Tres años después de su polémico final, volvemos a Poniente y al universo ideado por la mente maestra de George R. R. Martin. En un mundo dominado por Netflix, el fenómeno televisivo (junto a Perdidos) del siglo XXI fue la fantasía épica con dejes de telenovela familiar Juego de Tronos. Ahora es el turno de La casa del dragón, precuela centrada en los Targaryen.
En Las cosas que nos hacen felices somos muy aficionados al mundo creado por George R. R. Martin, como se puede comprobar con todos nuestros artículos.
La casa del Dragón no es exactamente una precuela, dado que se sitúa casi doscientos años antes del inicio de Juego de Tronos, con los Targaryen dominando Poniente y un reino en paz.
Inicialmente, se nos sitúa en las ruinas de Harrenhal, donde el rey Jaehaerys nombrando a su nieto Viserys en detrimento de Rhaenys, su prima, que no optó al Trono de Hierro por ser mujer.
Nueve años después, Viserys gobierna un reino en paz. La serie, al menos inicialmente, se centrara en su sucesión.
Para este primer capítulo, he decidido analizar el episodio centrándome en los personajes principales para irnos familiarizando con ellos.
Viserys Targaryen
El rey de Poniente es un Targaryen marcado por la evitación de conflictos y por su obsesión con la línea sucesoria, ya que solo tiene una hija, Rhaenyra, la cual, por tradición, no puede optar al reino. Su esperanza radica en el embarazo de la reina.
El lío se monta cuando, en una magnífica escena, tanto la reina como el bebé pierden la vida en el parto, en un intento de cesárea desesperada. El rey los pierde por su obsesión con tener un hijo.
Su falta de capacidad para tomar decisiones se pone a prueba cuando es informado de que su hermano, previsible heredero al Trono de Hierro, ha celebrado la muerte de su hijo nonato. Y Viserys responde echando a Daemon a su territorio, lejos de Desembarco del Rey, y nombrando a su hija Rhaenyra heredera al trono de Hierro. Encima, Viserys padece alguna desconocida dolencia que le impide cicatrizar adecuadamente las heridas. Y eso que se corta continuamente con el Trono de Hierro.
Daemon Targaryen
De largo, el personaje más atractivo de este primer capítulo. Daemon simboliza todo lo que no tiene su hermano. Es impulsivo, decidido y violento. Su sola presencia impone temor pero su inestabilidad le impide ser un buen dirigente.
A lo largo de este episodio vemos desde gestos de cariño (ese colgante que regala a su sobrina) a la brutalidad del juicio público a los delincuentes de Desembarco del Rey. Aunque, aparentemente, Daemon es un personaje al que odiar, sus múltiples capas le convierten en una figura 100% Martin.
Rhaenyra Targaryen
La hija de Viserys es una joven intrépida con más interés en montar dragones y viajar más allá del mar Angosto que en los juegos de poder y las maniobras palaciegas.
Sin embargo, Rhaenyra se verá obligada a entrar en el Juego cuando su padre le nombre heredera al Trono de Hierro.
Rhaenys Targaryen
Hemos visto poco de la prima del rey Viserys, que le quitó el trono solo por el hecho de ser hombre. Intuyo que no es algo que haya olvidado, y que su influencia sigue patente en su marido, Corlys Velaryon, miembro del Consejo.
Corlys Velaryon
Esposo de Rhaenys y miembro del Consejo. Su actitud choca con la de la Mano del Rey y, aunque jura fidelidad a Rhaenyra al final del episodio, su primera apuesta era por Daemon o por su propio hijo varón, que también es Targaryen.
Otto Hightower
La Mano del Rey. El segundo personaje más atractivo de este capítulo. Un hombre de honor que discrepa con Daemon y el primero en proponer el nombramiento de Rhaenyra como heredera. Pero también una persona dispuesta a usar su influencia sobre el rey de cualquier forma. Aunque sea entregar a su hija a “complacer” al rey Viserys.
Alicent Hightower
Hija de Otto y mejor amiga de Rhaenys. Alicent es una joven dispuesta a complacer a su padre hasta el punto de “dejarse hacer” con el rey Viserys. Su papel en la serie está todavía por esclarecer.
CONCLUSIONES
La casa del dragón comienza con una referencia a Daenerys Targaryen, toda una declaración de intenciones. La serie es un spin off del producto más exitoso de su historia, y no le da miedo la conexión. Incluso se hacen referencia a la Larga noche de la última temporada de la serie.
La comparación, por tanto, es inevitable partiendo de la base de que sus propios creadores la abrazan sin disimulos. Pero claro, hablamos de una serie tan dicotómica como Juego de Tronos. Porque el mayor fenómeno televisivo del siglo XXI no se construyó sobre dragones, grandes batallas o efectos digitales propios de superproducciones.
A veces se olvida que todos estos elementos eran más propios de unas últimas temporadas de una serie en caída libre.
Juego de Tronos se construyó en torno a las fascinantes conversaciones entre sus personajes repletos de capas y la realidad de que cualquier de ellos no se libraba de un destino funesto.
Al volver a un escenario dominado por un reino en paz, el primer capítulo recuerda soberanamente a la primera temporada de Juego de Tronos. Hay dragones tan espectaculares como los de las últimas temporadas, pero también escenas sexuales en burdeles o incluso justas. No hay ninguna escena que sorprenda.
Y los creadores lo saben, por lo que se centran en enseñar músculo con un diseño de producción increíble. Las armaduras, los escenarios…y el fuego, capital en todas las habitaciones y estancias de la serie.
Lo que sí es cierto es que, por su propia premisa argumental, La casa del dragón carece de la ambición narrativa propia de Juego de Tronos. La trama se centra en los Targaryen y apenas se sale de Desembarco del Rey. Y los personajes parecen interesantes aunque sin el carisma de personajes como Tyrion, Varys, Petyr o Jaime Lannister.
En definitiva, La casa del dragón comienza de manera entretenida y prometedora aunque su propia premisa le impida rebasar a la serie de la que es deudora. Es redundante sí, pero lo mejor que se puede decir de La casa del Dragón es que es una entretenida superproducción que recuerda demasiado a Juego de Tronos.
El productor ejecutivo de The Sandman, David S. Goyer, revela que Netflix fue el único estudio que apoyó la realización del episodio adicional de la primera temporada de la serie que ha sorprendido y agradado a buena parte del público.
Goyer explicó por qué los creadores de Sandman se mantuvieron firmes en producir «Dream of a Thousand Cats/Calliope», un episodio adicional incluido en la trama de la temporada 1, pero separado de ella. «El episodio 11 ‘secreto’ fue concebido por el autor Neil Gaiman, el showrunner Allan Heinberg y yo incluso antes de que presentáramos la serie a los compradores», dijo Goyer . «Cualquiera que esté familiarizado con Sandman sabe que hay todos estos increíbles problemas independientes intercalados a lo largo de la ejecución original y estábamos decididos a adaptarlos». Goyer explicó además que el episodio adicional de la temporada 1 proporcionó una salida conveniente para esas historias y, al mismo tiempo, le dio a la serie un prisma único.
El productor admitió que los planes para el Episodio 11 no eran normales para la industria, pero también creía que estaba «muy en el espíritu de la carrera poco convencional deNeil». Continuó: «Tuvimos muchas ofertas para hacer de Sandman entre los compradores, pero Netflix fue el único que accedió a hacer el episodio ‘secreto’. Y, sinceramente, esa fue una de las principales razones por las que elegimos Netflix. Sentimos que lo conseguimos de una manera que los demás no. Les dijimos que queríamos abordar ‘El sueño de los mil gatos’ primero y que queríamos que tuviera animación. Y podías ver el miedo creciendo en los ojos de la mayoría de los compradores. Netflix no se inmutó».
Aunque los fans estaban encantados de ver más de Sandman cuando se lanzó el episodio adicional , puede pasar algún tiempo antes de que el programa regrese a la pequeña pantalla, ya que Gaiman ha revelado que no hay episodios especiales adicionales programados para la temporada 1. También negó los rumores afirmando que el Episodio 11 pretendía ser una confirmación suave de una próxima temporada 2 , afirmando en línea que Netflix quería monitorear el desempeño de la serie durante su primer mes antes de decidir si perseguirá proyectos futuros con la franquicia.
Si bien Netflix aún está considerando sus opciones, los creadores de The Sandman son optimistas con respecto a las posibilidades de renovación de la serie. Antes del lanzamiento de la Temporada 1 a principios de agosto, Goyer afirmó que habían comenzado a trabajar en los guiones de la Temporada 2 aún por confirmar con actores que pensab que podrían encajar en los papeles. El escritor también prometió a los fans que la temporada 2 adaptaría una revancha entre Morpheus (Tom Sturridge) y Lucifer Morningstar (Gwendoline Christie).
Personalmente creo que sí habrá una segunda temporada de Sandman. Un cómic tan difícil de adaptar y que ha sido tan bien acometido por los responsables de la serie se merece una continuidad y estoy seguro de que el público así lo demandará. En cuanto a la importancia de este episodio secreto, al final estos pequeños detalles son los que marcan la diferencia. Nada les gusta más a los fans que la sorpresa. Ese pequeño giro que no te esperabas en modo de propina y que te hace aún más feliz. Netflix supo no poner barreras donde otras plataformas sí lo hacían y parece que han acertado.
No dejo de dar gracias por el momento que estamos viviendo. Todos los que somos aficionados al maravilloso mundo de los comics y el universo friki en general sentimos que por fin se nos da nuestro sitio. Multitud de ofertas en forma de series, películas y eventos han pintado con una nueva gama de colores nuestro ecosistema. Nos falta tiempo para disfrutar y eso siempre es un regalo de la providencia. No siempre fue así. Hubo un tiempo en el que éramos unos pocos y muchas veces no bien vistos. Por eso ahora es el momento de disfrutar y comernos la parrilla televisiva a bocados. Sin duda nos lo merecemos. Los comics siempre nos han enseñado un mundo mejor. Uno en el que los buenos siempre ganan. No sin sufrimiento. Ahora ese mundo se expande sin remisión. Y sin duda eso es motivo de alegría.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Tenemos encima el estreno de Dragon Ball Super: Super Hero. Os lo contamos en un segundo.
Dragon Ball Super: Super Hero.
El año pasado, os anunciamos que lo que se estaba cociendo. Podéis pinchar aquí para recordarlo.
Pero ya estamos en 2022 y os tenemos que decir lo siguiente: Dragon Ball Super: Super Hero, se estrenará en cines y en streaming el próximo (proximísimo) 2 de septiembre de 2022.
¡Lo tenemos ya aquí!
Esta nueva película que nos trae la franquicia, ha utilizado tecnología 3DCG y utilizando una estética totalmente novedosa, podremos disfrutar de nuestros añorados personajes de toda la vida.
La nueva película consigue un perfecto equilibro entre aunar lo clásico y lo moderno, de manera que nos dejará muy satisfecho a «los viejos rockeros» y de la misma manera, enganchar a un nuevo público desde el minuto 0.
Como ya os hemos comentado, Dragon Ball Super: Super Hero, se estrenará en cines y en streaming el próximo 2 de septiembre.
Pero hay una precisión importante que destacar. Para poder ver el film en streaming, deberás tener activa tu suscripción a Crunchyroll, que es la única plataforma que lo tiene disponible. Al menos por el momento.
Dragon Ball Super: Super Hero está recomendada para mayores de 13 años. el film tiene una duración total de 1 hora y 40 minutos.
Para abrir boca, os dejo el trailer oficial más abajo. Disfrutad y sobre todo …
Ya os hablé días atrás de las posibilidades de que este fin de semana Top Gun: Maverick pudiese sacar a Infinity War de su sexto lugar en la lista de taquilla de todos los tiempos cuando comienza su decimotercera semana en los cines. Con la última recaudación diaria de la película, el viernes 19 de agosto, Maverick ha recaudado 679 $ millones en Estados Unidos, lo que es lo suficientemente bueno como para superar Infinity War de 2018 (678 $ millones). Así las cosas Maverick se coloca detrás de un Top cinco de poderosas franquicias como Black Panther (700 $ millones), Avatar (760 $ millones), Spider-Man: No Way Hogar(804 $ millones), Avengers: Endgame (859 $ millones) y Star Wars: The Force Awakens (936 $ millones).
La noticia llega poco después de que Paramount anunciara un evento de «Fin de semana de agradecimiento a los fans» en el que la película regresó a ciertos formatos, como IMAX, en cines selectos. Estas proyecciones incluyeron imágenes adicionales que incluyen un making of de la película y algunos cines entregaron carteles exclusivos. Maverick ha sido un éxito monumental tanto para Paramount como para el propio Tom Cruise. La película es la película más taquillera de la distribuidora de todos los tiempos a nivel nacional, superando a Titanic (600 $ millones).
Maverick es obviamente la película más taquillera de 2022 a nivel nacional, ocupando cómodamente el primer puesto con Doctor Strange en el multiverso de la locura (411 $ millones) ocupando el segundo lugar.
Bienvenid@s amantes del VHS y de la era analógica a otro Retro-Análisis más en esta sección que trata de ser semanal y que os trae joyas (o no) del siglo XX que nos gusta rescatar para que los más jóvenes las conozcan y los más veteranos las recuerden.
¿Por qué ‘En la línea de Fuego’ ahora? Hemos decidido traer esta cinta a la sección tras el reciente fallecimiento de su director; no hemos querido ir a lo fácil y hablar de títulos de su filmografía más conocidos como:La Historia Interminable, La tormenta Perfecta, Das Boot o Troya.
Si tengo que destacar algo de ‘En la línea de fuego’ es su antagonista. Los 90 fueron unos años en los que tuvimos muchas cintas con villanos memorables, esos antagonistas de gran inteligencia que ponían en serios aprietos a los protagonistas. Véase Seven, Sospechosos habituales o El silencio de los corderos.
En el cine de suspense o en los thrillers es donde más brillan estos personajes. El clásico villano que empatiza con nuestro héroe y que entabla una rivalidad que evolucionando en una extraña relación mezcla de respeto y amistad.
Esta cinta nos presenta a Frank Horrigan (Clint Eastwood) un veterano agente secreto, que llegó a ser guardaespaldas del Presidente Kennedy y que en una investigación rutinaria se topa con este psicópata llamado Mitch Leary (John Malkovich) dispuesto a acabar con la vida del Presidente de los Estados Unidos.
Eastwood nos regala un personaje muy cercano a sus Harry de antaño con algo menos de malas pulgas pero capaz de ser verbalmente desagradable cuando se lo propone. Todo un perro viejo que muchos piensan que está acabado con trucos que ya no impresionan.
Creo que la mejor escena es la charla con Lilly Raines en el monumento al presidente Lincoln. ‘Todo es una escaparate’.
Lo bueno que tiene Horrigan es que es un personaje bien construido del que desconocemos su pasado hasta que Leary lo desvela. Un escolta de Kennedy que estuvo presente el fatídico día en Elm Street.
Durante gran parte del metraje vemos que todos dudan de sus capacidades y eso se ve en la escena en la que tiene que correr junto al coche presidencial. 62 años tenía Eastwood en esta cinta.
Está muy bien que se hayan alejado del personaje perfecto que no se equivoca y son los errores y tropiezos de Horrigan los que lo hacen más interesante. Su culpabilidad por lo ocurrido con JFK es una astilla que no se puede quitar y eso es algo que Leary va a utilizar y va a ser importante en la parte final.
‘En la línea de fuego’ es un thriller carente casi de acción y se basa en mantener la tensión sobre los planes de Mitch y la forma en la que Horrigan debe detenerlo. Todo ello mientras vemos a un presidente que está perdiendo votos y por ello debe exponerse más aún.
Una lucha entre evitar su asesinato y verse más cercano a la gente de a pie que va a ayudar al juego del gato y el ratón que es esta propuesta de Petersen.
El personaje de Russo me funciona perfectamente como agente y contrapunto a Eastwood pero pierde parte de su fuerza cuando se convierte en algo más. Esa parte de la historia, aunque breve, es la que menos me ha funcionado.
Dylan McDermott es un actor que siempre me ha gustado y que, por desgracia, no ha terminado de despegar en Hollywood.
Malkovich, un actor con una experiencia más que sobrada, nos regala un asesino tranquilo, metódico y muy inteligente. Un villano que se toma su tiempo para diseñar un plan perfecto para acercarse al presidente y poder acabar con su vida.
Un antagonista que no es malvado porque sí y que se disculpa por lo sucedido en la escena de la cornisa. Creo que el tándem Eastwood/Malkovich funciona como un tiro.
Conclusión
‘En la línea de fuego’ funciona como una cinta de suspense bastante buena que se toma todo el tiempo del mundo para construir a los personajes protagonistas. Aparca la acción para que conozcamos perfectamente a los integrantes de este juego.
Algunos efectos de pantalla verde dan un poco el cante pero se le puede perdonar ya que ha envejecido muy bien en otros aspectos.
Todo el elenco está un gran nivel y eso le otorga mayor empaque a una historia poco enrevesada pero que no peca de simplicidad.
Sinceramente ha sido una grata sorpresa volver a ver ‘En la línea de fuego’, ya que la recordaba con una calidad que ha mantenido a casi treinta años de su estreno.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos HALO El integral del legado. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
HALO El integral del legado, una sorpresa en todos los sentidos
Antes de nada quiero decir que en principio este tomo puede no decir mucho a los amantes del cómic. Un tomo escrito y dibujado, un tebeo, vamos de HALO puede no decir mucho a los seguidores del Noveno Arte. Y en principio podría estar de acuerdo con todos vosotros. Pero la verdad es que HALO El integral del legado me ha sorprendido gratamente.
Las 3 historias fueron publicadas hace una década por Marvel Comics. Si he escrito bien el nombre sin tilde en la «o» de cómics al ser un nombre extranjero. Pues a lo que voy, las 3 historias son ahora recopiladas en un pedazo tomo integral, que da gustos leerlas porque están escritas por grandes escritores del cómic, y adornadas por otros tantos excelentes dibujantes. Claro, visto ahora y en perspectiva lo mismo es que si cuentas con las mejores bases podemos tener unas grandes historias, y eso es lo que tenemos aquí.
HALO Uprising son cuatro capitulos entretenidos y escritos por Brian Michael Bendis e ilustrados por Alex Maleev. Pues bien, aun con la talla de estos monstruos puedo afirmar que es la historia que menos me convenció. Me gustó, pero se queda lejos de las otras que luego voy a repasar. Creo que aquí Bendis se acaba enredando un poco con el argumento, para contarnos una historia mas manida y que se resuelve de manera correcta pero lejos de la excelencia.
HALO Blood line es la saga más corta de todas, ya que solo son dos números de nada. Sin embargo, lo mejor de todo es que va de menos a más. Tras un primer tomo normal, sin halagos y sin florituras, cierra la saga con un gran final. Una buena historia escrita por Fred Van Lente (quizás el menos conocido de los tres guionistas) y cuyo dibujo recae en Francis Portela, dibujante español que cada vez tiene más presencia en el mercado americano.
Y por último tenemos HALO Helljumper, que para mi es la mejor miniserie de las tres. Los dos primeros capítulos, pues eso, se dejan leer, pero los dos últimos son bastante buenos y cierran la saga como sólo un maestro lo sabe hacer. Y es que aquí Peter David hace lo que mejor sabe hacer, escribir, además se encuentra respaldado por el dibujante Eric Nguyen, todo un lujo.
Creo que HALO El integral del legado es un buen recopilatorio con tres historias de ciencia ficción que gustará a los amantes del cómic, y hará las delicias de todos los seguidores del videojuego.
LAS TRES SERIES DE HALO PUBLICADAS ORIGINALMENTE POR MARVEL COMICS RECOPILADAS EN UN SOLO VOLUMEN INTEGRAL
Este tomo recopila tres historias clásicas de Halo: Rebelión, Helljumper y Consanguinidad, creadas por los titanes galardonados de la industria del cómic Brian Michael Bendis (Superman, Ultimate Spider-Man), Peter David (El Increíble Hulk) y Fred Van Lente (Marvel Zombies, Masacre), junto con los artistas favoritos de los fans Alex Maleev (Hellboy y la AIDP, Batman), Eric Nguyen (El Viejo Logan, X) y Francis Portela (Pantera Negra, Faith).
Halo: Rebelión sigue al Jefe Maestro mientras se enfrenta él solo al kilométrico acorazado forerunner de los covenant ¡una nave capaz de acabar con toda la humanidad! Luego, únete en Helljumper a las filas de los Marines más duros del UNSC cuando responden al SOS de una remota colonia científica ¡y descubren una enorme presencia militar covenant! Por último, una nave del UNSC se encuentra con un extraño fenómeno que la estrella contra un planeta desconocido. Los miembros de Spartan Negro deben descubrir los secretos de unas antiguas instalaciones forerunner si quieren sobrevivir a la experiencia, aunque, para complicar más las cosas, ¡no son los únicos varados! ¡Echa un vistazo a su historia en Halo: Consanguinidad!
¡Este volumen también incluye entrevistas con los autores, en las que comparten información sobre el proceso de creación de historias para el universo Halo!
Muy buenas. Recientemente me he suscrito a AppleTV+ y lo primero que he hecho ha sido ponerme a ver See (¿valga la redundancia?), protagonizada por Jason Momoa. Como a finales de agosto se estrena la tercera y última temporada he decidido traeros el análisis de las dos primeras temporadas por separado y posteriormente el de la tercera. Sin más dilación comenzamos.
Un mundo en el que la humanidad ha dejado de ver.
Lo que me atrajo de esta serie fue su punto de partida, estamos en un mundo distópico en el que tras una pandemia que ha diezmado la población; y sus supervivientes 300 años después son ciegos.
El caso es que con el paso del tiempo eso de ver se considera un mito. Vemos como la humanidad ha retrocedido, así nos encontramos con diversas tribus que veneran nuevas deidades.
Nuestro protagonista es Baba Voss, interpretado por un imponente y colosal Jason Momoa, en el mejor papel de su carrera. Es impresionante cada vez que sale en pantalla, sobre todo en las escenas de acción.
Pero la serie no es original en su concepto, más allá de su premisa. Baba Voss es padre de dos niños (Haniwa y Kofun), que tienen la capacidad de ver. Cuando los niños crecen y llegan a la adolescencia quieren ir a la «Tierra Prometida», donde les espera su verdadero padre biológico, Jerlamarel, un hereje que predicaba sobre las bendiciones de la vista.
Así la primera temporada no es más que una travesía por parajes inhóspitos y llenos de peligro en el que Baba Voss viaja con su familia para que sus hijos se reunan con Jerlamarel.
Por el camino conocemos mucho de este mundo. Por un lado tenemos a la otra parte protagonista del relato. Hablamos de la Reina Kane, Divina Gobernante y monarca absoluta del Reino de Payan. Esta sociedad conoce la energía eléctrica y basa su reinado en ella.
La reina Kane ejerce su poder sin piedad para afirmar su posición. Tiene un general, Tamacti Jun al que manda en busca de los brujos, aquellos que al parecer ven. Tamacti es de lejos uno de los mejores personajes de la temporada por esa forma de moverse y hablar. Una gran interpretación de Christian Camargo.
Gran diseño de producción.
16 millones por episodio es lo que maneja la serie al menos en la primera temporada, colocándola en la más cara de la historia hasta que llegue El Señor de los Anillos. Y hay que reconocer que la serie luce realmente bien. Terrenos apocalípticos abandonados provenientes de una civilización anterior, muchos extras y ambientación en exteriores y vestuario espectaculares. Es un deleite para los ojos, menuda contradicción en una serie donde los protagonistas son ciegos.
Y detrás de esta serie tenemos dos grandes nombres Steven Knight y Francis Lawrence. El primero lo conocemos por Taboo y Peaky Blinders. Lawrence es un reputado director que entre otras, tiene en su filmografía Soy Leyenda o la saga de Los juegos del hambre, desde la segunda parte.
Está tan cuidada la serie que contó con asesores ciegos para poder ayudar a los actores en sus movimientos y en su forma de actuar. También contaron con un biólogo evolutivo para la imaginación de un mundo post-apocalíptico.
Sobre el mundo de See.
En este mundo creado hay algunas inconsistencias en el que hay que hacer un salto de fe, toda la manufactura que crean similar al mundo anterior, ropajes con colores (esto es lo más chocante), armamento, etc. Y todo muy bien realizado para ser ciegos, en fin, como decía hacemos un salto de fe y lo pasamos por alto.
Lo que si me encanta es todo lo relacionado con la amplitud de los sentidos y la ecolocación que queda muy bien plasmado en los combates sobre todo, como decía más arriba, con un espectacular Jason Momoa. Las coreografías son espectaculares y muy trabajadas, basadas en el sonido y el tacto y es de alabar como les ha quedado. Así, en más de una ocasión, a los «brujos» (término que les dan los invidentes a los que pueden ver) Haniwa y Kofun les dicen que el ver es más un estorbo que una ventaja.
Os dejo con la que es para mí la mejor escena de acción de la temporada.
Consideraciones finales.
Para mí esta serie ha sido un gran descubrimiento. No tanto por la historia, al final el clásico «viaje iniciático» de la familia protagonista, sino por todo lo que he destacado, la ambientación, los combates (que no son pocos), y todo lo relacionado con la vida de un mundo que no ve. La amplitud de los sentidos está muy bien trabajado, basado en la ecolocación. En definitiva una serie que entra por los ojos, lástima que nuestros protagonistas no puedan disfrutar de los maravillosos (y a menudo peligrosos) paisajes por los que pasan.
En plena fiebre del género de supervivencia tras el ruido que ha despertado el estreno (casi de tapadillo) de Predator: la presa, la notable precuela de la saga Depredador; llega a los cines La bestia, película en la que Idris Elba se enfrenta a un león. ¿Queréis saber qué me ha parecido?
La bestia cuenta la historia de Nate Samuels, médico viudo que viaja con sus hijas a Sudáfrica, el país natal de su madre. Una vez allí, por una serie de circunstancias, se ven amenazados por un león extremadamente violento tras haber perdido a toda su manada por unos furtivos.
Dirige Baltasar Kormákur, un realizador artesano experto en sacar provecho de películas con una premisa simple. Y, además, no es la primera vez que lo vemos retratando la lucha entre el hombre y la naturaleza. Ya lo hizo en The deep, donde rodó una historia de supervivencia marina sin pantalla verde; en Everest, en A la deriva. Por lo tanto, La bestia es una película acorde a los estándares en los que se mueve el director islandés.
La película dura una hora y media, lo que ya de por sí es un punto positivo en una industria que cada vez rueda películas más largas con más relleno. Es un thriller de supervivencia que lo mejor que nos ofrece es que da lo que promete.
Encima, con una criatura que ha sido poco explotada en el cine, a excepción de la reivindicable Los demonios de la noche, aquel exploit con leones psicópatas con Michael Douglas y Val Kilmer.
Grosso modo, la Bestia se estructura a dos niveles narrativos claramente diferenciados, uno bastante más afortunado que el otro.
Por un lado, la propia trama de supervivencia, perfecta en su simplificada fisicidad. Casi todo el peso dramático de la película está a cargo de Idris Elba, un actor imponente con sus casi dos metros de altura que realiza un papel inesperado: el de un médico civilizado que, poco a poco, a medida que avanza la película, va acercándose cada vez más a las conductas del león que les amenaza. Al fin y al cabo, la película nos habla de un papel, de una etiqueta, de la que ya no es tan frecuente reflexionar en el cine hoy en día.
Hablo del padre protector. Porque mientras el personaje de Elba busca proteger a su familia, el león se dedica a vengar a su familia asesinada por los furtivos, extendiendo su ira a toda la especie humana. Cada uno a su manera para, finalmente, pasar del enfrentamiento directo a la pura lucha física entre iguales. En ese sentido, La bestia es impoluta y no se le puede pedir más.
Lástima de una trama familiar propia de libro barato de autoyuda que poco aporta a la historia. Especialmente sangrante son las conversaciones sobre este asunto porque, además de excesivamente edulcoradas, no aportan absolutamente nada a la historia que no sea redundar una y otra vez en la dinámica familiar tras el fallecimiento de la mujer del protagonista.
Tanto una como otra vía narrativa están rodadas de una forma interesante por Kormákur. En lugar de apostar por planos cortos para acentuar la sensación de acción, el director islandés rueda con escasos cortes, en planos largos que buscan aumentar la tensión, que en algunas escenas de la película llega a extremos desesperantes. Además, tomando el ejemplo del gran Ridley Scott en Alien, el Octavo pasajero, dosifica la presencia del león hasta el punto de convertirlo en una amenaza flotante que le aporta un aura de invencibilidad.
En definida, La bestia es un gran entretenimiento veraniego cuya mayor virtud es que da al espectador lo que promete. Se trata de una propuesta diferente, un thriller de supervivencia que esconde una reflexión sobre el papel protector de la figura paterna rodada con tensión. Lástima de una trama familiar llevada con poco acierto y que no aporta nada a una trama que, de por sí, hubiera funcionado limitándose al mero enfrentamiento entre las dos “bestias”.
‘The Sandman’ y Netflixnos han sorprendido hoy con un onceavo capítulo de esta primera temporada de la ficción protagonizada por Sueño. Una grata sorpresa en forma de capítulo doble con una duración de una hora que está a la altura de lo visto anteriormente.
‘El Sueño de los mil gatos’ y ‘Calíope’ son los títulos de estas dos nuevas historias autoconclusivas que conforman esta ‘continuación’ de la obra de Neil Gaiman.
‘El Sueño de los mil gatos’
La historia está narrada en forma de corto creado por animación 3D emulando la forma de la animación tradicional, a modo similar de lo que se realiza a través del ‘Cell shading’ en el mundo de los videojuegos.
Una trama que involucra a los gatos del mundo y al origen de su supuesta divinidad y de cómo una revelación trata de unirlos para conseguir que todo vuelva a ser como lo fue una vez. Quienes conozcan el Universo de ‘The Sandman’ estarán familiarizados con lo que se nos cuenta.
Una fábula que nos adentra en el mundo de los sueños y que sirve para demostrar que cuando una idea se comparte por un colectivo, se puede llegar a hacer realidad si se lucha por ella. También nos demuestra como el dolor nos puede despertar de golpe de la monótona seguridad y hacernos ver que hay que pelear por nuestros sueños.
Sinceramente, como amante de los animales y de los gatos en particular, he sido conquistado por este cortometraje por la sensibilidad con la que se ha ejecutado y por lo bien narrado que se encuentra. Cierto es que tendría más de una conversación (poco amigable) con el ‘dueño’ de nuestra protagonista por lo que hace.
En resumen que es un muy buen relato y fiel al original, con una gran animación en el que los movimientos, tanto de los gatos como de los humanos, están muy bien realizados y la historia que nos cuenta nos demuestra que hay que mostrar a la juventud el camino para que sus sueños se hagan realidad.
Por momentos he recordado al videojuego ‘Stray’por lo bien conseguido que está todo los relativos a los ‘michis’.
Además de contar con un elenco de gran talento tras las voces: Sandra Oh, James McAvoy, David Tennant, y Michael Shane
Calíope
Esta historia es el grueso del metraje y lo hace con una trama rodada con imagen real que sabe estar a la altura de lo visto en los 10 episodios anteriores. Una trama que involucra a un escritor fracasado y a una musa.
No es nada nuevo, pero está llevado con muy buen gusto y nos demuestra que ‘los escritores mienten y no son de fiar’. El terror a la página en blanco aquí se lleva al extremo de verde lo que sería capaz alguien en la situación de Richard Maddock para conseguir el ansiado éxito.
Quienes nos enfrentamos a ese miedo (aunque sea para los artículos que escribimos aquí) sabemos que es una sensación frustrante ver el cursor parpadeando y ese inmenso lienzo blanco vacío.
La historia de ‘Calíope’ no nos descubre nada nuevo y esconde, como el cuento anterior una moraleja que no trata de esconder e ningún momento: El camino fácil no es siempre el mejor.
Nos hace reflexionar sobre el valor que le damos a lo que conseguimos por métodos poco éticos y como finalmente acabaremos recordando con más cariño lo que hemos conseguido con trabajo duro.
Como somos capaces de hacer daño a alguien para conseguir nuestros fines y olvidamos las promesas realizadas y el dolor de quienes hemos pisado para subir a la cima.
Ya os digo, nada nuevo pero una fábula muy bien contada que se enlazará con los episodios anteriores.
Conclusión
‘El Sueño de los mil gatos’ y ‘Calíope’ han sido unas muy gratas sorpresas, tanto por lo bien realizados que están, como por la forma en la que se mezclan con el universo de ‘The Sandman’ sin desentonar.
Dos mitos narrados de diferentes maneras pero que cuentan historias universales y reconocibles por todos.
En general, me han gustado muchísimo estos dos nuevos episodios de ‘The Sandman’ y han enriquecido este mundo (ya rico de por sí) del señor Neil Gaiman.
Muy buena continuación que nos hace tener más ganas de ver la segunda temporada ya.
Por si no os apetecía clickar os he dejado la fecha del estreno en el titular. Es que soy así de bueno. Total, que ya tenemos a la vuelta de la esquina la secuela de Enola Holmes, una película que a mí personalmente me entretuvo mucho.
“Los misterios de Enola Holmes“ son una serie de seis novelas escritas por la estadounidense Nancy Springer. El primer volumen es la que adaptaba la primera película de Netflix, «The case of the missing Marquess», cuya crítica podéis leer pinchando aquí.
Sin duda alguna lo mejor de la película era la protagonista Millie Bobby Brown, que con su carisma y talento demuestra que hay vida más allá de Stranger Things.
Harry Bradbeer repite tras las cámaras como director con guion de Jack Thorne, A la actriz protagonista la acompañan Henry Cavill como Sherlock Holmes y David Thewlis, Louis Partridge, Sharon Duncan-Brewster o Helena Bonham Carter.
Pues lo dicho, apuntad el 4 de noviembre en vuestras agendas. Sin más os dejo con la sinopsis:
«Después del éxito de su primer caso, Enola Holmes (Millie Bobby Brown) sigue los pasos de su popular hermano, Sherlock (Henry Cavill), abriendo su propia agencia, descubriendo que la vida como mujer detective a sueldo no es tan fácil como parece. Resignada a aceptar la realidad como adulta. A punto de cerrar el negocio cuando una joven cerillera sin dinero le ofrece a Enola su primer trabajo oficial: encontrar a su hermana desaparecida Sin embargo, este caso resulta ser mucho más desconcertante de lo esperado, que hace que Enola se vea inmersa en un nuevo y peligroso mundo: desde las siniestras fábricas de Londres y los coloridos salones de música, hasta los más altos niveles de la sociedad y el propio 221B de Baker Street. A medida que las chispas de una conspiración mortal se encienden, Enola debe recurrir a la ayuda de sus amigos -y del propio Sherlock- para desentrañar su misterio. ¡El juego comienza de nuevo!.» (FILMAFFINITY).
Estaba aquí pensando en Cascos Bluetooth o auriculares gaming para comprarme, y ser todavía más feliz mientras juego a la Play. Y claro, miro rankings y comparo y remiro y vuelvo a mirar. Os he dejado antes un enlace que creo interesante, de esos que nos dicen ranking y los mejores auriculares gaming del año. Pero aún con esas, hay tantas opciones para elegir, y tantos rankings que me digo a mi mismo ¿qué cascos me compro? Al final tengo más dudas en los auriculares gaming que en comprarme otros productos más caros, ya que quiero calidad y compatibilidad, y que sean bonitos, estéticos y económicos. Total, pido lo de siempre: bueno, bonito y barato.
Pero luego dando vueltas me he dicho, ¡qué molesto soy para mis padres! y el vecino y el de enfrente. Y finalmente me decía que qué paciencia tienen nuestros progenitores para aguantarnos a todos y nuestras manías.
Auriculares gaming para no dejar sordos a los padres
Y claro, aunque al principio de todo me proponía comprarme cascos para mi disfrute, esto deriva en cómo afecta a los demás de la casa. Porque es muy bonito si vives sólo o si eres un Youtuber famosillo, porque no molestas a nadie, pero ojo cuando convives con más gente, no te queda otra. Y es que finalmente aunque me proponía hacer un ranking de cascos o auriculares gaming pensé que ya había muchos (justo os he dejado arriba uno) y he creído conveniente hablar de nuestros padres, porque son ellos los que soportan vernos y oírnos día tras día improperios, más propios de cochinillos en época de matanza que de una persona, un ser humano con estudios.
Y es que no sólo es mejor para nosotros tener cascos por los cuales poder hablar y escuchar a tus compañeros de viaje, o simplemente si juegas sólo, es que es un alivio para los padres (o compañeros de piso) no escuchar a los demás. Porque sí, a ti te van a oír, eso no se lo quitan, ni eso desaparece. Aquí hablamos de que al menos no escuchen a los demás o el sonidito o la musiquita del juego. Sí, hablo de esa BSO que a ti te flipa, porque estás jugando todo el día y estás feliz, pero que al resto tus compañeros de piso les importa una mierda y tienen que escucharla las 24 horas. Los cascos están aquí para que juegues tú con más libertad, y hacer algo más amena la vida de los que te rodean. Si no es por ti, hazlo por los que más quieres.
Además tengo que decir, que todos ganamos con estos nuevos modelos de auriculares gaming, porque tienen todo preparado para que los fuertes sonidos no distorsionen, ni los bajitos se pierdan como susurrillos. Y bueno, entiendo que ya que te vas a comprar algo que vas a usar a diario, que te guste y sea bonito, y además hay que tener en cuenta que el dinero también afecta en la decisión. De hecho si lo razono correctamente lo mas importante en este caso será el dinero. Si poseo dinero “ilimitado” os aseguro que compraría los mejores del mercado que generalmente suelen tener también el mejor diseño. Y recuerdo que a veces lo barato sale caro. Por tanto, antes de comprar nada os recomiendo hacer un estudio de mercado para finalmente elegir la opción más compensada.
La franquicia The Walking Dead sigue generando spin-offs y AMC acaba de estrenar Tales of the Walking Dead, la cual, creada por Scott M. Gimple y Channing Powell, responde a un formato de antología con episodios autoconclusivos.
Bienvenido a otro encuentro con el universo The Walking Dead, el cual no para de generar productos desde que aquel cómic creado por Robert Kirkmany Tony Moore irrumpiera en 2003. A partir de entonces, hemos tenido una serie principal que ya se halla en su temporada final (aquí nuestros análisis) y otras dos a modo de spin-off, ubicadas respectivamente antes y después de los sucesos principales: Fear the Walking Dead y The Walking Dead: World Beyond (análisis pinchando en sus respectivos links). Sin contar las dos series proyectadas para 2023: Isle of the Dead (con Maggie y Negan como dupla principal) y, todavía sin título, la que seguirá a Rick y Michonne.
Nos llega ahora Tales of the Walking Dead, cuya gran particularidad con respecto al resto es ser, como fuera anunciado, serie de antología. Cada episodio tiene, por lo tanto, historia, personajes y actores diferentes aunque siempre, claro, en el contexto del apocalipsis zombie.
Otra particularidad a destacar es que ese mismo carácter antológico permite la inclusión de actores o directores impensables en otras series de la franquicia por el compromiso a largo plazo que implicarían. Habiéndose ya estrenado el episodio doble de inicio (en realidad, dos episodios independientes), pasamos al análisis advirtiendo, desde ya, que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA.
Episodio 1: Evie/Joe
En medio de un apocalipsis para el que se ha preparado como corresponde, Joe (Terry Crews) vive en una casa debidamente prolija y amueblada aunque monitorizada en derredor y rodeada por todo tipo de trampas para eventuales caminantes. Allí pasa sus días escribiendo poesía, bebiendo cerveza y viendo antiguos partidos de fútbol americano en compañía de Gilligan, dóberman por el que siente tal devoción que hasta tiene un pijama con imágenes suyas y al cual saca cada mañana para hacer sus necesidades, ocasión que le permite apreciar que el mundo, a pesar de todo, sigue lleno de “cosas bonitas”.
Pero en el universo TWD los animales, sean caballos, tigres o perros, nunca terminan bien y todo cambia cuando la mordida de un caminante mata a Gilligan dejando así a Joe en absoluta soledad y haciendo caricias al aire en su sillón. Rescata entonces del olvido antiguas conversaciones de chat que, poco antes del apocalipsis, venía sosteniendo con una mujer de la región de los Grandes Lagos a la cual nunca conoció personalmente y que se identificaba por el nick “Ushldbscrd”. Alcanza un mínimo conocimiento de inglés para saber que la frase contenida es “You should be scared” (deberías estar asustado), lo cual nunca puede arrojar buen augurio.
Escapándole entonces a su soledad, equipa su moto con sidecar y sale a la búsqueda de quien quizás pueda ser su alma gemela en el fin del mundo. En el camino, sin embargo, cae en una trampa de red y está a punto de ser mordido por un zombie cuando es salvado en el último instante por una muchacha llamada Evie (Olivia Munn), quien obviamente ha colocado la misma.
Se trata de una hipster en camino hacia el veganismo y adepta a terapias alternativas, yoga y cualquier cosa que implique energías positivas. A la vez domina artes marciales y es muy desconfiada, al punto que maniata a Joe y lo apunta con un arma.
Ella también busca a alguien: un esposo del cual se había separado ya antes del apocalipsis y del cual no supo nada después de que se marchara a un curso de pintura, pues tiene por costumbre pintar, con rasgos transfigurados, todo aquello que odia. Evie desconoce si sigue vivo, pero de no ser así, necesita saber si la habrá pintado antes de morir y cómo.
Ello, claro, implica un largo viaje con destino no declarado y la moto de Joe, sidecar incluido, le viene de perlas, por lo que este se convierte en su chofer a punta de pistola o bien esposado durante cada alto del camino. El tener que defenderse juntos de un ataque de zombies los convierte en inesperados aliados y el antagonismo entre ambos deviene en química. Más aún: se enteran que sus destinos están apenas distanciados diez kilómetros.
Un incidente desafortunado termina en el robo de la moto por alguien que les deja una cabrita en forma de pago. Joe intenta disparar al sujeto con el arma de Evie, pero descubre que está descargada: siempre lo estuvo. No les queda más remedio que hacer los últimos kilómetros a pie hasta que sus caminos se separan llegando a destino.
Evie no encuentra a su ex esposo, pero sí sus últimas pinturas: en todas expresa claramente su odio con excepción de una, en la cual la retratada es ella y sin transfiguración alguna. ¿Murió él? No lo sabemos, pero de ser así, Evie sabe que sus últimos pensamientos hacia ella fueron de amor…
En cuanto a Joe, llega hasta la casa de Ushldbscrd y queda rodeado de caminantes, pero una trampilla en el suelo le permite ingresar al búnker de quien responde al nombre de Sandra (Kersti Bryan) y que, en emotivo encuentro, no puede creer que él haya terminado llegando, pero pronto la cosa se pone turbia…
Le convida un brownie y todo comienza a darle vueltas. Sandra ha drogado y, además, maniatado a Joe. Termina siendo una mujer psicótica y paranoica, convencida de que él ha ido allí para robarle y que termina tajeándolo con un cuchillo y sustrayéndole su reloj de pulsera que pasa a engrosar la colección de todos los que le ha quitado a sus anteriores víctimas.
En esos momentos, las cámaras de seguridad muestran el arribo de Evie, que ha ido en busca de Joe. Manteniendo a este en cautiverio, Sandra la hace ingresar y le convida uno de sus brownies, pero apenas prueba el primer bocado, Evie se da cuenta que algo anda mal: la mujer dice no saber nada de Joe y está claro que miente. Para confirmarlo, la ataca con un cuchillo, pero Evie se la saca de encima con sus habilidades de lucha y corre a liberar a Joe.
Sandra va detrás, pero Joe alcanza a ensartarle una hacuela de cocina en el pecho y cuando parece que ya se han librado de ella, les persigue como caminante revivido y a duras penas logran salir del búnker.
Ninguno de ambos ha encontrado lo que buscaba, pero se han encontrado a sí mismos y el mundo, tal como alguna vez Joe le dijera a Gilligan, todavía puede estar lleno de cosas bonitas. Y eso es precisamente lo que le dice Evie para convencerlo de que aun cuando haya dejado su vida anterior por ir en busca de algo que terminó en frustración, está a tiempo de comenzar una nueva a partir de ahora.
Ambos terminan marchando a la ventura en medio del apocalipsis con la cabrita como mascota: por fin un animalillo que no muere en The Walking Dead…
Episodio 2: Blair/Gina
En las afueras de Atlanta, Blair (Parker Posey) es jefa de una compañía de seguros llamada Circle of Trust (Círculo de Confianza): pronto sabremos que lo de “círculo” tiene connnotación. Egoísta, mandona y con tendencia a tamborilear de manera antipática, regaña a sus empleados por el funcionamiento de la oficina y, particularmente, a su recepcionista Gina (Jillian Beth), mujer retraída y con aspecto de loser a la que hasta acusa de robar tazas (la realidad es que las destruye).
Hay rumores de una peligrosa epidemia en curso y ello tiene muy intranquila a Gina, pero Blair lo minimiza y hasta afirma que el pánico generalizado conviene a los negocios. Desdeñando el asunto, parte a un fin de semana con su novio Brian mientras Gina sale en busca de un bocado por estar rota la máquina expendedora. Se cruzan en una gasolinera cercana y el encuentro acaba en despido. Pero no es cualquier día: confirmando los rumores, ven a un hombre horriblemente demacrado atacando y mordiendo en el piso a su compañera de vehículo.
Presa de pánico, Gina quiere escapar o, más bien, llegar hasta su hermana y sobrinos, que viven en el centro de Atlanta, pero la ciudad está acordonada por el ejército. Con una escopeta propia, intenta robar un camión cisterna y un agente local trata de detenerla mientras Blair busca dar marcha atrás con el despido. La cosa termina con voladura de la cisterna, pero extrañamente… están nuevamente en la oficina.
Todo pareciera haber sido una visión o pesadilla de Blair, pero poco a poco se vuelven a desarrollar los mismos sucesos que, aun con detalles cambiados, conducen irremisiblemente al mismo final. Y Gina está experimentando los mismos deja vu.
La sensación es que ambas estuvieran dentro de un continuo loop y, como el periodista de Atrapado en el Tiempo o el mayor Cage en Al Filo del Mañana, Blair tiene la posibilidad de introducir pequeños cambios para corregir el destino. En una ocasión termina atropellada por Gina; en otra, la denuncia por tenencia ilegal de arma; en otra, se termina dejando morder por un caminante y en otra es la propia Gina quien la muerde a bordo del camión. Pero en todas, el vehículo acaba en llamas.
No hallan forma de escapar del loop ni de siquiera llegar a las cinco de la tarde sin que todo se vuelva a repetir. Pero el presenciar tantos posibles caminos termina haciendo a Blair darse cuenta de unas cuantas cosas, entre ellas de lo mal que trata a sus empleados y, particularmente, a Gina. No solo eso: también que en ninguno de los casos posibles, su novio Brian hizo algo por ayudarla o defenderla, con lo cual concluye que su destino no está junto a él.
Dándose cuenta de la soledad en que se halla, quiere operar un cambio y ayudar a Gina a llegar hasta sus sobrinos, pero cuando se hacen con la cisterna y van camino a Atlanta, descubren miles de caminantes avanzando de modo ominoso por el acceso principal. Desde lo alto de un puente y trabajando en equipo, logran rociarlos con combustible y darles fuego aunque el camión, como en cada futuro alternativo, acaba estallando y también ardiendo.
Se han dado cuenta que tienen cosas en común y que podrían haber sido perfectamente amigas; más aún: todavía pueden serlo. Y el loop se ha roto. Ambas terminan caminando hacia la ciudad a un paso lento que, en toque humorístico, no se diferencia mucho del de los caminantes…
Balance de los dos Primeros Episodios
Siempre es positivo es que, entre tanto spin-off, TWD se las apañe todavía para hacer productos que no se repitan, acusación que, en ocasiones justamente y en otras no tanto, se ha hecho muchas veces a la serie principal. Ya se había advertido ello en The Walking Dead: World Beyond, serie que, analizada en esta web por un servidor, abordaba la temática de los adolescentes crecidos ya con el apocalipsis formando parte de sus vidas cotidianas.
En este caso, el formato antológico convierte a Tales of the Walking Dead en la serie más peculiar que hasta aquí la franquicia haya estrenado y los dos episodios vistos, lejos de ser brillantes, tienen al menos la virtud de insuflar aire fresco a la misma.
Si tengo que elegir uno, me quedo con Evie/Joe, sobre todo por la cantidad de lecturas que admite. La idea de que el mundo puede ser un lugar bello a pesar de tanta muerte y destrucción perfectamente puede aplicarse al nuestro sin necesidad de ningún apocalipsis, del mismo modo que personajes como Sandra pueden ser infinitamente más peligrosos que cualquier muerto viviente y puede haber muchos como ella caminando entre nosotros.
La química entre los personajes, además, funciona muy bien. Terry Crews (Dueños de la Calle, Los Indestructibles, Deadpool 2) aporta su solvencia y carisma, no dejando de ser un gran guiño que lo pase viendo partidos de fútbol americano cuando él mismo practicó ese deporte de manera profesional: hay que ver su cara cuando, atado y amordazado en el búnker de Sandra, oye a Evie equivocar el equipo por el que alienta.
En cuanto a Olivia Munn (Iron Man 2, X-Men: Apocalypsis, Ocean´s 8), siempre está algo sobreactuada pero le sobra carisma para compensarlo. Y no es dato menor el director, pues el episodio está a cargo de Ron Underwood (Cowboys de Ciudad, Tremors), ya que muchos creímos que había destruido por completo su carrera con Pluto Nash. Como los caminantes, él también ha revivido…
Y ya que hablamos de revividos, me llena de dudas la rápida reanimación de Sandra o cómo se contagió, ya que, se supone, ha estado viviendo en un búnker bajo tierra y sin contacto con el exterior. Pero bueno, aún nos falta saber más sobre el virus y se nos ha dicho que todos los humanos pueden tenerlo latente: el cómo es algo que todavía está en proceso de explicación, así que concedamos beneficio de la duda.
El episodio Blair/Gina, en tanto, aborda un tema bastante manido como lo es el loop temporal (ya hemos mencionado antes algunas películas basadas en tal tópico), pero lo hace para recrear un cuadro de paranoia social que se parece bastante al de los primeros tiempos de la pandemia que aún nos sigue afectando. La historia tiene alguna reminiscencia del Cuento de Navidad de Charles Dickens, ya que el ver otra alternativa hace cambiar la mentalidad a una jefa que maltrata y ningunea a sus empleados.
Aquí también tenemos una dupla que se combina fuerte, como Parker Posey (Scream 3, Superman: El Regreso) y Jillian Bell(Infiltrados en la Universidad), a pesar de que la primera, que viene de ser la doctora Smith en la serie Perdidos en el Espacio (aquí nuestros análisis), es otra actriz con tendencia a sobreactuar y no es esta la excepción, pero el tono paródico que aquí adquiere su personaje de oficina hace que no quede fuera de lugar.
En cuanto a la dirección de Blair/Gina, está a cargo de Michael Satrazemis, alguien ya con mucha experiencia dentro de la franquicia dirigiendo episodios de la serie principal y de FTWD.
Hay algo uniendo a ambos episodios: personajes antagónicos que, sin embargo, se terminan complementando al descubrir que tienen en común más de lo que les separa. Lo que aún no sabemos es si es simple coincidencia o tónica general de la serie de aquí en más. Espero que no termine pagando el precio de Black Mirror, interesantísima propuesta inicial que, una vez captada la premisa de que quien da mucho lugar en su vida a la tecnología acaba mal, sabemos cómo terminará cada episodio con solo ver los primeros cinco minutos. La idea de una serie antológica es justamente que sorprenda: si lo sabría Rod Serling…
¿Hay puntos de contacto con las otras series de la franquicia? Pues sí: más allá del obvio marco del apocalipsis zombie, la historia de Joe y su preparación para el mismo es indisociable de la familia Otto enFTWD, en tanto que la ciudad de Atlanta caída en desgracia nos transporta sin dudarlo a aquel episodio piloto de TWD, estando claro que los sucesos que se muestran ocurren estando Rick en coma. Los escenarios, por otra parte, son los mismos, ya que la serie vuelve a estar localizada en Georgia y hasta son reconocibles algunos parajes que antes hemos visto.
En definitiva, Tales of the Walking Dead ha tenido un inicio que no nos ha volado la cabeza, pero tampoco nos ha dejado mal sabor y, además, al ser de formato antológico, cada episodio puede ser una caja de sorpresas: dado que esta primera temporada consta de seis, quizás lo mejor aún no lo hayamos visto. Sin sobrarle demasiado, el comienzo aprueba…
Veremos qué nos depara la próxima entrega que, al parecer, tiene relación con un personaje muy emblemático de la serie principal: una de las grandes villanas que, al parecer, nos mostrará otra cara y una revelación clave…
Mientras aguardamos para comienzos de 2023 por la quinta temporada, analizamos lo que nos dejó la cuarta de Star Trek Discovery, la serie creada por Bryan Fuller y Alex Kurtzman cuya acción, desde la temporada anterior, se ha trasladado al siglo XXXII.
Bienvenidos, trekkies y no tan trekkies. Aquí estamos, tarde pero seguros: varias cosas pasaron desde nuestro análisis del final de la tercera temporada de Star Trek Discovery que han llevado a la demora. Entre ellas, la mudanza de Netflix a Paramount+, los problemas de agenda de mi compañero Mario y los míos propios por estar cubriendo unas cuantas series, incluidas dos de la franquicia como Star Trek Picardy la altamente recomendable Star Trek: Strange New Worlds, de las cuales pueden leer nuestros análisis pinchando los respectivos links.
Pedimos por ello las debidas disculpas del caso, pero sepan que no les hemos dejado olvidados ni a ustedes ni a la serie, sino que aquí estamos para cumplir con lo adeudado y lo bueno es que tengamos tantas opciones del universo trekkie (cinco series entre animadas y live action) y, además, todas renovadas, pues, según se sabe, vienen dando buenos índices de audiencia.
Como en la temporada anterior, seguimos en el siglo XXXII y ahora tenemos a Michael Burnham (Sonequa Martin-Green) como capitana de la Discovery, pero para qué más prólogo: al ruedo. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordar que pueden leer aquí los análisis anteriores de la serie a cargo de Mario Losada… bueno, y un par míos también.
Anomalía Artificial
La cuarta temporada de Star Trek Discovery se aproxima más a un formato de continuidad que las anteriores. Siempre existió un eje central, pero los episodios mantenían cierto tono autoconclusivo y una trama más o menos autónoma. Esta, por el contrario, se parece más, sobre todo hacia la segunda mitad, al formato Star Trek Picard : las últimas seis entregas parecieran conformar una gran película de cuatro horas y media.
Ya de inicio, comienza en un estilo semejante a las películas del ciclo Abrams: una misión que se complica en un mundo extraño sin relación directa con la trama a desarrollar. Michael y Book ofrecen dilitio en un planeta habitado por “hombres mariposa” que, al reconocer la presencia de un gato, son invadidos por la paranoia de que se les quiere convertir en mascotas. La cosa se pone violenta, pero vuelven a confiar en ellos cuando les reparan los satélites que regulan su campo magnético. Parece un comienzo desconectado del resto, pero allí están presentes las principales cuestiones sobre las que avanzará la temporada: comunicación e incomunicación, confianza y desconfianza, buena voluntad y malentendido.
Seguimos, recordemos, en el siglo XXXII. Michaeles ahora capitana de la Discovery mientras una reconstruida Federación viene de enfrentarse a la Cadena Esmeralda. Al frente se halla como presidenta la bajorana–cardasianaLaira Rillak (Chelah Horsdal), en tanto que la Tierra y Ni’var se han separado y hay negociaciones para reincorporarlos, particularmente con T’Rina (Tara Rosling), presidenta vulcana del segundo.
La historia central gira sobre una anomalía misteriosa, a la cual denominan AMO y que ha aparecido arrasando mundos completos, entre ellos Kwejian, de donde Book es originario. Lo que parece un fenómeno astrofísico nuevo y desconocido termina, sin embargo, teniendo origen artificial: cambia de posición permanentemente y de acuerdo a patrones antinaturales.
Book está lleno de resentimiento y venganza, sobre todo porque ha perdido a su sobrino: quiere destruir la anomalía a toda costa mientras el resto, Michael incluida, prefieren buscar comunicarse con sus creadores, que no parecieran comportarse con malicia, siendo la destrucción de mundos un daño colateral: la AMO recoge en distintos puntos de la galaxia una sustancia llamada boronita y ello lleva al colapso.
Inteligencia Artificial
Una segunda trama tiene que ver con Zora, la inteligencia artificial que coordina el funcionamiento de la Discovery y que ha empezado a comportarse de modo extraño manifestando sentimientos y emociones, ante lo cual las normas de la Federación imponen su desactivación. Ello da lugar a un debate en el que tiene decisivo papel el consultor Kovich (David Cronenberg), con más protagonismo en esta temporada. La conclusión es que, tras fusionarse Zora con los datos de la esfera, se convirtió en una nueva forma de vida y las mencionadas normas no aplican.
Zora ha logrado determinar las coordenadas de la“especie 10-C”, tal el nombre dado a los creadores de la anomalía, pero se niega a suministrarlas porque pondría en peligro a la tripulación si quisiesen ir hacia ella (casi las Leyes Robóticas de Isaac Asimov). Stamets, otro personaje de mayor incidencia en esta temporada, negocia con Zora valiéndose de su planteo de ser reconocida como nueva forma de vida: para que confíen en ella, debe también confiar en ellos y darles los datos.
Resulta que la especie 10-C se halla fuera de la galaxia y en un hipercampo impenetrable que cubriría la distancia del Sol a Marte: mantenerlo les implica un consumo descomunal de energía y por ello recogen boronita.
Persecución Espacial
Otro fuerte debate: el científico Ruon Tarka (Shawn Doyle) propone fabricar un arma isolítica para provocar explosiones subespaciales en cadena y llevar el efecto a la civilización de origen. Book, en su anhelo de venganza, está de acuerdo, pero Michael consigue imponer la moción de buscar contactar antes que atacar.
La relación entre ambos genera una tensión especial y, decepcionado, Book decide unirse al plan de Tarka: en su nave, a hurtadillas y con propulsor de esporas “prestado”, parten por cuenta propia para llevarlo a cabo.
Michael les sale en persecución: se dirigen a un antro de apuestas en el planeta Porathia para comprar en forma clandestina un explosivo isolítico. Allí los encuentra y la cosa se dirime en una partida de póquer leonino: parece pueril echar el futuro del universo a los naipes, pero tiene su estremecedor encanto y, además, es una treta de Michael que, sabiendo que perderá, aprovecha la ocasión para instalar en el arma un rastreador oculto.
Ello les permite perseguirlos y gracias a un dispositivo de ocultamiento (ya también la Federación los tiene), envían un grupo a acercárseles en una lanzadera con Saru y Culber al frente, pero Tarka ha adquirido también en Porathia un campo protector que la destruye y a duras penas alcanzan a transportar a tiempo a los tripulantes.
Nueva Anomalía
Analizando los porcentajes de boronita en la zona, Stamets establece que falta casi una semana para el próximo salto de la anomalía y ello da a Michael tiempo para seguir buscando el contacto. Book está de acuerdo, pero Tarka quiere destruirla lo antes posible. Actuando una vez más por su cuenta, consigue transportar el explosivo al controlador de la misma y al parecer destruirla, pues no hay rastros de su existencia.
Lo que interesa particularmente a Tarka es dar con su fuente de energía que, afirma de manera algo críptica, puede permitirle “ir a su hogar”. Para su decepción, sin embargo, la misma ha saltado a otra galaxia a través de un agujero de gusano a la vez que aparecido una nueva AMO amenazando ahora a la Tierra y Ni’var.
No queda más remedio que buscar el contacto que propone Michael, pero ignoran cómo comunicarse: los traductores están hechos para lenguas “familiares” o, cuando menos, verbales.
Un Mundo Feliz
Un flashback nos pone al tanto del porqué de la obsesión de Tarka con la anomalía y, particularmente, con su fuente de energía: cuando fue prisionero de la Cadena Esmeralda, estuvo recluido en un planeta donde utilizaron sus conocimientos en forma casi esclava. Allí conoció a Oros, otro científico preso, con quien desarrolló una relación especial y que le habló de universos paralelos, particularmente de Kayalise, en donde todo es armonía y felicidad y al cual pensaba trasladarse con un dispositivo que estaba construyendo.
Pero fueron descubiertos. Tarka escapó y se escondió en una cueva. El lugar terminó evacuado tras la derrota de la Cadena Esmeralda, pero no halló rastro de Oros, salvo una aparente señal de que habría logrado usar el dispositivo y marcharse. Desde entonces, regresó todos los años en busca de nuevas señales pero sin resultados y su obsesión se hizo cada vez mayor.
Mundo Devastado
La Discovery, en tanto, se aproxima a la “barrera galáctica”, al otro lado de la cual se encuentra la especie 10-C. Atravesarla es otro gran problema, pero afortunadamente tienen a Stamets, quien descubre que está constituida por “células espaciales” y que pueden atravesarla montándose en una.Ello les deja en otra galaxia y ante el hipercampo, pero sin saber cómo comunicarse.
En las cercanías hay un planeta con visos de abandono cuya estrella tiene a su alrededor anillos semejantes a los que rodean al controlador de la AMO. Michael cree que allí puede haber respuestas: quizás sea el mundo de origen de la especie…
Un grupo hace una visita en una lanzadera, encontrando señales de destrucción y gigantescos cartílagos, más un gran domo repleto de extraños capullos. La cercanía les provoca visiones de destrucción que claramente remiten al destino sufrido por los habitantes y, al tocar la sustancia que cubre los capullos, experimentan emociones que parecen haber sido depositadas allí en forma de compuestos de hidrocarburos que representan alegría, tristeza, curiosidad, paz, etc.
Tarka, entretanto, acecha en las cercanías tras pegarse a la Discovery como una rémora e instalar en la nave de Book un parche que la hace no detectable para Zora. En Porathia consigues de todo…
En el Orbe
El grupo de Michael no sabe cómo procesar la información recabada para convertirla en comunicación. Experimentan lanzando hidrocarburos con drones DOT sobre la superficie del hipercampo pero, para su sorpresa, una especie de gran tentáculo sale del mismo atrapando a la Discovery y dejando inactivos armas, escudos y sistemas de propulsión.
Claro que también Tarka ha ingresado con ella, lo que le deja a tiro para continuar su plan: quiere encontrar la fuente de energía del orbe y desactivarla para hacer un disparo de plasma contra la superficie y huir rápidamente. Ha conseguido sumar como aliada a la general Ndoye, representante de la Tierra que integra la misión por estar su mundo comprometido, pero distinto es el caso de Book, cada vez más renuente a seguirle.
A través de un trabajo combinado e interdisciplinario, se hacen grandes avances para comunicarse con la especie 10-C convirtiendo las emociones en ecuaciones matemáticas. Interesante y original el utilizar la proporción de gases respirables para dar el concepto de “nosotros”. Con el hidrocarburo de curiosidad, sus “interlocutores” les muestran el explosivo isolítico como si preguntasen por su finalidad. Se les responde con el “nosotros” más el hidrocarburo del terror, dando así a entender que han actuado por miedo: la respuesta de la especie 10-C es tristeza.
Pero todo cae en saco roto cuando Tarka, con la colaboración de Ndoye y tras luchar contra Book, efectúa el disparo de plasma. El grupo es enviado de regreso a la Discovery al desmoronarse la confianza mutua.
Identidad Colectiva
En cercanías de la Tierra se preparan para un inminente desastre. Tilly, a cargo de un grupo de cadetes en su primera acción como graduados, ayuda a recoger refugiados. No podrán salvar a más de cuatrocientos cincuenta mil, lo cual es frustrante…
En la Discovery, T’Rina intenta comunicarse telepáticamente con la especie 10-C valiéndose de la fusión mental, pero al ser una especie tan diferente, la experiencia es altamente riesgosa. Consigue, no obstante, enterarse que ya no confían en ellos, pero el dato de interés es que son un gigantesco colectivo carente de individualidad: no unidos en la disciplina al modo de los borg, sino en la armonía.
La única forma de recuperar la confianza es detener a Tarka, que mantiene secuestrados a Book y la comandante Reno, quienes le insisten en que, de existir Kayalise, solo encontrará allí copias de sus seres queridos (en este caso Oros), pero no ceja en su obsesión.
Deus ex machina: Book encuentra un collar de su gato Grudge que inhibe los campos de fuerza porque su mascota odia los hologramas. Consiguen liberarse y, tras transportar a Reno, Book va en busca de Tarka.
Volver a Casa
En la Discovery y arrepentida, Ndoye admite haber ayudado a Tarka. Es detenida, pero se ofrece como voluntaria en misión suicida para estrellar una lanzadera contra la nave de Book y ser transportada en el último momento. Michael sabe que ello implicaría la muerte de Book pero, a su pesar, lo acepta como necesario.
Así se hace y, rescatada Ndoye, la nave de Book va camino a la destrucción tras el impacto. Tarka cree que aún puede ir a Kayalise, pues la explosión final podría activar el dispositivo de Oros. En un último acto de nobleza, utiliza la energía aún disponible para transportar a Book. Sin embargo, tras el estallido, no hay señales en la Discovery de que haya llegado a bordo y Michael rompe en desconsuelo al descontar su muerte.
Hay que reponerse al dolor para buscar salir del orbe y la solución, una vez más, la da Stamets al proponer utilizar el propulsor de esporas: lo hacen, pero el mismo se quema y solo disponen del impulso warp para regresar a casa en un viaje que les demandará décadas. ¿Alguien dijo Star Trek: Voyager?
La sorpresa es que la especie 10-C no hace nada para evitar su salida y, por el contrario, quieren hablar con ellos, así que por primera vez se conoce su aspecto: una especie de medusa gigantesca. Dicen ahora entender que sus visitantes no funcionan como uno, sino que tienen individualidad, aunque quieren saber por qué dos de ellos se separaron. Al ser puestos al tanto de la destrucción de mundos, manifiestan tristeza y arrepentimiento.
Se comprometen a hacer en el futuro su recogida en zonas deshabitadas del espacio: no lo habían hecho antes porque, al ser tan diferentes, no reconocían a las razas de la Federación como formas de vida. Pero notan que Michael sigue triste y quieren saber por qué. Cuando les pone al corriente de que ha perdido a alguien amado, le traen a Book de vuelta y bien: lo habían capturado al momento de transportarse…
Book les hace tomar conciencia de la necesidad de destruir la AMO: su tono, triste y sincero, surte efecto y se comprometen a ello, pero antes usan su energía para construir un agujero de gusano y permitirles regresar a casa.
La galaxia ha vuelto a la normalidad. Book ha quedado procesado por violar normas de la Federación pero, en compensación por su aporte final, se le da una especie de “probation” asistiendo a refugiados.
La Tierra ha decidido regresar a la Federación y así lo transmite su presidenta, interpretada por Stacey Abrams, la dirigente política que en 2019 se convirtió en la primera mujer estadounidense negra en ser elegida para dar réplica al presidente (Donald Trump). Esta felicita por lo hecho a Michael, quien dice haber entendido que aún hay allá afuera muchas especies sobre las que se desconoce todo. La presidenta le augura que será su tarea de allí en más…
Balance de Temporada
La demora en reseñar esta cuarta temporada de STD hace que la analicemos teniendo ya encima el visionado de Star Trek: Strange New Worlds, que ha dejado la vara alta. Pero sería mejor evitar comparar con otras series de la franquicia y más bien hacerlo con las temporadas anteriores. Viéndolo así, ha sido una buena temporada que supera a la anterior.
Es cierto que la primera mitad fue algo irregular y no lograban aún definir el perfil de los episodios: algunos autoconclusivos, otros no tanto; algunos más logrados, otros menos. Pero después el rumbo estuvo más claro y los últimos seis episodios son como una extendida película que nos mantiene prendidos mientras la historia gana en interés y conduce hacia un final altamente emotivo: hacía mucho que no terminaba de ver un episodio de STD queriendo ver el siguiente.
Lo primero para decir es que el siglo XXXII le sienta mejor a la serie, lo cual no había sido del todo aprovechado en la temporada anterior. El salto hacia adelante la libera algo del canon, pues en el medio han pasado cosas que otras series no han tratado. En segundo lugar, es bueno ver a Michael como capitán, ya que no hay serie de la franquicia en que el personaje principal no lo sea: inclusive Benjamin Sisko, aunque estuviera al frente de una estación espacial y no de una nave. Un divorcio que se sentía extraño ya no es tal…
En cuanto al resto de la tripulación, es una grata noticia haber recuperado a Saru, a quien vemos, además, atraído por la presidenta T’Rina: la relación entre especies no es extraña a la franquicia, pero nunca tan diferentes (algo similar para Tarka y Oros): habrá que ver cómo evoluciona ese vínculo, que de momento es pura intriga.
Lo malo, por contrapartida, es tener a Tilly fuera de la Discovery: el personaje interpretado por Mary Wisemanfue desde el principio uno de los más interesantes y mejor actuados. Es cierto que ha sido ascendida de alférez a teniente y demuestra grandes condiciones de liderazgo al abrirse camino por cuenta propia al frente de un grupo variopinto, pero sería una pena dejarla de ver. Si no va a regresar a la Discovery, que sea al menos un personaje recurrente: en esta temporada la hemos visto poco…
Stamets ha ganado en protagonismo y aunque a veces cansa como sabelotodo, se le ve muy asentado en la tripulación y su relación con Culber, entre armonías y tensiones, tiene peso para la trama central.
Distinto es el caso de Adira y Gray: ni cuando este último era solo visible para Adira ni cuando su cuerpo fue “revivido” en un golem, su historia ha logrado integrarse con la principal sino que pareciera transcurrir en un mundo aparte y aburren de tanto mirarse con sonrientes ojos de ensoñación al borde de las lágrimas. La inclusión forma parte de Star Trek desde sus inicios y mucho antes de ser moda, pero si no se le encuentra pronto una integración con las tramas principales, esa relación (contrariamente a la de Culber y Stamets) no pasará de “inclusión forzada”.
Otro que ha ganado protagonismo es Kovich, personaje interesante más allá del atractivo de contarlo a Cronenberg en el elenco. Aun así, sigue siendo bastante misterioso y se ha desmoronado la teoría de que pudiera ser el presidente de la Federación: su historia personal aún no ha sido contada del todo…
Pero si hay que destacar un actor y un personaje en esta cuarta temporada, sin duda David Ajala se lleva las palmas con su soberbia interpretación de un Book cruzado por sentimientos contradictorios y debatiéndose entre ellos.
La trama de la anomalía es muy Star Trek: no es la primera vez que alguna criatura o entidad provoca daño sin quererlo ni saberlo. Alcanza con recordar a V´Ger en la primera película de la tripulación original, así como la sonda desconocida de Star Trek IV: Misión salvar la Tierra o, más cerca, el “niño” que generó la “Quema” en la temporada anterior. Las peores catástrofes cósmicas pueden tener raíz en la incomunicación o incomprensión mutua y, como tales, ser evitadas.
Hace chirriar un poco la rapidez con que descifran el lenguaje de la especie 10-C, pasando en poco tiempo de ecuaciones matemáticas a conversación prácticamente fluida. Pero la fuerza emocional del final compensa con creces esa inverosimilitud, como también el que no haya muertes de personajes principales: no es que uno lo esté pidiendo a gritos o que no se alegre de verlos bien, pero da más credibilidad cargarse a alguno cada tanto (como ya ha ocurrido en STSNW). Cada vez que alguien parece muerto, no lo está…
Hay que mencionar como acierto que las series de la franquicia marchen como unidad y hayamos tenido, por ejemplo, noticias de las Qowat Milat (episodio 3: Elige vivir), mismas monjas de las que sabemos por STP que criaron a Elnor y que, además, acogieron a la madre de Michael (por cierto, algo desaprovechado en su potencial el encuentro entre ambas). Ni qué decir los homenajes a series pasadas: qué bueno saber que en el siglo XXXII habrá naves con los nombres de Janeway o T’Pol.
Y siempre un gusto, por supuesto, tener a Jonathan Frakes dirigiendo algún episodio, en este caso el sexto (Tiempo Tormentoso), que es el mejor de la primera mitad: se nota su oficio.
El tratamiento visual sigue estando a la altura y nos ha entregado un par de momentos magníficos. Otro tanto la soberbia banda sonora de Jeff Russo: por cierto, el tema que cierra cada episodio de la temporada eriza la piel con su maravillosa melancolía y arreglo de cuerdas, piano y flauta. Se los dejo…
Lo extraño es el tono de cierre de la temporada, que más bien pareciera serlo de la serie, aun cuando ya esté en producción la quinta. En algún momento, se nos cruzó un deja vu de STV cuando se planteó que el regreso a casa tardaría varias décadas, pero la especie 10-C lo solucionó rápidamente. No habiendo esta vez cliffhanger y pareciendo todo tan cerrado, habrá qué ver hacia dónde se dirige ahora la serie…
Buena temporada, en definitiva. Y también que la serie esté encontrando su rumbo. Había quienes no daban un cobre por su permanencia, pero ya vamos camino a la quinta temporada y ojalá tengamos muchas más. Por lo pronto, nos encontraremos allí y, esta vez, prometo, con análisis episódicos.
Gracias por leer y, sobre todo, por la paciencia de esperar. Hasta pronto y sean felices. Larga vida y prosperidad…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tengo el placer de presentarles Súper Agente 327. Tomo 5, que corresponde a las historias entre 1986 y 2001. Publicado por Dolmen Editorial.
Hoy les presentamos a Panférreo, Enrique Panférreo. Súper Agente Especial 327, perteneciente a los servicios secretos holandeses.
Súper Agente 327. Tomo 5 (1986-2001)
Súper Agente 327 es una de las colecciones que se encuentran dentro de la Línea Fuera Borda, de Dolmen Editorial.
Pero antes de seguir, debemos contestarnos a una pregunta …
¿De dónde sale este Súper Agente 327?
Agent 327 (título original en Holanda) comenzó su andadura en 1966 y su serie dio inicio en publicaciones para la revista holandesa Pep.
Enrique Panférreo (nombre que se le ha dado en España) es para el público holandés, casi como nuestros Mortadelo y Filemón, creados por el maestro Ibáñez.
He dicho «casi», porque aunque el Súper Agente 327 es muy, muy popular en Holanda, no llega al nivel de éxito internacional, como sí lo tienen nuestros agentes de la T.I.A.
No obstante, Agent 327 ha tenido adaptaciones cinematográficas, que no han llegado a aterrizar en España.
El contenido de este Volumen Integral
El presente tomo del Súper Agente 327, contiene cuatro álbumes de la colección. Si bien es cierto que, el primero de ellos, es más corto que los anteriores.
Este volumen contiene las aventuras de La bomba olvidada, La ruta de la tortuga, La caja negra y Cacoína y comandos.
Además, el tomo contiene como extras, unas muestras del arte de Lodewijk y la historia El cómic más pequeño del mundo.
Los aficionados al noveno arte, disfrutaremos con las aventuras y desventuras del Agente 327 en diferentes escenarios del planeta. Allá donde sea necesario, Panférreo desplegará todos sus recursos para llevar a cabo su misión.
«La Caja Negra»
En La caja negra, tenemos una historia de espionaje y contraespionaje, en la que una potencia extranjera manipula una grabación y en ella se ve al Súper Agente 327, desvelando información clasificada.
Los servicios secretos holandeses, proceden inmediatamente a encerrar al Agente Panférreo, que utilizando todos sus recursos, intentará demostrar su inocencia.
Martin Lodewijk escribió y dibujó esta historia en 1986 y dejó de realizar las historias del personaje, para retomarlas años después.
¨La Bomba Olvidada»
Recién entrados en el siglo XXI, Lodewijk continuó con las historias del Súper Agente 327.
En esta historia, nos encontramos con que los servicios secretos holandeses fueron desmantelados tras acabar la «Guerra Fría» y todos sus agentes se vieron obligados a encontrar otro tipo de trabajo.
Pero este nuevo siglo ha conocido nuevos enemigos y el gobierno holandés encarga a la voluptuosa Olga Lawina, antigua colaboradora del Agente 327, a poner en marcha el nuevo servicio secreto holandés.
Estas nuevas historias del nuevo siglo, tienen un toque de «humor erótico», que giran alrededor de la agente Olga Lawina y la escasa tela con la que cubre su cuerpo.
Todo ello sin olvidarnos que estamos ante un cómic para todos los públicos y en ningún momento observamos ningún desnudo explícito.
La Agente Lawina encuentra a Enrique Panférreo, trabajando como conductor de limusinas para «celebrities» y observamos ingeniosos guiños, como por ejemplo, al programa «Gran Hermano».
Esta Bomba Olvidada es la mejor delas historias que contiene el tomo, a mi parecer. La historia evoluciona de una manera muy bien llevada y se convierte en una trama de aventuras, muy deudora de la antigua «Guerra Fría«.
«La Ruta de la Tortuga»
He olvidado comentar, que el Súper Agente 327, sale disfrazado de su casa, cada vez que va a la sede de los servicios secretos holandeses.
Al igual que nuestro querido Mortadelo, se disfraza constantemente en las historias del anteriormente mencionado, maestro Ibáñez.
Al inicio de esta historia, los servicios secretos holandeses han quedado nuevamente instaurados.
Aquí recuperamos a la némesis de nuestro querido Agente Panférreo, que no es otro que Boris Kloris.
La banda de Boris Kloris, presente robar una tortuga centenaria del zoo de la ciudad. Esto parece una misión para el Agente Panférreo y la Agente Olga Lawina.
¿Qué demonios podrá querer el peligroso criminal Boris Kloris de una tortuga? ¿Conseguirá descubrirlo nuestro Súper Agente 327 y la Agente Olga Lawina?
«Cacoína y comandos»
En esta historia, reaparece el Doctor Papá. Un dictador que aparece en el primero de los integrales del Súper Agente 327, publicados por Dolmen Editorial.
Por otra parte, Enrique Panférreo es despedido de los servicios secretos holandeses.
Mientras tanto, el Doctor Papá viaja por mar en el interior de su yate privado, tras ser depuesto del gobierno de una república bananera que presidía.
En el yate, va acompañado por su ejército personal y además, por un grupo de concubinas que no lo deja nunca solo. El yate se encuentra con la Isla de Marijuana, cuyos pacíficos habitantes son conquistados por el ejército del Doctor Papá.
Este dictador, descubre enseguida las posibilidades de una droga, derivada de los excrementos de un ave prehistórica, que era autóctona de la Isla.
Mientras tanto, la K.G.B. pretende que los servicios secretos holandeses intervengan en la Isla de Marijuana. Cosa imposible, puesto que el gobierno holandés no desea entrar oficialmente en conflicto.
El Jefe de los servicios secretos holandeses, pretende reclutar de manera no oficial al Agente 327, por lo que decide que la Agente Olga Lawina lo recupere e intervengan en la zona.
La edición de Dolmen Editorial
La edición de Dolmen Editorial de este volumen del Súper Agente 327, es similar a los que venimos viendo de la Línea Fuera Borda.
Tenemos ante nosotros un tomo en tapa dura, con lomo recto, a todo color, que cuenta con un papel poroso con un gramaje de gran calidad. Tal y como es habitual en la editorial mallorquina.
El tomo cuenta con unas medidas de 21×28 cm, 152 páginas y se encuentra a nuestra disposición en nuestra librería habitual, con un P.V.P. de 32,90€.
Valoración Final de la obra
Este quinto tomo del Súper Agente 327 que contiene las historias comprendidas entre 1986 y 2001.
Tenemos ante nosotros un cómic clásico y posteriormente renovado de la BD, en el que podremos disfrutar de buenas historias de aventuras, aderezadas con humor y un «ligero toque picantón».
Las historias son un verdadero pasa páginas y no podremos cerrar el tomo hasta que no las acabemos.
El dibujo realizado por Martin Lodewijk, es realmente bueno. No debemos confundir dibujo realista con buen dibujo.
Súper Agente 327 cuenta con un dibujo caricaturesco, cuyos fondos vienen reflejados con detallados escenarios, ambientes y diferentes artefactos.
¿A quién le recomendaría esta obra? A cualquier aficionado a la BD clásica, a cualquier amante del cómic de aventuras, a cualquier apasionado de los tebeos de humor, a los fieles seguidores de la difunta Editorial Bruguera y a todos los fans de Mortadelo y Filemón.
No duden en acercarse a este Súper Agente 327. Puede ser un buen regalo, puesto que se puede leer de manera independiente.
Sin más … Me despido deseando a todos un buen verano y por supuesto …
