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Parasyte: los Grises (2024). Unos bichos de cuidado.

En los primeros momentos de la serie de ciencia ficción y terror Parasyte: los Grises, vemos caer una espora del cielo en un concierto de EDM. La pequeña bolita rebota suavemente en el suelo. Parece un juguete blando antiestrés.  Y entonces brota de ella un tentáculo. Apoyándose en él, se desliza hacia la persona más cercana, salta y se cuela por su oído hasta llegar a su cerebro para tomar posesión de su cuerpo. En ese momento, la espora lo ha infectado, parasitándolo, convirtiéndolo en una criatura con tentáculos que salen de su cabeza que pone en peligro a todo el que la ve.

Así empieza Parasyte: los Grises, dejando claro de que va desde el minuto uno. La serie del director Yeon Sang-ho (Train to Busan, Hellbound, Jung_E) sigue las consecuencias de la llegada a la Tierra de una larva extraterrestre en un intento de apoderarse de la humanidad.

«Para mí, Parasyte [el manga] trata de la coexistencia«, explica Yeon a Netflix. «Así que quería que Parasyte: The Grey se hiciera eco de este tema. Me preguntaba si la gente podía coexistir pacíficamente con otros organismos o mutantes distintos a ellos.«

La respuesta a su pregunta se contesta sola… Para erradicar a estos bichitos se crea un poderoso equipo llamado los Grises. Así que la respuesta es un enorme NO, en mayúsculas y todo.

Jeong Su-in (Jeon So-nee) una joven con un triste pasado, será infectada por uno de estos parásitos después de sufrir una dura agresión por parte de un cliente del supermercado donde trabaja.

Esta circunstancia la convertirá en una mutante, ya que para poder infectar el cuerpo de Jeong Su-in, su parásito deberá salvarla primero. Al hacerlo, debilitará su poder de infectación. Así que, la joven deberá convivir con su parásito, creando una peculiar simbiosis con el ser que vive en su interior. Al mismo tiempo tendrá que esconderse de los Grises y también de los parásitos, ya que ambos quieren acabar con ella.

Parasyte: Los grises

Parasyte: los Grises. Huyendo de todos.

«Antes de conocer a Heidi (el parásito), Su-in pensaba que la gente debe estar sola… No le importaba mucho vivir o sobrevivir«, explica So-nee a Netflix sobre su papel de Su-in. «Pero después de convivir con los parásitos… piensa en lo bueno que es tener gente a su alrededor y en lo bueno que es vivir y sobrevivir. Esa transición fue muy entretenida y significativa«.

Y así es. Su-in es una joven solitaria que dedica su vida solamente a trabajar en un supermercado. El único amigo que tiene es Kim Chul-min (Kwon Hae-hyo), el detective que la rescató de las palizas de su padre después de que ella lo denunciara. Justamente ese hecho hizo que desde muy niña fuera repudiada por todos. ¿Quién denuncia a su padre…? le decían todos, incluso sabiendo que sufría malos tratos por su parte.

Ahora Su-in vuelve a verse involucrada en un hecho que la mantiene en esa soledad. Ha sido infectada por un parásito, pero no totalmente. Eso la convierte en un mutante, alguien que no es ni humano ni bicho al cien por cien. Y por ese motivo tendrá que vivir huyendo de ambas facciones que la buscan para eliminarla.

Aunque no estará sola totalmente. A ella se unirá Seol Kang-woo (Koo Kyo-hwan), un miembro menor de la banda Mangnani Gang que se ha metido en líos y ha tenido que huir refugiándose en casa de su hermana mayor, Seol Kyung-hee (Yoon Hyun-gil). El destino hará que el hombre se una a Su-in para intentar acabar con esos bichitos de ‘armas tomar’.

Parasyte: Los grises

¿Quiénes son los Grises?

Los Grises es el grupo de trabajo gubernamental asignado para eliminar todos los parásitos. Están dirigidos por la fría oficial de policía Choi Jun-kyung (Jung Hyun Lee). Una mujer que ha perdido la empatía, y que considera que cualquier persona infectada tiene que morir por el bien de la mayoría. Esto la llevará a perseguir sin piedad a Su-in.

«Ella es profesora en la academia de policía y una perfiladora muy conocida«, dijo a Netflix la actriz Jung-hyun, que interpreta a Jun-kyung. “Después de perder a su marido a causa de los parásitos, ella pasa por un cambio completo. Desde entonces, casi siente que matar los parásitos es un juego”.

¿Pero por qué se llama grises ? Yeon le dijo a Netflix que el color hace referencia a las naturalezas competitivas de los agentes especiales del equipo: aquellos que revelan su identidad y aquellos que se ocultan y trabajan en las sombras. «Gris podría significar la mezcla de estos dos tipos diferentes de agentes«, dijo Yeon. «Es por eso que llamamos al grupo de trabajo Gris«.

El color también significa la dualidad de la convivencia. “La obra original habla sobre el tema de la convivencia, y queríamos profundizar en esa idea de convivencia entre personas, seres humanos y parásitos”, continuó Yeon. «Y el personaje principal, Su-in, también se encuentra en la zona gris entre el mundo humano y el mundo de los parásitos«.

Parasyte: los grises y su relación con el manga.

Parasyte: Los grises está basado en el manga Parasyte del autor japonés Hitoshi Iwaaki. Si bien la historia es original de los creadores de la serie, está ambientada en el mismo universo que el manga.

«Esta nueva historia que se desarrolla en un lugar diferente nos llevará a un mundo más allá de mi imaginación«, dijo Hitoshi Iwaaki, creador de Parasyte: los Grises, a Netflix. La serie está ambientada en una ciudad de Corea del Sur llamada Namil. Esto difiere del manga, que tiene lugar en Fukuyama, Hiroshima, Japón.

«Cuando tenía 20 años, el manga Parasyte, era un elemento básico para aquellos de nosotros que éramos apasionados por el manga y la animación«, dijo el director de la serie, Yeon. “Este es mi trabajo favorito y he sido fanático toda mi vida. Parasyte: los Grises es la culminación de mi fanboyismo”.

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Ladrón de cuerpos.

Parasyte: los Grises, es una serie de terror de ciencia ficción, pero Yeon la clasifica de manera más específica. «En términos de género, lo llamamos género de ladrón de cuerpos «, dijo a Netflix. » Ladrón de cuerpos básicamente significa que estos seres que sabemos que son muy comunes resultan ser algo completamente diferente… Parasyte: los Grises realmente lidia con ese intenso horror de descubrir eso«.

En la serie, las criaturas parásitas cambian de forma a monstruos con cara de tentáculos. «La cara literalmente se abre«, dijo Yeon. “He hecho bastantes trabajos de criaturas o géneros de monstruos, pero en el pasado, esas criaturas dentro de un proyecto particular tienden a tener una apariencia uniforme. Esta vez, cada uno de ellos es muy diferente.

Entretenida y con buen ritmo.

Parasyte: los Grises es una interesante propuesta de Netflix que tienes disponible desde el 5 de abril en su plataforma. El hecho de que solo conste de 6 episodios le da un buen ritmo a esta serie que mezcla la ciencia ficción con el terror, aunque tengo que decir que miedo, lo que se dice pasar miedo viéndola, not found. Más bien, es una intriga y suspense por no ser descubiertos, que le da a la serie una intensidad parecida a la que se encuentra en los slashers.

Gracias a esa dinámica de huida, consigue que el espectador no se aburra con largas explicaciones sobre un hecho que queda suficientemente claro en los primeros minutos de la serie. Lo cierto es que se agradece que no hayan caído en la trampa de explicar lo que sucede, y que sean los hechos y las imágenes las que nos cuenten la historia.

En ese sentido, Parasyte: los Grises es una serie entretenida que resulta muy fácil de ver. Puede que le falte gancho para hacer que el espectador se sienta atrapado en ella, cosa que no llegué a sentir mientras la estaba viendo. Pero tampoco es de esas series que empiezas y dejas a mitad, siempre que seas de los que les gusta la ciencia ficción, claro.

Parasyte: los Grises nos dejan la puerta abierta a una posible segunda temporada que promete ser más intrigante que esta primera que ha sido una presentación de personajes, con unos parásitos bien hechos y bastante repulsivos. Solo nos queda esperar para ver si se materializa o no. Sea como sea, te lo contaremos aquí.

Saludos y sed felices.

Tráiler de Parasyte: Los grises.

Megalopolis, de Francis Ford Coppola, se enfrenta a otro gran problema: la distribución internacional

Muy buenas. Este año tenemos un regreso muy esperado, el de Francis Ford Coppola con Megalopolis, su proyecto añorado durante décadas.

Crítica de The Offer. La historia del rodaje de El Padrino es una serie que no podrás rechazar

Sin estudio alguno que lo abanderase el realizador ha sacado adelante la película con un presupuesto de 120 millones de dólares financiado en parte por la venta de una parte importante de su imperio vitivinícola (según se informa, el acuerdo de 2021 valió más de 500 millones de dólares).

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El pasado 28 de marzo, en el cine Universal CityWalk Imax, se hizo un pase privado de la cinta a la que acudieron estrellas de cine como Nicolas Cage, Al Pacino, Spike Jonze, Shia LaBeouf o la hermana de Coppola, Talia Shire, entre otros. Además de grandes productores como Tom Rothman de Sony Pictures, Pam Abdy, el jefe de acción real de Disney, David Greenbaum, Ted Sarandos de Netflix y Marc Weinstock de Paramount fueron vistos; y al parecer hay una voz unánime: “Simplemente no hay forma de posicionar esta película”.

“Todo el mundo apoya a Francisco y siente nostalgia”, según dijo una fuente a THR. «Pero luego está el lado comercial de las cosas».

Otro asistente notó “un silencio notorio al final”, pero no llegó a descartar la película como un ejercicio fallido. “¿Se tambalea, deambula, se mueve por todos lados? Sí. Pero es realmente imaginativo y dice algo sobre nuestro tiempo. Creo que será un sello pequeño y especializado [el que se haga cargo]”. En definitiva la cinta se considera demasiado «experimental» y «no lo suficientemente buena».

¿Cuál es el problema al que se enfrenta en estos momentos? La película necesita ahora una inversión de 100 millones en marketing para su distribución internacional y no parece que ninguna de las grandes esté dispuesta a correr ese riesgo.

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Hollywood ha cambiado y los directores como Coppola, Scott o Scorsese hace tiempo que no son reclamos de las grandes taquillas. La industria busca ahora lo comercial y las franquicias, el éxito fácil, aunque para ello sacrifiquen a vacas sagradas como Ford Coppola que dejó el cine hace ya varios años.

Ahora ha vuelto porque este proyecto es muy personal para él. Con una duración de dos horas y 15 minutos, la película sigue la reconstrucción de una metrópoli después de su destrucción accidental, con dos visiones contrapuestas, una de un arquitecto idealista (Adam Driver), la otra de su pragmático alcalde (Giancarlo Esposito), que chocan en el proceso. Abundan las referencias a la antigua Roma.

De momento la cosa pinta mal, ninguna de las grandes está dispuesta a asumir ese riesgo y las pequeñas distribuidoras necesitarían otro impulso económico del director. ¿Veremos finalmente la gran epopeya de Coppola en Netflix cuando está pensada para ver en pantalla grande? Tan pronto como sepamos nuevas noticias al respecto os la traeremos.

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Un saludo y sed felices.

 

Novedades Planeta Cómic mayo de 2024

Os traemos las novedades de Planeta Cómic mayo de 2024.

Os dejamos a continuación la nota de prensa y luego el PDF remitido por la editorial:

El mes de mayo se presenta variado en Planeta Cómic. Así, se publicará un nuevo manga deportivo de esos que hacen historia: Eyeshield 21. Además, habrá una nueva entrega de Planeta Manga, revista de tipo oriental que este año cumple 5 años. ¡Todo un acontecimiento!

Pero esto no es todo. Se podrá encontrar más entregas Shonen de One Piece Color Walk, Mao, La Caja Azul, Inusyaha…En el apartado Seinen nos visitará YawaraFangs y La Lavandería de Minato serán los representantes Boys Love. El manga Josei vendrá de la mano de dos grandes: Wataru Yoshizumi (Caramelo, canela, palomitas) y Akiko Higashimura (Princess Jellyfish). La shojo manía se volverá a celebrar en mayo, con la oportunidad de empezar series de la talla de Tokyo Girls, Nana, Marmalade Boy Little o Bloom into you.

La colección de novela gráfica resplandecerá gracias a tres títulos brillantes: El alquimista (adaptación de la famosa novela homónima de Paulo Coelho), Flores de piedra (una historia desgarradora ambientada en la Segunda Guerra Mundial) y Bill Finger; A la sombra de un mito (sobre el cocreador de Batman).

El cómic USA contará con obras como Chatarra Joe de Geoff Jons y Gary Frank o Step Bloody Step de Simon Spurrier y Matias Bergara. Para los pequeños, se ofrecerán dos propuestas. La primera, Golondrinas de verano, es una obra sobre las relaciones familiares, especialmente la relación entre los nietos y los abuelos, y sobre cómo experimentar la pérdida y superación del duelo. La segunda se trata de una nueva entrega del hilarante cómic Mínor el Brutolote, lo nuevo del creador de Superpatata, Artur Laperla. Finalmente, celebraremos el May the 4th con dos cómics galácticos: Yoda, centrado en el mítico y verde personaje y The Mandalorian, la adaptación de la exitosa serie de Disney +.

Un saludo y sed felices.

Ripley (2024) El arte de saber contar una historia.

En blanco y negro, y con unas imágenes evocadoras, nos llega Ripley, la adaptación de la novela de Patricia Highsmith de la mano del gran Steven Zaillian (El irlandés, The night of, La lista de Schindler). Netflix estrenó esta nueva versión de The talented MR. Ripley el jueves 4 de abril, protagonizada en esta ocasión por el carismático Andrew Scott (La materia oscura), un papel que le queda como un anillo al dedo.

Estamos en Nueva York, a principios de los años 60. Tom Ripley, un estafador en horas bajas, es contratado por un millonario para ir a Italia y convencer a su hijo errante de que vuelva a casa. Tras aceptar el trabajo, Tom entra en un complejo mundo de engaños, fraudes y asesinatos.

Una historia dramática llena de traición, desconfianza y asesinatos, donde las imágenes cuentan la historia de un sobreviviente que hará lo que sea necesario por seguir viviendo en un mundo que se empeña en no ponérselo fácil.

Junto a Scott, tendremos a Johnny Flynn como Dickie Greenleaf, el joven al que tiene que convencer para que regrese a su hogar; y a Dakota Fanning, en el papel de Marge, la novia del joven.

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Ripley: un must see.

Ripley es preciosa. No sé si es correcto decir eso de una serie de este género, y menos decirlo sin parecer cursi, pero lo cierto es que la serie es una auténtica joya. El guionista y director Steven Zaillian ha creado una cápsula del tiempo donde se desenvuelve la acción de este drama criminal.

Todos los detalles se han cuidado con esmero. Desde los azulejos de las paredes, las máquinas de escribir, las bandejas de hielo, las escaleras suntuosas, la lluvia fina e incesante… todo está colocado de manera que el espectador sienta que se encuentra en la Italia de la década de 1960. Durante sus ocho episodios, la cámara enfoca arte y con él a la propia Italia, haciendo de cada fotograma una postal para el recuerdo.

La magia de una Italia romántica que enamora a un estafador de poca monta con sus cuadros de Caravaggio donde la luz es tan importante para ver su verdadero esplendor. Una Italia con sus paisajes de azules intensos y serenos. Te preguntarás cómo es posible distinguir esos colores cuando Ripley está rodada en blanco y negro, y eso es gracias a que estos dos colores se convierten en una paleta de múltiples tonalidades en las manos de Zaillian.

Nada es totalmente blanco ni negro en Ripley, todo tiene una luz especial que, o bien le da brillo, o lo apaga para que podamos percibir la riqueza monocromática del resto de la escena. Todo en su justa medida para que el espectador sienta ese juego de colores claroscuros, y sea capaz de disfrutarlo.

Ripley

Pero no es solamente su color. Durante los ocho episodios que dura la miniserie, nos vamos a encontrar con largos momentos en que no se pronuncia ni una sola palabra. 20 minutos de silencio, solamente roto por el crepitar del fuego, el murmullo del agua, los sonidos huecos de las pisadas, motores, grillos…

Ni una sola palabra. Solo una procesión incesante de secuencias donde Ripley ‘pelea consigo mismo’ de forma metafórica, para sobrevivir una vez más en un mundo que ha decidido que Tom no le gusta a nadie. Y es que en esta serie se cumple más que nunca esa frase de ‘una imagen vale más que mil palabras‘.

Además, cada escena tiene más de lo que se ve a primera vista. Nada sucede en ellas por azar, todo está estudiado para que quede de esa manera. La misma escena tomada desde diferentes ángulos hace que podamos verla con diferentes ojos. Cada pequeño fotograma esconde tras de sí varias historias que quedan a la vista y que depende de la agudeza del espectador interpretarlas o dejarlas ir.

Andrew Scott, el mejor Tom Ripley.

Y en el centro de toda esta espiral de pausado desenfreno tenemos a Tom. Un formidable Scott que nos guía con sus movimientos calmados por esta nueva estafa suya. Una muy grande, quizá la más peligrosa que nunca haya hecho, y también la que más recompensa le puede aportar.

Como personaje principal, Tom Ripley es capaz de cambiar de adorable a tenebroso en cuestión de segundos. Esa faceta suya para modificar su registro queda patente en su rostro de forma magistral. El espectador siente esos cambios de forma amenazante, y solo puede ser un mero observador delante de un personaje perturbador que sobrevuela sobre su víctima como ave rapaz.

Unas veces amable, otras mezquino, Scott consigue que el espectador quede prendido de su particular forma de actuar. Sabemos que es malvado, sabemos que sus intenciones no son nobles, sabemos que hará lo que sea por conseguir lo que quiere; y a pesar de todo, no podemos evitar sentir empatía por este personaje tan traicionero. Tanto que no queremos que lo descubran.

Tráiler de Ripley.

Análisis de Shogun. Temporada 1. Episodio 7: Una barrita de nuestro tiempo

Bienvenidos al análisis del séptimo episodio de Shogun. Y vaya episodio. No te cuento nada pero te lo cuento todo. Eso es lo que plantean los creadores de la serie esta semana, cuando tenemos un auténtico giro de los acontecimientos que no sabemos a dónde nos llevará. Os dejo con el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío.

No te fíes de la familia

Una barrita de nuestro tiempo (traducción un tanto peculiar de A Stick of Time; no me la invento, es como aparece en Disney+) empieza con un flashback, ni más ni menos que la primera batalla de Toranaga, general de 12 años que decapita a su enemigo mientras este se hace el seppuku. O no.

Justo después nos presentan a Saeki (Eita Okuno), el hermano de Yoshi Toranaga. Tras ver como un terremoto diezmaba a su ejército, a Toranaga no le ha quedado otra que pedir ayuda al imbécil de su hermanostro. EL calificativo no lo he puesto yo, sino el propio Toranaga y visto lo visto se quedó corto.

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A pesar de la pinta de Saeki, con ese casco que parece sacado del vestuario de Locomía, al principio parece que todo irá bien. A Saeki le presentan a Blackthorne, que se comporta cual perrito bárbaro amaestrado; también le ofrecen los servicios de Kiku durante una semana (un pastón pero todo sea por la causa, piensa Toranaga) y un puesto de honor en la mesa a la hora de cenar.

Y es en la cena donde todo se tuerce. Saeki no deja de desaprovechar cualquier ocasión para hacerse el machito y humillar a su hermano, mientras Blackthorne, que se sienta junto a Mariko, lucha con sus palillos y deja que se le caiga la comida. El pobre Buntaro tiene que contenerse las ganas de darle un guantaza, igual que Omi se contiene de saltar sobre Saeki cuando habla de Kiku.

La sorpresa llega cuando Saeki descubre que lo han nombrado regente y le dice a Toranaga que su ejército está cercando el pueblo, que debe ir con él a Osaka y que su hijo Nagakado (Yuki Kura) debe hacerse el seppuku (que mania con el seppuku, oye) por ordenar la muerte del general de Ishido.

A partir de este punto, el resto del episodio es una tensa espera acerca de la decisión que tomará Toranaga. Incluso se llega a plantear por parte de la madame de la casa de té, si todo esto no forma parte de un maquiavélico plan de Toranaga. Las dudas quedan despejadas cuando Toranaga, contra todo pronóstico, parece rendirse y aceptar su destino en Osaka.
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Señor, dame paciencia

Mucha paciencia es lo que debe tener Toranaga. Mientras decide su destino, sus súbditos no paran de marear le con tonterias. Por un lado, Butaro se muere de ganas de cortar la cabeza de Blackthorne, al que Yabushige intenta enseñar el arte de la espada japonesa. Por otro, Marilo está dale que te pego con lo de que la dejen suicidarse. La reacción de Toranaga es de esas de «que ganas tengo de mandaros a todos a la mierda».

Y por último, tenemos a Nagakano, hijo de Toranaga, un chaval que no follado aún pero que lo único que quiere es ir a la guerra y matar gente, pensando que en la muerte hay gloria y belleza. La broma llega al final del episodio, cuando Nagakano intenta matar a Saeki en la casa de té y resbala en el agua, abriéndose la cabeza y muriendo entre estertores. «¿Es esto bello?», le dice su tío.

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Valoración del episodio

Francamente, no lo vi venir. La traición de Saeki y sobre todo la muerte de Nagakano fueron dos auténticos What the fuck??. Yo creía que ya nos íbamos para Osaka, a matar y mutilar y hemos tenido un episodio que lo pone todo patas arriba. La pena es que sabemos que Toranaga se saldrá con la suya y será shogun pero aun así lo hemos disfrutado.

Sin embargo, no se si soy yo que me he perdido o hay un fallo en la narración. Me explico. A Saeki lo han nombrado regente pero en el episodio anterior vimos la muerte de Lord Sugiyama, por lo que los regentes pasaban de cuatro a tres. Vale que nombren a Saeki regente pero… ¿no deberían ser cinco para requerir a Toranaga que regrese a Osaka a afrontar su destino, al igual que decretar seppuku para su hijo? ¿Han nombrado a otro regente y no lo hemos visto?

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Por cierto, ya he comentado la traducción sui generis del título del episodio pero queda claro que A Stick of Time hace referencia a la barrita de incienso que arde cuando Toranaga se reúne con Gin (Yuko Miyamoto), barrita que por lo que he leído dura unos 25 minutos, por lo que aceptamos que ese es el tiempo que Toranaga le dedica a la vieja prostituta.

En todo caso, estamos ante un gran episodio, de los mejores de la temporada. Nos quedan tres semanas para disfrutar de Shogun y aquí estaremos la semana que viene. Un saludo, sed felices.

El problema de los 3 cuerpos sigue sin renovarse y Netflix se equivoca. Te explico por qué

Una de las mejores series de lo que llevamos de 2024 es indudablemente El problema de los 3 cuerpos, de David Benioff y D.B. Weiss, creadores de quizás la mejor serie del siglo XXI, Juego de Tronos.


EN CF: EL PROBLEMA DE LOS 3 CUERPOS, LOS CREADORES DE JUEGO DE TRONOS SE PASAN A LA CIENCIA FICCIÓN Y APRUEBAN CON SOBRESALIENTE


 

En los últimos días varios medios se han hecho eco de lo que está tardando Netflix en dar luz verde a la segunda temporada y se está hablando de una posible cancelación. Sinceramente creo que es improbable por varios motivos: por un lado está el dineral que se gastaron en ficharlos, 200 millones, aquí mi compañero Juanma se hizo eco. Después está el coste de la serie que asciende a los 160 millones de dólares. Lo que da la friolera de 360 millones invertidos en la serie. Si la cancelan ahora Netflix se enfrenta a un gran problema, y es que tendrá en el paro a dos de los creadores más mediáticos de la televisión de los últimos años. Y encima se habrá cargado una franquicia con mucho potencial.

Creo que lo mejor es que os ponga números sobre la mesa y luego os voy a dar motivos por los que creo que Netflix debería dar luz verde si o si a la segunda temporada:

  • Vigilante – 22,3 millones de visualizaciones.
  • Avatar: La leyenda de Aang – 21,2 millones de visualizaciones.
  • El agente nocturno – 20,6 millones de visualizaciones.
  • One Piece – 18,5 millones de visualizaciones.
  • XO, Kitty – 15,3 millones de visualizaciones.
  • FUBAR – 12,5 millones de visualizaciones.
  • El problema de los 3 cuerpos – 11 millones de visualizaciones.
  • 1899 – 10,9 millones de visualizaciones.
  • Resident Evil- 10,6 millones de visualizaciones.

El fin de semana de su estreno, El problema de los 3 cuerpos sumó 81,7 millones de horas y 11 millones de visionados. En su segunda semana ha sumado 115,6 millones de horas reproducidas entre el 25 y el 31 de marzo, lo que viene a ser 15,6 millones de visionados estimados. Como podemos apreciar nada espectacular.

Después hay que poner dos ejemplos muy ilustrativos 1899, la serie alemana de los creadores de Dark y Sandman. Una fue cancelada y la otra tardó en renovar.

Con la serie 1899, Netflix dio explicaciones de la cancelación y es que aunque la serie empezó fuerte se acabó desinflando.

En números acumuló cerca de 260 millones de horas de visualización en sus primeras semanas. Sin embargo, sólo el 32% finalizo la serie. A ello se le une el alto costo de producción.

Con Sandman pasó lo siguiente, obtuvo 198 millones de horas totales de tiempo de visualización durante sus primero diez días situándola como una de las producciones más exitosas de Netflix desde que se empezaron a publicar datos allá por junio de 2021. Pues Netflix tardó cuatro meses en darle al botón de renovación. Y se lo pensaron mucho por lo mismo de El problema de los 3 cuerpos, por el presupuesto que ambas manejan.

Es evidente que Netflix tiene un problema y es que no es normal que estrene en un periodo de 6 meses 3 series que sobrepasan con creces los 100 millones de presupuesto, hablamos de One Piece, manejó un presupuesto por episodio de unos 18 millones de dólares, lo que hace un montante total de 144 millones para su primera temporada, una cifra desorbitada para una serie televisiva, Avatar la Leyenda de Aang, se fue a los 120 millones, una media de 15 millones por capítulos y llegamos a El problema de los 3 cuerpos, que se ha ido a los 20 millones por capítulos, contando con un presupuesto de 160 millones.

Parece que a Netflix le pasa factura los números de la serie por eso está tardando en dar luz verde a una segunda temporada.

Y ahora vengo yo a deciros que es lo que le funciona realmente bien a Netflix y que le debería de servir para mantener El problema de los 3 cuerpos como estandarte de calidad.

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Lo que le funciona a Netflix

Netflix produce a una velocidad de vértigo en cantidades ingentes. Este 2024 prometieron ser más cautelosos en producciones cinematográficas y producir menos y más calidad. En series tienen varios estandartes, por ejemplo Stranger Things que termina en 2025 o The Crown que acaba de finalizar. Luego tiene series como Vigilante, El agente nocturno o El nuevo empleado que no son nada caras y le son muy rentables producir. Pero hay otro filón en la compañía de la N y es el rescatar series canceladas o comprar del catálogo de HBO. Así uno de los grandes pelotazos de Netflix del año pasado fue Manifest que batió récords cuando llegó a la plataforma en 2021 consiguiendo ser la serie más vista de Netflix durante 23 días seguidos, algo que hasta entonces lo habían logrado títulos originales de la plataforma. Su temporada 4: parte 2 acumuló en 9 días 117,5 millones de horas de reproducción.

Después ha ido incorporando series de HBO a su catálogo como A dos metros bajo tierra, Hermanos de Sangre, The Pacific, True Blood, Ballers, Warrior o Sexo en Nueva York.

En Netflix España han hecho un baluarte con La casa de papel y posteriormente con Entrevías.

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Utilizar este modelo de compra y de series de bajo perfil para mantener series como El problema de los 3 cuerpos

Está claro que a Netflix lo de HBO y lo de recuperar series y darles una segunda oportunidad le funciona de maravilla. Y por ahí deberían ir tirando, sin perder de vista los estándares de calidad que te dan series como El problema de los 3 cuerpos o Sandman, que si, son más caras de producir pero dan caché a una plataforma que desde Stranger Thins se volvió demasiado «juvenil».

Además ninguna de estas dos series ha sido un fracaso, simplemente es que Netflix pretende obtener unos números a los que no llegan. En el caso que nos ocupa hay que entender que El problema de los 3 cuerpos no es Juego de Tronos, la ciencia ficción vende menos que la fantasía.

Benioff se refiere a la serie como un in crescendo, al igual que los libros: «El segundo libro es mucho mejor y el tercero me voló la cabeza». En cierta medida esto recuerda a la serie de Juego de Tronos, la primera temporada estaba muy bien pero la serie mejoró muchísimo en la segunda temporada. Como decía es una serie cara pero permite a la poderosa N luchar de tú a tú con los otros servicios de streaming con una ciencia ficción más sofisticada y adulta.

Consideraciones finales

Esto ha sido un batiburrillo de ideas que me han ido saliendo en estos días de charla con los compañeros de la web, Toni, Pedro, Juanjo, Lucía o el propio Boss.

Sinceramente creo que en poco tiempo Netflix dará luz verde a una segunda temporada, la serie está siendo un éxito relativo quizás lejos de lo esperado pero no tiene malas cifras y el boca a boca y la buena calidad de la misma le irán dando el empujón.

Después tenemos la inversión realizada, 360 millones, 200 de fichar a Benioff y Weiss y 160 millones que ha costado la primera temporada, cancelarla ahora sería dejar en paro a los dos showrunners más caros y sería una sangría.

No hay que olvidar un caso parecido, Mindhunter de David Fincher. La mejor serie de Netflix para mí no aguantó y fue cancelada porque no tenía una base fuerte de seguidores. Netflix aun así fichó a David Fincher para varios años.

Esperemos a ver como acaba esto pero seguro que en breve recibiremos buenas noticias.

Un saludo y sed felices.

 

Reseña de Cazadores de Savia. Yermo Ediciones. Otro buen cómic del sello Hubble en este 2024.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os queremos hablar de otro título que se incorpora al Sello Hubble de Yermo Ediciones. Vamos a hablar de Cazadores de Savia.

Antes de hablar de la obra en sí, quiero destacar la labor de nuestras editoriales españolas haciendo dividir sus títulos en diferentes sellos editoriales. En este caso, hablaremos de Yermo Ediciones.

Savia

Carles Muñoz Miralles ha querido establecer diferentes sellos en sus actuales publicaciones:

  • Sello Hubble: Dedicado exclusivamente a la ciencia ficción. A través de Hubble, exploraremos nuevos mundos, nuevos tiempos y nuevos futuros. Es un espacio donde los amantes del género podrán sumergirse en historias fascinantes y visiones alternativas. Pinchad aquí para ver todos los títulos de Hubble.

Savia

  • Sello Sextante: Colección de novelas gráficas que abarca diversas temáticas y géneros. Por lo que he podido observar, parece dedicado a los cómics de aventuras. Pinchad aquí para ver todos los títulos de Sextante.

Savia

  • Arechi Manga: No necesita ninguna explicación. El manga es no es el futuro, sino un presente en el que se encuentran inmersos la inmensa mayoría de nuestros jóvenes lectores. Pinchad aquí para visitar la página web de Arechi.

Savia

  • Meeple Comics: Toda la diversión de los juegos de mesa, toda la emoción de los cómics… Meeple Comics es un sello de Yermo Ediciones dedicado en exclusiva a traer la versión en castellano de títulos como: Zombicide, Zombicide: Invader y Cthulhu: Death May Die al mercado hispanohablante. Pinchad aquí para ver todos los títulos de Meeple Comics.

Savia

Y dicho todo esto, vamos al turrón. Vamos a hablar de …

Cazadores de Savia

Savia

Cazadores de Savia es un cómic de ciencia ficción y fantasía, basado en la novela homónima escrita en 1994, por el novelista francés Laurent Genefort.

Hago un inciso para comentar que Laurent Genefort tiene en su haber, más de cincuenta novelas escritas.

Sigamos con el argumento del cómic …

Cazadores de Savia es una apología al cuidado del medio ambiente, enmascarada en un mundo de fantasía y ciencia ficción maravilloso y espectacular.

La trama sucede en el planeta Yeisshajar, donde conviven unos seres parecidos a los humanos, que se encuentran organizados en primitivos clanes tribales. Nuestros «humanos» llaman a su planeta Arbomundo.

Como no podía ser de otra manera, el ecosistema del planeta Yeisshajar se encuentra compuesto por una masa arbórea y vegetal inconmensurable, acompañada de toda clase de especies animales de todo tipo. Algunas de esas especies (tanto animales como vegetales) son sumamente peligrosas.

Savia

Pero todo no es bonito ni maravilloso en el planeta Yeisshajar. Arbomundo se está muriendo. Y uno de esos clanes de seres humanos envía Pierig y a Masir a descubrir qué le está sucediendo a Arbomundo.

Pierig es un zahorí. Una especie de chamán que debe descubrir qué le sucede al planeta y hacer lo posible por curarlo.

La expedición se ve interrumpida al descubrir que el poblado de ambos jóvenes está siendo atacado por el clan de los cazadores de savia, un poblado de despiadados guerreros, que desean averiguar la enfermedad de Arbomundo y que no dudarán en utilizar cualquier método para conseguir su objetivo.

Tenemos ante nosotros ese viaje del héroe o grupo de héroes (aunque algunos no lo son tanto), que deben salvar el mundo y que no todos conseguirán llegar al final del camino.

Lo cierto es que la trama está muy bien contada y excelentemente dibujada, por lo que creo que el viaje merece mucho la pena.

¿Quieres descubrirlo por ti mismo?

Savia

Hablemos de la edición del tomo

Tenemos ante nosotros el clásico tomo de Yermo. Volumen en tapa dura, con lomo plano, a todo color, que cuenta con 112 páginas de papel satinado de un excelente gramaje y que ocupará en nuestras estanterías 216×3100 mm.

Además, por si te lo estás preguntando, no es el primer número de una serie. Es un tomo único (aunque podría continuar), que tenemos disponible desde el 22 de febrero de 2024 y cuenta con un P.V.P. de 28€.

Si necesitas más información, pincha aquí para verlo directamente desde la web de Yermo Ediciones.

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¿Qué sabemos de los autores?

Laurent Genefort. Novelista francés, nacido en 1968. Tiene escritas más de cincuenta novelas y en 1995, ganó el Gran Premio de la Imaginación por su novela Arago.

Aunque cuenta con una dilatadísima experiencia como escritor, este es su primer cómic que conocemos en España.

Alexandre Ristorcelli. Dibujante. También se le conoce por el pseudónimo Lisandru. Nació en Bastia, en la Isla de Córcega (Francia), en 1972.

Tras completar su bachillerato en artes plásticas e historia del arte en 1991, dejó la Isla de Córcega y continuó su formación en las Bellas Artes de Aix en Provence.

Posteriormente, pasó por una preparatoria de «art deco» en París y finalmente se integró en las Bellas Artes de Angulema.

Savia

¿Qué nos ha parecido el cómic?

Cazadores de Savia es un tebeo muy entretenido y excelentemente dibujado, que nos ofrece una historia de ciencia ficción mezclada con fantasía.

El volumen nos ofrece el viaje del héroe o grupo de héroes que deben descubrir la enfermedad que afecta a Arbomundo y tratar de curarlo.

Tenemos la ventaja que la narración empieza y termina en este tomo, aunque en su final nos ofrece la posibilidad de continuar. En mi opinión, la historia lo merece.

Creo que deberíamos seguir disfrutando de todo cuanto acontece en Arbomundo.

Si decidís entrar en esta aventura, os garantizo que os dejará con un buen sabor de boca.

Sin duda, os animo a entrar y por supuesto, tengo un deseo para todos vosotros …

¡Sed Felices!

‘The Crow: Wicked Prayer (2005): Ojalá algún espíritu vuelva a la vida para vengarse de esta película

Este 2024 es el 30º Aniversario del estreno de ‘The Crow’ (El Cuervo) dirigida por Alex Proyas con Brandon Lee en el papel protagónico. Es por ello que, a modo de tributo, voy a reseñar las cuatro películas estrenadas sobre este personaje creado por James O’Barr. Ordenándolas desde la última hasta la gran primera entrega.

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‘The Crow: Wicked Prayer’ tiene la infame medalla de oro en un ranking inverso, ya su calidad es tan ínfima que no consiguió pasar las fronteras de nuestro país (una vez vista lo entiendes).  Los guionistas (que ni me he preocupado por mirar sus nombres para no tener la tentación de apuntarlos en la Death note) no sabían ni quien era el personaje de ‘El Cuervo’ y ni se les había pasado por la cabeza ‘glooglearlo’ para tratar de hacer medianamente bien su trabajo.

La película nos presenta a Jimmy Cuervo, un ex convicto que vive en una reserva india con su novia Lily, una nativa americana que tiene el don de la clarividencia. Me encanta la sutiliza del nombre, en ‘The Crow: Salvación’ apellidaron al protagonista Corvis; aquí ya no se esconden y directamente tradujeron el nombre a castellano y listo. Aunque sonase a nombre de una marca de ron.

Nuestro Jimmy quiere dejar atrás su pasado y empezar una nueva vida con Lily, pero sus planes se ven truncados cuando una banda de moteros satánicos liderada por Luc Crash y Lola Byrne los asesina en un ritual para invocar al Anticristo.  No hay nada mejor que darle un tono satánico a esta entrega para que toda parezca más profundo, pero al final se queda en una película de serie Z digna de Asylum.

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Jimmy resucita gracias al cuervo, que le otorga poderes sobrenaturales y le impulsa a vengarse de sus asesinos.  Creo que hacer lo mismo con quienes idearon esta secuela hubiese sido mucho mejor.

Lo que sigue es una sucesión de escenas de acción mal rodadas, diálogos bochornosos y actuaciones tan lamentables que de ser nominadas a un premio Razzie, perderían por ridículas.

Edward Furlong interpreta a Jimmy con la misma expresión de aburrimiento que se me quedó a mi cuando ‘disfruté’ por primera vez de esta joya. No consigue transmitir ni un ápice de carisma, emoción o dolor, ni Kristen Stewart en ‘Crepúsculo’ tenía esa cara de palo.

David Boreanaz hace de Luc Crash, un villano tan caricaturesco que parece sacado de una parodia; su rango interpretativo en ‘The Crow Wicked Prayer’ casi podría ser considerado delictivo.

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Obviamente no puedo olvidarme de Tara Reid, interpretando a Lola Byrne, una bruja que se pasa la película poniendo morritos y diciendo tonterías que tratan de sonar místicas. El resto del reparto no es mucho mejor, y lo único que se salva es Danny Trejo, que hace de Harold, el padre de Lily, y que al menos le pone algo de gracia al asunto. Y porque es Danny Trejo y punto, ya que lo que hace Dennis Hopper aquí es un ridículo espantoso.

Es gracioso cómo los secuaces de Crash tienen los nombres de los jinetes del Apocalipsis para que sintamos el miedo, pero ese sentimiento es el último que consiguen transmitir.

La calidad de la cinta es de serie de televisión de dudoso presupuesto y poco más. Nada funciona, nada de nada.

Conclusión

‘The Crow Wicked Prayer’ intenta ser una mezcla de terror, acción y romance, pero no consigue ninguno de los tres. El terror es inexistente, la acción es aburrida y el romance es inverosímil.

La película también intenta tener algún mensaje sobre la discriminación, la religión y la ecología, pero lo hace de una forma tan superficial y forzada que resulta ridícula. Por ejemplo, la película nos muestra que los nativos americanos son buenos y respetuosos con la naturaleza, mientras que los blancos son malos y contaminan el medio ambiente.

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En definitiva, ‘The Crow Wicked Prayer’ es una película que no merece la pena ver, ni siquiera por curiosidad. Es una ofensa al cómic original, a los fans de la saga y al buen gusto en general. Es una cinta que hace que las anteriores parezcan obras maestras y que uno se pregunte cómo es posible que alguien la financiara, la rodara y la distribuyera. Es una película que debería ser olvidada y enterrada: para ver esto, mejor ver alguna de las entregas de ‘Sharknado’.

No dejéis de leer:

El Cuervo 25 Aniversario: El tributo de James O’Barr al amor y la muerte.

El Cuervo 25 Aniversario: Una cinta de culto maldita

El Cuervo 25 Aniversario: Secuelas Sin Alma

Un saludo y sed felices

El cómic de la semana: Usagi Yojimbo Saga 7

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Usagi Yojimbo Saga 7. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Usagi Yojimbo Saga 7, un paso más para ir cerrando esta etapa triunfal.

Tengo que dar gracias a Planeta cómic porque a veces publicar cómics de calidad, pero que por lo que sea tardan en cuajar entre el público, no es fácil para nadie. Y es que parece que se nos olvida que esto de publicar cómics no es una ONG, sino que las empresas quieren ganar dinero. Y el trato que la editorial está dando con la obra de Stan Sakai me parece, como mínimo de elogiar.

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Es más fácil publicar cómics de superhéroes, sobre todo de las grandes compañías, y por supuesto de los de los personajes más populares. Las ventas siempre van a acompañar, sea en un formato u otro. Pero publicar obras como Usagi Yojimbo, que en ventas son residuales en Estados Unidos y España, no es fácil. Y no digo que sean malas obras, al contrario, me parecen imprescindibles, el problema son las ventas. Lo que intento explicar es que las empresas buscan rendimiento monetario, y si no venden lo suficiente, apaga y vámonos.

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Y es que todo empezó con la publicación de Usagi en tomos recopilatorios en 2017, en tomos similares a los empleados en Estados Unidos. Y todo parecía que iba como la seda. Primero se comenzó a publicar los tomos de Fantagraphics (sólo fueron dos) para seguir con los de Saga, o lo que es lo mismo, la edición en Dark Horse, que son nueve tomos. Pero parece que las ventas no acompañaban y hubo una pequeña parada en el camino después del tomo 3. Ahora, los señores de Planeta Cómic parecen empeñados en acabar la obra de Sakai en Dark Horse. Sólo dos tomos nos separan para finalizarla y todo apunta a que tendremos en nuestras estanterías, y en el mismo formato, la extensa etapa de Fantagraphics y la de Dark Horse. Y lo mejor de todo esto es que el nuevo periplo en IDW en el que está ahora inmerso Usagi Yojimbo, tiene su propio formato independiente y se está publicando también en España.

Si te gustan las aventuras de ese conejo tan peculiar, ganador del premio Eisner a la mejor serie del año, no te van a faltar sus aventuras.

Y este tomo de Usagi Yojimbo Saga 7 como el resto de los antecesores, contiene a su vez tres tomos, tres grandes historias de la edición original. Las tres historias son: Traidores de la Tierra, Una Ciudad llamada Infierno, Escorpión Rojo, y como siempre las he disfrutado.

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Regresa el conejo samurai de Stan Sakai.

La parte final del siglo XVI en Japón se considera la era de las guerras civiles, pues los señores feudales lucharon entre ellos por las tierras y el poder. Durante la batalla de Adachigahara, el samurái Miyamoto Usagi perdió a su señor, Lord Mifune, ante los ejércitos de Lord Hikiji. Sin clan, Usagi lleva ahora a cabo el peregrinaje del guerrero, en busca de la armonía.

LA ÉPICA NARRATIVA DE MIYAMOTO USAGI continúa en esta séptima entrega de recopilaciones definitivas mientras el conejo ronin errante de Stan Sakai se enfrenta a sus batallas más complicadas hasta la fecha. Sus problemas empiezan cuando, para salvar a sus amigas Kitsune y Kiyoko, debe enfrentarse a un vil hechicero y a su aterradora horda de guerreros zombi. Luego, Usagi afronta funestas cuestiones de honor y de venganza en el fascinante relato nominado a los premios Eisner, «La muerte de Lord Hikiji»; se enreda en una despiadada guerra entre dos líderes criminales que amenaza con hacer pedazos una pequeña ciudad y se enfrenta a toda una banda de forajidos y a su misterioso líder, el Escorpión Rojo.

Incluyendo todos los números publicados durante su relevante vigésimo quinto año de publicación, este cautivador volumen recopila los cómics Usagi Yojimbo Volume Three núms. 117 a 138, más las historias «Una noche oscura y tormentosa» del Free Comic Book Day 2009 y «Corta la ciruela» del Usagi Yojimbo Color Special núm. 5.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Planeta Cómic y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Usagi Yojimbo Saga 7

Un saludo y sed felices.

La revista Variety confirma Dune 3, o lo que es lo mismo: El mesías de Dune

Sin saber nada, yo hubiese dicho que Dune 3 (El mesías de Dune) era una película que veríamos en los cines en unos años. Y me basaría simplemente en un dato: la taquilla. Pero ahora la prestigiosa revista Variety ha confirmado que Dune 3 ya está en desarrollo.

Dune 3 o El mesías de Dune para cerrar la trilogía

Dune, la película original de 2021 recaudó 407 millones a nivel mundial en plena pandemia, y además con otro hándicap, ya que en Estados Unidos se estrenó simultáneamente en streaming. Ahora Dune parte 2 va camino de los 700 millones a nivel mundial. ¿Conseguirá llegar a esa cifra?

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Por tanto, el éxito está asegurado y la continuidad de la franquicia también. Según Variety, Dune 3 está a la vista, puesto que la productora Legendary se habría puesto en contacto con Villeneuve para rodar esta secuela.

Hay que poner en contexto que Frank Herbert escribió 6 maravillosas novelas antes de su muerte, pero dejando inconclusa esta saga espacial. Pero para quien quiera embarcarse en esta franquicia deciros que se cerró la trama con dos novelas que escribió el hijo de Herbert, Brian, junto con Kevin J. Anderson.  Recomendamos las 8 novelas, eso sin contar las innumerables precuelas. Y ahora la novela que parece que se llevará a la gran pantalla es obviamente la segunda, El mesías de Dune, llamada por ahora Dune 3 a falta de confirmación oficial.

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Pero no hay que correr tanto porque parece que antes de dirigir Dune 3 (El mesías de Dune), el propio Villeneuve se tomará un descanso en la franquicia (no en su trabajo) para adaptar a la gran pantalla Nuclear War: A Scenario, la novela de Annie Jacobsen, que cuenta qué pasaría en un hipotético panorama de guerra nuclear.

Veremos en qué deriva todo esto, pero pinta que tendremos Dune 3, aunque en un par de años. Por esa travesía nos tragaremos antes una película de guerra nuclear, que si fuera así tened por seguro que haremos crítica en Las cosas que nos hacen felices.

Un saludo y sed felices.

Cádiz acoge el estreno de «Osario Norte. Los últimos días de San Valentín» tras su paso por Argentina

Después de verse en distintos eventos en Argentina, el largometraje documental Osario Norte. Los últimos días de San Valentín, dedicado a la figura del actor Jorge Rigaud, y especialmente a su triste final, se estrena en España en un pase especial que tendrá lugar en Cádiz.

El Teatro de La Tía Norica de Cádiz acogerá el 13 de abril, a las 20:00h, el estreno en España del largometraje documental Osario Norte. Los últimos días de San Valentín, del gaditano José Manuel Serrano Cueto. Será un pase especial que contará con la presencia del director, la actriz Paca Gabaldón, el productor Jorge Rivera y otros miembros del equipo.
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Será la primera vez que la película se vea públicamente en España, antes incluso que en Madrid, donde se realizará el 13 de mayo en los cines Embajadores. A esta proyección le seguirán pases especiales en distintas ciudades antes del estreno definitivo en cines en otoño gracias a la distribuidora 39 Escalones.
El pasado 2 de abril se hizo un pase muy reducido en Madrid en la sede de DAMA para miembros del equipo y algún invitado. La acogida fue magnífica, como se desprende de los comentarios que dejaron al final algunos de los asistentes:
“Está hecho con muchísimo amor. Salgo con más amor y sobre todo más respeto a todas esas personas que nos han hecho disfrutar tantísimo”, Marta González de Vega, actriz y guionista.
“Me ha emocionado muchísmo. Te va dando datos del actor, te va refamiliarizando con él, y el final es sobrecogedor”, Ana Gallego Coín, actriz.
“Me ha transmitido tristeza. Es un gran documental, merecido”, Carlos Bustos, periodista
“La reflexión es el dolor a morir solo y que te olviden”, Javier Morales, director
“Me ha encantado. Me ha emocionado mucho, porque, de alguna manera, es recuperar la figura de un actor del que yo también tengo recuerdos. Me ha removido mucho”, Eugenio Villarreal, archivero.
“Me ha parecido tan triste como necesaria”, David Cuevas, periodista.
Osario Norte. Los últimos días de San Valentín rescata la memoria del actor Jorge Rigaud (San Valentín en El día de los enamorados), nacido en Buenos Aires y de amplia trayectoria profesional tanto en Francia, país al que se fue a vivir de niño, Argentina y España. En 1984 falleció en unas condiciones un tanto penosas y sus restos descansan en una fosa común en el cementerio parroquial de San Salvador en Leganés, ciudad en la que vive Serrano Cueto.
La película, en la que el gaditano ha invertido diez años desde la idea hasta su finalización, cuenta con el coprotagonismo de Pedro Casablanc, la aparición de la actriz Marta González de Vega e intervenciones de intérpretes que trabajaron con Rigaud, como Paca Gabaldón, Lone Fleming o Antonio Mayans, así como del director Eugenio Martín, que lo dirigió en Pánico en el transiberiano. De hecho, supone la última intervención pública de Martín, fallecido meses después del rodaje. Además, Osario Norte cuenta con las voces de Víctor Clavijo, Juan Ochoa, Enrique Villén, Bruto Pomeroy y Omar Calicchio. La música está compuesta por la malagueña Isabel Royán.
Por decisión tanto del director, como del productor, Cádiz supondrá el pistoletazo de salida en España de esta películsa. El evento contará con la presencia de Serrano Cueto, la actriz Paca Gabaldón, el productor Jorge Rivera y el actor Bruto Pomeroy, que además moderará el coloquio tras la proyección.
El acto será posible gracias a la colaboración del Ayuntamiento de Cádiz, al patrocinio del restaurante El Faro, el Hotel Villa de Andas, el bar La Casapuerta de Luisa, el periódico Cadiznoticias, y la colaboración de Sancus Seguridad, Cervezas Victoria, bodega Huerta de Albalá, Conservas del Abuelo Paquiqui, Arqueogastronomía, El Centinela del Misterio y El 7º Centinela.
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Osario Norte no es un mero documental biográfico ni una cronología de su carrera, sino un poderoso llamado de atención: una estocada directa sobre las culpas que como sociedad cargamos al sumir en el olvido a aquellos que nos han hecho pasar grandes momentos y, muy especialmente, a los artistas.”

Puedes ver las impresiones de los invitados en estos dos vídeos breves:

Un saludo y sed felices.

Action Comics 1 se vende por 6 millones de dólares y se convierte en el cómic más caro de la historia

La noche del 4 de abril de 2024 ha marcado un nuevo récord en el mundo del cómic. Action Comics 1, la primera aparición de Superman se convierte en el cómic más caro de la historia al venderse en una subasta en HA.com, con un nuevo récord fijado en 6 millones de dólares. Esto deja muy atrás el Amazing Fantasy 15, que fue la primera aparición de Spiderman con 3,6 millones de dólares.

Action Comics 1, la primera aparición de Superman

El cómic de Action Comics 1 aparece en portada con la fecha de Junio de 1938. Y es el primer cómic donde se presenta al primer superhéroe de la historia Superman. Todo un hito para cualquier coleccionista.

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¿Pero cual es el motivo para que un mismo cómic valga más o menos dinero? En primer lugar tengo que decir que es la subasta. Una subasta de un mismo producto puede llegar a valer diferente cantidades, todo se basa en los pujadores y en la casa de subastas que pueda atraer a más o menos gente interesada. A veces se tiene suerte y a veces no se tiene suerte. Este factor es a veces determinante.

En este caso, tratándose de HA.com todo parece que encaja. HA.com es la casa de subastas más importante del mundo en venta de monedas y de cómics americanos. Por este aspecto parecía que todo estaba predestinado.

El segundo factor es el grado de conservación del producto, en este caso del Action Comics 1. Cuando más nuevo, más valor tiene para el coleccionista. Y este cómic tiene otra variable más, era un cómic con Pedigree de kansas City.

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La «gradación» del cómic es de 8,5 en CGC, lo que supone la segunda mayor del mundo para este ejemplar. Sólo dos copias de este cómic, con un CGC de 9,0 están mejor conservados, y se desconocen a los dueños. Por lo tanto es casi imposible que salgan a la venta uno de los dos cómics del Action Comics 1 con un CGC 9,0. Parece claro que los mayores coleccionistas de cómics han visto en este ejemplar como una cosa única, que posiblemente jamás se vuelva a poner a la venta. Hablamos de poder tener en tus manos el cómic mejor conservado con la primera aparición de Superman. Una pieza de museo que ha costado 6 millones de dólares.

¿Qué os parecen estas mareantes cifras? Os leo en comentarios.

Un saludo y sed felices.

Reseña de La Señal (Netflix). Thriller de ciencia ficción que funciona gracias al drama familiar y a la intriga

Netflix parece querer sumarse al carro de las producciones de calidad de ciencia ficción. De esta intención podemos dar buena fe con el estreno de la gran superproducción El problema de los tres cuerpos, una adaptación de la novela homónima de Cixin Liu a cargo de D.B. Weiss y Dave Benioff, responsables de la serie de Juego de tronos. Pero además de embarcarnos en esa gran aventura, podemos disfrutar de La Señal, una miniserie alemana de cuatro capítulos, mucho más pequeña en presupuesto y ambición, pero que puede ser un perfecto aperitivo antes de ver El problema de los tres cuerpos.

La Señal nos muestra la vida de una familia formada por la astronauta Paula Baumeister, su esposo Sven y su hija Charlie. Paula se embarca en una misión espacial financiada por la acaudalada filántropa Benisha Mudhi pero una vez en la Estación Espacial Internacional se topa con una misteriosa señal que proviene del espacio exterior. Este gran descubrimiento desencadena una serie de acontecimientos que acaban afectando a Sven y Charlie en primer lugar y a toda la humanidad en general.

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Paula en la Estación Espacial Internacional

Lo primero que hay que señalar es algo que ya no es novedad. La astronauta es la mujer de la familia, en un rol que no hace muchos años estaba destinado de manera casi exclusiva a los hombres, sobre todo en las historias de ficción. Lo genial de esta serie es la dicotomía que se establece entre marido y mujer. Paula es una persona con fe en la humanidad y que piensa que todo en la vida puede mejorar, mientras que Sven, profesor de historia, es un pequeño cínico que, tomando como base las enseñanzas de los tiempos pasados, no tiene tanta fe en los seres humanos.

Otro tema interesante que se trata es el de la salud mental de los astronautas. Pronto descubrimos que Paula tiene antecedentes de brotes psicóticos y que puede que los que ella esté experimentando en la Estación Internacional solo estén en su cabeza. En este sentido recuerda mucho a Constelación, otra serie de ciencia ficción que podemos ver en Apple TV y que también tiene como protagonista a una astronauta que tampoco está muy segura de que lo que le pasó en el espacio sucediera realmente.

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Charlie y Sven van a tener que huir de todo el mundo

Pero si en la producción de Apple la trama se centra más en temas dimensionales, en La Señal sus responsables prefieren tirar más hacia un acercamiento humanista para enseñarnos qué pasaría en la tierra si descubriéramos que se acerca un posible contacto extraterrestre, emparentando esta serie un poco con La Llegada de Denis Villeneuve. Pero donde en la película la acción se centra sobre todo en los problemas de comunicación, en La Señal vamos a comprobar lo que los diversos poderes de nuestro mundo están dispuestos a hacer a la hora de enfrentarse a este primer contacto.

La serie que nos ocupa se centra en mostrarnos retazos del pasado de la familia protagonista, cómo y por qué Paula se embarca en esta misión para realizar una investigación que pueda curar a su hija Charlie, quien sufre sordera y solo puede oír gracias a un implante cloquear. Y los problemas que va a tener que superar con la ayuda y el apoyo de su esposo para ir al espacio.

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Paula y Sven toman una difícil decisión

En el presente, el misterio y el suspense se adueñan de una narración en la que vemos a Sven y Charlie luchar en tierra contra las consecuencias de las acciones de Paula mientras son acosados por todo el mundo sin saber muy bien qué hacer ni en quién confiar.

La serie acaba siendo muy interesante por su manera de tratar la dinámica familiar de los protagonistas sin olvidarse de ir generando emoción gracias al misterio que sobrevuela toda la narración, con múltiples giros de guion, alguno más afortunado que otro. Pero en general la historia funciona muy bien y logra mantener la atención del espectador, algo que se ve favorecido por la escasa duración de la serie, finiquitada en cuatro horas más o menos, lo que hace que no se pierda el tiempo con tramas secundarias superfluas.

Florian David Fitz y la joven Yuna Bennett dan vida de manera convincente a Sven y su hija Charlie, mostrando una gran química en pantalla a la hora de mostrar la tierna relación padre-hija que es el gran motor de la serie. Por otro lado, Yuna Bennett también está muy bien interpretando a Paula, mostrando su debilidad cuando le asalta la duda acerca de si lo que está viviendo es real o no, así como también su fortaleza cuando toma una difícil decisión que puede poner en peligro su vida y la de todos los que conoce.

En resumen, La señal es una serie entretenida y bien hecha, que sabe lo que quiere contar y lo cuenta muy bien, apoyada en unos personajes bien construidos e interpretados. Es perfecta para los que busquen una buena historia de ciencia ficción con toques de thriller familiar y político, sin mayores complicaciones y con un poso perfecto para quedarse pensando un poco sobre las manos en las que está la humanidad.

Análisis de Coppola, el Representante, en Disney+: Maradona, Pizza y Champagne

Desde hace unos días se encuentra disponible en Disney+ (Star+ para América Latina), Coppola, el Representante, serie argentina original de la plataforma que, creada por Ariel Winograd y con Juan Minujín en el papel protagónico, recrea buena parte de la vida, esplendor, decadencia y miserias de quien, además de manager de Diego Maradona, fuera ícono de los noventa, década del país en la cual, rayando en lo obsceno, la buena vida, los lujos y el despilfarro fueron sello distintivo.

Los años noventa suelen ser referidos en Argentina como los de “la pizza y el champagne”. No es una referencia al azar: esa combinación representa perfectamente una época en que una falsa sensación de prosperidad económica mantenida especialmente durante la primera mitad de la década, llevó a que las pautas de consumo del jet set local se fusionaran grotescamente con las de la plebe. Guillermo Coppola, entonces manager del astro mundial Diego Maradona, fue quizás la cara más visible y mediática de esos años, por lo que es justo que, en doble lectura, la serie se titule Coppola, el Representante, pues lo fue tanto del ídolo futbolístico como de una época.

La Sombra del «Diez»

La serie comienza en Nápoles a mediados de los ochenta (magnífica toma inicial de la ciudad con Luciano Pavarotti de fondo) para ir después, a través de seis episodios, recorriendo y desgranando distintos momentos de la vida de Coppola incluyendo las fiestas, los autos caros, las mujeres fáciles, las drogas, la cárcel y sobrevolándolo todo, por supuesto, su ascenso como representante de jugadores en el fútbol argentino hasta tener bajo su ala nada menos que a Maradona, en ese momento máxima estrella mundial.

Uno de los rasgos que hace original e interesante a la serie es que Coppola y Maradona no compartan una sola escena, al punto que Diego, en gran acierto, no es actuado por nadie. Se lo ve en imágenes reales de filmaciones o fotografías de diarios y revistas de época, o bien brindando entrevistas en televisión, pero no hay nadie que lo interprete: cuando habla con Coppola al teléfono no escuchamos su voz y si ha pasado por algún sitio lo sabemos por los destrozos vandálicos que su paso ha dejado.

Ello crea una sensación de omnipresencia y da lugar a la idea de que Coppola, en definitiva, vive de él y por él justifica sus lujos, pero a la vez vive bajo su sombra al punto de tener permanentemente que salir a cubrir sus desmanes y excesos. Porque si bien a Coppola le gustan también la buena vida, las juergas, las mujeres o la bebida, su representado siempre conseguirá ir un paso más allá para meterle en problemas e incluso obligarle a tener que poner la cabeza en la guillotina en su lugar.

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El Hombre que lo tenía Todo

Juan Minujín entrega un trabajo realmente soberbio, lo cual es doble mérito si se considera que, no habiendo ningún Maradona a la vista, la serie lo tiene a él en pantalla prácticamente todo el tiempo y su rostro debe mostrar convincentemente tanto sus triunfos como sus miserias. Coppola juega a ser un personaje omnipotente, que puede conseguirlo todo, hasta una Ferrari negra mandada a hacer especialmente para Diego por el propio Enzo (Rodolfo Ranni), anécdota ciento por ciento real que contará una y mil veces para presumir ante amistades, relaciones, extraños e incluso presos, cuando le toque durante tres meses el infortunio de la reclusión.

No pueden faltar las mujeres que jalonaron su vida: actrices, modelos, vedettes o bataclanas, siendo uno de los más sonados su romance con Amalia “Yuyito” González (Mónica Antonópulos), pero también desfilando por allí Alejandra Pradón (Adabel Guerrero), con quien fingió una relación para alejar rumores de Diego, o la modelo alemana Monique Modlmayer (en la serie rebautizada como Sophie e interpretada por la chilena Mayte Rodríguez), quien le regalara el famoso jarrón en el que tiempo después apareciera la cocaína que lo llevaría a la cárcel en uno de los mayores escándalos mediáticos.

A propósito de ese hecho, el episodio dedicado al mismo, que es el cuarto, parece por momentos adquirir algunos lugares comunes de serie carcelaria, pero afortunadamente todo se desvía para bien y con una vuelta de tuerca más que interesante, aunque sorprende la no mención (supongo que no lo habrán permitido) de dos muchachas que por esos días ocuparon todas las portadas de revistas argentinas por su vinculación con dicho escándalo. Pero la trama de la cárcel, insisto, está muy bien llevada y de modo divertido e ingenioso, pasando Guillermo, gracias a su carisma, de indeseable recién llegado a ídolo de los reclusos.

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La Frívola Levedad del Ser

Y si hablamos de época, no pueden faltar los personajes a los que las revistas de cotilleo dedicaban por ese entonces largas páginas, como la actriz, modelo y conductora Susana Giménez (María Campos) o “Poli” Armentano (Joaquín Ferreira), el “dueño”de la noche porteña que tenía el delirante proyecto de unir tres locales bailables top con una línea ferroviaria y que acabara asesinado en un episodio poco esclarecido y al cual incluso se vinculó en un momento al propio Coppola.

Tampoco faltan personajes ligados al mundo de la política de entonces, como Carlos Menem Jr. (Agustín Sullivan), hijo del entonces presidente que perdería la vida en un misterioso accidente de helicóptero, o el campeón de motonáutica Daniel Scioli (Federico Barón), que acabaría siendo gobernador de la provincia de Buenos Aires y vicepresidente de la nación. A propósito, muy creíble María del Cerro en el papel de su esposa Karina Rabolini, por ese entonces modelo de renombre que hizo a Guillermo de “celestina” con su pretendida alemana antes mencionada.

Sin olvidar, por supuesto, a Mariano Cúneo Libarona (Nicolás Mateo), hábil, joven y desconocido abogado que logró sacarlo de prisión y demostrar que la droga había sido plantada, convirtiéndose así en el jurista más buscado por la farándula y acabando hoy como ministro de justicia de la nación.

Estética Lograda e Impecable

El otro gran detalle de la serie es que cada uno de los seis episodios se caracteriza por un estilo propio y distintivo, con estética ajustada a la época. Los primeros, ambientados en los ochenta y noventa, presentan créditos y cartelones con gráfica y colores muy de aquellos años e incluso una textura de imagen semejante a la que se estilaba. Punto a favor también la música (Sergei Grosny), que en el capítulo de cierre acompaña cada discusión o negociación de Guillermo con un solo de batería rematado en redoble cuando consigue lo que quiere.

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El episodio más particular en estética es el quinto, un gran flashback de la juventud de Coppola (interpretado en sus años mozos por Santiago Bande) presentado como si fuera una falsa película de los primeros ochenta e incluso con el logo de Aries, sello cinematográfico que producía la mayor parte del cine argentino de esos años. Eso sí: es también el episodio con más licencias, sobre todo en lo referente a la cronología y orden de los sucesos entre su paso como representante de futbolistas del club Boca Júniors y su llegada al mundo Maradona, presentándose los mismos algo alterados o confusos.

Hay momentos surrealistas interesantes como las ilustraciones en amarillo que acompañan las explicaciones suspendidas en el aire o los frecuentes homenajes cinéfilos, como la escena en que, con la Cabalgata de las Valkirias de Richard Wagner como fondo y en evidente tributo al filme Apocalypse Now (1979), Coppola llega a la embajada alemana en helicóptero para ser maestro de ceremonias en la fiesta de cumpleaños de su potencial suegro. Chiste aún más fino si se considera que dicho filme estaba justamente dirigido por alguien de su mismo apellido

También hay guiños a publicidades argentinas de época, como una de colonia masculina emitida hacia la segunda mitad de los ochenta que a su vez parodiaba una escena de Highlander (Russell Mulcahy, 1986), película conocida en España como Los Inmortales y de la cual pueden aquí leer nuestro retro-análisis. Pero son detalles suficientemente bien dosificados como para que no abrumen y pasen desapercibidos para quien no conozca las referencias originales, que puede perfectamente seguir viendo sin que ello haga diferencia: de hecho, esa debe ser siempre la idea detrás de todo guiño.

Balance Final

Coppola, el Representante es una serie que puede atraer a un público muy diverso, ya que tiene los ingredientes como para ser degustada tanto por fanáticos del fútbol como por los que nunca en su vida vieron un partido y tanto por los amantes de la nostalgia (aunque admito que de algunas cosas no me gustó acordarme) como por los buscadores de propuestas novedosas.

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Tiene además el mérito de hacernos difícil tomar partido. Gracias al formidable trabajo de Juan Minujín, Coppola está recreado como el personaje pintoresco, desmedido y rocambolesco que fue y que es, habiendo momentos en que lo detestamos y otros en que nos provoca lástima, particularmente cuando se siente superado por las desmesuras de su representado (que superan largamente a las suyas) o cuando debe purgar cárcel por algo que no hizo.

Y la ausencia de Maradona (o de alguien que lo interprete) ayuda a darle a Coppola el lugar central en la serie con una existencia que, paradójicamente, está dictada por su omnipresencia, casi como si el astro ausente fuera un dios que lo gobierna desde afuera,  que da y quita al mismo tiempo y que puede ser igual de benévolo que de destructivo…

La miniserie es muy ágil y jamás aburre, lo que se da gracias al oficio de Ariel Winograd (que no solo es showrunner sino también director de cinco de los seis episodios), así como de la dupla de guionistas integrada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, a los que se suma aquí Emanuel Diez para conformar un trío que es casi garantía absoluta, pues los tres son los responsables de Nada (aquí análisis de un servidor) y El Encargado (aquí análisis de mi compañera Lucía).

Ambas producciones, al igual que la que nos ocupa, confirman el buen momento de las series argentinas en streaming, lo cual para alguien que, argentino como yo y normalmente prejuicioso de las producciones nacionales (muchas veces con razón), no puede ser sino una gran noticia . A dar una chance…

Hasta pronto y sean felices…