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Impactante tráiler de El Estado Eléctrico (2024), la superproducción de los hermanos Russo para Netflix

Se ha dado a conocer el adelanto de El Estado Eléctrico (2024), el nuevo filme de los hermanos Russo que, basado en una historia de Simon Stalenhag, es la producción más cara en la historia de Netflix. Los carismáticos Millie Bobby Brown y Chris Pratt encabezan el elenco de esta historia retrofurista, secundados por Ke Huy Quan.

Desde que Joe y Anthony Russo compraran en 2017 los derechos de la novela gráfica El Estado Eléctrico, las miradas han estado sobre el proyecto y más cuando Netflix decidió hacerse cargo del mismo en lo que se anuncia como la película más cara en la historia de la plataforma.

El material original, recordemos, está escrito por el sueco Simon Stålenhag , un artista completo que se ha sabido destacar tanto en la gráfica como en la música y se ha hecho famoso por sus ilustraciones de tono retrofuturista que, en general, recrean una Suecia rural marcada por el contraste entre naturaleza y tecnología. De hecho, su obra también inspiró la serie Historias del Bucle (Tales from the Loop), de la cual invito a leer el análisis en esta webEl Estado Eléctrico es, por cierto, una novela gráfica suya publicada en 2018 y de la cual ya un año antes los hermanos Russo habían comprado los derechos para su adaptación.

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Con un costo de 320 millones de dólares es, como hemos dicho, la superproducción más fastuosa en la historia de Netflix y tiene como cabezas principales de su elenco a Millie Bobby Brown y Chris Pratt . La primera se ha convertido a partir de Stranger Things en una de las actrices fetiche de Netflix, con papeles protagónicos en Damsel y en las películas de Enola Holmes, todos títulos a cuyas críticas en nuestra web pueden echar ojo pinchando en los respectivos links. En cuanto al segundo, ya ha estado a las órdenes de los Russo en Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame, exitosísimas producciones de Marvel de las que también pueden leer nuestras respectivas críticas.

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La historia mantiene el tono retrofuturista que caracteriza al autor y está ambientada en una alternativa década de los noventa en la que humanos y máquinas vienen conviviendo en armonía hasta que algo viene a cambiar todo. Según la sinopsis oficial, la película narra “la historia de una adolescente huérfana que emprende un viaje por el oeste americano en busca de su hermano pequeño. Lo acompañan un robot con aspecto de dibujo animado, más un contrabandista y su compañero”.

El tráiler se ve realmente bien, así que esperemos que el filme esté a la altura de las expectativas, como también el presupuesto empeñado. Estreno es el 25 de marzo.

Hasta pronto y sean felices…

Aguanta la respiración (2024) Arena, Sarah Paulson, y cuentos populares

Empezamos el mes más terrorífico del año, y Disney+ nos propone una película de terror psicológico para ir abriendo boca: Aguanta la respiración. Se trata del debut como director de largometrajes de William Joines, sobre un guion escrito por Karrie Crouse (Westworld). Curiosamente, esta historia tiene cierto parecido con The Babadook, la película australiana del año 1994, pero no se trata de una copia ni de un remake.

Ambas tiene como protagonistas a dos madres que tendrán que proteger a sus hijos de un personaje maligno sacado de cuentos populares, y ambas acabarán sufriendo esa presión que alterará su visión de todo lo que las rodea. Y eso es lo único que une a ambas historias ya que las tramas tomarán caminos diferentes.

Aguanta la respiración. La arena…

Volviendo a Aguanta la respiración, tenemos un protagonista adicional que será el encargado de darle más carga angustiosa a esta película que se queda a medio camino debatiéndose entre continuar a la izquierda o a la derecha y acaba confundiendo al espectador de tal manera que nos pone difícil darle una buena puntuación. Ese otro protagonista es la arena que asola el lugar donde se desarrolla la acción de este film.

Una arena que flota en el aire penetrando por todos los huecos, incluso por los más pequeños, deslizándose ligera y tomando posesión calmadamente de la casa donde Margaret vive con sus dos hijas Rose y Ollie. Una de las imágenes más inquietantes es verla a ella barrer esa arena que parece pegada al suelo, y que desaparece un momento para volver a colocarse justo donde estaba.

Aguanta la respiración

La acción se sitúa en el año 1930, en la región de Oklahoma, un lugar que durante esa época sufrió una terrible sequía. Lo habitual en aquel lugar era sufrir terribles tormentas de arena capaces de matar al incauto que no buscara refugio, asfixiándolos lentamente entrando por su nariz y su boca hasta obstruir toda posibilidad de respirar aire limpio. Sin duda una manera terrible de morir. Y sobre eso basa parte de su terror Aguanta la respiración.

Otra parte recae en el personaje siniestro conocido como El Hombre Gris. Sacado de la cultura popular, se trata de un monstruo que es capaz de convertirse en arena y de este modo entra en el cuerpo de las personas a las que posee, confundiéndolas y obligándolas a hacer cosas horribles a todos los que se cruzan en su camino.

Unas veces parece que la historia va directa a hacernos estremecer con la figura de este siniestro y volátil personaje, para al segundo, dar un volantazo y ponernos sobre la tierra mientras la arena nos rodea y notamos como todo se vuelve espeso y nos falta el aire. Esos cambios en la historia acabarán llevándonos hacia un punto que no ha acabado de gustar a muchos espectadores, y es por eso que en IMDb la puntuación de Aguanta la respiración sea de un escaso 5’3.

Aguanta la respiración

Lo mejor: sus protagonistas.

En esto nadie me puede llevar la contraria. Sin ninguna duda lo que hace que Aguanta la respiración mantenga la intriga y haga que algunos espectadores la califiquen como una de las mejores películas de terror psicológico que han visto es la actuación de Sarah Paulson. La actriz está magistral en el papel de madre desamparada que sufre la pérdida de una hija en silencio, mientras lucha en soledad por la supervivencia de sus otras dos hijas.

A ella se une la actuación de la joven Amiah Miller, Rose, la hija mayor de Margaret, que tiene un papel muy importante en toda esta historia y que aprueba con muy buena nota. También hay que hablar de la joven actriz sorda Alona Jane Robbins, que en el papel de Ollie, la hermana pequeña de Rose, hace una interpretación más que notable de un personaje infantil asustado y confuso.

Sin duda, Aguanta la respiración sale a flote gracias a estas tres féminas que son capaces de sacar adelante una historia a la que le faltó un poco más de definición. De todos modos, si eres amante del terror psicológico, no dudes en darle una oportunidad a esta película. Te aviso que en su inicio tiene varios sustos fáciles con la música y las imágenes (cada vez me gustan menos), pero luego desaparecen dando paso a una historia donde los sentimientos tienen más importancia de lo que parecía.

Tráiler de Aguanta la respiración.

Virgin River (Un lugar para soñar), el culebrón en el que tu también caerás

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Si, yo también caí. Virgin River (también conocida en España con el horroroso título de Un lugar para soñar) es la serie de Netflix que mucha gente ve pero pocos admiten verla. Y es que se trata de una serie que se escapa del canon habitual de serie guay y molona, de esas que tienes que ver si o si para estar a la última y demostrar ser un seriefilo con gusto y criterio.

Porque amigos, admitamoslo: Virgin River es un culebrón con todas las letras, un dramón ambientado en un paraje idílico con personajes que se aman y se desean y con sus pequeñas tramas de intriga y misterio que bordea la fina línea de la ñoñería en más de de una ocasión.

Bienvenidos al lugar donde todos conocen tu nombre

Melinda «Mel» Monroe (Alexandra Beckenridge) quiere dejar atrás su antigua vida en Los Ángeles y por eso, buscando un nuevo comienzo, responde al anuncio de Hope McCrea (Annette O’Toole, mítica por encarnar a Lana Lang y Martha Kent), la alcaldesa de Virgin River, para trabajar de enfermera en la consulta de Vernon Mullins (Tim Matheson), a pesar de la firme oposición de este último.

En su primer día, conoce a Jack Sheridan (Martin Henderson), antiguo marine metido a empresario local del sector de la hostelería. Vamos, que regenta el bar del pueblo, de esos de toda la vida, con su bandera americana, sus cervezas y su buena comida preparada por otro ex-marine, John «Preacher» Middleton (Colin Lawrence). Ni que decir tiene que cuando Mel entra por la puerta, con su melena al viento, el bueno de Jack cae enamorado a la primera.

Lo malo es que Mel arrastra sus propios fantasmas, Jack tiene una novia pesada que no lo deja ni a sol ni a sombra y el resto de personajes oculta sus secretillos, mas que nada para darle interés a la trama y que la serie devenga en algo más coral. A partir de aquí, drama en estado puro. A acurrucarse en el sofá con la manta y a gosar.

virgin river

Relax, tío, relax

¿Qué cómo he llegado yo a ver esta serie? Pues porque otra cosa quizás no, pero Virgin River relaja un huevo. Resulta que una noche me dio por ver un episodio de Drive to survive, espantosa serie documental de Netflix que todo aficionado a la Formula 1 debería aborrecer. Si, Gunther Steiner mola pero el resto es un montaje (estupendo montaje, eso si) que no se corresponde con lo que es en realidad una carrera.

Steiner

El caso es que me fui a dormir totalmente acelerado y acabe soñando con Carlos Sainz (piloto sobrevalorado donde los haya). Pase tan mala noche que decidí que debía buscar algo para relajar mis neuronas antes de acostarme y ahí estaba Virgin River, con sus personajes que no se estresan y esos paisajes maravillosos.

Insisto: es un culebrón, lo que ya puede hacerle perder puntos. Por supuesto no goza del prestigio de This is us pero en realidad no es una mala serie. No eterniza las tramas y se desarrolla con coherencia, sin rebuscados giros de guion ni personajes que se contradicen continuamente. Y por sorprendente que parezca, en cinco temporadas tan sólo han transcurrido unos 9 meses en la serie.

En su contra juega que la producción es más bien del montón, con una fotografía que lo ilumina todo como si no hubiese un mañana. Eso si, Netflix tomó nota del callado éxito que tenía entre las manos y a partir de la tercera temporada aumento exponencialmente el rodaje en exteriores, cosas que automáticamente implica un aumento del presupuesto; presupuesto que no aumentas si no estás seguro del resultado.

Cameron y Muriel

En resumen, que Virgin River no gustará a muchos. Es más, seguramente me lluevan los palos por defenderla pero esa virtud de transmitir paz y felicidad ya la quisieran muchas series. Por si hay dudas de su éxito, Netflix ha adelantado su sexta temporada al 19 de diciembre, una época reservada para sus series estrella.

Así que ahí estaremos, con Mel, Jack, Vernon, Hope, Preacher y la pareja sorpresa de la última temporada, Cameron y Muriel, demostrando eso de que el amor no tiene edad. Un saludo, sed felices.

Reseña de Saint-Elme 2. Cierre perfecto para la mejor y más original historia negra del año

Ya podemos disfrutar del segundo volumen de la magnífica Saint Elme, obra de Serge Lehman y Frederik Peeters que en España publica Astiberri y que supone el cierre de una historia negra tan original como atractiva.

Saint-Elme 1. Género negro con toques sobrenaturales que no se puede dejar de leer

El resumen de la editorial es el siguiente: Un apacible pueblo alpino, unos personajes inquietantes, una desaparición, una lluvia de ranas y una investigación arriesgada: bienvenidos a Saint-Elme. Franck busca una salida a su calvario en Saint-Elme sin saber que su hermano está haciendo todo lo posible por encontrarlo. Philippe Sangaré llega a Saint-Elme y se pone tras la pista de su hermano desaparecido. Romane revela a Paco lo que su padre ve realmente en su habitación. El director Jansky intenta una maniobra desesperada para convencer a Roland Sax de que firme el proyecto de Stan y Tania. Y bajo tierra, Franck se deja guiar por las ranas.

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Ya comentamos en la reseña del volumen anterior lo bueno que era la trama de Saint Elme, con una interesante historia de género negro con pequeños detalles sobrenaturales y elementos un tanto surrealistas que ganaban en interés según se iban pasando las páginas y conocíamos a todo su reparto coral. El único problema era saber si los autores iban a poder dar respuesta a todas las preguntas que se planteaban en el primer libro, ya que la cantidad de tramas abiertas era considerable. Además, unas tramas que en muchos casos parecían inconexas con el relato general y que resultaban tan interesantes como extrañas. Por eso recomiendo la relectura del primer volumen antes de empezar el segundo, para evitar sentirse perdido y refrescar todo lo que nos han contado.

Pues bien, el señor Serge Lehman se las arregla de maravilla para cerrar todas las tramas abiertas y responder a casi todas las preguntas pendientes (hay alguna que no tiene solución para mantener el misterio). Y lo hace de una manera coherente dentro de la lógica del relato. Es cierto que el recurso de acabar juntando a todos “los buenos” para tener un enfrentamiento final contra “los malos” puede ser un poco simple, pero el caso es que funciona y de esta manera se logra que la historia respire. Todos los personajes acaban brillando en un momento u otro y su evolución y crecimiento a lo largo de las páginas es perfecta. Y esto no es sencillo, sobre todo en una obra con un reparto tan coral como esta. Pero el guion funciona como un reloj suizo, con todas las piezas colocadas en su lugar en el momento justo para que la historia vaya evolucionando rápidamente hasta la conclusión final, de tal manera que es muy difícil dejar de leer este libro una vez que empiezas.

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En cuanto al dibujo, solo se puede subrayar lo que ya comentamos en el libro anterior. El trabajo de Frederik Peeters es genial. Sabe dotar de personalidad a los personajes a la vez que nos muestra unos escenarios llenos de detalles que llenan de vida al pueblo de Saint Elme. El uso del color vuelve a ser uno de los atractivos de la obra, con un manejo de la paleta cromática muy acertado, dando colores muy vivos algunas situaciones para subrayar el elemento surrealista de determinados pasajes. Y brillando también en unas escenas de acción que cobran mucha importancia en el cierre de la obra.

La edición de Astiberri es muy similar a la del volumen anterior. Estamos ante un integral en tapa dura que recoge los volúmenes tres, cuatro y cinco de la edición original en 248 páginas de gran formato (22 x 29 cm). De esta manera tendremos dos libros que recogen la historia completa en un lujoso formato al que solo se le puede echar en cara la falta de extras. El precio de venta es de 40 euros.

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En resumen, el segundo volumen de Saint Elme supone la confirmación de que estamos ante una de las obras más interesantes que se han publicado últimamente en España. Vamos a poder disfrutar de una maravillosa historia negra con elementos sobrenaturales que engancha desde la primera página y que, a pesar de lo enrevesado de la trama, tiene un final perfecto que responde prácticamente a todas las preguntas que se han ido planteando a lo largo de sus páginas. Y todo con un dibujo que casa de manera perfecta con el guion y que brilla con luz propia. Para decirlo de manera clara, si no tienes los dos libros de Saint Elme, ya estas tardando en pasar por tu librería para comprarlos porque no vas a leer muchos comics mejores.

Crítica de El Misterio de Salem´s Lot (2024), los vampiros de Stephen King en adaptación tan demorada como fallida

Finalmente se estrenó en Max la largamente aplazada El Misterio de Salem´s Lot (2024) que, dirigida por Gary Dauberman y basada en la novela Salem´s Lot, adapta por primera vez en película lo que fuera la primera incursión de Stephen King en el género vampírico. El tiempo transcurrido, sumado a los retoques y recortes, hacen que el resultado no compense la larga espera.

Era casi impensable que se terminara un año sin que se estrenase alguna película basada en Stephen King. En parte por eso y en parte por tratarse de un proyecto tan largamente aplazado, la expectativa en torno a El Misterio de Salem´s Lot era alta. Publicada por primera vez en 1975, Salem´s Lot fue la segunda novela escrita por King y también, en lo personal, la segunda suya que leí (bajo el horrendo título La Hora del Vampiro, como reza el lomo que asoma en mi biblioteca).

Existieron dos adaptaciones previas en formato de miniserie estrenadas respectivamente en 1979 y 2004, siendo claramente la primera (dirigida por Tobe Hooper) la mejor de ambas. También hubo una serie a modo de precuela ambientada en el siglo XIX que, titulada Chapelwaite y protagonizada por Adrien Brody, fue estrenada en 2021 pero duró lamentablemente una única temporada. Y como secuela, la película Regreso a Salem´s Lot (Larry Cohen, 1987), que pasó sin pena ni gloria y con muy malas críticas.

El Misterio de Salem´s Lot, que acaba de ser estrenada en Max, está dirigida por Gary Dauberman y adapta por primera vez la novela de King a formato de largometraje. Originalmente, el estreno estaba previsto para 2022, pero Warner, fiel a su estilo, decidió quitarlo de todo calendario a pesar de estar la película ya filmada: esas maniobras de probable carácter impositivo que nunca entenderemos los simples mortales…

Hizo falta que el propio Stephen King (también productor ejecutivo) dijera que le había gustado el filme para que el proyecto fuera reflotado y estrenado en streaming, como finalmente nos ha llegado. No sé bien qué le habrá encontrado Stephen en aquel momento o si la versión que vio sería la misma que la que terminamos viendo nosotros, pero la impresión es que no, pues al volver a emitir juicio sobre la película en febrero de este año, se limitó a decir que “no es vergonzosa”, lo cual no es decir mucho.

Lo cierto es que las altas expectativas que abrigábamos con respecto a esta adaptación terminan cayendo en saco roto. Seguramente tendrá en ello que ver lo difícil de llevar a menos de dos horas una historia con tanto desarrollo de personajes, pero también la cantidad de retoques al filme durante los dos años en que estuvo archivado hasta llegar a nosotros.

La Historia

Después de muchos años y en busca de inspiración, el escritor Ben Mears (Lewis Pullman, hijo de Bill)regresa a su pueblo natal Jerusalem´s Lot y se encuentra con que dos misteriosos sujetos apellidados Straker (Pilou Asbæk) y Barlow (Alexander Ward) se han puesto una tienda de antigüedades y el segundo de ellos, incluso, comprado la lúgubre mansión Marsten, que domina la zona desde una colina cercana y en la cual dos operarios de una empresa de transportes dejan un enigmático cajón que ha llegado de lejos y en el cual solo pareciera haber tierra.

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Pronto un niño desaparece y otros hechos misteriosos se siguen sucediendo, todo lo cual conduce a que Barlow es en realidad un vampiro y lo que hace su socio Straker no es otra cosa que llevarle alimento. Pero allí no termina la cosa, sino que los habitantes de Salem´s Lot se van a su vez vampirizando entre sí y en poco tiempo el pueblo es un criadero de chupadores de sangre, ante lo que Mears debe armar un improvisado equipo de cazadores para erradicar el mal…

El mismo se halla integrado por Susan (Mackenzie Leigh), fan de los libros de Ben que acaba siendo su pareja, además de la doctora Cody (Alfre Woodard), el profesor Matthew (Bill Camp) y el sacerdote Callahan (John Benjamin Hickey).

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Como buena historia de King, no faltan tampoco los personajes infantiles o los molestos matones de colegio que hacen bullying. De hecho, la novela en que se basa la película abre un camino que el escritor volverá a transitar en muchas de sus historias y muy especialmente en It, de la cual Salem´s Lot puede considerarse casi un tráiler.

Pero la cuestión es que entre esos niños se halla Mark (Jordan Preston Carter), quien es amigo del primero en desaparecer y, con su astucia e inteligencia (más un protagonismo que excede con creces el que tiene en la novela original), termina aportando lo suyo como pequeño prodigio cazador de vampiros.

Adaptación sin Sangre

Una de las grandes virtudes de la novela original es la riqueza de sus personajes, algo común en las historias de King. Ello hace que la adaptación a película sea a priori difícil por el escaso tiempo para desarrollarlos. Tobe Hooper lo hizo bastante bien en modo miniserie, pero ello solo es válido si se ha visto la versión completa de cuatro horas y no la que, con solo tres, se publicó en su momento en VHS privilegiando las escenas de sangre por sobre las que daban desarrollo a personajes.

Aquí son todos bastante planos y no se profundiza en ninguno. Hay algún amago con Ben, pero queda en nada y ni hablar de Susan, que pasa de fan a novia de Ben y de allí a cazadora de vampiros sin que sepamos cómo. Al resto no les va mejor y es una pena porque entre ellos están los siempre buenos Bill Camp y William Sadler.

El poco tiempo en pantalla hace que a la postre no se destaque ninguno, siendo quizás el niño Jordan Preston Carter quien se lleva la mejor parte gracias a su gran actuación y aun cuando su personaje, casi un adulto en miniatura, resulte muy poco creíble.

La verdad es que a Gary Dauberman no le ha ido mal como guionista en las películas de It dirigidas por Andy Muschietti, pero está claro que la dirección no es lo suyo y ya lo demostró en Annabelle vuelve a Casa, tercera dedicada a la terrorífica muñeca.

Hay, sí, un par de buenos sustos y algunos méritos estéticos interesantes como la escena del rapto de Ralph en que los niños son perseguidos por alguien en el bosque y, al igual que los árboles, sus siluetas se recortan contra un fondo azul como en un teatro de sombras (aunque no llega ni por asomo al terror que me provocó ese mismo momento en la novela).

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También la icónica escena en que el niño vampirizado levita al otro lado de la ventana mientras golpea el cristal está bastante bien lograda y sin mucho que envidiarle a la tan recordada que filmara Hooper en aquella miniserie de 1979.

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Pero la sensación es que todo ocurre de modo apretujado y es válido preguntarnos qué tanto habrán retocado (o recortado) la película original que, según se decía, duraba tres horas en lugar de los ciento trece minutos que aquí nos presentan. De hecho y para estas horas, una campaña en redes sociales pide a gritos el corte del director como en su momento ocurriera con la versión de la Liga de la Justicia de Zack Snyder pero, honestamente, no creo que tengan tanta suerte.

La fallida edición, quizás producto justamente de tanto recorte, provoca la sensación de que a la historia le faltan partes y ello se percibe tanto si se ha leído el libro como si no. Y hay errores de concepto que son claro producto de malas elecciones.

No es que no haya puntos positivos: es una decisión valiente, por ejemplo, haber ubicado la historia en 1975 (mismo año de publicación de la novela) en lugar de traerla a la actualidad, lo cual implica un trabajo de ambientación que está muy logrado.

También hay guiños interesantes a otros títulos de Stephen King o a sus adaptaciones cinematográficas, como los niños vampiro diciendo “ven a jugar con nosotros” (clara referencia a las gemelas de El Resplandor) o el taller en el cual alcanzamos a distinguir un Plymouth Fury rojo y blanco mientras el corazón nos salta en el pecho de pensar que Jerusalem´s Lot pudiera ser quizás uno de los lugares en que Christine  haya recalado entre 1957 y 1978.

Hay asimismo claros homenajes a Nosferatu, obra maestra del expresionismo alemán y película icónica de vampiros si las hay (aquí retro-análisis), pues el aspecto de Barlow es muy semejante al del Conde Orlok y algunas escenas de sombras remiten también claramente a dicho filme.

Pero más allá del toque delicioso de esas referencias, es una lástima que se haya querido hacer una película juvenil o adolescente con apariencia de capítulo extendido de Buffy, Stranger Things o Miércoles, todas series muy entretenidas y con sus méritos, pero lejanas al espíritu que debería tener una adaptación del maestro del horror en el último medio siglo.

Y una de las cosas que más me hacen chirriar es que mientras en la ficción de la novela no existen los vampiros en la cultura popular, aquí Barlow es identificado rápidamente como uno, el sacerdote Callahan lee Drácula y el niño Mark recurre a los cómics para saber cómo combatir a las criaturas de la noche. El filme termina así acercándose a las películas de Noche de Miedo rodadas en los ochenta (La Hora del Espanto para América Latina), pero la diferencia es que esos filmes funcionaban debido a que siempre estaba claro que la cosa venía de ironía.

Balance Final

Quizás era iluso pensar que nos fuéramos a encontrar con una buena adaptación. Se puede pensar que por algo no fue estrenada en su momento, como también que el tiempo transcurrido y el drástico acortamiento del metraje habrán jugado en contra, redundando en un evidente apresuramiento, una edición desastrosa y actuaciones desaprovechadas.

Y es una lástima porque el filme tiene una buena ambientación y varias referencias para deleite de los fans de King, además de basarse en una de las más queridas e icónicas historias del escritor de Maine. Nos queda, desde luego, preguntarnos cómo se vería aquella versión de tres horas que nunca vio la luz y que probablemente nunca la vea, como también si no será hora de que los vampiros duerman en sus tumbas tan tranquilos como Tobe Hooper, cuya adaptación a miniserie sigue siendo por lejos la mejor.

Hasta la próxima y sean felices…

 

Análisis de El Pingüino. Miniserie. Episodio 4

Con un increíble cuarto episodio e inolvidable actuación de Cristin Milioti, ha llegado a su mitad la miniserie El Pingüino que, creada por Lauren LeFranc para HBO, es emitida semanalmente por Max y se sigue confirmando como una de las mejores series basadas en personajes de DC Comics.

Hola otra vez, ciudadanos de Gotham. Bienvenidos a analizar un nuevo episodio de El Pingüino, en este caso el cuarto que, titulado Cent’ anni, es uno muy particular al estar por completo dedicado a Sofía Falcone, además de narrado en varias líneas temporales a través de flashbacks (e incluso de flashbacks dentro de los flashbacks).

Hay mucha tela para cortar de esta entrega, así que mejor empezar ya mismo a ver qué nos ha dejado, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Malas Noticias para Sofía

El primer flashback nos cambia en pocos minutos el escenario que nos había quedado en mente al final del episodio anterior, ya que nos retrotrae al momento en que Oz y Sofía estaban de rodillas y a manos de los Maroni justo antes de la oportuna intervención de Víctor.

Nos anoticiamos de que Sofía se acababa no solo de enterar que Oz había estado viéndose con los Maroni, sino que además y según las palabras de Nadia, fue el responsable de la muerte de Alberto. Es un golpe fuerte para ella y se entiende todavía más que Oz le ordenara a Víctor huir tan presurosamente de la escena sin siquiera intentar rescatarla. De todas formas, también nos anoticiamos de que Sofía no ha muerto, sino que alcanzó a ocultarse en medio de la desbandada de los Maroni y en ese momento un flashback nos lleva mucho más atrás en el tiempo…

Arkham

Nos vamos pues a los días en que Sofía lucía mucho más afable y menos ida, cuando patrocinaba una fundación para mujeres en riesgo de suicidio debido a que justamente ese había sido el motivo de la muerte de su madre, del cual un desgarrador flashback dentro del flashback nos pone al tanto de que ella misma sufrió de niña en carne propia al encontrarla colgando sin vida del techo de la habitación.

Sin embargo, una periodista llamada Summer Gleeson (Nadine Malouf) busca contactarla para mostrarle evidencia de que varias mujeres que trabajaban en los clubes de su padre fueron muertas por ahorcamiento a pesar de haberse alegado en su momento suicidio. Sofía se niega a aceptarlo, pero no puede evitar relacionar con su madre ni quedarse rumiando el asunto, así que vuelve a encontrarse con la reportera.

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Oz, por aquellos días su chofer, le va con el cuento a Carmine (Mark Strong), que se molesta sobremanera con el asunto por ser Gleeson una periodista muy vinculada a la policía, así como Sofía la persona en quien pensaba legar su imperio criminal por encima de Alberto, normalmente entregado a la bebida y los placeres libertinos.

De pronto, Gleeson aparece muerta y se lo endilgan a Sofía, lo mismo que la muerte de las otras mujeres. En despiadado acto de crueldad paterna, Carmine la hace internar en Arkham, donde es atada con cadenas y sometida a terribles procedimientos y terapias de choque por un tal doctor Ventris (T. Ryder Smith).

En medio de ese infierno, no obstante, logra entablar buena relación con el psicoanalista Julian Rush (a quien, interpretado por Theo Rossi, ya viéramos en el primer episodio) y es visitada por Alberto, único miembro de la familia que la sigue teniendo en cuenta y que además le promete que saldrá en seis meses luego de demostrarse su inocencia en juicio. También se hace de una amiga llamada Maggie, pero es conocida como Urraca (o Magpie, interpretada por Marié Botha), personaje conocido para los lectores de DC Comics del cual ya volveremos a hablar…

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En escena casi de filme de horror, una interna totalmente desquiciada que por alguna razón no lleva cadenas (Syd Skidmore), culpa a Sofía de ser una asesina y la ataca brutalmente: por muy poco no la mata, pero la deja muy maltrecha y pronto Sofía descubre que no era casualidad ni accidente que estuviera suelta…

Invirtiendo la escena, le entregan a esa misma interna en bandeja y encadenada mientras le ponen un tenedor en mano. Quieren, claro, que cometa una locura que confirme los cargos en su contra y la encierre para siempre, pero Sofía se da cuenta y se niega, no obstante lo cual y en medio del forcejeo, la interna le arrebata el tenedor y se termina dando muerte a sí misma en demencial acto del cual, ni falta hace decirlo, también culpan a Sofía.

No es por cierto el único asesinato que le cargan, aunque el otro es real cuando mata a golpes a Urraca al enterarse que pasaba información sobre ella a cambio de drogas. Ello, desde luego, sirve aún más a los planes de su padre y de Vetris, quien la declara inapta para juicio, quitando así a Sofía toda posibilidad de salir a los seis meses como se le había prometido…

Revancha

Ya en el presente y después de la escena con los Maroni y la fuga de Oz, Sofía vuelve con su familia, dejando obvio que no piensa marchar a Sicilia, como quieren obligarla a hacer.

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Tras dar un discurso que molesta visiblemente a Luca y a John Viti, pone a salvo a Gia, la hija de su prima Carla y, munida de correspondiente máscara, abre en la noche las exclusas de gas y mata a todos. Al llegar a la habitación de Viti, que no ha sido afectado, lo apunta con un arma…

Balance del Episodio

Sin duda la mejor entrega hasta el momento y eso que nos venía dando grandes episodios. Pero este ha sido brutal en todo sentido: por lo terrible de la historia, por el manejo de los flashbacks (en ningún momento innecesarios), por la demencial recreación de Arkham y por las increíbles actuaciones, especialmente de una impagable Cristin Milioti, de quien ya para esta altura se puede decir que sería una injusticia que no estuviese nominada en la próxima entrega de los Emmy.

En un episodio en el cual hemos visto muy poco de Oz (solo en flashbacks) y casi nada de Víctor (apenas la escena incial), Sofía ha sido la gran protagonista y ello ha permitido ver un trabajo deslumbrante que nos ha hecho olvidar de Colin Farrell y hasta agradecer su ausencia. Y no porque lo de él no sea bueno, que claramente lo es, sino porque hubiera quitado clima al episodio y protagonismo a una Milioti que ha hecho esta entrega suya por completo y se ha terminado de afirmar como uno de los puntales sobre los cuales se sostiene esta excelente miniserie que estamos viendo (¿de verdad que no piensan hacer segunda temporada?).

Al ser un episodio tan extendido en el tiempo (con sus flashbacks y líneas temporales ha cubierto más de diez años, sin contar las escenas de Sofía como niña), la actriz ha tenido que recrear las distintas personalidades y cambios de su personaje a través del tiempo con los terribles traumas de su paso por Arkham que, de pronto, hacen que sintamos una especial simpatía por ella y que después de todo, aun a pesar de lo terrible de la escena, el gaseo en casa de los Falcone no haya estado tan mal…

De todas formas, Milioti ha estado muy bien secundada. Admito que sentí miedo con el personaje interpretado por Syd Skidmore: hacía tiempo que una actuación no me hacía experimentar en carne propia tanta desprotección como al verla avanzar hacia Sofía casi como la mismísima Bestia desencadenada, la mirada prácticamente en otro mundo y una expresión que haría empalidecer al peor psicópata, con algo tan bestial y descontrolado en sus ojos que nos hace saber que claramente no estamos ante alguien con quien pudierámos dialogar o entendernos.

El bueno de Theo Rossi (Hijos de la Anarquía, Luke Cage) ha también cumplido como suele hacerlo y su personaje nos ha mostrado algunas facetas que no le habíamos conocido en su primera aparición, como el hecho de que Sofía le hubiera conocido en Arkham. Y se nota que el vínculo establecido es fuerte, pues es la persona a la cual ella llama al quedar abandonada a la puerta del club tras el episodio con los Maroni y consecuente fuga de Oz.

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En cuanto a Mark Strong, le ha tocado la difícil tarea de reemplazar a John Turturro, quien en The Batman diera vida a Carmine Falcone, pero aquí no pudo estar por problemas de agenda. No es un desconocido para el mundo DC: ha interpretado a Sinestro en la controvertida Green Lantern (2011) y al doctor Sivana en la primera película de Shazam! (2019). Su trabajo aquí no es malo ni mucho menos, pero pareciera no terminar de decidirse entre construir un Carmine propio o recrear al de Turturro, herencia por cierto difícil de sobrellevar.

Y ya que hablamos de DC (este ha sido claramente el capítulo más anclado a los cómics), nos hemos encontrado con una antigua conocida como Urraca (Magpie), quien naciera en las historias de Superman de la mano de John Byrne, apareciendo luego como parte del Escuadrón Suicida o de los Black Lantern Corps. Y no es la primera vez que el personaje ha sido llevado a la pantalla, pues ha estado en Gotham y en Batwoman.

En fin, poco más que decir, salvo que hemos visto una entrega inolvidable y que estamos viendo una serie inolvidable, de las mejores de DC y también, en general, de las mejores basadas en cómics. Me trae recuerdos de aquellos días de Daredevil en Netflix, antes de que Disney tomara a su cargo las series de Marvel y las fuera arrojando progresivamente a la saturación, el declive y finalmente la intrascendencia. E insisto: El Pingüino merece una segunda temporada. Sería una pena que quedara en miniserie

A ver qué nos trae el próximo episodio, con el cual ingresaremos ya en la segunda mitad. Hasta entonces y sean felices…

Reseña de La doble vida de Max Fridman (2024), el espía cínico y nihilista.

Qué difícil ser feliz sin historias de espías. Nada como un agente inmerso en un territorio hostil repleto de frágiles alianzas y mucha, mucha gente que quiere evitar que uno termine su misión. De todo esto va la sobresaliente La doble vida de Max Fridman, cómic escrito y dibujado por Vittorio Giardino en los años 80 y cuyos dos primeros arcos narrativos han sido publicados por Norma Editorial.

Los 21 mejores espías de la historia del cine

Max Fridman es un cuarentón que trabaja como director de una fábrica de tabaco en Ginebra, poco antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial. Es decir en una Europa donde la tensión política se corta con un cuchillo de untar mantequilla. Realmente, Fridman es un ex espía de La Firma, el servicio secreto francés, que volverá a su antiguo trabajo a cambio de que le dejen en paz tanto a él como a su hija.

El autor completo de esta obra es Vittorio Giardino, escritor italiano nacido en 1946. Ingeniero electrónico de profesión, comenzó a dedicarse a esto del cómic a finales de los 70. Suyos son el investigador privado Sam Pezzo y, sobre todo, el ex espía Max Fridman. Por sus obras ha recibido numerosos premios, entre ellos el premio Harvey concedido en la San Diego Comic Con.

La doble vida de Max Fridman contiene dos historias del personaje.

La primera, Rapsodia Húngara, sitúa al espía en una Budapest que sirve como confluencia de distintos servicios secretos. La firma coacciona al protagonista para que investigue quién ha acabado con los miembros de La firma en Hungría y por qué.

La segunda, La puerta de Oriente, sitúa a Fridman en el centro de una conspiración no buscada por el espía en plena Estambul como campo de batalla silencioso entre los nazis, occidente y los soviéticos.

Como toda historia de espías (como toda historia en general), uno puede pensar que Max Fridman es un James Bond simplemente al leer el argumento de estos dos arcos narrativos. Y nada más lejos de la realidad.

En un mundo en el que todo agente se debe a una lealtad ciega a su país, Fridman actúa por necesidad, para que su organización deje en paz a su hija. Y, como espía experto, es una persona incapaz de confiar en nadie. Pocas veces se ha visto en el cómic un espía mas realista que nuestro protagonista, un cuarentón con barba cuyo cabello empieza a ralear y con la capacidad de detectar los intereses ocultos de todo aquel con el que se relaciona.

En ese sentido, el cinismo de Fridman recuerda más a los personajes de John Le Carré o Graham Greene que al mítico 007 de Ian Fleming.

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Además, el avance de la trama y los personajes que aparecen en ella están lejos del entretenimiento poco profundo que solemos ver en la mayoría de las historias Bond. La mayoría de los personajes acaban mal por servir con fanatismo ciego a unos países que se aprovechan de ellos. El fatalismo de una Guerra que, sabemos, estallará imbuye a La doble vida de Max Fridman.

En lo que respecta al dibujo, Giardino demuestra una documentación exhaustiva de la fisonomía del Budapest y Estambul del periodo de Entreguerras. Evidentemente, no he tenido la oportunidad de comprobar la veracidad de la ambientación, pero es todo un éxito la capacidad que tiene el autor de sumergirnos en dicho ambiente.

En definitiva, La doble vida de Max Fridman es una espectacular historia de espionaje, adulta y fatalista, para los fans de las novelas de espías más alejadas del tono James Bond. Si os gustan los agentes dobles, los giros de guión y las historias basadas en aquella Europa en la que todos sospechaban de todos y la guerra estaba a punto de estallar, no os la perdáis.

Enlace a La doble vida de Max Fridman en Norma Editorial

LAS DOS PRIMERAS AVENTURAS DE FRIDMAN EN UN INTEGRAL CARGADO DE EXTRAS

Oficialmente, Max Fridman es el inofensivo director de una pequeña empresa que comercia con tabaco y que opera desde Ginebra. Extraoficialmente, es un agente ligado a “la Firma”, o sea, a los servicios de espionaje franceses, que lo obligan a participar en misiones secretas mientras atraviesa una Europa desgarrada por los totalitarismos y al borde mismo de la II Guerra Mundial. Este volumen reúne los dos primeros álbumes que el maestro italiano Vittorio Giardino (¡No pasarán!, Jonas Fink) dedicó a Max Fridman, su personaje más emblemático. Rapsodia húngara y La puerta de Oriente son dos obras maestras esenciales para entender la evolución de la historieta europea de los años 80 en su registro más adulto.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

‘Wolfs’ (2024) de Apple TV+ | Pitt y Clooney salvan una cinta de acción sin más

‘Wolfs’ es la nueva película de acción para Apple TV+ dirigida por Jon Watts y protagonizada por Brad Pitt y George Clooney. Y son ellos lo mejor de esta propuesta del director de la última trilogía de Spiderman.

La cinta nos presenta a dos ‘solucionadores’ rivales, Nick (Brad Pitt) y Jack (George Clooney), quienes se ven obligados a unir fuerzas para resolver un desliz de una importante funcionaria de Nueva York durante una noche de pasión con un jovencito.  Aunque la premisa promete acción, ‘Wolfs’ se desinfla y queda en una película de acción sin más, donde lo más destacado es la química y la vis cómica de sus protagonistas.

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Pese a que la atmósfera nocturna de Nueva York funciona de una forma soberbia, no llega al punto de como Michael Mann nos dibujó Los Ángeles en ‘Collateral’, pero es potente. Sin embargo, el guion no logra profundizar en los personajes ni en la historia y son los protagonistas los que consiguen con su actuación y su carisma hacer atractivos a los personajes.

A pesar de estos puntos débiles, que serían suficientes para abandonar esta propuesta, ‘Wolfs’ brilla gracias a la química indiscutible entre Brad Pitt y George Clooney. Los dos actores, que no trabajaban juntos desde ‘Ocean’s 13’, demuestran una vez más por qué son considerados dos de las mayores estrellas de Hollywood. Su interacción es natural y logran transmitir una sensación de camaradería y rivalidad que resulta entretenida y convincente. Las escenas en las que ambos comparten pantalla son, sin duda, lo mejor de la película.

La vis cómica de Pitt y Clooney es otro de los puntos fuertes de ‘Wolfs’. Ambos actores tienen un talento innato para la comedia, y esto se refleja en sus actuaciones. Brad Pitt ya lo demostró en la denostada ‘Bullet Train’. Las bromas y los diálogos ingeniosos entre Nick y Jack añaden un toque de humor que funciona como un tiro. Esa comedia es la que hace que la película sea disfrutable, a pesar de sus deficiencias en otros aspectos.

La dirección de Jon Watts, conocido por su trabajo en la trilogía del ‘Spiderman’ con Tom Holland, es competente, pero no logra ser nada del otro mundo, y nos entrega una cinta de acción estándar. Watts maneja bien las secuencias de acción, pero no destaca, aunque sabe sacar provecho de la química entre sus protagonistas, pero el guion carece de la originalidad necesaria para hacer de ‘Wolfs’ una película verdaderamente destacable.

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Conclusión

‘Wolfs’ es una película de acción que cumple con su cometido de entretenernos y hacernos pasar un rato divertido, pero no ofrece mucho más allá de eso. La trama es predecible y el guion no logra aprovechar al máximo el potencial de sus personajes y su historia.

La química entre Brad Pitt y George Clooney, junto con su vis cómica, hacen que la película sea disfrutable y valga la pena verla, especialmente para los fans de estos dos actores y de las cintas de acción cómica al estilo de ‘Dos Buenos tipos’, aunque inferior.

Si buscas una película de acción ligera sin espectacularidades ni escenas loquísimamente enrevesadas, ‘Wolfs’ es eso. Con momentos de humor y dos protagonistas carismáticos, ‘Wolfs’ es una opción recomendable. Eso sí, no esperes una obra maestra del cine, pero sí una cinta que te hará pasar un buen rato gracias a las actuaciones de Pitt y Clooney.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Wolfs’ de Apple TV+:

Un saludo y sed felices.

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon. Temporada 2: El Libro de Carol. Episodio 2

Continuamos analizamos la segunda temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon, la serie que, creada por David Zabel y emitida por AMC+, sigue a Daryl en Francia y también a Carol que ya ha llegado allí. Hoy con el segundo capítulo titulado Moulin Rouge.

Bienvenidos otra vez, caminantes y sobrevivientes. Aquí nuevamente para analizar otro capítulo de The Walking Dead: Daryl Dixon, en este caso el segundo que, además de traernos a Carol a Francia previo paso por Groenlandia, revela aspectos turbios de la Unión de la Esperanza y profundiza en las relaciones entre los personajes con implicancias de pronóstico incierto.

Pasemos pues a ver qué nos ha dejado esta entrega no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden echar ojo a nuestros análisis anteriores, ya sea de esta u otras series de la franquicia.

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon

Análisis de The Walking Dead

Análisis de Fear The Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: World Beyond

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: Dead City

Análisis de The Walking Dead: The Ones who Live

Caminantes y Bengalas

Con desperfectos, el avión en que viajan Ash y Carol llega a Groenlandia. Comprobamos que también allí hay caminantes, aunque lucen más abrigados y con plantas encima. Carol dice que se encargará de ellos, pero las cosas se le complican cuando comienzan literalmente a brotar otros del suelo. Es salvada (una vez más) por Ash, pero también por dos mujeres locales que, armadas y diciendo llamarse Eun y Hanna, les dan la bienvenida a Groenlandia.

Se trata de dos ecologistas que estaban allí cuando comenzó todo y que podrían tener los elementos necesarios para reparar el avión, por lo que Carol y Ash les acompañan hasta su vivienda.

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Pero cuando él parte con Eun (Minami Bages) para hacer las reparaciones correspondientes, la cosa se vuelve a complicar para Carol. Hanna (Maria Erwolter), que ha quedado en la casa con ella, toma su ballesta y la apunta mientras su mirada luce súbitamente ida. En un discurso que en algún punto remite a Alpha, habla de dejar a la naturaleza seguir su curso y hasta invoca la leyenda local de Tupilaq.

Carol se da cuenta de que simplemente actúa obedeciendo a Eun y le pregunta por qué. Le ofrece la posibilidad de marcharse de allí con ellos, pero no le interesa. En cuanto a Eun, está todavía más desquiciada y no solo repite ante Ash el mismo discurso naturalista, sino que además quiere tener hijos con él y, ante su negativa, también lo apunta con un arma…

Cuando Eun regresa junto a Hanna, ve que Carol sigue viva y le pregunta por qué se ha demorado, pues ella dice ya haber cumplido su parte. Intenta hacerse cargo de Carol ella misma, pero antes de poder disparar recibe en la frente un dardo de ballesta disparado por Hanna.

Está claro que la oferta de Carol le ha finalmente interesado, aunque no tiene consuelo por haber matado a su amiga. Carol le dice que no tuvo más opción y la invita a acompañarle al avión. Cuando llegan al mismo, descubrimos que Eun no mató a Ash, sino que lo dejó encadenado y a merced de los caminantes, lo cual es coherente con lo de dejar seguir a la naturaleza su curso.

Pero Ash se ha hecho de una pistola de bengalas que había dejado en el habitáculo del avión y, viendo llegar a Carol junto a Hanna, interpreta a la segunda como una amenaza y le dispara una bengala que se inserta fatalmente en su cuello.

Mientras le libera y al igual que lo hiciera momentos antes con Hanna, Carol consuela a Ash con que no tuvo opción, pero nada le dice acerca de que la la mujer había cambiado de bando y venía a acompañarles: en otras palabras, le sigue ocultando información, aunque en este caso como acto piadoso para no dejarle culpas.

Cambio de Escenario

En Francia, entretanto, Daryl y su grupo regresan al Nido luego de la operación de rescate y Laurent está feliz de volver a verle. Ahora no solo entrena al niño en uso de armas, sino también en béisbol, todo lo cual motiva a Laurent, a quien no parece en cambio entusiasmarle demasiado el destino extraordinario que todos allí dicen que le espera: pronto sabremos que no está equivocado…

En charla con Isabelle, Daryl le pregunta acerca de sus dudas con respecto a la Unión de la Esperanza y le ofrece que tanto ella como el niño le acompañen en su viaje a América, pero Isabelle sigue en su postura de quedarse, por muchas que sean sus dudas.

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De pronto, alguien da aviso de que Laurent no está en su habitación y al ir presurosos Daryl e Isabelle descubren que, en efecto, hay pisadas con arena e indicios de secuestro. Daryl arma un grupo de rescate bajo el visto bueno de Losang mientras Isabelle, desoyendo todo consejo en contrario, toma también un arma y se suma.

El rastro lleva a un edificio abandonado con claras señales de la presencia de hombres de Genet. Sorpresivamente, el rifle de Daryl falla, a pesar de lo cual y con la ayuda de Isabelle y Fallou, logran apañárselas y dar cuenta de la mayoría. Pero de pronto Emile les traiciona. Todo ha sido una trampa para sacar a Daryl de en medio y, según dice, para que no haya obstáculos en que el niño sea sometido a “la ceremonia”, de la cual nos enteramos que consiste en exponerlo a la mordedura de un caminante en la convicción de que es inmune a la misma.

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Logran no obstante desarmarle y, descubierto el engaño, el grupo emprende el regreso. Lo ocurrido ha convertido en certezas las dudas de Isabelle, quien obviamente ya no cree en la Unión de la Esperanza y, antes de llegar al Nido, anoticia a Daryl de que ha ocurrido lo que llama “dépaysant», algo así como un cambio de escenario. Ahora sí acepta acompañarle cuando llegue el momento de partir. Acaban besándose…

Voluntaria Forzosa

Carol y Ash han llegado a Francia, logrando posar el avión en una antigua pista de carreras de caballos cercana a París. Ella se apresta a dirigirse a la ciudad y él quiere acompañarla, pero Carol dice que es importante que permanezca junto al avión y la deje trabajar sola, como siempre lo ha hecho: lo que no quiere, desde ya, es que Ash descubra la verdad del engaño que ha montado…

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A regañadientes, él acepta quedarse y Carol parte hacia París, encontrando la ciudad devastada y en ruinas. Los camiones de Povoir recorren el lugar, pero ella no sabe de qué se trata. Viendo que hay grupos de hambrientos a los que una oficial ofrece comida a cambio de convertirse en voluntarios para la fuerza, Carol logra infiltrarse, pero cuando intenta curiosear es descubierta y, por haber demostrado agallas, termina como “voluntaria forzosa”.

En el camión, traba conversación con un tal Remi que (muy convenientemente) es profesor de inglés y la pone al tanto de Genet y su organización. Dice que su pareja viaja en otro camión, pero entra en desesperación cuando, al llegar al cuartel, los vehículos se separan.

Se oyen alaridos de dolor y vemos que Genet está torturando a alguien que termina siendo Codron, aquel oficial suyo que sin embargo le perdonara la vida al niño y lo dejara ir. Lo que ella quiere es justamente información sobre el paradero del mismo, como también del americano y la monja, pero Codron, a pesar del suplicio, no suelta palabra…

Balance del Episodio

Luces y sombras. Capítulo muy entretenido, pero que retoma lugares comunes que la franquicia daba impresión de estar dejando atrás. La historia del grupo o comunidad que parece simpática al principio y termina por no serlo después es algo que ya hemos visto y revisto en la serie principal, pero que aquí veníamos evitando bastante bien. Sin embargo, lo hemos vuelto a ver con las dos mujeres en Groenlandia (cuya trama acabó en completo relleno) y con la revelación sobre la Unión de la Esperanza hecha por Emile.

A propósito: ¿qué necesidad tenía este último de contar con lujo de detalles todo lo referente a la ceremonia y los planes de la organización mientras tiene apuntado a Daryl y está a punto de matarle? Parece un cliché de películas o series de otros tiempos y hace chirriar los dientes tanto como las increíbles casualidades que rodean a Carol: haber encontrado en América un sujeto con un avión se compensa con la increíble mala suerte de aterrizar en Groenlandia a escasa distancia de dos ecologistas psicópatas, pero la buena suerte regresa al encontrarse con un profesor de inglés a poco de llegar a París.

En cuanto al beso entre Daryl e Isabelle, no es algo que no viéramos venir, pero también es cierto que viene muy de telenovela por el morbo de que ella es monja, por el perfil bastante asexuado que siempre él ha tenido y porque sabemos que se vienen problemas al estar ahora en escena Carol, quien ya de por sí tendrá los suyos para explicar la situación a Ash.

Por otra parte, Daryl le ha pedido a Isabelle que le acompañe en su viaje de regreso y ella ha aceptado. ¿Cómo sigue? ¿Regresan tres, cuatro o cinco? Espero que no lo resuelvan echando mano al fácil recurso de matar a quien moleste y en ese sentido temo más por Isabelle que por Laurent, aunque la franquicia ya ha demostrado que tampoco tiene problemas en matar niños por muy principales que sean. Y ya que hacemos referencia la serie principal, díganme si el momento en que Daryl descubrió que su rifle estaba saboteado no les hizo acordar a Negan y los suyos siendo engañados por Eugene.

En fin, vuelvo a repetir que ha sido un episodio muy entretenido, pero que enciende algunas alarmas.  Veremos si el próximo confirma los temores o la serie reencuentra su camino. Hasta entonces y sean felices.

Caddo Lake (2024). Un pantano con sorpresas.

Max estrenó el día 10 de octubre Caddo Lake, una película que, aunque se haya estrenado ahora, se hizo tres años atrás. M. Night Shyamalan (La trampa, Los vigilantes) es el productor, y después de haberla visto, tengo que decir que se nota su presencia en ella. Está dirigida por Logan George y Celine Held, quienes también han escrito el guion. Caddo Lake se inspiró en las numerosas visitas que los cineastas hicieron después de ver fotos del lago real y de los bosques cercanos, un lugar pantanoso situado en la frontera de Texas y Luisiana.

Paris (Dylan O’Brien) y Ellie (Eliza Scanlen) tienen dos cosas en común: ambos viven en el lago Caddo, y ambos van a pasar por un trágico hecho que los marcará. Dos historias paralelas que tras un giro sorprendente de los acontecimientos acaban cruzándose de una forma inesperada. Bueno estando detrás Shyamalan, la sorpresa sería que no hubiera sorpresa.

Paris, Ellie y Caddo Lake.

Empezamos Caddo Lake con el hecho que traumatizó a Paris: la muerte de su madre. Sin duda alguna una tragedia difícil de superar, y más para él que se culpa de ella. A eso se une su inconformidad por todos los sucesos que desembocaron en aquel fatal accidente. El nunca dio por buena la valoración de los expertos, y esa obstinación suya le ha hecho separarse de las personas que más quiere: su padre y su novia.

Seguidamente conoceremos a Ellie, una joven rebelde e inconformista que no se lleva bien con su madre Celeste (Lauren Ambrose). Por ese motivo abandonó su casa hace poco más de un mes, pero ahora ha regresado aunque no piensa quedarse mucho. En seguida vemos la admiración que su ‘hermana’ Ana (Carolina Falk) siente por ella, y también veremos los motivos por los que madre e hija siempre acaban peleando. Caddo Lake

Al igual de Paris, Ellie también tiene algo en su vida que no ha superado, algo que no hace más que intentar destapar una y otra vez, intentando encontrarle un sentido: la desaparición de su padre. Celeste le dijo que él había muerto, pero algo en toda esa historia no encaja, y su obsesión es la causa principal de las peleas entre ambas. Y ahora, además de esto, tendrá que enfrentarse a la desaparición de Ana.

Caddo Lake. Dos partes totalmente diferentes.

Caddo Lake nos mete en sus primeros minutos en dos dramas que nos acercarán a conocer mejor a los dos protagonistas de su trama. Dos historias que, bajo mi punto de vista, trascurren demasiado despacio, y que llegan a hacerse aburridas. Aunque ambas historias son igual de importantes, el espectador tiene la sensación de que la trama de Paris tiene más peso. Es una apreciación que pronto tendrá su explicación.

Esos primeros minutos lentos nos sirven para conocer mejor a los dos protagonistas, algo muy necesario, pero que en Caddo Lake se hace de una manera que casi exaspera. Parece que los minutos avanzan y tanto Paris como Ellie no son capaces de salir de sus historias en las que han entrado en bucle. Todo se vuelve lento, muy lento.

Caddo Lake

Y no será hasta más o menos mitad de película, cuando nos encontremos con un giro que lo pone todo patas arriba. Tengo que confesar que ya me estaba aburriendo cuando llegué a esa parte, y me encontré ante una serie de escenas que no entendía. Supongo que ya no esperaba nada de la película, y que este cambio de registro llegó un poco tarde para mi, que ya casi había desconectado de ella.

Lo cierto es que esta sorpresa es esperada, aunque a mi me pillara out. Llevaba ya un rato cuestionándome qué tenían en común ambas historias y preguntándome si se cruzarían o no. Y cuando todo eso sucedió fue de un modo tan inesperado que me costó entrar en la nueva historia que nos estaban planteando.

Así que pasamos de dos intensos dramas familiares a una historia confusa y acelerada, donde incluso vamos a tener acción. Una historia en la que todo empieza a encajar y es cuando nos damos cuenta del rompecabezas que habían creado sin que lo viéramos.

Caddo Lake está siendo catalogada como lo mejor que vamos a ver este 2024 del productor Shyamalan. No es una película que te va a marcar, ni tampoco es de las que te va a dejar pensando días en ella. Su historia está hecha para entretener y hacerte pasar un rato ameno mientras la ves, y con eso cumple. Una peli para ver en el sofá después de cenar, o para el finde, en plan más tranquilo.

Tráiler de Caddo Lake.

 

Rumor: Marvel Studios planea una secuela de Deadpool y Lobezno (Wolverine)

Por ahora es un rumor con tintes de realidad, y no hay nada oficial todavía. Pero aunque no sería una sorpresa (en un tiempo) debido al éxito brutal y arrollador en taquilla, se dice que Marvel está estudiando la posibilidad de hacer una secuela de Deadpool y Lobezno (Wolverine).

¿Y quien afirma este rumor? La cuenta MyTimeToShineHello que se nutre de noticias y primicias por Internet.

No olvidemos que Deadpool y Lobezno (Wolverine) es la película para «adultos» (mayores de 18 años) más taquillera de la historia del cine, y es además la quinta película de superhéroes más taquillera en Estados Unidos. Además a nivel internacional se ha metido entre las 25 películas que mas ha recaudado de todos los tiempos. Un éxito que poca gente supo ver en su momento, pero que ahora todo Marvel saca pecho.

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Pero eso no es todo, se espera (no nada oficial) que estos dos héroes salgan en las futuras películas Marvel, sobre todo en Vengadores: Secret Wars, uniendo fuerzas con el resto de personajes de La Casa de las Ideas. Por tanto casi seguro que volveremos a ver a Ryan Reynolds y a Hugh Jackman de nuevo enfundados en los trajes de Deadpool y Lobezno (Wolverine), aunque todavía no podemos afirmarlo de manera oficial.

Por el momento no hay más declaraciones de Marvel o de los actores, aunque estos últimos han dicho en varias ocasiones que les gustaría volver a interpretar estos papeles. Eso si, no han realizado ningún tipo de primicia o han filtrado información al respecto.

Por tanto habrá que estar atento a futuras informaciones de Marvel para dar oficialidad al pronto regreso de Deadpool y Lobezno (Wolverine) al Universo Cinematográfico Marvel. Estaremos atentos.

Un saludo y sed felices.

‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’ | Un merecido tributo que te hará llorar cuando se cumple el 20 aniversario de la muerte del actor

‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’ es un documental que se estrenó en cines el pasado 10 de octubre. Bajo el sello de DC Studios tenemos esta aproximación al Superman de toda una generación, que no solo rinde homenaje a un actor icónico, sino que también celebra la vida de un hombre cuya lucha y determinación trascendieron la pantalla.

Dirigido por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, este documental ofrece una mirada profunda y emotiva a la vida de Christopher Reeve, tanto antes como después de su accidente. Desde lo que significó Superman para él, como su incansable lucha por los derechos de las personas con discapacidad.

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Este documental está cuidadosamente construido para resaltar no solo los logros profesionales de Reeve (y sus fracasos fuera de la franquicia de Superman), sino también su increíble resiliencia y su dedicación a la causa de la discapacidad. A través de entrevistas con familiares, amigos y colegas, así como material de archivo inédito, los directores logran pintar un retrato íntimo y conmovedor de un hombre que nunca dejó de luchar.

‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’ aborda también la relación de Reeve con su papel de Superman. Para muchos, Reeve no solo interpretó al Hombre de Acero; él era Superman. Vemos como el actor se despega de esa imagen, pese a que su interpretación de Superman lo catapultó a la fama.  A los directores no les tiembla el pulso a la hora de mostrarnos también el lado menos amable del actor cuando dejó a su pareja y a sus hijos y lanzarse a una vida de fiestas y algunos excesos. Eso nos al algo que consigue que veamos a Reeve como alguien más humano, cometiendo errores.

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El documental tampoco rehúye mostrar los momentos más oscuros y difíciles de la vida de Reeve. Su lucha diaria para recuperar la movilidad, su batalla contra las infecciones y complicaciones médicas, y su dolorosa aceptación de su nueva realidad son presentados con una honestidad brutal. Sin embargo, estos momentos están equilibrados con escenas de esperanza y triunfo, como su trabajo incansable para establecer la Fundación Christopher y Dana Reeve, que ha financiado investigaciones cruciales y ha proporcionado apoyo a miles de personas en situaciones similares.

‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’ tiene tantos momentos especiales y emotivos que es difícil escoger uno, pero hay uno que creo que marcó al actor para salir de nuevo a la palestra: La ovación recibida en su aparición en la ceremonia de los Óscars.

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A partir de ese momento Reeve mostró el verdadero heroísmo de Reeve cuando utilizó su fama y su voz para abogar por la investigación de la parálisis y los derechos de las personas con discapacidad.

La participación de los hijos de Reeve en el documental añade una capa adicional de emotividad. Sus testimonios ofrecen una visión personal y conmovedora de su padre, no solo como el icónico Superman, sino como un hombre amoroso y dedicado que nunca dejó de luchar por un mundo mejor. Estas entrevistas, junto con las imágenes de archivo de Reeve en su vida cotidiana, crean una conexión emocional profunda con el espectador.

Pero si he de resaltar algo son los momentos de Robin Williams junto al actor en sus peores momentos y la amistad tan profunda que se procesaban. Ese discurso en el funeral te destroza. Me quedo con las palabras de Glenn Close: “Si Christopher Reeve no hubiera muerto, Robin Williams todavía seguiría entre nosotros”.

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Conclusión

‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’ es un documental que no solo celebra la vida de un actor icónico, sino que también destaca su increíble legado como defensor de los derechos de las personas con discapacidad. Es una historia de superación, esperanza y amor que deja una profunda impresión en el espectador. Reeve puede haber interpretado a Superman en la pantalla, pero su verdadero heroísmo se manifestó en su vida real, luchando por un mundo en el que todos tengan la oportunidad de volar.

Para quienes tenemos a Reeve como nuestro Superman, ver esto en una sala de cine es un espectáculo dolorosamente emotivo y creo que DC Studios ha elegido el mejor momento para rendir homenaje al actor ahora que se cumplen 20 años de su fallecimiento y antes de que se estrene la nueva cinta de ‘El Hombre de Acero’.

Este documental es un tributo conmovedor y poderoso a un hombre que, a pesar de todas las adversidades, nunca dejó de creer en la posibilidad de un futuro mejor.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’:

Larga vida a Christopher Reeve, larga vida a nuestro Superman.

Retro-Análisis | Cyborg (1989): Jean Claude Van Damme y Cannon firman una ‘joya’ del cine postapocalíptico.

‘Cyborg’ fue la cinta que protagonizó el actor belga tras ‘Kickboxer’ y su regreso a Cannon Group tras el éxito de ‘Contacto sangriento’.  Este 2024 cumple 35 años y he querido volver a ver esta joya, que en su día disfruté mucho y a la que mi compañero y amigo Carlos María Porras tiene cariño.

Nos encontramos ante una película de ciencia ficción y acción dirigida por Albert Pyun. La trama se desarrolla en un futuro postapocalíptico en el cual la humanidad está al borde de la extinción debido a una plaga mortal. La única esperanza la tiene una cyborg llamada Pearl, ya que posee la información necesaria para desarrollar una cura. Nuestro Juan Claudio interpreta a Gibson, un ‘slinger’ que decide proteger a Pearl y llevarla a Atlanta donde le sacarán dicha información.  Por desgracia unos minutos después aparece el villano y secuestra a Pearl.

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EN CF: JEAN-CLAUDE VAN DAMME ANUNCIA SU RETIRADA. ELEGIMOS SUS DIEZ MEJORES PELÍCULAS


Sin motivo aparente, Gibson seguirá a Fender Tremolo (el villano sobreactuado de la cinta) para rescatar a la cyborg mientras va cruzando muchos escenarios postapocalípticos al más puro estilo de ‘1997: Rescate en Nueva York’, pero sin el carisma de Serpiente Pliskken.

Estamos ante una película de Cannon, así que la calidad se quedó en casa o está de vacaciones (esto con todo el cariño del mundo) y nos encontramos con un guion que huele a refrito de otras producciones, pero con un menor presupuesto.

No voy a negar que ‘Cyborg’ me ha entretenido y que sus 86 minutos se han pasado en un suspiro, pero también hay que mencionar que son muchos los elementos negativos que convierten a esta cinta en más mediocre de lo que podría haber sido.

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Jean Claude Van Damme está en los comienzos de su carrera y sus dotes de actuación se fueron también de vacaciones y, pese a que lo intenta, su cara de palo no trasmite nada. La trama no es que sea puro drama entre patada y patada, pero tiene unos flashbacks sobre el pasado de Gibson que con otro actor hubiesen cobrado mayor importancia.

Supongo que la elección del artista marcial belga fue para potenciar las escenas de luchas cuerpo a cuerpo, pero no lo consigue. Las coreografías son sosas, sin gracia alguna y con un montaje pésimo, así que ni para eso vino bien la elección de Jean Claude Van Damme.

Quizás algo de culpa (o gran parte de culpa) la tenga la dirección de Albert Pyun, que nos deja una ‘road movie’ que se sostiene por lo aberrante de los personajes que pululan por la trama y el diseño del mundo que, pese a su falta de originalidad, funciona.  El guion tampoco es que se encuentre entre los premiados a mejor guion original del año.

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He mencionado que la calidad de esta cinta no es de las mejores, pero consigue crear un mundo atractivo, que bebe de muchas fuentes, pero que hace que ‘Cyborg’ tenga un puntito interesante, aunque tampoco la salva. Recordemos que los escenarios fueron reciclados de proyectos que fueron cancelados, así que su coste fue mínimo y consiguieron cumplir con su cometido: Una atmósfera oscura y desolada que sumerge al espectador en un futuro sombrío y peligroso. Ese minipunto va para Cannon.

La caterva de villanos pretende dar miedo y generar odio en el espectador para que empatice con Gibson, pero realmente Fender es cómico con esas expresiones que nos regala en el enfrentamiento final al más puro estilo de un Jim Carrey con sustancias ilegales corriendo por su sangre.

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Un dato curioso de esta cinta es que cuando se rodó en tan solo 23 días, Cannon estaba en problemas económicos muy graves tras el fiasco de Superman IV y con un presupuesto de 500.000 dólares, así que, con una recaudación de 10 millones, fue todo un éxito.  ‘Cyborg’ iba ser la secuela de ‘Masters of the Universe’, pero finalmente acabó siendo una cinta independiente.

Y otra curiosidad que creo es digna de mención con la crítica que habéis leído es que en 2011 Albert Pyun se hizo con todo el metraje y realizó su ‘Pyun’s cut’… ¡Chúpate esa, Zack Snyder!

Conclusión

‘Cyborg’, entre los amantes de este tipo de cine, es considerada una gran película: no creo que se le pueda achacar el papel de ‘cinta de culto’, pero los fans de Jean Claude Van Damme siempre suelen mencionarla.  Sinceramente, la forma física envidiable del franco belga la mantiene a flote por momentos, pero la dirección de Pyun, el montaje final, las malas coreografías y sus escasas dotes interpretativas se cargan el producto final.

‘Cyborg’ es una cinta curiosa, entretenida, con muchos defectos y hubiese sido mejor si alguien con talento hubiese estado en la sala de montaje, pero no ha envejecido nada bien a sus 35 años. Creo que es hora de un buen remake en HD.

Creo que mi amigo Carlos María Porras la definió a la perfección con la frase: Es una mala buena película.

No quiero olvidar que esta cinta tiene una secuela protagonizada por Angelina Jolie.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Cyborg’ de 1989:

Un saludo y sed felices.

El cómic de la semana: Zenith 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Zenith 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Zenith 1, la primigenia obra de Grant Morrison

Siempre que hablamos de Grant Morrison, hablamos de calidad, de uno de los mejores autores que ha dado el mundo del cómic, y con Zenith es más de lo mismo. Solo que es su opera prima y se le pueden ver más las costuras a la obra, pero por lo demás es un cómic sobresaliente.

Zenith

Zenith, como la mayoría de las grandes obras británicas del cómic del siglo XX, nació en las páginas de la revista 2000 AD. Y aquí se formó el autor Grant Morrison, que a la postre sería uno de sus máximos exponentes. Pero tanto el autor como esta primera obra están muy influenciados por el gran maestro de ceremonias Alan Moore, y parece que a Morrison aún le costaba salir de su gran zona de influencia.

En Zenith nos dirigen a una sociedad donde los superhéroes viven entre nosotros tras una generación que luchó en la II Guerra Mundial. Héroes que actualmente viven como dioses y sin ningún tipo de preocupaciones hasta que los fantasmas del pasado, de la Gran Guerra, vienen a revivir sus miedos. Y es aquí donde por fin las nuevas generaciones dan un paso al frente. Pero toda esta historia gira en torno a uno de los protagonistas: Zenith que da un paso al frente, un paso de madurez que le convertirá en el héroe que todos siempre hemos querido.

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Un joven y primerizo Grant Morrison demuestra en esta gran obra lo bueno que es, y el potencial que aún guardaba para futuras obras, creando un mundo distópico con grandes historias divididas en cuatro fases.   A las dos primeras, con sus interludios, las podemos ver en este tomo, por lo que asumo que todo finalizará en un futuro volumen dos. Por tanto podemos disfrutar de una gran serie en sólo dos tomos sin eternizarnos años en otras de superhéroes convencionales.

La calidad del papel en la edición de Dolmen es de bastante grosor, además de publicarse en tapa dura. Por lo que si te gustan las buenas historias de superhéroes y que duren en tu comiteca, esta es una gran oportunidad para hacerlo. Los extras aportan también información a la narración sin sobreexplotar la cantidad de páginas y el precio.

Y me doy cuenta de que estaba acabando el artículo sin dedicar unas líneas a Steve Yeowell, el dibujante de Zenith. Y es que Steve Yeowell me parece un buen narrador que aporta realismo a las escenas del cómic. Creo que su aportación fue decisiva para que Zenith se convirtiera en una joya atemporal. Lo que sí que me parece raro es que este autor no haya transcendido en gran manera en obras posteriores.

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Una Crisis y una Guerra Secreta! Berlín, 1945. La Segunda Guerra Mundial se desarrolló apoyándose en los grupos de superseres de los distintos países, que desembocó en una gran batalla final librada por Maximan y Masterman. Desde entonces, los superhéroes se han integrado en la sociedad, y los ciudadanos de a pie se han acostumbrado a convivir con estos seres de asombrosas habilidades. Cuarenta años después, en el presente, Zenith es una egoísta estrella de la música con poderes, pero sin ningún espíritu heroico. Vive de la fama y el triunfo sin preocuparse de nada más que no sea su popularidad y su multitud de seguidores, esquivando cualquier responsabilidad. Sin embargo, las viejas fuerzas del Eje vuelven a despertar a unas oscuras presencias multidimensionales, conocidas como los Multiangulados, cuyo único objetivo es destruir todo rastro de vida, con el control de un poderoso cuerpo, gemelo de Masterman, y eliminando al resto de seres con poderes. Zenith se verá obligado a luchar por algo más que él mismo y deberá aprender a ser un verdadero superhéroe. En 1987, Grant Morrison (All Star Superman) y Steve Yeowell (Judge Dredd) empezaron a serializar Zenith en de la prestigiosa revista 2000 AD. En estas páginas, el guionista escocés plantea muchas de las ideas que ejecutaría en el resto de su carrera: la psicodelia, los conflictos multidimensionales, las conspiraciones de otras realidades, la metatextualidad, la humanización del superhéroe… y una obvia proyección de su propia identidad. El resultado, una saga épica de lectura imprescindible. «Un tono oscuro, referencias al misterioso pasado, superhombres creados por nazis y unas batallas francamente espectaculares. Si a eso le sumamos las referencias a H.P. Lovecraft de Iok-Sot-ot y el resto de los Multiangulados, el resultado es una vuelta al concepto de superhéroes en el mundo real pero yendo en dirección opuesta al tenebrismo de los ochenta de Miller, Moore y Mills». Sergio Aguirre (Sala de Peligro)

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Dolmen y el enlace a la editorial pinchando aquí.

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Un saludo y sed felices.