Tuvimos un nuevo capítulo de Chainsaw Man (Hombre Motosierra) cargado de emociones y que nos dejó con ganas de más. La historia avanzó de manera veloz y la animación, como ya dije muchas veces, estuvo a la altura de lo que sucedió.
El capítulo comienza mostrándonos lo que pasó cuando Denji llegó a la casa de Himeno pero desde la perspectiva de ella. Borracha, vemos cómo lucha para mantenerse en pie y lidiar con su soledad.
Esto porque vimos un momento donde Makima acompaña a Denji fuera del bar, hablan del primer beso con gusto a vómito y ella le dice que tarde o temprano se olvidará ese sabor. Y le pasa el chupetín que ella tenía en la boca. Él se lo guarda.
Al día siguiente, Himeno y Denji desayunan, conversan y, valiosamente, empiezan a forjar una amistad. De hecho, llegan a un acuerdo: Himeno ayudará a Denji para que esté con Makima si él la ayuda a quedarse con Aki.
El avance de la trama central de Chainsaw Man
Tras esa bonita escena comienza una vorágine de sucesos que me dejaron pegado a la silla sin poder creerlo. Primero, vemos a Makima en un tren yendo a Tokyo. Ella dice que no le gusta mucho juntarse con los jefes.
Luego de esa reflexión, con un clima generado por la animación que transmitía paz, vemos que un grupo de sujetos con armas aparecen y le disparan a ella y a su acompañante. La última toma que vemos es ella tirada en el asiento llena de sangre.
Luego pasamos a una escena en la ciudad donde Arai y Kobeni caminan tranquilos mientras una señora también saca un arma y, aunque no vemos el momento, comprendemos que también les dispara.
Son personas con armas, por lo que es muy probable que tenga relación con el Demonio de las Armas. Es el miedo a esos objetos lo que lo hace crecer. Esas ejecuciones, de ser ciertas, fueron ordenadas de manera coordinada.
Un momento de acción y una despedida dolorosa
Luego nos muestran dónde están Denji, Aki, Himeno y Power. Mientras almuerzan en un restaurante, un sujeto los observa. Denji, que se da cuenta, lo mira fijo hasta que el hombre le dice que es el nieto del ex líder de la mafia, aquel que murió en el primer capítulo.
Velozmente, saca un arma y les dispara a Denji y a Himeno pero es frenado por Power y por el Demonio de los Zorros invocado por Aki. Pero el demonio le recrimina que le hizo comer algo terrible, que no es ni demonio ni humano. Y de dentro de él sale un demonio similar a Denji pero en vez de tener motosierras tiene cuchillas.
Aki utiliza su espada y lo ensarta tres veces. Por lo que finalmente vemos cómo funciona: tras esto, el Demonio de las Maldiciones aparece y lo destruye. Aunque parece definitivo, no lo es.
Mientras Power frena el sangrado de Himeno, aparece un nuevo personaje: una mujer que hace levantar al demonio que creíamos vencido. Este ataca nuevamente a Aki que, sin notarlo, es atravesado y cae al piso.
Pero no muere, y la enemiga dice algo interesante: “los trajes de los devil hunters son muy resistentes”, lo que da una esperanza respecto al futuro de Makima, a quien no vimos más desde la escena del tren
El demonio va a ejecutar a Aki, por lo que Himeno le pide a Power que lo frene. Ella admite que no podrá porque no llegó a ver sus movimientos. El Demonio de los Fantasmas también se niega y entonces ella le dice que puede quedarse con todo su ser.
Así, comienza a frenar al demonio mientras pierde sus extremidades por usar el poder. La música acompaña el momento en que nos empezamos a despedir de Himeno, hay un clima de épica. Antes de caer, le pide a Aki que no muera.
Parece que va a morir con un triunfo pero la mujer que apareció invoca su demonio, el de las Serpientes, y le dice que se la coma. MAPPA nos regala un momento de silencio, para asimilar que la entrega de Himeno fue en vano, lo cual hizo más doloroso que muera.
Así nos deja el capítulo: con congoja por la muerte de Himeno, sin saber cómo se salvarán los protagonistas y con la certeza de que estos enemigos se las traen y no serán nada fácil. Veremos qué sucede en el próximo capítulo.
Netflixha estrenado Troll, película cuyo tráiler generó muchos expectativas y que ahora mismo es lo más visto de la plataforma. Y la verdad es que resulta mucho mejor de lo que esperábamos. Vamos al lío.
Con aroma ochentero
Trollcuenta como en Dovre, en el corazón de Noruega, tiene lugar un accidente mientras se excava un túnel para atravesar la montaña. Tras ese accidente aparecen unas misteriosas e imposibles huellas gigantescas y la investigación recae en una joven antropóloga cuyo padre la aficionó al folclore popular noruego.
No es ningún spoiler contar que las huellas pertenecen a un Troll gigante y que el gobierno y el ejército pronto se verán superados ante la amenaza que supone ese ser mitológico. Para enfrentarse al Troll, recurriran a la antropóloga Nora Tidemann (Ine Marie Wilmann), su padre Tobias Tidemann (Gard B. Eidsvold), el capitán del ejército Kristoffer Holm (Mads Sjøgård Pettersen) y el asesor presidencial Andreas Isaksen (Kim Falck).
A decir verdad, el tráiler de la cinta resulta engañoso. Nos da la impresión de que vamos a encontrar una cutrez de esas que tanto le gusta facturar a Netflix. La realidad es que Trollestá muy, muy cerca de las películas de aventuras ochenteras que poblaron la infancia de muchos.
Su estructura narrativa, en la que se presenta una amenaza que surge del pasado remoto y al que deben enfrentarse un grupo de aventureros inadaptados que acaban por salvar la situación, nos retrotrae a tiempos más simples, sin tantas pretensiones, lo que hace que inmediatamente empaticemos con la historia, con los protagonistas e incluso con el Troll.
Aprovechando el folclore
La historia no es un dechado de originalidad pero se aprovecha muy bien del folclore noruego y del paisaje (la fotografía en exteriores es impresionante) para darle un empaque de coherencia y seriedad que ya quisieran muchos. Lo hemos visto otras veces, en otras películas y en medios como el cómic. Ahí está Iberia Inc, donde del folclore hispano surgía todo un grupo de Vengares patrios.
En este caso, el director y guionista Roar Uthaug (quien fue el responsable de la mejor versión que el cine ha dado de Tom Raider y Lara Croft) ha montado una historia que por momentos resulta incluso brillante. Ahí está para demostrarlo la primera aparición del Troll, la imagen de los helicópteros tañendo campanas y el palacio trol escondido, sin olvidar la calavera montada en la furgoneta. Es evidente que Uthaug domina las secuencias de acción. Esto nos lo dan en los 80 y salimos del cine flipando.
Otro aspecto a destacar es que la película va al grano, sin tiempo muertos que añadan metraje sin aportar nada. Entre secuencia de acción y secuencia de acción, tenemos la parte más humana, con personajes que tampoco serán un tratado de profundidad pero que se sitúan muy por encima de la media de lo que es habitual en este tipo de cine (¿alguien ha dicho Godzilla?) y con actores noruegos que cumplen de sobra.
Porque no hay que olvidar que la película más vista en Netflixel fin de semana de su estreno, es una producción noruega con sus limitaciones presupuestarias que jamás podrá equipararse con las grandes producciones estadounidenses pero que lo compensa con una historia sólida, divertida, muy bien contada y consciente de sus aspiraciones. Incluso el CGI, algo naïf en algunas escenas, resulta adecuado a la historia.
También es cierto que para los estándares actuales Trollresulte algo blandita, e incluso inocentona en algunos aspectos (el mensaje ecologista, mención a Greta Thunberg incluida, es demasiado evidente). Le falta algo de mala leche pero también es parte de su encanto.
En resumen, Trolles una de las sorpresas del año en lo que a películas de Netflix se refiere, una película más que recomendable con la que uno tiene la sensación de que le han contado una buena historia de la mejor forma posible. Dadle una oportunidad. Un saludo, sed felices.
Jaz Sinclair, Lizze Broadway, Chance Perdomo, Maddie Phillips, London Thor, Derek Luh, Asa Germann y Shelley Conn son los protagonistas de esta serie en la que un grupo de jóvenes superhéroes son sometidos a una serie de pruebas al estilo de Los Juegos del Hambre.
Lo bueno es que ‘Gen V’ contará con la aparición especial de actores de la serie original como Jessie T. Usher (A‑Train) o Colby Minifie (Ashley Barrett).
De momento no tenemos fecha de estreno pero no creo que se estrene mucho más allá del primer trimestre de este próximo año.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades del último mes del año, de la editorial Moztros.
«¡El Universo Valiant se renueva y vuelve a publicarse en España!
Valiant Entertaiment, la editorial creada a fines de los 80s por el mítico Jim Shooter, se encuentra en plena etapa de crecimiento y expansión tras su desembarco en la gran pantalla con la película de Bloodshot, protagonizada por Vin Diesel, y ha reestructurado su universo en el último año relanzando sus series más icónicas con equipos creativos conformados por los creadores más prestigiosos del momento, un verdadero lujo para todos los fanáticos del noveno arte.
Es así como durante los últimos meses se han lanzado nuevas versiones de sus grandes clásicos como Bloodshot (del autor de Money Shot, Tim Seely, y el artista de DC Comics, Brett Booth), Shadowman (escrita por el prestigioso Cullen Bunn, y con arte de Jon Davis-Hunt), X-O Manowar (con Dennis Hopeless, escritor estrella de Marvel, en los guiones, y el dibujante de Star Wars: Rogue One, Emilio Laiso), Ninjak (con el escritor de Marvel y DC, Jeff Parker al frente de la historia y con los dibujos del español Javier Pulido), o Rai (relanzada por el prolífico Dan Abnett y otro español, Juan José Ryp, en el arte), así como nuevas series y miniseries de la talla de Roku (Cullen Bunn en los guiones y con otro compatriota, Ramon Bachs, en los dibujos) o Psi Lords (escrita por Fred Van Lente y con el arte de Ranato Guedes). ¡Todas estas series, y muchas más, serán publicadas por Moztros Ediciones!
Sin embargo, este es sólo el principio del nuevo Universo Valiant, y se espera que la editorial continúe anunciando nuevos lanzamientos y novelas gráficas originales, los cuales iremos comunicando y publicando en exclusiva para España».
Novedades de Moztros, de noviembre de 2022
Tras dejar el catálogo completo de las publicaciones de Moztros, del mes de diciembre de 2022, vamos a dejaros unas previews, para que podamos ver el apartado gráfico de todas ellas.
Por estos días Disney+ acaba de estrenar Willow, serie que, creada por Jonathan Kasdan, retoma al personaje de la película fantástica que, a pesar de una tibia respuesta en su estreno, se terminó convirtiendo en clásico de culto para los amantes de la espada y hechicería. En breve, este mismo redactor estará con los análisis episódicos de la misma pero, mientras tanto y desde nuestra sección de retro-análisis, creemos que es una buena oportunidad para recordar de qué iba la historia.
A finales de los ochenta, George Lucas había fracasado en obtener los derechos para adaptar al cine la trilogía El Señor de los Anillos: los herederos de Tolkien jamás quisieron cedérselos porque temían (quizás con razón) que la transformara en otro Star Wars. Fue así cómo decidió abrirse camino por cuenta propia y embarcarse en producir y escribir Willow, convocando a un director en alza como Ron Howard, que venía de sendos éxitos con Splash (1984) y Cocoon (1985) y que como actor había estado a sus órdenes en American Graffiti (1973).
Por cierto, Lucas venía, con Star Wars, de cerrar (de momento) su propia trilogía con el estreno de El Retorno del Jedi (1983), pero a ello habían seguido dos producciones a las que no les fue tan bien en taquilla. Una de ellas fue, injustamente, Dentro del Laberinto (1986) que, con dirección de Jim Henson (creador de los Muppets) e interpretaciones de David Bowie y una joven y hermosísima Jennifer Connelly, sería revalorizada después como clásico de culto gracias a las ventas para el medio hogareño. Y al igual que en Willow, pero con los géneros cambiados, tenemos también un pérfido hechicero y un bebé al que salvar.
Ups, casi lo olvidaba. La otra película a la que no le había ido bien se basaba en un clásico personaje de Marvel y era Howard: Un Nuevo Héroe, pero… ¿de verdad quieren que hable de ella? Bien, gracias por entender: me llamo a silencio…
La cuestión es que el no obtener los derechos no hizo, sin embargo, desistir a Lucas de contar, como él quería, una historia fantástica de espada y hechicería. De algún modo, ya lo había hecho con cualquiera de las de Star Wars, pero esta vez se trataba del género en su más pura esencia y raíces célticas sin mezclar con ciencia ficción. Las espadas son espadas: de metal y punto, nada de luz…
Pero era inevitable que, en su frustración, cargara a la historia de elementos que remiten mucho a Tolkien. Esquiva, eso sí, cualquier alegoría filosófica como las que pueblan la obra del célebre escritor y se concentra en una historia heroica en la cual hay una comunidad de enanos que vendrían a ser el equivalente de los hobbits y, entre ellos, un granjero con habilidades de magia que, a pesar de su pequeña estatura, está destinado a cumplir un destino de importancia para el mundo todo. Como Frodo, digamos, que no era mago pero disponía de un anillo que lo era…
La realización fue hecha con localizaciones en Gales y Nueva Zelanda (donde justamente sería rodada después la trilogía de PeterJackson) y una de las particularidades es que se recurrió a enanos reales (en las de Jackson utilizarían el achicamiento digital de los actores). Ello implicaba, desde luego, reunir a todos los que anduviesen dando vueltas por el cine o la televisión durante los años ochenta y esa es la razón de que nos resulten conocidos tantos rostros en la aldea.
De entre ellos, el que va a recorrer el viaje y el camino del héroe es Willow Ufgood, interpretado por el británico Warwick Davis, quien para ese entonces contaba apenas diecisiete años pero ya tenía experiencia junto a Lucas al haber dado vida en El Retorno del Jedi al ewokWickett Warrick (obvia referencia a su propio nombre), así como también a uno de los goblins en Dentro del Laberinto.
Pero Willow era para él la primera oportunidad de aparecer con el rostro limpio, sin máscaras ni pesados maquillajes y, por lo tanto, poder mostrar más sus dotes. Por cierto, en las décadas siguientes lo veríamos encarnar en varias oportunidades al duende Leprechaun en la saga de películas del mismo nombre o al profesorFlitwick en las de Harry Potter.
La Historia
La malvada reina Bavmorda (Jean Marsh) ha hecho capturar y encerrar a todas las mujeres embarazadas de su reino. El objetivo es dar con una niña que está al nacer y que llegará identificada con una marca en el brazo que la predestina, según la profecía, a acabar con el reinado de terror de Bavmorda. En efecto, una de las mujeres da a luz en las mazmorras a una bebé con la marca indicada, pero una partera se encarga de sacarla de allí antes de que caiga en manos de los guardias.
En una fuga que le costará la vida, la mujer logra, no obstante, lanzar a la niña por el río cual Moisés y así es cómo va a parar a la comunidad de los enanos (o aldwin, como se los llama), donde es hallada por los hijos de Willow, que la llevan con su padre.
Casi de inmediato se produce un ataque de huargos y, al hacerse evidente que buscaban un bebé, todo apunta a la que Willow protege. Si la aldea quiere sobrevivir, la niña no puede estar allí, por lo que se encarga a Willow la tarea de llevarla a la “encrucijada de los daikini” (tal el nombre que dan a la gente alta) y así entregarla a su gente.
En tal misión, será escoltado por una compañía reunida a tal efecto (otro punto en común con El Señor de los Anillos), la cual es reclutada por el mago de la aldea, el mismo que acaba de rechazar a Willow como aprendiz al no convencerle sus trucos.
Habrá complicaciones, desde ya. Una vez en la encrucijada, no encuentran un solo daikini que se quiera hacer cargo, salvo un reo llamado Madmartigan (Val Kilmer) que, encerrado en una jaula, se ofrece para llevar a la niña (de quien luego sabremos que su nombre es Elora Danan) y ponerla a buen cuidado en caso de que lo liberen.
No quiero contar más por si no la han visto y, de hecho, no estaría mal que lo hiciesen si están pensando en comenzar con el visionado de la serie, pero lo que sigue es una aventura cargada de magia, épica, hadas, trolls y todo tipo de criaturas fantásticas. E inclusive romance, lo cual involucra tanto al personaje de Kilmer como a Sorsha (Joanne Whalley), la hija de la bruja malvada, con problemas para escoger bando.
Fábula, Comedia y Magia Digital
La historia es por demás simple y no podía ser de otra forma al estar escrita por Lucas, quien nunca se anda con cosas muy intrincadas o complejas. De hecho, y si bien el mundo del filme remite mucho a la Tierra Media de Tolkien, rehúye por completo su parte más oscura incorporando, en cambio, elementos más propios de la literatura o cuentos infantiles.
Y es lógico porque se trata, básicamente de un producto familiar (aunque hay algunas escenas bastante violentas, que incluyen desmembramientos o cuerpos en llamas). La reina malvada, sin ir más lejos, hace acordar bastante a la de Blancanieves o bien a Maléfica, incluso en su atuendo.
Hay algunos gags que pueden resultar un poco insufribles: llegué a odiar en su momento (y lo sigo haciendo) a los dos personajes de aspecto liliputiense que se suman en la misión (y la palabra que tomé prestada de Jonathan Swift no puede ser más apropiada, ya que en un momento Willow y los suyos son atados con estacas al suelo a la manera de Gulliver).
Algunos efectos visuales pueden no verse muy bien hoy (el monstruo de dos cabezas ya me pareció esperpéntico cuando vi el filme por primera vez), pero cumplen una función acorde a una época para la cual justamente son innovadores, como la utilización del morphing digital.
Por cierto, es la primera vez que tal recurso se utiliza en la historia del cine y ello se aprecia particularmente en la escena en que Willow intenta reconvertir en humana a la hechicera Fin Raziel pero, hasta que lo logra y por su impericia, la hace pasar sucesivamente por cabra, avestruz, pavo real, tortuga y tigre. Unos años después la técnica se volvería habitual en el cine y causaría sensación en un video-clip de Michael Jackson (Black or White).
Y ya que hablamos de música, la banda sonora de James Horner, si bien es cierto que, en algunos pasajes, remite demasiado a la Sinfonía N°3 de Schumann (aquí pueden apreciar la comparación), está cargada de épica y es casi imposible no quedarse tarareando el leitmotiv principal al terminar el visionado.
Pero lo mejor, sin duda, es la interpretación de Warwick Davis, quien construye un personaje entrañable, del cual no puede menos que alegrar que haya sido rescatado nuevamente para la serie de estreno en estos días. Kilmer, que todavía no había sido Jim Morrison ni Batman, hace lo suyo con oficio (nunca gran actor, pero siempre buen actor) y logra que su villano inicial termine también siendo querible. Por cierto, les recomiendo un interesante artículo de mi compañero José sobre el personaje de Madmartigan.
Por último, dos veteranas actrices británicas, como Patricia Hayesy Jean Marsh, aportan su capacidad para dar vida a un enfrentamiento bruja buena-bruja mala con mucho de El Mago de Oz y también, por supuesto, de Gandalf-Saruman. Quien ama este género, siempre quiere un buen duelo de magos…
Valoración Final
Willow fue hecha en años en que el género de fantasía épica era aún sinónimo de fracaso en taquilla; es en vano entonces juzgarla a la luz de la trilogía de Jackson que sería, justamente, la que iba a cambiar eso para siempre. De hecho y con un costo de 35 millones de dólares (alto para esos tiempos, incluso superior a El Retorno del Jedi), recaudó 54 millones en Estados Unidos y aunque no pueda ser llamado fracaso, desalentó cualquier proyecto de Lucas para una trilogía, como quería hacer.
Si se considera ese terreno tan poco favorable, Willow es una película que cumple con lo que se propone: nos entretiene y nos lleva de vuelta a la candidez e ingenuidad de una infancia en que veíamos la magia como posible.
Ron Howard no es un director que se caracterice por dar a sus filmes un sello demasiado personal e identificable, pero ha demostrado muchas veces su sobrado oficio para contar historias atractivas sin que el ritmo decaiga y manteniéndonos prendidos de principio a fin (Llamaradas, Apolo 13, Una Mente Maravillosa, Rescate, El Código Da Vinci). Willow es, por sobre todo, una película de Lucas, pero a la cual Howard sabe guiar eficazmente.
El filme recibió dos nominaciones a los premios Oscar (en sonido y efectos visuales) sin quedarse con ninguno. La gran ironía es que en 2001 sería otro filme de Howard (Una Mente Maravillosa) el que se quedaría con la estatuilla a mejor película relegando justamente a la primera de El Señor de los Anillos, en tanto que Jennifer Connelly (la otrora adolescente de Dentro del Laberinto) acabaría alzándose con el premio como mejor actriz de reparto.
En definitiva y en estos días en que Willow, como secuela en formato de serie, acaba de ser estrenada por Disney+, no hay mejor plan que redescubrirla, lo cual nos permitirá reconectar con la historia después de treinta y cuatro años, pero también entregarnos a la nostalgia de cuando íbamos al cine sin tanto prejuicio y con una mayor candidez.
Junto a Lady Halcón, a Excalibur, a Conan el Bárbaro y a La Princesa Prometida (más cercana en el tono a esta última que a las anteriores), Willow tiene un sitial de honor entre las películas que, en los ochenta, prepararon y allanaron el camino para que llegara la adaptación de la mayor obra de fantasía épica de todos los tiempos.
Les espero para analizar los episodios de la serie. Hasta entonces y sean felices…
Así soy yo. Con minuto y medio y te coloco The Last of Us como una de las series de 2023. ¿Soy objetivo? No, lo siguiente.
En el marco de la CCXP22 de Sao Paulo, Brasil, HBO Max ha mostrado un nuevo tráiler de The Last of Us, basada en la exitosa franquicia de videojuegos de Naughty Dog.
En el tráiler hay escenas que me han trasladado a esas horas y horas que pasé jugando al videojuego. Parece que hay un cariño por parte de los creadores de la serie de ser lo más fieles posibles.
En el reparto además de la pareja protagonista, Pedro Pascal y Bella Ramsey, tenemos a Gabriel Luna, Anna Torv, Nico Parker, Murray Bartlett, Nick Offerman, Storm Reid, Ashley Johnson y Troy Baker (¿los dos últimos nombres no os suenan de algo?).
Ya queda para su estreno poco más de un mes, la serie se estrena el próximo 16 de enero de 2023. Se compone de un total de nueve episodios. The Last of Us contará con los guiones de Craig Mazin (creador de la serie Chernobyl) y de Neil Druckmann, director de The Last of Us y de The Last of Us: Parte II.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Cosmic Detective de Jeff Lemire, David Rubín y Matt Kindt. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Cosmic Detective, una maravilla
En el mes de mayo de 2020, cuando en España todos estábamos más que aburridos sin poder salir de casa debido al confinamiento decretado por el Gobierno debido a la crisis del coronavirus, a Jeff Lemire, David Rubín y Matt Kindt se les iluminó la bombilla y decidieron crear una campaña de crowfunding en Kickstarter para ofrecernos Cosmic Detective, un gran cómic que mezcla de manera brillante la ciencia ficción con el género negro. Teniendo en cuenta el calibre de los nombres implicados, el proyecto se financió con mucha facilidad (recaudó 170.567 dólares, superando con creces los 35.000 necesarios para llevar a cabo el proyecto). Y después de algo más de dos años, ese mismo proyecto, que ya estaba en manos de sus mecenas, sale publicado en nuestro país por Astiberri Ediciones, pudiendo llegar a casa de todo el que pase por caja en su librería.
Un gran arranque para una historia de misterio
Cosmic Detective está escrito a cuatro manos por Jeff Lemire y Matt Kindt, dos de los más imaginativos guionistas del medio. Nos presentan una historia de género negro que comienza como mandan los cánones, con un misterioso asesinato que un rudo detective tiene que investigar. Pero lo interesante es que el muerto es ni más ni menos, que un dios.
Además, nuestro detective forma parte de una misteriosa organización que lleva desde hace siglos monitorizando la actividad de estos dioses en nuestro planeta, sin que se sepa muy bien que es lo que hacen aquí y las intenciones que tiene para con la humanidad.
Empieza entonces una investigación que llevará a nuestro protagonista a los más variados rincones de un mundo maravilloso y lleno de sorpresas que hará que estemos pasando las páginas una tras otra con ansia para ver a donde nos llevan sus nuevos descubrimientos mientras vamos conociendo un poco más de sus circunstancias personales y de los compañeros que tiene en la agencia. Viendo las andanzas de su protagonista es imposible no acordarse de otro gran detective dentro de una historia de ciencia ficción como es el Rick Deckard de Blade Runner.
Y si la historia que nos cuentan los guionistas de Cosmic Detective es tan absorbente se debe también en gran medida al estupendo trabajo en el dibujo de David Rubin. El español ofrece uno de sus trabajos más logrados, presentado unos escenarios llenos de detalles que nos trasladan sin solución de continuidad a ese maravilloso mundo que han creado entre los tres autores. Sus arriesgadas composiciones de página y sus locos diseños de escenarios y personajes recuerdan poderosamente al mítico Jack Kirby y a su Cuarto Mundo. Todo sin olvidarnos de un genial uso de un color brillante que contrasta de manera genial con el tono gris de la historia. En definitiva, un apartado artístico sobresaliente.
Un ejemplo de la composición de pagina de David Rubín
Gran parte del interés de la historia es conocer el maravilloso universo salido de las mentes de Lemire, Kint y Rubín, un mundo que mezcla a Raymond Chandler con Isaac Asimov y con unas gotas incluso de David Cronenberg. Como toda historia negra, vamos a acompañar al protagonista en su ardua tarea de descubrir al asesino y las circunstancias que rodean a la muerte de un dios. Pero hay que señalar que, aunque en la primera mitad del tomo la historia vaya por este camino, después la ciencia ficción más dura se adueña del relato dejando un poco de lado el trabajo puramente detectivesco. Esto hace que el resultado final de la obra quede un tanto descompensado, aunque la conclusión de la trama deja muy buen sabor de boca.
La agencia donde trabaja nuestro protagonista
La edición que hace Astiberri de la obra es sencillamente magnífica. Se presenta en un tomo encuadernado en tapa dura de 192 páginas con un tamaño superior al normal (23×21 cm) para mayor lucimiento de los lápices de David Rubín. Se incluyen también algunos extras como diseños de personajes y ejemplos de los guiones originales. Todo por un precio de 28 euros.
En resumen, Cosmic Detective es una gran historia de ciencia ficción noir a la que no le falta nada, desde un misterioso asesinato a un detective rudo, pero con buen corazón que no cejará en su empeño de descubrir la verdad pase lo pase y pese a quién le pese. Todo en el marco de un maravilloso universo salido de la imaginación de tres grandes autores entre los que brilla con luz propia el gran trabajo en el apartado artístico de un David Rubín que dota de enorme personalidad a la obra.
Netflix estrenó el pasado 25 de noviembre El Paciente, una película francesa que adapta el cómic de Timothé Le Boucher y que rápidamente se ha colocado entre las más vista en España y en muchos otros países. Es lo que tienen los thrillers, que siempre son interesantes y suelen gustar mucho al público. Hay que comentar que no se trata de un original de la plataforma si no que es un telefilme francés del canal Arte que tuvo un gran éxito de audiencia en Francia y que ahora Netflix añade a su catalogo para desfrute de sus abonados.
El Paciente nos cuenta de historia de Thomas (Txomin Vergez), un joven de 19 años que se despierta en un hospital después de tres años en coma sin recordar nada. La psicóloga Anna Kiefer (Clotilde Hesme) le dice que su familia ha sido asesinada y que él es el único sobreviviente de la masacre mientras que su hermana Laura (Rebecca Williams) sigue desaparecida.
Con este arranque tan misterioso y prometedor, el realizador Christophe Charrier nos ofrece un thriller psicológico que pivota entre la investigación que está llevando a cabo la psicóloga y los recuerdos del pasado que poco a poco va desenterrando de su maltrecha mente Thomas. Desde el principio está claro que hay muchas cosas que no son lo que parecen y que el propio Thomas esconde un secreto que será la clave para resolver el crimen de la familia Grimaud.
La narración se divide entre lo que ocurre en el hospital, donde Thomas recibe tratamiento tanto psicológico como fisioterapéutico (después de tres años en coma no puede moverse) y los recuerdos del protagonista, donde poco a poco van a apareciendo las piezas del rompecabezas. Es en esos recuerdos donde vemos los conflictos que había en la familia, con sus padres y su hermana constantemente enfrentados, una situación que se agrava con la llegada de su primo a casa para vivir una temporada con ellos.
Laura es la clave para resolver el crimen de la familia Grimaud
Al principio la película es interesante y entretenida ya que los espectadores van juntando las piezas a la vez que Thomas y eso siempre mantiene el interés. Lo que ocurre es que poco a poco se van viendo las costuras a la historia y no costará demasiado anticipar el giro de guion que acabe colocando todas las cosas en su sitio. Por que El Paciente pertenece a ese género de películas “tramposas” que basan todo su impacto en una gran revelación final que deje a los espectadores con lo boca abierta. Pero hay que ser muy bueno para lograr que todo encaje al final y que el público no se sienta estafado. Y los responsables de esta cinta no lo son ya que se ve venir el final y además, la manera de hacer cuadrar todo queda demasiado impostado al final.
Y hay que añadirle otro problema mayor. Ya he comentado que la película es la adaptación de un cómic realmente bueno publicado este mismo año en nuestro país por la Editorial Nuevo Nueve. En la reseña que hice ya comenté que el relato quedaría muy bien en una adaptación cinematográfica, aunque yo abogaba por una miniserie HBO en vez de una película. Lo que quiero decir es que la historia, tal cual la cuenta Timothé Le Boucher es perfecta. Por eso no entiendo que se haya cambiado de arriba abajo en la película que nos ocupa.
Thomas tendrá que enfrentarse a sus recuerdos
En el comic teníamos un gran thriller psicológico en el que una de sus grandes bazas era la relación enfermiza que se establecía entre el protagonista y su sicóloga, con un fuerte componente sexual que se ha borrado completamente en la película. En la producción de Christophe Charrier todo gira en conocer que ha pasado con la hermana para favorecer el giro final que nos vuele la cabeza, olvidándose por completo del juego del gato y el ratón entre Pierre y Anna que le da ese toque original y muy interesante al comic. Ese afán por buscar la sorpresa hace que la película sea muy tramposa y no se moleste en presentar a los protagonistas como personajes complejos e interesantes de la manera que hace la novela gráfica.
En resumen, El Paciente es un thriller que gustará a los amantes de las sorpresas finales que no sean demasiado exigentes. El público que busque una historia mejor y más compleja haría bien en hacerse con el comic, sin duda una de las lecturas más estimulantes de este año que se acaba.
Presentamos las novedades de Panini cómics para diciembre de 2022
A continuación os dejamos el PDF que ha ofrecido la editorial donde creo que lo más destacado del mes es la reedición en tapa blanda de los clásicos Marvel.
A disfrutar el último mes del año con los mejores cómics de Panini Cómics
Se ha iniciado una recaudación de fondos de GoFundMe en nombre del guionista de The Incredible Hulk y Young Justice, Peter David. La razón parece ser que es sufragar el ingente gasto médico al que la familia se ha visto sometida en los últimos tiempos.
La recaudación de fondos de GoFundMe se creó el 27 de noviembre de 2022 y ha recaudado más de 50.715 dólares a fecha de la redacción de este artículo. La descripción de la recaudación de fondos, creada por Graham Murphy, dice: «Hola a todos. Estoy recaudando fondos para el autor Peter David y su familia. ¡Ha tenido algunos problemas de salud agravados y las facturas se están acumulando! Además de la insuficiencia renal, y las elevadas facturas médicas incurridas por eso, acaba de tener otra serie de accidentes cerebrovasculares y un ataque cardíaco leve. Mientras le deseamos una pronta recuperación y enviamos nuestro amor y apoyo a su esposa Kathleen y su familia, también ayudemos con sus facturas médicas y gastos de manutención. Por favor, dé lo que pueda para aliviar parte del inmenso estrés que esta familia está atravesando en este momento. En nombre de Peter, Kathleen y toda la familia, ¡gracias!»
El 28 de noviembre de 2022, la esposa de Peter, Kathleen, comentó en la página de GoFundMe: «Kath al habla. Gracias a todos los que nos han ayudado. Esta mañana le pusieron un monitor cardíaco en el pecho para vigilar lo que está pasando con su corazón. Todavía hay una serie de pruebas que deben hacer con sus arterias carótidas antes de que sepamos el siguiente paso. En el lado bueno, el derrame cerebral y las réplicas no fueron tan malas como hace diez años. Trabaja duro en su terapia física y se está recuperando mucho mejor esta vez. Si sigue así, pronto estará en casa. Él sigue siendo el narrador sabio que siempre ha sido y quería que os dijera que aprecia todos vuestros amables deseos y apoyo. Significa el mundo para él. Más noticias a medida que las recibo. Por favor, corred la voz. Me gustaría poder hacer de Hannukah y Christmas una buena fecha para él. Su hija, nietos, nieta y su familia también aprecian vuestro apoyo».
David es una figura muy conocida en la industria del cómic que ha trabajado en numerosos títulos para Marvel, DC y otras editoriales. Su carrera en The Incredible Hulk comenzó con The Incredible Hulk# 331 de 1987 (que también fue creado por Todd McFarlane, Kim DeMulder, Petra Scotese y Rick Parker). Continuó trabajando en el título durante los siguientes 11 años, ganando un Premio Eisner (compartido con Dale Keowon) en 1992. El mismo año, David también co-creó el personaje de Spider-Man 2099 / Miguel O’Hara con Rick Leonardi, que luego inició el universo 2099 de Marvel. Ha trabajado en una miríada de otros títulos a lo largo de las décadas, incluyendo Young Justice, Aquaman, Supergirl, X-Factory muchos más. Sus guiones se caracterizan por el tratamiento de los personajes, los temas sociales, las referencias a la cultura pop y la metaficción.
Personalmente le tengo que agradecer la creación del personaje del Comepecados, el cual se enfrentó a mi amado Spiderman en una de las historias que me marcó de niño al leerla. Si tenéis oportunidad, os animo a que la busquéis y leáis.
A finales de diciembre de 2012 la página web oficial de Peter David anunció que el autor había sufrido un infarto cerebral. Durante los primeros días, David perdió la sensibilidad y el movimiento de la parte derecha de su cuerpo y tuvo problemas para ver correctamente. Con el paso de los días se supo que estaba sometiéndose a terapia de rehabilitación para el brazo y la pierna, en tanto que el ojo parecía ir recuperándose.
Puedes visitar GoFundMe para donar a la recaudación de fondos para David.
Los tiempos cambian. En ciertos aspectos para mejor. Ahora puedes apelar a la solidaridad de la genta creando un crowfunding y esperando que el milagro suceda. Y si la ocasión lo merece, suele ser así. Y no hay mejor oportunidad para redimir nuestra alma torturada por la conciencia como ayudar a un hombre enfermo. Aún más si nos ha hecho soñar con sus historias. Historias en las que los buenos ganaban. Ojalá en esta ocurra lo mismo.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tengo el inmenso placer de presentaros a Tarzán de Gil Kane. Y … Creo que es excelente manera de empezar con este importantísimo personaje. Nos lo ha traído Dolmen Editorial.
Vamos a ponernos en antecedentes
Antes de empezar a hablar de las historias contenidas en este tomo, vamos a dar alguna pincelada sobre quién es Tarzán.
A principios del siglo pasado, concretamente durante la primera mitad del siglo XX, entre los lectores estadounidenses, hubo un fenómeno que causó fervor y tuvo un enorme éxito: Las revistas pulp.
Estas revistas se imprimían en papel barato con un alto contenido de pulpa (por eso se llamaban así). Las revistas pulp contaban con espectaculares portadas y en su interior, contenían historias (más o menos cortas) de todo tipo de ficción.
Había historias románticas, de ciencia ficción, westerns, historias de aventuras … Cada número te traía un puñado de historias cortas y en la última parte de la revista, se podía leer el inicio de una nueva historia, por lo que el lector se veía obligado a comprar el siguiente número (y el siguiente) para averiguar cómo terminaba. Y luego comenzaría otra serie …
Tarzán es un personaje ficticio, creado por Edgar Rice Burroughs, que nació en una revista pulp, titulada All Story Magazine, en el año 1912. Posteriormente fue adaptado en la novela Tarzán de los Monos. Aunque en estos tiempos en los que todo es hipócrita y falsa corrección, debería haber dicho que la novela se tituló Tarzán de los Simios.
Tras el enorme éxito cosechado por este Tarzán, hubo otras dos docenas de novelas, más de cuarenta películas, cientos de cómics, programas de radio y televisión, merchandising del personaje …
Tarzán se ha convertido en uno de los personajes literarios más conocidos del mundo. Y eso que todo vino, a partir de una historia que estuvo a punto de no ser escrita nunca. Está claro, que las grandes hazañas, muchas veces vienen de pequeños gestos.
Yo lo conocí, cuando era pequeño, a través de una reposición de la adaptación cinematográfica, protagonizada por Jonny Weissmuller.
En la web, tenemos reseña de una de las últimas adaptaciones de Tarzán al noveno arte, realizada por mi amigo y compañero Mario Losada, en nuestra sección «el cómic de la semana«. Podéis pinchar aquí, para leer la reseña.
Tarzán de Gil Kane y Archie Woodwin
En este tomo, podemos disfrutar de los apenas dos años en los que Gil Kane se hizo cargo del personaje.
Gil Kane (sin olvidar a Archie Woodwin) nos presenta un Tarzán joven, que vive en África de la segunda mitad del siglo XX.
Atrás quedaron las criaturas fantásticas que abundaban en la etapa del maestro Russ Manning, que se están publicando en la actualidad por otra editorial.
El presente tomo editado por Dolmen Editorial, nos narra las aventuras de un joven Tarzán como protagonista absoluto de las mismas, en trepidantes historias cortas que son narradas en 10-12 páginas.
Disfrutaremos de aventuras que suceden en África, donde Tarzán salva la vida (y le da una buena lección sobre la misma) a un pequeño malcriado. También se verá obligado a dar caza a un feroz León enloquecido y por otra parte, a luchar contra peligrosos mercenarios.
Pero Kane y Goodwin convertirán nuevamente a Tarzán en Lord Greystoke y lo trasladarán a Nueva York por negocios, donde se verá obligado a enfrentarse con una especie de King Kong.
Todo ello para hacerlo viajar de nuevo a Sudamérica, en una expedición arqueológica que se verá perturbada por los residuos de un experimento nazi.
¿No tenéis ya ganas de leerlo?
La edición de Dolmen Editorial
Tenemos ante nosotros un tomo en tapa dura, con un papel poroso de calidad, que cuenta con un gran gramaje, a todo color, en formato apaisado con unas medidas de 28×21,5 cm y 112 páginas de pura adrenalina.
El tomo se encuentra disponible en librerías, desde el 8 de septiembre de 2022 y cuenta con un P.V.P. de 29,90€. Podéis adquirir el volumen pinchando aquí.
El equipo artístico
Archie Woodwin. Guionista. Nació en Nueva York, en 1937 y falleció en 1998. Comenzó en el mundo de los cómics en 1962 en Harvey Comics, pero pasó rápidamente a Warren Publishing, donde fue el principal guionista y posteriormente, redactor jefe.
Tras escribir varios guiones para Creepy y Eerie, escribió gran parte de las historias de Vampirella.
Este humilde redactor, conoció a Archie Goodwin en las tiras de prensa de X-9 Agente Secreto Corrigan. También escribió Tarzán y las tiras de Star Wars. Regresó a DC Cómics y a Marvel, donde fue redactor jefe entre 1976 a 1978.
Archie Goodwin falleció prematuramente. Es una de las figuras más queridas y admiradas en el mundo de la historieta, de finales del siglo XX.
Gil Kane. Dibujante. Su nombre real era Eli Katz. Nació en Estonia en 1926 y falleció en el 2000. Fue hijo de una familia judía, que emigró a los Estados Unidos, buscando una vida mejor.
Trabajó durante más de cuarenta años en las grandes editoriales americanas. Comenzó su carrera como asistente sin acreditar de Jack «King» Kirby.
Su carrera se vio interrumpida porque fue alistado por el ejército americano, en la división del Pacífico, durante la II guerra mundial.
Una vez de vuelta a los dibujos, fue modificando su artesanal estilo, para acercarse al del gran Dan Barry en su Flash Gordon.
Es recordado por su gran etapa en Green Lantern (cosa que molestaba mucho a Kane), pero hay que destacar que la participación de Gil Kane en la industria del cómic americano, es fundamental en la evolución en la narrativa de la misma. Pero no solamente ha sido indispensable en la industria americana, sino en el cómic mundial.
¿Qué me ha parecido el Tarzán de Gil Kane?
El Tarzán de Archie Goodwin y Gil Kane, es un cómic de aventuras absolutamente trepidante. El volumen está compuesto por historias de 10 a 12 páginas, que empiezan y terminan y pasamos a la siguiente.
Las historias no solamente son muy entretenidas, sino que su ritmo es frenético y esto hace que, cada una de sus lecturas se hace rápidamente. El dibujo de Gil Kane es maravilloso.
Como aspecto más destacable, es que me parece un perfecto punto de entrada para conocer al personaje. Si bien no nos cuenta ni menciona nada acerca de su origen, sí se nos muestra el espíritu del personaje y sus ideales de justicia.
Tenéis disponible un tomo único con el que adentrarte en el universo de Tarzán y si lo deseáis, en todos los mundos creados por Edgar Rice Burroughs. A partir de aquí, se abre ante nosotros todo un abanico de posibilidades de acercarnos al personaje.
En estos momentos, siento curiosidad por comprar alguna de las novelas escritas por su creador, o también podemos optar por descubrir más cómics sobre Tarzán. Dolmen Editorial tiene disponibles varios volúmenes dentro de la Colección Sin Fronteras. Pinchad aquí si sentís curiosidad.
Espero haber despertado vuestra curiosidad sobre Tarzán.
Disney saca por sorpresa el tráiler de Guardianes de la galaxia volumen 3. El tráiler es como siempre divertido pero a su vez tiene un tinte más dramático. Veremos en que deriva todo esto, pero siendo el director James Gunn y con esos personajes con los que cuenta, las risotadas no van a faltar.
El estreno en Estados Unidos es el 5 de mayo de 2023, habrá que confirmar aún fechas en España y en el resto de América, pero en el tráiler en español ya nos dicen que también será durante el mes de mayo.
Para todos los fans ya tenemos las primeras imágenes de William Poulter como Adam Warlock, un personaje de peso en esta entrega y espero que también en futuras películas Marvel.
Otros actores en el reparto serían: Chris Pratt,Zoe Saldana,Dave Bautista,Bradley Cooper,Vin Diesel,Elizabeth Debicki,Pom Klementieff,Will Poulter,Maria Bakalova,Karen Gillan,Sylvester Stallone,Sean Gunn,Daniela Melchior,Chukwudi Iwuji.
Os dejo el tráiler en ESPAÑOL y en INGLÉS, así decidis cual os gusta más.
Mientras estábamos despistados viendo a España perder contra Japón, Lucasfilm ha lanzado el esperadísimo tráiler de Indiana Jones 5. El regreso del famoso arqueólogo tendrá lugar el 30 de junio y ya hay título definitivo a la espera de su traducción oficial al español: Indiana Jones and the Dial of Destiny.
James Mangold sustituye a Steven Spielberg en la dirección, Harrison Ford regresa como Indiana Jones y junto a él tendremos a Phoebe Waller-Bridge, Mads Mikkelsen, Thomas Kretschmann, Boyd Holbrook, Shaunette Renée Wilson, Antonio Banderas, Toby Jones,Olivier Richters y John Rhys-Davies dando vida una vez más a Sallah.
Para los más escépticos, hay que decir que el tráiler pinta muy, muy bien. Os dejamos con él. Un saludo, sed felices.
TRAILER EN ESPAÑOL. Indiana Jones and the Dial of Destiny
TRAILER EN INGLÉS. Indiana Jones and the Dial of Destiny
Finalmente ha arribado a Netflix el esperado estreno de Miércoles (Merlina para Latinoamérica), serie creada por Alfred Gough y Miles Millar que, en el primer desembarco de Tim Burton en tres décadas para medio televisivo o streaming, es spin-off de la clásica y entrañable serie La Familia Addams… ¿Pero lo es realmente?
No saben con cuánta expectativa aguardaba el estreno de esta serie. Pueden comprobarlo echando ojo a los distintos artículos que le he venido dedicando desde que se anunciara hace ya más de dos años y con cada nuevo tráiler. De no haber mediado ello, quizás mis impresiones tras ver en Netflixla primera temporada de Miércoles serían otras, pero no nos adelantemos y veamos de qué va la cosa…
Para empezar, la serie tiene como showrunners a Alfred Gough y Miles Millar, lo cual no es poco considerando que se trata de la dupla responsable de Smallville (aquí mi artículo por los veinte años de la serie) y del guion de Spider-Man 2, mejor película sobre el arácnido hasta la fecha (aquí nuestro retro-análisis). Y si con eso no fuera aun suficiente, tenemos a Tim Burtondirigiendo la mitad de los ocho episodios que componen esta primera temporada.
¿El resultado? Pues a decir verdad, me ha dejado gusto a poco en relación con las altas expectativas que traía o con lo que La Familia Addams representa para mis años de infancia. Pero hablemos primero de la historia…
Muchacha Difícil…
Miércoles y Pugsley (Merlina y Pericles para Latinoamérica) son los ya adolescentes hijos del matrimonio Addams que asisten a un colegio muy correcto y conservador, tanto que se llama Nancy Reagan, buen detalle hilarante para comenzar. Como es casi regla, sufren bullying por parte de los clásicos e insoportables acosadores que les ven como “bichos raros”, situación a la cual la muchacha decide poner coto arrojándoles pirañas a la piscina.
El líder de ellos sufre el destino deOsiriscon el oxirrinco y, como bien dice luego Miércoles, ya no podrá procrear (en ello Osiris le aventaja). La escuela no tiene más remedio que expulsar a la joven y sugerir a sus padres una institución especializada.
Así es cómo Morticia, junto a su esposo Gomez (Homero para Latinoamérica), la llevan a Nunca Más, internado para adolescentes difíciles cuyo nombre remite a la sentenciosa frase del cuervo en el célebre poema de Edgar Allan Poe. No es cualquier lugar: ellos han asistido allí en sus años mozos y fue, de hecho, donde se conocieron. Y en las cercanías hay una pequeña localidad llamada Jericho en la que funciona una comunidad puritana que, diciendo descender de los primeros colonos, rinde pleitesía a su fundador Joseph Crackstone (imposible no asociar con Joseph Smith), al cual parece que ya en aquel momento no le caían bien los excluidos y marginales del tipo que hoy puebla Nunca Más.
La convivencia es complicada, ya sea con el personal o el resto de los alumnos. La directora a cargo es una mujerona llamada Larissa Weems que, interpretada por Gwendoline Christie (Brienne en Juego de Tronos, ¿la recuerdan?), tiene como principal obsesión cuidar la imagen del lugar. La secundan la psiquiatra Valerie Kinbott (Riki Lindhome) y la profesora de ciencias Marilyn Thornhill, con especial afición por las plantas carnívoras e interpretada por Christina Ricci, quien diera justamente vida a Miércoles tres décadas atrás en las películas de Barry Sonnenfeld (aquí el retro-análisis de la primera a cargo de un servidor).
Si con ellas es difícil para Miércoles congeniar, no lo es menos con sus propios compañeros, que también están allí por conductas problemáticas. Enid Sinclair (Emma Myers) es quien inicialmente comparte cuarto con ella, pero por mucho que se esmere en establecer vínculo, Miércoles no se lo va a poner fácil.
Más difíciles aun son las cosas con Bianca (Joy Sunday), reina del instituto y especialista en esgrima, aunque con el tiempo se irán limando asperezas con ambas.
Pero no se trata solo de jóvenes con conflictos, sino que hay más: Enid, por ejemplo, procede de una familia de licántropos que esperan de ella que se “enlobe” de un momento a otro; Bianca, en tanto, viene de una de sirenas, lo cual termina siendo casi intrascendente al no haber mar en las cercanías. También hay un joven con poderes de telekinesis y otro capaz de controlar a las abejas.
No faltan, por supuesto, los que le arrastran el ala a Miércoles y que, en general, son casi tan freakies como ella. En particular, la competencia se da entre Xavier Thorpe (Percy Hynes White) y Tyler Galpin (Hunter Doohan), este último hijo del sheriff local. Tampoco ellos tienen suerte en sus acercamientos, pero su presencia da a la historia un toque de iniciación adolescente que atrae justamente a ese público…
Miércoles es incapaz de expresar emociones. Por un flashback, nos enteramos que ello se originó cuando un grupo de niños le mató el escorpión que tenía como mascota. Ese día lloró, pero decidió que ya no volvería a hacerlo y desde entonces reprime toda emoción. Por otra parte, viene sufriendo traumáticas visiones que se le presentan especialmente cuando toca a algo o a alguien, las cuales, se enterará luego, también padecía su madre.
En las cercanías del lugar se están produciendo una serie de desapariciones o crímenes sobre los que la directora intenta arrojar un manto de ocultamiento y en todos ellos parece estar involucrada una terrorífica criatura. Dada la afición de la joven por escribir relatos policíacos, ello le deviene en particular interés en descubrir qué hay detrás de tales hechos, al punto de que esa obsesión se convertirá en su principal aliciente para seguir en el instituto.
Estética y Personajes
Desde el momento en que Miércoles es dejada por los Addams en el internado, su comunicación con la familia queda interrumpida y no solo en cuanto a la trama, sino al concepto mismo de la serie que, a partir de allí, tiene muy poco que ver con La Familia Addams. Casi pareciera que el dejarla allí es una forma de llevarla a un ámbito que nos haga olvidar del anterior y arrojarnos hacia un pastiche de Las Escalofriantes Aventuras de Sabrina mezclado con Enola Holmes y algún toque de Harry Potter. Se trata de una historia detectivesca sobrenatural de tono adolescente en la cual toda filiación con lo que antes sepamos sobre los Addams pasa a ser superflua.
No es novedad que Burton se despegue de las historias originales para abrir su propio camino y de hecho es lo que le ha encumbrado allá por los noventa, pero esta vez hace añicos esencia y rumbo para contarnos solo la historia que le interesa.
Y no es que tampoco lo haga de modo original: sociedades secretas, bibliotecas ocultas, libros con saberes perdidos, personajes que desconocen su propio pasado, triángulos amorosos, en definitiva todos los lugares comunes de este tipo de historias. Los Addams acaban así siendo un simple señuelo para camuflar otra serie más de las que tanto abundan.
Desde ya que la estética es maravillosa e impactante. El tono oscuro que impregna a cada escena, la niebla lejana en los bosques, los portones de reja art nouveau: todo se ve muy “burtoniano”. Y a ello debemos sumar los increíbles planos, encuadres, flashbacks u homenajes a títulos cinematográficos clásicos como Carrie(en la escena de la fiesta), Harry Potter (con la competencia de canoas entre las distintas “casas”) o Nosferatu (cuando la sombra del monstruo o “hyde” avanza ominosa por las escaleras).
La escenografía, bien gótica, no se queda atrás, como tampoco los vestuarios a cargo de una especialista de larga trayectoria como Colleen Atwood, vinculada de hecho a la mayoría de las películas de Burton. La música no va en zaga y no puede ser de otra manera al estar involucrado Danny Elfman, compositor del tema principal (magnífica la apertura, por cierto) y coautor de la banda sonora general junto a Chris Bacon. Asimismo, se cruzan por allí versiones en cuerdas para clásicos de Rolling Stones, Fleetwood Mac o Metallica.
El problema es el relleno de todo eso y lo poco que tiene que ver con los Addams: de hecho, Morticia y Gomez desaparecen muy pronto de escena para reaparecer esporádicamente cada vez que su hija cause problemas. ¿Y han estado involucrados en un episodio de asesinato? Eso sí que es novedad…
Catherine Zeta-Jones compone a una convincente Morticia (no sé si sirve de algo, pero cuenta con el mismo apellido que la actriz de la serie original), a la que reconocemos en algunos gestos clásicos como cortar las rosas para dejar las espinas: no sería Morticia si no lo hiciera…
Distinto es el caso de Luis Guzmán en el papel de Gomez. Quizás se parezca más que ningún otro al personaje original de los cómics creados por Charles Addams (recordemos que en las viñetas la familia no tenía apellido y fueron después bautizados en tv con el de su creador), pero está lejos del carácter encendido, histriónico y alegremente desquiciado que exhibían John Astin (inigualable) o Raúl Juliá. Por el contrario, mantiene un perfil más apagado y depresivo, en tanto que cuando quiere demostrar emociones, sus gestos recuerdan más al Corleone de Marlon Brando que a cualquiera de los antes mencionados (¿influencia de Narcos?).
En cuanto al resto, Lurch (Largo para Latinoamérica) solo aparece al principio y al final de la temporada: lejos del aspecto cadavérico que caracterizaba a cualquiera de sus anteriores encarnaciones, parece un chofer ordinario (solo le vemos en ese rol) y a lo sumo un poco alto. Aporta tan poco que ni siquiera tiene sentido mencionar al actor. Un desperdicio…
Pugsley (Isaac Ordóñez) es otro que aparece con cuentagotas : tras el episodio de las pirañas, no volvemos a tener noticias de él hasta bastante más tarde y solo fugazmente, sin que se nos explique qué ha pasado o cómo se las apañó tras los sufridos hechos de bullying. De la abuela ni noticias (¿habrá fallecido?), como tampoco del primo Eso (Tío Cosa para América Latina).
Quitando a la propia Miércoles, el personaje clásico con más presencia es Cosa (Dedos para América Latina), la incorpórea mano que le oficia a la joven como asistente o espía durante su estancia en Nunca Más (ella se niega a verlo como mascota). A diferencia de la serie original, no está encerrado en una caja ni en un buzón, sino que se desplaza por todas partes caminando sobre las yemas de los dedos en una versión más semejante a las películas de los noventa.
El Tío Fétido (Tío Lucas para Latinoamérica) aparece recién en el sexto episodio y es uno de los que más convence, aunque nos deja con ganas de más. Fred Armisen rinde claro tributo al Fétido de Jackie Coogan: hasta tiene el mismo tono de graznido de cuervo y si bien no enciende bombitas con la boca, sí demuestra habilidades eléctricas que le permiten incluso revivir a alguien mejor que cualquier desfibrilador (no diré a quién). Y a pesar de todo ello, no cae en la copia burda y construye un personaje propio que termina incluso aportando un dato clave para la resolución de la trama. Una pena, repito, que no aparezca más: otro desperdicio…
La Evolución de Miércoles
¿Pero qué pasa con Miércoles que es, en definitiva, el personaje en torno al cual gira todo? Sería interesante en este punto hacer un recorrido por la evolución que el mismo ha tenido a través de sus diferentes encarnaciones en pantalla. En ese sentido, la Miércoles de Lisa Loring, en los sesenta, era una niña de semblante triste pero querible y no muy diferente de cualquiera de su edad, salvo que le gustaba criar arañas o decapitar muñecas con una guillotina (faena que, de todos modos, delegaba en su hermano Pugsley).
Cuando el personaje cayó, en los noventa, en manos de Christina Ricci, la tristeza dejó más bien lugar a la hosquedad y el sarcasmo, acentuándose así el carácter gótico junto a un fuerte rechazo por la sociedad y sus convencionalismos. Detesta por igual a los villancicos, los niños scouts y los campamentos, todo lo cual se ve acentuado en la segunda película al tomar su personaje un lugar más protagónico. Puede ser vengativa, sádica y cruel, aunque nunca la vemos llegar a las últimas consecuencias; rocía con nafta a su antagonista y enciende un fósforo, pero no sabemos más: es así cómo funciona en general el humor negro…
Si tengo que asociar a Jenna Ortega con una de las dos, es indudablemente con la segunda. Sombría, sarcástica y desconfiada, su personaje remite claramente al de Ricci (y especialmente en la segunda película), solo que en clave más adolescente que infantil. Y por mucho que la joven actriz diga que ha evitado pedirle consejos para así poder construir con más libertad un personaje de peso propio, difícil es creer que no la haya usado como inspiración. Por cierto, el confrontar a las dos Miércoles es una idea genial, pero lamentablemente no está explotada en todo su potencial…
Ortega está muy bien en el papel, sobre todo considerando la cantidad de primerísimos planos a que la someten, en parte como consecuencia del poco desarrollo que tienen los personajes secundarios a su alrededor. Enid, por ejemplo, es interesante, pero está débilmente esbozada. Claro que siendo una historia detectivesca en que a la larga tendremos que averiguar quién es el asesino (o el monstruo), ese pobre tratamiento es en parte intencional: no quieren que conozcamos demasiado a los personajes secundarios para no darnos pistas. Pero en el género policíaco, ¿no es eso hacer trampa? Habría que preguntarle a Agatha Christie…
La Miércoles de Ortega exacerba y lleva a límites escabrosos las clásicas rebeldías de la adolescencia. Escribe relatos policiales y sabe kung-fu (en la serie escribía poemas y practicaba judo); reniega de lo nuevo y, como tal, se vale de una máquina de escribir mientras escucha en un gramófono a Satie o a Édith Piaf. Toca además el chelo y tiene destrezas de baile (otro punto en común con la serie, aunque allí hacía danzas clásicas), lo cual se ve reflejado en una escena que se ha convertido en tendencia por las redes sociales, pero sinceramente no entiendo por qué…
Balance de Temporada
Decía al comenzar el artículo que tenía puestas muy altas las expectativas con respecto a esta serie y quizás ello explique mi desencanto. Pero al pensarlo bien no sé por qué las tenía tan altas: si era por Burton, creo que ya es hora de asumir que lleva décadas de decadencia desde su última gran película, que fue Big Fish, en 2003. Y si había alguna esperanza de que revirtiera su caída, ya Dumbo debería haberme servido de escarmiento (aquí nuestra crítica).
Miércoles es una serie que fracasa en dos cuestiones: no rinde homenaje a la historia clásica ni tampoco propone algo original para apartarse de ella, sino que cae en fórmulas manidas de series adolescentes sobre misterios sobrenaturales. No está mal para otro tipo de propuesta, pero los nombres involucrados hacían esperar algo diferente o innovador. Y tampoco sé si es correcto decir que “fracasa” porque la sensación es que no se propuso ser otra cosa que lo que es, aunque ello no sea decir mucho…
Es cierto que los dos últimos episodios ponen algo de adrenalina al ir las sospechas pasando de uno a otro, pero tampoco es que la resolución sea tan sorpresiva y menos todavía si, como hemos dicho, se nos escondieron características de los personajes secundarios para que no fuéramos capaces de inferir nada.
El elenco, en general, está bien, como también los efectos visuales, así que si la serie es encarada para ver un producto entretenido o un espectáculo visual en el que quede uno subyugado por cada cuadro, seguramente podrá ser disfrutada pero, ojo, hay que olvidarse de todo lo que sepamos de los Addams, lo que, al menos en mi caso, me cuesta horrores, pues han utilizado sus nombres y su historia base.
El humor, que estaba indisolublemente ligado a ellos, es aquí esporádico y va perdiendo sorpresa a medida que la serie avanza. Puede dibujarnos alguna sonrisa el oír a Miércoles alguna frase o anécdota que se cierra de manera incorrecta o diferente a como esperaríamos, pero para la tercera o cuarta vez que ocurre, pasa a ser ligera mueca y ya después nada.
Puede parecer menor, pero ni siquiera han echado gran mano del clásico leitmotiv o del doble chasquido. Ocupan solo dos segundos de cada episodio al final de los créditos y, en el caso particular del chasquido, cumple en algún momento función de “ábrete sésamo” o es utilizado por Cosa para llamar la atención de Miércoles. Y nada más: qué pena desperdiciar tan maravilloso guiño a quienes crecimos con los Addams.
¿Habrá segunda temporada? La sensación es que sí y más todavía considerando que quedan algunas cuestiones sin respuesta y que Miércoles coloca un signo de interrogación al escribir “the end” en el cierre de su libro. De ser así, veremos qué nos deparan y la propia Ortega ha manifestado que le gustaría que la serie se volviese más oscura. Lo sabremos llegado el momento…
Hasta la próxima y sean felices…
P.D.: En este artículo he mencionado a Fleetwood Mac y apenas terminar de escribirlo me cae la noticia de la muerte de Christine McVie. La canción que, con arreglo de cuerdas, suena en esta serie es justamente Don´t Stop, de la cual es la autora. No podía dejar pasar entonces la oportunidad de dedicar el artículo a su memoria y decir gracias por tanto…
