A horas de estrenarse la segunda parte de la temporada 9, la productora ejecutiva de la aclamada serie postapocalíptica, Angela Kang, subió un vídeo a su cuenta de Instagram anunciando que The Walking Dead cumplirá una década en el aire.
La cadena de cable estadounidense que emite el programa, AMC, confirmó que la serie tendrá una temporada más, que se estrenará en octubre.Justo cuando se están produciendo grandes cambios en la historia de la misma.
En los últimos meses se confirmó la salida del actor británico Andrew Lincoln, quien daba vida al personaje principal, Rick Grimes, líder de los supervivientes durante nueve años. El salto temporal de seis años que tuvo la narrativa, que parecía estancada, le dio mucha frescura, con lo que la serie podría dar más sorpresas.
La confirmación de la décima temporada tiene su lógica, ya que la serie es la más taquillera de la cadena AMC. A pesar de que año tras año ha ido perdiendo audiencia, sigue siendo una de las más vista del mundo. Tal es así, que la primera parte de la temporada actual contó con una media de 5,1 millones de espectadores.
Basada en la series de cómics escritos por Robert Kirkman, que fueron publicados por Image Comics, The Walking Dead sigue la historia de un grupo de supervivientes a un apocalipsis zombi, donde durante meses y años buscan un hogar donde subsistir tanto de los muertos como de los vivos.
Los supervivientes frente a una amenaza inesperada
La espera puede ser insoportable para los seguidores de The Walking Dead. Pero ya está entre nosotros, a tan solo unas horas. Deja de comerte las uñas. Ya no tendrás que pensar e imaginar que sucederá con tus personajes favoritos, o que se traen entre manos «Los Susurradores». La segunda parte de la novena temporada se estrenará el lunes 11 de febrero.
Con 123 episodios en su haber, la segunda parte de la novena temporada contará con ocho capítulos y complementará a la iniciada en octubre del 2018.
El grupo de sobrevivientes, tanto los antiguos como los nuevos, continúan lidiando con los eventos que tuvieron lugar en los seis años que pasaron.
Desde la desaparición de Rick Grimes, muchos personajes se han convertido en extraños entre ellos, y de alguna manera, extraños para si mismos. Lo que si saben, es que el peligro los acecha y el mundo más allá cambió y no funciona como pensaban. Las reglas del grupo y las formas de supervivencia ya no garantizan su seguridad.
Una nueva amenaza se ha cruzado en su camino y pronto descubren que es distinta a todas las que hayan enfrentado antes. Comenzarán a cuestionarse si lo que ven, o creen que ven, es normal en este mundo perturbador y aterrador, más cruel de aquel en el que estalló el apocalipsis.
Sobre todos estos cambios que están sucediendo en The Walking Dead habló Nadia Hilker, actriz alemana que personifica a la malhumorada Magna, la cual que forma parte del renovado plantel de la serie.
Refiriéndose a la forma de ser del personaje manifestó «Magna es como un animal, una leona. Tiene mal carácter pero también es muy poderosa. Cuando llega a The Walking Dead viene de perder alguien muy importante para ella. Es algo que le afecto mucho y se esfuerza para no sentir afecto por nadie en un mundo donde cualquier cosa puede pasar».
Hilker, también habló acerca de hacia dónde va la trama de la serie «es muy emocionante y nadie a excepción de la productora ejecutiva Angela Kang, sabe que es lo que va a pasar. Todos están muy confiados y listos para algo nuevo. Es un momento muy excitante para unirme al reparto».
Todo esta por revelarse a partir del lunes 11 de febrero, cuando se estrene la segunda parte de la novena temporada.
AMC, la productora de la serie, está planteando realizar un spinoff centrado en algunos personajes. La principal candidata para tener su propia historia en la tv, seria Maggie.
Es sabido que AMC ha mantenido conversaciones con la actriz Lauren Cohan (Maggie), y esto dacia al respecto:
«Han habido algunas conversaciones, pero todo es muy ambiguo y prematuro. Yo, como todo el mundo, tendré que esperar para ver que pasara»
Recordemos que Maggie se marchó definitivamente en la temporada nueve, por lo tanto parece muy difícil que regrese a The Walking Dead.
Tal vez puedan atraerla nuevamente recreando una historia donde la tenga como protagonista principal. Solo el tiempo sabrá que será de este gran personaje.
Bienvenidos una semana más a los Ozarks. Los niños Purcell han desaparecido y asistimos a la investigación dirigida por Wayne Hays y Roland West. Bienvenidos a True Detective III.
If you have ghost. Si tú tienes fantasmas, traducido literalmente. El título de este quinto episodio encierra mucho significado. No en vano, la tercera e irregular temporada de True Detective se centra en los demonios internos de Wayne Hays. Tras cuatro capítulos dando vueltas al mismo arrepentimiento sobre algo que no conocíamos, por fin la historia comienza a perfilarse, a medida que la trama situada en 1980 finaliza y se entrelazan la de 1990 y 2015.
El asalto a la casa de Woodard es una escena rápida y llena de tensión, puro True Detective, aunque sin llegar al magnífico plano secuencia del 1×04 o al salvaje tiroteo del 2×04. El resultado se salda con la cojera de Roland West por un disparo en la pierna y la ejecución de Woodard por obra de Hays, inducido por el indio resentido contra los hombres blancos de clase obrera que él mismo había defendido durante la guerra de Vietnam. Si la herida de West es física, la de Hays afecta a su alma, la cual, a partir de este momento, siempre caminará a oscuras. Prueba de ello es su atípico inicio de relación con Amelia tras el tiroteo. El primer fantasma en una vida marcada por el asesinato y la desaparición de unos niños.
1990: El segundo fantasma
Como era de esperar, Woodard fue acusado culpable de la desaparición de los niños cuando, durante la investigación de la casa, se encontraron una camiseta y una mochila. El caso se cerró.
Tras localizar Hays a Julie Purcell en las cámaras de vídeo del supermercado, nuestro protagonista se enfrenta al diplomático West, que no quiere informar a Tom Purcell, padre de la chica, para que no se hagan eco los medios y el pobre hombre no tenga que volver a sufrir el acoso público.
Sin embargo, en una situación algo deus ex machina, Tom Purcell aparece en el despacho de la brigada del caso y contempla la foto de la joven. Hays no pierde oportunidad y decide provocarle. No le importa el sufrimiento de un padre o, si le importa, eso no va a detenerle en su empeño con cerrar el caso y, con ello, sus demonios internos.
Así, se revela que el caso Purcell es también una herramienta política para el abogado que quiere ser fiscal del estado, que defiende la inocencia de Woodard, frente al actual fiscal del estado, que mantiene la versión del veterano indio como culpable. Al final, lo importante para los políticos es si la investigación se realizó con rigor o no.
Hays descubre que la mochila, impoluta tras una explosión, pudo ser colocada en la escena del crimen durante la investigación de la policía. Se abre un nuevo frente: el de la corrupción política. La teoría más plausible es que el actual fiscal del estado quiso cerrar el caso cuanto antes para poder mostrarlo como un éxito en su carrera y así ser nombrado para el cargo.
Por otra parte, Hays y West vuelven a interrogar a Freddie Burns, el antaño adolescente ladrón de bicicletas que había acosado a Will Purcell. Este le recrimina a Hays que su fracaso social y familiar se originó en aquel expeditivo interrogatorio antes de la explosión de Woodard. Segundo fantasma para Hays.
Finalmente, el ruego de Tom Purcell a la prensa tiene éxito y reciben una llamada de Julie Purcell. Lo sorprendente es que esta no quiere saber nada de su “supuesto” padre. Afirma que fue secuestrada por él y que no desea verle. ¿Fue Tom Purcell el nuevo culpable en la segunda etapa del caso?
2015: ¿El tercer fantasma?
Hays descubre una nueva pista leyendo el libro de su mujer fallecida, aquel que nunca quiso leer porque opinaba que Amelia se aprovechaba de las desgracias ajenas. Resulta que la carta escrita a la comisaría, aquella que pedía que dejaran en paz a los niños Purcell, que estaban a salvo, fue escrita por Lucy Purcell, la madre de los niños. ¿Un intento de tranquilizar a Tom Purcell? Desde luego, el hecho de que ella se suicidara en 1988 en las Vegas, así como el fallecimiento de varios de los involucrados durante la investigación, hacen pensar en que el secuestro de los niños tiene un origen más oscuro que el que todos nos habíamos imaginado en un principio.
La mejor escena del capítulo y de lo que llevamos de serie se produce al final. No es un tiroteo ni una deducción. Se trata del reencuentro entre Wayne Hays y Roland West. Dos hombres que se recriminan, se abren en canal y, finalmente, se aceptan mutuamente. Hays tiene que pedirle perdón a West por algo que hizo en 1990, algo que hundió la flagrante carrera de West y le llevó a abandonar la vida social y refugiarse en el campo con una jauría de perros. Desgraciadamente, Hays no recuerda qué fue lo que hizo y le propone a West terminar de resolver el caso.
CONCLUSIONES
Ojo, que la historia se reactiva. Que el relleno se abandona. Que hay menos trama de relleno y, por fin, más investigación y más profundización en los demonios internos de Hays. Que las escenas emocionan, que no dejan indiferente. Lástima que la localización pierda la importancia que tuvo Louisiana en True Detective I y que sigamos teniendo esos vaivenes Wayne-Amelia que poco aportan salvo mostrar el lado retrógrado y machista del protagonista. No podemos pedir peras al olmo. Está claro que esta tercera temporada no está a la altura de la primera, pero Pizzolatto demuestra que lo que queda por contar puede ser tan interesante como para obviar esos insulsos cuatro primeros capítulos.
A veces, cuando salgo de ver una película me pregunto ¿qué películas son las que dan sentido al cine? ¿cuales hacen que este espectáculo sea digno de pagar mi entrada religiosamente? Porque películas hay muchas y a veces unas muy buenas y otras no tanto. Alita no tiene un guión de escándalo y tampoco me estremece en la butaca. No, Alita no me hace florecer sentimientos a flor de piel, pero sin embargo Alita Ángel de combate son de esas películas, para como yo concibo el cine que merecen la pena pagar una entrada.
Alita, un espectáculo visual
En primer lugar tengo que decir que seguro que a mucha gente esta película no le merece la pena o la encuentran muchas pegas, que las tiene, pero yo además de un buen guión, valoro otras cosas. Lo que quiero decir con todo esto es que Alita no es Avatar o Titanic, pero Alita es una película para ver varias veces de lo entretenida que es. Y si alguien me dice que Avatar o Titanic son solo palomiteras me tengo que remitir en primer lugar al top de las películas más taquilleras de todos los tiempos, donde son las dos películas más vistas, y en segundo lugar me gustaría aclarar que son algo más que comerciales porque te hacen sentir algo en el cuerpo que la mayoría de las películas no consiguen. Quizás es por eso por lo que arrastraron al cine a tanta gente.
Y ahora me centro un instante en James Cameron, que además de un excelente director es también un notable escritor de ciencia ficción y quien firma el guión y la adaptación de esta cinta. Lamentablemente no ha podido llevar la batuta puesto que está en pleno rodaje de Avatar 2, 3, 4 y 5. Y en ese aspecto es posible que Alita adolezca de sus servicios en la dirección ya que creo que Robert Rodriguez no llega a la altura del maestro.
Porque sí, Alita son de esas pelis que merecen verlas en pantalla grande aunque no es oro todo lo que reluce y me explico. Ángel de combate puede ser maravillosa visualmente, pero sin embargo es mucho más modesta en su desarrollo conceptual. ¿Por eso tengo que calificarla como mala? ¿Por no ser redonda tengo que echar pestes? Yo concibo el cine como un factor de muchos conceptos y para mi una cinta con miles de fuegos artificiales, bien orquestados y con una estética preciosa, también es una parte importante de ese Arte. Al final y al cabo el cine es el 7º Arte. Y sí, evidentemente el montaje, la dirección, la interpretación… y el guión son también esenciales. Y es que Alita tiene un poco de todo pero no es tan ambiciosa en algunos aspectos como por ejemplo Avatar o Titanic como mencioné anteriormente. Alita patina en varios aspectos, pero nunca llega a descarrilar.
Y lo mismo estas carencias son motivo de no tener a Cameron tras las cámaras sino a Robert Rodriguez, pero Alita sobrevive a todo ello. La historia de amor no es tan convincente y me resulta más adolescente respecto a otras películas referidas; la trama es más lineal, uniendo subtramas con algunos saltos que se podrían haber subsanado con Cameron en el montaje final, pero por todo lo demás, Alita me convence. No estoy hablando de una peli estratosférica, pero si hablo de una cinta que hay que ver para poder opinar, porque podrá gustar mucho o no, pero dudo que alguien piense que es mala producción, porque no lo es. Otra cosa distinta es que pueda no llenar como mucha gente espera, o no cumplir con las expectativas. Todo eso es posible, porque la parafernalia es de sobresaliente, pero analizado en frío pocas películas vemos al año como esta, pocas.
Y otra cosa que quería decir es que algunos personajes secundarios pueden no estar del todo desarrollados o peor aún, tener cambios de opinión muy acusados sin pasar un período de reflexión; otro punto negativo para la película, pero sin embargo el personaje de Alita es alucinante. Alita lo es todo en la película y el papel de Rosa Salazar está muy logrado junto con los efectos especiales que la dotan constantemente de esos ojos tan enormes que se comen la pantalla. Si queremos un personaje carismático ese es Alita y gracias a ella la película hace que siga su rumbo y no patine. Creo que sin ella o sin esos ojos, tan criticados al principio de los tráileres años atrás han acabado dando la razón a James Cameron. Alita destaca por su ingenuidad, su sencillez, su fuerza y su ternura, su bondad, su compasión y su determinación. Muchas veces hemos buscado personajes femeninos cinematográficos en los cuales vernos reflejados y creo que Alita, aún siendo medio humana medio cyborg es uno de ellos. ¿Sabéis porqué? Porque Alita es más humana que la mayoría de los personajes de ficción aún siendo completamente biológicos.
Recomiendo ver Alita Ángel de combate en el cine porque espectáculos visuales cinematográficos como este sólo se ven un par de ellos al año. Una lástima que Alita se quede luego en un proyecto más juvenil que adulto en el desarrollo de personajes o situaciones, pero aún así dista mucho de ser una mala película. Alita podría haber sido una obra de culto, una obra maestra de referencia del cyber-punk pero que se queda en una película excelente en cuanto a acción y recursos, pero a medio camino de una gran película. Por tanto Alita supone un esfuerzo titánico que podrá agradar o no a todo el mundo, pero que por lo menos cuando pagas tu entrada no te sientes estafado a la salida del cine.
Bienvenidos una semana más a la Sala de Estudios de King’s Dominion, el lugar desde el que vamos a analizar todos los capítulos de Clase Letal. Así que ya sabéis, si no queréis leer spoilers más os vale ver el capítulo antes de leer este post.
En el tercer episodio vamos a seguir profundizando en la organización de esta peculiar escuela de asesinos y en las relaciones entre los protagonistas. Además de conocer una pildorita más del pasado de Marcus en la tradicional escena de animación de cada capítulo (en este caso al principio).
Asistimos a varias clases viendo lo que los jóvenes tienen que aprender para el futuro. Desde la ya conocida clase de venenos, a una clase de uso de cerbatanas, de técnicas de combate atípico o de psicopatía, esta última con un profesor bastante peculiar que recuerda bastante a Hannibal Lecter.
El profesor de conducta psicopática no puede ser más chungo
Pero es el profesor Denke (venenos) y su relación con el director Lin el tema más interesante del capítulo. Denke no está contento con su situación en la escuela, quería cambiar el mundo pero solo da clases a los herederos de la grande familias criminales, unos chicos que lo tienen todo en la vida. Lin le dice que se centre en las Ratas (los “becados” como Marcus que no tienen pedigrí) pero Denke le contesta que esos pobre muchachos nunca van a superar el examen final. ¿En qué consiste dicho examen y cuál es su peligro para las Ratas? La escuela aún esconde muchos secretos y todos muy peligrosos. Por todo eso Denke quiere dimitir, aunque Lin le advierte de las consecuencias.
Pero si la relación entre estos dos alumnos parece complicada, mucho más es la que hay entre los jóvenes. Parece que Marcus y Willie se han hecho amigos, pero cuando están con más gente el “peligroso” pandillero pasa de su amigo ya que tiene que mantener las apariencias y eso molesta mucho a Marcus, que reflexiona sobre las batallas que tiene que librar. El profesor Denke le dice que sea listo, que no sea tan impulsivo y sus palabras parecen calar en el joven.
Otra pareja de amigas es la formada por Saya y Maria, compañeras de habitación y confidentes. Una relación siempre amenazada por el novio de Maria, Chico, controlador y posesivo. En la escuela se va a celebrar un baile y Maria le pide a Chico ir sola con Saya, en una noche de chicas, algo que en principio acepta.
A dicha fiesta sólo pueden ir los herederos, nada de Ratas, pero Viktor invita a Petra a ser su pareja. Aunque al principio le dice que no, al final acaba aceptando. Y es que aunque parezca una gótica asocial, al final todos queremos formar parte de algo, ser aceptados. Todo parece ir a las mil maravillas para la extraña pareja en la fiesta, hasta que Viktor acaba traicionando a Petra, dejándosela a las chicas herederas para que la quiten su ropa y la vistan como una muñequita tradicional, humillándola delante de todos.
La humillación de Petra
Esta es la gota que colma el vaso y las Ratas deciden vengarse. Marcus elige luchar esta batalla harto de los abusos de los herederos y ayudará a sus amigos. Se arman con cerbatanas y dardos con alucinógenos para atacar la fiesta. Pero en medio de todo Chico, que había aparecido para controlar a Maria y tratar de poner en su contra a Saya (sin conseguirlo), se abalanza sobre Marcus para darle por fin su merecido.
Y cuando parece que Marcus se va a llevar una paliza aparece Willie. Se ha dado cuenta que la amistad hay que trabajársela y no vivirla a escondidas, así que defiende a su amigo ante el peligroso Chico. Cuando parece que su fachada de chico duro va a venirse abajo llega el director Lin para poner fin a la pelea y la fiesta. Por los pelos, pero Willie consigue mantener su reputación intacta y cimentar su amistad con Marcus.
Willie defiende a Marcus ante Chico
Y con la fiesta terminada y todo por los suelos vemos al tierno Billie conceder un baile a una alicaída Petra, que al final puede tener un poco de normalidad y de cariño en brazos de su amigo.
Pero nos queda saber que pasa al final entre Denke y Lin. Pensábamos que Lin era la máxima autoridad de la escuela pero descubrimos que tiene que rendir cuentas ante una mujer que le exige que deje de lado su amistad con el profesor de venenos y acabe con él si quiere dejar la escuela.
¿Quién es esta misteriosa mujer ante la que Lin tiene que rendir cuentas?
Así que el profesor y el director tienen una reunión en la que Lin dice que se ha dedicado tanto a una causa que ya no hay marcha atrás, aunque piense que esa causa ya no es tan justa como antes. La reunión acaba en una dura pelea y al final Lin deja escapar a su amigo, advirtiéndole que irán a por él.
Y en la última escena del capítulo vemos como el jefe de la los herederos de la yakuza recibe un paquete con dinero y una foto de Saya. ¿Un encargo de asesinato por parte de los suyos?
En resumen, hemos visto un capítulo redondo en el que se siguen cimentando las relaciones entre los protagonistas. Los jóvenes ya no son los personajes típicos de una serie de adolescentes, tienen aristas, una personalidad propia que vamos descubriendo poco a poco. Y un buen montón de secretos. Y más enigmas parece haber en la propia escuela y su profesorado…
Joseph J. Blocker (Christian Bale) es un héroe. Su nombre es conocido por sus hazañas contra los salvajes indios. Ya veterano y cansado de la lucha contra esos salvajes recibe una última y odiada misión. El gobierno americano en su afán de maquillar el maltrato dado a los indígenas quiere limar asperezas e indulta a un antiguo jefe de guerra Cheyenne, Halcón Amarillo (Wes Studi) junto a su familia y los manda de regreso a las tierras de su tribu en Montana. La orden viene del mismísimo presidente de los Estados Unidos, Benjamin Harrison. Una larga travesía que se le encomienda al Capitán Blocker con la amenaza de que si no cumple la misión perderá rango y pensión junto al peligro de enfrentarse a una corte marcial. Sin más opciones el Capitán sale con unos pocos hombres a cumplir la misión.
Bajo esta premisa nos encontramos ante uno de los mejores westerns del siglo XXI, un violento y nostálgico western crepuscular. Dirige Scott Cooper quien se encargó de realizar la escritura del guion a partir de un manuscrito del oscarizado Donald E. Stewart, quien lo escribió treinta años atrás y cuyo texto fue encontrado por su viuda durante un cambio de casa.
Personajes al borde de la desesperación.
Un western de indios y vaqueros: De los de toda la vida… pero no.
Hay un pasaje de la película, justo al principio, que retrata a los indios americanos como auténticos salvajes. Es la escena en la que Rosalie Quaid (Rosamund Pike) sobrevive al ataque de los comanches. Una despiadada acometida que acaba con la familia al completo de Rosalie. Cuando la comitiva de Blocker pasa por la casa de la mujer no tienen más remedio que acogerla con ellos y enfrentarse a una dura realidad; están siendo observados por los comanches. No obstante pese a la impresión que pueda dar por esta escena la película huye del indio como ser salvaje, al fin y al cabo no deja de ser una respuesta a la actitud del hombre blanco hacia ellos como vemos en la escena en la que conocemos al personaje interpretado por Christian Bale, un soldado que permanece impertérrito mientras sus hombres torturan a unos indios.
Los protagonistas de esta cinta están muertos por dentro, así ocurre con Blocker, quien no encuentra paz en su interior. O Rosalie cuya pena por la pérdida familiar es infinita. Y por último Halcón Amarillo enemigo de Blocker pero en su interior se parecen más de lo que ambos quieren reconocer. Los tres personajes están excepcionalmente tratados y vemos como sutilmente van evolucionando acordes de una trama que se va tejiendo acorde a un muy buen guion. La travesía al más puro subgénero de los road movie (aquí podríamos hablar de «ride movie») va uniendo y humanizando a los personajes. Blocker va dejando atrás a su bestia, Halcón Amarillo solo desea morir en paz con los suyos. Una travesía que les enfrentará a los comanches, a viejos compañeros (excepcional Ben Foster como siempre) y a sus demonios internos. La película hace un recorrido en definitiva por los estados emocionales del ser humano, del odio, la discriminación y el salvajismo la cinta lleva a los personajes a conocer el perdón y la humanidad, en conclusión nuestros personajes se redimen. Rosalie tiene mucho que ver en ello. En este sentido he de decir que me satisfizo enormemente el final y es que ante tanta tragedia el filme demandaba la escena con la que acaba la película.
Valoración final.
Sobresaliente western, de cierto ritmo pausado que ha sido criticado pero que veo necesario para la historia que se desarrolla. El trío de actores está a un magnífico nivel. Wes Studi nunca ha hecho un indio mejor. Un jefe guerrero que quiere morir con los suyos en su tierra. Ha encontrado la paz y se le nota cierto dolor por sus acciones del pasado. Bale compone un gran personaje. Con la aparición de Ben Foster sabemos de donde viene ese alma rota de Blocker. Ambos fueron partícipes de la masacre de Wounded Knee. Un hecho real ocurrido en 1890 que podéis conocer en este enlace. Al principio de la película vemos que Blocker es más salvaje que su enemigo, su superior lo respeta pero no lo tiene en estima. La misión en definitiva es un viaje redentor para nuestro protagonista. Halcón Amarillo y Blocker adquieren en este viaje una comprensión de las pérdidas del otro alcanzando una resolución emocional y conmovedora. Y por último tenemos a Rosamund Pike que vuelve a componer otro gran personaje como nos tiene acostumbrado. Max Richter es el autor de una banda sonora que hace al film más emotivo, una música que se identifica de forma automática con el género western. La fotografía es igualmente excelente, la película se rodó en las zonas de Arizona, Nuevo México y Colorado, lo que da una autenticidad al paisaje. En definitiva estamos ante uno de los mejores westerns del presente siglo. Disfrútenlo. Es toda una experiencia.
Recientemente se ha anunciado que entre los últimos proyectos que se están realizando a manos de Netflix se encuentra la adaptación de Memorias de Idhún, trilogía escrita por la española Laura Gallego y publicada entre 2003 y 2006 por Grupo SM. Pese a que la autora ya había comunicado en varias ocasiones su rechazo hacia una adaptación audiovisual de la obra, en 2017 se anunció que se iba a producir una serie a manos de Movistar+, aunque la escritora nunca confirmó nada. Al final, parece ser que es Netflix quien dispone ahora mismo de los derechos de dicha trilogía de fantasía. La primera temporada abarcará el primer libro: Memorias de Idhún I: La Resistencia, por lo que se puede prever que, si todo va bien, la serie acabará teniendo un total de tres temporadas.
El día en que se produjo en Idhún la conjunción astral de los tres soles y las tres lunas, Ashran el Nigromante se hizo con el poder y comenzó el reinado de terror de las serpientes aladas. La primera batalla por la libertad de Idhún se libra en la Tierra, donde Jack y Victoria luchan por detener a Kirtash, el asesino enviado por Ashran para acabar con los idhunitas que huyeron de su tiranía. Sin embargo, los protagonistas siguen sin saberlo los designios de una profecía que entrelazará sus destinos en una trama de amor y odio que desencadenará duelos a muerte y forjará insólitas alianzas.
La directora es Maite Ruiz de Austri, quien ya tiene experiencia en otros proyectos dirigidos al público juvenil e infantil además de varios Premios Goya a mejor película de animación como Animal Channel (2009), La leyenda del Unicornio (2002), Qué vecinos tan animales (1999) y El regreso del viento del norte (1995).
La productora es Zeppelin TV del grupo Endemol Shine Iberia (España), la misma encargada de realizar otro «anime» español —no sé realmente si se puede considerar como tal puesto que el estudio de animación era coreano mientras que el capital provenía de España— basado en el cómic Virtual Hero. Dicha serie tuvo una gran recepción por parte del fandom de ElRubius, como era de esperar tras las ventas de su cómic y de la cantidad de visitas que tiene en su canal de YouTube. Dejando de lado si la animación y el guión eran de calidad o no, definitivamente invertir en una serie de animación de ElRubius fue una apuesta segura.
Ahora, mirando el caso de Memorias de Idhún, que en sus diez primeros años había vendido más de un millón de copias en todo el mundo —Virtual Hero ha vendido medio millón en menos de tres años— y que sigue conservando un gran número de adeptos que de jóvenes quedaron cautivados por la obra de Laura Gallego, es fácil pensar que esta adaptación es otro intento de apuesta segura a favor de un producto que ya tenía un gran número de seguidores pendientes de su estreno incluso antes de haberse anunciado.
Pero a diferencia del caso Virtual Hero, cuyo título estaba teñido de la firma de ElRubius que causaba también el rechazo de parte del público que no se consideraba su fan, la trilogía de Laura Galleo se libra del sello —muchas veces considerado algo despectivo— youtuber. Dicha liberación pude considerase algo perfecto para atraer a muchos jóvenes que no conozcan nada de Memoras de Idhún.
«Anime» es un término que está cogiendo mucha popularidad y que atrae la atención de muchos jóvenes. Detalle que lleva a uno plantearse si realmente de cada vez más se utiliza esta etiqueta como herramienta de marketing. Un debate totalmente a parte es si para que se considere anime como tal debe de haberse producido y realizado en Japón. Virtual Hero también vino con la etiqueta de «anime», pero por diseños y animación parecía más una serie cartoon de Jetix a lo Martin Mystery. Aún no hemos visto nada de Memoras de Idhún, sin contar la imagen promocional con la que es imposible definir si vamos a ver un estilo de animación tirando al anime clásico o al cartoon como hace la otra serie «anime» de Zepplin. Aunque teniendo en cuenta los presupuestos que suelen tener las producciones españolas yo apostaría por la segunda opción.
Virtual Hero era una serie hecha para los fans de ElRubius, pero Memoras de Idhún no tiene porque ser solo para los fans de sus libros y claramente se podrá disfrutar como quien disfruta de Una serie de Catastróficas Desdichas y de El Señor de Los Anillos sin conocer tan siquiera sus autores.
Esta semana se estrena Green Book, por lo que hemos decidido realizar una lista de las que a mi parecer son las mejores películas que se han hecho sobre el racismo. Al no ser un género delimitado, me ha resultado difícil realizar la lista debido a la gran cantidad de géneros diferentes que pueden tener. Finalmente creo que ha quedado una lista variada y que espero que os guste. Por supuesto que no olvidéis dejar vuestra opinión en los comentarios ni compartir vuestras películas favoritas sobre el tema.
Cuando uno perdona se libera el alma y se remueve el temor.
Director/a: Dirigida por Clint Eastwood, conocido por todos por su próspera carrera como actor y posteriormente como director. La película adapta el libro El Factor humano de John Carlin.
Reparto: En el papel de Nelson Mandela tenemos a Morgan Freeman. El resto del reparto lo forman Matt Damon, Scott Eastwood y Zak Feaunati entre otros.
Trama: La película narra la vida de Nelson Mandela una vez puesta en liberta en el año 1990, su llegada a la presidencia de Sudáfrica y la abolición del Apartheid. También se centrará en su política de reconciliación entre negros y blancos, así como la celebración en Sudáfrica de la Copa Mundial de Rugby de 1995, utilizada por Mandela como instrumento político para unir socialmente al país.
Un guión pobre no impide que un director con tanto tacto como Eastwood y un Morgan Freeman que lo clava, logren hacer una película interesante y una historia increíble. El personaje de Nelson Mandela es inspirador como toda la película en general. Sin duda, Mandela fue una persona que nos hizo muy felices.
9. El mayordomo (2013)
La ley estaba contra nosotros, cualquier blanco podía matarnos sin ser castigado.
Director/a: El director afroamericano Lee Daniels se pone a los mandos de esta obra, conocido por dirigir la maravillosa Precious y crear la serie de televisión Empire.
Reparto: Protagonizada por Forest Whitaker, que lo borda en su papel de Cesil Gaines. El resto del reparto principal lo completan Oprah Winfrey, dejando a todos alucinados con sus facetas actorales; y John Cusack encarnando al Presidente Nixon. En papeles más secundarios tenemos a Jane Fonda, Cuba Gooding, Jr., Terrence Howard e incluso a Lenny Kravitz, conocido principalmente por ser músico.
Trama: El mayordomo está basada en hechos reales, llevando a la gran pantalla la vida de Eugene Allen, mayordomo jefe de la casa blanca desde el año 1952 hasta el año 1986, trabajando con ocho presidentes y siendo testigo directo de la historia política y racial de los Estados Unidos.
La mayoría de las películas que veremos en esta lista tienen un enfoque revolucionario o rompedor de las leyes establecidas, como no podía ser de otra manera. El mayordomo es un punto de vista diferente, mucho más cercano a esos políticos de la época racista de los Estados Unidos. Cecil Gaines es un personaje tan interesante que una solo película se le queda corto. Lo valioso de la película no está en su lado sensible, sino en el lado sociocultural y en los testimonios y reflexiones del llamado negro más importante de la casa blanca. Las luchas internas consigo mismo y las externas con su familia u otros miembros de la comunidad negra sostienen el tono melodramático de la obra como alguien aparentemente sumiso pero que hizo un gran labor para romper los estereotipos de la época sobre las personas de color.
8. Criadas y señoras (2011)
Tú eres buena, tú eres lista, tú eres importante.
Director/a: Tate Taylor dirige y escribe esta película, adaptando la novela homónima de Kathryn Stocket. La película fue un rotundo éxito de taquilla y logró para Octavia Spencer el Oscar a Mejor Actriz de reparto.
Reparto: Protagonizada por Emma Stone como Skeeter, Viola Davis como Aibileen Clar y Octavia Spencer como Minny Jackson. El resto del reparto lo forman Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain y Allison Janney entre otros actores y actrices.
Trama: Ubicada en la Mississippi de los años 60, narra la vida de Skeeter, una joven que sueña con convertirse en escritora mientras que trabaja como columnista en un pequeño periódico local. Una vez que vuelve a su pueblo de origen, decidirá escribir un libro sobre relatos y vivenciasde las mujeres negras que trabajan como sirvientas para las familias de clase alta, teniendo que soportar todo tipo de discriminación por su color de piel.
La película cuenta con numerosos defectos como una caricaturación y simpleza excesiva de algunos personajes blancos, además de un uso de elementos cómicos que resultan histriónicos y chirriantes en ocasiones. A pesar de esto, Viola Davis y Octavia Spencer logran unas actuaciones fantásticas y la película crece cuando aparecen. La película resulta encantadora, entretenida y logra un buen resultado general.
7. Figuras Ocultas (2016)
Cualquier avance de una de nosotras es un avance para todas.
Director/a: Figuras Ocultas está dirigida por Theodore Melfi, adaptando la novela homónima de Margot Lee Shetterly.
Reparto: La película está protagonizada por Taraji P. Henson, Octavia Spencer y a Janelle Monáe encarnando a las tres jóvenes protagonistas. En el resto del reparto tenemos caras tan conocidas como Kevin Costner y Kirsten Dunst.
Trama: Inspirada en hechos reales, la película narra la vida de tres brillantes matemáticas y mujeres afroamericanas que trabajan en la NASA de los años sesenta. A pesar de la importancia de estas y otras mujeres negras para realizar cálculos matemáticos en proyectos tan importantes como el Apolo 11 y el Proyecto Mercury, sufren todo tipo de discriminaciones por su color de piel.
Una historia increíble y olvidada sobre la segregación racial que merecía una película. La película peca de simpleza en ocasiones, pero resulta entretenida, emotiva y está narrada con buenas intenciones. Lo mejor: las tres personajes protagonistas y sus interpretaciones. Un precioso homenaje a negras, científicas y mujeres en general.
Director/a: Escrita y dirigida por Jordan Peele siendo su primera película, con la que además logró el Premio Oscar a Mejor guión original. Si te suena quizás es por su carrera como actor en series como key & Peele y Fargo.
Reparto: Daniel Kaluuya (Black Panther), Catherine Keener, Allison Williams y Bradley Whitford entre otros.
La película narra el momento en el que Chris, un joven negro, va a pasar un fin de semana con la familia de su novia Rose, para conocerlos por primera vez. Aunque al principio todo parece ir bien, cuando pase un tiempo a Chris le parece incómodas algunas situaciones y el comportamiento de sus suegros, debido quizás a la relación interracial que tiene con la hija de estos.
Intrigante, irónica y terriblemente divertida en ocasiones. Déjame salir es ingeniosa y brillante, resultando incluso incómoda a muchos, demostrando que aún queda mucho por hacer contra el racismo aún en estados días.
5. Distrito 9 (2009)
Se convirtió en la mercancía más valiosa de la Tierra.
Director/a: El sudafricano Neil Blomkamp nos trajo esta cinta que supuso su ópera prima en el año 2009, adaptando su cortometraje Alive in Joburg del año 2005. Peter Jackson produjo la cinta, entregando 30 millones de dólares para que Neil dirigiera una película. Más tarde sacaría películas como Chappie o Elysium, que aunque resultaban interesantes no llegaron al nivel de Distrito 9.
Reparto: La cinta está protagonizada por Sharlto Copley, Robert Hobbs y Jason cope.
Ubicada en Johannesburgo en el año 2010, 28 años después de que llegara una nave alienígena al lugar. Una vez que tienen contacto la raza alienígena y la humana, estos los encierran en el Distrito 9, formando un gueto.
La película está rodada en chabolas auténticas de Johannesburgo, lugar dónde vivió Neil Blomkamp durante el apartheid, por lo que es fácil ubicar la crítica social que tiene la cinta. Es una película diferente, ya que la mayoría de películas sobre racismo son sobre discriminación entre humanos, y en la mayoría de películas sobre alienígenas estos son villanos que quieren arrasar con nuestro planeta o en caso de ser pacíficos son tan superiores a nosotros que no podemos hacer nada contra ellos, como hemos visto en películas como La llegada o Encuentros en tercera fase. Distrito 9 trata el racismo intergaláctico, siendo los monstruos una metáfora sobre los marginados. Además, su grabación como falso documental le sienta muy bien.
4. American History X (1998)
Maté a dos tíos. Los maté y no hizo que me sintiera distinto. Sólo me perdía más aún. Y ya estoy harto de estar cabreado; estoy harto.
Director/a: Tony Kaye dirigió esta película, su ópera prima en el año 1998. A pesar del éxito de la película, este director solo estrenó una película más, concentrándose más en dirigir cortometrajes, documentales y en el teatro.
Reparto: Inolvidable el papel de Edward Norton como Derek Vinyard, acompañado de un joven Edward Furlong que unos años antes arrasó como John Connor en Terminator 2. El resto del reparto está formado por Beverly D´Angelo, Jennifer Lien, Ethan Suplee y Fairuza Balk.
Derek es un neonazi que es encarcelado por el asesinato de un hombre negro. Cuando sale de la cárcel, tiene que convivir con su hermano pequeño que lo ve como un modelo a seguir. Él intentará evitar que su siga el mismo camino que él.
La actuación de Edward Norton es una barbaridad. ¿Qué ocurre con tu pasado cuando lo ves, no te gusta y no lo puedes cambiar? Derek es un personaje terrible pero muy buen construido en tres diferentes etapas, sin Norton la película no funciona y mostraría visiblemente sus defectos. Aún así es una película difícil de olvidar, consigue empapar al espectador de tensión y crudeza. El odio solo genera más odio.
3. 12 años de esclavitud (2013)
Ningún hombre de conciencia; puede dar con el látigo a una persona día tras día, sin destrozarse a sí mismo.
Director/a: Dirigida por Steve McQueen, quien ha estrenado la película Viudas hace escasos meses. 12 años de esclavitud se llevó 3 Premios Oscar: Mejor película, Mejor guión y Mejor actriz secundaria.
Reparto: En el papel protagonista como Solomon Northup tenemos a Chiwetel Ejiofor, así como a Michael Fassbender, Benefict Cumberbatch, Paul Dano y Lupita Nyong´o entre otros.
Trama: Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de Solomon Northup, un músico negro de la Nueva York de 1850. Solomon es secuestrado y vendido como esclavo en una plantación de Nueva Orleans. Allí podrá vivir en su propia piel el horror del racismo y la esclavitud de la época.
Todo está bien en esta película, la dirección y las interpretaciones -que no son pocas- son notables. Una tragedia, una película de terror sin sustos y un retrato terrible de la esclavitud con un mensaje de superación inquebrantable del protagonista.
2. Matar a un ruiseñor (1962)
Matar a un ruiseñor es un grave pecado, porque lo único que hacen es cantar para alegrarnos.
Director/a:Robert Mulligan adaptó esta película de la clásica novela hómonima de 1960 de Harper Lee, que llegó a ganar el Premio Pulitzer. La película llegó a ganar 3 Premios Oscar, incluido el de Mejor Actor para Gregory Peck.
Reparto: En el papel del gran Atticus Finch tenemos a Gregary Peck, y a Mary Badham y Phillip Alford como su hija Scout y su hijo Jem respectivamente. El resto del reparto está formado por James Anderson, Robert Duvall y Rosemary Murphy entre otros.
Ubicado en la zona sureña del Estados Unidos de los años de la Gran Depresión, narra la defensa del abogado Atticus Finch a un hombre negro que es acusado de violar a una chica blanca. A pesar de que parece clara su inocencia, el resto del pueblo parece condenarlo por su color piel y no por sus supuestos actos.
Matar a un ruiseñor es una obra maestra, una película valiente y extremadamente liberal en su momento. Se estrenó en un época en la que las personas de color aún sufrían toda clase de discriminación y violencia. Fueron muchos los actores y directores que rechazaron participar en la película, cuyo estreno causó una gran controversia pero igualmente inspiró a muchos otros. Atticus Finch y sus hijos son maravillosos, todos están perfectos. Ellos y sus valores son los verdaderos protagonistas de la película.
1. La lista de Schindler (1993)
Me habrían dado dos personas por el alfiler, por lo menos una, una más.
Director/a: En el año 1993 Steven Spilberg estrenó esta obra maestra, y no fue la única, ya que ese mismo año llegó Jurassic Park. Se basó en la novela llamada El arca de Schindler de Thomas Keneally, y Steven Zaillian se encargó del guión.
Reparto: En los principales papeles tenemos a Liam Neeson como Oskar Schindler, a Ralph Fiennes como el oficial de la SS Amon Göth y a Ben Kingsley como el judío Itzhak Stern.
Basado en hechos reales, la película narra la historia de Oskar Schindler, un hombre que gracias a sus relaciones con nazis logra obtener la propiedad de un fábrica de Cracovia, dónde tendrá cientos de empleados judíos, con los que empezará una relación cada vez más cercana y se dará cuenta de la barbarie nazi.
La lista de Schindler no solo me parece la mejor película que ha hecho sobre el racismo, sino una de las mejores películas que se han estrenados en las últimas décadas. No creo que haya muchas películas que hayan mostrado de manera más realista el holocausto. Rodada en blanco y negro, casi en tono documental, una maravillosa banda sonora y un reparto de lujo hacen de esta obra muy difícil de superar. Una auténtica obra maestra.
Buenas, queridos lectores. Sí, antes de que fisgonees en google si lo que acabas de leer en el título existe; te diré que sí. Y de hecho no es como si estuviese revelando nada nuevo, por que lo cierto es que existen desde hace bastante y tienen relativo éxito. Básicamente son como telenovelas pero asiáticas, con sus propios temas recurrentes (romance), sus características únicas y sus ridiculeces y cutrería propia. Pero vayamos con aquellos cuyos ojos aún son puros y no han visto ninguna de estas maravillerribles series.
Para que os hagáis una idea, estos Doramas suelen ser adaptados miles de veces por distintos países, porque cada uno quiere su propia versión con características aparte. Y muchas veces estos suelen ser adaptaciones de un manga o de otra obra. Para ejemplificar este maravilloso mundo, que funciona tan a parte del nuestro que da miedo, cogeremos la versión japonesa de una serie archiconocida: Beso travieso en Tokio. Si el nombre ya os ha parecido como para echar a correr y a) no mirar atrás b) ir corriendo al ordenador y abrir Netflix, donde están sus dos temporadas, debéis prepararos psicológicamente para lo que se avecina.
Empezaremos por el argumento, para que os echéis unas risas: Kotoko es una chica de preparatoria a la que nada se le da bien. Es tonta, no especialmente guapa, no tiene habilidades especiales y de hecho está en la clase F, la de personas menos dotadas en un prestigioso colegio. Pero Kotoko es alegre, entusiasta y cabezota, por lo que no se deja intimidar por las pocas posibilidades que tiene de ser correspondida por Irie, el chico más guapo del instituto, que es un genio y al que nada se le da mal. Cuando le intenta dar una carta de amor delante de todo el instituto, Irie ni siquiera la acepta y acompaña su antipatía con un comentario de una mala baba considerable. Kotoko, destrozada vuelve a casa, pero no espera los acontecimientos que ocurrirán después: en primer lugar, su casa es incomprensiblemente derribada de techo a cimientos por una pequeña estrella fugaz. En segundo; reciben la llamada de un bueno amigo de su padre del que hacía tiempo no sabía nada para socorrerles y que se queden a vivir a su casa. Y en tercer lugar, el hijo de dicho buen amigo es nada más y nada menos que Irie. En ese momento Kotoko se da cuenta de que a pesar de que Irie es un cabronazo ella está perdidamente enamorada de él desde que le vio dar un discurso y sin que mediaran palabra.
¿No está mal, verdad? Bueno, pues esto, señores, acaba de comenzar. La historia es 100% lo que promete la sinopsis, y de hecho la gracia es que Kotoko es una chica cuya único buen atributo es que es buena persona y alegre mientras que él es lo contrario. Bueno, en realidad se supone que él también es buena persona pero un tipo frío. Así que tenemos a un ser humano que casi no es funcional de protagonista y a un asqueroso de co-protagonista. Maravilloso. Y lo más increíble para nuestros estándares es que aquí no hay mensaje final ni una vuelta de tortilla tipo: ella era tan buena como él, pero no se tomaba las cosas enserio, no. A los japoneses esto les parece correcto y la serie entera va de cómo Kotoko aplica la ley de pico y pala dedicando su vida únicamente a que Irie le quiera. Pero hasta los extremos más humillantes. Y encima si me dices que por lo menos Irie es un chico amable, bueno y que se porta bien con ella además de ser perfecto, pues bueno, aún, pero realmente se esfuerza por ser un monstruo con ella.
Pero que no se malinterpreten mis palabras, esta serie realmente me ha encantado. La he disfrutado. ¿Porqué? Bien sencillo, por que realmente es fascinante, como si te metieses en un mundo cuyas reglas de la física funcionan de otra manera. A lo Prison School, ésta es una serie donde lo estás pasando bien y te estás odiando por ello. Y ojalá sólo fuese por los ideales tan diferentes a los nuestros, que nos podrían parecer ofensivos, pero no. Es que encima es mala, pero con ganas.Aunque realmente es tan distinta que no sé si podríamos decir que es mala.Ejemplo: parece que ser buen actor en Japón consiste en ser lo más histriónico posible, y riéte tú de Jim Carrey. Las caras más exageradas, más caricaturescas, más sin sentido, junto a movimientos antinaturales e increíbles y efectos especiales la mar de cutres, cosa que parece no importar, es allí lo más de lo más.
Además en los Doramas pasa algo gracioso de ver, y es que parece que los Japoneses, por otra parte como podemos ver en su empeño constante de adaptar mangas a live-action, no ven muy bien la distinción entre medios. Me explico: los Doramas, si bien es cierto que tienen intención humorística (los hay dramones que te mueres también), incluso en los momentos de máxima tensión viven todo y actúan como si estuviesen en un manga. Ejemplo: un tenista cambia de personalidad y se vuelve una especie de Saiyan cuando coge un objeto. Bien, esto es algo que queda bien en un cómic o en un anime, porque es un dibujo. Pero representar eso mismo con personas reales y con efectos especiales pues no es lo mismo. O como cuando un personaje sigue a otro por la calle: pues veamos, si esto sucede en la vida real la persona no lo hace con una cámara fotográfica a 2 m de distancia y con gafas de sol. Ejemplos así constantemente. Literalmente es ver un anime pasado a vida real plano por plano, con imitaciones de las caras de los dibujos animados, con sus gestos, sus tempos de movimiento. Es horrible, pero al mismo tiempo algo realmente maravilloso, disfrutable. Porque no creáis, luego éstos actores son reconocidos de manera nacional como grandes actores, y reciben premios. Supongo que la razón por la cual tienen sus propias industrias cinematográficas, que mueven gran cantidad de dinero, se debe a que sólo ellos se entienden bien y tienen una forma distinta de valorar las actuaciones o maneras de concebir las películas y series. Recientemente lo mismo pasaba con la musical, pero el K-Pop y el J-Pop han conseguido hacerse un hueco en Occidente, cosa que dudo que ocurra con los Doramas.
En cualquier caso, después de descubrir todo esto, ¿sentís curiosidad? ¿Le echaréis un vistazo? Contadme en los comentarios y sed felices.
Bienvenidos trekkies una semana más a un nuevo capítulo de nuestra serie favorita. Bienvenidos a Star Trek Discovery. Hoy continuamos la temporada 2 con el capítulo 3 titulado: Punto de luz.
Lo sabía, lo llevaba advirtiendo en los primeros capítulos y todas mis pesadillas se volvieron realidad. Ash vuelve y a lo grande. Por dios que coñazo de personaje. Y eso ya me fastidia el capítulo.
Y sigo repitiendo lo de todas las semanas: No sigáis leyendo si no habéis visto el capítulo porque os vais a enterar de muchos spóilers.
De pronto pongo el capítulo y veo al tal Ash con una barba indigna y con los Klingons. ¿Pero esto que es? ¿Qué está pasando aquí? Pero tranquilos que eso lo trataré al final del artículo porque ahora me voy a centrar en otro tema, en Michael y Spock.
Y empezamos con el enigma de las 7 explosiones en la galaxia, que se va tratando como fondo en todos los capítulos. Solo que ahora sabemos que está conectado con Spock puesto que las dibujó en su tableta mucho antes que se produjeran. ¿Y que pasa ahora? Que la madre humana de Spock (el padre es Sarek, un vulcano y Spock es por tanto medio humano) se teletransporta a la Discovery para encontrarse con la única persona en la que confía, su hija adoptiva Michael. ¿Por qué le llaman Michael? ¿Nos les gustaba un nombre de mujer para una mujer? Ese es otro misterio aún sin resolver. Pero atención al detalle. La madre de la prota, Amanda Grayson le da a Michael un… un pendrive del futuro para que lo desencripte y vean que ha pasado realmente con Spock. ¿Y sabéis que hacen? Van directamente al capitán Pike, que si, que es majete y tal, pero van para que les de permiso para que lo desencripte. Y a todo esto, parece que la posesión de ese pendrive no es del todo legal. Qué es robado vamos. En definitiva, otra gilipollez más que no venía a cuento.
Pike y sus «consejeras»
Y como acusan al buenales de Spock de un doble asesinato para escapar de un centro psiquiátrico, Pike que le tiene en mucha estima y haciendo caso a la madre del prófugo y su hermana, les ayuda. Atención a este dato. Pike en ningún momento duda, mantiene una especie de sonrisa picarona como diciendo que sabe que Spock es totalmente inocente (sin pruebas a favor y en contra) y ayuda a una persona acusada de un doble asesinato gracias en parte a sus dos consejeras, la madre y la hermana del fugitivo. Si tuviera una tercera voz sería el padre, seguro. Total y en definitiva, Pike demuestra ser un capitán cuanto menos imbécil, porque sí, los espectadores sabemos que Spock es inocente, porque estamos fuera de la serie, pero si fuéramos parte de la tripulación por lo menos tendríamos nuestras dudas.
Y antes de cambiar de trama, investigando y hablando madre e hija se dan cuenta que Spock vio al ángel rojo (y aquí hago referencia al capítulo 2), cuando era niño. Por tanto parece que finalmente ese ser o lo que sea no es el propio Spock embutido en un traje futurista o rompetiempos, sino otra cosa que aún no hemos visto. Espero que toda esta trama tenga un desarrollo digno y sobretodo una resolución acorde con la serie. Y lo estoy diciendo en serio. Sólo faltaba que después de todos los capítulos donde se está tratando este tema (y los que quedan) todo esto acabara como el rosario de la Aurora.
¿Os acordáis de la alférez Tilly? Pues os comento dos anécdotas rápidas. La primera es que con bastantes kilos de más gana una carrera a gente mucho más en forma. ¿Qué tampoco es tan raro? ¿Qué es posible? Pero es que encima les da una ventaja final porque se queda hablando con su «fantasma» para luego remontar. Mirad, yo no digo que no pueda ganar, pero es que se supone que los demás cadetes están entrenando como ella o más, para ser oficiales. Además para una actividad física como una media maratón (ojo, media maratón nada más y nada menos) los kilos de más importan y es más, y si encima te paras antes de la meta para hablar con una colega y dejas que te pasen todos los demás ¿como es posible que Tilly gane? Pues yo os lo digo, hace un sprint tipo Usain Bolt. Otra ridiculez más. Pero sigo, sigo que esto no acaba. Finalmente deducen que ese «fantasma» es un virus o bacteria que se le acopló a la alférez por las esporas para finalmente sacarlo de su cuerpo serrano. Y fin. Bueno, espero que ahonden más en este tema y en ese ser, porque puede dar para más.
La carrera de Tilly que deja en ridículo a Usain Bolt
Y luego queda lo de Ash que se supone que es lo más importante y por eso lo he dejado para el final. Ash con barba de dejado me da peor sensación que en temporada 1. La recreación del mundo de los Klingons parece Mordor pero al menos no es de cartón piedra y en eso avanzamos respecto a las series más antiguas. Pero os resumo rapidito que el artículo se está haciendo muy largo. Después de algunos rifirafes con alguna casa que no ve bien que un humano que llora mucho, blando y con barba de ZZ Top que se tira a la regente de su imperio, sea el segundo al mano, nos enteramos que Voq (que es el propio Ash pero en su parte Klingon) y L’Rell han tenido un hijo. Eso si, es un recién nacido. A esto se llama retrohistoria o lo que es lo mismo, cambiar un dato del pasado metiendo otro y diciendo: eres tonto porque no te has enterado.
El regente de esa casa traviesa está apunto de matar a nuestro odiado humano y a la regente L’Rell, pero en ese instante aparece la emperadora terrana de la otra dimensión (la que era Phillipa pero en mala) y se cepilla como si fueran malas hierbas a todo Klingon rebelde. Pero todo tiene un precio. L’Rell se queda como la madre del imperio Klingon (y todos le aceptan) porque se ha librado del humano que le hacía débil y de su hijo. Se ha librado matándolos y para ello enseña la cabeza cortada de ambos antes de lanzarlos al fuego. Gracias a este acto L’Rell se consolida como la líder de todo el sistema Klingon a cambio de perder a su hijo y su amante o lo que es lo mismo, sus puntos débiles. Lo del hijo ni idea, pero lo del amante es lo mejor que le ha podido pasar a esa señora. Felicidades L’Rell.
Ash junto a su barba, el bebé y la ex emperadora
Pero no, Ash y el niño siguen vivitos y coleando a bordo de una nave camuflada de la Federación donde la ex-emperadora (Phillipa) es la voz cantante. Pero es que se descubre que es una especie de Guardia Pretoriana o algo así, una especie de GEO o SWAT de la Federación llamada la Sección 31, donde las insignias son negras. Y el capítulo acaba con Ash dejando al niño al cuidado de una especie de monjes, de no se que planeta, para que lo cuiden y le guíen por el camino correcto.
En definitiva, que volveremos a ver a esta Sección 31.
Sin más me despido por esta semana. Espero que de verdad os haya gustado este capítulo y espero vuestros comentarios como todas las semanas.
¡¡¡¡Ayy los mutantes!!! Como nos duelen los mutantes a los fans de Marvel en general y los X-Men en particular. Está claro que la editorial no sabe muy bien qué hacer con los que hasta hace relativamente poco eran sus personajes estrellas. Los mutantes han tenido (sufrido) varios relanzamientos que van desde lo intrascendente (su última etapa con los colorines Gold, Red, Blue) a lo directamente infumable (el enfrentamiento contra los Inhumanos).
El principal problema es que hay demasiados personajes siempre en danza. Demasiados grupos de mutantes, sin que sepamos muy bien cuál es la colección principal y sin que a fin de cuentas haya demasiadas diferencias entre unas series y otras.
En mi opinión es necesario un reseteo total. Un nuevo punto de partida. Cuando Bendis se hizo cargo de los Vengadores muchos se echaron las manos a la cabeza con su primera historia (Desunidos) y con sus primeras ideas (meter a Lobezno o Spider-Man en los Vengadores). No estoy defendiendo esas ideas de por sí, lo que digo es que tal vez el cosmos mutante necesite una sacudida de este tipo, y algo que sea continuado en el tiempo (recordemos todo el tiempo que se tiró Bendis al frente de la colecciones de los Héroes más Poderosos de la Tierra). No vale con entregar los guiones a un buen guionista con ideas rompedoras para haga una gran etapa (como se hizo con Grant Morrison), si al poco tiempo volvemos otra vez a tener las mismas historias repetidas.
Después se ha recuperado la mítica cabecera “Uncanny X-Men” para poner orden en el resto del rincón mutante a través de una gran saga titulada… X-Men Desunidos, todo un alarde de originalidad. Pero al menos en el último número publicado de dicha colección se ha producido un gran (más bien enorme) sacudida que pone patas arribas el universo mutante.
Y como consecuencia nos llega Age of X-Man, un nuevo evento mutante que nos traslada a una realidad alternativa en la que los mutantes han conseguido triunfar sobre todo y se vive en un mundo feliz en el que el sueño de Xavier de la convivencia pacífica entre humanos y homo-superiores es un hecho.
La vida perfecta de los X-Men
Y volvemos otra vez a buscar inspiración en el pasado. Este evento no es más que una vuelta de tuerca de la famosa Era de Apocalipsis (el homenaje está presente en el título e incluso el personaje que hace que estas dos realidad alternativas surjan es el mismo). La única diferencia es que si en esa ocasión estábamos ante una realidad oscura y deprimente en la que el mal había triunfado, ahora tenemos una versión del mundo brillante y feliz en la que los mutantes (buenos) han ganado (algo que también habíamos visto en Dinastia de M).
El pistoletazo de salida de salida del evento lo tenemos con un especial Alfa (¿os suena?) a cargo de Zac Thompson y Lonnie Nadler en los guiones y Ramón Rosanas a los lápices. Los escritores nos presentan una realidad donde los X-Men son los héroes de todo el mundo y la coexistencia pacífica entre humanos y mutantes es algo que se ha conseguido a través del sacrificio de varios personajes (Xavier, Logan, Scott…).
Pero no todo es de color de rosa en este nuevo mundo. Para conseguir la felicidad hay que hacer sacrificios, uno de los cuales es el amor. Si amigos, las relaciones interpersonales (emocionales y físicas) están prohibidas y los nacimientos se hacen a través de procesos científicos. Pues vaya aburrimiento pensareis, y no sois los únicos. Jean Grey y Bishop son (una extraña) pareja que vive su amor a escondidas hasta que son descubiertos con funestas consecuencias. Y como en la era de Apocalipsis Bishop sabe que algo anda mal, que esta no es la realidad correcta…
Lo mejor del comic es sin duda el apartado gráfico. Y es que no solo el dibujo está muy bien, con una lograda línea clara y unas buenas versiones alternativas de todos los personajes. Además hay un claro trabajo de ambientación de la historia que enlaza con la idea del mundo feliz. Esta nueva realidad parece enmarcada dentro del ambiente de los felices años 50-60 de los EE UU. Los coches, las localizaciones (dejando de la lado algunos aspectos más sci-fi), las ropas… Todo nos retrotrae a esa época, casi como si tratara de un cruce entre los X-Men y Grease y me parece un gran detalle de ambientación.
Los felices EE UU de Age of X-Man
Pero como se puede comprobar todo suena a visto. Una nueva realidad alternativa, un mundo feliz que en realidad no lo es tanto, múltiples versiones alteradas de los personajes que conocemos. Da un poco de pereza volver a enfrentarse a todo esto, más si cabe cuando vamos a tener varias colecciones enmarcadas en esta realidad para ir conociéndola más a fondo (siento ser pesado pero… otra vez como la Era de Apocalipsis).
Las colecciones de este nuevo evento
Las realidades alternativas siempre son algo agradable de leer, pero me parece que este no era el momento en que Marvel debía apostar por una nueva para los mutantes. Ya he comentado que creo que hace falta una buena sacudida y sobre todo originalidad, no estar repitiendo los mismos esquemas una y otra vez. Pero en fin, ya veremos cómo se va desarrollando la historia y que consecuencias nos trae.
¨ Batman está muy bien para salvar el Mundo pero si le invitas a una fiesta te la amarga ¨. Esta broma circulaba por las redes y los entornos de lectores de cómics hace algún tiempo. Y tenía su trasfondo de verdad pues el carácter del Caballero Oscuro nunca ha sido unas castañuelas. Sin duda el trauma infantil de ver morir a sus padres conformaron al héroe ( algo parecido a lo que le pasó a mi amado trepamuros ) pero la cosa no ha quedado ahí. A lo largo de su periplo Batman no ha parado de recibir envites del destino en forma de tragedias personales y muertes de sus seres más allegados cada dos por tres. Ahora parece ser que llega una nueva bofetada para el hombre murciélago pues parece ser que le han hecho ver cómo su amada Catwoman es asesinada delante de él y yo digo basta.
En el número 63 de Batman donde el vigilante de Gotham vive una vida de ensueño casado con Selina hará una aparición estelar nada menos que John Constantine. El controvertido mago avisará a Batman de que todo lo que está viviendo es fruto de una quimera orquestada para hacerle sufrir lo indecible ya que acabará con la muerte de su esposa. Parece ser que el bueno de Bruce se niega a creer que la tan ansiada felicidad se le vaya a escurrir de nuevo entre los dedos y no hace caso al hechicero. Por desgracia para nuestro héroe todo lo que Constantine le avisó se produce y Batman presencia delante suyo la muerte por disparo del amor de su vida.
En la serie Billions un personaje dice ¨ Me gustan las pesadillas, cuando despierto valoro mucho mi realidad ¨. Seguramente será el enfoque que DC intentará dar a los números venideros pero en la realidad el daño psicológico y sentimental sería brutal. Continuamente se está castigando al personaje con este tipo de situaciones y creo que se debería destensar un poco esa cuerda pues no hay cuerpo ni cerebro que lo resista. Ni siquiera un héroe del papel y a mí como lector también empieza a cansarme un poco. El guerrero necesita un reposo. Y una recompensa de vez en cuando. El carácter atormentado es una característica de Batman pero tampoco estaría de más que de vez en cuando se le permitiera un horizonte de felicidad. Sin muertes trágicas, sin torturas, sin daños mentales irremediables. Obviamente tienen que surgir dificultades para que la historia esté entretenida pero creo que con Batman DC se ceba en demasía.
La tragedia crea héroes. Lo vemos con frecuencia. Más a menudo de lo que me gustaría. Pero así es. Ahora bien, la tragedia también sepulta a los mismos iconos que se levantaron tiempo atrás. En el cómic casi todos los personajes que luchan por servir y proteger a los inocentes han pasado por un momento traumático que les cambió para siempre. Un momento o dos. Luego como ya he dicho surgen dificultades pues si no todo esto sería muy aburrido. Pero Batman se lleva la palma. Tanto dolor no es sostenible. Ni siquiera para el hombre murciélago. Parece como si en la cúpula de DC estuviera sentado una especie de sádico que cuando está aburrido se dice a sí mismo ¨ Vamos a torturar a Batman un poco más ¨. Vamos a darle un respiro al vigilante. También es entretenido ver felices a nuestros héroes y de paso se lanza el mensaje teñido del karma en el que cuando haces lo correcto todo este bien te es devuelto como agradecimiento. Yo como lector agradecería ese descanso de malas noticias. Ya habrá tiempo para que las cosas vuelvan a complicarse pero unos cuantos finales felices no vendrían mal a estas pupilas arrasadas por el fuego de la tragedia. Batman es un icono que se basa en el trauma infantil de la pérdida de los seres queridos. Pero ese trauma no necesita ser alimentado por otros nuevos. Que DC no se preocupe por eso. Batman nunca olvidará aquella noche en aquel callejón. Nadie podría. Y seguirá luchando noche a noche para empañar con su buen hacer el recuerdo que le atenaza. Bastante carga tiene ya como para ponerle una roca más en la espalda cada dos por tres. Ni Sísifo podría con ello.
Ya tenemos las novedades del mes de Marzo de Medusa Cómics. Como siempre esta pequeña gran editorial española nos ofrece material selecto.
El pdf después del texto que nos ha facilitado la editorial.
EOs escribo para presentaros el nuevo boletín de novedades con los lanzamientos de Medusa Cómics para el próximo mes de marzo.
Como siempre, os hago hincapié en los principales títulos:
-EUTANAUTAS
Es un nuevo cómic del sello americano Black Crown (IDW) que refuerza nuestra línea de cómic independiente americano fuera de Valiant. Lo publicaremos en tapa dura en el mismo formato que otros cómics del mismo sello que hemos lanzado anteriormente (Kid Lobotomy o Punks not dead).
Es una historia muy original en la que se nos presenta a los eutanautas, que son como astronautas pero que pueden cruzar la línea entre la vida y la muerte gracias a un traje especial. Cuenta con un dibujo espectacular y ha sido una de las sensaciones del cómic independiente americano de los últimos meses.
-FINAL DE HARBINGER WARS 2
Con la grapa de Epílogo terminamos este evento del Universo Valiant que nos ha tenido en vilo los últimos meses. A partir de aquí se abren nuevos caminos que exploraremos en el futuro.
-BRITANNIA 3
Nuestra serie en tomo más vendida del Universo Valiant vuelve con un tercer volumen que nos lleva hasta el antiguo Egipto. Mezcla de ambientación histórica y misterios sobrenaturales, la serie de Britannia ha sido un éxito rotundo tanto en su publicación en inglés como en castellano.
Te saludo otra semana más y te traigo mis análisis de dos episodios de Saint Seiya: Saintia Shō. En concreto el capítulo 6, «¡Almas enfrentadas! Saori contra el Patriarca» y el capítulo 7, «¡Duelo del zodiaco! El hechizo de un espíritu maligno». ¡Vamos a encender nuestro cosmos, que falta nos va a hacer!
Más allá de situaciones puntuales relacionados con la trama de Saint Seiya: Saintia Shō, como el que Mayura se lleve a una derrotada Katya en el episodio 6 o que Eris regrese al final del capítulo 7 para anunciar que va a hacer exactamente lo mismo que al principio de la serie, el grueso de la trama de estos dos episodios tiene que ver con la Saga del Santuario. En dicha saga Atenea, junto a sus Caballeros de Bronce, consiguen purificar El Santuario, desenmascarando a un corrompido Saga de Géminis.
En el proceso los Santos de Bronce tuvieron que cruzar los Doce Templos del Zodiaco, custodiados por los Doce Caballeros Dorados. Tras luchar con los mismos, los Santos Dorados supervivientes, Aiolia de Leo, Mū de Aries, Aldebarán de Tauro, Milo de Escorpio y Shaka de Virgo, jurarán fidelidad a la diosa.
La Saga del Santuario fue la primera saga del Manga/Anime de Saint Seiya, obra de Masami Kurumada. La versión abreviada de dicha historia que nos ofrece Saint Seiya: Saintia Shō es 100% fiel al Manga original, demarcándose así del Anime de Saint Seiya que Toei. Toei lo producía a la vez que Kurumada escribía el Manga, lo que, en muchas ocasiones llevó a contradicciones en la caracterización de los personajes y en momentos puntuales de la trama. Eso es de agradecer. Si bien Chimaki Kuori se basa en los hechos del pasado estrictamente narrados en el Manga de Kurumada, lo cual está bien, luego introduce elementos innecesarios en la trama por repetitivos. Como que Saga, en un momento en que predomina su lado bueno, ordene a Afrodita de Piscis que secuestre a Atenea para forzarla a que lo mate. Todos sabemos que Atenea no va a hacerlo y el falso Patriarca la devuelve al Japón, acompañada por el mismo que la secuestró, el Santo de Oro de Piscis. Asistimos así a un viaje récord de ida y vuelta de la diosa a su residencia.
El que el Capítulo 7 termine con Atenea infectada por la Manzana Dorada de Eris, de forma parecida a como ocurrió en la OvaSaint Seiya: La leyenda de la Manzana de Oro, dejando su vida pendiente de un hilo, para que sus caballeros libren una carrera contra el tiempo para salvarla, como en la batalla del Santuario, no hace sino confirmar que Saint Seiya: Saintia Shō no es más que un intento por contar ambas historias de una forma más sofisticada y ordenada. Eso si, cambiando a los protagonistas originales masculinos por femeninos. Imagino que para atraer a nuevas seguidoras a Saint Seiya. ¡Pero es que Saint Seiya ya tiene un público femenino!
El problema que yo le veo es que a estas nuevas protagonistas, las Saintias, no se les está consiguendo dar el carisma de los antiguos protagonistas de Saint Seiya. A lo más parecen simpáticas contrapartidas de Los Santos de Bronces y secundarias de las tramas que homenajean porque no les queda otra, para no contradecir la historia oficial.
Uno no se quita la sensación de que para como se está desarrollando este proyecto hubiera sido mejor haber readaptado el Manga de Saint Seiya integrando la Ova de Eris en el proceso, en lugar de cambiar a nuestros héroes por sosas versiones femeninas, en una trama que no deja de ser más de lo mismo aunque mejor contando en algunos puntos. Al final sólo gana el merchandising. ¿Tú que opinas?
El carisma de un personaje no se mide únicamente por lo que se cuenta sobre él, sino por lo que tenemos que adivinar. Muchas veces, es mejor que un lector se imagine la historia de un héroe o un villano antes de que alguien se la cuente: es el caso del Joker, cuya fascinante aura depende en gran medida de los enigmas que rodean a su figura. Y, durante mucho tiempo, Lobezno se encontraba en la misma situación: se sabía que era un tipo duro y taciturno que había sufrido modificaciones en su cuerpo y que, como consecuencia de ello, había perdido gran parte de sus recuerdos. El misterio sobre su pasado formaba parte de su atractivo, y de la tragedia que rodeaba a este popular antihéroe.
Ahí está la palabra clave: popular. Por eso, como los responsables de Marvel comprobaron gustosamente, las ventas aumentan cuando aparece en una serie. Esta es la razón por la que el mutante ha formado parte del reparto principal no solo en varias series de la rama X-Men, sino en diversos grupos de Vengadores… y este es el motivo por el que, en 2001, Joe Quesada dio luz verde para que el guionista Paul Jenkins y el dibujante Andy Kubert contaran el origen del superhéroe canadiense en una miniserie de seis números. Panini ha reeditado esta historia en enero, reviviendo un tebeo cuya concepción es más que cuestionable… ¿pero qué hay de su contenido? Quédate con nosotros y te lo contamos.
La mansión de los Howlett
El primer acierto de Jenkins es alejarse de los lugares comunes del género superheroico: no veremos aquí a Apocalipsis dándose un garbeo por la Canadá de finales del siglo XIX, ni a los skrulls haciendo experimentos con los lugareños. Por el contrario, nos sitúa en una ambientación extraña para el personaje, casi de culebrón. Los protagonistas de la primera mitad de este relato son los Howlett, una adinerada familia de terratenientes. Son la envidia de la región, pero no todo es tan bonito como parece: la señora Howlett parece tener problemas mentales, y el abuelo senil de este decadente clan no aprueba el modo de vida de su hijo. A través de los ojos de la nueva sirvienta, Rose, veremos las tensiones entre el huraño jardinero, Logan, y un jefe al que desprecia profundamente.
Como comentábamos, estos primeros números tienen un ambiente de telenovela nada disimulado, lo que supone un movimiento inteligente para contar una historia distinta. Los responsables de este cómic consiguen crear un ambiente apacible en la que, sin embargo, la tensión va aumentando de forma agobiante hasta el trágico desenlace de rigor. Pobreza, tensiones de clase, maltrato infantil, infidelidades… cuando todos esos componentes exploten, Rose y el chico que acabará convirtiéndose en Lobezno tendrán que huir de la mansión. Tras este comienzo entre algodones, viajarán a un poblado minero en el que el joven mutante crecerá como persona y encontrará su lugar en el mundo… hasta que su pasado vuelva a por él.
El cachorro que se convirtió en Lobezno
Lobezno: Origen es una historia de una calidad más que notable, que logra superar el escepticismo inicial gracias a una trama algo trillada pero cuya ejecución destaca por encima de otras similares. La ambientación está realmente bien conseguida: los diálogos de Jenkins dan vida a un entorno duro y cruel en el que nuestros protagonistas tendrán que aprender a luchar por su supervivencia, y el dibujo de Kubert nos traslada al pasado con un trazo relativamente realista, teniendo en cuenta el género que estamos tratando. Las exuberantes imágenes de este cómic y el exquisito uso del color por parte de Richard Isanove hacen que la historia cobre vida, ya sea en sus escenas más apacibles o reflejando la violencia más descarnada.
En cuanto a los personajes, evidentemente, destaca Lobezno: aunque al principio no nos recuerda nada al superhéroe que conocemos, esta historieta nos muestra cómo las duras circunstancias a las que se enfrentó le convirtieron en el tipo cínico pero de buen corazón que ha cautivado a millones de lectores y espectadores a lo largo de más de cuarenta años de existencia. A pesar de su evidente protagonismo, los secundarios están bastante bien construidos: el personaje de Rose, en concreto, experimenta una evolución paralela a la de Logan, e interesante por sí misma. Más allá de esta pareja, hay personajes de todo tipo: buenos muy buenos, gente intransigente pero con buen corazón, malos irredimibles y folletinescos… pero, aunque algunos son mejores que otros, todos interpretan a la perfección su papel dentro de la trama.
Conclusión
¿Era buena idea contar el origen de Lobezno? No: este superhéroe perdió gran parte de su atractivo y de su tragedia personal al resolverse el enigma que lo diferenciaba del resto de personajes y, peor todavía, al recordar su pasado tras el evento Dinastía de M. Más allá de estos problemas, la miniserie en sí es una de las mejores historias del personaje, y podría haber sido perfectamente un guión de cine o de televisión. Habríamos ganado mucho si, en lugar de centrarse en los efectos especiales, su adaptación cinematográfica hubiera tomado como inspiración estos seis números. Un tomo excelente y autoconclusivo muy recomendable para amantes de los X-Men o para cualquier lector ocasional.
