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Análisis de Superman & Lois. Temporada 3. Episodio 11. Complicaciones

Bienvenidos a un nuevo análisis de Superman & Lois. Toca el capítulo 11 de la tercera temporada, “Complicaciones”, donde Clark ayuda a Lois a prepararse para su mastectomía, pero debe dejar a su esposa y a sus hijos antes de la operación ya que tiene que ayudar a John Henry y Sam a localizar a los Mannheim antes de sus acciones puedan poner en peligro a toda Metrópolis, incluida la propia Lois.

Enlace a los análisis anteriores de Superman & Lois.

La batalla de Lois contra el cáncer de mama está a mitad de camino, ya que aún le queda someterse a una mastectomía doble para extirpar completamente los tejidos cancerosos. Se prepara mental y físicamente para la cirugía pasando tiempo con sus amigos, Lana Lang y John Henry Irons.

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No hay nada como una cena con buenos amigos

Al mismo tiempo, Peia, Bruno y Matteo planean escapar de Metrópolis para vivir felices en su casa de la playa. Matteo también se siente bien, con la esperanza de un nuevo comienzo para sus padres a pesar de haber perdido a su novia y a la mayoría de sus amigos desde que cometió un crimen al permitir que su madre escapara de Defensa.

Toda esta introducción irradia esperanza. Unos nuevos comienzos, mejores cosas para el futuro. Pero la vida casi nunca funciona de esa manera, y podemos ver que el estado de Peia empeora por horas. A pesar de al principio parecer estar bien, tal y como era de esperar la cura va perdiendo efectos y empieza a perder el control de sus poderes. Su enfermedad se manifiesta a través de una serie de ataques de tos que desencadenan sus estampidos sónicos. Es especialmente espeluznante el momento en el que sin querer desintegra a uno de los secuaces de Bruno. Desde ese momento queda claro que no hay vuelta a atrás.

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Los Kents en el hospital

Sincerándose con Kyle

Después del final de episodio de la semana pasada estaba claro que Clark y Kyle tenían una conversación pendiente. Nuestro protagonista se sincera y le dice a su amigo que sí, que es cierto, él es Superman. Kyle se lo toma bastante bien, aunque tiene una discusión con Chrissy porque ella le ocultó este secreto.

Pero hay otro conflicto dentro de la familia Cushing. Sarah se encuentra inmersa en una espiral depresiva debido a sus errores en el episodio anterior. Obviamente, Lana está viendo sombras del pasado e inmediatamente acude a Kyle para hablar los dos con su hija (recordemos que Sarah ya intentó suicidarse).

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Los Cushing, por supuesto sin su hija pequeña

Esto lleva a una escena bastante sólida en la que Kyle habla a su hija sobre los errores que cometió en el pasado (alcoholismo). Pero esos errores le han forjado como la persona que es hoy y el superarlos le ha hecho más fuerte, sobre todo al tener un propósito en la vida que no es otro que cuidar de su familia. Sarah parece convida y acepta de buen grado el consejo de su padre, aunque no parece muy feliz con la idea final: que trabaje en la cafetería para que aprenda a ser responsable.

Y toda esta conversación hace recapacitar a Kyle, que acepta que Chrissy tenía razón al no contarle el secreto de Clark y se reconcilia con ella.

La relación entre Matteo y Natalie

Nat sigue sin poder superar el hecho de que ya no va a poder ver más a un Matteo al que se ha tragado la tierra. Su padre intenta hacer ver a la chica de que tiene que dejar atrás esa historia por más que la duela ya que no hay nada que hacer. Matteo ha hecho su elección y no puede luchar contra eso.

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John Henry y Bruno frente a frente

Pero cuando Peia empeora, Matteo busca ayuda y Nat le encuentra en el ático de la familia Mannheim. También llegan allí John Henry y Bruno que tienen sus más y sus menos. Pero aparece la nobleza de un John que no duda en ofrecer su ayuda a Bruno y Matteo para intentar ayudar a Peia.

Y llegó el día de la operación

Cuando por fin llega el día de la operación de Lois todo se descontrola. Peia ha perdido el control de sus poderes y estos empiezan a afectar a todo Metrópolis, dejando a la ciudad sin luz ni comunicaciones, incluyendo el hospital. Pero Lois no quiere ni oír hablar de un aplazamiento, bastante le ha costado armarse de valor para la intervención para tener que dejarla para otro día.

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Lois y Clark antes de la operación

Nuestra protagonista tiene claro que Peia no está haciendo esos destrozos a propósito ya que sabía que hoy era cuando la operaban. Clark duda, pero su esposa le convence, no hay odio en Peia así que tiene que estar perdiendo el control de sus poderes.

Así que los médicos llevan a Lois al quirófano en un momento de calma y Superman se une a Sam y John Henry en Defensa para intentar localizar a Peia.

Mientras, Jordan desarrolla un nuevo poder, justo en el momento más inoportuno. Empieza a usar su visión de rayos-x sin control, poniendo al borde del ataque de ansiedad. Menos mal que Jon está allí para ayudar a su hermano que poco a poco controla su nuevo poder, usándolo incluso para ayudar cuando las cosas se ponen feas en el quirófano.

Los Rayos-X de Jordan

Al final, Peia sale del escondite donde estaba con todo su poder totalmente descontrolado y Superman logra localizarla. Nuestro héroe acude en su ayuda a pesar de todo lo que ha pasado y comprende por lo que está pasando. Su consejo no es otro que se deje ir, que deje de luchar una lucha que no tiene sentido. En ese momento la mujer se rinde por fin y Superman la coje en brazos para llevarla al cielo de la ciudad donde Peia muere en una enorme explosión.

Superman desciende del cielo con Peia en los brazos hasta el ático de los Mannheim y les dice a Bruno y Matteo sus últimas palabras, que los ama más que a nada. Matteo y Bruno están de duelo y, sin embargo, a pesar de todo lo sucedido, Nat y John Henry están ahí para apoyarlos. Ven dos espíritus afines en los Mannheim y, por lo tanto, a pesar de su ira (e incluso odio en el caso de John Henry), todavía están allí en su momento de dolor.

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Superman lleva a la fallecida Peia con su familia

La operación de Lois salió bien y está en casa recuperándose. Clark le cuenta lo que pasó con Peia y, aunque está triste, es consciente de que no puede haber otro desenlace.

Consecuencias

Tanto Bruno como Matteo están detenidos en Defensa, y Bruno promete revelar todo lo que ha hecho si se retiran todos los cargos contra su hijo. A pesar de ser un ser humano horrible, Bruno todavía quiere que su hijo tenga la mejor vida posible y se da cuenta de que no puede tener eso si está en prisión. John Henry le asegura que Matteo estará bien atendido. Esto no sorprende a Bruno. Finalmente admite que John Henry es un hombre mejor de lo que nunca será.

Las últimas escenas del episodio de esta semana revelan que algo más ha despertado en las profundidades del laboratorio de Bruno Mannheim. Podemos ver a Bizarro Superman resucitado saliendo del laboratorio y apenas controlándose.

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Bizarro está preparado para volver a dar guerra

Valoración del episodio

Muchas cosas y muy intensas todas las que ocurren esta semana. Empezaremos por el empeño de los guionistas en que empaticemos con Peia y Bruno. Está bien que nos muestren su lado más humano, pero al final siguen siendo dos personas horribles que no dudan en querer escapar cuando parece que Peia esta curada. Son dos asesinos y dos criminales que han hecho cosas horribles. Ellos insisten que ha sido por amor y por buscar una cura a la enfermedad, pero siempre que han tenido la oportunidad de hacer el bien han pasado olímpicamente. Sólo se deciden a ser “buenos” cuando no tienen más remedio. Como esa última escena donde Bruno se entrega y confiese para salvar a Matteo. Vamos es que solo faltaba. En fin. Todo este tema creo que ha sido uno de los puntos más débiles de la temporada.

La escena de Superman diciendo a Peia que se deje ir es una de las mejores de toda la serie. Ya vimos en el capítulo seis como le costó a nuestro héroe aceptar que era posible que tuviera que dejar ir a Lois y como pudo superarlo. Pues bien, ese aprendizaje le lleva a poder prestar todo su apoyo a una Peia en sus últimos momentos.

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Peia a punto de perder el control de sus poderes

No puedo dejar de señalar que una vez más Jon demuestra que es el mejor personaje de la serie. Puede que no tenga poderes, pero es gracias a él que Jordan logra controlar los suyos en unas escenas en donde los dos personajes brillan a gran altura. Y me encanta la lección que Jon le da a su hermano cuando este se queja por tener poderes. Ya le dejó las cosas claras al mismísimo Superman en el capítulo anterior, y ahora lo vuelve a hacer con el niñato de Jordan.

Otro personaje que demuestra de que pasta está hecho es John Henry. A pesar del odio que siente por Bruno, es capaz de dejar atrás ese sentimiento para apoyar a su enemigo cuando muere su esposa y cuando le promete que velará por su hijo. John es mucho mejor hombre de lo que Bruno será en la vida y además sabe que de esta manera podrá hacer feliz a su hija. Para quitarse el sombrero.

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Jon no duda en acudir en ayuda de su hermano

En cuanto a los Cushing, pues como de costumbre. La conversación de Lana y Kyle con su hija está bastante bien llevada y el hecho de que la hagan coger un trabajo para ser responsable me parece una idea genial. Pero el echo es que Sarah se ha convertido en un personaje muy desagradable con el que es muy difícil empatizar, lo que unido a que estas escenas cortan el ritmo del resto de tramas, hace que siempre se me haga bastante cuesta arriba ver a esta familia.

Y para el final, lo mejor. Sólo quedan dos episodios y esa última aparición de Bizarro promete ponerlo todo patas arriba. Sin olvidar que la confesión de Bruno hará que Lex Luthor sea puesto en libertad, algo que todos los fans del Hombre de Acero estamos deseando ver.

Reseña de Bunny Mask 1. Terror, amor y verdad se dan la mano en un cómic tan interesante como inquietante

Planeta Cómic publica en España el primer tomo de Bunny Mask, un cómic de terror de Paul Tobin y Andrea Mutti editado originalmente por Aftershock. Es cierto que el terror es un género que funciona bien en el mundo de las viñetas (que se lo digan a Cullen Bunn), pero que tampoco llega a proporcionar enormes éxitos de ventas. Por eso siempre es una buena noticia que las editoriales se decidan a salir un poco de la comodidad de los superhéroes o la ciencia ficción para ofrecer este tipo de historias, que bien contadas, pueden ser muy satisfactorias.

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Lo primero que hay que señalar es que Paul Tobi es un escritor que tiene experiencia en el género ya que es el cocreador de la escalofriante Colder, además de haber pasado por Creepy y de haber trabajado también con otros “monstruos” como los Aliens o los Depredadores. Y los dibujos de Andrea Mutti ya los hemos visto en Maniac of New York y Hellblazer, otras dos obras del género. Así que al menos podemos estar seguro de que los autores de Bunny Mask saben lo que se traen entre manos.

La historia que Paul Tobi nos cuenta sigue a Tyler Severin, un médico que ha logrado rehacer su vida después de sobrevivir hace años a un tortuoso secuestro con torturas a las que le sometió el demente Leo Foster. Cuando Tyler se reencuentra con Bee Foster, la hija de su torturador y a la que suponía muerta, las cosas empiezan a volverse realmente extrañas, sobre todo por la posible relación de la joven con la misteriosa entidad conocida como Máscara de Conejo que fue la que salvó a Tyler de Leo Foster ¿O tal vez fue nuestro protagonista el que desató en el mundo a un ser aterrador pero que parece tener buenas intenciones?

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Máscara de conejo hace su primera aparicion y es aterradora

Lo que más llama la atención de Bunny Mask es la capacidad de sus autores para salirse de lo establecido e ir un poco más allá de lo que podríamos llamar “terror”. En sus páginas hay de todo, desde un secuestro con tortura, hasta macabros asesinatos y una complicada investigación policial, pasando por una criatura aterradora que no sabemos muy bien de donde sale o que quiere. Incluso hay una historia de amor (entre Tyler y Bee) que muchas veces se sitúa en el centro del relato y que funciona realmente bien dentro de ese ambiente malsano que rodea toda la obra. Hay muchas escenas donde la relación entre los protagonistas toma el mando de la trama y donde la habilidad de Paul Tobin para escribir buenos diálogos (y con bastante gracia, algo que se agradece dentro de tanta oscuridad) brilla sobre todo lo demás. Todo sin olvidar una pizca de acción y bastante mala leche cuando Paul Tobi decide que ha llegado la hora de que corra la sangre.

La mezcla entre la relación entre Tyler y Bee y las pistas que se van dejando sobre el misterio de Máscara de Conejo hacen que la lectura de esta obra sea muy interesante, sobre todo porque la relación entre la criatura y Bee no queda nunca clara y eso hace que el lector siga leyendo con avidez para intentar averiguar qué demonios está pasando. Y es que ese es realmente el tema central de la historia, la búsqueda de la verdad y si es cierto que queremos o nos interesa conocer las verdades del mundo. A pesar de que la historia queda más o menos cerrada, con un final bastante bueno, es cierto que quedan muchas preguntas en el aire que esperemos que los autores puedan responder en el futuro.

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El emotivo reencuentro entre Tyler y Bee

En cuanto al trabajo de Andrea Mutti solo puedo decir que ha mejorado bastante desde sus tiempos en Hellblazer. Sin tener un dibujo brillante, se puede decir que las páginas que dibuja el italiano en Bunny Mask ofrecen un trabajo de ambientación muy bueno. La atmosfera del relato beneficia el arte de Mutti, que además se encarga del color de la obra, ofreciendo un acabado como de acuarela que siente perfectamente a la historia. Mención espacial al diseño de Máscara de Conejo, tan sencillo como brillante.

Estando como estamos ante una obra de terror hay que recordar que no estamos ante un cómic para todos los públicos. Los niveles de violencia y sangre son muy elevados y los temas que trata son decididamente adultos, además de contener desnudos y diálogos duros que pueden no ser del gusto de todo el mundo.

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Máscara de Conejo en acción

Este tomo recoge los cuatro números que forman la primera miniserie del personaje, una obra que parece haber tenido el éxito suficiente para que ya este programada una segunda parte que esperemos ver también pronto en España. En cuanto a la edición de Planeta no puedo más que quitarme el sombrero. Estamos ante un volumen de 168 páginas encuadernadas en tapa dura que incluyen múltiples extras que dan contexto a la obra como la transcripción de un informe de vigilancia, una nota manuscrita, una muestra del diseño de personajes, otra de las composiciones de algunas páginas interiores, la biografía de los autores, el resumen del volumen y la opinión de un par de críticas especializadas. Sin olvidarnos por supuesto de las portadas originales y alternativas de la edición original. El precio de venta es de 18,95 euros.

En resumen, Bunny Mask es una original historia de terror que se preocupa de contar algo más que la típica ración de sustos y sangre para ofrecernos una interesante reflexión sobre temas tan importantes como la verdad y el amor. Todo ello sin olvidarse de presentar un misterio sobre el que vertebrar una historia tan absorbente como interesante.

Novedades de Norma Editorial de julio de 2023 ¡Agarraos!

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. El calor va a llegar de manera inminente y en Norma Editorial lo saben. Por eso vienen muy calentitas sus novedades del mes de julio. Y voy a tener muchos problemas, a la hora de hacer recomendaciones.

Novedades de Norma Editorial de julio de 2023

Como ya sabéis, siempre que podemos, nos gusta hacer recomendaciones sobre las novedades de cada editorial, con el fin de intentar ayudaros con el aluvión de novedades que tenemos cada mes.

Hay veces que es muy, muy difícil. Y este mes es una de esas veces. Pero vamos con ello … Intentaré recomendar lo que más me gusta de las novedades de Norma Editorial, previstas para el mes de julio de 2023.

1.- Los Buenos Veranos. Integral.

Norma

«Cada verano, la familia Faldérault se sube a Don Bermellón, su 4L, y se dirige al sur para iniciar sus vacaciones.
Pero estas nunca salen como ellos planeaban, y el anhelado viaje al sur se transforma anualmente en algo inesperado, ya sea una granja, un camping en Ardèche, un hotel en Saint-Étienne o una cabaña.
Aunque esta incombustible tribu —entre bromas, rituales y contratiempos— nunca dejará que nada le impida disfrutar de su merecido descanso.
Este integral recoge los seis volúmenes con los que Jordi Lafebre (Carta blanca) y Zidrou (Shi) nos han hecho enamorarnos de los Faldérault.
En el transcurso de dos décadas, estas seis aventuras son seis dosis de felicidad de la mano de una familia entrañable que, casi sin darnos cuenta, se meterá en nuestros corazones».

Este plato fuerte del año, saldrá a la venta el próximo 21 de julio.

2.- La Mazmorra. Integral 5.

La Mazmorra

«En 1998 Joann Sfar y Lewis Trondheim dieron vida a La Mazmorra, una saga que, bajo la apariencia de una parodia, esconde un universo rico y complejo a la altura de los grandes clásicos de la fantasía heroica.
Norma Editorial reúne en una edición definitiva la serie que marcó un hito en la historia del cómic francobelga.
Una colección integral, supervisada por los propios autores, que invita a recrearse en uno de los clásicos más actuales de la historieta europea.
Este tomo agrupa cinco álbumes del ciclo La Mazmorra: Crepúsculo, que relatan el derrumbe final de la Mazmorra.
En esta ocasión, Sfar y Trondheim vienen acompañados por los dibujantes Kerascoët, Obion, Alfred y Mazan para brindarnos un espectáculo crepuscular».

Tenemos otra de mis series favoritas, cuyo quinto volumen integral, saldrá a la venta el 21 de julio de 2023.

3.- El Rayo «U».

Norma

«NUEVA EDICIÓN DE UN CLÁSICO MAYOR DEL CÓMIC EUROPEO

Un mundo en guerra, dos imperios enfrentados, un mineral de valor incalculable, un archipiélago remoto, peligro, llamas, fieras antediluvianas, civilizaciones perdidas, una expedición a vida o muerte, estos son algunos de los ingredientes de una de las mayores epopeyas del cómic francobelga.

En plena II Guerra Mundial, el maestro Edgar P. Jacobs (Blake y Mortimer) creó un serial asombroso que fundía aventura y folletín en el crisol del género fantástico.

El resultado fue El rayo ‘U’, una odisea colosal que presentamos en una nueva edición coloreada por Bruno Tatti».

Llevamos años pidiendo la reedición de este gran clásico y por fin, Norma Editorial nos ha hecho caso. Saldrá a la venta el 21 de julio.

Y hasta aquí las recomendaciones de Norma Editorial, previstas para el próximo mes de julio.

Más abajo, os dejo el pdf completo, con todas las novedades que nos ofrece la editorial barcelonesa.

Echad un ojo, disfrutad y …¡Sed Felices!

El cómic de la semana: Spawn Zonas muertas

Bienvenidos un sábado domingo más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Spawn Zonas muertas. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Spawn Zonas muertas, la serie regular sigue por buen camino.

Ojo, que toca de nuevo un cómic de Spawn. Aunque me he llevado alguna crítica que otra por hablar en el pasado de Spawn, creo que es de recibo hacer constancia en forma de nueva reseña de un nuevo cómic de este anti héroe. Y es que desde que Spawn volviera a ser un top de ventas en Estados Unidos, miméticamente en otros países como españa, vuelve a estar en todas partes. Y es que no sólo se sigue editando los megatomos de Spawn Integral, sino que en tapa dura se está publicando la serie regular (este tomo es un claro ejemplo) y las series derivadas como Spawn Rey, Spawn GunSlinger y Spawn Scorched.

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Como veréis con esta reseña, ya apunto a todas las series menos a Spawn Rey, del que se me escapó hacer del primer tomo, pero intentaré estar aquí para leer y criticar el tomo 2. Avisados estáis.

Y si, Spawn mola, y mola de verdad, por encima de los prejuicios de muchas personas y de los años 90. Y tengo que ser sincero, Spawn no es la mejor colección del mundo, y quizás no se merezca la fama, pero si merece mi reconocimiento para pasar de los 300 números siendo la serie má vendida en Estados Unidos, con el especial de hace un par de años, y manteniendo las series derivadas de las que escribí antes con buena salud en muchos países donde se publica.

Y en este tomo llamado Spawn Zonas muertas volvemos a tener lo de siempre. Un Spawn en solitario contra uno de sus enemigos más míticos en busca de recuperar su alma. Nada nuevo en el horizonte. Pero la verdad es que la serie sigue enganchando. Y además esta vez viene con un invitado muy especial, The Haunt, personaje creado por el propio McFarlane y Robert Kirkman (si, el mismo de The Walkin Dead) que está dentro del universo de Spawn.

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Y si, vuelven a producirse mal entendidos y peleas sin sentido entre todo el mundo, incluido nuestros dos antihéroes. Es que Spawn es un cómic palomitero que bebe de sus fuentes de los años 90.

Por cierto, los guiones (o más bien creo que debería decir los argumentos) se basan en ideas del mismísimo Todd McFarlane, pero todo el peso narrativo lo lleva Rory McConville. Y es que el creador de esta serie ya lleva desde antes del número 300 dándolo todo por llevar esta colección a buen puerto. Y ahora, los guiones recaen en la pluma de McConville. Y estaremos así varios números más. Pero según veo en Estados Unidos parece que el bueno de Todd dejará por un tiempo la serie. Pero tranquilos porque McConville seguirá a la cabeza, y parece que está haciéndolo bien según leo en reseñas. Además McFarlane volverá, siempre lo hace, solo que ahora está más ocupado en algunos de los spin-offs. Tenemos serie para rato.

Bueno, el dibujo siempre es espectacular, que no bueno, pero al menos es resultón. En este tomo, que contiene los números 324 al 328, los lápices lo lleva Carlo Barberi, que cumple con creces este evento de dibujar Spawn mes a mes. Sin ser un mega artista, al menos es rápido y le da para hacer un cómic al mes. Y no olvidemos que Barberi entro en Spawn en el número 311 y sigue con nosotros, y según leo, en Estados Unidos sigue ejerciendo su labor bajo los guiones de McConville.

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¡Spawn por fin se queda solo!

Spawn por fin se queda solo, sin más héroes viviendo en su cuartel general, para centrarse en cumplir su objetivo y encontrar al único enemigo que puede darle el secreto que salvará su propia alma.

Además, el nuevo villano Sinn regresa aquí, haciendo su primera aparición desde el especial UNIVERSO SPAWN, para advertir a Spawn que si no desbloquea las ZONAS MUERTAS, todos sus seres queridos morirán.

Recopila Spawn #324-328.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Planeta Cómic y el enlace a la editorial pinchando aquí.

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Un saludo y sed felices.

Predator tiene una nueva presa: Lobezno. Marvel anuncia nueva serie limitada

Lobezno vs Predator. ¿Cómo suena, eh?

Lobezno se las verá proximamente contra un invasor alienígena de sobras conocido, Predator. ¿Y eso?

Resulta que Marvel Comics ha anunciado un crossover entre uno de sus personajes, Lobezno,  y el archiconocido Depredador de 20th Century StudiosPredator vs Wolverine se comenzará a publicar en septiembre de 2023.

 

Predator versus Wolverine es una serie de cuatro números. Benjamin Percy se encarga del guion  y al dibujo tenemos a Greg Land, Andrea Di Vito, Ken Lashley y Kei Zama. Aquí tenéis la portada del número 1  del artista Marco Checchetto. ¿Qué os parece la indumentaria de Lobezno? Parece que nos da una pista clara de la ambientación de la historia ¿No?

Lobezno vs Predator

Y es que ya está confirmado que esta serie limitada de cuatro números se desarrollará a lo largo de varias décadas de Marvel por lo que vreemos al Lobezno de Arma X, al de Madripoor y seguramente al de Alpha Flight o X-Men.

 

El guionista Benjamin Percy escribió el siguiente comunicado:

«No voy a decir que naciera para escribir este crossover… pero a veces el universo revela para qué fuiste creado. Soy un niño de los ochenta. No te puedo decir cuántas veces he visto Predator, del mismo modo que no te puedo decir cuántos cómics de Wolverine he leído, porque eso sería como decirte cuántas veces he respirado o cuántas hamburguesas de queso me he comido. Las mitologías de ambos está tan dentro de mí que podrían formar parte de mi ADN o mi alma. Las armas, las garras, la carne y la sangre de ambas franquicias han estado en mi cerebro desde 1987, cuando leía cada noche hasta quedarme dormido una pila de cómics Marvel y mis amigos y yo solíamos jugar a ‘Predator’ con armas Nerf en el bosque y el río cerca de nuestro vecindario».

«Esta caza épica abarcará décadas, con ambos gigantes aprendiendo y creciendo para ser más duros y mortales según pasa el tiempo. Ninguno tendrá tiempo para sangrar, pero mejor que tú hagas tiempo para leer porque estoy poniendo toda la carne en el asador en este evento, y estoy emocionado por unir fuerzas con algunos de los mejores artistas del negocio».

¿Qué os parece este Crossover? Personalmente ambos personajes son de mis favoritos así que tarde o temprano le acabaré echando el guante.

Mientras, para que no se os haga larga la espera, os dejo este espectacular corto que los enfrentó hace más de diez años.

Un saludo y sed felices.

 

Tráiler de «Bird Box Barcelona»: Un sorprendente spin-off español de «A ciegas» con Mario Casas

A finales de 2018 se estrenó en Netflix «A ciegas«. Una película que suponía un gran estreno para la plataforma por aquel entonces por los nombres que atesoraba el filme.  La película estaba protagonizada por la oscarizada y gran actriz Sandra BullockSarah Paulson y John Malkovich. Dirigía Susanne Bier, directora de una de las series del 2016 El infiltrado. Y el guion era de Eric Heisserer que adaptaba la reciente novela de Josh Malerman. Y para finalizar tenemos en la banda sonora a dos cracks, Trent Reznor y Atticus Ross. ¿La película? Pues para mí fue un batiburrillo de clichés pero que funcionaron bien y que sinceramente me entretuvo y por supuesto no me importa volver a este mundo apocalíptico. 

A ciegas fue un éxito para la plataforma, por lo que Netflix garantizó volver a ese universo y además consiguió que Sandra Bullock volviese a filmar con ellos en el muy estimable drama Imperdonable.

La sorpresa, y agradable por cierto, es que no nos llega una secuela sino un spin-off y además desde España. Bird Box Barcelona está protagonizada por Mario Casas, habitual ya de Netflix, y lo acompañan Georgina Campbell, Alejandra Howard, Naila Schuberth, Diego Calva, Patrick Criado, Lola Dueñas, Gonzalo de Castro, Michelle Jenner y Leonardo Sbaraglia, entre otros.

Dirigen los hermanos David y Alex Pastor que junto a Mario Casas hicieron Hogar, también de Netflix.

Bird Box Barcelona

Bird Box Barcelona nos muestra las consecuencias de un suceso apocalíptico. Una fuerza inexplicable o un ente se apodera de las calles de Barcelona y quienes la miran se suicidan. Sebastian y su pequeña hija Anna tendrán que luchar por su supervivencia a ciegas donde las reglas del juego han cambiado y ya nada es seguro.

La película se estrena el próximo 14 de julio.

Un saludo y sed felices.

7 Clichés del cine que nunca pasan de moda (Parte 1)

La industria del cine lleva en activo más de un siglo y, pese a la evolución de la misma, nos encontramos con muchas situaciones que se repiten en la gran mayoría de sus películas y se dan por ciertas o coherentes cuando no lo son.

Tenemos tan asumidos esos clichés cinematográficos que no los cuestionamos y podemos llegar a echarlos de menos cuando no aparecen en una cinta. Por ello he querido rescatar cinco de los muchos que son muy familiares para los cinéfilos.

Molo tanto que soy inmune al cristal

Cuantas veces habremos asistido a un enfrentamiento en el que nuestro héroe/heroína es lanzado contra una vidriera, ventana, mostrador o similar y cientos de cristales han caído a su alrededor. En esas situaciones vemos cómo se levanta apoyando sus manos sobre esos cristales o se arrastra por ellos sin que sufra daño alguno y todos sabemos que pocas cosas cortan tanto como eso, sino que se lo digan a John McLane en ‘La Jungla de Cristal’.

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A mí nadie me roba

Más allá del cliché de ‘siempre tengo aparcamiento en la puerta del sitio al que voy’, una situación que quienes vivan en una gran ciudad sabrán que es más rara que un unicornio mariachi vendiendo frigoríficos en el polo norte.

Hay otro que también se repite: no necesito cerrar con llave mi coche.  Cuando vemos al protagonista salir de su vehículo, nunca usa la llave o el mando para el cierre centralizado; supongo que en Hollywood los ladrones tienen un código ético que solo les permite robar un coche que esté cerrado y necesiten forzarlo.

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Ya quisieran los camareros las propinas de un taxista

‘Quédese con el cambio’ es la frase que siempre escuchamos cuando alguien se baja de un taxi.  La oímos tanto como el ‘siga a ese coche’.

Queda feo eso de que el taxista se ponga a contar el cambio y le entregue al personaje un montón de monedas, además, así nos damos cuenta lo espléndido de la chica o el chico protagonista o la prisa que tiene.

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Habría que preguntarse si realmente en Estados Unidos se dan tantas propinas a los conductores de taxis.

Siempre está en el aeropuerto

Este cliché es un clásico en las cintas románticas y lo vemos en el 80% de ellas. Cuando la pareja perfecta discute casi al final, uno de ellos siempre consigue un trabajo o cualquier otro motivo por el cual debe abandonar la ciudad en avión. Esto lleva al otro a lanzarse a una carrera contra el tiempo para llegar al aeropuerto y declararle su amor antes de que suba al avión.

Obviamente, el protagonista lo descubrirá (a través de un familiar o amigo) con el tiempo justo para poder llegar y detenerla o para ver cómo el avión despega y sentirse la peor persona del mundo. Pero tranquilos, que si pierde el avión hay dos posibilidades: que la otra persona no se haya subido finalmente o que luego la sorprenda en su nuevo trabajo de la forma más romántica posible.

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AQUÍ OS DEJO LAS CRÍTICAS DE CINE DE NUESTRA WEB


Más quisiera ser yo así de feo

De nuevo volvemos a las cintas románticas con este cliché. Un protagonista es poco agraciado y otro decide salir con él o ella por algún tipo de apuesta, pero finalmente todos veremos que es una persona preciosa y despampanante.

Lo increíble es que, pese al pelo sucio, la ropa hortera y los ‘brackets’ se ve a kilómetros que el actor o actriz tiene una belleza que no se puede esconder ni con maquillaje.  Obviamente, al final todos se rinden ante su hermosura y encuentra el amor verdadero con quien supo ver más allá de su ‘fealdad’.

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Todos los enemigos son Stormtroopers

En las cintas de acción en las que se sigue el argumento del one-man-army (ejército de un solo hombre) vemos cómo el protagonista se enfrenta a todo un cartel, ejército de un país malvado o banda de matones acabando con todos y cada uno de ellos.

Que la puntería del protagonista sea prodigiosa es algo que tenemos asumido y viene de la mano de la nulidad de sus enemigos, ya que por muchas balas que tengan nunca conseguirán acertar al héroe. Con suerte podrán herirlo en el hombro, pero será solo un rasguño.

Obviamente, esto es todo un clásico del cine de acción de los 80 y 90 en el que los Stallone, Schwarzenneger y compañía eran tipos duros sin tiempo para sangrar.

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Esta mala puntería es más que evidente en la saga de Star Wars, donde los Stormtroopers no son capaces de acertar ni un solo blanco. Tanto es así que en la primera temporada de ‘The Mandalorian’ se ríen de eso.

El villano no necesita hacer cardio

El cine de terror tiene su lenguaje visual y muchos clichés propios y uno de ellos es que el asesino nunca corre tras sus víctimas: siempre va caminando. Por qué lo hace, porque sabe que acabarán tropezando varias veces o se toparán con una puerta que no podrán abrir y entonces podrá acabar con su vida.

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Es cierto que llegó ‘Scream’ de Wes Craven para jugar con eso y mostrarnos a un asesino menos implacable que sí corría tras las víctimas, pero nos encontramos ante la excepción que confirma la regla.

Hasta aquí estos siete clichés de los cientos que hay en el mundo del cine. Próximamente habrá más entregas con esas situaciones que siempre vuelven y que no envejecen por mucho que evolucione la industria cinematográfica.

Os animo a dejar en comentarios cuales conocéis.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Tenebrosa. Fantasía y amor en un delicioso cuento de hadas oscuro

Norma Editorial publica en España el integral de Tenebrosa, la última obra publicada de manera póstuma del guionista francés Boulard Hubert, fallecido en febrero de 2020 y autor de obras tan conocidas como Piel de hombre o Belleza. El escritor está acompañado al dibujo por el también francés Vincent Mallié (El gran muerto) y el colorista italiano Bruno Tatti.

En Tenebrosa, sus autores nos van a contar una historia de amor y fantasía, de esas con guerreros y criaturas mágicas, un cuento medieval oscuro y violento que esconde en sus páginas una reflexión sobre lo difícil que es dejar atrás el pasado para vivir una vida feliz más allá de lo que los demás puedan pensar.

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El argumento de Tenebrosa es el siguiente: Arzhur es un caballero caído en desgracia al que el hambre y las circunstancias empujan a alquilar sus servicios. La suerte parece sonreírle cuando tres ancianas lo requieren para una misión de ensueño: rescatar a una princesa en apuros. Pero el cuento de hadas se hará añicos cuando descubra los detalles del rescate y la verdadera naturaleza de la rescatada.

Aunque parezca que estamos ante la típica historia de amor y fantasía, pronto queda claro que Hubert quiere ir más allá para ofrecer una visión fresca y moderna del género gracias a una acertada mezcla entre el tono propio de los Hermanos Grimm y una visión que bebe de obras más actuales como la genial Fábulas. Esto se consigue gracias a unos protagonistas que no pueden estar más alejados de los clichés del género fantástico.

Arzhur es un guerrero que, lejos de ser un virtuoso caballero, no es más que una espada de alquiler que busca redención y que no sabe la que se le viene encima cuando “rescata” a la princesa Isle, una joven que esconde un pasado oscuro y siniestro que la tiene atrapada en un bucle sin solución.

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Arzhur es contratado por tres misteriosas ancianas

En una obra de estas características, el pasado cobra una importancia superlativa así que el escritor hace un hábil uso de los flashbacks para ir proporcionando al lector la información necesaria. Pero lo interesante es que vamos a ver ese pasado desde los puntos de vista de los diferentes personajes, cambiando totalmente el contexto de la historia cada vez que añadimos nuevas capas de información, lo que hace crecer el interés de la obra con cada página que leemos.

Poco a poco y mientras conocemos más cosas sobre el pasado de Isle y Arzhur vamos a ir viendo cómo surge el amor entre dos personajes muy necesitados del cariño de otra persona, sobre todo nuestra atribulada princesa, atrapada entre el mundo terrenal que representa su padre y el mágico y fantástico, herencia de su madre.

Pero además del amor y el afán por dejar atrás el pasado, en Tenebrosa se tratan otros muchos temas de manera muy acertada como el feminismo, el precio de la maternidad y la paternidad, el uso del poder para manipular la historia, el contraste entre la luz y la oscuridad, etc…

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Isle tiene un oscuro mundo interior

Y por si todo esto fuera poco, el guion de Boulard Hubert tiene un ritmo muy bueno intercalando los mencionados flashbacks en los momentos precisos mientras la historia de nuestros protagonistas sigue su curso entre escenas de acción y otras más calmadas que sirven para dar profundidad a los personajes.

En cuanto al arte de la obra no puedo más que quitarme el sombrero. El trazo de Vincent Mallié es de claro corte europeo (faltaría más) pero con un suave tono cartoon que lejos de restar impacto a la obra sienta de maravilla. Su dibujo es suave y muy bonito, con un uso perfecto de la línea clara y un gran diseño de página que hace que seguir la acción sea un placer para los ojos del lector.

Además, se nota que se lo ha pasado de maravilla diseñando armaduras, espadas, criaturas, paisajes y ciudades donde no falta un solo detalle y haciendo resaltar de manera perfecta el contraste entre luz y oscuridad que sobrevuela toda la historia.

En el color tenemos al italiano Bruno Tatti, que alterna el uso de tonos pastel con otros más apagados que le sienta como un guante al guion y al arte de su compañero.

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La violencia también forma parte de la historia de Tenebrosa

Tenebrosa se publicó originalmente en dos álbumes, pero Norma Editorial ha preferido decantarse por presentarla en España en un solo volumen integral de gran tamaño que contiene toda la obra, algo que facilita su lectura y que personalmente considero todo un acierto. Está encuadernado en tapa dura y tiene 160 páginas con un papel de buena calidad, un tamaño de 23,5 x 31 y un precio de 32 euros.

En resumen, Tenebrosa es una obra perfecta para los amantes del género fantástico y para los lectores que busquen una historia redonda en la que los personajes evolucionen mientras viven aventuras bellamente dibujadas. Tal vez no sea una obra trascendente ni la mejor de Boulard Hubert pero sin duda será un gran punto de partida para los que no tengan el placer de conocer al guionista francés tristemente desaparecido.

Nuevo Tráiler de la Tercera Temporada de The Witcher

En el contexto del Summer Game Fest se dio a conocer el nuevo tráiler de la tercera temporada de The Witcher, última en que Henry Cavill dará vida a Geralt de Rivia.

Con todo tipo de anuncios, aunque a decir verdad poco que no supiéramos ya, se llevó a cabo ayer en Los Angeles el Summer Game Fest en el cual, entre lo más interesante, se dio a conocer el nuevo tráiler oficial de la tercera temporada de The Witcher.

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Recordemos por si hace falta que la serie de Netflix, a cuyos análisis pueden echar ojo en esta web, sigue la saga del brujo Geralt de Rivia, nacido de la imaginación del escritor polaco Andrjzej Zapkowski.

Análisis de The Witcher, Temporada 1.

Análisis de The Witcher, Temporada 2.

«Mientras monarcas, hechiceros y bestias de todo el continente compiten por capturar a Ciri – reza la sinopsis oficial de Netflix –, Gerald la esconde, decidido a proteger a su recién reunida familia frente a quienes amenazan con destruirla.  Yennefer, responsable de enseñar a Ciri las artes de la magia, conduce al grupo a la fortaleza de Aretusa, donde esperan conocer mejor los poderes ocultos de la chica…»

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Las actrices británicas Freya Allan y Anya Chalotra serán, por cierto y una vez más, las encargadas de dar respectivamente vida a la princesa Cirilla y a Yennefer de Vengerberg, en tanto que, lamentablemente, es nuestra última oportunidad de ver a Henry Cavill en la piel del brujo después de una verdadera novela de idas y venidas sobre una supuesta secuela de El Hombre de Acero que finalmente no tendrá lugar en el rumbo DC trazado por James Gunn.

A partir de la cuarta temporada, por lo tanto, Geralt pasará a ser encarnado por Liam Hemsworth y si bien es una incógnita cómo será recibido por los fans cuando llegue, de momento tenemos una chance más de ver a Henry en esta tercera temporada que, según ha sido anunciado, constará de ocho episodios divididos en dos partes que, afortunadamente, no se estrenan con demasiada diferencia de tiempo: la primera, con cinco entregas, llega el 29 de junio y la segunda, con tres, el 27 de julio.

El tráiler se ve verdaderamente espectacular, pero les leo: ¿qué les ha parecido? Hasta la próxima y sean felices…

El Pacto (The Covenant, 2023) de Guy Ritchie. Honor, lealtad, sacrificio.

El pasado 2 de junio llegaba a Prime Video El pacto, de Guy Ritchie, quizás el director más en forma ahora mismo viendo (casi) todo lo que ha estrenado desde la excelsa Operación U.N.C.L.E.

¿Y de qué va El pacto?

La nueva película del realizador de Despierta la furia, es un drama bélico muy potente y con dos partes muy diferenciadas. La película se ambienta en los últimos años de la intervención de tropas americanas en Afganistán y la cantidad de afganos que se buscaron la vida aliándose con Estados Unidos trabajando de intérpretes de los soldados americanos. Uno de ellos es el coprotagonista de El pacto, Ahmed, interpretado por Dar Salim.

El otro protagonista es Jake Gyllenhaal, el sargento John Kinley, que se encarga de buscar redes de talibanes donde se fabriquen explosivos. Una de estas misiones saldrá mal y la unidad liderada por Kinley es eliminada y el sargento herido de gravedad. Ahmed, hasta entonces, una molestia más que otra cosa, sobrevive y decide trasladar al malherido sargento a terreno amigo.

Esta es la primera parte de la película, donde destaca Salim más que el propio Gyllenhaal. Sobre todo en la parte de la huida. Antes la película tiene escenas de tensión y bélicas muy conseguidas. Hay partes en la huida montaña abajo que me recordaban mucho a esa película bélica a reivindicar, El único superviviente, de Peter Berg. Curiosamente en ambas trabaja el secundario Alexander Ludwig.

El pacto

Honor, lealtad, sacrificio

La segunda parte de la cinta nos transporta a Estados Unidos, al día a día de un veterano. La vuelta a casa. Héroe en Afganistán, don nadie en su tierra. Y lo peor es que tiene una deuda de honor con el hombre que le salvó la vida.

Aquí hay que hacer una puntualización. Y es que a los intérpretes se les prometía un visado americano por la colaboración, pero ya se sabe, del dicho al hecho… Esos visados podían tardar en tramitarse un año y Ahmed no tiene ese tiempo. Y las deudas de honor han de pagarse.

El pacto

Guy Ritchie se muestra muy sólido en su primer acercamiento al género

Sorprende ver que Ritchie haya dirigido esta cinta, pero ya nos sorprendió (quienes conozcan la filmografía del realizador saben a que me refiero) cuando dirigió Despierta la furia. El realizador británico se muestra con mucha soltura en el género del drama bélico para ser su primera vez. Y aunque brilla en esa dos partes de la cinta a las que aludíamos, se muestra más crítico e incisivo en la segunda parte. Con una crítica velada al mostrar el olvido de los de arriba para quienes ayudaron como intérpretes y que fueron olvidados y dejados a su suerte cuando el ejército americano abandonó territorio enemigo. Y como no, también a Ritchie le da tiempo para mostrarnos las secuelas de los veteranos de guerra.

Consideraciones finales

El acercamiento de Guy Ritchie al género bélico es todo un acierto. Una cinta muy recomendable, donde destaca una muy buena ambientación, buenos actores y una muy buena banda sonora de Christopher Benstead. Por contra hay que lamentar el fiasco que ha supuesto la película en su carrera comercial. Con un presupuesto ajustado de 55 millones de dólares, la película solo ha generado en su recorrido en salas de cine 17 millones. Que Amazon haya ido al rescate para su distribución internacional puede que salve a Ritchie de una buena bronca en los despachos.

Y es que es una lástima que esta película haya pasado desapercibida, El pacto te mantiene dos horas pegados a la pantalla con una tensión desbordante y eso cada vez cuesta más de conseguir. Guy Ritchie nos tiene bien acostumbrados.

En su último período de servicio en Afganistán, el sargento John Kinley incorpora al intérprete local Ahmed para que sea su traductor en la región. Cuando su unidad sufre una emboscada, Kinley y Ahmed son los únicos supervivientes. Con los enemigos persiguiéndoles, Ahmed arriesga su propia vida para intentar llevar a Kinley herido a través de kilómetros de terreno agotador a un lugar seguro.

Un saludo y sed felices.

 

Reseña de Conan de Cimmeria nº3/3 1935 – 1936

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Gracias a Editorial Minotauro ya tenemos en nuestras manos Conan de Cimmeria nº3/3 1935 – 1936, el último tomo que recopila los relatos de Robert E. Howard en el orden en que fueron escritos. Os dejo con los enlaces a nuestras dos reseñas anteriores y vamos al lío.

Acerca de la edición

La edición de este último tomo de Conan de Cimmeria es igual a las anteriores en lo que respecta a sus características físicas. Estamos ante edición en tapa dura con sobrecubierta que incluye un estuche de cartón para guardar el tomo de 471 páginas, unas 25 páginas menos que el tomo anterior, incluyendo también un marca páginas de tela.

Destaca muy especialmente la impresionante ilustración (portada de la sobrecubierta y del estuche de cartón) realizada por el gran Esteban Maroto, al igual que las anteriores, donde vemos a Conan sosteniendo una espada y rodeado de armas, pieles, cráneos y con enemigos asomándose tras él. Si tuviese que quedarme con una de las portadas de Maroto, lo tendría complicado pero esta llama mucho la atención, quizás por el predominio de los colores dorados y rojo, dando una imagen menos oscura del personaje y más aventurera que las anteriores.

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Y allí fue donde llegó Conan el cimmerio

Y donde llegó fue a este último tomo que incluye los relatos finales escritos por su creador. En este Conan de Cimmeria nº3/3 1935 – 1936 tenemos los cinco últimos relatos de su creador, publicados algunos posteriormente a su muerte. Por este orden:

  • Los sirvientes de Bit-Yakin
  • Más allá del rio Negro
  • El negro desconocido
  • Los antropófagos de Zamboula
  • Clavos rojos

De los cinco, los títulos que más resuenan en los aficionados (sobre todo gracias a Marvel) son Más allá del rio Negro y Clavos Rojos, especialmente este último. La adaptación al cómic por parte de Roy Thomas y Barry Windsor-Smith es ya legendaria. El resto también tuvieron sus adaptaciones pero son menos conocidas, quizás porque fueron adaptadas con otro título.

El resto del tomo está formado por dos borradores de Lobos de allende la frontera (relato también adaptado al cómic, en este caso por Dark Horse), dos borradores de El negro desconocido (horrorosa traducción de The Black Stranger), la sinopsis de Los antropófagos de Zamboula y el borrador de Clavos Rojos.

Red Nails

Contamos también con una introducción de Patrice Louinet y un prefacio de Gregory Manchess, el artista encargado de las ilustraciones interiores.

Y hasta aquí hemos llegado nosotros. Conan de Cimmeria nº3/3 1935 – 1936 concluye la recopilación de los relatos originales de Conan, un personaje que ha sobrevivido a su creador, a numerosos pastiches (aunque algunos realizados con la mejor de las intenciones) y que ha trascendido el medio en el cual nació para formar parte de la cultura popular gracias al cine y el cómic.

Sin embargo no podemos negar que las adaptaciones realizadas han dado una imagen algo distorsionada del personaje. No me canso de repetir que el Conan de Arnold Schwarzenegger será todo lo épico que se quiera pero también es más bruto que un arado, un bruto casi sin cerebro que ha fagocitado la verdadera personalidad del cimmerio, que quedo mejor retratado en los cómics y en la película protagonizada por Jason Momoa, le pese a quien le pese.

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Y es que ya lo dice Manchess en el prefacio, que creía que lo sabía todo sobre el personaje y que cuando leyó los libros se dio cuenta de que no sabía nada. Ahora tenemos una gran oportunidad para acercarnos al material original y entender mejor a Conan un bárbaro para aquellos que se llaman civilizados, aunque sea mucho más educado que ellos. Que no falte Conan de Cimmeria nº3/3 1935 – 1936 en las estanterías de los cimmerios, por Crom. Un saludo, sed felices.

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Tráiler de Los Mercenarios 4 (Expend4bles). Statham y Stallone a evitar una Guerra Mundial

“Los terroristas han tomado posesión de misiles nucleares en un carguero frente a la costa”.

Los Expend4bles de Sylvester Stallone y Jason Statham han vuelto para una misión sin retorno.

Los Mercenarios 4

El cuarto título de la franquicia de acción Los Mercenarios, que ha recaudado más de 804 millones de dólares en todo el mundo con entregas anteriores, vuelve con Barney Ross (Stallone), Lee Christmas (Statham), Gunner Jensen (Dolph Lundgren) y Toll Road (Randy Couture) , los mercenarios de élite que juntos forman el equipo conocido como The Expendables.

A ellos se les une Curtis “50 Cent” Jackson, Megan Fox, Tony Jaa, Iko Uwais, Jacob Scipio, Levy Tran y Andy García. La dirección es de Scott Waugh ( Need for Speed ​​).

La película se estrena en España el próximo 22 de septiembre.


EN CF: UNA MISIÓN SOLO APTA PARA GENTE CON UNA SERIE DE HABILIDADES ESPECIALES.


 

Sinceramente esta saga no me gusta nada, me parece un desperdicio de actores en películas muy malas que a mí personalmente me aburren mucho. Con lo que me gustan Statham, Stallone, Adkins, Uwais o Van Damme. Es precisamente Jean Claude Van Damme y su rol de villano lo que más me gusta de la saga. Y ahí paro de contar.No obstante habrá que verla porque al parecer detrás de tanta socarronería que trae el tráiler al parecer vamos a tener alguna despedida prematura.Un saludo y sed felices.

Reseña de Nadie (2022), la versión de El hombre invisible de Jeff Lemire

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En el mundo del cómic, como en cualquier otro arte, es frecuente encontrar adaptaciones a las viñetas de grandes obras de otros medios. Me viene a la cabeza, por poner un ejemplo, el Moby Dick de Bill Sienkiewicz. Pero también hay quiénes utilizan grandes obras de la literatura para reformularlas a su gusto. Es el caso de Nadie, la particular adaptación de Jeff Lemire del mítico relato El hombre invisible de H. G. Wells que Astiberri ha editado recientemente.

Reseña del Moby Dick de Bill Sienkiewicz, una adaptación perfecta

Large Mouth es un tranquilo pueblo pesquero cuya paz se verá alterada con la llegada de Griffen, un misterioso forastero con el cuerpo y la cara cubierto de vendas que desatará la sospecha del resto de los vecinos.

Nadie es un cómic de Jeff Lemire, uno de los mejores guionistas del cómic actual. Nacido en 1976 en Canadá, Lemire es el autor de la trilogía Essex County, alabada como la mejor novela canadiense de la década. Pero también es el autor de Black Hammer, ganadora de numerosos premios Eisner. Aunque ha escrito para DC (Joker: Sonrisa asesina y Batman: Asesino de sonrisas) y Marvel (Ojo de Halcón, Lobezno…) ha seguido fiel a sus historias, con tramas como Gideon Falls, Ascender o Royal City.

En el caso de Nadie, Lemire sitúa la acción en un pueblo que bien puede remedar a la tranquila ciudad donde nació. Un pueblo en el que nunca pasa nada pero en el que sus habitantes quedan muy mal parados, sobre todo tras la llegada de un extraño de aspecto extravagante.

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Este Griffen envuelto en vendas es, ni más ni menos, que el protagonista de la conocida novela El hombre invisible, de H. G. Wells. Es decir, un científico que acaba siendo víctima de su propio invento. Pero donde Wells hablaba del riesgo que corría el hombre cuando jugaba a ser dios, Lemire trata un tema bien diferente.

Nadie habla de la paranoia. De cómo pensamos lo peor de las personas simplemente por ser una novedad en el ambiente establecido. Véase la llegada de un extraño (que ojo, no es una buena persona) a un pueblo con un funcionamiento más estanco que estable.

Lástima, como suele ocurrir en otras obras de Jeff Lemire, que la brevedad de la trama impida una conexión más emocional con los personajes, por lo que Nadie es un cómic que, pese a lo inteligente de su historia, no termina de dejar poso.

La historia se encuentra acompañada de un dibujo coloreado con un bitono o bien blanco y negro o bien blanco y azul, con líneas gruesas y caricaturescas que refuerzan el carácter de fábula sobre el que Lemire quiere insistir.

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En definitiva, Nadie es un cuento que reformula el Hombre invisible de H. G. Wells para hablar de lo malo que puede encerrar cualquier ser humano, aunque este viva en un pueblo tan tranquilo como Large Mouth. Una fábula que podría haber dado para más si Lemire hubiera dedicado más tiempo a sus personajes y, con ello, haber conectado más con el lector.

Enlace a Nadie, de Jeff Lemire, publicada por Astiberri

«La vida en el pequeño pueblo pesquero de Large Mouth es bastante tranquila, sobre todo fuera de temporada. Y, al menos, así lo ha seguido siendo hasta la llegada de Griffen, un desconocido cuyo cuerpo está cubierto de pies a cabeza por unos extraños vendajes. Impulsada por la curiosidad, la joven Vickie está dispuesta a descubrir el trágico pasado de Griffen y el misterioso accidente que lo dejó horriblemente desfigurado.

Aunque con el paso del tiempo el extraño ha terminado formando parte del paisaje de Large Mouth, cuando una serie de incidentes asola a la comunidad, los vecinos del hogar de la perca más grande del mundo ponen a Griffin en el punto de mira, hasta el punto de perseguirlo y amenazar con desenmascarar el más impactante de los secretos.

Astiberri recupera este clásico que el laureado guionista y escritor Jeff Lemire publicó en 2009 en el sello Vertigo –en España fue publicada por primera vez en 2010 por Planeta DeAgostini, edición agotada desde hace años– con una nueva traducción a cargo de Santiago García.

Una original novela gráfica en blanco, negro y azul que toma al protagonista de El hombre invisible de H.G. Wells y lo lleva a un pequeño pueblo moderno. Una excusa para tratar temas como la identidad, el miedo y la paranoia, y cómo estas pueden convertirse en armas capaces de destruir a una pequeña comunidad.»

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Crítica de FUBAR, o cuando pides la secuela de Mentiras Arriesgadas y te la traen por Aliexpress (o Netflix)

Ya tenemos con nosotros FUBAR, la primera serie de Arnold Schwarzenegger para Netflix. Acción y humor made in Netflix es lo que nos trae una serie que fundamenta su existencia en su protagonista, quien como actor no es que ande sobrado de recursos pero lo compensa con su enorme carisma. Al lío.

Una C.I.A. que parece la T.I.A.

La primera escena de FUBAR no tiene desperdicio: Arnold incendia un contenedor fumándose un puro. 100% Schwarzenegger. Si no eres fan del austríaco-estadounidense, ni te acerques por la serie.

Por lo demás, FUBAR nos cuenta la historia de un agente de la C.I.A. a punto de jubilarse, pero que debe realizar una última misión: rescatar a un agente encubierto que está a punto de ser delatado, con el añadido de que dicha agente es su hija. Ni el uno ni la otra sabían que ambos trabajaban como espías pero se verán obligados a colaborar juntos para salvar el mundo mientras mienten a toda su familia acerca de su trabajo.

Si, estamos ante lo que debería haber sido la continuación de la mejor película de governator y de James Cameron, es decir Mentiras arriesgadas (True Lies). Por desgracia, el salvador del medio ambiente y gran visionario tecnológico decidió aburrirnos obsequiarnos con Titanic y Avatar y su secuela, por lo que no nos queda otra que conformarnos con FUBAR, una Mentiras arriesgadas de baratillo.

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Y es que las escenas de acción son más cutres (no todas pero sí la inmensa mayoría), el humor es muy de parvulario y todo huele a cutre. Así, la C.I.A. está más cerca de esa agencia que vimos en el reboot de McGyver y en el extremo opuesto de Jack Ryan. Se nota que el presupuesto se ha ido en su protagonista.

Mi nombre es Chuache y me fumo un puro

FUBAR no está en mi top cinco de series de acción de Netflix, un género en el que la compañía parece estar despuntando en los últimos tiempos. Mucho mejor resultan El agente nocturno o El nuevo empleado, productos de acción más que dignos. Claro que estas series carecen de un elemento que FUBAR sí tiene: Arnold Schwarzenegger.

Podrá gustar más o menos pero es innegable la capacidad de Arnold para afrontar cualquier proyecto y reírse de sí mismo (atención a la escena con el psicólogo y las marionetas). En las películas de carácter más humorístico, ha triunfado más que su colega Stallone. FUBAR gira en torno a él y no podría ser de otra forma porque sin su presencia seguramente no habríamos visto la serie.

Por suerte para darle la réplica tenemos a Monica Barbaro, actriz que ya vimos en Top Gun: Maverick y que aquí ha sido todo un descubrimiento, estableciendo una gran química entre su personaje y el de Arnold. Por desgracia, el resto del reparto resulta bastante prescindible.

Monica Barbaro

En resumen, FUBAR es una serie algo cutrilla, con una producción que podría haber dado más de si y con unos episodios que brillan unos más que otros pero se lo perdonamos. En esta web estamos flipados por los 80 a pesar de que la mayoría ni había nacido en esa época y Arnold Schwarzenegger (lo escribo de un tirón y sin mirar google, lo que ya es sintomático) es un ícono del cine de aquella época.

Y por si alguno se pregunta que coj… es FUBAR diremos que es un acrónimo que no se entiende si no ves la serie en versión original. FUBAR significa Fucked Up Beyond All Recognition (o Repair), lo que vendría a ser en castellano Jodidos más allá de todo reconocimiento (o arreglo), que es como se quedan sus protagonistas al final de la primera temporada, con un cliffhanger que augura una segunda. Allí estaremos a pesar de todo lo dicho. Un saludo, sed felices.