¿Nuestra ideología y el rol caminan de la mano? Hablaré de ello en estas líneas desde mi experiencia personal.
Existen muchas aficionadas y aficionados que afirman que la ideología y el rol están íntimamente enlazados. Si entendemos por ideología como un conjunto de valores personales, sentimientos, pensamientos y creencias, parece obvio que todo escrito contiene dicha parte. Sin embargo, en muchas ocasiones las roleras y los roleros confunden “ideología” con “apología” sin contar con las batallas sobre la política, las diferentes identidades de género y la inclusión.
¿Es posible crear un juego de rol sin aplicar parte de nuestro sistema moral? ¿Sería factible el desarrollo por encargo cuando el libro atenta contra nuestros principios? Cuestiones interesantes que invitan a una reflexión personal.
Fuera fachas
Una buena cantidad de juegos tiene en su preámbulo una advertencia para los que comulgan con las diferentes corrientes ideológicas de la extrema derecha, los invitan a no jugar. Esta misiva la leí por primera vez en Mundo de Tinieblas hace ya unos años y cada vez es más habitual en los juegos de rol.
Personalmente creo que tiene poco recorrido ya que la compra de un artículo en la Unión Europea no cuestiona el ideario político, es decir, que la tendera o el tendero no solicita el carnet de votante, pero muestra una intencionalidad de la autora o autor sobre dichas cuestiones. ¿Es fútil? Sí, realmente no tiene un efecto práctico pero nadie puede negar que resulta un ejemplo notorio de introducir nuestra ideología en los juegos de rol.
Colectivo LGTBiq+
En este complicado caso hay que aseverar que existe una “ideología de género”, pero permitidme que tenga mis dudas. Como opinión personal creo que la ideología no tiene nada que ver con quien uno se acueste o intime, ya que en mi vida he encontrado personas lgtbiq+ que comulgaban con espectros políticos radicales de la derecha o incluso, manifestar abiertamente homofobia (especialmente hacia los gays denominados “afeminados”).
Pese a nuestras propias acepciones los juegos más modernos empiezan a recoger las peticiones del colectivo para que se visibilice a las personas no heteronormativas. Ejemplo de ello lo tenemos en La Leyenda de los 5 Anillos de FFG donde no existe ningún problema social con la homosexualidad, la identidad de género o hasta la adopción por parte de estas personas e incluso ilustraciones donde lo muestran con total normalidad el romance entre dos hombres (sin olvidar a la Dama Kachiko y la Dama Hotaru).
No podemos obviar este aparatado sin nombrar Ávidas Espadachinas Sáficas de NSR que desarrolla el ambiente y el trasfondo de su mundo de juego directamente relacionado con las personas lgtbiq+
Feminismo
Aunque desde hace ya muchos años que en los juegos de rol los personajes femeninos tienen una mayor presencia en los manuales, no como la princesa a rescatar, sino como entidades de poder y con protagonismo (Lucita en Vampiro, Dama Alústriel en D&D) y que en la creación de personajes ningún libro, que yo recuerde, hace una distinción en atributos, habilidades, ventajas por cuestiones de sexo.
También es tendencia en eliminar el “rigor histórico” en favor de la diversión para que los personajes femeninos tengan acceso a profesiones u ocupaciones como capitanas en entornos de “capa y espada”, investigadoras en los años 20, mercenarias de renombre en la edad del bronce, senadoras en Roma… Así como ambientaciones patriarcales.
Actualmente existen un gran número de creadoras de contenido, escritoras, jugadoras con peso en la industria que abogan por emplear más inclusividad, especialmente en el uso del lenguaje para abandonar el masculino gramatical que tantos años se ha entendido como “neutro”.
Etnias
Como ocurre con la mujer, las etnias minoritarias se abren camino dentro de las ambientaciones ya que el sector profesional tiene en cuenta dichas sensibilidades. La intención de las autoras y autores consiste en que cada vez más sectores de la población se sientan identificados dentro del entorno de juego, abandonando el “realismo” en favor de dicha inclusión y que no tengan en cuenta el color de la piel ni el tamaño de los ojos, por ejemplo. A mi memoria viene la sensacional campaña para 5E Odyssey of the Dragonlords donde se ilustran paladines asiáticos, ninfas negras, guerreras mediterráneas.
Conclusión
Pese a poner los temas que más comentamos el pueblo rolero y que suelen causar controversia, no se aleja demasiado de otros artes, como el cine y el cómic. Creo que también es posible escribir ajeno a nuestros pensamientos ya que quien realiza un juego bélico seguramente no apoye los conflictos armados, así como a quien le agrade el género de la piratería no estaría conforme con las violaciones, el robo y el crimen.
Así como al interpretar un personaje le damos algo nuestro, estoy convencido que cada libro siempre contiene un resquicio de esa «alma» que compone el ser. Otro debate sería si los juegos de rol deberían estar politizados o, como escribí al principio, no es lo mismo ideología que apología. Recuerdo una vez que Walkure, juego de rol distópico que nace en la Segunda Guerra Mundial, fue acusado de blanquear el nazismo. Os lanzo las siguientes preguntas: ¿Qué temas causan más controversia? ¿Podríais separar ideología de vuestro juego de rol?
Bienvenidos, cazadores y hombres de letras, a un nuevo episodio de Los Winchester. En esta ocasión se centra en el personaje de Latika «Lata» Desai (NidaKhurshid), bibliotecaria empollona y pacifista que está ahí para algo más que ser la wikipedia de la serie. Os dejo con el enlace a los análisis anteriores y vamos al lio.
El episodio empieza con la muerte de Darla, una antigua cazadora amiga de Tracy, otra cazadora que es una especie de tía de Mary. Tracy abandonó la caza hace diez años (que es a lo que lleva aspirando Mary Campbell desde que empezamos) pero tu no dejas la caza: la caza te deja a ti y de mala manera.
Tracy (interpretada por Audrey Marie Anderson, a la que vimos en Arrowcomo la mujer de John Digle) pide ayuda a Mary y su pandilla porque los pecados del pasado la persiguen. Dejó morir a un cazador que había jugado demasiado con la magia y perdido el control. Este ha vuelto en forma de fantasma y ya de paso poseyendo a un monstruo del folclore caribeño, una Sucuyant(Soucouyant en el idioma de Chespir).
¿Y eso existe?, se preguntará alguno. Hombre, existir, lo que se dice existir, lo dudamos pero no se lo han inventado para la ocasión. Resulta que sí, que en el folclore caribeño sí que existen las Sucuyants y encima tienen su propia película.
El caso es que el fantasma del antiguo cazador posee a John Winchester, que ya anda servido de ira y de ganas de venganza, y solo el pacifismo de Lata hará que pueda vencer la posesión. Así descubrimos que Lata tiene un pasado de abusos, golpes y malos tratos y que ha decidido superarlo a base de meditación, paz y amor. Es el eslabón débil del grupo, aunque puede que no tanto.
A todo esto, también hay tiempo para que Carlos ligue. Al pobre le tiemblan las piernas al conocer a Anton (Nicholas Duvernay), el taxidermista buenorro propietario de Aguja y Hueso, experto en identificación de monstruos en sus ratos libres. Lo mejor es que Carlos será correspondido pero me temo que eso sitúa a Anton como potencial víctima de algún monstruo. No hay paz ni amor para el cazador.
El funeral del cazador
Si sois fans de Sobrenaturalos sonará. Si no, quizás os haya llamado la atención el funeral que le dan a Darla en este episodio de Los Winchester, quien arde en una pira funeraria en lo que supone el detonante del episodio. Lata se cuestiona su papel en el grupo al ver el cadáver de Darla y John se rebela porque no quiere ser el que encienda la pira de Mary.
No, el funeral del cazador no es un homenaje a la escena final de El retorno del Jedi sino que responde a una cuestión más práctica ya que, quemando el cadaver, se impide que pueda ser utilizado por algún demonio o algún monstruo. Sin embargo eso no ha sido obstáculo para que algunos cazadores hayan regresado del más allá.
Joan of Arc
Esa es la canción que suena en este episodio de Los Winchester durante el funeral de Darla, cantada por Judy Collinsy publicada en 1971. La canción trata sobre la heroína Juana de Arco, que ya sabemos que murió en la hoguera y que en la canción mantiene un cierto diálogo con su verdugo, el fuego.
Now the flames they followed Joan of Arc
As she came riding through the dark;
No moon to keep her armour bright
No man to get her through this very smoky night
She said, I’m tired of the war
I want the kind of work I had before
A wedding dress or something white
To wear upon my swollen appetite
Joan of Arc está cansada y anhela regresar a su antigua vida. Nada de heroicidades, nada de cabalgar y luchar, como quieren Tracy y Mary.
Con esto terminamos. Nuestros protagonistas, al final del episodio y gracias a los contactos de Carlos, ya saben desde dónde emiten su señal los akrida. En el siguiente episodio llegamos al final de la primera parte de la temporada de Los Winchester y tendremos la llegada (¡por fin!) de Samuel Campbell, padre de Mary, suegro de John, abuelo de Dean y Sam Winchester, encarnado por Mitch Pileggi en la serie original y al que aquí pondrá su rostro un actor al que todos queremos.
Nos leemos en el siguiente episodio de Los Winchester. Un saludo, sed felices and carry on.
En un mundo en el que nos vemos asaltados por continua información sobre futuros estrenos cinematográficos, el cine aún sigue teniendo la capacidad de sorprendernos. Esta vez no se trata de una película original de una plataforma de streaming, sino de una producción realizada por y para la pantalla grande. Se trata de El menú, una de las sorpresas más gratas de este 2022.
El menú nos sitúa frente a una pareja que, junto a otros invitados elegidos dentro de las élites económicas, se disponen a acudir a un exclusivo restaurante de alta gastronomía dónde su chef les tiene preparados un menú muy especial…
La gran serie corporativa que podéis disfrutar en HBO tiene su punto fuerte en esa mezcla de thriller de despachos no exento de crítica social y con cierto toque cómico centrada en el patetismo de sus personajes, como bien desgranó nuestro compañero Raúl Sánchez.
Algo similar, aunque situado en un entorno distinto, encontramos en El menú. Solo que, en lugar de centrarse en los dueños de las grandes corporaciones, la película pone el foco en la alta cocina. Todo un fenómeno que se ha extendido culturalmente en nuestro país gracias a programas como Masterchef, pero que también hemos podido ver en el cine en auténticas muestras de tensión como Hierve o The bear, una de las mejores series de este 2022.
El Menú está estructurada, valga la redundancia, como un menú propio de un restaurante de alta cocina, en el que cada plato se corresponde con una escena que se va interconectando con la otra. Esta forma de presentar la película permite un incremento de tensión escalonada que hace que El Menú sea una de las películas más entretenidas de lo que llevamos de año.
A un adecuado desarrollo de la trama, que en ciertos momentos puede recordar al clásico esquema del Diez Negritos de Agatha Christie, le acompaña un acertado desarrollo de personajes, donde sobresale el duelo interpretativo entre Anya Taylor Joy, nuestra Gambito de dama, y un Ralph Fiennes que siempre cumple.
A una situación inicialmente inquietante que se va enturbiando hasta explotar le acompaña la respectiva reacción de los clientes, personajes cuyo principal punto en común es su pertenencia a las élites. Y, al igual que Succession, El menú coloca su punto de mira no tanto en la lucha de clases como en la relación entre estas, entre ricos y pobres, entre los que quitan y los que dan.
Por un lado, se muestra a la alta cocina como esa experiencia a la búsqueda de una continua sensación, tan desdibujada que termina por convertirse en un acto social en el que se devora de todo menos comida.
Precisamente por convertirse esta clase de eventos en búsqueda de sensaciones, los clientes pierden el rumbo de lo que supone un buen servicio y aceptan todo tipo de producto o trato porque el chef se convierte en una autoridad a la que hay que obedecer a toda costa.
Por otro lado, el profesional que tal vez comenzó en su profesión por amor al acto de cocinar, tanto del preparado como del servicio al prójimo, se lamenta cómo el hecho de que su producto sea objeto de evento social haya desembocado en que cualquiera, tenga el paladar de un delfín o de un hipopótamo, tenga acceso a la exclusividad de sus creaciones.
Es en este contexto donde se desarrolla, a modo de drama satírico con ciertos toques humorísticos, una película que no se toma en serio a sí misma y que abraza lo políticamente incorrecto, algo muy de agradecer en los tiempos que corren.
En definitiva, El menú es un original thriller cuya trama os sorprenderá por la plausible de su planteamiento inicial y lo desquiciado de su desarrollo. Un entretenido drama satírico que apunta hacia la relación entre élites y plebeyos con la alta cocina como campo de batalla. Aderezada con las elegantes interpretaciones de sus protagonistas, en El menú encontraremos una tensa intriga en la que cabe la reflexión sin sermonear. Muy recomendable.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos la reseña de una de las mejores lecturas de este 2022. Nada más y nada menos, que El Caballero del Unicornio. Editado por cARTEm Cómics. Un verdadero placer visual.
En poco más de un año de vida, cARTEm Cómics nos está dando grandes alegrías, con la publicación de cómics de gran calidad a unos precios muy competitivos. Todo ello unido a una excelente calidad en sus ediciones.
A lo largo de este tiempo, hemos reseñado La Guerra de Quarry, una joya del wéstern como es Mimbreños, ese gran noir como es Mrs. Tree y hace poco reseñamos la primera parte de ese drama presidiario que es Frente al Muro.
El Caballero del Unicornio
En su inicio, el cómic nos narra los hechos sucedidos en la Batalla de Crécy, durante el año 1346 de Nuestro Señor. La caballería francesa se ha reunido en torno al rey Felipe VI de Valois, junto con un importante número de aliados y se encuentran a punto de enfrentarse al ejército inglés, al que superaban en número.
Los franceses atacaron a los ingleses cuando estos saqueaban el norte de Francia. El ejército inglés había desembarcado en la península de Cotentin y desde entonces sembraban el horror y la destrucción en algunas de las tierras más ricas de Francia.
A pesar del menor húmero de combatientes con los que contaba el ejército inglés, estos salen victoriosos. Fue un combate cuerpo a cuerpo que fue descrito como “letal, sin piedad y cruel”. Y así comenzó La guerra de los Cien Años.
El protagonista de nuestra historia, Don Juan Fernández de la Heredia, miembro de la Orden de San Juan de Jerusalén, también conocida como Orden de los Caballeros Hospitalarios u Orden de Malta, luchó ferozmente contra los ingleses y finalmente, sucumbió atravesado por un cuchillo.
Mortalmente herido, sufrió una ensoñación mediante la cual, se vio atravesado por un unicornio.
Desde este momento, el caballero Juan Fernández de la Heredia, dedicará su vida a capturar a ese ser mitológico que le hizo caer en desgracia.
El caballero hospitalario fue curado y hecho prisionero por los ingleses, que reconocieron su bravura durante la batalla y por ese motivo, le perdonaron la vida.
La edición de cARTEm Cómics
cARTEm Cómics nos presenta El Caballero del Unicornio, en un formato de álbum europeo, en tamaño 23×32 cm, en tapa dura y a todo color.
El tomo, a todo color, está realizado con un papel mate y satinado, de un gramaje impresionante (150 gr) y cuenta con 56 páginas de absoluta calidad. Lo tenemos disponible en librerías, desde el 8 de agosto de 2022 y cuenta con un P.V.P. de 19,90€.
Podéis adquirir el título en la propia web de la editorial, pinchando aquí.
También os dejo un vídeo, con la presentación de El Caballero del Unicornio, por parte de cARTEm Cómics.
El equipo artístico de la obra
Stéphane Piatzszek. Guionista francés, nacido en 1971. Estudió derecho e historia. Fue profesor y luego periodista en prensa escrita antes de convertirse en guionista.
Ha vivido en diferentes países de Europa, para posteriormente regresar con su familia a Francia.
Ha publicado numerosos cómics en el mercado francobelga. En España, solamente se ha publicado El oro, en edición integral y La promesa de la tortuga. Además de El Caballero del Unicornio.
Guillermo González Escalada. Dibujante español, de origen bilbaíno, tristemente fallecido a los 50 años de edad. Se fue demasiado pronto.
Trabajó en animación y en el mercado publicitario. Como historietista, recibió el segundo premio, en los Premios del Cómic de Portugalete, en 1997, con su historieta Historia en Negro.
Comenzó a colaborar con la revista El Balanzin a partir de 2011, y publicó también habitualmente en la revista Xabiroi. En 2015, publicó en Francia el álbum Le chevalier à la licorne, con guion de Stéphane Piatzszek-Piatzszek.
Valoración final de la obra.
Tenemos ante nosotros un cómic histórico, enriquecido con algo de misticismo y fantasía. O quizá no sea así.
Quizá El Caballero del Unicornio es un cómic histórico, cuyo final, deja que cada uno de nosotros, los lectores, podamos darle una interpretación particular.
Esto lo entenderéis cuando leáis este maravilloso volumen y terminéis la historia.
Cabe destacar el magnífico dibujo, a cargo de Guillermo González Escalada. Tristemente fallecido en 2021.
El Caballero del Unicornio es una historia muy bien contada y magistralmente dibujada, contenida en un tomo único, en una muy, muy buena edición, a un precio competitivo.
Es una de las mejores lecturas que he tenido, a lo largo de 2022. Sin duda os lo recomiendo.
Espero que estas líneas os ayuden a decidiros y adquirir este título. Sin duda, merece mucho la pena.
Se acabó el idilio entre Mike Flanagan y Netflix. El divorcio ha sido tal que no tendremos segunda temporada de El Club de la Medianoche.
Pero no hay mal que por bien no venga y Flanagan ha encontrado nuevo idilio en el streaming. En este caso comienza una relación con Prime Video y a lo grande, confirmándose que adaptará la saga de novelas de Stephen King, La Torre Oscura.
Recientemente vimos una tristísima adaptación al cine con Idris Elba y Matthew McConaughey. Aquí tenéis nuestra crítica.
No es la primera vez que Prime Video trata de adaptar la saga en formato serie y es que no hace mucho ya os contábamos que Amazon cancelaba un primer intento de la serie tras ver el capítulo piloto, en ese caso era Glen Mazzara quien se encontraba detrás del proyecto.
La Torre Oscura en buenas manos.
Recientemente en una entrevista con IGN, Mike Flanagan ya nos daba alguna pista al hablar de su interés por adaptar la saga de Stephen King.
«La Torre Oscura es el proyecto de mis sueños. Nada sería un mayor honor o me haría más feliz en mi carrera que poder trabajar en eso. Se vería como los libros, ¿sabes?
Quiero decir, lo que es para mí es, y sin faltar el respeto a la película o a los enfoques de otras personas sobre la adaptación, pero escuchas historias como: ‘cuando vi la película, es como si estuvieran comenzando cosas en este otro lugar’, ¿sabes?
Mi apertura sería una pantalla negra y las palabras ‘El hombre de negro huyó por el desierto, y el pistolero lo siguió’ aparecían [en la pantalla] en silencio, y escuchabas el viento.
Y eso sería solo una cuestión de tomar los elementos más fantásticos con los que podría ser más difícil conectarse, especialmente donde se vuelve bastante meta en el punto medio, y conectarlos a tierra, simplemente incorporarlos.
Pero por lo demás, los personajes son quienes son, el arco es lo que es, y creo que la forma de no hacer La Torre Oscura es tratar de convertirlo en otra cosa, tratar de hacer Star Wars o hacer que sea El Señor de los Anillos. Como si fuera lo que es: Perfecto».
El plan de Flanagan es hacer cinco temporadas de La torre oscura y dos películas independientes. Por el momento ya ha escrito el episodio piloto y tiene claro el camino que deben seguir las distintas temporadas.
En cuanto tengamos más noticias os mantendremos informados.
Del articulista que os trajo Nunca verás el Snyder Cut hoy os traigo, Henry Cavill no volverá a ser Man of Steel.
Terremoto en el DCU. The Hollywood Reporter nos ha hecho amanecer con el corazón en un puño con el siguiente titular: ‘Wonder Woman 3’ de Patty Jenkins no avanza mientras las películas de DC llegan a un punto de inflexión (exclusivo).
A la espera de que James Gunn y Peter Safran se pronuncien (parece que lo harán la semana que viene) hay que tomarse esta noticia como rumor, un rumor que viene fuerte y es que Deadline lo ha corroborado poco después.
Está bastante claro que Gunn y Safran quieren hacer un reinicio total y acabar con todo vestigio de lo diseñado por Zack Snyder, por lo que cabe hacerse las siguientes preguntas ¿Qué sigue? ¿Un reboot total de los superhéroes clave de DC?
Sea como fuere lo que está claro es que la cancelación de Wonder Woman 3 no debería sorprendernos demasiado. Tras el gran fiasco de taquilla de WW1984 (se estrenó en plena pandemia) jugártela con una tercera parte y con los cachés de directora (Patty Jenkins) y actriz (Gal Gadot) cada vez más al alza pues no les habrá parecido a los nuevos mandamases del DCU la mejor manera de comenzar este desafío que tiene por delante.
Pero el terremoto llega a todo el reparto del Snyderverse.
Al parecer Henry Cavill realizó en septiembre un cameo para The Flash, película que se estrena el 16 de junio de 2023. Pero al parecer se rumorea que hay un debate dentro del estudio sobre si mantener o no el cameo y si su inclusión promete algo que el estudio no tendría planes de ofrecer.
Esto nos hace hablar de la situación de Henry Cavill, salió de The Witcher para volver a ser Man of Steel. Y resulta que Man of Steel no está confirmada.
Y es que eso fue antes de que Gunn y Safran comenzaran a formular su nuevo (y aún cambiante) plan.
Y ojo porque otro que parece que se va es The Rock y su poco (o nada) probable secuela de Black Adam. La película solo ha recaudado 385 millones en todo el mundo sobre una producción estimada en 200, algunos dicen que 230 millones.
Y toca hablar de Jason Momoa, al parecer figura fundamental en los nuevos planes, pero no como podéis creer. El actor concluirá sus días como el héroe submarino Arthur Curry con la segunda parte de Aquaman el 25 de diciembre de 2023, la que sería última película estrenada realizada por los jefazos anteriores. Pero no significaría el final de la relación del actor con DC, ya que las fuentes dicen que el actor protagonizaría otra película o franquicia. El personaje de Lobo, un cazarrecompensas intergaláctico malhablado y masticador de puros, ha sido mencionado en relación con Momoa.
Sea como fuere, todo esto tiene su lógica. Gunn y Safran han venido para dar un vuelco a la situación. The Flash y su Flashpoint parece el momento oportuno, aunque en diciembre de 2023 habría un epílogo sin sentido llamado Aquaman, a no ser que la adelanten al mes de mayo, poco probable a estas alturas.
Y de todo el reboot, lo lógico es contar con nuevos actores por desgracia, y es que dudo que veamos a mejores Aquaman, Batman, Man of Steel o Wonder Woman que los que hemos tenido.
The Batman parece que seguirá como estaba previsto.
Parece que James Gunn y Peter Safran no van a tocar, al menos por ahora, el universo de Matt Reeves. El guionista y realizador está escribiendo la secuela de The Batman , que se estrenó el pasado 4 de marzo. El cineasta también está supervisando el lanzamiento de dos series de Batman que surgen de su película, incluido The Penguin.
En cuanto sepamos alguna noticia más os la traeremos.
Podría decirse que, actualmente, el terror es uno de los géneros en estado de gracia. Si bien hace unos años parecía languidecer ante lo formulaico –hablando a nivel del producto mainstream–, últimamente respira con algo más de soltura al librarse de ciertas ataduras convencionales con el surgimiento de éxitos como Hereditary o La bruja, que parecen haber abierto paso a toda una nueva serie de películas ansiosas de homenajear y experimentar con el género. Y Venus en cierta medida es eso, experimentos y homenajes.
Jaume Balagueró (estandarte del terror español por Rec y el documental de OT…) exprime en su nueva película clichés y convenciones de género al ritmo de la música mákina. La segunda película del proyecto The fear collection, creado e inaugurado por Álex De la Iglesia con Veneciafrenia, deja luces y sombras pero muchas cosas interesantes sobre la mesa que seguro harán las delicias de muchos.
Venus nos cuenta la historia de Lucía, una bailarina de discoteca que, en busca de refugio tras haber robado un importante alijo de droga de una mafia, aparece sin previo aviso en el piso de su hermana, con la que no mantiene contacto ni relación desde hace años…
Ya con su premisa se puede entrever uno de los principales ejes que caracterizan y dotan a esta película de un aire diferente al que podría tener un producto más tradicional: la mezcla de géneros.
En Venus, Balagueró reivindica que en la hibridación de tonos hay un valor añadido y nuevos registros y matices con los que jugar. Y en cierta medida, no le falta razón. El visionado de la película se siente refrescante y extraño al tener una historia de terror oculta en el esquema de un thriller mafioso, siendo este último el que le dota de cierto dinamismo y contrarreloj a la trama más contemplativa y estática que es la del piso encantado.
Una mezcolanza a priori contraintuitiva, ya que el terror suele pedir un ritmo más pausado y cierto espacio al suspense y la sugestión del ambiente, pero que aquí consigue sacar lo mejor de la película: el descaro.
Venus es, en sus mejores momentos, un divertimento lleno de ingenio que usa los tópicos de género como juguete, creando una especie de laboratorio que tiene como base y pilar el innegable talento de Balagueró para crear tensión, humor y terror en los momentos menos esperados y en ocasiones al mismo tiempo. Pero lo más paradójico es que este afán de descaro, aunque refrescante, termina siendo su principal problema.
Entiendo que nos encontramos ante un producto de género cuya principal tentativa es la diversión y la exploración. No le voy a pedir peras al olmo ni a Venus una trama conmovedora que me remueva mis traumas más internos para llorar a moco tendido. Pero no pedir el Oscar a mejor guion no quiere decir no exigir un cierto grado de coherencia narrativa y un mínimo desarrollo en el que sustentar lo que pase. Si bien aquí la puesta en escena y la propuesta son grandes puntos positivos e interesantes, lo que subyace tras ellos no lo es tanto y esto se debe a diferentes factores.
Para crear esta especie de patio del recreo de la experimentación, Balagueró juega con muchos tópicos de género. Pero para utilizarlos a nivel formal se han de establecer primero a nivel narrativo, y si no van acompañados de un buen desarrollo, cuando se te va el shock de ver al perro verde te das cuenta de que en el fondo es un perro más de los mil que has visto. Y en Venus, cuando sales del frenesí sangriento y la montaña rusa de recursos que ofrece, te queda solo el poso de que detrás de todo eso tampoco había gran cosa.
Un problema serio, ya que afecta al calado de más allá de lo visual, pero que obedece sobre todo a no haber sabido vehicular el conflicto de la película a través de la propia protagonista. Como se establece desde la misma sinopsis y la premisa inicial, Lucía (Ester Expósito) se ve atrapada en un piso, que si bien es de la familia, no le pertenece.
El desarrollo de los misterios del edificio le afectan tan solo de una manera tangencial y Balagueró nunca da los elementos o el desarrollo suficiente para conectarla con el meollo paranormal más allá del sufrimiento de lo que vive. Los descubrimientos que hace no son importantes para la protagonista, y por ende, no lo son para el espectador.
Siento que Venus necesitaba de muy poco para ser espectacular. Lo más difícil probablemente ya lo tenía en la convivencia de géneros y solvencia estética, pero la falta de desarrollar un poco más lo que hay debajo de todo eso hace que una posible joya del terror se quede tan solo en un experimento curioso.
Rick y Morty ha basado la mayor parte de sus parodias en la ciencia ficción, pero la fantasía ha sido el objeto de algunos de sus episodios más controvertidos. En este caso, la serie mezcla la épica medieval con la ciencia ficción interplanetaria en una aventura donde los más aficionados a este género podrán hallar multitud de referencias y lugares comunes. El penúltimo capítulo de esta temporada, titulado A Rick in King Mortur’s Mort, es toda una montaña rusa de giros.
Rick y Morty contra el sol
Rick y Morty están discutiendo en la cola de un restaurante de comida rápida cuando, ante un insignificante acto de bondad, unos individuos con armadura conocidos como los Caballeros del Sol le ofrecen una espada y la posibilidad de unirse a su grupo. Se trata de una orden de caballería que dice mantener vivo al astro rey para garantizar la seguridad de todos los seres del Sistema Solar.
Sin embargo, pronto descubrirá un ritual de entrada que no está dispuesto a aceptar: para formar parte de tan selecto grupo, deberá cortar su miembro viril. Rick ayuda a su nieto a derrotar al monarca del sol en combate singular, algo que le hace ocupar automáticamente su puesto. Una vez derrotado su enemigo, Morty disolverá los Caballeros del Sol… solo para darse cuenta de que eran muy necesarios.
Fantasía interplanetaria
Si algo destaca en este capítulo es lo absurdo de la premisa, en la que se abandona cualquier pretensión de base científica cuando vemos a estos seres humanos que viven dentro de nuestra estrella más cercana. Así, el episodio parodia la fantasía medieval, no solo aquella ambientada en mundos ficticios, sino también aquellas versiones idealizadas de nuestro propio pasado. No en vano, su título es una referencia a la desmitificadora y muy recomendable novela de Mark Twain.
Veremos multitud de referencias visuales a personajes de El Señor de los Anillos o Juego de Tronos, pero el episodio dista mucho de ser una mera parodia. Esta entrega aprovecha su disparatado punto de partida para criticar el concepto de tradición a la vez que muestra la dependencia que muchas personas sienten hacia ella. La escena en la que los Caballeros del Sol acaban convertidos en adictos es tan desternillante como triste, una muestra del humor negro de la casa.
Los creadores del capítulo han declarado que querían que Morty experimentara algo equivalente a la sexta temporada de Juego de Tronos como si fuera un recién llegado, y lo han conseguido. A lo largo de solo veinte minutos, la situación se irá volviendo cada vez más desesperada, y un comienzo muy tonto acabará desembocando en una guerra interplanetaria con elementos auténticamente demenciales, como las medidas de seguridad en la última prueba a la que debe enfrentarse Morty o el hecho de que estos locos caballeros que dicen ser protectores del sol estén diciendo la verdad.
¿La redención de Rick?
Pese a la locura inherente a todo episodio de Rick y Morty, este capítulo también tiene algo más que ofrecernos: a Rick intentando ser más conciliador con Morty. Aunque muchos fans ya habían notado que el científico loco había cambiado mucho desde el comienzo de la serie, en esta ocasión se verbaliza el cambio, y el propio Rick admite que debe tratar mejor a su nieto. Ver a Morty intentando deducir qué truco esconde su abuelo es tan divertido como descorazonador cuando este realmente quiere hacer algo bueno. Lo mismo sucedió en el anterior episodio.
En el clímax del capítulo, comprobamos que la sexta temporada sigue haciendo referencia a las entregas anteriores, cuando Rick y Morty se libran de su muerte segura gracias a un truco similar al que emplearon en el episodio del tanque de ácido. Pero lo que allí se trataba de una burla hacia Morty, aquí se trata de una estrategia real, lo que muestra el progreso lento pero constante que han experimentado los personajes desde entonces.
Conclusión
La sexta temporada de Rick y Morty está llegando a su final y lo tendrá difícil para igualar el último capítulo de su predecesora. Sin embargo, hasta el momento, se trata de una temporada mucho más sólida que las dos últimas, en la que sus creadores han encontrado el equilibrio perfecto entre honrar a los episodios más míticos del pasado y no dejar de mirar al futuro. Y todo ello sin necesidad de cortarse ningún apéndice.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices ¡Unos potentes tambores resuenan! Anuncian el regreso del bárbaro, el ladrón, pendenciero, que llegó a portar en su cabeza la corona de rey.
¡¡Vuelve Barbarian King!!
Hace poco más de un año, os comentamos aquí el nacimiento de Leviathan Labs. Ahora, a pocos días de finalizar el año, os queremos hablar del regreso de Barbarian King a las librerías españolas.
Pero para que los lectores españoles conozcan los entresijos de su historia, y la de los personajes secundarios de esta apasionante saga, vamos a hacer un viaje al pasado de algunos de ellos.
Y comenzaremos por Yara, el malvado nigromante, terrible enemigo del rey bárbaro, del cual vamos a conocer su oscura historia y cómo llegó a convertirse en una de las más peligrosas némesis del protagonista.
Este primer volumen viene firmado por tres artistas españoles, el guionista José Luis Vidal (Giallo, tenemos reseña aquí del segundo número, Buddies, pinchad aquí para ver reseña), Manuel Espinosa, dibujante que se estrena con su primer y espectacular trabajo largo, y Alicia Soria, colorista (Barbarian King vol. 5).
Esta obra verá la luz en junio de 2023. Y nos lo traerá la editorial Leviathan Labs.
¡Pero éste es solo el comienzo!, ya que a continuación, en los siguientes meses, Zenobia será la protagonista de la siguiente entrega.
Y a partir de ahí, la colección madre, Barbarian King, será publicada desde su primer volumen, intercalada con nuevos spin off protagonizados por otros personajes como Salomé y Valeria.
Espada y brujería, violencia a raudales, una pizca de horror ignoto, todo llevado a las viñetas por una legión de grandes artistas dan como resultado una serie imprescindible para todos aquellos amantes de la obra de Robert E. Howard.
¡¡Va a merecer la pena, por Crom!!
Por nuestra parte, estaremos atentos a cuanto acontezca sobre Barbarian King. Estaremos encantados de teneos informados. Por el momento …
‘Hellblazer: Entre rejas’ ha llegado en una estupenda edición de lujo para contar una historia que se aleja de lo sobrenatural y la magia para traernos una trama carcelaria con todo lo que se puede esperar de las situaciones que se dan en esos lugares.
La etapa de culto de Brian Azzarello y Richard Corben al frente de Hellblazer por primera vez recopilada en un único tomo de lujo. Los dos maestros del cómic colocan a John Constantine en el lugar más improbable: una cárcel. El antihéroe ha perdido su libertad y debe adaptarse a la vida entre rejas. Asesinos, violadores, mafiosos, locos… Con las distintas facciones de la penitenciaría enfrentadas entre sí y unos brutales guardias patrullando los pasillos, el lugar está a punto de convertirse en un polvorín. Y Constantine acaba de encender una cerilla…
Seguro que muchos recordareis cuando el personaje de Watchmen gritaba: ‘yo no estoy encerrado con vosotros, vosotros estáis encerrados conmigo’. Pues ese es el mejor resumen de este cómic.
Azzarello (esta vez sin su querido Bermejo) nos trae una historia más mundana, aunque sacando, como suele ser habitual en las historias de John Constantine, lo peor del ser humano. Y donde podemos encontrar a gente más predispuesta a ser capaces de actos más cuestionables: En la cárcel.
Partiendo de la premisa que nuestro bastardo favorito no es el alma más pura que se encuentre sobre la faz de la tierra, ya podemos intuir que su estancia entre rejas no va a pasar inadvertida.
El guionista nos trae a un Constantine inteligente, manipulador, pillo y que no le importa nada dar rienda suelta a su vena prepotente en un escenario en el que esa actitud le puede costar caro. Además, lo saca de su zona de confort y lo envía a EE. UU sin darle al lector mucha información de lo que está ocurriendo y como ha llegado nuestro protagonista a estar encarcelado.
Sinceramente, eso no me ha molestado nada, ya que pronto vemos como lo importante es ver como John se va adaptando a esta nueva vida y va liando con las facciones y su estancia en la cárcel se va haciendo notar.
‘Hellblazer: entre rejas’ es un comic para lectores adultos y no solo por ciertas situaciones, sino por los diálogos. Algunos profundos y otros muy explícitos que poco van a dejar a la imaginación. Debido a los espacios cerrados en los que tienen lugar las acciones, las palabras van a tener mucha importancia y el buen hacer del guion no se viene abajo con esa presión.
Richard Corben capta a la perfección todo ese ambiente depravado y decadente que cabe esperar de un centro penitenciario. Cierto es que han pasado ya ‘algunos años’ por el apartado gráfico y quizás no sea atractivo para muchos pero me ha parecido perfecto. Su dibujo le da un punto muy terrorífico a la historia, sobre todo cuando encara la recta final en la que las cosas se ponen un poco más turbias.
Conclusión
‘Hellblazer: entre rejas’ es una lectura obligatoria para aquel que sea fan de John Constantine y sus historias oscuras.
Azzarello hace un trabajo increíble, pese a se aleja en cierta medida de lo ‘normativo’ con el personaje para entregarnos 128 páginas impresionantes que enganchan desde la primera viñeta.
No hay nada negativo que se le puede achacar a esta obra, ni a esta edición de ECC Ediciones.
Corben demuestra que se siente muy cómodo aquí y eso beneficia mucho a la historia, la hace más redonda y efectiva.
Por tramas como esta tengo a Hellblazer entre mis recomendaciones obligadas a todo amante de los cómics.
A los 71 años nos dejó Kirstie Alley, la actriz de la eterna ceja levantada que tuviera su debut cinematográfico en Star Trek II: La Ira de Khan pero que se haría conocida para el gran público por la saga de películas Mira quién habla y la serie Cheers.
Había nacido un 12 de junio de 1951 en Wichita, Kansas y todo parecía indicar que su futuro era ser decoradora de interiores, pues esa era la profesión que Kirstie Alley amaba y a la que pensaba dedicar su vida. Resutó golpeada en su juventud por la tragedia cuando un accidente de tránsito ocasionado por un conductor ebrio terminó con la vida de su madre y dejó secuelas a su padre.
Fue animadora en su paso por la preparatoria y estudió en la Universidad Estatal de Kansas, pero decidió migrar a Los Angeles e impensadamente terminó participando en distintos castings de la TV y de Hollywood.
Sus primeras apariciones televisivas las tuvo como concursante en programas de entretenimientos, ganando inclusive en alguno de ellos, pero su primer papel lo tuvo en 1979 en un episodio de la serie Quark sin siquiera estar acreditada. El “salto hacia las estrellas” le llegó en 1982 cuando fue seleccionada para interpretar a la oficial vulcana Saavik en la película Star Trek II: La Ira de Khan que, dirigida por Nicholas Meyer, resultó ser no solo un éxito de taquilla sino también uno de los filmes más queridos por los fans de la franquicia.
Le siguieron participaciones en series como Vacaciones en el Mar y la aclamada miniserie Norte y Sur, en la cual compartía cartel con Patrick Swayze. Su primer protagónico lo tuvo en Mascarada, que sería cancelada tras una temporada.
Pero el gran impacto en el medio televisivo le llegaría al sumarse a la sexta temporada de la exitosa sitcomCheers, a la cual ingresó interpretando a Rebecca Howe, mánager del bar en que transcurría la historia. El éxito y la aceptación por ese papel fueron tales que su personaje se convirtió rápidamente en uno de los preferidos del público y le valieron cinco nominaciones al Emmy y cuatro a los Globo de Oro, quedándose con ambas estatuillas en 1991 y permaneciendo en la serie hasta su final en 1993.
A la par, fue teniendo algunas participaciones cinematográficas, dos de ellas en películas muy entretenidas e injustamente poco valoradas, como el filme de ciencia ficción Fuera de Control(1984) que, escrito y dirigido por Michael Crichton, contaba en su elenco a Tom Selleck y a Gene Simmons (sí, el de Kiss). O Shoot to Kill (1988), thriller dirigido por Roger Spottiswoode en el que interpretaba a una guía de montaña que caía como rehén de un peligroso delincuente fugado y compartía cartel nada menos que con Sidney Poitier y Tom Berenger.
El éxito cinematográfico le llegaría sin embargo con la comedia Mira quién habla, en la cual interpretaba a Mollie Jensen, una mujer que quedaba embarazada de un hombre casado y no haciéndose este cargo, decidía criar a su bebé por cuenta propia. Pero en el camino de parto se cruzaba con un taxista interpretado por John Travolta y ello daba lugar a una nueva relación en la cual ella, sin embargo, dudará mucho en embarcarse debido a su experiencia previa.
Dirigida por Amy Heckerling, la película tuvo un costo de menos de ocho millones de dólares para terminar recaudando casi 300, constituyéndose en uno de los grandes éxitos de taquilla del año 1989 y con la gran particularidad de que la historia era acompañada por el relato en off del bebé, a cargo de Bruce Willis. El inesperado éxito, incluso, dio lugar a dos secuelas.
Después su carrera fue entrando en declive, lo cual en parte tuvo que ver con sus problemas de sobrepeso que no la hacían tan apta para la mayoría de los personajes que habitualmente la interpretaba. Esa realidad fue abordada en la serie Fat Actress, en donde justamente tenía el papel protagónico y encarnaba a una actriz con ese problema y que de ello se derivaban. Al bajar de peso, condujo un reality en el cual justamente abordaba esa temática y hablaba sobre lo que a ella le había implicado.
Ayer, lamentablemente, se dio a conocer la noticia de su muerte a causa de un cáncer. Sus dos hijos adoptivos True y Lillie Parker emitieron al respecto un sentido comunicado:
“A todos nuestros amigos, que se encuentran alrededor del mundo, nos entristece informar que nuestra increíble, feroz y amada madre falleció después de una batalla contra un cáncer, que le fue descubierto recientemente. Se encontró rodeada de su familia más cercana y peleó con gran entereza, dejándonos con la certeza de su eterna alegría de vivir y de cualquier aventura que le aguardara. Igual de icónica que fue en pantalla, supo ser una madre y abuela aún más asombrosa. Estamos agradecidos al increíble equipo de doctores y enfermeras que la cuidaron… El entusiasmo y pasión por la vida, por sus hijos, sus nietos, y sus muchas mascotas, sin mencionar el eterno disfrute que sentía al crear, no tuvieron igual y nos inspiran a vivir la vida a pleno, como ella supo hacer. Les agradecemos por su amor y plegarias y les pedimos respeto por nuestra privacidad en este momento tan difícil. Con amor siempre, True y Lillie Parker”.
Otro que se expresó fue John Travolta, quien viene sufriendo consecutivas pérdidas de mujeres que estuvieron a su alrededor y en todos los casos por la misma enfermedad. Recordemos que ya venía de perder dos años atrás a su esposa Kelly Preston y hace pocos meses a Olivia Newton-John, su gran amiga y compañera en Grease (aquí el artículo). Ahora le toca despedirse de Kirstie, con quien no solo mostró una gran química en pantalla sino que hasta se llegó a rumorear que tenían una relación, algo que nunca fue confirmado:
“Kirstie fue una de las relaciones más especiales que he tenido. Te amo, Kirstie. Sé que nos volveremos a ver”, escribió el actor en Instagram.
Fue dueña sin dudas de uno de los pares de ojos más hermosos que haya pasado por Hollywood, a lo que agregaba ese toque tan especial y sexy que daba a su rostro esa intrigante ceja izquierda que siempre alzaba. Supo mostrar un gran talento interpretativo, tanto en papeles de comedia como dramáticos… y nos enamoró a unos cuantos, puedo dar fe.
Hasta siempre querida Kirstie, gracias por todo y por tanto.
Con dos episodios ya estrenados, llegó finalmente a Disney+ la esperada serie de Willow, el personaje que, lleno de épica y fantasía, naciera a finales de los ochenta en la película del mismo título. Creada por Jonathan Kasdan, vuelve a tener en el papel protagónico al querido Warwick Davis.
Durante mucho tiempo el mundo de las series fue bastante esquivo a la fantasía épica. Ello cambió, desde ya, con Juego de Tronos que, aun con su polémico cierre, dejó justamente “el trono vacante” para que las distintas plataformas buscasen ocuparlo. Este año nos ha traído nada menos que cuatro propuestas en esa línea: a las previamente estrenadas La Rueda del Tiempo, La Casa del Dragón y Los Anillos de Poder (pueden leer nuestros respectivos análisis pinchando en los correspondientes links), Disney+ suma ahora Willow.
¿Consiguió alguna de ellas ocupar ese lugar vacante? Hasta ahora, y siempre considerando que Willow lleva solo dos episodios, pareciera que no pero bueno, la vara es alta…
La idea de rescatar ese personaje y esa historia tan entrañables no podía menos que alegrar a quienes en su momento hemos disfrutado con aquella película o a quienes la hayan descubierto después. ¿Cumple con las expectativas? Pasemos a analizarlo, pero previamente veamos de qué va la historia en estos dos primeros episodios estrenados cumpliendo en advertir, desde ya, que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA.
El primer episodio comienza con un «racconto» de lo ocurrido en la película pues, claro, ha transcurrido mucho tiempo desde ella. Nos enteramos que luego de aquellos sucesos, Willow Ufgood había experimentado visiones que le mostraban que la oscuridad no estaba aún derrotada y, por tal razón, encargó expresamente a Sorsha y Madmartigan que mantuvieran a salvo a la niña Elora Danan hasta que llegase su momento de ser emperatriz. El relato en off lo hace la propia Sorsha, contándonos que decidió entonces resguardar la identidad de Elora (incluso de sí misma) y hasta prohibió la magia.
Boda en Ciernes
Volvemos al presente con dos muchachas batiéndose a espadas en un entrenamiento. Lo primero que nos nace es intentar determinar cuál será Elora…
Una de ellas, Kit (Ruby Cruz) es hija, justamente, de Madmartigan y Sorsha, lo que la convierte en candidata en el supuesto caso de que le hayan ocultado que no es hija biológica; la otra, su amiga y pronto sabremos que algo más, es Jade (Erin Kellyman), cuyo rostro pecoso enmarcado por rizados y rojizos cabellos puede hacernos también pensar en Elora y que lo de Kit sea entonces un engaño. De hecho, esa fue mi primera y equivocada impresión…
Airk (Dempsey Bryk) es hermano mellizo de Kit y tiene el mismo nombre que aquel amigo de Madmartigan en la película: se le ve desentendido de sus quehaceres como príncipe y prefiere revolcarse por los prados con una joven cocinera llamada Paloma (Ellie Bamber).
Ambos hermanos son súbitamente llamados por su madre Sorsha (nuevamente interpretada por Joanne Whalley) con motivo de la visita del rey Hastur (Derek Horsham), quien gobierna el vecino reino de Galladoorn y se encuentra allí para unir en matrimonio con Kit a su hijo Graydon (Tony Revolori), sellando de ese modo alianza política con Tir Asleen.
Pero Kit no tiene el más mínimo interés por mucho que su madre insista en la necesidad de unir a los dos reinos ante la inminente amenaza. Es bastante arrogante y por momentos insoportable, además de tener un discurso feminista anacrónico que no encaja en marco medieval alguno, por más inventado que sea. Invoca su derecho a decidir su propio destino y se obstina aún más cuando Jade le cuenta que se enrola como “caballero” en la Legión Brillante para alejarse y no obstruir su vida.
Durante el banquete de compromiso, Sorsha expresa al rey vecino su preocupación por ciertos movimientos al otro lado de la “barrera invisible”, cerco mágico con el que las ya aparentemente fallecidas Raziel (la hechicera “buena” en el filme) y Cherlindrea (la reina de las hadas) han protegido a Tir Asleen de la entrada de cualquier visitante no grato.
La escena es interrumpida por una furiosa y resentida Kit que expresa al príncipe Graydon su rechazo y disconformidad con la boda, a lo que este prácticamente no responde: también él da la impresión de estar siendo arrastrado hacia un destino impuesto que no quiere y menos aún obligar a alguien a compartirlo. La joven huye de escena mientras su hermano Airk la defiende y termina también discutiendo con su madre.
Rapto
En la noche, Sorsha se halla envuelta en dudas y culpas por el futuro que quiere imponer a su hija y así se lo manifiesta a Boorman (Amar Chadha-Patel), reo al cual mantienen en los calabozos y que actúa como su confidente por haber sido en el pasado escudero personal de Madmartigan. Kit, en tanto, comunica a Jade que se marcha del castillo más allá de la barrera, pero a esta no le gusta la idea de que renuncie a su porvenir pues ya le llegará su momento de tomar decisiones por cuenta propia.
En sus aposentos, Sorsha tiene pesadillas en las cuales Willow le advierte acerca de la llegada de las “galernas” y, en efecto, una espesa niebla cubre instantes después el castillo que es atacado por huargos (“perros de la muerte” se los llama) y horrendas criaturas aladas.
Mientras la lucha arrecia y se pone álgida, Sorsha libera a Boorman para que ayude en la defensa y si bien logran repeler el ataque, comprueban que el príncipe Airk ha desaparecido, afirmando Graydon haber visto el momento en que lo raptaban y llevaban en vuelo.
Ello lleva a Sorsha y Hastur a armar una compañía al estilo “comunidad del anillo” para salir en su búsqueda y rescate, previo a lo cual deberán visitar a un viejo conocido que ya imaginamos quién es. El grupo incluye a Jørgen Kase (Simon Armstrong), leal servidor de Sorsha que ve a Airk casi como su propio hijo, siendo acompañado por Kit, Jade, el príncipe Graydon y el recién liberado Boorman. Es decir que hay una muchacha rebelde, una joven guerrera aún inexperta, un príncipe que no luce muy avezado en combate y un reo que acaba de salir de prisión: no sé qué decir sobre el criterio de elección…
Para colmo, en pleno viaje descubren que el quinteto es en realidad sexteto, pues entre los bártulos viaja de polizón la joven cocinera Paloma, quien quiere colaborar en el rescate de su amado Airk. Apenas descubierta, quieren enviarla de regreso pero se aproxima la noche y ello impone esperar hasta el otro día, aunque ya imaginamos que seguirá con ellos…
Viejo Amigo
Al llegar a la aldea de los Nelwyn, son recibidos por un enano que en principio se hace pasar por Willow pero que termina siendo en realidad su mejor amigo: un tal Silas (Graham Hughes). Si están tratando de recordar algún Silas en la película original, la respuesta es no: el mejor amigo de Willow era Meegosh, de quien hasta aquí no hay noticias.
El momento de aparición de Willow en escena es lo mejor del primer episodio y de algún modo da sentido a haber esperado tanto. Aun estando claro que aparecería de un momento a otro, el ver a Warwick Davis hacer su primer acto de presencia es muy fuerte desde lo emocional.
Ahora es un mago bastante más experimentado y se ha convertido, de hecho, en el Gran Aldwyn de la aldea. Apenas puesto al tanto de la desaparición del príncipe Airk, percibe que este ha sido llevado a la Ciudad Inmemorial, más allá del Mar Destrozado. El dato causa desconsuelo, muy especialmente en Boorman, pues el mencionado mar es, a su decir, “donde terminan los mapas”.
Pero eso no es lo único que Willow logra saber merced a su magia. Además, advierte algo especial en la joven Paloma y, en efecto, al descubrir su brazo y pronunciar alguna palabra mágica, ve dibujarse la señal que la identifica claramente como Elora Danan, la bebé cuya vida protegiera tantos años atrás y que está destinada a derrotar a la oscuridad…
Vaya que nos han engañado, por lo menos a mí, pues imaginaba que la misma sería alguna de las otras dos muchachas y más probablemente Jade. Además y para terminar de desorientarnos, Paloma es rubia y no pelirroja, lo cual tendrá luego su explicación con otro ardid de su madre para ocultar su identidad.
Otro Rapto
El segundo episodio se inicia con un flashback que nos ilustra sobre lo ocurrido en los años que han mediado entre los hechos de la película y los de la serie. Vemos a un joven Willow intentando convencer a Sorsha de entrenar a Elora en las artes de la magia para enfrentar a la oscuridad, pues sostiene que la misma, esperando manifestarse, sobrevive de alguna forma en ella o en sus hijos, en definitiva nietos de Bavmorda. Ella no está de acuerdo: aun reconociéndole su valentía y honradez, no le ve como gran hechicero y hasta le espeta que “nunca llegará a serlo”. Fuerte…
No es lo único de lo que nos enteramos: por primera vez sabemos algo de Madmartigan, quien ha partido junto a su escudero tiempo atrás en busca de la Armadura Kymeriana, pieza que, al parecer, serviría para derrotar al mal sin recurrir a Elora. Tras ello, desapareció sin dejar rastro.
Es bueno aclarar en este punto que hasta último momento Val Kilmer iba a formar parte de la serie, pero sus problemas de salud (viene de un cáncer), sumados al alto riesgo por la pandemia, han llevado finalmente a dejarlo afuera de esta primera temporada: de allí que hayan tenido que explicar de algún modo su ausencia; ojalá le veamos en la segunda y todo indica que, de haberla, será así…
Vueltos al presente y como corolario del flashback, vemos a Willow intentando convencer a Elora de recibir su entrenamiento. A Kit se la ve molesta con ese asunto, pues lo considera una pérdida de tiempo y quiere partir ya mismo (ya sé que se trata de su hermano, pero sigue ganando puntos en antipatía); la propia Elora, inclusive, es partidaria de la idea porque quiere rescatar a Airk cuanto antes.
Por otra parte, el comandante Ballantine (Ralph Ineson), quien ha recibido noticias de que Elora se halla más allá de la barrera (de hecho, fue la primera en cruzarla), pone al tanto a Sorsha y esta le envía con una guardia en su búsqueda. Sin embargo, por el camino, veremos que ha sido corrompido por el mal a través del Lich (líder de las galernas) y atacará a sus propios hombres para terminar convirtiéndolos igualmente en esbirros de la oscuridad.
Willow, en asamblea, informa a los suyos sobre la identidad de Elora pero falla en convencerlos cuando le piden que la someta a la “prueba del dedo”, fracaso celebrado con una sonrisa por la insufrible Kit. Lo mismo cuando intenta que pronuncie unas palabras mágicas para hacer crecer una semilla y Paloma (Elora) no consigue nunca dar con la pronunciación correcta, por lo cual se frustra y se niega.
El grupo se pone en marcha nuevamente, ahora sumándoseles Willow (quien se despide de su hija Sims) y su amigo Silas. No saben, claro, que Ballantine está tras ellos. Hay algunos interesantes diálogos en los altos del viaje: Graydon, quien se revela cada vez más como de buen corazón, intenta convencer a Elora de que confíe en sí misma.
Willow, en tanto, sufre en sueños visiones en las que se ve a sí mismo en un asolado campo de batalla y, al parecer, todo indica que solo podrán sobrevivir (y el mundo salvarse del mal) si Elora termina muriendo, cosa que, obviamente, le mortifica y llena de culpas. En la noche y junto a un río, la joven es capturada por Ballantine en el preciso momento en que intenta, por cuenta propia, pronunciar correctamente las palabras para hacer crecer la semilla. Una vez que se la han llevado, la misma germina a toda velocidad y da nacimiento a un arbusto…
Balance de los Dos Primeros Episodios
Si hubiera tenido que hacer este mismo artículo con solo el primer episodio, mi opinión no hubiera sido positiva: personajes intrascendentes o directamente detestables, diálogos algo insípidos, poca conexión con el filme original, escasa magia y solo la emotiva aparición de Willow salvando las cosas al final.
Pero el segundo mejora mucho y pareciera dejar la serie mejor encaminada aun cuando todavía no sepamos bien hacia dónde. Con los años transcurridos y el hecho de que, salvo algunas novelas gráficas a cargo del gran Chris Claremont, no hayamos tenido noticias de este universo, era en parte lógico que aparecieran personajes nuevos, inclusive villanos. De Kit ya he hablado bastante cada vez que me tocó mencionarla: solo decir que luce como una adolescente rebelde fuera de época y contexto, de quien me encantó que fuera puesta en su lugar tanto por Willow como por su amiga Jade que, por cierto, revela bastante más prudencia y sabiduría: ojalá su personaje crezca de modo acorde a ello.
De Boorman aún sabemos poco, sobre todo de su pasado o lo que le ocurrió exactamente pero, algo despistado y a la vez de buen corazón, parece ser un personaje con potencial y otro tanto Graydon, a quien vemos algo torpe y hasta nulo al principio pero se termina revelando como tipo prudente y de buenos sentimientos. Creo que esos dos personajes pueden crecer si se los sabe aprovechar.
Ellie Bamber está bien en el papel de Paloma/Elora, pero no nos encaja demasiado su edad al compararla con la de Willow o su madre: parecieran haberle pasado la mitad de los años a menos que ello sea posteriormente explicado en relación con sus características especiales o la magia que, en estado latente, guarda en su interior y que esa escena final, con el arbusto creciendo desde la semilla, termina de confirmar.
Como momento divertidamente nostálgico, rescato la escena en la cual, por el bamboleo de la carreta, vomita al rostro de Willow remitiendo a cuando lo hiciera de bebé.
Del mal, la oscuridad o como se lo llame, aún no sabemos demasiado. Ni sobre su identidad (se le llama “The Crone”, lo cual podría indistintamente traducirse como “el brujo” o “la bruja”) ni sobre sus intenciones, aunque podemos empezar a suponer que si, como Willow dice, Sorsha y sus hijos mantienen algo de la oscuridad dentro suyo, el rapto de Airk puede tener como objetivo justamente explotar esa latencia.
En cuanto a los sobrevivientes del elenco de la película original, Joanne Whalley nunca fue una gran actriz y, transcurridas más de tres décadas, sigue sin serlo: igual de inexpresiva.
Pero las palmas se las lleva sin Warwick Davis, encarnando magistralmente a un personaje atormentado por sus propias inseguridades (no parece estar convencido de ser un gran hechicero y tanto Sorsha como su gente le llenan de dudas al respecto), así como por la posiblidad de estar llevando a Elora hacia su muerte como requisito para salvarlos a todos. Es de creer que a la larga encontrará el camino para torcer tan triste destino…
En cuanto a la poca magia que hasta aquí hemos visto, es lógica considerando que la misma ha sido prohibida por Sorsha y que Elora aún no logra manifestarla: en ese sentido, el segundo episodio aporta bastante más para entender esa ausencia.
No es menor el dato de que Jonathan Kasdan sea el showrunner de la serie ya que es hijo del gran Lawrence Kasdan y la trama de la serie guarda varios puntos de contacto con Star Wars: El Despertar de la Fuerza, que este último coescribiera junto a J.J. Abrams. Tenemos una identidad oculta (Elora en lugar de Rey), un preciado objeto guardado y entregado en una caja (vara mágica en lugar de sable de luz) y un discurso acerca de la magia que se parece bastante al de la Fuerza.
Claro que en el origen de ambas franquicias está George Lucas y ello tampoco es dato menor pues aun cuando no haya estado involucrado en El Despertar de la Fuerza y aquí solo aporte el nombre de su compañía, difícil es creer que su presencia no lo siga impregnando todo.
Volviendo al principio, no tiene sentido seguir esperando la nueva Juego de Tronos, pues hubo solo una y las series que fueron viniendo después (inclusive la propia La Casa del Dragón, que le hace de precuela) han tenido un tono diferente y, en el caso de Willow, más todavía.
Tampoco tiene sentido, después de treinta y cuatro años y más allá de los entrañables momentos de nostalgia, esperar una secuela directa de la película como si en el medio no hubieran transcurrido años. Lo que sí podemos esperar es, al menos, una historia entretenida: hasta aquí la serie ha tenido poca acción (ni siquiera nos han mostrado el rapto de Airk, aunque intuyo que pueda ser para ocultarnos algo), pero el segundo episodio, aun cuando transicional y preparatorio, parece llevarnos mejor hacia algo que puede ponerse interesante y esperemos que así sea.
A ver qué nos depara el próximo. Hasta entonces y sean felices…
La primera temporada de ‘The Peripheral’ ha acabado y he de reconocer que no me ha dejado el sabor de boca que esperaba de esta ficción de Amazon Prime Vídeo. Mis expectativas estaban muy altas y el proyecto de Lisa Joy y Jonathan Nolan (por desgracia) no las ha cumplido.
Pese a que en estos dos episodios ya se desvelan todas las cartas y nos deja todo muy abierto y preparado para la segunda temporada, no ha terminado de ser algo impactante que consiga que quiera verla.
Incluso el momento emotivo entre Conner y Flynne al final de capitulo no ha terminado de ser tan potente como debía haber sido, quizás haya sido culpa mía, pues a esas alturas ya me encontraba muy desenganchado de ‘The Peripheral’.
Como digo, me ha costado empatizar con los personajes protagonistas y las revelaciones finales sobre el pasado de Wilf y Aelita no me han causado la emoción que debían. Quizas los nuevos datos que se han desvelado en el último capítulo no dan tiempo a espectador a verse afectado.
Cierto es que el guion ha hecho bien su trabajo y nos ha cerrado casi todas las tramas que comenzó y se nos explica la gran mayoría de los enigmas que se nos han ido planteando, pero aun así, ha sido agridulce.
‘The Peripheral’ es una serie con todos los ingredientes para tener una gran historia pero la lentitud con la que ha avanzado y el exceso de subtramas que podía haberse eliminado o recortado, han lastrado a la ficción de Amazon Prime Video.
Tommy Constantine ha sido un personaje olvidado que ha estado paseando por la temporada como un mero secundario hasta que en el sexto capítulo ha despegado para acabar con una gran importancia. Quizás un avance algo más paulatino hubiese sido más interesante para él y para otros como Jasper y Corbell.
Esta primera temporada se me ha antojado como un mero prólogo para lo que está por llegar, un prólogo demasiado largo en el que algunas piezas no llegan a encajar. Aelita ha sido un personaje demasiado enigmático y es por ello que todo el tema de la ‘Revolución’ me ha parecido algo sacado de la chistera, ya que no se dan pistas al espectador en ningún momento.
El guionista quizás haya querido sorprender manteniendo todo el enigma alrededor de este personaje pero con ello se arriesga a que la audiencia desconecte al carecer de información. Creo que ‘The Peripheral’ ahí ha patinado.
Toda la trama sobre los recuerdos reprimidos de ella y Wilf y el asesinato de sus familias es una información completamente nueva para nosotros y es por ello que el impacto emocional no termina de funcionar.
Todo ha sido muy acelerado al final de la temporada y los movimientos, traiciones y alianzas me han parecido implementados de forma muy irregular y eso le ha restado credibilidad. Creo que ha sufrido el efecto ‘Perdidos’ y no ha sabido darle una salida potente a los enigmas que ha planteado.
Al igual que con el resto de la temporada, este episodio partes intrigantes pero con la sensación que no terminan de encajar.
La mayor baza de ‘The Peripheral’ son sus personajes que, pese a que a algunos no se les saca el partido que merecen, son muy potentes y con un carisma que han conseguido que continua pegado a la serie pese a sus altibajos.
Conclusión
‘The Peripheral’ podía haber sido un notable alto pero en una época en la que la calidad y la cantidad de series son muy altas, esta propuesta se queda corta y no me incita a ver la segunda temporada.
No es una ficción de mala calidad, ya que su apartado visual es muy potente, pero su trama se enreda demasiado y no termina de arrancar y eso le ha pesado bastante.
Personalmente me ha dejado muy frio, quizás la culpa (como dije antes) sea de mis expectativas pero la producción de Nola y Joy está muy lejos de otros trabajos de la pareja y se queda en algo entretenido que no va a pasar a la historia de la televisión.
Te saludo, un mes más, en esta tu sección. Os recuerdo que en ella os recomendamos los mejores cómics del mes según nuestros gustos particulares. Los autores de estas recomendaciones están ordenados por orden alfabético.
Sweet Tooth, la saga completa. ECC. 75 euros. Jeff Lemire es uno de los mejores guionistas del mundo del comic en la actualidad. Y Sweet Tooth es la obra que le catapultó a la fama gracias a un relato de ciencia ficción donde empezó a dejar claro su amor por las historias con un gran trasfondo emotivo donde la idea de familia tiene mucha importancia. Un virus ha asolado a la humanidad que casi ha desaparecido y en ese escenario vamos a conocer a Gus, un niño con cuernos de ciervo que deberá recorrer el país con un hombre sospechoso que le ha prometido llevarlo a un refugio donde por fin estará a salvo. Ahora ECC nos presenta este volumen que recopila los números del 1 al 40 de la serie original, así como la posterior miniserie Sweet Tooth: The Return, ofreciendo una magnífica oportunidad para los lectores de tener toda la historia en un solo libro.
2. El Fuego. Astiberri. 35 euros. El Fuego es la última obra de David Rubín, ejerciendo como autor completo para presentarnos una historia de ciencia ficción en que un inmenso asteroide se aproxima a la Tierra en trayectoria de colisión y el problema surge cuando la persona encarga de hacer una colonia lunar para salvar la humanidad renuncia a su trabajo al diagnosticársele un tumor cerebral y querer pasar el tiempo que le queda con su familia. Rubín se vale de este argumento para reflexionar sobre la naturaleza humana y los lazos que nos unen con nuestras familias en un escenario de ciencia ficción en el que lucen de manera genial sus siempre atractivos lápices.
Mario Losada
Chainsaw Man 12. Norma editorial. 9,00 euros. ¿Pero que maravilla es esta?. Ya ni lo esperaba, pero ya llega aquí la parte 2 de uno de los mejores manga de todos los tiempos, ChainSaw Man. Estamos haciendo análisis de los capítulos semanales del anime, y son una maravilla. Si no conoces esta manga, cómprate los 11 primeros. No es tan comercial como One Piece o equivalentes, pero te aseguramos que en calidad es una joya.
2. Marvel Héroes. El Increíble Hulk de Peter David 3.Panini cómics. 55 euros. La etapa de Peter David en Hulk es una de las mejores y más famosas de todos los tiempos. Ahora podemos disfutarla entera y en tapa dura, gracias a Panini. Pero lo mejor de todo es que el volumen 3, el con el dibujante Dale Keown es posiblemente su época más gloriosa, y aquí estamos para recomendarla.
Máximo Simancas
Batman: Reptil. ECC Cómics. 19,95 euros. Garth Ennis odia a los superhéroes pero, irónicamente, ha escrito algunos de los mejores cómics ambientados en los universos de Marvel y DC. En este caso, acompañado por un soberbio Liam Sharp que recuerda a Sienkiewicz, nos cuenta una historia de terror fuera de continuidad en la que Batman deberá perseguir a un monstruo que está atacando a sus villanos uno a uno. El humor negro del irlandés le sienta de miedo al mundo de Ciudad Gótica en este tebeo tan gamberro como desmitificador.
2. Amazing Fantasy presenta: Spiderman 1000. Panini Cómics. 8,50 euros. Aprovechando que el trepamuros ha cumplido sesenta años hace poco, una serie de guionistas y dibujantes han creado esta recopilación de historias cortas en las que se homenajea al personaje desde distintas perspectivas. El equipo que nos trae este tebeo está conformado tanto por habituales de la Casa de las Ideas como por escritores de gran prestigio entre los que se encuentran Neil Gaiman o Armando Iannucci.
DAve Solis
Kull 03. El Destructor (Marvel Limited Edition). Panini cómics.75,95 euros. Tras el éxito cosechado en Marvel por Conan el Bárbaro, Roy Thomas (al que los aficionados al cómic nunca estaremos suficientemente agradecidos) se fijó en otra gran creación de Robert E. Howard. Kull de Valusia. Kull de Atlantis. Kull el Conquistador. Un poderoso bárbaro salido de la imaginación de Robert E. Howard. Con Roy Thomas al timón de este grandioso navío, unido a un elenco de dibujantes de calidad inigualable como Marie Severin, Doug Moench, Gerry Conway, Steve Englehart, Don Glut, John Severin, Mike Ploog, Ed Hannigan, Ernie Chan … El precio puede frenarnos, eso es cierto. Pero son 808 páginas de pura adrenalina. Yo, me subo a este barco.
2. Negalyod. La Última Palabra. Norma Editorial. 35 euros. Cómic europeo, excelentemente dibujado y ambientado en un futuro distópico. Aventuras que suceden en un entorno de ciencia ficción ¿Qué más se puede pedir? Toda la superficie del planeta, ha sido cubierta por el agua, a raíz de la rotura de la red. Solamente unos pocos seres humanos han sobrevivido. Quiero ver hacia donde se dirige este magnífico homenaje a las historias de la BD clásica ¿Os apuntáis conmigo?
Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.
![Análisis de ‘The Peripheral’. Temporada 1. Capítulo 7 y 8 [Final de Temporada]](https://www.lascosasquenoshacenfelices.com/wp-content/uploads/2022/12/the-peripheral-prime-video-copia-768x438.jpg "Análisis de ‘The Peripheral’. Temporada 1. Capítulo 7 y 8 [Final de Temporada]")
