían así» y cosas tardoadolescentes por el estilo. Es más o menos inevitable: en realidad los que hemos leído cómics de superhéroes hemos sido dos y el tambor.

Es decir, tampoco es culpa de esa gente. Toda la nueva venida de películas y series de superhéroes no ha tenido un Superman o en general películas de DC a la altura de sus personajes (salvando la primera de Wonder Woman y poco más). Así es posible hacer películas o series que deconstruyen a los superhéroes clásicos como The Boys, pero se hace sin que la gente que ha llegado a los superhéroes por el cine haya tenido contacto con el Superman clásico. Toda esta confusión sobre la serie y cosas ridículas que se dicen sobre ella (en el propio post enlazado antes de Juanma alguien pregunta por el «MVP» de la última temporada de The Boys, por ejemplo) se debe a que los actuales productores  y realizadores de Hollywood tienen problemas de fondo para representar la luz, la honestidad y la pureza sin cinismo ni ironía. También una incapacidad para ser sutiles o ingeniosos para transmitir cosas. O quizás no, y es que vender en tales cantidades para que las cosas sean hoy rentables exige pasar por alto la sutileza a la hora de mostrar las cosas.

Pero volvamos al éxito de la serie de televisión, que ya decimos que es abrumaduramente mejor que el cómic (lo cual tampoco era difícil). Como siempre que hay un personaje malvado bien interpretado en pantalla con suficientes minutos en una serie o película de éxito tenemos a gente admirándolo. En el caso de The Boys es la parodia de Superman y del Capitán América, llamada aquí El Patriota. Personaje adulto que se comporta como un adolescente recién descubre que le salen pelos en los genitales: es inestable emocionalmente, caprichoso, le cuesta inhibir sus impulsos, le cuesta planificar a medio o largo plazo, etc. Por no comentar que mata o tortura en sus arrebatos de enfado caprichoso. Hay suficientes escenas de su patetismo y lloriqueos cuando está solo como para que cualquier persona normal y mayor de edad entienda que El Patriota es un ser patético, inmaduro y, sí, malvado.

Y ahí tenemos, otra vez, gente adulta usando a El Patriota para vender sus filias políticas. O sacando escenas suyas como algo a admirar. O creando y compartiendo memes de El Patriota con la última y estupenda escena final del último episodio de la serie. «Cómo mola El Patriota» y así. Este show lo hemos visto más veces. Por ejemplo con un villano como Walter White, que por más que sea el protagonista de Breaking Bad resulta que es difícil ver otro protagonista de una serie o película que cometa más crímenes y haga más cosas horrendas, por más que las hayamos entendido y le hayamos acompañado en el viaje.

También lo vimos en el pasado con el instructor psicópata de La Chaqueta Metálica (1987), interpretado espectacularmente por Ronald Lee Ermey. No era raro encontrar gente que se sabía la colección de insultos y humillaciones a las que sometía al «soldado patoso» en los años noventa y era bastante común hasta hace no tanto encontrarse gente con su personaje como avatar en redes sociales. Ya qué vamos a decir de otros como el rey Leónidas de la película «300».

Podemos seguir mucho con el tema, abarcando no solo personajes sino las propias películas. Es decir, gente que en teoría no pilló la fina ironía de Starship Troopers y se creyó que era propaganda militarista. O sujetos que creemos que no han entendido la crítica a la fantasía del hombre hecho a sí mismo realizada por Scorsese en El Lobo de Wall Street y que incluso se lo ponen de nombre de nick en redes sociales o hacen vídeos poniendo ejemplos de la película sacando mensajes exactamente opuestos a la más que evidente intención de sus autores.

Aquí podríamos seguir con la corriente histórica y de entendido al respecto de este tema. Es decir, ser condescendiente y explicar que esta gente que idolatra a monstruos, psicópatas y malvados de ficción no ha entendido las películas o series. Que les faltan lecturas y que deben ponerse a leer, que no conocen los contextos y la realidad. Que no han analizado a fondo la película ni han pillado los signos y pistas de los artistas que dejaban clarísimo que el malo es el malo. Que hay que explicar otra vez a la muchachada la canción «El Imperio Contraataca» de Los Nikis.

Al final todo el género de artículos, columnas y reportarjes explicando a los pobres tontos que no han entendido las películas parten de una sola idea: la gente que admira a los psicópatas, monstruos o villanos lo hace desde la ignorancia o la inocencia. Si lo pensamos ésta es una de las bases de la Ilustración: se puede combatir la ignorancia, la superstición y la maldad divulgando el conocimiento y la ciencia. Y, bueno, podemos decir como buenos burgueses acomodaticios que sí somos que en parte es verdad.

Pero luego está la otra parte. Que también es tan cierta como la que sale de las tinieblas gracias a la información verdadera que ilumina tu camino a la Verdad. Y que, jajaja, resulta que también es real. Es esa gente que a lo mejor no son mayoría en ninguna sociedad pero que desde luego no son dos amigos en su casa del pueblo. Es esa gente que ve a un personaje como El Patriota que revienta la cabeza a un sujeto que ha lanzado una botella de agua a su hijo y piensan que a ellos les gustaría ser así.

Nada de aguantar a otros en los atascos por la mañana. Nada de aguantar gilipolladas de tus padres o tíos. Nada de tragar con bromitas de tu cuñado sobre que no tienes ni puta idea de nada. Nada del compañero de trabajo pesado que te da la brasa con sus mierdas políticas de pirado todos los días. Ojalá reventarles la cabeza, mover camiones de droga y que nadie te chiste, humillar a los demás sin ninguna consecuencia. Ojalá hacerlo o estar en el bando de quienes puedan hacerlo. Que no me vengas con gráficas, niño, que ya me las sé, joder. Que me dan igual. Que ya he entendido lo que tenía que entender. No, no es un calentón que tenemos todas las personas normales y grises del planeta con algo que nos molesta, no. Estamos consciente y responsablemente a favor de poder hacer cosas horrendas si no tuvieran consecuencias graves en nuestras vidas.

El error es creer que mucha de esta gente está enajenada de la realidad o no se ha leído el último «peiper». O que tú estás menos resentido que ellos o tienes menos sesgos cognitivos. El error es creer que no han entendido las películas o las series, cuando realmente las han entendido perfectamente. Cogen de ellas lo que les gusta, lo que quieren y lo reivindican como deseable. Ni son idiotas ni necesitan lecturas. No les importa dejar un rastro de dolor y miseria para hacer su capricho. Y si no llegan a hacerlo en la vida real es por falta de oportunidades o por las consecuencias tremendas sobre sus vidas si empezaran a intentarlo. Más o menos como un porcentaje vergonzosamente alto de personas, que quizás no son mayoría, pero tampoco son anécdota. Puede que incluso tú mismo estés ahí, amado lector. Es por eso que hay leyes, hay mecanismos para que todo poder tenga limitaciones, para que no exista la impunidad, por lo que existe la policía y la cárcel. Incluso el civismo y la Ilustración, pero esa es la última fase.

Así, el error ilustrado de mandar a la gente a leer es comprensible y tierno, pero un error. La Maldad sigue existiendo incluso con dosis masivas de divulgadores científicos y acceso infinitivo a más información de la que manejaremos nunca. La Maldad no es una enfermedad, no es una distorsión de la realidad, no es ignorancia o falta de lecturas. Es la elección totalmente adulta y responsable de que te puedes llevar al mundo por delante para estar tú bien. Y eso es imposible de eliminar del todo. Por una sencilla y tonta razón: hay demasiada gente que, de hecho, ya lo ha hecho con éxito. Bienvenidos al mundo.

Sed felices.