Taika Waititi es un autor peculiar, y ahora con las declaraciones que ha realizado, más que nunca.
Recordemos que Waititi ganó el Oscar al mejor guión adaptado por Jojo Rabbit, película en la que fue el escritor y el director. El salto a Marvel, a Thor Ragnarok, cinta muy bien valorada en Rotten Tomatoes, por la crítica y los fans vino gracias a su trabajo en Entrevista con unos vampiros. Por tanto Marvel ya sabía perfectamente a que clase de autor estaba fichando para su franquicia del dios del trueno.
Taika Waititi, un hombre sincero
Ahora que Taika Waititi parece desligado de Marvel tras Thor Love and Thunder ha soltado las siguientes perlas en el podcast SmartLess (vía Variety).
El director y guionista revela que no tenía ningún interés en trabajar en Thor Ragnarokporque él se considera un autor, pero al final aceptó porque necesitaba el dinero:
¿Sabes que? No tenía ningún interés en hacer una de esas películas. No estaba en mi plan para mi carrera como autor. Pero yo era pobre y acababa de tener un segundo hijo, y pensé: ‘¿Sabes qué? Esta será una gran oportunidad para alimentar a estos niños.
Y la cosa no acaba aquí porque el propio Taika Waititi dice que el nunca fue fan del dios del trueno además de ser la franquicia menos famosa de Marvel.
Y ‘Thor’, seamos realistas, probablemente es la franquicia menos popular. Nunca leí cómics de ‘Thor’ cuando era niño. Ese era el cómic que cogía y decía ‘puaj’. Y luego investigué un poco sobre él y leí un cómic de ‘Thor’ o 18 páginas, o lo largas que fueran. Todavía estaba desconcertado por este personaje.
Aún con todo esto, Waititi quiere quedar bien con Marvel ya que en una entrevista a Business Insider dice que cree que no hará más películas de Thor, pero que le encanta trabajar para La Casa de las Ideas:
Voy a concentrarme en estas otras películas para las que he firmado… Pero me encanta Marvel, me encanta trabajar con ellos.
Y por cierto, el propio director adelanta que Chris Hemsworth está negociando con Marvel para hacer más películas de Thor, un hipotético Thor 5. Por tanto parece claro que las aventuras del actor australiano seguirán ligadas a las del Dios del trueno, mientras que las del director neozelandes no, aunque le tendremos muy cerca, ya que uno de sus proyectos confirmados será una entrega de la saga de Star Wars.
Sin tiempo para morir fue la última película de Daniel Craig como James Bond. Y el tiempo pasa volando, porque es una película de 2021, y aún no sabemos quien será su sustituto. Pero no es sólo eso, ya que desde antes de producir la cinta, ya se conocía que sería la última entrega donde aparecería el bueno del actor británico. Y aún seguimos sin noticias de quién será el próximo James Bond. Pero entre todos ellos destaca Sam Heughan, ya que el actor ha mostrado su interés total en tomar el papel. ¿Sam Heughan el nuevo 007? Veremos.
Antes de seguir os voy a dejar artículos de Las cosas que nos hacen felices realizados por Pedro Pérez que tienen total conexión con James Bond y que posiblemente te puedan interesar.
Sam Heughan, quien es uno de los dos principales protagonistas de la exitosa serie Outlander (aquí nuestros análisis), ha declarado en el Telegraph británico que quiere hacer el papel del nuevo James Bond. Pero lo más curioso de la entrevista ha sido lo que él piensa que puede aportar al personaje. Y es curioso a la par que sorprendente:
Me apunto al carro. Sería un Bond brillante, se me da bien la acción y aportaría mucha inteligencia emocional.
Un buen James Bond siempre se ha caracterizado por un papel físico específico, capaz de hacer escenas de acción, coreografías, disparos y una buena forma física. Lo que comenta Sam Heughan sobre aportar inteligencia emocional, sería algo nuevo, algo diferente. Pero este aspecto podría ser plausible porque con el final de Sin tiempo para morir, ya sabemos que el próximo agente 007 será un «nuevo» James Bond.
Por el momento nadie sabe quien será el próximo James Bond. Y eso que han habido muchos candidatos y quinielas, pero cabe recordar que la productora de cine Barbara Broccoli ha dicho que en la carrera por ser el nuevo James Bond también podría estar un actor que no fuera una estrella de Hollywood.
Y cabe recordar que el nombramiento de Daniel Craig como James Bond, recogiendo el relevo de Pierce Brosnanno se produjo hasta que la película estuvo en producción. Se mantuvo la incertidumbre de quien sería el nuevo James Bond en Casino Royale hasta el último momento.
¿Pasará ahora igual? Habrá que esperar, pero tiene toda la pinta que en 2024 sabremos quien es el elegido. ¿Tienes alguna preferencia?
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Estamos terminando este 2023. Ya mismo. Pero antes de eso, vamos a echar un ojo a las novedades de Norma Editorial, previstas para este diciembre.
Debo decir que tendremos que coger lápiz y papel y echar un vistazo a las las novedades de final de año, antes de hacer nuestra carta a SSMM Los Reyes Magos de Oriente.
Novedades de Norma Editorial de diciembre de 2023
Y como es costumbre, vamos a hacer un par de recomendaciones, del catálogo de Norma, previsto para diciembre.
1.- Old Dog (Perro viejo) 1.
«Jack Lynch fue un operativo de la CIA de lo más prometedor. A las puertas de su jubilación, tras dejar atrás una fallida carrera, cae en sus manos el encargo de una última misión…
En la que fracasa estrepitosamente.
Años más tarde despierta a un mundo cambiado… Y descubre aún mayores cambios dentro de él.
Cuando una siniestra organización le ofrece una segunda oportunidad en una vida de aventuras, Lynch termina emparejado profesionalmente con quien menos hubiera podido imaginar».
«Dog (Perro viejo) es una nueva e impactante serie de espionaje con ciencia ficción nacida del talento de Declan Shalvey, el multipremiado autor que ha trabajado en obras como Caballero Luna, Alien, X-Men Unlimited, Inyección y Time Before Time».
Y la segunda recomendación es …
2.- El Castillo de los Animales. Integral 1.
«Érase una vez un castillo en mitad del bosque. Al principio fue una fortaleza, luego fue una granja hasta que los hombres que la explotaban la abandonaron dejando allí, olvidados, unos pocos animales que fundaron una república.
Por desgracia, el egoísmo y el paso del tiempo han erosionado esa utopía animal. Hoy es gobernada por una casta privilegiada mientras que el resto se resigna, se indigna o se rebela.
Pero … ¿Cuál es la forma más efectiva de cambiar las cosas?
El guionista Xavier Dorison (Undertaker, Long John Silver) y el soberbio dibujante Félix Delep reinterpretan los temas y conceptos del clásico de George Orwell Rebelión en la granja, introduciéndolos de lleno en el siglo XXI en una magistral serie que presentamos aquí en dos volúmenes integrales».
Este primer volumen integral, saldrá a la venta el 7 de diciembre, con un P.V.P. de 32€.
Y hasta aquí nuestras recomendaciones de Norma Editorial, para este mes de diciembre.
No obstante, os invito a leer detenidamente las novedades de la editorial barcelonesa para este final de año. Anotad lo que más os guste en vuestra carta a Los Reyes Magos.
Y como os digo siempre: Echad un ojo, disfrutad y …
Bienvenidos un sábado domingo más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Spawn GunSlinger 2. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Por fin ya tenemos el Spawn GunSlinger 2, uno de los 3 spin-off que tiene la serie Spawn. Os recuerdo que además de Spawn, tenemos Spawn Rey, Spawn GunSlinger y Spawn Scorched.
Sí, como veis, hacemos reseñas de casi todo menos de Spawn Rey. Pero tenemos todos los tomos y prometo desde aquí hacer reseña de Spawn Rey próximamente. Si no lo hemos hecho antes ha sido por prioridades de otras series, nada más. Spawn Rey puede ser la mejor serie de todas, al menos por el momento.
¿Y que decir de Spawn GunSlinger 2?
Pues que sigue la fiesta. Si en el primer tomo lo presentábamos como excelso dentro de tratarse de una serie tipo años 90 y sin más mérito que entretener, este segundo tomo es de similar factura.
Si bien la primera parte es tan espectacular como el primer tomo, incluso puedo decir que lo supera, tengo que añadir que la parte final resuelve enigmas, pero baja un poco el ritmo. Total, que dentro del mundo de Spawn, en notas globales le doy un 8. Una lástima que el peor regusto de boca sea al final, porque este tomo de Spawn GunSlinger 2 es recomendable.
Además sigue toda la estética del tomo anterior, y según he podido ver en los próximos números americanos, también la misma tónica.
Todd McFarlane, el mismísimo creador de este universo, continúa a los guiones de esta peculiar serie, mientras que el bueno de Brett Booth, al cual tengo mucho cariño por introducirnos a Blacklash en su etapa de Image en el pasado, sigue a los lápices. Además la serie tiene, o mantiene, su periodicidad mensual en Estados Unidos, una cadencia que es muy complicada para las editoriales independientes, y esto crea una red de seguidores fieles hasta el final.
Y es que dentro de la oscuridad del universo de Spawn, siempre viene bien tener una parte «cómica» con este personaje, Gunslinger, creado en la colección regular de Spawn en el 119, aunque no se contó su historia hasta años después en los números 174 y 175. Pero de este pistolero, cuya historia se cierne hace 200 años, no hemos sabido mucho más hasta ahora. Gunslinger, por azares del destino, ha terminado aquí, en pleno siglo XXI y, además, compartiendo grupo en Spawn Scorched, otra de las colecciones de este universo.
Otro giro más de tuerca de Spawn, con este peculiar pistolero que es ya un imprescindible para todos los amantes de McFarlane.
Una nueva aventura del personaje de Todd McFarlane.
Gunslinger ha quedado varado en el futuro, una época que apenas logra llegar a comprender. Tras asumir la identidad de un hombre llamado Javier, trata de recorrer este mundo con sus nuevos aliados en busca de un camino a casa. En el pasado dejó cosas… inacabadas. Hay errores que es necesario corregir, y sigue quedando gente a la que es necesario asesinar. Para su sorpresa, algunos de los enemigos que creía haber dejado atrás en el pasado han mostrados sus rostros en el presente.
Aunque aún le quedan algunos nombres por tachar de su lista, nuevas amenazas siguen surgiendo de las sombras. Monstruos, sectas y ángeles siguen dando caza a Gunslinger por estos paisajes modernos. ¡No se sabe qué quieren de él, pero está condenadamente seguro de que no lo conseguirán! Puede que la única esperanza que tenga para regresar a su época sea Spawn, aunque trabajar con otros nunca ha sido su fuerte. Pero con la ayuda de Taylor, un socio de la actualidad, Gunslinger tratará de surcar el presente y sobrevivir lo suficiente para que Spawn descubra una forma de enviarle de vuelta a su época.
TODD McFARLANE lidera otro destacado equipo creativo entre cuyos miembros encontramos a:
BRETT BOOTH
ADELSO CORONA
IVAN NUNES
KEVIN KEANE
¡…Y muchos más!
Este volumen recopila GUNSLINGER SPAWN números 7 a 12.
Cargada de gran expectativa, llegó por fin ayer a los cines españoles Napoleón, la película de Ridley Scott que, interpretada por Joaquin Phoenix, recrea un tramo importante de la vida del líder, político y militar francés que tan grande huella dejara en la historia.
Tengo entendido que por estos días a los franceses no les está cayendo muy bien esta versión de Ridley Scott sobre la vida de Napoleón, sin dudas su personaje histórico más emblemático. No entiendo la razón: el Napoleón al que da vida Joaquin Phoenix se parece mucho más al de las versiones galas que al de las anglosajonas que le hemos visto en el cine. Quizás el verdadero motivo del disgusto sea que tantos franceses sean interpretados por británicos o que no se pronuncie una sola palabra en francés en toda la película.
El largo tramo de vida de Napoleón que se recrea va desde 1789 hasta 1821, es decir desde la revolución francesa hasta su muerte en Santa Elena. Ello implica dos problemas: por un lado, el de recorrer treinta y dos años con un mismo actor cuyo rostro luce prácticamente igual a pesar del paso del tiempo; por otro, el tener que comprimirlo todo en una película de dos horas y media que necesariamente paga el costo del apresuramiento y aun así, de manera paradójica, es irregular en su ritmo narrativo.
El guion de David Scarpa elige un camino bien lineal, sin flashbacks ni líneas temporales superpuestas. Y se centra tanto en Napoleón que, por momentos, descuida el contexto. Le vemos escalar posiciones en el ejército francés desde los días de la revolución para pasar luego por el sitio de Tolón, el golpe termidoriano, la campaña de Egipto, la coronación como emperador, la batalla de Austerlitz, la campaña de Rusia, el exilio en Elba, la batalla de Waterloo y, finalmente, el claustro de Santa Elena. Y sobrevolándolo todo, su relación con Josefina de Beauharnais…
Las licencias históricas son bastante gruesas, con un Napoleón que presencia tristemente la ejecución de María Antonieta (en realidad se hallaba sitiando Tolón en ese momento), que dispara su artillería contra las pirámides de Egipto (???), o que, sable en mano, va a la carga a puro galope en Waterloo, lo cual, por supuesto, nunca hizo.
Por oposición y sorprendentemente, hay algunas situaciones históricas casi ausentes: totalmente omitidos, por ejemplo, los conflictos con el papado y no hay referencia alguna a España o Portugal; apenas una aislada mención a Italia, cuya campaña tuvo, sin embargo, rol fundamental en el ascenso militar y político de Bonaparte.
Está claro que lo que Scott busca es centrarse en un retrato de Napoleón como hombre, muchas veces más en conflicto consigo mismo que con sus enemigos. Phoenix, en ese sentido y como es habitual, entrega una gran interpretación que muy posiblemente tenga nominación al Oscar, lo cual no quita que al personaje le falte construcción desde el guion mismo.
Se trata de un Napoleón de rostro permanente sombrío y circunspecto: sonríe muy poco, nunca hace bromas y se muestra inseguro, nervioso, tímido y obsesivo, tanto que cuesta ver allí a quien tan profunda huella dejara en la historia de Europa y del mundo. No habiendo flashbacks, no hay forma de conocer el origen psicológico de sus problemas: apenas una muy breve referencia a su madre sobre la que nunca se profundiza. Es un Napoleón carente de historia previa y, salvo Josefina, casi sin relaciones: ninguna mención, por ejemplo, a María Walewska…
Decía al comienzo que se parece más al Napoleón del cine francés que al anglosajón y, en efecto, es representado como alguien llevado a la ruina por su excesivo amor a Francia. Y a Josefina, claro, amores ambos que quedan rubricados en sus (supuestas) últimas palabras. Vanessa Kirby, por cierto, hace un sólido trabajo encarnando a quien fuera su gran amor y primera esposa, una relación que, en gran acierto y contrariamente a muchas idealizaciones románticas, es representada como muy intensa, pero también tóxica y obsesiva, como parece que en realidad fue.
La película recorre la vida de Napoleón pasando de un evento al otro sin anestesia ni solución de continuidad, lo cual lamentablemente deviene en que los personajes secundarios queden desaprovechados por el poco tiempo en pantalla: tales los casos del duque de Wellington (Rupert Everett), Paul Barras (Tahar Rahim), Robespierre (Sam Troughton) o la emperatriz María Luisa (Anna Mawn). De hecho, los acontecimientos son muchas veces acompañados por la lectura en off de las cartas que Napoleón y Josefina se enviaban, lo que hace que todo esté visto únicamente desde la perspectiva de ellos dos, incluso después del traumático divorcio.
La ambientación histórica está desde ya muy lograda, tanto en vestuario como en escenografía, y lo mismo la factura técnica de las batallas, aunque la fotografía nocturna, a mi gusto algo oscura y opaca, hace que por momentos se pierdan detalles, como ocurre en Tolón o en Austerlitz. Mucho mejor tratada está Waterloo, con interesantes tomas aéreas de las formaciones y un acompañamiento musical que, contrariamente a las otras batallas recreadas, no abusa de percusión y coros. La campaña de Rusia, en tanto, ocupa apenas unos minutos de metraje y solo nos pone al tanto de que hacía frío y muy poco más…
Hay, eso sí, algunos detalles muy gráficos que dan a la historia un dudoso realismo acorde a estos tiempos, tales como María Antonieta siendo decapitada en primer plano o Napoleón extrayendo una bala de artillería del interior de un caballo muerto.
Balance Final
El hecho de que, para esta altura, Ridley Scott decida rendir tributo a la vida de Napoleón viene de algún modo a completar un círculo en su carrera, ya que la misma se inició hace cuarenta y seis años con Los Duelistas, otra película ambientada en tiempos napoleónicos. Pero el tono minimalista de aquel filme contrasta por completo con el que, mucho más ampuloso, tiene esta superproducción. Por cierto, me hubiera gustado algún guiño, pero bueno, no lo hubo…
Y no creo estar diciendo nada que no se sepa si digo que Scott no es ya el realizador de aquellos días ni el de filmes como Alien o Blade Runner. Su talento, indiscutible, ha aparecido de manera más espaciada durante estas últimas décadas (aclaro, antes que me lo pregunten, que no soy fan de Gladiator), lo cual no va en desmedro de que sus filmes tengan una cierta calidad estándar y una razonable factura técnica.
No es, por lo tanto, que Napoleón sea una mala película. La reconstrucción de época, sumada a las sólidas actuaciones de Phoenix y Kirby, constituyen ya de por sí un aliciente para verla, lo mismo que algunas secuencias interesantes como la del jinete austríaco que cabalga sobre el lago helado bajo fuego de artillería o el encaramiento entre Napoleón y una momia egipcia a cuya boca acerca el oído a la espera, tal vez, de alguna historia inmemorial.
Pero la sensación es que la película pudo haber sido mucho más de lo que fue. Y aunque nunca es bueno analizar un filme que no existió, se me ocurre que hubiera ido bastante mejor recortar el lapso de tiempo recorrido y permitir así un mayor desarrollo de personajes secundarios. Se dice que la versión que, llegado el momento, subirá Apple a su plataforma tendrá casi una hora y media más; ojalá aporte entonces algo en tal sentido.
Napoleón, en definitiva, termina siendo una buena película, pero decididamente no la mejor que se haya hecho sobre el personaje ni tampoco una que haga historia como él la hizo…
Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.
Hoy hablamos de «Primavera para Madrid» de Magius (pseudónimo de Diego Corbalán), cómic por el que el autor ganó el Premio Nacional de Cómic de 2021. Son 272 páginas impresas en colores negro y oro (después volveremos a esto) y en tapa dura. Ha sido publicado por Autsaider Cómics. En resumen, un retrato cambiando nombres (que no caras) de cómo se accede y se ejerce el poder en España, con la capital del reino como fondo dominante en toda la trama.
Como es fácil de ver, en «Primavera para Madrid» usa personajes reales de los muy distintos chanchullos relacionados con el poder, el dinero y la corrupción de la capital del país cambiándoles el nombre en el cómic pero manteniendo la apariencia física y sobre todo comportamental. En esencia es la historia de dos hombres: un pobretón relaciones públicas de garitos pijos que hace lo que sea por ascender social y económicamente (que es visualmente el Pequeño Nicolás) y un trepa vinculado a la construcción y la banca que llegará a ser amigo de la mismísima reina (que es descaradamente el muy real López Madrid). Ambos intentarán por vías distintas ascender en el escalafón de corruptos, criminales, periodistas esbirros, nobles y matones a sueldo que conforman el ecosistema social madrileño. Cada uno por su parte tendrá su respectivo e inevitable final.
En «Primavera para Madrid» se nos intenta pintar el ascenso de estos dos sujetos huyendo del clásico Error Scorsese, a saber: convertir al trepa que no le importa convertir su camino en cadáveres de todo tipo en alguien atractivo, heróico, romántico. Cada vez tenemos más obras que han conseguido salvar ese problema como la serie Succession, por poner un ejemplo bueno: nadie se pone de avatar en internet a Kendall o Roman. En el cómic se baja mucho al barro y se muestra sin tapujos lo malhablados y cutres que son los niñatos ricos, lo infantiles que son relacionándose sentimentalmente los políticos, los llantos desconsolados como niños de teta cuando saben que van a ir a la cárcel y, en general, el tono es siniestro y patético a partes iguales.
Podría sospecharse leyendo esta crítica que todo el patetismo, uso de poderes públicos para intereses privados, chanchullos, puestos a dedo para familiares y amigos se acusa a solo un partido político o sector social concreto, pero nada más lejos: en «Primavera para Madrid» el papel de los medios de comunicación sale igual o peor parado. De manera poco disimulada se pinta a los medios teóricamente de derechas o teóricamente de izquierdas como un arma más de las bambalinas de los poderes en cuestión, una que se usa para destruir o alzar a quien toque. Hasta se establece que compartan jefes y que trabajen de manera coordinada y totalmente fiel.
«Primavera para Madrid» hace un uso más que claro del color oro y negro para contribuir aún más al contraste entre el dinero y lo terrible que todos hacen, piensan y dicen. Un mundo amoral en el que solo existe, de nuevo, el echarle morro, hacer favores, pedir gritando que los devuelvan, las casas de lujo, mear desde rascacielos y la vida con la que todos fliparon con El Lobo de Wall Street…aunque aquí hay la misma cantidad de chapuzas, patetismo, enemigos por el poder que van con todo (por lo civil o por lo criminal) y atacan por juzgados, prensa, política y relaciones sentimentales con lo más burdo y ruín que puedan encontrar.
Al final se puede encontrar uno críticas de «Primavera para Madrid» hablando sobre que es un retrato de la corrupción española, madrileña, de Florentino Pérez/Enrique Cerezo (spoiler: una mezcla de los dos tiene su alter ego en el cómic y aparece de manera ominosa cómo el Malo Supremo) o demás. En realidad no hay sistema corrupto en el cómic, simplemente se describe un sistema. No hay ningún elemento ni personaje remotamente preocupado por el bien cómun, la ley o algo que no sea su estricto ombligo, quitando al rey de España y sus hijas, que con lo único más o menos noble de todo el cómic. Es decir, no es que el sistema esté corrompido. No. Es que la misma esencia del sistema es la que representan con sus conductas sus representantes públicos, sus periodistas, sus empresarios, sus servicios secretos y demás. La excepción, en el cómic, es el actual rey (más o menos, claro y más por comparación con el resto que otra cosa) y sus hijas. Y ya.
«Primavera para Madrid» usa muchas fotos famosas de los principales protagonistas de las corruptelas mediáticas estos últimos años. En este artículo muestran algunas, con alguna indicación de qué personajes reales se corresponden con cuales del cómic. Los más famosos los conocemos todos los que hayamos vivimos en España, da igual lo que estemos interesados en las noticias. Los más atentos a la actualidad reconocerán algunos más, pero para nada es importante para entender la historia y lo que se cuenta, en esa versión extendida inventada de lo que ha llegado al gran público. Algunas fotos mitológicas (incluso frases mitológicas) de la política española están tal cual plasmadas ahí, añadiendo alguna nota de color con mala baba al respecto (por ejemplo, el origen inventado por el autor del cómic a la famosísima e histórica frase «Lo siento mucho, me he equivocado y no volverá a ocurrir» del anterior rey de España: es ridículamente creíble que quien se lo inventara fuera alguien como quien se lo inventa en el cómic y en las circunstancias que lo hace).
Por supuesto aparece en otro cómic español más el personaje de la actualidad más parecido a un personaje de cómic, el mismísimo Comisarío Villarejo (en el cómic con otro nombre). Otra vez aparece como monstruo, como terror, como Drácula castizo que se escurre entre la normalidad del día a día para convertir en un infierno la vida de quien toque. Lo cual, como tantas cosas, está basado en algo. Pero se lleva mucho más allá hasta terminar dando auténtico pavor.
El mundo de «Primavera para Madrid» es un callejón sin salida espantoso, asfixiante, en el que la felicidad es escasa y las puñaladas son la norma. El glamour no da espacio suficiente para terminar de disfrutarlo. Y en el que los pringados como los protagonistas, advenedizos que no provienen de familia bien, están destinados a ser cabezas de turco a la que las cosas de la gente de buena de familia de siempre ven que las cosas van mal dadas. Al final es una de las lecciones del cómic, algunas de ellas ya anunciadas en la famosa entrevista maldita a Adolfo Suarez que se publicó muchos años después de ser presidente:
“Los comentarios políticos suelen ser mensajes que no entiende casi nadie. De ahí que la prensa tenga cada vez menos lectores. De ahí que los políticos estén cada día más separados del pueblo… Porque han acabado todos cociéndose en la gran cloaca madrileña… Y molesta mucho que yo hable de una gran cloaca madrileña. ¡Pero es verdad! No existe la preocupación de sobrevolar por encima. Nadie intenta hacer una crítica objetiva de las actuaciones políticas, con independencia del partido que realiza la acción.”
El cómic acaba con el mismo pesimismo y terror que empezó, dejándonos en primer plano quién sería totalmente lógico en el mundo descrito por el autor que fuera el que liderara la nueva época para el país. Es algo exagerado, grotesco y prácticamente inviable en el mundo real, pero al fin y al cabo estamos hablando de un cómic que habla de un mundo desquiciado y cínico en el que todo es oro mezclado con mierda. No es el nuestro. Aunque quien sabe.
Estamos acostumbrados a disfrutar en España de todas las novedades televisivas prácticamente en el momento de su estreno internacional. Es algo bueno que ha traído el boom de las plataformas. Aun así, todavía hay series que nos llegan mucho más tarde, como es el caso de la magnífica Poker Face, estrenada en EE UU en enero de 2023 pero que no se estrenó en nuestro país hasta el mes de octubre, concretamente en SkyShowtime, donde ya podemos disfrutar de su primera temporada al completo (diez episodios de alrededor de una hora de duración).
Y no es que se trate de una producción con poco interés. Nada más lejos de la realidad. Su creador es Rian Johnson, responsable de Rogue One: una historia de Star Wars, Star Wars: Episodio VIII, Puñales por la Espalda o su secuela Glass Onion. Y su protagonista es Nastasha Lyonne, conocida por la original Muñeca Rusa y Orange is the New Black, ambas en de Netflix. Ya solo por esto merece la pena echar un vistazo a esta serie.
Charlie Cale, un desastre con patas
Poker Face cuenta la historia de Charlie Cale, una trabajadora de un casino con un don: siempre sabe cuándo la gente está mintiendo. Charlie tiene que darse a la fuga ya que el dueño del casino, un hombre muy poderoso, la culpa de la muerte de hijo, implicado en el asesinato de la mejor amiga de nuestra protagonista. Un caso que Charlie resuelve gracias a su habilidad. Así que no le queda otra que viajar por todo EEUU conduciendo un Plymouth Barracuda y ganándose la vida como puede, con la mala suerte de que allí donde se va, hay un asesinato en el que se ve implicada. Por lo que no le queda otra que usar su don para resolverlo.
Charlie con su fiel Plymouth Barracuda
Estamos ante una serie con sabor clásico, de esas que no buscan atraparnos con una historia complicada que se desgrana capítulo a capítulo. Aquí tenemos un caso cada semana que Charlie tiene que resolver, comouna reencarnación en tiempos modernos de la mítica Jessica Fletcher de Se ha escrito un crimen. Es cierto que hay trama conjunta a lo largo de toda la temporada que tiene su culminación en el último episodio, pero tampoco es que la serie este todo el tiempo dando vueltas sobre este tema. Más bien sirve de hilo conductor dejando respirar el caso que vemos en cada semana, que siempre se presenta de una manera bastante curiosa. Primero vemos que ha pasado, quien es el asesinato, y luego descubrimos como afecta a Charlie y porque se implica en su resolución. Esta manera de contar la historia desconcierta un poco al principio, pero luego se hace muy atractiva ya que permite al espectador intentar anticipar que diablos hace Charlie en esos escenarios y como va a poder resolver el caso.
Ese aire clásico también presente en la estética y la atmósfera de los episodios, con un cierto aire retro (por ejemplo, en la careta de presentación de cada capítulo, muy ochentera) que nos trasporta a una época en la que la televisión era más sencilla. Pero eso no significa que la serie sea una antigua o rancia. Todo lo contrario, los responsables no tienen miedo en tratar temas actuales como la violencia contra las mujeres, la desigualdad o la corrupción de los ideales. Siempre de una manera inteligente y amena para dotar de mayor profundidad a una serie que nunca pierde de vista que su principal objetivo es entretener.
Charlie con Cliff, uno de los pocos personajes recurrentes de la serie
Ya he comentado que el creador de la serie es Rian Johnson, un guionista muy capaz de ofrecer interesantes historias de asesinatos (Puñales por la espalda y su secuela), y aquí se suelta la melena para presentar todo tipo de muertes, asesinos y situaciones rocambolescas, desde un asesinato en una actuación de un grupo de rock a una muerte en una competición de coches, pasando por un “infarto” en una residencia de ancianos. Todos los casos que Charlie tiene que resolver son interesantes y divertidos, con continuas vueltas de tuercas y resoluciones de lo más imaginativas. Todo un gustazo para los amantes de este tipo de historias.
Pero Poker Face no seria lo que es sin Nastasha Lyonne.Charlie le sienta como un guante. Es una mujer inteligente, carismática y con un potencial enorme que sin embargo es un desastre con patas. Fuma, bebe y se deja llevar por las situaciones hasta que no tiene más remedio que hacerlas frente, pero cuando lo hace, su inteligencia y su don le permiten resolver los crímenes más enrevesados. Y no hay nadie mejor que Nastasha Lyonne para plasmar este tipo de personajes, logrando que el publico empatice con ella y caiga rendido a sus pies esperando pacientemente cada semana un nuevo caso.
Por si fuera poco, a nuestra protagonista le acompañan un nutrido grupo de estrellas que hacen su aparición en episodios concretos como Chloë Sevigny, Adrien Brody, Judith Light, Dascha Polanco, Joseph Gordon-Levitt, Ron Perlman, Benjamin Bratt Simon Helberg entre otros. Justo el aliño que hacía falta para logar un plato perfecto.
Nick Nolte, una de las estrellas invitadas de la serie
En resumen, Poker Face es una verdadera joya, una serie magnífica perfecta para los amantes de las historias de misterio y asesinatos. No vamos a ver una historia compleja y profunda, pero a cambio vamos a tener un guion original y trabajado y una protagonista carismática como pocas. Estamos ante una serie que solo busca entretener y es algo que cumple por todo lo alto, sin olvidar que ya ha sido renovada por una temporada más, así que aún nos quedan muchas aventuras de Charlie por vivir.
Cuando DC Cómics le ofreció a Tom King escribir un spin off de Watchmen, el escritor estrella de la compañía, conocido por aportar un enfoque diferente al manido género superheróico, se negó en redondo. Sin embargo, cuando vio la miniserie homónima de HBO, creada por Damon Lindelof (Perdidos), cambió de opinión y pidió hacer una historia que funcionara como secuela de la inmortal obra de Alan Moore y, encima, centrada en su personaje más conocido: Rorscharch.
¿De qué va Rorscharch? Años después de lo ocurrido en la conocida novela gráfica, el presidente Robert Redford se encuentra en plena campaña frente a su rival Turley, candidato de extrema derecha. Durante un mitín de dicho político, una mujer enmascarada disfrazada de vaquera y un hombre vestido de Rorscharch son acribillados por el equipo de seguridad del evento. Un detective es contratado para averiguar las motivaciones de los dos criminales, si han actuado bajo las órdenes del presidente de los Estados Unidos y, sobre todo, si Rorscharch jamás llegó a desaparecer.
En 1921, el psiquiatra y psicoanalista Hermann Rorscharch publicó su test proyectivo homónimo. Básicamente, una serie de diez láminas que permitían, en el marco de un análisis psicoanalítico, evaluar la personalidad en función de su interpretación de las imágenes, ya que lo que uno ve deja entrever el inconsciente de la persona, aquello oculto que la mente no permite que se haga presente para proteger al individuo del dolor.
Es decir, en el test de Rorscharch, ya sea un murciélago, un demonio o Batman, uno ve lo que quiere ver. Y algo así es lo que hace Tom King con nosotros en este gigantesco test proyectivo que es Rorscharch.
El guionista teje un thriller setentero a la manera de las grandes obras cinematográficas de la época. Muchos personajes y una investigación pausada, realista y farragosa que, poco a poco, nos va atrapando hasta que ya no podemos dejar de leer hasta el final y que funciona a través de dos vertientes.
Por un lado, lo más obvio. Su vertiente deudora de la obra de Alan Moore y Dave Gibbons. Rorscharch es secuela de Watchmen e, incluso, tiene relación directa con sucesos que ocurren en la serie de HBO. Eso hace que sea casi imprescindible haber leído o, al menos, conocer qué ocurre al final de Watchmen porque, si no, cuesta entender el estado de paranoia en el que vive el mundo conocido. Baste decir que, al inicio de la trama, la sociedad americana vive con el recuerdo de una especie de 11-S y anhela el regreso de los héroes que desaparecieron misteriosamente.
En este contexto, como (según King) en la América de Trump, es fácil que las personas se dejen llevar por teorías conspiranoicas. El detective, que va averiguando lo que ocurre junto con el lector, se deja llevar por una posible nueva invasión y por el regreso de los héroes. No solo por las pistas que su guionista va dejando sino porque, al fin y al cabo, esto es una secuela de Watchmen, ¿No?
Por otro lado, la realidad. Haciendo uso del original término Rorscharch, King parece hacer referencia al psicoanalista austriaco que al antihéroe de Moore para hacernos ver lo que queremos ver. Porque aquí ni hay vigilantes ni calamares. Solo un uso maquiavélico de la paranoia para intentar subvertir una democracia y llegar al poder, que es lo que todo psicópata desea al final.
Al maravilloso hacer de King en el guión se le añade su increíble compenetración con el español Jorge Fornés, el dibujante perfecto para este tomo de ambiente setentero que nos hace desear más colaboraciones futuras. No todo va a ser Mitch Gerards.
En definitiva, Rorscharch es una obra maestra del cómic en forma de thriller político que se disfraza conscientemente de secuela de una de las obras más importantes de la historia para distraernos y hacernos ver lo que queremos ver y cegarnos ante una realidad mucho más estimulante y oscura.
El director Carl Erik Rinsch, director de 47 Ronin en 2013, uno de los mayores fracasos del año, se ha gastado parte de los 55 millones que le dio Netflix para hacer la serie Conquest en caprichos suyos como acciones y criptomonedas.
Según The New York Times, y digo presuntamente, hasta que no sean datos oficiales, pasó lo siguiente: El director se gastó 10,5 millones de dólares del presupuesto de Conquest en comprar acciones, que no le fueron bien y perdió 5,9 millones. Luego utilizó 4 millones en comprar criptomonedas, en concreto Dogecoin. Y esta vez le fue bien porque los convirtió en 27 millones de libras. Y de ese dinero se gastó 8,7 millones en coches de lujo y artículos de diseño.
A todo esto el bueno de Carl Erik Rinsch estaba en proceso de divorcio, y el contable de su mujer descubrió que entre sus compras estaban un Ferrari y cinco Rolls Royce. Cabe decir que Netflix no ha recibido ningún capítulo realizado por este señor y ha cancelado Conquest, la serie por la que fue contratado.
Pero aquí no acaba la cosa, ya que la serie originalmente constaba con un presupuesto de 44 millones de dólares, pero el director solicitó 11 millones más en marzo de 2020.
Thomas Cherian, portavoz de Netflix ha dicho lo siguiente:
«Aunque la compañía proporcionó financiación y apoyo a la serie de Rinsch, después de mucho tiempo y esfuerzo, quedó claro que el señor Rinsch nunca iba a completar el proyecto que acordó hacer»
Pero no, esto sigue porque ambas partes, Netflix y Rinsch están en proceso de negociación ya que ha sido el director, y no Netflix quien ha denunciado al contrario por 14 millones de dólares por incumplimiento de contrato.
Antes de cerrar su cuenta de Instagram Rinsch dijo que la gente:
«discutiría el hecho de que de alguna manera perdí la cabeza… (Alerta de spoiler)… No lo hice»
¿Como acabará todo esto?. ¿Carl Erik Rinsch tenía todo planeado desde el principio o realmente se la fue la cabeza?. Seguiremos informando.
Bienvenidos todos y todas al análisis del quinto capítulo de la segunda temporada de 30 monedas, titulado El símbolo arcano. La serie sigue viento en popa a toda vela con una peculiar partida de rol en la que Barbrow intenta lograr una tirada crítica contra Paco y Elena mientras Laguna sigue investigando en el sanatorio y Vergara descubre su verdadero papel en los planes del Infierno.
El episodio empieza con Barbrow (junto al Dr. Giraud, el jefe médico del sanatorio) buscando un punto esotérico especifico en uno de los lugares más misteriosos del planeta. Están en el desierto de Nazca en Perú, famoso por las líneas que se dibujan a lo largo de varios kilómetros. Allí, el villano encuentra el sitio justo donde poder poner el monolito que compró en el primer capítulo y que se supone que servirá para algún oscuro propósito.
Barbrow está muy contento en Nazca
Vergara sigue perdido en el Infierno sin saber muy bien cuál es su papel. Acaba en una cárcel en la que se encuentra con un viejo conocido, el padre Sandro (Leonardo Nigro).
En el Infierno no hay secretos: todo el mundo está al corriente del pasado de los demás condenados, por lo que Vergara no puede esconderse en falsas intenciones o promesas vanas. Y Sandro le dice algo que es de cajón, Santoro y Lucifer están utilizándolo a su antojo (por ejemplo, para “embarazar” a Elena) y dejándolo a su suerte cuando no es de utilidad. Así que Vergara tiene que espabilar y empezar a tomar sus propias decisiones. Justo en ese momento llegan los demonios del averno para llevárselos a él y a Sandro.
Laguna sigue en el sanatorio, donde confirma la relación de la clínica con Barbrow y descubre que se va a celebrar un evento para ricos y famosos llamado Highclare, que parece ser la clave de la conspiración, algo que comunica a Salcedo y que hace que la expolicía se marche a Londres a investigarlo. También descubre que están haciendo experimentos con los habitantes de Pedraza logrando que alguno de ellos tenga lo que parecen ser poderes telequinéticos.
Pero todo tiene un precio: la mujer de Laguna lo visita y él tiene que seguir haciéndose pasar por loco ya que sabe que lo están vigilando, algo que le destroza por dentro.
Laguna en el sanatorio
Por otro lado,Paco y Elena juegan una partida a un macabro juego de rol de mesa contra Barbrow sin saberlo.
Cuando llegan a Madrid desde Toledo se encuentran con que la gente sigue persiguiéndolos para intentar quitarles el libro. Todo es culpa de Barbrow que, mediante cera o plastilina, ha formado un ejército de figuritas que reparte en un tablero lleno de signos dibujados con sangre y que maneja tirando un dado como un jugador de rol encantado de dejarse llevar por el juego.
Así puede manejar a las personas del mundo real, aunque sus acciones están sujetas al resultado de los dados (no es omnipotente, menos mal). Para suerte de Paco y Elena tira varias pifias, lo que les permite ir escapando. Algo que cabrea a Merche, que seguro que preferiría acabar con sus enemigos de una forma más directa y menos dramática.
Menos mal que Antonio tiene una revelación y le dice a Haruka que tienen que ayudar a Paco y Elena. Así que contactan con Salcedo para que les diga que tienen que buscar un símbolo arcano que los proteja de los poderes de Barbrow. Un símbolo parecido a una estrella que encuentran en el madrileño Templo de Debod.
Haruka convoca entonces a sus seguidores, sus ratas de la noche que, vestidos con camisetas con el glifo protector logran hacer un pasillo de seguridad por el que Elena y Paco consiguen por fin escapar.
Elena y Paco en el Templo de Debod
Una vez libres del agobio de Barbrow, nuestros protagonistas van a Roma buscando al padre Lombardi (Luigi Diberti), tal y como Vergara le dijo a Elena que hiciera. Lo malo es que cuando lo encuentran, este Lombardi resulta ser un doble controlado por Barbrow.
Valoración del capítulo
Se nota que nos vamos acercando poco a poco al final de la temporada, con una trama que va ofreciendo respuestas (a cuentagotas, eso sí) y que ya perece tener encauzados los hilos argumentales principales de la historia. Estamos ante un episodio muy bueno, en el que no falta de nada. Tenemos acción, un poco de emotividad (pobre Laguna), momentos épicos (¡vamos ratas de la noche!) y un buen desarrollo de personajes que estaban quedando un poco opacados (por fin Haruka hace algo).
Las escenas de la partida de rol me han parecido todo un hallazgo. Soy un gran aficionado a los juegos de mesa, así que ver como Barbrow va manejando a sus muñequitos jugando como un niño grande me ha gustado mucho. Sobre todo, por las caras que va poniendo Merche, como pensando: «joder, este tío es idiota, aquí jugando con los muñequitos en vez de matar a Paco y Merche como debería». Sencillamente genial.
Barbrow en plan… ¿echamos una partida?
Lo que no me está gustando tanto es el papel de Vergara. El cura fue el principal protagonista de la temporada pasada, un papel que se ganó gracias a su carisma, aunque aquí aparece un tanto desdibujado.
Todas las escenas del Infierno tienen una potencia visual enorme, pero las dudas existenciales de Vergara y su falta de personalidad chocan con lo que ya conocíamos del personaje. Creo que es necesario que uno de los episodios que quedan se centren sobre todo en él y que se desarrolle un poco más esta trama infernal que tanto promete, pero que tan poco nos da.
El drama policíaco dirigido por Jeff Nichols, The Bikeriders, de New Regency, se está vendiendo a estudios rivales y plataformas de streaming después de que la película abandonara su fecha de estreno en cines el 1 de diciembre, según informa Deadline. Básicamente es lo que ponemos en el titular, Disney cancela The Bikeriders. ¿Y ahora qué?
New Regency tenía un acuerdo con 20th Century Studios que ahora pertence a Disney, que originalmente iba a estrenar la película. Pero a todo esto y mientras se esperaba la fecha para el estreno de The Bikeriders, 20th Century Studios contaba con la brillante película de acción y ciencia ficción de Gareth Edwards, El Creador (The creator), protagonizada por John David Washington.
El problema es que esa producción de 80 millones de dólares no funcionó bien a principios de otoño, ya que se estrenó durante la huelga de actores. Recaudó sólo 40,7 millones de dólares en Estados Unidos y 104 millones en todo el mundo. Un fracaso absoluto en taquilla, ya que para tener beneficios debes tener un mínimo de 3 o 4 veces de recaudación sobre los costes de producción.
Cuando Disney trata de estrenar películas fuera de sus marcas Marvel, Pixar Animation y Lucasfilm, el fuerte de la casa del ratón rara vez ha sido el cine para gente más adulta.
The Bikeriders retrasó su estreno del 1 de diciembre el mes pasado debido a que AMC se abalanzó sobre la fecha con su segunda película de conciertos, Renaissance: Una película de Beyonce. Ya se habían celebrado proyecciones de premios para la película y parece que The Bikeriders se queda compuesto y sin novia.
The Bikeriders se estrenó mundialmente en el festival de Telluride y cuenta con un 85% de aprobación en Rotten Tomatoes, que es una nota bastante alta, pero parece que a Disney le da miedo tener otro fracaso de proporciones épicas.
The Bikeriders está protagonizada por Austin Butler, Tom Hardy y Jodie Comer. La película sigue el recorrido de un ficticio club de moteros del Medio Oeste americano de los años sesenta a través de las vidas de sus miembros.
La película está inspirada en el icónico libro de fotografía de Danny Lyon. Kathy (Comer), miembro de los Vandals y casada con un motorista salvaje y temerario llamado Benny (Butler), relata la evolución de los Vandals a lo largo de una década, empezando como un club local de forasteros unidos por los buenos momentos, las motos ruidosas y el respeto por su líder, Johnny (Hardy).
Con el estreno de Mejor Navidad, ¡imposible!, Netflix da el pistoletazo de salida a la Navidad en pleno mes de noviembre. Aunque pueda sonar a broma, las películas navideñas de Netflixtienen mucho tirón y cada año son de lo más visto en la plataforma, así que hay que echarles un vistazo. Eso si, teniendo presente que es lo que estamos viendo. Al lío.
En Mejor Navidad, ¡imposible! Charlotte (Heather Graham) cree que su familia es algo cutre y la verdad es que tiene motivos: una hija que cree tener superpoderes por culpa de Marvel (sic), un hijo obsesionado con que un mono de peluche es su mejor amigo y encima casada con el de American Pie (Jason Biggs). Por eso cuando recibe el boletín navideño de su amiga Jackie (Brandy Norwood), con esa familia pluscuanperfecta formada por su marido buenorro, una hija superdotada que estudia en Harvard y un hijo supersolidario, se obsesionará por demostrar que no es tan perfecta como aparece.
Mejor Navidad, ¡imposible! es una película navideña made in Netflix, es decir producción algo de baratillo, decoración navideña en modo horror vacui y actores de prestigio regulín venidos a menos. Dirige Mary Lambert, quien también se ocupó de Un castillo por Navidad, con Brooke Shields y Cary Elwes. Curiosamente, esta última resulta mucho mejor que la que nos ocupa.
¿Comorrr? Alguno se preguntará: Pedro, ¿cómo dices? ¿qué la del castillo es mejor que esta? Pues si. En el tema de producción y realización son calcadas pero la del castillo tiene claro lo que es, una película navideña románticona, de esas de «chica/chico odia la Navidad, conoce a chico/chica que la adora, ambos se enamora, que si pero que no y al final se arrejuntan y se dan un besito».
El problema de Mejor Navidad, ¡imposible! es que huye de ese esquema y cae en la indefinición más absoluta. Al principio creemos que será una comedia gamberra (Jason Biggs se presta a eso), donde Charlotte le hará la vida imposible a Jackie pero no, nada de gamberradas.
De ahí saltamos a comedia familiar con niños pero tampoco acaba de cuajar en ese aspecto y por eso, cuando llegamos al final, no tenemos claro qué tipo de película es Mejor Navidad, ¡imposible!. Para mi, eso es lo peor que le puede pasar a una película, que no se defina y que mezcle géneros sin que la cosa funcione.
No apta para diabéticos
Las películas navideñas en general y las de Netflixen particular (si, las otras plataformas también tienen las suyas) no se caracterizan por su tensión dramática, más bien al contrario. Por mucho amago de drama que haya, al final todo acaba bien. Es lo que esperamos, lo que queremos y por eso las vemos, para sentirnos bien en estas fechas tan entrañables. Puro confort tv.
Ahora, en Mejor Navidad, ¡imposible! se les ha ido la mano con el azúcar. La película es empalagosa hasta decir basta y el nivel de ñoñería es muy superior al de algunos clásicos del género, como Un príncipe de Navidad o Cambio de princesa y eso, para quien sepa de lo que hablo, es decir mucho. No ayuda que la co-protagonista, Brandy Norwood, tenga el carisma del asa de un cubo. Por lo menos los niños resultan graciosos, especialmente la niña obsesionada con los superhéroes Marvel (aunque alguien tendría que decirle que La fortaleza de la soledad pertenece a la Distinguida Competencia).
En resumen, que con Mejor Navidad, ¡imposible! iniciamos la Navidad en Netflixcomo si esto fuera El Corte Inglés, semanas antes de la fecha señalada, y no ha sido para tirar cohetes. Más de uno (y de dos y de tres) huirá de esta película pero esto tiene sus fans. ¿No los tiene Eurovisión? ¡Queremos que vuelva Vanessa Hudgens! Un saludo, sed felices.
En pocos días más se estrena Napoleón, película de Ridley Scott en la cual Joaquin Phoenix da vida al célebre militar, líder y político francés. A lo largo de la historia del cine han sido muchos quienes lo han hecho, tanto que resulta imposible contarlos, pero hacemos un repaso de diez grandes actores que hicieron de Napoleón en la pantalla grande…
El gran corso, el genio de la guerra, el gran estratega, el ogro de Ajaccio, el usurpador universal o el pequeño cabo son algunos de los apodos con que, a veces exaltándolo y otras despreciándolo, se ha hecho referencia a Napoleón Bonaparte, personaje controvertido si los hay ya que algunos lo ven como quien expandió fuera de Francia los ideales de la revolución francesa y otros, por el contrario, como quien los traicionó…
Quizás hayan sido un poco las dos cosas, pero lo cierto es que este viernes se estrena mundialmente Napoleón, la película de Ridley Scott en la cual el polémico militar francés es encarnado por Joaquin Phoenix y de la cual pueden ver aquí el primer y segundo tráiler. Una buena oportunidad para repasar diez grandes actores que lo interpretaron, aclarando desde ya que es una lista incompleta ya que los que se calzaron el gorro bicornio han sido muchísimos e imposibles de contar por las muy diversas cinematografías nacionales que han abordado tamaño personaje histórico.
Por lo general, en el cine francés se lo suele representar como un héroe con sus defectos o, a lo sumo, demasiado enceguecido por su amor a Francia. En el cine anglosajón, en cambio, suele ser retratado como tiránico, ambicioso, caprichoso o a veces incluso ridiculizado.
Aclaramos que se trata exclusivamente de interpretaciones en cine y no incluimos las televisivas, que también han sido muchas. Como dato al margen, de los diez que integran la lista ya siete están fallecidos, lo cual habla a las claras del tiempo que llevan los cineastas recreando su figura.
De hecho, la primera interpretación de Napoleón en pantalla data del siglo XIX. Sí, están leyendo bien: un corto de menos de un minuto de 1897 (cuando el invento de los hermanosLumière tenía solo dos años) muestra un encuentro entre él y el Papa Pío VII.
El mismo llega a nosotros gracias a una versión coloreada a mano que sobrevive en la Cinemateca Francesa y la trama, obviamente muda, muestra a Napoleón en Fontainebleau queriendo convencer al Sumo Pontífice de algo que le niega, por lo cual se retira ofuscado: probablemente el desacuerdo tenga que ver con el famoso Concordato con el que Bonaparte buscaba poner al papado bajo control estatal.
El corto (para ese entonces, obviamente, no considerado como tal) está dirigido por Alexander Promio, Gaston Bretteau y Georges Hatot, que es quien justamente interpreta al militar francés. La actuación se ve sorprendentemente buena para la época, pero la escasa duración hace que no podamos incluir a Hatot en una lista selecta de quienes dieron vida a Bonaparte. No obstante, me ha parecido justo mencionarlo y de paso mostrarles el corto, que tiene en sí mismo tanto valor histórico como la propia escena que recrea.
Dicho ello, al listado…
William J. Humphrey
Actor y también director británico que, en los inicios del cine mudo, estuvo muy ligado a las primeras adaptaciones cinematográficas de Shakespeare y Dickens. Manteniéndose en la línea de cine de época, dio vida a Napoleón Bonaparte en dos cortos de trece minutos cada uno, los cuales, dirigidos por James Stuart Blackton, fueron Napoleón y la Emperatriz Josefina y Napoleón: el Hombre del Destino.
El primero, de 1907 y como su nombre lo indica, trata sobre el amor entre el general francés y Josefina de Beauharnais, su pareja más célebre. El segundo, basado en una obra de teatro de George Bernard Shaw, funciona como secuela del anterior y cuenta la historia de Napoleón desde su derrota en Waterloo hasta el claustro de Santa Elena. Por su carácter pionero, William J. Humphrey merece iniciar el listado.
Albert Deiudonné
Actor francés al que le tocó interpretar la última gran película muda sobre Napoleón: un clásico considerado vanguardista por el uso de técnicas novedosas como cámara subjetiva, cámara en mano, cámara bajo el agua y una escena final que estrenaba el sistema Polyvision, que ofrecía sensación de imagen panorámica total al proyectar en forma simultánea tres rollos de película.
Dirigido por Abel Gance y estrenado en 1927, Napoleón es un filme que cubre la primera parte de la vida de Bonaparte, con su ascenso en la carrera militar, su papel en la revolución francesa y los inicios de su campaña en el norte de Italia. La idea era que fuera la primera de seis películas, pero los exorbitantes costes no hicieron posibles las restantes (recordemos que dos años después el mundo se vio sacudido por el crack de Wall Street).
La caracterización de Albert Deiudonné como un Napoleón de indómita melena quedó marcada no solo para el público, sino también para el propio actor, de quien se dice que acabó mimetizándose con su personaje al punto de creer que era él. No sabemos qué tan cierto sea, pero sí que después de la película se dedicó a dar conferencias sobre el célebre militar francés.
Charles Boyer
Reconocido actor francés que supo pisar fuerte en Hollywood. Interpretó a Napoleón en María Walewska, película de 1937 que, dirigida por ClarenceBrown, tenía en su papel principal a la legendaria Greta Garbo dando precisamente vida a la aristócrata polaca que da nombre al filme y con quien Napoleón tuviera un hijo ilegítimo mientras estaba casado con Josefina.
La designación de Charles Boyerpara el papel tuvo que ver en gran medida con su origen, no obstante lo cual él manifestó que “ninguna actuación de Napoleón Bonaparte, por más perfecta que sea, sería satisfactoria para el público francés”. Sin embargo y a pesar de sus reservas, la película fue muy exitosa en Europa y particularmente en Francia, incluso más que en Estados Unidos, donde de todas formas su elogiada actuación le valió ser nominado al Oscar.
Marlon Brando
Por alguna razón, la película en que el prestigioso actor interpretó a Napoleón es poco recordada. A decir verdad, tampoco es demasiado buena. Desirée, de 1954 y dirigida por Henry Koster, está basada en una novela romántica y, como tal, privilegia una historia sentimental de dudosa veracidad histórica en la cual el gran militar habría estado durante toda su vida enamorado de Désirée Clary, la humilde muchacha con la cual quería casarse de joven, pero compromisos y alianzas políticas lo impidieron en aras de privilegiar el matrimonio con Josefina.
Ojo: algo de cierto hay porque esa joven existió, aunque no era tan humilde sino de origen burgués y acabó siendo reina de Suecia y concuñada del propio Napoleón (su hermana se casó con el famoso “Pepe Botella”). Pero no hay evidencia de que, como muestra el filme, él haya quedado obsesionado con ese amor juvenil por el resto de su vida.
Marlon Brando compone a un Napoleón más autoritario que los anteriores, a la vez que contradictorio y atrapado en la disyuntiva entre su ambición y su corazón. A pesar de que el personaje principal del filme no es él sino ella (interpretada por Jean Simmons), Brando hace un gran trabajo y da a su Napoleón rasgos propios y distintivos. Aun así, la Academia de Hollywood le pasó de largo: la película tuvo nominaciones en dirección artística y vestuario, pero no en actuación.
Herbert Lom
El actor de origen checo fue el primero que, en la era del cine sonoro, repitió papel con Bonaparte. Lo interpretó en 1942 en el filme británico El Vencedor de Napoleón (Carol Reed, 1942) y lo volvió a hacer catorce años después en la producción italoestadounidense Guerra y Paz (King Vidor, 1956) que, basada en la célebre novela de León Tolstói, es sin duda la más recordada de la dos, además de ser su actuación mencionada muchas veces como una de las mejores composiciones de Bonaparte, si no la mejor.
Con un costo de seis millones de dólares, exorbitante para la época, el filme era, por lo menos hasta entonces, uno de los más caros de la historia, incluyendo su impresionante elenco coral a Henry Fonda, Mel Ferrer, Vittorio Gassman, Anita Ekberg y, en el rol principal, a Audrey Hepburn como Natasha Rostova, (papel por el que cobró 350.000 dólares, convirtiéndose en la actriz mejor paga hasta esa fecha).
A pesar del reparto y la descomunal producción, la película pasó sin pena ni gloria por los cines de Estados Unidos y Europa Occidental aunque, de manera inesperada y en plena guerra fría, fue un éxito arrollador en la Unión Soviética.
Rod Steiger
Como su nombre lo indica, la producción italosoviética Waterloo, de 1970, recrea fundamentalmente clima previo y desarrollo de una de las batallas más célebres de la historia que, además, decidió el ocaso final de Napoleón.
El director ruso Serguéi Bondarchuk tenía ya ganado prestigio en su cinematografía de origen por haber rodado su propia versión de Guerra y Paz que, estrenada en 1966, se había convertido en la película más cara de la historia con siete años de rodaje, ciento veinte mil extras en una única escena y un metraje de… 403 minutos (!!!). Ello le convertía en todo un especialista en la materia y candidato ideal para rodar Waterloo.
Rod Steiger era para entonces un actor versátil de rutilante carrera en Hollywood, pero que había migrado a Europa en busca de papeles más exigentes. Aun cuando Waterloo sea básicamente una película militar y, como tal, apunte más a los avatares bélicos que a desarrollar personajes, Steiger entrega un trabajo memorable con la ayuda del buen ojo del director que sabe explotar sus dotes con primeros o primerísimos planos.
Lamentablemente y pesar de la producción de Dino De Laurentiis y de un costo de 25 millones de dólares, la taquilla no acompañó…
James Tolkan
Primer actor del listado que sigue vivo al momento de escribir esta nota. Aun cuando La Última Noche de Boris Grushenko (1975) tenga a su director Woody Allen y a Diane Keaton en los papeles principales, el aporte de James Tolkan recreando al emperador no es menor, sobre todo porque la escena en que la pareja trata de asesinarlo es de lo mejor de la filmografía de Allen.
El filme es homenaje y a la vez parodia a la literatura rusa, especialmente a Dostoyevski y Tolstói. Cuenta la historia de un ciudadano ruso bastante cobarde que termina, sin embargo y por imperio de las circunstancias, convertido en héroe anónimo y participando junto a su esposa en un complot para asesinar a Napoleón. Obedeciendo al carácter paródico del filme, el militar francés es recreado como mujeriego, seductor y algo ridículo.
Ian Holm
Otro que lo interpretó dos veces. El gran actor británico que nos dejara tres años atrás (aquí nuestro artículo publicado en ese momento) encarnó a Napoleón por primera vez en Los Bandidos del Tiempo (Terry Gilliam, 1981). Su participación allí, aunque breve (aparece en el primero de los viajes temporales), es muy recordada al componer a un Bonaparte de temperamento infantil que no para de reír y está más interesado en su función de marionetas que en la batalla que se está librando por la ciudad de Castiglione.
Viente años pasaron para que Ian Holm volviera a darle vida, otra vez en tono de comedia satírica, en Mi Napoleón (Alan Taylor, 2001), con una historia imaginaria en la cual un grupo de leales súbditos urden un plan para sacarlo de su reclusión en Santa Elena y llevarlo a París a los fines de restablecerlo en el poder tras dejar un doble en la cárcel que, en definitiva, será quien termine muriendo en su lugar para engaño del mundo.
De acuerdo a ello, el verdadero Napoleón estaría enterrado en París bajo otra identidad: es un gran y soberbio disparate, desde ya, pero es bueno aclararlo porque siempre están los conspiracionistas que toman ese tipo de cosas en serio.
Danny DeVito
Segundo del listado que sigue vivo. Se dice que Napoleón era de baja estatura, aunque algunos lo discuten. Sea como sea, alguien pensó en Danny DeVito y estoy seguro que pocos recuerdan su interpretación.
Es que el suyo es un caso especial por tratarse de una actuación dentro de otra, ya que en realidad hizo de un actor que hacía de Napoleón en Cómo conquistar Hollywood, gran película de Barry Sonnenfelddel año 1995 (conocida en América Latina como El Nombre del Juego), basada en una novela de otro grande:Elmore Leonard.
Se trata básicamente de una comedia de gangsters en la que DeVito interpreta a una ficticia estrella de Hollywood llamada Martin Weir que, justamente, está rodando el papel principal de una película llamada Napoleón. El dato más llamativo, a la luz del estreno inminente del filme de Ridley Scott y Joaquin Phoenix, es que el póster que promociona la película es casi idéntico al que aparecía en Cómo conquistar Hollywood promocionando la Napoleón ficticia.
Daniel Auteuil
Tercero del listado que sigue vivo. Hacia finales de los noventa, este gran actor francés se preparaba para interpretar a Napoleón en una producción americana titulada Betsy, que narraría la historia de su último amor en Santa Elena.
Finalmente la película no se hizo, pero su entrenamiento le sirvió cuando unos años después fue convocado por el director italiano Paolo Virzi para interpretar al célebre militar en N. Napoleón y Yo, adaptación de una novela de Ernesto Ferrero (fallecido hace escasos días) que giraba en torno al exilio de Bonaparte en la isla de Elba, trabando allí particular amistad con un joven veinteañero al que han designado como su bibliotecario y que, habiendo sido admirador suyo en el pasado, le recrimina ahora haber traicionado los ideales revolucionarios.
La película se estrenó en 2006 y se pueden establecer paralelismos con El Cartero (Michael Ratford, 1994), en que un exiliado Pablo Neruda se hacía amigo del encargado de llevarle la correspondencia en una pequeña comunidad italiana. Sin embargo, el tono general del filme apunta más a comedia de enredos y, compartiendo cartel con Elio Germano y Monica Bellucci, Daniel Auteuil interpreta a un Napoleón cansado, mal afeitado y con unos cuantos kilos de más, sumado al particular detalle de que le oímos hablar en italiano.
Desde ya que nos han quedado muchos afuera por la imposibilidad, mencionada al principio, de abarcarlos a todos. Además, y si bien este es un listado únicamente dedicado a quienes interpretaron a Napoleón en el cine, es justo también recordar a algunos que hicieron grandes trabajos dándole vida en producciones televisivas, ya sean películas o miniseries, como Trevor Howard, Armand Assante, Christian Clavier, David Swift y Tom Burke, entre muchos otros…
Interpretar a un personaje histórico como Napoleón debe ser, para cualquier actor, una de esas experiencias que dejan marca por la carga que conllevan. Ya lo dijo Daniel Auteuil: “En el fondo es el hábito el que hace al monje. Interpretar a Napoleón te marca de tal forma que, desde que grabamos, nadie me ha vuelto a llamar por mi nombre y mi perro se ha convertido en el perro de Napoleón”.
Por cierto y aunque parezca mentira, muchos actores han recibido premios por interpretar al personaje, pero ninguno el Oscar: solo la nominación de Charles Boyer, finalmente sin estatuilla. ¿Será Joaquin Phoenix quien acabe con ello? Por lo pronto, todas las miradas están puestas en él y en el estreno de este viernes.
Nos estamos acercando al final de El Sexto Revolver. Ya podemos leer el quinto y penúltimo libro de la serie que Norma está publicando en nuestro país en lujosos volúmenes recopilatorios. Con todos los elementos por fin sobre el tablero, los autores se embarcan en una aventura que supone el principio del fin. Y además vamos a conocer un poco más a dos secundarios de esos que tanto brillo han dado a la serie.
El resumen de la editorial de este libro es el siguiente:Con los seis revólveres malditos con la capacidad de destruir y rehacer la realidad en su posesión, la Bruja Gris Griselda ha logrado obligar a esconderse a Becky Montcrief, Drake Sinclair y Nidawi. Ahora ya solo es cuestión de tiempo que traiga el apocalipsis a la Tierra, para así poder rehacerla según sus deseos.
Adicionalmente, descubre las historias de Roberto Vargas y Jesup Sutter, los adalides de los Caballeros de Salomón y la Espada de Abraham.
Como siempre este tomo contiene dos arcos argumentales. En el primero de ellos, A toda costa, los autores de la serie, Cullen Bunn y Brian Hurtt (más Bill Crabtree al color) siguen la trama principal de este gran western sobrenatural que nos llevan contando durante tanto tiempo. Todo parece perdido para Becky y Drake, que ya no tienen en su poder los seis revólveres y a los que sólo queda como aliada Nidawi (poseída por el chaman Cuervo Aullador).
El tiempo de pensar astutos planes ha pasado y sólo queda la opción de sorprender a la Bruja Gris con un ataque relámpago antes de que haga uso de las armas para desencadenar el fin del mundo. Para ello nada mejor que aprovechar el poder de Cuervo Aullador y desencadenar la furia de los Pájaros de Trueno. Ya vimos como se las gastaba uno de estos bichos en el primer volumen de la serie, así que imaginad el caos que puede desencadenar un grupo de estas criaturas. Y al final, nuestros protagonistas contarán con una ayuda inesperada que les pondrá en situación de frustrar los planes de sus enemigos…
El segundo arco, Días de los muertos, vuelve a ser un paréntesis en la historia principal que sirve para conocer en profundidad a Roberto Vargas y Jesup Sutter, miembros de los Caballeros de Salomón y la Espada de Abraham. A pesar de ser teóricos enemigos, a estos dos hombres no les quedará otra que colaborar para acabar con una maligna entidad que amenaza a toda la humanidad. Y ya de paso sabremos el motivo real de la enemistad que hay entre Drake y Jesup y que tan funestas consecuencias ha tenido en la historia principal.
A toda costa supone el principio del fin de la serie, con unos Drake y Becky que no tienen otra opción que tomar medidas desesperadas en su lucha contra la Bruja Gris. Vamos a ver escenas realmente muy impactantes cuando los habitantes del pueblo en el que esta escondido el sello paguen las consecuencias de las intenciones de la bruja. Aunque lo escalofriante es ver cómo funcionan como una secta, algo que puede conectar con la actualidad donde la crítica cada vez se ve más arrinconada por el pensamiento sectario. Es sin duda el arco argumental con más acción de la serie. El enfrentamiento de los Pájaros de Trueno contra los hombres serpiente de la Bruja Gris deja momentos espectaculares en los que el arte de Brian Hurt brilla sobre manera gracias también al enorme trabajo en el color de Bill Crabtree. No puedo dejar de pensar en lo bien que luciría todo esto con un mínimo de mimo en una buena producción audiovisual. Cuando termina esta historia todo queda preparado para el enfrentamiento final entre nuestros héroes y la malvada Bruja Gris.
En cuanto a Días de los muertos hay que señalar que se trata de una miniserie escrita por Bunn y Hurt y dibujada por Mike Norton, de nuevo con Bill Crabtree al color. Siempre me ha parecido que el Universo de El Sexto Revolver es realmente rico y que los autores se han molestado en crear un mundo vivo lleno de posibilidades, con personajes muy interesantes de los que merece la pena saber más. Así que es un placer leer otra aventura ambientada en este mundo de western sobrenatural que además tiene consecuencias en la trama principal.
La edición de Norma sigue la senda de excelencia de los volúmenes anteriores. El contenido corresponde al de la edición original del quinto tomo integral de serie y además de los números que tocan de la colección principal (del 42 al 47), se incluye como ya hemos comentado la miniserie El sexto revolver: Días de los muertos. Viene como siempre encuadernado en tapa dura y consta de 368 páginas incluyendo muchos extras entre los que destaca como curiosidad las reglas y una aventura del juego de rol de El sexto revolver. Como de costumbre también incluye múltiples bocetos, portadas alternativas y demás contenido promocional. El precio de venta es de 39,95 euros.
En resumen, El Sexto Revólver vol. 5 nos ofrece el principio del final de este fantástico western sobrenatural con una aventura repleta de acción y escenas espectaculares que deja todo preparado para el enfrentamiento definitivo entre Becky Montcrief y Drake Sinclair y la malvada Bruja Gris.
