Inicio Blog Página 161

Se entregaron los Premios Emmy: Succession y The Bear, grandes ganadoras

En el Peacock Theatre de Los Angeles y con la conducción del comediante Anthony Anderson, tuvo lugar anoche la 75° ceremonia de entrega de los Premios Emmy, galardones que distinguen a la producción para televisión y streaming, en este caso correspondiente al año 2023.  Succession y The Bear, con seis estatuillas cada una, se convirtieron en las series más ganadoras de la velada, pisándoles los talones Bronca (Beef) con cinco.

Las huelgas de directores y actores que recientemente afectaron tanto al medio cinematográfico como al televisivo han obligado a ir posponiendo algunas entregas de premios y ello ha transformado a enero en un mes saturado de ceremonias.  Sin olvidar que la semana que viene conoceremos los nominados a los Oscar, ya hemos tenido entregas de Globos de Oro (aquí artículo con los ganadores), Critic Choice Awards y, anoche, los Premios Emmy.

emmy 2024 las cosas felices.05 e1705382827138

La ceremonia estuvo caracterizada por una escenografía en la cual, de manera contigua al escenario, se podían ver decorados que imitaban los de series históricas.  No entiendo en qué momento lograban cambiar todo, pero fueron desfilando el living-room de Good Times, bar de Colgados en Filadelfia, casa icónica de The Twilight Zone y hospital de Anatomía de Grey que, paciente en cama incluido, sirvió para presentar reunido a buena parte del elenco de la serie en 2005 a los efectos de hacer entrega de uno de los premios.

emmy 2024 las cosas felices.02

También fue un momento especial la recreación del Salón del Trono de Hierro imitando a Juego de Tronos para servir de marco a Peter Dinklage, encargado de presentar el premio a mejor serie dramática que, siendo el último de la noche, quedó en manos de Succession.  Y hubo más reuniones de elenco, como las de Cheers o Ally McBeal, con Calista Flockhart encabezando coreografía.

Otro homenaje a serie antigua tuvo lugar cuando el propio Anthony Anderson interpretó parte de la canción In the Air Tonight, de Phil Collins, que de manera sorprendente y hasta el día de hoy es asociada a Corrupción en Miami tanto o más que el tema de apertura de Jan Hammer.  La batería, tan icónica en ese tema, fue recreada por Travis Barker, de Blink-182.

Succession y The Bear (aquí nuestros análisis) se repartieron la mayor parte de los premios, casi respectivamente monopolizando cada una los géneros de drama y comedia.  La primera, como dijimos, salió vencedora como mejor serie dramática, pero se impuso también en dirección, guion, actor principal (Kieran Culkin, hermano de Macaulay), actriz principal (Sarah Snook) y actor de reparto (Matthew Macfayden), dándose en este último caso la particularidad de que la terna estaba solo integrada por dos series al competir cuatro actores de Succession contra cuatro de The White Lotus.

En cuanto a The Bear, se quedó con el de mejor serie en comedia, además de dirección, guion, actor principal (Jeremy Allen White), actor de reparto (Ebon Moss-Bachrach) y actriz de reparto (Ayo Edebiri), mientras que Bronca (Beef) fue la gran vencedora en el rubro de miniseries al quedarse con cinco distinciones.

emmy 2024 las cosas felices.01 e1705370603861

De todas formas, hay que recordar que la lista de premios de The Bear se amplía a catorce si consideramos los Primetime Emmy a las Artes Creativas entregados hace algunos días e inclusive tenemos la paradoja de que, con dieciséis estatuillas, la serie más premiada termina siendo The Last of Us, que sin embargo se fue anoche con las manos vacías.  Algo parecido para Miércoles, que ganó ocho en esa ceremonia, pero ninguno anoche.

Un momento altamente emotivo se vivió al entregarse el premio a mejor actor de reparto en serie limitada, película o antología y, a un costado de los rostros sonrientes y en movimiento de los nominados, se podía ver el de Ray Liotta, igualmente sonriente, pero congelado pues, recordemos, falleció en 2022 (aquí nuestro artículo).  La estatuilla, de todos modos, no fue para él (hace ya cuarenta y cuatro años que no se entrega un Emmy póstumo), pero quizás se hubiera puesto igualmente feliz de saber que fue para un compañero suyo en Black Bird.

Gran sorpresa me dio Jason Bateman al recordar que su debut actoral ocurrió en un episodio de La Casa de la Pradera que, en lo personal, recuerdo perfectamente y en el cual interpretaba a un niño huérfano al que Charles Ingalls rescataba de una trampa para osos.  Incluso se mostró una fotografía suya junto a Michael Landon. Jamás tuve idea de que fuera él…

No faltó reconocimiento a las figuras que se fueron en este último año y mientras sonaba de fondo la canción See You Again haciendo medley con el tema de Friends, fueron desfilando por la pantalla los rostros de Angela Lansbury, Matthew Perry, Kirstie Alley, David McCallum, Richard Roundtree, Mark Margolis, Irene Cara, Harry Belafonte y muchos otros.

Tampoco faltaron los discursos sobre la inclusión, en particular dedicados a reivindicar a las minorías LGTB o bien en contra de la segregación racial, destacándose varias veces que ayer era el día de Martin Luther King (en conmemoración de su nacimiento) e incluso cerrando la ceremonia con su más célebre discurso emitido por televisión.

Vayamos a la lista de premiados, aclarando que en cada terna está destacado en primer lugar y en negrita el ganador o ganadora.

emmy 2024 las cosas felices.04 e1705382886665

 MEJOR SERIE DE DRAMA

  • “Succession” (HBO/Max)
  • “The White Lotus” (HBO/Max)
  • “Yellowjackets” (Showtime)
  • “Andor” (Disney+)
  • “Better Call Saul” (AMC)
  • “The Crown” (Netflix)
  • “House of the Dragon” (HBO/Max)
  • “The Last of Us” (HBO/Max)

MEJOR GUION EN SERIE DE DRAMA

  • “Succession” – Jesse Armstrong
  • “Andor” – Beau Willimon
  • “Bad Sisters” – Sharon Horgan, Dave Finkel y Brett Baer
  • “Better Call Saul” – Gordon Smith
  • “Better Call Saul” – Peter Gould
  • “The Last Of Us” – Craig Mazin
  • “The White Lotus” – Mike White

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL EN SERIE DE DRAMA

  • Sarah Snook (“Succession”)
  • Sharon Horgan (“Bad Sisters”)
  • Melanie Lynskey (“Yellowjackets”)
  • Elisabeth Moss («El Cuento de la Criada”)
  • Bella Ramsey (“The Last of Us”)
  • Keri Russell (“The Diplomat”)

MEJOR ACTOR PRINCIPAL EN SERIE DE DRAMA

  • Kieran Culkin (“Succession”)
  • Jeff Bridges (“The Old Man”)
  • Brian Cox (“Succession”)
  • Bob Odenkirk (“Better Call Saul”)
  • Pedro Pascal (“The Last of Us”)
  • Jeremy Strong (“Succession”)

MEJOR SERIE DE COMEDIA

  • “The Bear” (FX)
  • “Abbott Elementary” (ABC)
  • “Barry” (HBO/Max)
  • “El Jurado” (Amazon Freevee)
  • “The Marvelous Mrs. Maisel” (Prime Video)
  • “Solo Asesinatos en el Edificio” (Hulu)
  • “Ted Lasso” (Apple TV+)
  • “Miércoles” (Netflix)

MEJOR GUION EN SERIE DE COMEDIA

  • “The Bear” – Christopher Storer
  • “Barry” – Bill Hader
  • “El Jurado” – Mekki Leeper
  • “Solo Asesinatos en el Edificio” – John Hoffman, Matteo Borghese y Rob Turbovsky
  • “The Other Two” – Chris Kelly y Sarah Schneider
  • “Ted Lasso” – Brendan Hunt, Joe Kelly y Jason Sudeikis

MEJOR ACTOR PRINCIPAL EN SERIE DE COMEDIA

  • Jeremy Allen White (“The Bear”)
  • Bill Hader (“Barry”)
  • Martin Short (“Solo Asesinatos en el Edificio”)
  • Jason Segel (“Shrinking”)
  • Jason Sudeikis (“Ted Lasso”)

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL EN SERIE DE COMEDIA

  • Quinta Brunson (“Abbott Elementary”)
  • Christina Applegate (“Dead to Me”)
  • Rachel Brosnahan (“The Marvelous Mrs. Maisel”)
  • Natasha Lyonne (“Poker Face”)
  • Jenna Ortega (“Miércoles”)

MEJOR SERIE LIMITADA, PELÍCULA O ANTOLOGÍA

  • “Bronca” (Netflix)
  • “Dahmer — Monster: The Jeffrey Dahmer Story” (Netflix)
  • “Daisy Jones & the Six” (Prime Video)
  • “Fleishman Is in Trouble” (FX)
  • “Obi-Wan Kenobi” (Disney+)

MEJOR PROGRAMA DE VARIEDADES

  • “The Daily Show With Trevor Noah” (Comedy Central)
  • “Jimmy Kimmel Live!” (ABC)
  • “Late Night With Seth Meyers” (NBC)
  • “The Late Show With Stephen Colbert” (CBS)
  • “The Problem With Jon Stewart” (Apple TV+)

MEJOR DOCUSERIE

  • “The 1619 Project” (Hulu)
  • “Dear Mama” (FX)
  • “100 Foot Wave” (HBO Max)
  • “Secrets of the Elephants” (National Geographic)
  • “The U.S. and the Holocaust” (PBS)

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN SERIE DE DRAMA

  • Matthew Macfadyen (“Succession”)
  • F. Murray Abraham (“The White Lotus”)
  • Nicholas Braun (“Succession”)
  • Michael Imperioli (“The White Lotus”)
  • Theo James (“The White Lotus”)
  • Alan Ruck (“Succession”)
  • Will Sharpe (“The White Lotus”)
  • Alexander Skarsgård (“Succession”)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DE DRAMA

  • Jennifer Coolidge (“The White Lotus”)
  • Elizabeth Debicki (“The Crown”)
  • Meghann Fahy (“The White Lotus”)
  • Sabrina Impacciatore (“The White Lotus”)
  • Aubrey Plaza (“The White Lotus”)
  • Rhea Seehorn (“Better Call Saul”)
  • J. Smith-Cameron (“Succession”)
  • Simona Tabasco (“The White Lotus”)

MEJOR ACTRIZ EN SERIE LIMITADA, PELÍCULA O ANTOLOGÍA

  • Ali Wong (“Bronca”)
  • Lizzy Caplan (“Fleishman Is in Trouble”)
  • Jessica Chastain (“George & Tammy”)
  • Dominique Fishback (“Swarm”)
  • Kathryn Hahn (“Tiny Beautiful Things”)
  • Riley Keough (“Daisy Jones & the Six”)

MEJOR ACTOR EN SERIE LIMITADA, PELÍCULA O ANTOLOGÍA

  • Steven Yeun (“Bronca”)
  • Taron Egerton (“Black Bird”)
  • Kumail Nanjiani (“Welcome to Chippendales”)
  • Evan Peters (“Dahmer — Monster: The Jeffrey Dahmer Story”)
  • Daniel Radcliffe (“Weird: The Al Yankovic Story”)
  • Michael Shannon (“George & Tammy”)

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN SERIE LIMITADA, PELÍCULA O ANTOLOGÍA

  • Paul Walter Hauser (“Black Bird”)
  • Murray Bartlett (“Welcome To Chippendales”)
  • Richard Jenkins (“Dahmer – Monster: La Historia de Jeffrey Dahmer”)
  • Joseph Lee (“Beef”)
  • Ray Liotta (“Black Bird”)
  • Young Mazino (“Bronca”)
  • Jesse Plemons (“Love & Death”)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE LIMITADA, PELÍCULA O ANTOLOGÍA

  • Niecy Nash-Betts (“Dahmer – Monster: La Historia de Jeffrey Dahmer”)
  • Annaleigh Ashford (“Welcome To Chippendales”)
  • Maria Bello (“Bronca”)
  • Claire Danes (“Fleishman Is In Trouble”)
  • Juliette Lewis (“Welcome to Chippendales”)
  • Camila Morrone (“Daisy Jones & The Six”)
  • Merritt Wever (“Tiny Beautiful Things”)

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN SERIE DE COMEDIA

  • Ebon Moss-Bachrach (“The Bear”)
  • Anthony Carrigan (“Barry”)
  • Phil Dunster (“Ted Lasso”)
  • Brett Goldstein (“Ted Lasso”)
  • James Marsden (“Jury Duty”)
  • Tyler James Williams (“Abbott Elementary”)
  • Henry Winkler (“Barry”)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DE COMEDIA

  • Ayo Edebiri (“The Bear”)
  • Alex Borstein (“The Marvelous Mrs. Maisel”)
  • Janelle James (“Abbott Elementary”)
  • Sheryl Lee Ralph (“Abbott Elementary”)
  • Juno Temple (“Ted Lasso”)
  • Hannah Waddingham (“Ted Lasso”)
  • Jessica Williams (“Shrinking”)

MEJOR TALK SHOW

  • “The Daily Show with Trevor Noah” (Comedy Central)
  • “Jimmy Kimmel Live!” (ABC)
  • “Late Night with Seth Meyers” (NBC)
  • “The Late Show with Stephen Colbert” (CBS)
  • “The Problem with Jon Stewart” (Apple TV+)

MEJOR REALITY DE COMPETENCIAS

  • “RuPaul’s Drag Race” (VH1)
  • “The Amazing Race” (CBS)
  • “Survivor” (CBS)
  • “Top Chef” (Bravo TV)
  • “The Voice” (NBC)

MEJOR DIRECCIÓN PARA UNA SERIE DE COMEDIA

  • Christopher Storer (“The Bear”)
  • Bill Hader (“Barry”)
  • Declan Lowney (“Ted Lasso”)
  • Amy Sherman-Palladino (“The Marvelous Mrs. Maisel”)
  • María Lou Belli (“The Ms. Pat Show”
  • Tim Burton (“Miércoles”)

MEJOR DIRECCIÓN PARA UNA SERIE DRAMÁTICA

  • Marcos Mylod (“Succession”)
  • Benjamín Carón (“Andor”)
  • Dearbhla Walsh (“Bad sisters”)
  • Lorene Scafaria (“Succession”)
  • Andriy Parekh (“Succession”)
  • Pedro Hoar (“The Last of Us”)
  • Mike White (“The White Lotus”)

MEJOR DIRECCIÓN PARA UNA SERIE O PELÍCULA LIMITADA O DE ANTOLOGÍA

  • Lee Sung Jin (“Bronca”)
  • Jake Schreier (“Bronca”)
  • Carl Franklin (“Dahmer – Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer”)
  • París Barclay (“Dahmer – Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer”)
  • Valerie Faris, Jonathan Dayton (“Fleishman is in trouble”)
  • Dan Trachtenberg (“Prey”)

MEJOR GUION PARA UNA SERIE O PELÍCULA LIMITADA O DE ANTOLOGÍA

  • Lee Sung Jin (“Bronca”)
  • Joel Kim Booster (“Fire island”)
  • Taffy Brodesser-Akner (“Fleishman is in trouble”)
  • Patricio Aison (“Prey”)
  • Janine Nabers, Donald Glover (“Swarm”)
  • Al Yankovic, Eric Appel (“Weird the al Yankovic story”)

En fin, ¿qué les ha parecido?  ¿Qué serie consideran que ha sido la gran ausente?  ¿Entienden que en alguna terna debió ser otro el ganador o ganadora?  Les leo.  Por lo pronto, el 23 de enero conoceremos las nominaciones a los Oscar.

Hasta la próxima y sean felices…

 

 

Análisis de Fargo. Temporada 5. Episodio 8

Quedan solo dos episodios para finalizar la quinta temporada de Fargo y analizamos lo que nos ha dejado el octavo, cuyo título es Manta. La serie, creada por Noah Hawley, es emitida por FX y puede verse en España a través de Movistar+.

Hola ota vez, fargueros. Vaya que nos está confundiendo esta temporada, pues cada vez que parece retomar el rumbo y acercarse más a la serie que amamos, termina haciendo una regresión entregándonos, como en este caso, un octavo episodio que es lo de lo más lineal que la serie ha dado desde que existe. A pesar de ello, hay mucho para desbrozar, así que mejor pasar a hacerlo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis anteriores.

Cazador y Presa

Comenzamos con Danish Graves haciendo una de sus jugadas, consistente en este caso en lograr que sean eliminadas las deudas de tres sujetos y no solo eso sino que además sus nombres sean cambiados legalmente a Roy Tillman. No entendemos en ese momento a qué va el asunto, pero ya lo entenderemos: bueno, algo…

Y hablando de Roy, lo habíamos dejado al cierre del episodio anterior cayéndole inesperadamente a Dot en la habitación. Ha conseguido que le den el alta y quiere que firme el formulario de retiro.

fargo las cosas felices. 99385 e1705170455405

Ella intenta pedir auxilio a través del mismo, pero él la descubre y en ese momento Witt, a quien ya pensábamos no volver a ver en toda la temporada, llega al lugar con un detenido en estado bastante maltrecho…

De inmediato, percibe que hay algo raro e intenta sonsacarle a la “señora Lyon” (como intencionalmente la llama) qué está ocurriendo, pero Dot no le suelta palabra y Roy le conmina a marcharse. Para terminar de disuadirlo, llegan Gator y se genera una situación tensa que lleva a Dot a intervenir para calmar las aguas e insistirle a Witt en que todo está bien. Ello, sumado a la inferioridad numérica, obliga a este a marcharse.

No obstante, se pone rápidamente en contacto con Indira para darle la mala nueva de que Roy se está llevando a Dot a Dakota del Norte y le menciona que notó en ella la actitud de un rehén, no condiciéndose sus palabras con los que evidenciaban sus ojos: se la veía, dice, “como un animal acorralado”.

El Peor Día

Indira, en tanto, llega a su casa, pero lo hace temprano y generando así no solo sorpresa sino también incomodidad en Lars: el motivo es la muchacha que tiene adentro del ropero. La escena, una vez más, tiene bastante de autorreferencia al cine de los Coen porque remite a Quémese después de Leerlo (2008), cuando el personaje de George Clooney encuentra al de Brad Pitt también en un ropero aunque la cosa (no quiero espoilear) acaba mucho peor que aquí…

De más está decir que (por fin) Indira echa a Lars, con lo que desaparece de la serie el personaje más liso, caricaturesco e innecesario que alguna vez haya pasado por Fargo. Él ensaya una protesta, pero a ella ya nada le importa y, por el contrario, le arroja un par de frases geniales como “preferirías sentarte a oscuras antes que cambiar la bombilla” o “a partir de ahora, puedes dejar levantada la tapa del váter en la vida de otra”. Lo que no se entiende es por qué Indira tardó tanto en decírselo y, menos aún, qué le vio alguna vez para casarse: ya no lo sabremos nunca…

Pero el día puede ser aun peor y al salir Indira, ve con desesperación que le están llevando el auto. Definitivamente, es tiempo de ir a ver a Lorraine para aceptar la propuesta de trabajo que le hiciera y, de paso, ponerla al corriente del secuestro de su nuera…

Tigre Enjaulado

Roy lleva a Dot a su rancho y literalmente la encadena, con manos esposadas y grillete al piso. Ella le echa en cara que ni siquiera tiene un plan y él replica que es Dios quien lo tiene: le reclama no haber cumplido sus promesas, a lo que ella objeta que tenía en aquel momento solo quince años. Él le recrimina haber roto sus votos y ella replica que, por contrapartida, le han roto dedos, costillas y mandíbula. Promete incluso matarlo y Roy parece a punto de estallar…

Pero en ese momento entra Karen y Roy hace las presentaciones del caso. Viendo en la muchacha a una nueva víctima, Dot intenta hablarle pero solo recibe de su parte un golpe: ¿qué esperaba? Aun así, se advierte claramente que la nueva esposa de Roy dista de estar feliz con la situación y su expresión no presagia nada bueno: o sí, según cómo se mire… ¿Se vengará en algún momento?

Ya en soledad y haciendo alarde de MacGyver, Dot se aboca a intentar escapar utilizando piezas de la cama y… ¿ de dónde sacó la sierra? Alcanza a liberar sus manos pero no llega a hacer lo mismo con su pie porque debe interrumpir el trabajo al entrar Gator, por lo que se cubre con una manta.

Ella le pone al tanto de que ha estado con su madre Linda y él se muestra afectado, pero no le cree. También le dice que Roy no le dio al nacer su nombre como estila con sus primogénitos por no haberlo considerarlo digno de ello al verle tan debilucho en la cuna. Sea cierto o no, él sigue sin creerle, pero se marcha furioso y maldiciendo…

A la puerta del rancho se halla Witt intentando un allanamiento. No tiene éxito, pues Gator y los suyos le reciben armados y en actitud de pocos amigos.

fargo las cosas felices. 99382 e1705170547888

Sin más remedio que marcharse, el oficial les advierte, sin embargo, que pronto habrá consecuencias. Detrás de él sale Gator, aún maldiciendo a Dot al punto de ni siquiera darse cuenta que tiene sentado a Munch en el asiento trasero del auto…

Sheriff por Cuatro

Roy, mientras tanto, asiste al debate por la elección del sheriff y entra en acción el plan urdido por Danish. Lo pasa mal cuando le preguntan por los gastos excesivos y peor aun cuando, ante la risa general, tres falsos Roy replican burlonamente cada gesto o palabra suya. Es tanta su furia que, al marcharse, golpea a la reportera que actuaba de moderadora. Puede despedirse de ser reelecto, pero pregunto: ¿Danish había planeado todo eso?

fargo las cosas felices. 99386 e1705170634228

Por lo pronto, estando el abogado de regreso y tras ponerse en contacto con Lorraine para comunicarle el éxito del plan, se encuentra en una gasolinera con Witt, quien no deja pasar la oportunidad de ponerle al tanto de que Roy tiene a Dot, aconsejándole que “si va hacer algo, lo haga rápido”.

Decepcionado, Roy regresa al rancho con Karen machacándole el cerebro: dice que Nadine (Dot), reaparecida después de tanto tiempo, no puede ser sino un pájaro de mal agüero y lo ocurrido en el debate lo demuestra.

¿Don´t you know that you´re toxic?” (¿no sabes que eres tóxico?), le canta Lisa Hannigan en oscurísimo cover de Britney Spears mientras él realiza una larga caminata por la nieve hasta el lugar en donde tiene recluida a Dot y la muele a golpes: no lo vemos, pues la cámara está detenida con la quietud de la casa rural y el molino a su lado. Estremedora forma de mostrar la violencia al contrastarla con la calma exterior…

Al volver ella en sí, intenta en un descuido de él ahorcarlo con la cadena. En el forcejeo, el grillete se desclava del piso y Dot intenta huir, pero Roy logra retenerla por la cadena para arrojarle con la misma un fallido golpe tras otro mientras recita citas bíblicas sobre la ramera de Babilonia. Parece estar a punto de matarla, pero es interrumpido por Bowman para decirle que el abogado de los Lyon está allí…

Dot debe irse, pero antes de hacerlo, la vuelve a esposar y le dice que terminará como Linda y enterrada junto a ella. Queda entonces confirmado que toda la visita de ella al Campo Utopía en el episodio anterior fue solo un sueño y que ello nunca ocurrió. Y Linda, finalmente, no había abandonado a su suerte a Dot, sino que fue brutalmente asesinada y reemplazada por ella.

El Foso junto al Molino

Roy recibe a Danish y este le hace una oferta: reinstalarlo en la lucha por la reelección a cambio de liberar a Dot. No llegamos a saber cómo planea hacer lo primero o si es solo una estrategia para engatusarlo: en cualquiera de los dos casos, la cuestión es que no funciona…

Mientras escucha al abogado, el sheriff extrae de un cajón una pistola que coloca sobre el escritorio y con la cual, instantes después, le propina un mortal disparo en el estómago. “Si eres tan listo – pregunta -, cómo es que estás muerto?”. Parafrasea, claro, a Homer Simpson en una de sus más célebres e icónicas frases; lo que no entendemos es en qué contexto pueda alguien como Roy haber  visto Los Simpson.

Lo último que ve Dot desde su sitio de reclusión es a los hombres de Roy echar el cadáver del abogado a un foso junto a un molino de viento, que no es otro que el que ella viera en su sueño y junto al cual encontrara el volante del Campo Utopía. ¿Yacerá también Linda allí?

Balance del Episodio

Lamentablemente, lo de la semana anterior fue un espejismo que nos hizo ilusionar con que la temporada se estuviera reencaminando hacia la serie que conocemos y amamos. Y no es que haya sido un mal episodio; por el contrario, sería brutal (en más de un sentido) en muchas otras series de tono diferente, pero para Fargo es, a mi juicio y argumentalmente, el más débil que hayamos visto

Está claro que Noah Hawley ha buscado en esta temporada un tono más testimonial o de denuncia, lo cual no está mal; el problema es que ello, a los efectos de hacer bien visible el mensaje y que no queden dudas, lleva a tramas muy lineales o sencillas como la de este episodio. Y eso es poco Fargo

Convengamos que la serie siempre jugó con el humor negro, lo cual ha sido sello inseparable desde que comenzara a emitirse en 2015 o incluso mucho antes si nos retrotraemos a la película de los hermanos Coen. La tragedia y la risa, la muerte y la carcajada fueron conceptos que siempre convivieron por partes iguales.

Ver hundirse en el río helado a alguien que escapa tras cometer un delito tiene su parte graciosa, lo mismo que el que un asesino a sueldo equivoque su víctima por estar drogado y perder el papel en que había anotado el nombre o que termine aplastado por un equipo de aire acondicionado. O que un mafioso italiano con perfil de tipo duro y sin concesiones, tropiece en la acera y se mate con su propia arma. Juro que me he desternillado de risa ante esas y otras situaciones en temporadas anteriores, pero no hay forma de que me ría con Roy golpeando salvajemente a Dot.

Ni qué hablar de lo imprevisible: no hay forma de prever que va aparecer un OVNI durante un tiroteo o que un grupo de limpiavidrios en el exterior de un edificio saque ametralladoras y acribille a todos los que están adentro. O que un asesino elimine sin trámite a los ocupantes ocasionales de un ascensor al saberse identificado. En cambio, sabemos que Roy matará a Danish desde el momento mismo en que extrae el arma del cajón y la deposita sobre el escritorio. Los pequeños detalles son justamente lo que hace grande a una historia y aquí están mayormente ausentes o aparecen solo de manera intermitente.

A propósito de Danish, he dicho desde el comienzo de la temporada que era un personaje con gran potencial y ahora que le hemos visto partir, debo lamentablemente decir que no ha sido bien explotado. Nunca terminamos de saber cuáles eran las motivaciones personales que lo guiaban más allá de su aparente lealtad incondicional a la familia Lyon. Y en cuanto a su plan para bajar en la elección a Roy ha sido de lo más disparatado y poco creíble por la cantidad de variables implicadas que no necesariamente tenían por qué llevar de una a otra.

Con respecto al arco conyugal de Indira con Lars, podemos dar gracias de que haya terminado, aunque abrigué hasta último momento la esperanza de que de algún modo (aunque más no fuera casual, como siempre ha solido ser en Fargo) se articulara con el resto de la historia, pero pasó totalmente de costado y con un personaje insufrible a la vez que innecesario.

De todas formas, Indira, lo mismo que Witt, cuyo regreso celebramos, han proporcionado algunos de los momentos más interesantes del episodio al recurrir a la ambigüedad cuando lo necesitaron. Indira se encuentra imposibilitada de seguir por caminos legales y en su desesperación se pone al abrigo de los Lyon, a quienes necesita como aliados a pesar de su historial delictivo. Y lo mismo Witt, que no teniendo ya herramientas legales a disposición acaba recurriendo a Danish.

Que lo del Campo Utopía fuera solo un sueño era algo que se veía venir y de hecho, lo he anticipado en el análisis anterior: me refiero a que no haya ocurrido en absoluto y Dot nunca haya estado con Linda ni participado de una función de marionetas para contar su terrible historia.

Ello da al episodio anterior una cuota de surrealismo muy característica de Fargo, pero a la vez le quita ambigüedades a Linda como personaje: era interesante que hubiera entregado a una adolescente para salvarse a sí misma y después hacer un refugio para mujeres; amo ese tipo de personajes contradictorios a los que Fargo, de hecho, nos ha acostumbrado. Pero no: resulta que fue asesinada por Roy y Dotty nunca lo supo, con lo cual pierde todo matiz o ambigüedad…

La historia del foso es por demás siniestra y nos llena de preguntas. ¿Sabe también Gator que su madre está allí? De ser así, se entiende que no le haya creído a Dot cuando le dijo que había estado con ella. Esa fina línea entre fantasía y realidad no fue suficientemente trabajada y no sé cuánta chance pueda ya haber porque Gator no va a durar mucho más. Y lo digo por más por los episodios que nos quedan que porque Munch lo vaya a limpiar con rapidez: no parece ser de ese tipo y se me ocurre que en su venganza pueda sacar a relucir esa cuestión nórdica que lleva varios episodios olvidada…

No obstante, el episodio ha tenido un par de momentos estéticos muy bien logrados, como la imagen de quietud que nos transmiten ese molino que apenas se mueve y cuyos engranajes chirrian oxidados, así como, a su lado, esa casa en medio de la nada. Díganme loco, pero la primera imagen que me vino a la cabeza fue de Agallas, el Perro Cobarde (Coraje, el Perro Cobarde para Latinoamérica), en la cual había una muy similar y se jugaba justamente con la idea de adentro, y por debajo de la calma, pudiera esconderse una realidad terrorífica…

fargo las cosas felices. 99388 e1705170833516

Y si hablamos de series de animación, a muchos se nos habrá dibujado una sonrisa al reconocer en boca de Roy la icónica frase de Homer Simpson aun cuando el contexto, como hemos dicho, no fuera quizás el mejor para incluirla (me refiero a que suena poco creíble en un sheriff ultra conservador de discurso místico fundamentalista).

El otro gran detalle estético ha sido justamente la prolongada caminata de este último desde el auto hasta el lugar de reclusión de Dot. Cuando veinte años atrás sonaba a rabiar la canción Toxic, exitazo de Britney, no tuve empacho alguno en decir que la consideraba un temazo a pesar de ganarme con ello las burlas y risas de buena parte de mi entorno. Pues bien, parece que alguien más lo consideró así y decidió incluirlo aquí aunque, claro, en una versión mucho más oscura, siniestra y asfixiante: tóxica, si se quiere…

En fin, insisto en que no ha sido un mal episodio, pero no ha parecido uno de Fargo y lamentablemente debo decir que la serie, después de un gran comienzo, ha ido de mayor a menor en las últimas cuatro entregas, con la sola salvedad de la anterior, que parecía haber levantado nuevamente la puntería. A ver qué nos dejan las dos que nos quedan para cerrar la temporada y que ojalá hagan justicia a la historia de Fargo.

Hasta la próxima y sean felices…

Lift: Un robo de primera clase, arrancando el año a medio gas

El primer estreno en Netflix de este 2024 con aires de grandeza es Lift: Un robo de primera clase, película dirigida por F. Gary Gray y protagonizada por Kevin Hart, Gugu Mbatha-Raw, Vincent D’Onofrio y nuestra Úrsula Corberó. La cinta forma parte del género «toma el dinero a lo grande y corre», es decir películas de ladrones con robos espectaculares que dejan una sonrisa en el espectador. La verdad es que no está mal pero tampoco destaca como una gran película de género. Vamos al lío.

The Air Job

Cyrus Whitaker (Kevin Hart) es el jefe de una banda de ladrones a los que pillan con el carrito del helado, en este caso un Van Gogh y un NFT (que tiene que notarse que son más modernos que nadie). Abby (Gugu Mbatha-Raw), la agente de la Interpol con la que tuvo un romance meses atrás, les obliga a perpetrar su mayor robo: un cargamento de lingotes de oro en pleno vuelo.

Dicho cargamento pertenece a un empresario (Jean Reno) que pretende subvencionar a un grupo de hackers terroristas. Por supuesto, el robo acabará bien o no estaríamos ante esa película de género que antes mencionaba.

Ursula Corbero e1705336959667

Lo mejor de Lift: Un robo de primera clase es que es corta, apenas dura hora y media (más los títulos de crédito) y en ese tiempo tiene que presentar a sus personajes, la historia de amor entre el jefe y la agente de policía, presentar al villano, planear el robo, perpetrarlo y que todo salga bien.

Demasiadas pretensiones en tan poco tiempo. Algunos personajes simplemente pasan por allí y no sabemos qué pintan, como el del desaprovechado Vincent D’Onofrio, que podría haber dado mucho juego pero se queda en nada.

En la cola del pelotón

El director de Lift: Un robo de primera clase es F. Gary Gray, quien cuenta en su currículum con esa obra maestra del género de ladrones que es The Italian Job, aunque en esta ocasión no ha repetido éxito, a pesar de calcar la estructura de la cinta…

Le faltan minutos, le faltan estrellas (Kevin Hart no es Mark Whalberg, Gugu Mbatha-Raw no es Charlize Theron y no hay nadie que se acerque a Jason Statham, ya no digamos a Edward Norton), le sobran fantasmadas y parodójicamente le falta espectacularidad. Hay que ver lo mucho que se hace con tres Minis y lo poco que da de sí un avión invisible y con el techo de cristal, que no se lo cree nadie.

lift

Ya hemos dicho que es Lift: Un robo de primera clase es corta y la verdad es que pasa en un suspiro. La película entretiene, lo que no es poco pero aun así tiene algún segmento en el que adolece de falta de ritmo, sobre todo cuando pretenden centrarse en la relación entre el personaje de Kevin Hart y el de Gugu Mbatha-Raw.

La película padece esa producción made in Netflix, esa que pretende reducir costes a base de iluminarlo todo, con una fotografía de culebrón de sobremesa. Tanta claridad en una película de ladrones acaba por sacarte de la historia.

En resumen, Lift: Un robo de primera clase no es un desastre pero no va a figurar en el listado de las mejores películas de 2024. Pasas 90 minutos entretenido pero tras escribir este post ya la habremos olvidado y pasaremos a otra cosa. Una pena. Me temo que este 2024, entre huelgas de guionistas y actores, dará poco de sí. Arrancamos el año. Un saludo, sed felices.

Las cosas que nos hacen felices opinan: Los cómics más esperados de 2024.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Después de la resaca navideña y una vez hemos recibido la visita de SSMM Los Reyes Magos de Oriente, hemos de empezar el nuevo año con mucha fuerza. Por este motivo queremos hablaros de Los cómics más esperados de 2024.

Antes de nada, os quiero dejar la lista de los cómics más esperados de años anteriores. Siempre me gusta echar un ojo a estas listas de otros años y así poder comprobar si me falta algún títulos o si la expectación sobre la obra era justificada o no:

Los cómics más esperados de 2024.

Huelga decir que, la elaboración de la lista, responde únicamente a mis preferencias de lectura personales y que no tiene porqué gustar a la totalidad de la comunidad lectora de cómics de nuestro país. Tampoco lo pretendo.

Únicamente buscamos hurgar en la curiosidad de nuestros lectores y que estén atentos a publicaciones que creemos interesantes. Sin beneficiar ni menospreciar ningún género ni a ninguna editorial. Dicho esto …

¡Vamos!

1.- Gil Pupila. Tomo 1 (1956-1960). Dolmen Editorial. Previsto para el mes de febrero.

Gil Pupila es una serie mítica de la BD, creada por los grandísimos autores Maurice Tillyeux y Gos (Quena y el Sacramús, también publicado por Dolmen), que narran las aventuras en clave de humor, del detective privado Gil Pupila, su torpe ayudante Libélula y su secretaria Cerecita; que siempre contarán con la colaboración del Inspector Corrusco.

Una serie muy demandada, puesto que no se edita en España desde la edición en cuatro volúmenes integrales que publicó Planeta, entre diciembre de 2009 y enero de 2011.

esperados

2.- Johnny Red: El Hurricane. cARTEM Cómics. Sale ya mismo. Este mes de enero. Creo que recomendar un cómic bélico realizado por el gran Garth Ennis, no tiene ningún mérito. Y si ésta se encuentra dibujada por Keith Burns, aún menos mérito.

Ya tuvimos un tomo de Johnny Red, que nos trajo en su día Ponent Mon, a cargo de un equipo creativo de auténtico lujo, como fueron Tom Tully (Zarpa de Acero y Mytek el Poderoso) y Joe Colquhoun (La Guerra de Charley, también publicado por Cartem).

En esta ocasión, el legendario piloto Johnny «Red» Redburn vuelve una vez más como comandante de Los Halcones, un escuadrón de cazas rusos que lucha contra los nazis en los cielos de Stalingrado.

esperados

3.- Zombillenium. Integral. Nuevo Nueve Editores. Su muy esperada publicación, se encuentra prevista para el 4 de marzo. Esta mítica serie, realizada por Arthur de Pins, quedó sin terminar en la anterior editorial que poseía los derechos de publicación.

«El parque de atracciones Zombillénium, que mantiene prisioneros a decenas de visitantes, es codiciado por numerosos demonios, todos deseosos de convertirse en accionistas mayoritarios.
El único método de arbitraje aceptado por todos: el Sabbath Grand Derby, un evento deportivo tan violento como inventivo donde compiten cinco brujas a las que se dará de comer a los visitantes del parque…
Entre las candidatas, una tal Gretchen, decidida a dar lo mejor de sí, ya que no puede contar con la ayuda de Aurélien-Baphomet…
¡Los espectadores del Sabbath Grand Derby, retransmitido como un reality show cualquiera, quedarán asombrados! Gretchen, por su parte, corre el riesgo de sufrir un golpe…

Por fin veremos el final de la serie. Estamos deseando que llegue el próximo 4 de marzo. Un acierto de Ricardo Esteban. Otro más …

esperados

4.- Hombre. ECC Ediciones. Este mes de enero, tendremos el primer tomo de la reedición de una de las mejores obras que se han realizado en España.

Hombre, de Antonio Segura y José Ortiz es una de las mayores obras maestras que se han realizado en nuestro país. Esta serie se encuentra ambientada en un futuro distópico donde lo más importante es SOBREVIVIR. Matar o morir hasta su más extrema consecuencia.

Comer perros o incluso niños para no morir de hambre. Acción en estado puro y un dibujo magistral en blanco y negro (en este primer volumen) a cargo del maestro Ortiz.

Tenemos ante nosotros una de las obras más ansiadas y sobre las que más se ha especulado en anteriores ediciones.

¡Aprovechad para haceros con ello!

esperados

5.- Marvel Omnibus. Los 4 Fantásticos de Carlos Pacheco. Panini Cómics. Otra ansiada y deseada reedición de una gran obra, realizada por uno de los mejores autores que hemos tenido en nuestro país: El tristemente desaparecido Carlos Pacheco.

Esta nueva etapa de Los 4 Fantásticos, realizado por el equipo creativo formado por Carlos Pacheco, Rafael Marín y Jesús Merino.

Veremos de vuelta el Edificio Baxter y la presentación de su máximo impulsor, los orígenes perdidos de Diablo y el inesperado regreso de los más olvidados enemigos de La Primera Familia: Gideon Trust.

Reed, Ben, Johnny y Sue deben prepararse para la más alucinante visita que jamás hayan hecho a la Zona Negativa… Pero uno de ellos no llegará a tiempo para el salto a la otra dimensión.

¿Qué hará entonces? ¡Crear unos nuevos Cuatro Efe!

esperados

6.- Revista de autores de cómic nº 1: José Luis Munuera. Isla de Nabumbu. En estos momentos, la preventa de esta nueva revista se encuentra abierta.

Autores de Cómic, será una revista a todo color, que constará de 112 páginas y estará compuesta por artículos realizados por los teóricos de la historieta en nuestro país, entre los que estarán: Jorge García, Alejandro Romero, Javier Mora, Jordi Canyissà, Manuel Barrero …

Este primer número está dedicado a José Luis Munuera, al que Isla de Nabumbu ha realizado una extensa entrevista, junto con otros textos que reseñan su obra, una extensa bibliografía, dos historietas inéditas en España y cientos de ilustraciones.

La revista se encuentra en preventa y tiene prevista su publicación durante este mes de enero.

Debo deciros que ya he reservado mi ejemplar.

Pinchad aquí para más información

esperados

7.- Rogue Trooper, de Gerry Finley-Day y Dave Gibbons. Dolmen Editorial.

Rogue Trooper es uno de los mayores clásicos de la ciencia ficción y la revista 2000 AD. Dolmen nos traerá la etapa completa Gerry Finley-Day y Dave Gibbons (y otros dibujantes), que llenará otro hueco necesario en nuestras estanterías y que se dispone a enriquecer la Línea Albion.

El último de los soldados de infantería genética (GIS), Rogue Trooper, ha desertado junto a las almas confinadas en biochips de sus compañeros muertos. Su misión: encontrar al general traidor que delató a los GIS.

esperados
Portada por determinar

8.- El Prisionero de las Estrellas. cARTEm Cómics.

El Prisionero de las Estrellas es una de las obras más importantes de la ciencia ficción española. Nuestro protagonista, fugado del Penal del Diablo, intenta protegerse del calor del sol y esconderse de sus perseguidores, una policía brutal y dictatorial que aniquila a cualquier persona en la que detecte el menor síntoma de oposición.

Esta necesaria recuperación, contará con un nuevo coloreado del magnífico dibujo de nuestro Alfonso Font.

Su publicación estaba prevista para el mes de octubre de 2023. Debido diferentes vicisitudes y con el fin de lograr la máxima calidad que la obra merece, la fecha de salida se ha visto retrasada a septiembre de 2024. Estamos deseando que llegue.

esperados

9.- JLA: La nueva frontera (Grandes Novelas Gráficas de DC). ECC Ediciones. Nueva edición de esta obra maestra del género superheroico, que se encuentra previsto para el mes de marzo de 2024, con un P.V.P. de 55,50€.

«La Edad de Oro de los héroes ha terminado, pero el mundo aún los necesita. Las guerras de Corea y Vietnam preocupan a los estadounidenses, que no tardarán en ver cómo surgen nuevos justicieros enmascarados que acompañarán a veteranos como Superman o Wonder Woman a la batalla más ardua de su historia. 
El guionista y dibujante Darwyn Cooke maravilló al mundo entero con La nueva frontera, una obra que obtuvo numerosos premios, incluidos el Eisner y encumbró a su autor y también su característico estilo propio de los dibujos animados, como uno de los principales referentes del cómic de superhéroes contemporáneo. 
La Edad de Plata fue una época fascinante de DC Comics a cuyos albores asistimos de la mano de Cooke. El Flash Barry Allen, el Green Lantern Hal Jordan…
Todos estaban llamados a una grandeza y brillan con luz propia en manos de un autor cuyo talento nos sigue asombrando años después de su fallecimiento».

Esperados

10.- Esos días que desaparecen. Nuevo Nueve Editores. Nos encontramos ante una de las obras más esperadas del año. Sin duda. Su publicación se encuentra prevista para el mes de abril de 2024.

«¿Qué harías si de repente te dieras cuenta de que vives solo un día de cada dos? Esto es lo que le sucede a Lubin Marshal, un joven de veintitantos años que, sin ningún recuerdo, se despierta cada mañana cuando ha pasado un día entero.
Descubre que durante estas ausencias, otra personalidad toma posesión de su cuerpo. Aunque se trata de él mismo, lleva una vida que no tiene nada que ver con la suya.
Para organizar esta convivencia física y temporal, Lubin se propone comunicarse con su «otro», mediante vídeos. Pero gradualmente, el alter ego toma el control y tiene el cuerpo de Lubin cada vez más, este último se evapora gradualmente con el tiempo …
¿Quién sabe cuántos días tiene que vivir antes de desaparecer por completo?»

esperados

11.- Blake y Mortimer. Edición Integral. Norma Editorial. Este mismo mes de enero, la editorial barcelonesa publicará el primer volumen integral de una de las series más importantes de la historia de la BD.

«Al fin en edición integral las peripecias de Blake y Mortimer, mítica pareja de aventureros creada en 1946 por el maestro Edgar P. Jacobs y continuada por autores de la talla de Jean Van Hamme, André Juillard o Ted Benoit.
Esta edición reúne todos los álbumes de la serie acompañados por extensos dosieres con multitud de extras e ilustraciones inéditas».

esperados

12.- Frank Cappa. Edición Integral. cARTEm Cómics. Por fin tendremos una reedición de una de las míticas obras realizadas en nuestro país, que haga justicia a la calidad de la misma. Lo malo de esto es que tendremos que esperar al mes de noviembre para tenerlo en nuestras manos.

«Reedición completa que incluye todas las aventuras del histórico personaje de ficción Frank Cappa, periodista y fotógrafo de guerra, a partir del material original. Es una creación de Manfred Sommer, historietista español del boom de los 80.
Este trabajo supuso la consagración definitiva de Manfred Sommer y fue uno de los mayores éxitos del cómic español de los años 80 del siglo XX.
Su obra se ha traducido a varios idiomas, pues varios álbumes de la serie se han publicado en países como Francia o Alemania, y y han aparecido también en revistas como Heavy Metal (EEUU) o l’Eternauta (Italia)».

esperados

13.- Drifter Realms 1. Leviathan Labs. Este año, la editorial de origen italiano nos trae un manga español, realizado por Manué Soto Galeote. Manué es un dibujante y guionista de manga asentado en Conil de la Frontera.

Una nueva era astral ha comenzado con la llegada de nuestro protagonista al más allá. Tras perder su memoria astral en el tránsito de la Tierra a la Frontera de los Mundos, deberá enfrentar el desasosiego de no saber quién es en realidad y se vera inmerso en un despiadado mundo que le es ajeno.

Su destino es diferente al resto de almas, puesto que él es el llamado Enlace Astral y en sus recuerdos perdidos, se esconde el enclave sagrado donde está sellada la verdad de los primeros humanos.

Él es la llave y el encargado de guiar a las almas hacia la nueva era y por supuesto, los temibles ecos del ego se alzarán una vez más para impedir que la verdad de los humanos sea revelada.

 ¿Será el enlace astral capaz de recuperar su memoria antes de ser consumido por la oscuridad de su propio destino?

Tendremos que esperar al mes de abril de 2024 para descubrirlo. Por nuestra parte, estamos deseando disfrutar de esta historia de espadas, sangre, magia y esoterismo.

 esperados

14.- El Bárbaro. Ediciones Inuit. Distribuye ECC Ediciones. Este nuevo proyecto de Ediciones Inuit hace que tenga el hype por las nubes. Desconocemos los pormenores del nuevo proyecto de Javier Marquina.

Como ya he comentado en otras ocasiones, en la familia de Las Cosas Felices somos totalmente «marquinistas» y este título no podía faltar de esta lista.

Esta obra tiene prevista su fecha de salida el 3 de abril de 2024. El tomo constará de 96 páginas en blanco y negro (a modo de La Espada Salvaje) y constará de cuatro historias de este «Bárbaro«, guionizadas por Javier Marquina y dibujadas por:

– “LA CRIPTA” dibujada por Daniel Tomás.
– “EL MUSEO” dibujada por Rafael Pérez.
– “LA TORRE” dibujada por Arnau López.
– “LA REINA” dibujada por Carlo Romero y Xavi Juan.

Por nuestra parte … Ansiosos porque llegue este cómic a nuestras manos.

esperados

Y hasta aquí nuestra lista de recomendaciones más esperadas de este nuevo año. Os agradeceríamos vuestras aportaciones. Seguro que se nos han pasado una gran infinidad de títulos muy interesantes.

Esperamos vuestro comentarios. Os deseamos un feliz 2024 y sobre todo …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: Conexión Tequila (Tequila Sunrise, 1988), un triángulo explosivo entre traiciones y tragos

Hoy hacemos repaso de Conexión Tequila (1988), clásico de los ochenta dirigido por Robert Towne y protagonizado por Mel Gibson, Kurt Russell y Michelle Pfeiffer.   Dos antiguos amigos que han seguido caminos opuestos y en el medio una muchacha y un restaurante, todo ello en un contexto de crimen, narcotráfico y una trama siempre cambiante.

Bienvenidos una vez más a nuestra sección de retro-análisis, hoy para sacarle polvo a Conexión Tequila (Tequila Sunrise, 1988), conocida en América Latina como Traición al Amanecer. Un filme bien de los ochenta que constituye para el californiano Robert Towne su segundo trabajo como director, luego de haberse ganado un gran prestigio como guionista en más de un filme de Roger Corman, pero sobre todo con Chinatown (Roman Polanski, 1974).

En el elenco, un Kurt Russell que venía de 1997: Rescate en Nueva York y La Cosa (ambas de John Carpenter), un Mel Gibson en transición desde la saga Mad Max hacia la de Arma Letal y una Michelle Pfeiffer en ascenso que venía de títulos emblemáticos como Scarface: El Precio del Poder o Lady Halcón, aunque aún no había dado en lo actoral el gran salto que llegaría al año siguiente con Los Fabulosos Baker Boys.

No se podía pensar en una combinación más explosiva para una historia que mezcla intriga y romance en una localidad costera del sur de California que no se designa con precisión, pero que pareciera no estar lejos de Los Angeles. En fin, recordemos (o veamos) de qué iba la cosa…

conexion tequila las cosas felices.07 e1703711290316

La Historia

Nick Frescia (Kurt Russell) y Dale McCussik (Mel Gibson) son amigos del pasado y ex compañeros de colegio, pero la vida les ha llevado por caminos distintos. Mientras que el primero es policía y está a punto de ser ascendido a división de narcóticos, el segundo se ha dedicado al tráfico de drogas aunque dice estar ya retirado del asunto: dice…

Un agente de la DEA llamado Hal Maguire (J.T. Walsh) está tras él porque parece estar traficando nuevamente, pero su amigo Nick no está dispuesto a enviarlo a la cárcel y, de hecho, facilita su huida durante un operativo y lo aborda después en privado para ponerle al tanto de que lo están investigando y oyendo sus conversaciones en un restaurante italiano de la zona.

El mismo está regentado por Jo Ann Vallenari (Michelle Pfeiffer) y es adonde Dale (o Mac, como Nick lo llama) concurre a comer pastas y beber “tequila sunrise”, aunque sospechan que la realidad es otra: en la DEA tienen indicios de que está queriendo arreglar un arribo de cocaína con un pesado narcotraficante mexicano llamado Carlos.  En principio, Nick no lo cree, pero Hal le promete que si se vale de su amistad con Mac para arrestar al tal Carlos, se encargará de que su amigo ni siquiera vaya a juicio.

Ello deja a Nick en la paradoja de que si quiere ayudar a su amigo tiene que investigarlo y desbaratar lo que sea que esté haciendo.  Para ello, el mejor camino es acercarse a Jo Ann, a quien brinda ayuda en un entuerto legal con un cocinero indocumentado. Está descontado que habrá romance, como también triángulo involucrado , pues cualesquiera otras intenciones o negocios turbios tenga Mac en agenda, una de las razones de su asidua concurrencia al restaurante es precisamente Jo Ann…

No quiero contar mucho más, pero se dispara una red de sospechas y traiciones con una sucesión de giros que hasta el final de la película no dan respiro mientras nada es lo que pareciera ser.

Y la trama narco se complica todavía más con la intervención de un agente federal mexicano apellidado Escalante (Raúl Juliá), lo que da lugar a nuevos giros hasta acabar en una escena de tiros y explosiones que constituyen no solo el clímax de la película sino también su único momento de acción sin que ello signifique que sea aburrida.

conexion tequila las cosas felices.04 e1703710679751

Amor, Drogas y Giros

Si uno ve la película hoy sin estar anoticiado del director, posiblemente presuma que es un filme de Tony Scott: el de los ochenta, claro, no el de Amor a Quemarropa o Marea Roja. Pero al estar escrita y dirigida por Robert Towne y ser este responsable de Chinatown, estamos ante una trama mucho más cambiante y enrevesada. Allí reside el principal problema de Conexión Tequila: la historia del triángulo amoroso entre Nick, Mac y Jo Ann es atractiva, como también la laberíntica intriga de tráfico de drogas, pero ambas cosas juntas no acaban de funcionar del todo bien…

Es que, por más que este sea básicamente un filme neo-noir con inconfundibles elementos de los cuarenta o cincuenta, no deja de ser una historia de los ochenta y, como tal, cobran importancia detalles estéticos clásicos de la década que remiten a videoclip o aviso publicitario.

Aunque dosificadas y sin llegar a lo empalagoso, no faltan las consabidas escenas de sexo con fondo de saxo o saxo con fondo de sexo y amantes húmedos en el jacuzzi o entre las olas: estamos en los años de auge del thriller erótico y del tardío impacto (vía Europa) de Nueve Semanas y Media.

Hay escenas que parecen sacadas de esos pósters que poblaban las tiendas de la época y acostumbrábamos regalar a nuestras novias para sumar puntos. Algunas muy logradas, como Nick y Mac dialogando sobre sendos columpios mientras las inconfundibles siluetas de Russell y Gibson se recortan de perfil contra un fondo en el que cuesta distinguir mar, arena, cielo y neblina entre una gama de tonos naranja que hace acordar, claro, al trago que da título a la película en idioma original. La fotografía de Conrad Hall, incluso, le ha valido al filme su única nominación al Oscar.

conexion tequila las cosas felices.05 e1703710181856

Pero por otra parte, estamos ante una trama retorcida que no deja respiro y, como consecuencia, tampoco tiempo para detenernos mucho en la contemplación. En Chinatown, la estética era tan ascética y minimalista que nos obligaba a zambullirnos de lleno y sin concesiones en la trama mientras que inversamente, en aquellos filmes ochenteros de Tony Scott, la trama era tan sencilla y lineal que podíamos deleitarnos en los momentos visuales sin culpas ni remordimientos.

Conexión Tequila busca hacer ambas cosas y allí está su error: quiere ser Chinatown en la era del videoclip, pero no deja tiempo para lo uno ni lo otro a pesar de las casi dos horas de metraje y termina por ser, haciendo honor a su título original, un cóctel demasiado cargado.

Ojo: no es que sea una mala película o no se disfrute. Tiene en su centro el poderoso triángulo Gibson – Russell – Pfeiffer, casi de lo mejor que se podía conformar en la época, tanto que amerita preguntarse qué podía salir mal.

Los tres, por cierto, cumplen bien, aunque el personaje de Gibson, si bien rico en ambigüedades, no es un traficante muy creíble o bien será el más bueno del mundo y casi pobre víctima: si trabaja para un narco mexicano, es porque tiene una deuda con este por haberlo sacado de la cárcel; si trafica drogas es porque necesita pasarle dinero a su ex esposa para la mensualidad de su hijo. Quizás hubiera sido más interesante hacerlo algo más podrido y que aun así el personaje de Pfeiffer sintiese atracción por él: una especie de hibristofilia. Pero estaríamos ya analizando una película que no existe…

conexion tequila las cosas felices.06 e1703711410202

Y la parte actoral, de todos modos, no se agota en el trío: un formidable Raúl Juliá da vida a Escalante y el mismo calificativo cabe para J. T. Walsh en el papel de Hal: una sociedad que puede ser forzada, cambiante o antagónica y que guarda sus secretos, pero que lamentablemente la preponderancia dada al triángulo deja muy en segundo lugar y es una pena…

La banda sonora de Dave Grusin (ganador del Oscar al año siguiente por Un Lugar llamado Milagro) es muy de la época, pues era común en los thrillers y policiales de los ochenta el preferir arreglos bien groove o smooth jazz con mucho viento y bajo con slap antes que acompañamientos orquestales más bien reservados para grandes producciones épicas.

Y no faltan artistas ligados a la década como Duran Duran, The Church, Ziggy Marley o Andy Taylor y, en una burbuja temporal cincuentera que para nada desentona con el tono neo-noir, The Everly Brothers. Pero el párrafo aparte se lo lleva la canción Surrender to Me que, compuesta especialmente por Richard Marx y Ross Vannelli, es interpretada en el final a dúo por Ann Wilson, de Heart, y Robin Zander, de Cheap Trick: un baladón de esos capaces de derretir los corazones más gélidos que se convirtió en éxito y clasicazo indiscutible de los ochenta.

Valoración Final

A veces tengo mis reservas para usar el término envejecimiento cuando se habla de un filme que tiene sus años. Supongo que entiendo de todos modos lo que significa: algo así como decir “de ser hecho hoy, se haría de otra forma”. Pero soy de la idea de que una película, como todo, tiene siempre un contexto de época y así debe ser vista. Además, las tendencias y modas pueden ser cambiantes, pero también recurrentes y no sea cosa que en algún momento ciertos conceptos fílmicos regresen y lo que parecía antiguo pase súbitamente a tener otra vez vigencia.

A lo que voy: está claro que Conexión Tequila se haría hoy de modo totalmente distinto, pero su mayor problema no está allí sino en algo que es deficiencia incluso para la época y que, como he dicho a lo largo del artículo, es superponer una historia de romance, celos y sospechas con una laberíntica trama de narcos sin tiempo suficiente para desarrollar ninguna de las dos. Se me ocurre que quizás Robert Towne pudiera estar muy preocupado por lo que dijera la crítica y ello le haya llevado a llenar de giros argumentales la película para que no fuera simplemente calificada como un blockbuster pasatista de los ochenta. Sea como sea, el resultado termina perdiendo solidez…

De hecho, y en este tiempo donde los remakes de los ochenta están a la orden del día (se viene en pocos meses De Profesión: Duro) , no estaría mal que alguien la rescatase, pero me permito humildemente sugerir que sea serie y no película, lo cual permitiría un mejor desarrollo de personajes y subtramas, así como menos vértigo y desenfreno en la avalancha de giros. Ok, ya lo he dicho: ahora hagan lo que quieran…

Pero aun con sus problemas, no se puede decir que Conexión Tequila no sea una película disfrutable. Tiene un poderoso triángulo en su centro, dos grandes actores algo más en sombras y una hermosa fotografía que, con su paleta de colores (sobre todo en escenas de exteriores), hace honor al título. Y una balada inolvidable en el cierre. ¿Es poco?…

Un apunte más en relación al título. El “tequila sunrise” o “amanecer de tequila” es un trago que tiene más de una versión, pero que se prepara mayormente con tequila, jugo de naranja y granadina, lo que produce a la vista un bello degradé de amarillo a naranja profundo a medida que descendemos al fondo del vaso: tan bello que hasta da pena bebérselo. En la película es mencionado una única vez cuando Mac lo pide en el restaurante de Jo Ann y más bien tiene, como antes dije, un sentido estético y simbólico.

Ignoro si los distribuidores en países de habla hispana habrán juzgado que dicho cóctel no era suficientemente conocido por nuestros lares o simplemente hayan pensado que era un título sin gancho, pero en España se llamó Conexión Tequila y en Latinoamérica Traición al Amanecer. Ambos toman algo del título original, pero ninguno termina de atinarle al sentido poético y metafórico. En el primer caso, parecería ceder al clásico lugar común de relacionar al tequila con México y, por extensión, a los mexicanos con el narcotráfico. En cuanto al segundo, es cierto que hay traiciones en la película, pero son tantas que no se sabe a cuál alude el título y, que yo recuerde, ninguna se produce al amanecer.

Conexión Tequila es, en definitiva, una película atractiva más allá de sus defectos y, sobre todo, nos hace añorar la época en que se hacían filmes así. Pueden verla con una buena compañía y un par de tequilas sunrise si se animan a consultar un tutorial y prepararlos pero, en caso de hacerlo, deténganse un momento a contemplar sus hermosos colores antes de beberlo y dar play.

Salud y sean felices…

El cómic de la semana: Liga de la Justicia: Origen

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Liga de la Justicia: Origen. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Liga de la Justicia: Origen de Grandes novelas gráficas del universo DC

En 2011 DC hizo un reseteo total de sus colecciones, de sus series, de su universo con el fin de volver a vender más. La grapa se moría, las ventas bajaban y DC quería llegar a las nuevas generaciones, sin carga de años por detrás de historia. Parecía que en los 80, con Crisis en Tierras Infinitas lo habían conseguido, pero DC tiene la tendencia a volver al pasado y al multiverso. Una y otra vez, los patrones y la historia están para repetirse. DC optó por empezar desde cero, literalmente.

Aux origines

Y por todo ello creó The new 52, que paradójicamente eran las 52 Tierras del multiverso, las 52 semanas del año y sus 52 nuevas colecciones. Eso si, las 52 nuevas colecciones no nacerían el mismo mes, sino que lo harían escalonadamente hasta llegar a 52. De todas maneras este nuevo renacer no fue el éxito esperado ya que hubieron colecciones que cerraron en su primer año. Finalmente la propia DC tuvo que reconocer que lo mismo eso de sacar 52 series quizás fuera un poco excesivo.

Con el tiempo este empuje se fue diluyendo para quedarse únicamente con las mejores series y con los héroes más famosos. Y evidentemente sin contar las series de Batman o Superman, o quizás Wonder Woman, la colección que más lectores atraía era la unión de todos ellos en la Liga de la Justicia. Y para ello, para que la serie brillara como un faro, atrajeron a dos de sus mayores talentos, el guionista Geoff Johns y el dibujante Jim Lee.

Justice league Jim Lee

Y así empezó la nueva Liga de la Justicia, con los miembros de «siempre», ahora comento el matiz, pero como superhéroes novatos, sin conocerse entre ellos. Además de las grandes historias y del magnífico dibujo de Jim Lee, lo divertido, lo interesante, lo que daba aliciente a la historia era contemplar como se conocían entre ellos, casi desde cero. Ver a tus héroes preferidos, otra vez empezando e interactuando, creando enlaces fuertes por combatir en grupo contra enemigos poderosos. Todo esto era un plus para leer esta nueva Liga de la Justicia.

Desde hacía tiempo, supongo que desde los tiempo de Grant Morrison a finales de los 90 y principios del siglo XXI, se instauró que el gran grupo de DC tendría que tener a los 7 pilares de la compañía que eran Superman, Batman, Wonder Woman, Flash, Aquaman, Green Lantern y… El Detective Marciano. En esta ocasión, y por primera vez se sustituyó al último superviviente de Marte por Cyborg, un superhéroe negro que venía de la serie de los Titanes. Y parece que el héroe funcionó en grupo y tuvo gran repercusión.

Y así empiezan las grandes leyendas de DC, en esta serie y en este tomo llamado Liga de la Justicia: Origen. Un cómic creado para contentar a los fans veteranos y a los recién llegados.

8159soHWHEL. AC UF10001000 QL80

Edición original: Justice League 1-6

Hace poco tiempo que Wonder Woman, Aquaman, Flash, Superman, Batman y Green Lantern empezaron su carrera superheroica. Sin embargo, a pesar de su falta de experiencia, se verán obligados a formar equipo para derrotar a un enemigo venido de otro mundo: ¡el mismísimo Darkseid! Liga de la Justicia: Origen es la saga fundacional de la etapa conocida como Nuevo Universo DC, una aventura épica en que el guionista Geoff Johns y el dibujante Jim Lee actualizan no solo el origen de la Liga sino también el de Cíborg, el séptimo miembro del grupo más poderoso de la Tierra.

Hay aventuras que cautivan a los lectores por el talento de sus autores y también por el carisma de sus protagonistas. En esta ocasión, Johns y Lee, ambos en plena forma, consiguen contar los inicios de la Liga de la Justicia aunándolos con la rica mitología del Cuarto Mundo y sin perder de vista esas relaciones personales que resultan imprescindibles en toda aventura grupal.

Sin más os dejo a continuación enlace a ECC Cómics y justo debajo la portada del tomo en España.

Liga de la Justicia: Origen

Un saludo y sed felices.

Monarch: El legado de los monstruos, sigue creciendo el MonsterVerse.

Monarch: El legado de los monstruos es una serie de televisión estadounidense creada por Matt Fraction para el servicio de streaming Apple TV. Producida por Legendary Television y Toho Co. Ltd., es la sexta entrega del MonsterVerse.

La serie está protagonizada por Kurt Russell, Wyatt Russell, Anna Sawai, Kiersey Clemons, Ken Watabe, Mari Yamamoto, Anders Holm, Joe Tippett y Elisa Lasowski.

En resumidas cuentas, la historia se cuenta desde dos épocas diferentes: por un lado nos muestra cómo se fueron formando las bases de la compañía Monarch, mientras se encuentran con Godzilla y otros titanes, en la década de 1950. La segunda época se sitúa en el presente, trasladándonos a los acontecimientos que se desarrollan después de la batalla épica entre Godzilla y los Muto que arrasaron San Francisco. Nos cuenta la historia de dos hermanos que, siguiendo los pasos de su padre, descubren la conexión de su familia con la organización secreta conocida como Monarch.

Lo primero que hay que reconocerle a la serie es que intenta distanciarse de las películas en las que se basa. En Monarch, el interés no se centra en el combate de turno de Godzilla contra el monstruo, sino que se convierte en una más que digna serie de aventuras, en la que salen criaturas.

Sobre todo se nota en la parte que nos muestra a los personajes en la década de los años cincuenta, que está impregnada de la verdadera esencia de la aventura que tan magníficamente eran capaces de transmitir las películas antiguas. Con ese ritmo narrativo especial lleno de entusiasmo derivado de la narración oral. Imágenes que resaltan los colores luminosos, invitándonos a adentrarnos en ese mundo en el que se nos muestra la naturaleza salvaje en todo su esplendor.

Monstruos de Monarch: El legado de los monstruos

La serie consigue transmitir estas emociones durante muchos de sus capítulos. Siendo capaz de trasladar esa misma sensación de aventura al tiempo presente, como ejemplo, el capítulo que se desarrolla en Alaska. Gracias a ello, consigue construir un tempo ameno que se mantiene durante casi toda la serie. Cuidando sobre todo el tono épico, fresco y despreocupado, que nos hace disfrutar sin la necesidad de tener que poner constantemente algún monstruo de relleno. Al revés, consigue que cada aparición de los monstruos se integre en la narración, ejerciendo de altavoz para aumentar los decibelios de la aventura.

Monarch funciona por cómo utiliza el descubrimiento de seres insólitos, reconociendo que tal vez la aparición de los Muto sea escasa. Pero lo que la hace destacar es su forma de aproximarse a la búsqueda de lo extraordinario, especialmente en el tramo del pasado, en el cual la inocencia de un mundo que todavía falta por descubrir le proporciona esa consistencia de misterio y fantasía. Sin embargo, es una pena que no logre mantenerse en esa vía, ya que todo se diluye un poco, en cuanto vuelve al manido tema de la conspiración gubernamental.

Un defecto que arrastran algunos capítulos es que dejan cierta sensación de relleno, sobre todo en lo concerniente a los dramas familiares que no aportan nada a la historia, rompiendo el ritmo y volviéndola monótona. En especial el capitulo quinto, que puedes saltártelo si quieres y en donde cojea la intención de darle empaque dramático a la serie.

descarga 1

Aún así, tiene momentos muy potentes, es capaz de engancharte y logra ser un producto de calidad en el universo de Godzilla. Cuando se desmelena en sus instantes de caos es cuando de verdad logra brillar Monarch.

Con cada aparición de las diferentes criaturas logra sorprendernos, gracias a unos correctos efectos especiales que consiguen transmitir su colosal tamaño y el alcance de su destrucción. Aunque es verdad que se guardan los mejores efectos para las apariciones de Godzilla: sin él no existiría la serie y se come la pantalla, perdón por el chiste. El nivel visual, aunque a veces es algo irregular, nunca te saca de la historia y cumple con lo mínimo que se le puede exigir a una serie de aventuras.

Monarch tiene una banda sonora que consigue ensalzar los momentos de mayor impacto. La narración es fluida, excepto en el uso de los flasbacks familiares que no están bien ejecutados. Sin embargo, es lo suficientemente entretenida como para que no sea pesada su duración. Es capaz de brindar momentos en los que se disfruta de la tensión bien construida. En líneas generales, el nivel es bastante alto para tratarse de una producción televisiva con buenas y complejas secuencias de acción.

Monarch Legacy of Monsters Episode 3 1536x864 1

De los actores solo me voy a detener en Russell y su hijo. Ambos se fusionan de maravilla con el personaje que encarnan de Lee Shaw. Kurt mantiene esa divertida y socarrona esencia traída desde su mítico Jack Burton(Golpe en la pequeña china) que tan bien le sienta. Se nota que disfruta, pasándoselo en grande, y cada vez que aparece eleva el listón de la serie y hace disfrutar a los espectadores. Su hijo no tiene su carisma pero también tiene su propio espacio para destacar. El resto de personajes, aunque correctos, no pasan de ser meros prototipos, en especial los secundarios que no logran interesarnos demasiado.

Quizás esta situación sea debido a algunos momentos tibios del guión. Algunos diálogos pecan de ser algo trillados y vacíos, típicos de las series de aventuras ligeras, que solo buscan agradar, no hacernos pensar. Pero al fin y al cabo, siendo una producción del MonsterVerse, la trama humana en Monarch es mejor que en las películas. Aun así, el guion logra mantener interés a lo largo de la serie y están bien resueltos los saltos temporales que presenta mediante una estructura arriesgada de flashbacks en diferentes épocas. Otra cosa buena es que logra ampliar el lore del MonsterVerse con información sobre nuevas criaturas.

monarch frost

En definitiva, Monarch: el legado de los monstruos no intenta parecer una serie densa llena de metafísica, sino recuperar el tono de las antiguas series de aventuras como Stargate o Sea Quest, en el que lo primordial era que los espectadores disfrutaran de la sensación de vivir nuevas experiencias en un mundo fantástico. En este caso, lo fantástico proviene desde dos puntos de vista destinados a encontrarse, pasado y presente, cuyo factor de ebullición es el descubrimiento de Godzilla.

Por un lado, nos encontramos en la década de los años cincuenta, donde todavía le quedan a los humanos partes del mundo que encierran misterios por descubrir, en este caso, el origen de los monstruos. Y por otro lado, en la actualidad, nos encontramos un mundo consciente del despertar de monstruos gigantes y marcado por su rastro de destrucción. Obligando a la sociedad a intentar aprender a vivir con estas nuevas circunstancias de caos y desolación. La narración mezcla y une con habilidad las líneas temporales, mientras seguimos a los personajes intentando desvelar los misterios que encierra tras sus paredes la comprometida empresa Monarch.

Sin duda, Monarch: El legado de los monstruos, unido a nuestro legendario Kurt Russell, es un regalo para los fans del fantástico.

Análisis de Doctor Who: La iglesia de Ruby Road (Especial 4)

La nueva etapa de Doctor Who

ALERTA. ESTE ARTÍCULO CONTIENE SPOILERS SOBRE EL EPISODIO.

En el tercer especial del 60° aniversario vimos un momento histórico en Doctor Who, ya que asistimos por primera vez a una bigeneración por parte del Decimocuarto dando lugar a dos formas: el nuevo doctor interpretado por Ncuti Gatwa (Sex Education) y al propio Decimocuarto interpretado por David Tennant, que nos acompañó durante los especiales de navidad. Esto ha resultado una sorpresa bastante gratificante y un entrañable y aparente final para el Doctor de David Tennant y Donna Noble. 

Doctor Who La iglesia de Ruby Road TV 665781348 large

El nuevo Decimoquinto abandera lo que se espera que sea un punto y aparte en la etapa de Doctor Who, con un nuevo reinicio y también con el showrunner Russell T Davies, quien ya se encargó del debut del Doctor Who moderno del siglo XXI en el ya lejano 2005 con el Noveno Doctor interpretado por Christopher Eccleston acompañado de Rose Tyler (Billie Piper).

Después de dos temporadas bastante irregulares (siendo optimistas) con la Decimotercer Doctor interpretada por Jodie Whittaker, era evidente que la serie más longeva de la historia pedía una cambio radical. Bajo mi punto de vista, es una pena que Jodie Whittaker no haya tenido la oportunidad de mostrarnos el potencial que tenía bajo la tutela de Russell T davies, ya que creo que no ha sido ella la culpable de la decadencia de la serie, por mucho que me en ocasiones veíamos una copia del Doctor de David Tennant. El experimento de colocar tres acompañantes no funcionó, salvo Graham en ocasiones.

La calidad de los guiones fue bajo e irregular. Chriss Chibnall que no logró encontrar el equilibrio que necesita una serie como Doctor Who. Creo que ahí precisamente es donde aciertan dando el timón a Russel T Davies como showrunner. Seguramente no veamos la épica o giros de guion de la etapa de Moffat, pero estoy seguro que sabrá llevar el tono familiar y el ritmo de ciencia ficción que necesita la serie. Russel se ha ganado ser la persona de confianza de todos los Whovians.

Yo no descartaría por otro lado ver nuevos episodios escritos por Steven Moffat, quien sustituyó a Russell en 2010 como showrunner hasta su marcha en la décima temporada y abarcando las etapas de Matt Smith y Peter Capaldi. Creo que la dupla de Russell T davies como showrunner y Moffat como guionista de algunos capítulos nos ha dado la mayoría de los grandes momentos de la etapa moderna, sin desmerecer las fantásticas temporadas de Moffat como showrunner desde la temporada 5 hasta la 10.

LA IGLESIA DE RUBY ROAD

DOCTOR WHO RUBY CHURCH

Este capítulo es el especial de navidad de 2023 tras los especiales del 60 aniversario, y es el primer episodio completo que presenta el nuevo Decimoquinto Doctor (Ncuti Gatwa) y a su acompañante Ruby Sunday, interpretada por Milllie Gibson. El episodio está escrito por Russell T Davies y dirigido por Mark Tonderai, quien también dirigió el segundo episodio de la temporada 11 llamado El monumento fantasma. 

Comienza con una voz en off nos lleva hasta la nochebuena del año 2004, donde una mujer desconocida deja a una niña en una iglesia llamada Ruby Road, que da nombre al capítulo y a la nueva acompañante, tal como fue el primer episodio de la era moderna llamado Rose. A continuación damos un salto temporal hasta el 1 de diciembre de 2023, en el que vemos a Ruby en un plató de televisión presentada por Davine McCall (famosa en Reino Unido por su versión de Gran Hermano), y quien se ofrece a ayudar a encontrar a su madre biológica utilizando su ADN. En la conversación nos cuenta que ella vive con Carla, su madre adoptiva. Antes de que termine la conversación, un foco de luz casi choca contra Ruby y Davine acaba golpeada en la cabeza por un enchufe.

Todo esta sucesión de aparentes accidentes o como atribuye Ruby «a la mala suerte» son provocados por unas traviesas criaturas llamadas Goblins, que continuaran haciendo travesuras a Ruby las próximas semanas, jugándole alguna mala pasada mientras ella toca el piano en su banda de música en una discoteca. No pienso pasar por alto la maravillosa escena del Decimotercer Doctor bailando con falda escocesa en una discoteca, este muchacho carisma a radiales.

doctor who iglesia ruby

En esta misma discoteca podemos ver la primera interacción entre los dos futuros protagonistas de la temporada, con el Doctor haciéndose pasar en tono de broma como responsable de Salud y Seguridad, división del gin tonic usando su ya mítico papel psíquico. No es el primer diálogo que me saca una sonrisa en el capítulo y la química entre los dos se puede ver desde el primer momento.

Cuando Ruby regresa a su casa con su madre adoptiva, Carla Sunday, ve como esta ha acogido a una nueva recién nacida llamada LuluBelle. Carla deja al bebé al cuidado de Ruby mientras ella sale de la casa y evidentemente esto no podía salir bien. Los goblins son atraídos por medio de un curioso sistema de coincidencias entre LuluBelle y Ruby que me ha gustado bastante en un tono fantástico, pero que finalmente me ha terminado por parecer simple y rebuscado en su desenlace, dándome la sensación de final apresurado. El Doctor atrayendo al barco con sus guantes futuristas no me ha convencido del todo, y que todos los Goblin desaparezcan cuando muere el rey Goblin me ha vuelto a dar la sensación de han querido terminar el episodio de manera acelerada.

Aun así las escenas de los Goblin funcionan muy bien, con especial mención al barco volador, cuyo diseño me ha parecido soberbio, y la escena musical ¿Una burla a Disney? Se nota que la temporada contará con un gran presupuesto sin perder el mamarrachismo típico de la serie. Me ha sorprendido la escena en la que perfora al rey Goblin ¿Quién dijo que Doctor Who es una serie para niños?

Doctor Who La iglesia de Ruby Road TV 343094818 large

Los Goblins, si no me equivoco, es la primera vez que los vemos en la serie de televisión en Doctor Who, pero sí aparecieron en los cómics La corona del guardián de la guerra (números 378 al 380 de la revista Doctor Who) protagonizado por el décimo Doctor y en ¡Está detrás de ti! una historia protagonizada por la Decimotercer Doctor publicado en la revista Doctor Who en 2021.

Algo que me gustaría destacar en este episodio ha sido la escasa presentación del Doctor como personaje en sí, tratándose de un reinicio. En el capítulo que daba comienzo a la época moderna se trataba con mayor profundidad los conceptos básicos de la serie, quizás es algo que darán mayor importancia en el episodio piloto de la nueva temporada, que esperamos ver el próximo mes de mayo. Si eres nuevo en esta serie, te recomiendo que te pases por la guía que preparé hace unos años como preparación para la temporada 11, de la cual también tenemos análisis.

Este capítulo nos ha dejado claro qué podemos esperar del próximo Doctor: Irónico, divertido y aunque me recuerda a Matt Smith, quizás por su juventud, creo que se separa  del resto de personajes que se han reencarnado en el Doctor anteriormente y busca tener su propia personalidad. Si los guiones y la calidad de los capítulos lo acompañan, creo que será un gran Doctor. A nivel actoral creo que nadie puede tener pegas y podemos ver que Ncuti tiene el carisma y estilo de sobra para dar su propio estilo al alienígena más famoso de la televisión.

imagenes doctor who iglesia ruby road episodio especial navidad 3252629

El otro personaje principal del capítulo ha sido la nueva acompañante: Ruby. Hemos podido ver parte de su personalidad y conocer detalles sobre su vida privada y dándole un toque misterio con la identidad del personaje, supuestamente su madre, que la abandonó en la puerta de la iglesia cuando era un bebé. Creo que esta incógnita dará mucho juego en la nueva temporada. Para mí Ruby ha sido de lo mejor del capítulo, la actriz ha podido mostrarnos esa personalidad curiosa y aventurera que necesita una acompañante del Doctor.

imagenes doctor who iglesia ruby road episodio especial navidad 3252625

Me ha encantado la escena en la que la vemos junto al Doctor observando las fotografías sobre el frigorífico con todos los hijos adoptivos que ha tenido su madre adoptiva a lo largo de su vida: «Tienes la familia más grande del mundo» le dice el Doctor. Esta frase gana significado debido a la soledad del Doctor y en un capítulo navideño que tiene como tema principal la familia.

De manera general y aunque tiene un guion bastante pobre, el episodio me ha parecido entretenido y una buena carta de presentación a la nueva temporada. Si a esto le sumamos los especiales del 60 aniversario, creo que tenemos motivos para volver a ilusionarnos con la serie.

El futuro de la serie

Si está claro y algo que esperábamos viendo la edad del actor y a Russel T Davies en el proyecto, es que el tono de la temporada será jovial, con todo lo bueno y malo que esto conlleva. Espero que no pierda la esencia clásica de Doctor Who, los especiales del 60 aniversario me han dado esperanzas para entender que no piensan renunciar a la inmensa cantidad de lore que tiene la serie acumulado durante 6 décadas. El modo de gestionar esto para los nuevos espectadores sin abrumarles y dar a los espectadores de toda la vida lo que desean sin duda será uno de los grandes retos de esta nueva etapa.

Algo que ha dividido bastante a los fans ha sido el nuevo destornillador sónico que hemos podido ver en acción en este capítulo. A mí personalmente el rediseño me parece horrible, pero me guardo mi opinión final para cuando veamos más su uso ¿No queríamos cambios radicales? Pues ya tenemos el primero. Al menos la sagrada TARDIS no la han tocado.

doctor who destornillador sonido

Sí me ha gustado el guante gadget y ojalá veamos más esta versión futurista del doctor, siempre ha sido un tema que me ha gustado bastante. ¿Recordáis las gafas 3D que llevaba el Décimo para observar los efectos del vacío en la gente?

Los especiales de 2023 nos han dejado varios frentes abiertos interesantes que seguramente veremos en la próxima temporada ¿Quién recoge el anillo en el tercer especial? Sin duda estará relacionado con el nuevo Amo ¿Quien es la señora Flood vecina de Ruby y por qué conoce la TARDIS? ¿Creéis que se nos revelará la identidad de la madre de Ruby? No olvides comentar tu opinión sobre estas incógnitas y espero verte en los futuros análisis de Doctor Who, querido Whovian.

Crítica de Echo. La nueva serie de Marvel es adulta y violenta pero no llega a ser todo lo que promete

4

Ya tenemos disponible en Disney+ Echo, la primera serie del nuevo sello Marvel Spotlight que supone producciones con un tono más adulto y pensadas para ver sin tener que estar atento a todo lo que ha ido sucediendo en el UCM. Algo que se consigue a medias si tenemos en cuenta que el personaje protagonista y las circunstancias que llevan a esta serie fueron presentadas en Ojo de Halcón. Pero bueno, por eso el primer capítulo de los cinco que tiene la serie (que podemos ver al completo en la plataforma) es prácticamente una recapitulación de la vida y circunstancias de Maya López, protagonista del show.

Maya es una espectacular luchadora que además es coja, sorda, de origen indígena y, sobre todo, sobrina adoptiva de Kingpin. Al final de la serie de Ojo de Halcón descubría que su tío ordenó el asesinato su padre. Como venganza le dispara en la cara y huye a su pueblo natal en busca de labrarse su propio destino y quien sabe si conseguir tomar el lugar de Kingpin como gran jefe del crimen.

maya
Maya López, la chica más dura del lugar

El problema es que Kingpin ha logrado sobrevivir contra todo pronóstico así que los planes de Maya se acaban complicando. Sobre todo, por la complicada vida familiar que dejó atrás hace muchos años y que ahora vuelve a arrastrarla.

Echo es una serie que ofrece lo que promete, es decir, una historia adulta, oscura y muy violenta alejada del habitual todo ligero y familiar de las producciones del UCM que hemos ido viendo hasta ahora. Nada de chistes fáciles o personajes graciosos porque sí. En el mundo de Maya, brillantemente interpretada por Alaqua Cox, abunda el drama familiar, las decisiones difíciles y los personajes complejos. Tanto es así que su tono recuerda bastante (salvando las distancias) al del Universo Marvel de Netflix, algo que sin duda es de agradecer.

kingpin2
Kingpin con la herida en el ojo por el disparo de Maya

Sobre todo, brilla en las acciones de acción, donde la violencia parece salirse de la pantalla con unas coreográficas brillantes. La sangre salpica la pantalla (atención a ese Kingpin vestido de blanco todo manchado de sangre) y la adrenalina sube en cada escena, como el genial robo en el tren. Y encima tenemos un gran plano secuencia cuando aparece cierto invitado especial que nos recuerda a su serie. Poco más se puede pedir en este aspecto.

En cuanto a los personajes que pueblan la trama, también hay que darles un notable. Las relaciones familiares en las que se ven enredada Maya nada más regresar a casa, con las complicaciones propias de las malas decisiones del pasado, están muy bien tratadas, con un tono serio y adulto que sienta de miedo a la historia. El contrapunto entre la familia que tenemos y que nos quiere por lo que somos y la familia a la que solo interesamos por lo que puede sacar de nosotros, es el punto principal de la serie, por eso es tan importante el personaje de Kingpin, con un inmenso Vincent D’Onofrio que se come la pantalla cada vez que aparece.

abuela
Chula, la abuela de Maya y alguien muy importante en su vida

Por otro lado, la serie nunca olvida las características propias de la protagonista. Además de profundizar en sus raíces, hay muchas escenas muy bien pensadas para sacar partido a la sordera del personaje. Muchos de los diálogos de la serie están en lenguaje de signos (debidamente subtitulados) pero lo que es brillante es cuando nos «ponemos en la piel» de Maya y no oímos nada. Esas escenas son geniales y permiten al espectador empatizar con el personaje y con las personas con ese problema.

Pero a pesar de todas estas cosas positivas, Echo tiene un fallo que hace que logre alcanzar el potencial que tiene como serie. El principal problema es una indefinición general en el tono de la historia por querer tocar demasiados palos a la vez, algo que acaba descolocando al espectador.

Desde el principio del primer episodio queda claro el gran peso que va a tener el legado de Maya dentro la Nación Choctaw de la que forma parte. Hay un componente sobrenatural en esta parte de la historia que parece pensado para agradar a los fans de lo fantástico que se acerquen a la historia pensando que al fin y al cabo están viendo una serie del Universo Marvel. Esta parte de la trama entronca de manera directa con la historia familiar que es la base de la serie y que nos permite conocer el mundo de los nativos americanos desde un punto de vista interesante y nada forzado ya que es la misma base de la serie.

legado
Las mujeres que precedieron a Maya

El problema es que ese elemento fantástico choca con el realismo que puebla toda la trama, quedando bastante raro, sobre todo si tenemos en cuenta que el objetivo real de Maya de encontrar su sitio y hacerse con el control de la mafia y el imperio que otrora gobernaba Kingpin.

Esto hace que la serie este un poco descompensada pasando de momentos de pura acción urbana y genero negro, a un misticismo propio de historias fantásticas que no acaba de casar bien con el tono general de lo que nos guionistas nos quieren contar.

En resumen, Echo es una serie que a pesar de sus intenciones no logra alcanzar del todo sus objetivos. Sigue formando parte de manera férrea del UCM, siendo prácticamente una continuación de Ojo de Halcón y, por otro lado, falla a la hora de mezclar el elemento fantástico con la trama negra y de crimen urbano que nos prometieron. Pero a pesar de ello presenta una historia interesante y adulta con unas escenas de acción fantásticas que dan chispa a una trama que acaba funcionando gracias al buen trabajo de los protagonistas y a una buena caracterización del ambiente familiar de Maya en contraposición a la vida que podría tener con Kingpin.

Quiero acabar diciendo que en mi opinión, Echo no es un serie perfecta pero me parece que es un buen primer paso hacia lo que deberían ser las producciones del UCM en un futuro.

Crítica de Perfect Days (2023), la belleza de lo cotidiano

Este viernes 12 de enero se estrena en España Perfect Days, el regreso de Wim Wenders desde su último largometraje en 2017 (Inmersión). El director de Paris, Texas (1984) y El cielo sobre Berlín (1987), nos regala una cinta sobre la belleza que reside tras los pequeños detalles del día a día.

Tráiler de Perfect Days (2023) de Wim Wenders

FELICIDAD EN TIEMPOS MODERNOS

Vivimos en un mundo más sobreestimulado y veloz que nunca, en que nadie mira por nadie y el bienestar se ha vuelto una cota inexpugnable. El modelo capitalista preponderante, ha dotado de un sentido único el concepto de felicidad, atribuyendo sus causas a la prosperidad económica y, de esta forma, mutilando cualquier atisbo de esperanza en las clases inferiores. El debate social sobre dinero y felicidad es constante, y está claro que la ventura capital soluciona problemas fundamentales pero entonces, ¿no es posible ser feliz teniendo poco? ¿es la felicidad el galardón de los más pudientes? En su película, Wenders muestra que la felicidad y la belleza del mundo, a veces se esconden en los pliegues de la realidad más cotidiana.

El veterano cineasta alemán decide trasladarnos a la capital de Japón para seguir a un hombre de mediana edad que limpia retretes, interpretado por un Kôji Yakusho en estado de gracia. Hirayama lleva una vida rutinaria, y en sus ratos libres se dedica a la lectura y a fotografiar árboles. Un día, su sobrina (Arisa Nakano) le visita después de mucho tiempo.

perfect days cosas felices 2

OPTIMISMO EN LA RUTINA

Wim Wenders rueda su obra en formato 4:3, encapsulando a Hirayama en su rutinaria vida. Pero, a diferencia de lo habitual, la rutina no es opresiva: poco a poco descubrimos que la película no es sino, una sacralización de lo cotidiano. A través de acciones aisladas, se construye un entrañable personaje de enorme bondad, que ayuda a un niño perdido o presta dinero a su compañero para una cita amorosa. El japonés tiene un carácter peculiar, casi siempre en silencio y con una sonrisa (me hace pensar en el gusto por este tipo de personajes en el cine asiático, por ejemplo en Hierro 3 de Kim Ki-duk, Fallen Angels de Wong Kar-Wai o Dolls de Takeshi Kitano).

Desde este mutismo contempla el mundo Hirayama y otorga, a través de su mirada, valor a los detalles; cuando sonríe al ver el reflejo de la multitud caminando, cuando animoso responde día a dia al juego de tres en raya de un desconocido o al recoger un brote de árbol para plantarlo en su casa. Pequeñas cosas a las que la velocidad de nuestras vidas no permite prestar atención, que en cambio construyen la felicidad del protagonista; un agradecido observador del mundo que le rodea.

MUNDO PROPIO

El trabajo que desempeña Hirayama, generalmente denostado, no es impedimento para el tesón con que se dedica a su cumplimiento. Es extremadamente cuidadoso con su labor, algo que su compañero no tarda en achacarle ya que, «¿cómo va a esforzarse tanto limpiando baños públicos?». Esto es algo en lo que Wenders incide a lo largo de la película: la incredulidad de los demás ante la forma de vida de Hirayama. Y esto no es más que otra muestra de la dificultad de vivir al margen de los juicios sociales, de las trabas de la sociedad en el desarrollo personal.

Nunca conocemos del todo el pasado del personaje pero, en cierto momento parece sugerirse una vida más opulenta y familiar que quizá abandonó por decisión propia. Hirayama llora por primera vez tras el reencuentro con su hermana, y es que ella lo ha juzgado de forma lapidaria: «¿Es cierto que estás limpiando retretes?».

Ante la pregunta de su sobrina sobre el distanciamiento con su hermana, Hirayama explica brevemente a la niña que cada persona tiene un mundo propio, y el suyo es muy distinto al de ella. Un mundo propio… eco que resuena con fuerza durante toda la película, reafirmando su presencia con las propias palabras de Hirayama. Cada persona vive de acuerdo a su visión particular, no existe una realidad única y común; Wenders da rienda suelta a vivir la vida conforme cada uno quiera y sea feliz.

Una persona tan luminosa como Hirayama también tiene malos momentos. Casi al final, el protagonista se desmorona, pero sale adelante en seguida dando la vuelta a la situación. De un momento a otro, pasa de beber cerveza con la mirada perdida, a reir y saltar persiguiendo la sombra de otro personaje. De lo insignificante, consigue sacar fuerzas para doblegar la amargura.

perfect days cosas felices 5

LA IMPORTANCIA DEL ARTE

La elevación del arte y su papel como causa fundamental de la felicidad, aparecen sutilmente a lo largo de la película. Las distintas formas artísticas riman entre sí para dar sentido a esta exégesis. Desde los primeros minutos, la música diegética se convierte en un personaje: la acción discurre al ritmo de Lou Reed, Van Morrison o The Animals, que conforman gran parte del optimismo del filme.

Anonadada, Aya (Aoi Yamada), la novia de su compañero Takashi (Tokio Emoto), pide prestado a Hirayama un casete de Patti Smith; él acepta contento. Tiene lugar una transacción, o una concesión artística fundamental, que beneficia a las tres partes: ella descubre la canción, él recibe el reconocimiento personal del que impulsa un descubrimiento, y la artista es escuchada, reconocida y descubierta. Esto es lo hermoso del arte.

Además de la música (colecciona una gran cantidad de casetes), Hirayama guarda un gran interés por la literatura. Antes de dormir lee a Faulkner o a Patricia Highsmith, y frecuenta una acogedora librería (de nuevo el descubrimiento artístico; incluso presta un libro a su sobrina).

Una de las tareas más importantes que desempeña Hirayama es la fotografía: dedica sus descansos a capturar con su cámara analógica el esplendor de un enorme árbol. De vez en cuando revela y clasifica las imágenes, en una actividad de captación y preservación del tiempo. El cuidado de sus plantas, ese ejercicio de botánica amateur que Hirayama practica, contiene también una fisicidad y carácter de preservación, de mantenimiento, tan inherentes al formato físico artístico. El arte tangible.

Un homenaje y, en cierta forma defensa, al arte físico, en especial al cine, realizaba Víctor Erice en su película, también de este 2023, Cerrar los ojos.

perfect days cosas felices 1

ANTES VS AHORA. LA BRECHA GENERACIONAL Y EL PASO DEL TIEMPO

Con mayor o menor sutileza en función del momento, Wenders articula un enfrentamiento, no sé si crítico, entre el mundo pasado y el presente. Una confrontación entre construcción y naturaleza, entre digital y analógico. Creo que el alemán se asoma con cierto recelo a nuestro presente y hace de Hiroyama un trasunto de su mirada; en gran parte fruto de su edad y, por ende, desconexión con el mundo actual.

El protagonista vive anclado a los formatos tradicionales: libros físicos, casetes de música y fotografía analógica. La reflexión sobre la intangibilidad de las nuevas tecnologías y el formato físico del arte como último amparo de su supervivencia es inevitable.

Su sobrina pregunta a Hirayama si cierta canción que tiene entre manos estará en Spotify, el japonés pregunta «dónde queda esa tienda». Ella ríe, pues no están en la misma sintonía. Algo similar y más sutil ocurre cuando, en el retiro habitual del limpiador, ambos fotografían el árbol; ella con su teléfono móvil y él con la cámara analógica. Contraste pretendido, que encierra un enorme significado.

La naturaleza juega también un papel en este análisis. La película muestra continuamente el paisaje urbano de la gran ciudad de Tokio y, en su contraplano conceptual, la imagen del árbol y las plantas que Hirayama riega tan delicadamente. Construcción contra naturaleza. El humano y su paso por el planeta.

Esta dicotomía entronca directamente con la representación del paso del tiempo. Hirayama se detiene en su bicicleta ante un espacio vacío, que antes parecía ocupar alguna construcción: «¿Qué había antes aquí?» (…) «Es lo que tiene hacerse mayor»; son frases de un escueto diálogo que mantiene con un paisano que también contempla el lugar. Hacerse mayor, tanto las personas como su mundo; aunque en cierta forma, no dejan de ser uno mismo.

Pero, si bien Wenders mira al pasado, centra su atención en el presente y relega el futuro. Hirayama y Niko montan en bicicleta y cantan con alegría: «La próxima vez es la próxima vez. Ahora es ahora«. Una reflexión sencilla pero evocadora, que incide en la importancia de vivir el momento a gusto, sin asfixiarse por lo que está por venir; una suerte de carpe diem.

perfect days cosas felices 3

CONCLUSIÓN

En Perfect Days, Wim Wenders grita optimismo a cuatro vientos. Ensalza lo mundano, la cotidianeidad, para mostrar la virtud del detalle y del pequeño gesto. Pues la esperanza a veces está a la vuelta de la esquina, solo hace falta pararse a mirar. Quizá deberíamos aprender de Hirayama, y cribar más a menudo para quedarnos con lo bueno: como él hace con sus fotografías.

Es un elogio al presente y a vivir la vida que uno quiere sin caer ante juicios ajenos. Abraza el arte, en todas sus acepciones, como remedio vital. Hirayama es el último refugio de la felicidad, en un mundo presa del cinismo. Hirayama es esperanza.

Análisis de Fargo. Temporada 5. Episodio 7

Continuamos analizando la quinta temporada de Fargo, con un episodio bastante particular, pero que a la vez recupera el rumbo luego de que los dos anteriores parecían en parte haberlo perdido: es el séptimo y su título es Linda. La serie, creada por Noah Hawley, es emitida por FX y para España por Movistar+.

Hola otra vez, fargueros. Tras un episodio a mi entender algo obvio, comprobamos con alivio que Fargo vuelve a ser Fargo, con sus giros, imprevistos y guiños cinematográficos. Episodio algo extraño, es verdad, como suele haber uno en cada temporada de la serie y baste con recordar el noveno de la anterior (aquí análisis) con homenaje a El Mago de Oz y tornado final incluido.

Después de haber estado ausente durante un episodio completo, era de esperar que Dot tuviera en esta nueva entrega un papel preponderante y así es, con fuertes revelaciones sobre su pasado que, como cuadra a Fargo, no son contadas de manera convencional.

No hay en cambio noticias de Lorraine después de aquel momento de duda que le viéramos la semana anterior ni tampoco de la plana policial: por el lado de los buenos, ausentes por completo Indira, Witt (tres episodios seguidos sin verse) y la pareja de agentes federales; por el de los malos, solo Roy en la última escena si dejamos afuera el teatro de marionetas…

Pero vayamos mejor a ver qué nos ha dejado este séptimo episodio de la quinta temporada, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Y por supuesto…

Esta historia es real. Ocurrió en Minnesota en 2019. A pedido de los sobrevivientes, los nombres han sido cambiados. Por respeto a los difuntos, el resto se cuenta tal cual ocurrió…”

De Paso, Hachazo…

Tras haber recogido el dinero de su deuda, Munch regresa a casa de la anciana a quien llama “mamá” y se encuentra con la sorpresa de que hay alguien más, cuyo nombre es Kevin y parece llamarla del mismo modo. Lo primero que pensamos es en que puedan ser hermanos, pero Kevin ni siquiera conoce a Ole y, de hecho, pregunta por su situación.

Este justifica su presencia en un intercambio de alojamiento por protección, pero a Kevin no lo convence y exige dinero. Sin decir palabra, Munch le entrega un jugoso fajo de billetes de los que acaba de recibir. Kevin abre enormes los ojos, pero lo toma sin vacilar y deja en claro que debe haber uno igual todos los meses.

Sin dar un solo billete a la anciana, sale de la casa, pero detrás lo hace también Munch que, antes de que pueda siquiera reaccionar, le ensarta un hacha en la espalda en escena que remite claramente a la película de los hermanos Coen en que la serie se basa.

Blanco Equivocado

Gator, recordemos, había colocado un rastreador en el auto de Munch. También aquí hay un guiño a la cinematografía de los Coen porque el dispositivo es idéntico al utilizado en No es País para Viejos (2007), conocida en América Latina como Sin Lugar para los Débiles. Merced al mismo, ha logrado seguirlo hasta su casa y cree tenerlo en la mira mientras se mece en su silla al otro lado de la ventana.

fargo las cosas felices. 99381 e1704606277685

El disparo de rifle es perfecto, pero no así el blanco: Munch había colocado al desdichado Kevin en la silla, que mecía con un hilo…

Fuera de la casa y sin enterarse, Gator echa un vistazo al auto y ve adentro la bolsa con dinero. Rompe un vidrio para hacerse con ella, pero es en ese momento sorprendido por la anciana que, regresando de hacer compras, lo golpea con un bolsa de manzanas. Gator la empuja y ella termina con la cabeza en un charco de sangre sobre el pavimento, tal la escena con que después se encuentra Munch mientras su rostro se tiñe con una mezcla de angustia, rabia y odio al verla muerta. Gator, ya lejos del lugar, también lo estará en breve según se ve venir…

Padre de Familia

De regreso a su vida familiar, aunque con Dot ausente, Wayne está cambiado. No es que supiéramos tanto de él antes, pero en su trabajo se interesa más por las historias que le cuenta Scotty o porque un mamífero ponga huevos antes que por las ventas de autos: hasta entrega uno nuevo a cambio de uno viejo, poniendo así feliz a una familia a la que instantes antes su vendedor juzgaba como poco solvente. “No es así como funciona el capitalismo”, le recrimina este.

fargo las cosas felices. 99380 e1704606377240

Ya en casa y con un libro invisible en manos, cuenta a Scotty un cuento por él inventado sobre una mujer que, amada por el sol, debe enfrentarse a la oscuridad para salvar el arco iris: la referencia, obviamente, es a Dorothy

Teatro de Marionetas

Dot sigue escapando y viviendo como paria. Casi se duerme al volante y se zafa por muy poco de matarse. También da cabezazos de sueño en un restaurante del camino en el cual pide un panqueque: atención a esos detalles, que no son en vano.

Junto a un molino de viento, ha encontrado un anuncio promocionando un lugar llamado Campamento Utopía y, como si reconociera algo del pasado, hacia allí se dirige. Se trata de una especie de refugio o santuario para mujeres maltratadas, que sonríen todo el tiempo casi como autómatas y a las que encuentra absortas con una función de marionetas en la que alguien golpea una y otra vez a su pareja. Imposible para Dot que su mente no se vea asaltada por recuerdos propios…

Pregunta por una tal Linda, pero todas responden a ese nombre, el cual adoptan en rechazo por su vida anterior y como transición hacia una nueva hasta que cierren el proceso de encontrarse a sí mismas. Las marionetas, que ellas mismas realizan manualmente, son metáfora y también terapia.

Pero Dot no busca a cualquier Linda sino específicamente a Linda Tillman, apellido que, al oírlo, nos provoca estremecimiento y hace parar las antenas. Cuando esta, a quien las mujeres de la comunidad llaman Santa Linda (Kari Matchett), se hace en efecto presente con una sonrisa en el rostro, Dot sorprende cruzándoselo de una bofetada para estupor del resto, a quienes, sin embargo, Linda se encarga de calmar…

Le reclama haberla abandonado y demanda su ayuda ahora que Roy la ha encontrado nuevamente. Linda le habla del tipo de vida que llevan en la comunidad y a cómo usan las marionetas para expresar el dolor que les han provocado las parejas que acaban de dejar atrás. Dot replica que su problema no es su actual marido y que, además, ya posee un nombre por elección propia y no tiene necesidad de averiguar quién es porque ya lo sabe.

Sin embargo, acaba cambiando de postura y si allí quieren que les cuente su historia con marionetas y ello sirve para convencer a Linda, lo hará. Se esmera, por lo tanto, en confeccionarlas con el mayor empeño posible y atendiendo al consejo de sentirse una con la madera.

fargo las cosas felices. 99373 e1704605158112

Una vez que lo ha hecho, nos enteramos a través de la obra que ella era una simple niña de pueblo rural hasta que le llegó el período y los “lobos” salieron a buscarla. Debió huir y sobrevivir robando en supermercados, que fue exactamente donde la encontró Linda para acogerla prácticamente como a una hija.

Pero Linda tenía ya una familia con su esposo Roy y su hijo Gator, de quien caemos entonces en la cuenta que Dot no es madre biológica y se entiende así lo poco explorada que había sido hasta ahora la relación entre ambos. Roy vivía golpeando a Linda y esa fue la razón de que esta hubiera llevado consigo a Dot (para ese entonces Nadine): desviar la atención de él y convertir a la muchacha, con sus quince años, en su perverso objeto de deseo. En otras palabras, lo que hizo fue entregar a Nadine prácticamente en bandeja para así escapar sin que Roy la extrañase…

Dot está feliz de haber podido contar su historia, que a todas gusta y aplauden con entusiasmo. Ahora Linda no solo comprende el daño que le hizo al abandonarla, sino también la necesidad de unírsele en contra de Roy. Camino de hacerlo, Dot le pregunta por qué actuó en aquel momento de ese modo pero, no habiendo respuesta, prefiere mejor dejar el tema y más bien celebrar que ahora esté dispuesta a ayudarla.

Sin embargo y de repente, nos encontramos con que está mirando su panqueque. Obviamente, terminó por quedarse dormida y todo lo que vimos fue un sueño, pero un sueño relacionado con su pasado. ¿Cuánto de ello será verdaderamente real? Ya volveremos al respecto, pero mientras tanto y al salir del restaurante, ve en la carretera a un camión perder el control y embestir violentamente un auto que arroja contra ella antes de que pueda hacer nada…

Despierta en el hospital, lo cual significa que la sacó barata, pues al menos sigue viva. Una enfermera le informa que su esposo está allí y quiere verla, lo cual le alegra por pensar que se referirá a Wayne. Pero no: claramente, la silueta de sombrero que se dibuja en el vano de la puerta no se corresponde con la suya sino con la de Roy. “Te tengo”, le dice este…

Detalle genial: en la pared de la habitación hay un cuadro con un OVNI, referencia evidente a aquel especial y tan comentado momento de la segunda temporada.

fargo las cosas felices. 99377 e1704604879573

Balance del Episodio

Hemos levantado varios puntos con respecto a la semana anterior. El enfoque feminista sigue presente, pero esta vez sí me pareció estar viendo Fargo al haber sido su tratamiento menos obvio, además de estar el capítulo poblado de giros interesantes.

La primera pregunta que nos hacemos es si ocurrió alguna vez lo que Dot soñó o estuvo todo en su imaginación. Quizás la primera presunción sea que toda la historia que contó a través de las marionetas sea real, pero no exista el Campo Utopía. O que exista, pero nunca estuvo allí. Y si realmente estuvo y todo lo que soñó fue literalmente su pasado, ¿qué pasó entonces con Linda luego de que ambas partieran juntas del lugar?

Lo del protagonista que, en su huida, llega a un santuario en el cual encuentra protección no es algo nuevo en la literatura ni en el cine. En el final de Fahrenheit 451, Ray Bradbury ubicaba a su personaje Montag llegando una comunidad de lectores que se aprendían los libros de memoria para evitar su destrucción.

En el filme La Noche del Cazador (Charles Laughton, 1955), estrenado apenas dos años después de la publicación de la mencionada novela, la pareja de hermanitos que escapaba del reverendo psicópata caía en un lugar donde una anciana armada con escopeta protegía a huérfanos a los que llamaba “pequeñas criaturas”. Y los ejemplos siguen…

Por otra parte, la comunidad de mujeres, de tan ideal y con su comportamiento de autómatas, parece la versión feminista y progresista de Las Esposas de Stepford (Bryan Forbes, 1975), cuyas protagonistas representaban la perfección al aceptando y exacerbar el lugar que la sociedad les asignaba como madres y esposas.

En este caso, el sentido es otro, pero la forma de asumir su suerte es la misma y así como aquellas esposas dulces y sumisas no cuestionaban a sus maridos ni a los mandatos familiares, tampoco estas lo hacen con su líder, a quien siguen ciegamente y con una sonrisa. En cualquiera de ambos casos, dan un poco de miedo…

Linda se ve como una protectora de buenas intenciones, pero también con una doble moral de la cual quizás no sea del todo consciente y ello encaja en la ambigüedad característica de los personajes de la serie que extrañábamos en las dos entregas anteriores. Es posible que quiera proteger a esas mujeres que han sufrido, pero no lo es menos que entregó en prenda a una niña para escapar a su destino. Por el contrario, Roy, que ha aparecido poco, pero ha sobrevolado el capítulo con su presencia a lo largo del capítulo, se ve cada vez más como un villano sin vueltas ni matices.

Lo de las marionetas fue una gran idea y si bien algunas metáforas pueden sonar lineales o burdas (la de los lobos, la peor), ha sido una forma original de contarnos la historia de Nadine (Dot) e incluso arrojar luz sobre el pasado de Gator, que en definitiva y como hijo también ha sufrido una pérdida. Y doble, porque fueron dos las madres que lo abandonaron. No sé si ello alcanza para tenerle lástima y tampoco lo recomiendo porque no parece que Munch vaya a dejarle mucho más ruedo. Ese arco, por cierto, ha sido impresionante y muy Fargo.

También es interesante la transformación de Wayne. No sabemos si será temporal o permanente, pero su trastorno le hace regresar a una inocencia infantil perdida y hasta justifica el cambio de un auto por otro citando la Biblia. Considerando que Roy también la cita o la citaba, se impone la conclusión de que la misma puede ser interpretada de muchas formas diferentes y según lo que cada uno quiera hallar…

Las referencias cinematográficas han poblado el capítulo y además de las ya mencionadas en relación con la cinematografía de los Coen, ha habido también una atmósfera Chinatown sobrevolándolo todo: molino de viento, bofetada y madre e hija (no aquí en sentido biológico) unidas por un turbio pasado de abusos familiares velados por un halo de misterio. No habrá un “es mi hermana, es mi hija”, pero perfectamente podría haber un “es mi esposo, es mi padre” en relación a Roy, cuya aparición final en el hospital pone, por cierto, los pelos de punta…

En definitiva, hemos visto un gran episodio que pareciera reencaminar la temporada luego de que en los dos anteriores pareciera perder un poco el rumbo en aras de la obviedad. Han reaparecido las ambigüedades y los imponderables, como el accidente con el camión. Ojalá sigan por ese camino en los tres capítulos que quedan y estoy seguro de que todavía hay varias sorpresas por revelar

Por último y a pesar de que no haber obtenido ninguna de las tres estatuillas, no puedo dejar de mencionar las recientes nominaciones al Premio Globo de Oro (aquí el artículo sobre la ceremonia de entrega), tanto para Fargo como serie dramática como para Juno Temple y Jon Hamm en las respectivas categorías de actriz y actor en el mencionado género.  Bueno es aclarar de todas formas que, desde que existe, la serie ha cosechado ocho Globos de Oro, así como dos Hamm por Mad Men

Hasta la próxima y sean felices…

Reseña de Marvel: Crónica de una época, de Rafael Marín

Dolmen Editorial nos trae una nueva edición, revisada y ampliada, de Marvel: Crónica de una época, el libro de Rafael Marín sobre los orígenes de La Casa de las Ideas. Se trata de una obra indispensable para todos los aficionados a los cómics Marvel, una máquina del tiempo a una época (la de los primeros años de la editorial) a menudo denostada por los fans más recientes, aquellos surgidos a raíz del UCM.

Biblioteca Marvel #0

Marvel: Crónica de una época cuenta con un prólogo del añorado Carlos Pacheco, otro prólogo de Julián M. Clemente (editor Marvel en España) y una estructura formada por una introducción, 13 capítulos, un bonus tracks de relatos, un apéndice y un breve post scriptum. La edición es inmejorable, en tapa dura y papel de calidad, como siempre hace Dolmen Editorial.

Rafael Marín empieza por situar el nacimiento del Universo Marvel en su contexto histórico y continua estableciendo las diferencias del nuevo universo superheroíco con aquellos que le antecedieron, es decir el realismo y el melodrama como banderas frente al anquilosamiento de los cómics de su Distinguida Competencia en aquella época.

MARVEL Cronica de una epoca pag 2

Y ya que estamos repasando la etapa fundacional de Marvel, se centra en sus principales creadores. Stan Lee, Jack Kirby y Steve Ditko tienen un capítulo para ellos solitos; el resto del bullpen (o por lo menos los más importantes: Roy Thomas, John Romita, John Buscema, Jim Steranko, Gil Kane, Gerry Conway, Gene Colan, Neal Adams, Steve Englehart, Steve Gerber, Chris Claremont, John Byrne, Frank Miller y el indispensable Jim Shooter) deben compartir páginas.

Es significativo que dedique un capítulo a Spiderman, el héroe más emblemático de la editorial (y el más importante sin duda) y otro a los X-Men, con el título de El universo que se comió al universo Marvelun título más que necesario (que siempre se nos llena la boca de lo maravillosos que eran los X-Men de Claremont pero se nos olvida pronto en que degeneraron). Marvel: Crónica de una época finaliza su viaje con capítulos dedicados al Universo Marvel en España y al UCM, como no podía ser de otra forma.

Viaje al pasado

Marvel: Crónica de una época es un libro apasionante, especialmente para todos aquellos que somos fans de los cómics y mucho más de una época (los años 60, 70 y 80 de la editorial, los años dorados en cuanto a creatividad) que ya no va a volver. Una época que las generaciones más jóvenes desconocen e incluso creo que desprecian. Se trata de unos cómics con un ritmo, unas tramas y un dibujo que, a ojos actuales, parecen del pleistoceno. Siempre he dicho que hay que saber lo que se lee y este libro ayuda a hacerlo.

Bullpen

En cuanto a cómics, Rafael Marín es de los que más saben en España, por lo menos en lo que a cómics Marvel se refiere. Lo sabe de primera mano. Es de los pocos españoles que ha trabajado para la editorial, sobre todo en calidad de guionista. Guionizar Los 4 Fantásticos y Los Inhumanos es poner una pica en Flandes, como se suele decir.

Sus reflexiones sobre el medio y sus análisis en redes, artículos y libros (no os perdáis W de Watchmen) nos abren los ojos y denotan un amor por el medio que muy pocos saben transmitir. Aún a riesgo de parecer pelota, se trata del escritor que más me ha enseñado sobre cómics y sobre cultura popular. Crisei, su bitácora ahora algo abandonada, sigue albergando artículos imprescindibles. Gracias a él descubrí Perdidos y sentí que no estaba solo al defender Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal.

Marvel: Crónica de una época debería ser una compra obligada para aquellos que amamos los cómics Marvel. Se trata de la visión de una de las mentes más preclaras del medio, un repaso exhaustivo a lo que fue y a cómo hemos llegado al punto en el que estamos. No os lo perdáis. Un saludo, sed felices.

RAFAEL MARÍN (Cádiz, 1959) es profesor, escritor, traductor, guionista y teórico de historieta. Ha publicado más de treinta libros en diversos géneros: Lágrimas de luz y Mundo de dioses en la ciencia ficción; La leyenda del Navegante en la fantasía épica; La ciudad enmascarada, Ora Pro Nobis y Memento Mori en el terror; Detective sin licencia, Lona de tinieblas, Elemental querido Chaplin en el policial; El anillo en el agua y El niño de Samarcanda en la memoria biográfica; Las campanas de Almanzor, Juglar, Victoria, Don Juan y Elsinor en la novela histórica.

Es autor de antologías como Unicornios sin cabeza, El centauro de piedra, Piel de Fantasma o Son de piedra y otros relatos. Entre sus libros de ensayo destacan Hal Foster: una épica postromántica; W de Watchmen y Marvel: Crónica de una época.

Odiseo Rey es su última novela.

marvel

Ya tenemos el tráiler del Problema de los Tres Cuerpos, la Ci-Fi más dura llega a Netflix

Cixin Liu, escritor chino de fama mundial, se dió a conocer a finales de la década de los 2000 con su trilogía literaria del Problema de los Tres Cuerpos. La saga literaria estuvo durante un tiempo en boca de todos por una parte gracias a su indudable calidad y el reconocimiento que recibió por parte de la comunidad mundial de aficionados a la ciencia ficción ganando el Premio Hugo de 2015, y por otra debido a que grandes jugadores del panorama global como el ex-presidente de EEUU Barack Obama o el creador de Meta Mark Zuckerberg la laurearon como uno de los mejores libros que habían leído jamás.

Ha pasado más de una década desde que El Problema de los Tres Cuerpos, su secuela El Bosque Oscuro y su desenlace, El Fin de la Muerte dejasen su huella dentro del mundo literario, y ahora la plataforma de streaming Netflix nos trae la adaptación del primer libro en forma de serie.

La serie, que llegará el próximo 21 de Marzo nos tiene más que expectantes ya que si acierta, podría convertirse en una de las mejores ficciones del panorama de Ci-Fi de lo que va de siglo. ¿hará justicia a la novela?, ¿respetará toda la complejidad de su argumento?, ¿representará con fidelidad los matices de la cultura China en la que se inspira?

Estás preguntas aún no tienen respuesta, pero el tráiler que ha lanzado hoy Netflix nos adelanta un primer vistazo. Sin más dilación aquí lo tenéis, echadle un ojo y dejadnos un comentario para saber que os ha parecido.

Sed muy felices.

Novedades Planeta Cómic febrero de 2024

Os traemos las novedades de Planeta Cómic febrero de 2024.

Os dejamos a continuación la nota de prensa y luego el PDF remitido por la editorial:

Encaramos el segundo mes del año estrenando una adaptación a novela gráfica de un clásico contemporáneo de Terror. Se trata de Soy leyenda de Richard Matheson a cargo de Toni Caballero y Sergio Hernández, dúo creador de la serie BackHome de Planeta Manga

También podremos disfrutar de Laberintos de Jeff Lemire y Jim Lives, una nueva visión del mito más misterioso de la historia del rock, Jim Morrison.

Habrá doble ración de Spawn, el poderoso antihéroe de Todd MacFarlane (Integral y Spawn Rey). La casa de Slaughter o Usagi Yojimbo Saga son otros títulos que se lanzarán durante este mes, así como la novela Marvel La cabeza de Mimir y tres libros de Star Wars (dos cómics y una novela).

El cómic infantil y juvenil resplandecerá con tres aportaciones para diferentes rangos de edad: Wynd, Book of Clash y Batpig. Además, se publicará la segunda parte de Limbo de Ana C. Sánchez, un shonen con las espectaculares ilustraciones de la artista murciana, que ganó el premio a Mejor manga de autoría nacional en el pasado Manga Barcelona. Desde Japón cabe destacar la llegada de Lamu, la mítica serie de la gran Rumiko Takahashi.

Y luego más entregas de las series en curso. ¡De categoría!: Dragon Ball, Blue Lock, Roboco y Yo, One Piece, Haikyu, Hajime no Ippo, Saint Seiya, Detective Conan, Cat Street Witches War. Finalmente, podremos disfrutar de una nueva adaptación de la obra de Lovecraft de la mano de Gou Tanabe, En la noche de los tiempos.

Un saludo y sed felices.