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Análisis de The Walking Dead. Temporada 9. Episodio 13

Bienvenidos todos al análisis del capítulo trece de la temporada 9 de The Walking Dead. Recordar que el artículo está repleto de spoiler así que ya sabéis, mejor leerlo después de haber visto el episodio.

Aquí puedes ver los análisis de los episodios anteriores

Walking Dead vuelve a recuperar el pulso después de dos episodios un tanto decepcionantes. Este capítulo empieza justo donde se había quedado el anterior, con la fuga Daryl, Connie, Henry y Lydia de los Susurradores.

Huyendo de los Susurradores

El líder del grupo quiere abandonar a Lydia, pero Henry está totalmente enamorado de ella (bendita juventud y bendita explosión de hormonas) y se niega a dejarla. A Daryl no le queda otra que llevársela pero como todo tiene su parte buena, gracias a ella descubren más sobre las prácticas de los Susurradores. Además la chica les advierte sobre Beta, el segundo al mando y hombre fuerte del grupo que es el que parte en su persecución.

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Uno de los Susurradores a punto de convertirse en zombi sin que parezca muy preocupado

Hay un detalle que llama la atención en el campamento. Uno de los Susurradores es mordido por un zombi y no parece demasiado enfadado, casi es feliz de poder unirse a los Protectores, que es como llaman ellos a los muertos vivientes. Se puede ver el carácter casi religioso e irracional del grupo.

Daryl decide que no quiere huir más y quiere plantar cara a sus perseguidores. Planean una trampa subiéndose a un edificio para poder emboscarlos sin que puedan contar con la ayuda de los zombis que les acompañan (ya que no pueden subir escaleras). La treta tiene éxito y consiguen vencer a sus enemigos escapando de ellos. Es en este enfrentamiento donde está lo mejor y lo peor del capítulo.

Lo mejor sin duda son todas las escenas de combate que vemos. Están bien resultas, con planos correctamente hilvanados que nos muestran bien la acción sin resultar confusos. La palma se la lleva el combate entre Daryl y Beta, dos machos alfas en acción, dándose brutalmente por todos lados y con todos los instrumentos a su disposición. Al final nuestro chico se impone al enmascarado tirándole por el hueco de un ascensor. Parece que la serie apuesta por volver a esa acción que hace no demasiado tiempo tenía y que tan bien le viene como contrapunto de las tramas más profundas y emocionales.

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Daryl haciendo lo que más nos gusta: repartir cera

Pero lo peor vuelve a ser el papel de los Susurradores como gran amenaza de la temporada. Ya lo he comentado varias veces, pero no resultan especialmente peligrosos. En este caso Beta se da cuenta de que van de cabeza a una trampa y aun así, y siendo bastantes más que sus adversarios, caen miserablemente derrotados.

Después de la batalla y con Henry herido, Daryl propone ir a Alexandría a que le curen ya que es el asentamiento más cercano. Sólo se podrán quedar mientras el muchacho se recupere pero es la mejor opción. Es posible que en el próximo capítulo y con la llegada de este grupo al asentamiento de Michonne, sepamos más sobre el cisma que separó de mala manera a los protagonistas de la serie.

Además no queda otra que aceptar que Henry y Lydia se quieren y la chica se integra totalmente en el grupo después de haber ayudado en la pelea. Lo malo es que entonces descubrimos que Beta no murió en la caída, se levanta herido y muy cabreado.

La señal misteriosa y la presentación de un nuevo grupo

En el análisis del capítulo 11 comente que se veía en un plano una señal que podía ser importante de cara al futuro. Pues bien, ahora descubrimos lo que significaba: es la marca de los Salteadores.

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Ezequiel y Carol deben decidir como resolver la situación con los Salteadores

Una partida del Reino es asaltada en los caminos cuando estaban haciendo preparativos para la Feria. Sus atacantes se autodenominan los Salteadores y dejan con vida a los hombres de Jerry para que entreguen un mensaje al Rey: los caminos son suyos y sólo pagando un peaje se va a poder pasar por ellos para llegar a la Feria.

Los integrantes del Reino no tienen muy claro que hacer al respecto. Descubren que los Salteadores son un grupo bien organizado y con armas de fuego, pueden ser peligrosos y la mejor opción parece ser acabar con ellos. Carol propone dialogar antes de atacar, aunque Ezequiel está más por la opción del ataque preventivo, todo un cambio de roles en la pareja que parece endulzar el carácter de ella para oscurecer el de él.

Finalmente deciden hablar y ofrecen a los Salvadores trabajar para el Reino como protectores de los caminos y dándoles la opción de poder comerciar en la Feria. Ozzy, el jefe del nuevo grupo, no parece muy convencido pero entonces Carol les ofrece algo más: «¿Cuándo fue la última vez que alguno de ustedes vio una película?», una frase genial que da sentido a la búsqueda de la lámpara del proyector a la vez que muestra el nuevo rol conciliador de Carol.

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Ozzy, líder de los Salteadores

Después vemos un grupo que viene de Hilltop camino de la Feria encabezado por Tara. Dicho convoy es atacado por unos zombis y cuando las cosas se complican aparece Ozzy y su grupo para salvar el día. Genial como llegan al galope, con un gran sentido épico y al más puro estilo western. Parece que el ofrecimiento de Carol ha calado y tenemos nuevos aliados para nuestros protagonistas. Poco hemos visto de los Salteadores, pero a mí me ha gustado lo que he visto, es lo que tienen los canallas que se vuelven buenos.

El convoy llega a salvo al Reino y se produce un emotivo reencuentro entre Tara y Ezequiel y Carol, solo ensombrecido por el hecho de que la pareja pensaba que Henry iría en ese grupo para volver a casa y Tara se extraña, ya que pensaba que a estas alturas Daryl habría liberado al chico de los Susurradores para encontrarse todos allí. Pero ya sabemos que van de camino a Alexandría.

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Tara alucinando con la llegada de los Salteadores

Este capítulo deja buen sabor de boca. Está bien equilibrado entre las dos cosas que nos cuenta y deja varios momentos de calidad, como la brutal pelea entre Daryl y Beta y la presentación de Ozzy.

Lo único que lo emborrona un poco es la presentación y resolución del tema de los Salteadores. Es demasiado acelerada, parece que van a ser unos enemigos más pero cambian de bando muy rápido sin que haya una buena evolución. Al menos parece que van a ser un añadido interesante en la historia. Aunque añadir constantemente nuevos personajes a la trama es un riesgo que puede afectar al ritmo de la narración. De momento se está llevando bien, ya veremos qué pasa en el futuro.

El orgullo de pertenecer al Universo Friki

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He tenido la suerte de poder asistir en estos días a la Freakcon de Málaga donde una vez más he podido disfrutar de algo mucho más grande que los stands e invitados que allí se concentraban. El ambiente de bondad, buen rollo, alegría, diversión sana y hermandad es algo que siempre reina en este tipo de concentraciones del que deberíamos de sentirnos muy orgullosos.

Jamás he vivido un conato de violencia en este universo de evasión al que pertenecemos. Ni siquiera una discusión. Por supuesto hablo de situaciones en persona. El velo que soporta Internet hace que todo esto que menciono se vea sensiblemente empañado por la horda de insultos y amenazas que campan a sus anchas por las redes. Pero cuando estás in situ compartiendo ilusión y vida con tus congéneres de aficiones friki es increíble la limpieza de espíritu que percibo. No importa cuál sea el sub género al que pertenezcas o tu personaje favorito. Siempre serás recibido con una sonrisa limpia de maldad por los demás e incluso puede que se interesen en conocerte. En ciertos ámbitos de la sociedad ser friki sigue siendo usado como algo despectivo pero mientras estaba en este evento no dejaba de sonar en mi cabeza esas palabras que se dicen en la película Múltiple¨ Regocíjate … regocíjate … ¨ Y así es. Si pertenecéis a esta raza friki nunca os avergoncéis ni os sentáis excluidos. Todo lo contrario. Regocijaos.  Porque vivís en un universo que podría ser presentado como ejemplo de muchas cosas. Donde no se crea malestar ni faltas de respeto por tus inclinaciones para la diversión de tu persona.

Universo friki Las cosas que nos hacen felices

A veces he sufrido descalificaciones en forma de comentarios sobre alguno de mis artículos. Los haters distribuyen sus tentáculos por cualquier tubería que le ofrezca una oquedad y sacuden la estructura que la sostiene. Es su manera de limpiar lo que llevan dentro antes de generar más. Aunque no me gusta recibir esa bofetada llena de odio no es eso lo que más me subyuga. Es el hecho de que ensucien este mundo lo que me enerva. Porque vuelvo a decir que cuando traspasas esta pared cibernética y te relacionas con las personas de carne y hueso quedas impactado por la limpieza de alma que adviertes. Y ese debe ser nuestro mayor orgullo pues es una característica tan escasa en otro escenario como lo es la presencia de un mirlo blanco volando en el desierto.

Universo friki 2 Las cosas que nos hacen felices

Podría citar otros universos paralelos de evasión donde la violencia reina y las faltas de respeto. O simplemente cuando la camiseta que llevas no coincide con los colores del de enfrente es suficiente razón para que como mínimo te increpen. En nuestro mundo puedes ir vestido de Spiderman, Batman, Bola de Dragón, Tyrion, Soldado de la Primera Orden o de lo que te venga en gana. Serás bien recibido e incluso te pedirán si pueden hacerse una foto contigo. Y te harán sentir como en casa. Porque entre nosotros puedes mostrarte tal y como eres sin miedo a que cuestionen tus aficiones o razón para ser feliz. Porque ese es el propósito para el que el Dios friki creó nuestro planeta. Para que pudiéramos ser felices en él emigrando de aquellos otros en los que no lo fuimos. Y una vez que pones un pie en esta superficie ya nunca más quieres volver a tu cápsula espacial pues ya no necesitas explorar otros mundos porque todos están en este. Por eso estoy tan orgulloso de pertenecer a este Universo que mantiene intacta mi edad emocional. Sentiros orgullosos también vosotros. Disfrutad de vuestros compañeros de afición y del ambiente que reina alrededor vuestro. Yo por mi parte os doy las gracias por ser así y os pido que nunca derivéis hacia otra orilla. Pues este es el gran súper poder que tenéis y que el resto de la sociedad debería envidiar. La bondad que brilla en vuestros ojos ilusionados alumbra más que los focos de un estadio. Gracias a todos y cada uno de vosotros. Conformáis un universo limpio y puro cuya atmósfera no se ha resquebrajado por los rayos externos. Y eso me hace sentir muy bien. Tanto que me impulsa a escribir este artículo para que quede reflejado por siempre.

Un abrazo a todos.

Novedades Minotauro para abril 2019

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Ya tenemos las novedades del mes de abril de 2019 de Minotauro. Los mejores libros del género en español.

El pdf después del texto que nos ha facilitado la editorial.

La primavera ya se siente y toca presentar las cuatro fantásticas novedades Minotauro previstas para el mes de abril.

A partir del día 2, se podrá disfrutar de La llamada de Cthulhu, una edición brillantemente ilustrada por François Baranger del clásico de Terror. Además, estarán disponibles dos novelas Warhammer: Ghal Maraz y El ascenso de Nagash 2.

Rojo, la primera parte de la nueva trilogía sobrenatural de Carlos Sisí llegará el 9 de abril. Una serie que conjura la trepidante acción que captó a los lectores de Los caminantes con un nuevo universo protagonizado por poderosos y despiadados vampiros. La espera para los próximos episodios no se hará muy larga. El segundo tomo se publicará a finales de 2019 y la tercera entrega, a principios de 2020.

Más información, portadas y reimpresiones en nuestra sala de prensa virtual: https://www.planetadelibros.com/prensa/minotauro/abril-2019/21

Un saludo y sed felices

Crítica de Hearts Beat Loud: La relación de un padre y su hija

Hearts Beat Loud es una película al más puro estilo de las obras de John Carney (Sing Street, Begin Again, Once) donde la música conecta a los personajes principales. Bret Haley dirige esta propuesta protagonizada por caras ya conocidas y nuevos talentos; el resultado es un filme muy disfrutable centrado en la conexión emocional entre un padre y su hija.

Frank (Nick Offerman) trabaja en una tienda de discos situada en Brooklyn, a pesar de que cuenta con el apoyo de la dueña del local, que también es una clienta habitual, los ingresos son limitados, por lo que Frank se plantea cambios en su vida. Sam (Kiersey Clemons) también se siente preparada para avanzar, está decidida a estudiar medicina en la universidad de Los Angeles, por lo que pronto dejará de vivir con su padre. En el que puede ser su último verano juntos antes de que Sam se marche a la universidad, Frank decide empezar una banda con su hija, ella al principio se muestra reticente, pero después sucumbe ante el encanto de la proposición.

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Las interpretaciones son un aspecto a destacar. Offerman y Klemons consiguen esa química tan fundamental para que el espectador crea que esta presenciando una verdadera relación paterno-filial. Es especialmente sorprendente el trabajo de Klemons, con un personaje muy distinto al que interpretó en Dope, el papel que la puso en el mapa, de hecho es bastante difícil reconocerla.

A nivel de guion, la película sabe dividir perfectamente el tiempo, de esta forma otorga la misma importancia a ambos protagonistas. Los dos mantienen una relación muy estrecha, pero no es eso en lo único que se centra Haley. Sam se adentra en una relación amorosa con Rose (Sasha Lane), una chica que conoce en una galería de arte. Frank, por su parte, debe afrontar la marcha de su hija y los problemas que implica ser el dueño de una tienda al borde de la bancarrota.

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A pesar de que pueda parecer un filme un tanto predecible al principio, Hearts Beat Loud no lo es. Se le da una aproximación realista al sueño de una persona, es una historia a pequeña escala, donde el único concierto de relevancia es ante unas 20 personas. Este hecho no desvaloriza al filme, lo hace aún más creíble, sorprendente y fresco.

El enfoque por el que apuesta Brett Haley en cuanto al apartado musical del filme es una mezcla entre lo nuevo y lo antiguo. Sam representa la modernidad musical y Frank el antiguo rock con sonidos derivados de instrumentos como la guitarra o el bajo. La música original permite avanzar el diálogo entre los personajes, con sus letras los protagonistas se sienten capaces de confiar sus emociones más íntimas. En una de mis escenas favoritas Sam empieza a cantar una canción de amor, Frank comprende inmediatamente los sentimientos de su hija y le pregunta si tiene novia. Es un auténtico placer ver una película donde la protagonista se siente atraída por personas de su mismo sexo, pero no se hace de ello algo tabú, ni se convierte en el tema principal de la obra. A pesar del buen uso de la música en ciertos momentos, en otros la repetición de canciones se hace un poco cansina.

Uno de los temas principales del filme es la disonancia que existe entre Frank y Sam en cuanto a su elección de carrera universitaria. Es un recurso muy típico crear conflicto entre padres e hijos por el futuro de estos, aunque he de decir que Hearts Beat Loud innova en este apartado. Frank no es el típico padre que obliga a su hija a estudiar algo con futuro, al contrario este interrumpe a su hija en su tiempo de estudio para que ambos puedan tocar juntos. Sam no es la típica chica que quiere dedicarse a las artes, a pesar de que ama la música, desea estudiar medicina. Se da, por lo tanto, un reverso en los roles paterno-filiales donde Frank es el soñador, un tanto idealista y Sam la responsable.

Hearts Beat Loud es una película muy agradable, de hecho sería sorprendente encontrar a alguien que deteste el filme. Es cierto que es muy sencilla, pero sí que es una película que intenta profundizar en las conexiones emocionales de sus personajes, lo que es de agradecer.

Westworld: comienza el rodaje con grandes cambios

La serie producida por Jonathan Nolan y Lisa Joy,  que es emitida por la cadena HBO, comenzará el rodaje de la tercera temporada en este mes de marzo, donde se calcula que el tiempo de filmación se extenderá hasta septiembre. Por lo tanto no tendremos show hasta el próximo año, que seguramente traerá grandes cambios que darán que hablar.

A pesar de que la trama cada vez se aleja más del entrañable parque de Westworld, las primeras imágenes serán grabadas en el rancho de Melody California, así como también, en el estado de Utah, lo que nos da una pauta que los cowboys, indios, caballos, whiskys, y como olvidarse de la pianola que nos deleita con piezas increíbles, una caricia al alma, todo lo bueno seguirá en la pantalla chica. En fin, el parque que libra los deseos y placeres más profundos de los humanos continuará más vigente que nunca en esta tercera temporada.

  1. Entre las principales modificaciones que encontraremos será: que la tercera parte de Westworld tendrá solo ocho capítulos, dos menos a las anteriores. Se especula que estos episodios podrían tener mayor duración algo parecido a lo que sucede con la octava y última temporada de Juego de Tronos. Esto tiene su lógica, ya que HBO apuntará todos sus cañones para que esta serie de ciencia ficción sea la que continué con el mando que quedará vacante en este 2019.

Haz click si quieres enterarte todo lo que se sabe sobre el final de Juego de Tronos

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Pero esto sería sólo un aperitivo a todo lo nuevo que acontecerá de aquí en adelante. Los productores y creadores de la serie, Nolan y Joy, en una entrevista concedida a The Hollywood Reporter, aseguraron que todo lo que está por venir será muy distinto a lo que hemos visto, como si estuvieran haciendo un piloto de una nueva serie.

«Creo que es un cambio radical. Lo atractivo de estos personajes es que no son humanos. Como dijimos en Westworld, los humanos están inmersos en los mismos bucles que los anfitriones, de alguna manera incluso más pequeños. No se puede esperar que los personajes humanos resistan y sobrevivan al tipo de historia que estamos contando.

Los anfitriones de Westoworld tienen una versión diferente de la mortalidad, una perspectiva diferente. Creo claramente que Dolores se ha planteado que hay una visión más amplia, un conjunto más grande de objetivos. Los anfitriones son existenciales. Abarcan eones.

Esta nueva temporada nos va a mostrar «todo un mundo nuevo. Esta serie va sobre la reinvención. La primera temporada era una mirada más íntima al parque. La segunda, los anfitriones rompen con todo y exploran más el parque. En esta tercera, lo que se ha roto es el parque. Estamos en una ‘nueva tierra misteriosa’. Desde el principio, Jonah y yo pensábamos en explorar otros mundos en el parque, pero claro, también está el mundo real, y llegaremos. Y cuando lo hagamos, será una experiencia totalmente nueva».

Jonathan Nolan comentó que los planes de Dolores y Bernard en Westworld son muy ambiciosos ahora que no están en el parque. Es posible que los anfitriones tengan un plan a largo plazo que tenga saltos temporales. Recordemos que los nombrados Dolores, Bernard y un androide con apariencia de Charlotte consiguieron salir del parque, lo que puede dar un indicio que la guerra entre los robots y los humanos será el eje central a partir de ahora.

El reparto con un villano que hará relucir nuestra bandera

antonio banderas

Recordando como terminó la segunda temporada, con muchos personajes muriendo, como por ejemplo: Elsie en manos de Bernard, o los anfitriones que quedaron encerrados en el paraíso que escondía La Puerta, es muy factible que haya muchas nuevas incorporaciones.

Pincha aquí para ver el análisis del ultimo capítulo de la temporada 2

Comenzando con los ya confirmados, tenemos a los protagonistas Evan Rachel Wood (Dolores), Ed Harris (El Hombre de Negro), Jeffrey Wright (Bernard) y Thandie Newton (Maeve) a quienes HBO le hizo una considerable y para nada despreciable aumento de sueldos. El salario igualitario pasara de ser de $150 mil dólares por episodios, a $250 mil dólares por cada capítulo. A pesar de ser unas sumas muy importantes no se comparan con lo que perciben de la misma cadena los protagonistas de Juego de Tronos, con una suma de 1,2 millones de dólares por cada uno de los seis últimos episodios.

Según los medios americanos, el fichaje estrella y gran apuesta para la tercera temporada es, Antonio Banderas, que sería uno de los villanos principales. Según That Hashtag Show, el posible personaje de Banderas tendría similitudes con el ciberterrorista Silva que luchaba contra James Bond, en la película «Skyfall», interpretado por Javier Bardem. La estrella que ya está confirmada es Aaron Paul (Breaking Bad).

Queridos lectores tendremos que esperar hasta el 2020, más posiblemente hasta abril del año que viene para ver como continua esta gran historia.

Un saludo y sed felices.

 

 

 

 

 

Reseña de Chanbara: El camino del Samurái. Roberto Recchioni y Andrea Accardi nos acercan al Japón feudal

Nadie es más peligroso que quien sabe que ya no le queda honor que perder.

Introducción

En febrero de 2019, Panini Cómics publica Chanbara: El camino del Samurái. Tomo que recopila las obras La redenzione del samurai (2012) y I fiori del massacro (2013). Dos volúmenes que pueden traducirse como La redención del samurái y Las flores de la masacre, respectivamente. Ambos proyectos están realizados por Roberto Recchioni, guionista, y Andrea Accardi, dibujante. Si varia el colorista, siendo Stefano Simeone el encargado de La redención del samurái y Luca Bertlè de Las flores de la masacre, así como el rotulista. Cristina Bozzi para La redención del samurái y Ricardo Riboldi en Las flores de la masacre.

El tomo Chanbara: El camino del Samurái incluye además, a modo de extras, páginas con bocetos y anotaciones de Accardi acerca de ambos tebeos.

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¿De qué va La redención del samurái?

La redención del samurái trata de un joven samurái, Tetsuo Kogawa,  que busca a su maestro, Jubei Shimada, caído en deshonor por haber abandonado sus obligaciones con el daimyo, el noble feudal, de la región.  Con lo que, a lo largo de la historia, el joven protagonista se debate entre la lealtad a su maestro y la obediencia a su señor. Como suele ocurrir en este tipo de relatos, al final las cosas no son siempre lo que parecen y la deserción del maestro responde a una cuestión de honor, de integridad si se prefiere, ante las atrocidades que, en nombre del daimio, se estaban haciendo en esas tierras y que sus compañeros samuráis estaban dispuestos a perpetuar, al ser incapaces de anteponer el honor a la obediencia a su señor. El daimyo deconocía estos abusos, que habían sido orquestadas por su consejero Kitayama, quien formaba parte de una organización criminal. Dicha organización  mandaba grupos de bandidos que, proclamándose cobradores del daimyo, extorsionaban y robaban a los campesinos, hasta dejarlos en la más absoluta miseria.

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Si bien, al final, Kitayama sería ajusticiado, el desobedecer al daimyo y haber matado a los samuráis que le acompañaban, había dejado a Shimada sin honor. Para recuperarlo y, además, lograr que el daimyo escuchará a Tetsuo, este tuvo que traer de nuevo a su maestro a la corte y cumplir sus funciones como Kaishakunin. A saber, la persona que asiste al samurái cuando este lleva a cabo el suicido ritual para restablecer su honor. En concreto, la labor del Kaishakunin consiste en cortar la cabeza del samurái, para poner fin a su sufrimiento, después de que este se haya abierto el vientre con su katana. De esta manera el honor, tanto de Jubei como de Tetsuo, quedaba intacto y eso legitimaba a este último  para denunciar a Kitayama ante el daimyo.

Una historia de valentía y honor. Pero, sobre todo, un reflejo, bastante aproximado, de lo dura que debía ser la vida en el Japón feudal.

¿De qué va Las flores de la masacre?

Las flores de la masacre trata más bien de venganza. La venganga de la hija de un consejero de otro daimyo. Dicho consejero se dio muerte ante la incapacidad de soportar la corrupción de la corte. Si, en La redención del samurái, la muerte por honor era el momento que llevaba al final de la historia, en Las flores de la masacre es el punto de partida. Nuestra protagonista, Jun Nagaiama, entrará a formar parte de La casa de las sombras, como sirvienta de Lady Mochizuki. La casa de las sombras, en apariencia un prostíbulo, en realidad es la sede de un clan donde se entrenan a jóvenes muchachas en el arte del espionaje, del secreto y del homicidio. Siendo Lady Mochizuki su Jonin, el cargo más alto de su clan, encargada de la formación de sus Kunoichi, sus flores envenenadas.

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Tras un duro entrenamiento Jun adquirirá la habilidad y confianza necesarias para cortar sus vínculos con Lady Mochizuki y consumar su venganza. Actuando como Geisha irá asesinando a todos los integrantes de la corte del daimyo, así como a su señor, quemando el castillo en el proceso. Las flores de la masacre se cierra con Jun volviendo a La casa de las sombras, donde mata a Lady Mochizuki y ocupa su lugar, en lo que parece una forma retorcida de asegurarse la continuidad de la labor de su maestra.

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Si es ya es difícil la vida en el Japón feudal, más lo era para una mujer, que las circunstancias dejan sola. De manera que Las flores de la masacre es una historia de empoderamiento de una mujer, cuyo coraje y valentía le hace tomar el camino de la venganza, pese a las dificultades y al riesgo de quedar consumida por su ella. El erigirse como líder de La casa de las sombras es una clara muestra de que Jun han entrado en una espiral de muerte de la que ya no le hes posible salir y elige convertirla en su forma de vida.

Ichi, el hilo conductor

El hilo conductor de ambas historias es un anciano samurái ciego que hace las veces de aliado y consejero de los protagonistas de ambos relatos. Este personaje se llama Ichi y parece ser que está inspirado en Zatoichi, otro samurái invidente obra del novelista Kan Shimozawa, que fue llevado al cine por Takeshi Kitano en 2003. No será la única referencia al cine en este cómicAccardi diseña algunos personajes, objetos y casas basándose en películas como Los siete samuráis de Akira KurosawaSamurái III, duelo en la isla de Ganryu de Hiroshi Inagaki, Harakiri de Masaki Kobayashi Three Outlaw Samurai de Hideo Gosha. Ya el mismo título de esta obra, Chanbara, hace referencia a un subgénero dentro del jidaigeki o drama de época Japonés. Jidaigeki alude a una historia que tiene lugar en un período histórico concreto mientras que Chanbara se refiere exclusivamente al cine de acción con samuráis, equivalente al cine de capa y espada occidental.

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Valoración final

Para los amantes del Manga y del cine de samuráis Chanbara: El camino del Samurái es compra obligada. Pero también lo es para quien quiera un buen cómic de drama y acción, en el Japón feudal, rigurosamente documentado y exquisitamente dibujado, que se lee de un tirón.

 

 

Crítica de Capitana Marvel: De como hacer las cosas bien sin perder la identidad

Bienvenidos, amantes del misterio, a uno de los episodios más parapsicológicos de la historia de esta, vuestra humilde morada. Hoy, por primera vez en quien sabe cuanto tiempo, voy a hacer (y esto es un spoiler del artículo), una crítica positiva a una película de estreno. Si vuestros corazones lloraron de alegría al leer los comentarios de Pantera Negra, si os regocijasteis con la pobre crítica de Aquaman, este no es vuestro sitio. Porque amigos, he visto Capitana Marvel, y tengo muchas cosas que decir sobre ella, y muy pocas malas. Aunque, si queréis conocer mejor al personaje de los cómics, mi compañero Adrián os puede ayudar en eso. Si a lo que venís es a que os hable de Brie Larson, al lío. AVISO QUE HAY MÁS DE UN SPOILER

Destripando al alien

Empecemos por lo obvio, por hablar de la trama de la película. Estamos hablando de una película típica de origen, en la que vemos a un superhéroe contar sus orígenes. No obstante, la forma a la hora de tratar los tiempos, lo flashbacks, o incluso la propia narrativa, resultan realmente interesantes. Vers, como se nos presenta el personaje, es una híbrido Kree-Humano sin recuerdos, al cargo de Yon-Rogg (interpretado por Jude Law). La misión del equipo de Vers es rescatar a uno de los suyos de un planeta invadido por los Skrull. Por supuesto, eso no va a resultar fácil, y Vers, tras pasar por un escaneo cerebral Skrull, acaba perdida en La Tierra.

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Mola. Que no os digan lo contrario

La idea de un héroe sin memoria que busca su identidad es, por decir poco, nada nueva en el cine. Pero como ya he dicho antes, la forma de hacerlo a través de estos flashbacks provocados por los Skrull, resulta eficaz y divertida. Primero, porque no rompen el ritmo de la película, sino que forman parte de él. Y segundo, porque resultan confusos tanto para el espectador como para la protagonista, lo que ayuda mucho a empatizar con ella.

Durante la cinta, Vers tendrá que servirse de la ayuda de un jovencísimo Nick Furia, del agente Coulson (muy en segundo plano, casi un regalo a los fans, más que una necesidad de la trama) y de sus amigas María y su hija Mónica, y el gato Goose, para comprender a qué se enfrenta.

No todo el monte es orégano

La película me ha gustado. Partamos de ahí. El guión, si bien no es ninguna maravilla, está bien ejecutado. Pero eso no quita que todo haya sido mágica y fuegos artificiales. Así que antes de darle las palmaditas en la espalda que se merece, démosle un par de capones.

Y el primer capón va para el guión. Está, como he dicho, bien ejecutado. Pero quizás es demasiado obvio en el momento en que debería ser sorprendente. Porque si vas a ver la película sin conocer al personaje, debería sorprenderte ese giro en el que los Kree son el villano real, y los Skrull meros refugiados de guerra. Pero lo cierto es que no lo hace del todo bien, y resulta algo bastante menos impactante de lo que la historia requiere.

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El papel de villano no le va muy bien

Y hablando de la relación Kree-Skrull… Sinceramente, para ser posiblemente  las dos razas alienígenas más importantes del universo Marvel (desde mi muy diminuto conocimiento del tema), poner a los Skrull como buenos me ha parecido bastante horrible. Ni buenos ni malos, aunque quizá lo justo sería decir que tanto unos como otros son unos tocapelotas de cuidado, y tiran más al villano. Así que esta simplificación me ha disgustado bastante, porque creo que puede lastrar un poco el futuro del MCU.

Y del bando Skrull, toca hablar del villano de la primera parte de la cinta, el comandante Talos (quizá podrían haberle cambiado un poco el nombre, porque vi a mucha gente confusa en la sala). Durante el tramo de la película en el que tiene que hacer de villano, Talos se pasa de gracioso. Característica que pierde en cuanto se descubre que es la parte afectada. Pierde mucha épica, y queda un poco raro, la verdad.

Esto es lo que Marvel sabe hacer

Fuera de estas cuestiones, la película es entretenida de narices. 124 minutos que se me pasaron volando, sobre todo por dos motivos. Primero por el reparto. Brie Larson está sensacional. Si en los tráilers nos parecía sosa, o seria, estábamos equivocados. Larson consigue convencerte de que eres capaz de comprender a un ser que es mitad alien, y la más poderosa de la galaxia. Poca broma. También ayuda mucho el papel de Nick Furia, al que vemos totalmente pez en cuestión de héroes, y fuera del registro habitual de su personaje. No obstante, que bien se mueve Jackson. En general, el reparto es uno de los pilares de la película, y ayuda muchísimo a entrar en el juego que propone. Mención especial para Goose (pequeño guiño a Top Gun), la protagonista real de la película. Tal vez el papel que mas fría me ha dejado es el que encarna Jude Law, que no me ha convencido mucho.

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¡Qué bien te tratan los años, Samuel!

En segundo lugar, como ya he adelantado en el título, Marvel ha demostrado su gran saber hacer. El verdadero superpoder de La Casa de la Ideas: saber leer a su público. En contraposición con la super heroína de DC, Wonder Woman (tal vez la única que me ha gustado hasta ahora del sello), Marvel no ha necesitado cambiar su sello personal para adaptarse a la heroína. Nos ha traído una película ligera, cálida, llena de ese humor que tanto le distingue, pero que aprovecha sus fortalezas. Una película, y dejarme decir que esto me ha encantado, sin un romance. Uno de los grandes lastres del cine, y más el de superhéroes, es esa necesidad de una historia de amor que actúe como motor del protagonista. Capitana Marvel no necesitaba esto, y Marvel lo ha demostrado. Tenemos una historia de amistad (protagonizada por una madre soltera), una mujer como mentora real (La Doctora Lawson, o Mar-Vell), y a Jackson. ¿Para qué más?

La opinión de Sofía

¿Os he dicho ya que me ha gustado? Capitana Marvel me ha gustado. Es una cinta de superhéroes, no de superheroínas, que necesitan reivindicarse con palabras, como hacía suponer el desafortunado hashtag que se ha propuesto en España. Capitana Marvel se reivindica con sus actos, con su guión. No es una mujer jugando a ser un superhéroe, como se nos ha vendido hasta ahora. Es un ser poderoso. El más poderoso. Y que me parta un rayo si Larson no sabe serlo mejor que nadie.

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Mira que mona…

Pequeña mención a las dos escenas post-créditos (que flaco favor le hace a Scarlett Johansson el cara a cara con Brie Larson) y a la introducción homenaje a Stan Lee, con cameo de este.

Y antes de cerrar, me quedo con el único miedo que me queda después de ver la película, y que comparto con el jefe de la web. Con todo lo poderosa que es Carol Danvers, ¿Cómo se las van a arreglar para que Thanos no siga dando miedo en Endgame? Solo Stan Lee, desde donde esté, dirá. Lo sabremos en su momento, Hasta entonces… sed felices.

El cómic de la semana: Marvel Gold. Los Cuatro Fantásticos 9

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy destacamos Marvel Gold. Los Cuatro Fantásticos 9. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Un cómic que mejora lo anterior

Para mi este tomo es un cómic muy digno, un cómic que mezcla los ecos del pasado con la modernidad de los años 70 justo antes de entrar en la época dorada de los 80 con John Byrne. Recordemos que aún queda un tomo más, pero en ese tomo ya tendremos cosas del maestro que llegara a principios de los gloriosos 80. Os voy comentando.

Este tomo contiene los números 176 al 203 y los Annuales 12 y 13. Una pequeña salvedad, el número 180 reeditaba el 101 americano y el 189 hacía lo propio con el Annual 4, por lo que no se encuentran de nuevo reproducidos en este tomo excepto las portadas. Una cosa lógica de la edición española.Fantastic Four Vol 1 183

El baile de guionistas y dibujantes es constante pero sin embargo no parece que afecte mucho al desarrollo de las aventuras. Para mi este tomo, que contiene los últimos años de la década de los 70, es una vuelca de tuerca de la Primera Familia. Si durante los años 60 y sus 100 primeros números pudimos leer unos cómics llenos de energía, llenos de entusiasmo y maravillosos guiones que edificaron el Universo Marvel durante tantas generaciones, bien es cierto que la marcha de los creadores Stan Lee y Jack Kirby metieron, a su colección fetiche, en un bache de convencionalismos que más o menos duró hasta la llegada de Byrne en el número 232. Con Byrne la serie alcanzó un nuevo status similar a los primeros tebeos de los años 60. Pero no olvidemos varias etapas como parte de las sagas que se edificaron a partir de este tomo, como por ejemplo la saga de la Esfinge (que veremos en el tomo 10) y que englobaría desde el número 204 hasta el 214 americano. Si os fijáis justo los que continúan el final de este cómic.

Y es que Marv Wolfman es mucho Marv Wolfman, y aunque es un autor poco reconocido actualmente fue imprescindible en los universos Marvel y DC de finales de los 70 y de la década de los 80. Pues bien, Wolfman, además de hacer algún número suelto al principio de este tocho de Omnigold, se convierte en guionista interino desde el 195 hasta el 214, y la serie pega un vuelco positivo. Toda la parte final del cómic se convierte en una aventura muy interesante, que como reza al título mejora los tomos posteriores a la marchade Kirby y Lee. Pero tampoco me quiero olvidar de Len Wein o Roy Thomas que hacen una labor más que plausible en una serie algo perdida y sin referentes de un autor fijo hasta la llegada del mencionado Wolfman. Para los más puristas os he de recordar que después de Wolfman tuvimos a Doug Moench con dibujos de Bill Sienkiewicz en una etapa de casi un año en la que no consiguieron remontar el vuelo de la serie. Es más, la dejaron algo tocada hasta la llegada de Byrne como ya veremos en el futuro tomo 10. Por tanto podemos decir que un síntoma negativo de esta etapa pre-Wolfman es que los números 180 y 189 fueran reimpresiones de cómics antiguos de la serie (como ya expliqué antes), síntoma de una serie sin rumbo fijo guionizada por buenos profesionales interinos para un par de números. Y eso que sólo me he centrado en los guionistas, pero no me quiero olvidar de algún que otro dibujante como George Pérez, Ron Wilson, Sal Buscema o Keith Pollard, que eran en su época auténticas espadas y que hicieron que la primera serie de Marvel se mantuviera a flote en esta época convulsa.

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Por tanto para todos los completistas, este cómic u Omnigold se antoja imprescindible ya que prácticamente une la etapa de John Byrne a falta del tomo 10. Además creo que aunque es un tomo con historias algo dispares, sobre todo al principio del mismo, la serie se endereza al final con la desunión del grupo y sus historias independientes para posteriormente dar la bienvenida a Marv Wolfman como guionista de una etapa a tener en cuenta. Creo que no es un tomo para las nuevas generaciones pero si un tomo excelente para conocer como era Marvel a finales de los años 70. Para mi un buen cómic que recomiendo a los fans más puristas.

Os dejo el enlace al cómic de Panini Cómics y la portada del tomo.

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Un saludo y sed felices.

Los más chulos del barrio: Harry «el Sucio» Callahan

¡Hola y bienvenid@s a una nueva entrega de nuestros chulazos de barrio! En anteriores artículos de esta sección os hablé de John McClaneMadmartigan, o Peter Venkman. En esta ocasión, y hablando de alguien cuyo trabajo está ligado al cumplimiento de la ley, quiero analizar la figura de uno de los personajes más míticos del cine policíaco. Se trata de alguien que trabaja en el departamento de policía de San Francisco, regala muchas frases lapidarias en cada película donde aparece, lleva siempre un Magnum (el mejor revólver del mundo para él), y se asegura de que los malos estén tan muertos que no vuelvan a incumplir la ley. Así que el personaje de hoy es… ¡Harry Callahan, alias Harry el Sucio!

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Os aseguro que esto estaba así de caótico cuando llegué.

Este personaje ficticio, al que dio vida Clint Eastwood en las cinco entregas que tuvo su saga, es otro de esos casos en los que pienso que fue la persona adecuada quien interpretó el papel adecuado. ¿Qué habría sido de Harry el Sucio con otro actor? Es imposible de saber desde luego, pero pienso que la saga no habría llegado ni a cinco entregas ni habría perdurado tanto su recuerdo en el tiempo. Muchas personas relacionan siempre a Clint con las películas del oeste, y es innegable que en ellas se movía como pez en el agua, regalándonos papeles de pistolero que daban mucho valor a cualquier aventura en la que apareciese. Pero claro está, Clint no sólo hacía películas del género citado, sino que también se prodigaba en otros géneros como el policíaco. Se podría decir que, a su manera, Harry Callahan es como uno de esos pistoleros que campaban a sus anchas por polvorientos poblados, pero haciéndolo en esta ocasión como representante de la ley en la ciudad de San Francisco.

¿Qué hace especial a Harry el Sucio?

En primer lugar, que no deja que nadie le tosa, sea un superior del departamento o cualquier criminal que intenta acabar con él a menudo. ¿Que su jefe le dice que cuándo va a cortarse el pelo? Pues Harry lo hará después de que lo haga su jefe. ¿Que su jefe le suspende de empleo? Pues Harry le da su placa de varias puntas y le dice que ahí tiene un supositorio para metérselo por el trasero. Con dos bemoles. Y con los criminales más de lo mismo, no se deja intimidar por amenazas de nadie, ya sea una persona armada hasta los dientes y aunque esté bien acompañada. Así es Harry, llamado el sucio porque le terminan asignando los trabajos más sucios que no quiere ningún otro policía.

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Ahora que eres mi compañera lleva siempre chaleco antibalas.

Como decía antes, es un amante del revólver Magnum, y eso da pie a una de las mejores frases de la primera película de la saga, mientras apunta con el arma a un atracador y le dice… «Ah, ah… Sé lo que estás pensando, si disparé las seis balas o sólo cinco. La verdad es que, con todo este ajetreo yo también he perdido la cuenta. Pero siendo éste un Magnum 44, el mejor revólver del mundo, capaz de volarte los sesos de un disparo, ¿no crees que debieras pensar que eres afortunado? ¿Verdad que sí, vago?»

Por otra parte, la tasa de mortalidad de los compañeros que le asignan a Harry es muy alta. Porque la mayoría o bien terminan muertos, o bien heridos, cambiando algunos de profesión. Incluso el bueno de Harry, si bien advierte siempre a cada nueva persona que le acompaña de tal circunstancia, también confiesa que en algunos casos harán cábalas para ver quien acierta el tiempo de vida que le queda a quien esté con él. Y también es notoria la cifra de dólares que el departamento de policía debe abonar tras cada tiroteo o persecución donde Harry esté presente.

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No es un revólver pero me servirá.

Otra frase mítica que suelta Harry es aquella sobre que las opiniones son como los culos, todo el mundo tiene uno. Porque así es Harry, un tipo que vive al límite la mayor parte del tiempo, pero que es tan chulo que pasea como nadie sobre el filo de la navaja. ¿Que va a ver a un mafioso al hotel donde se está celebrando la boda de la nieta? No pasa nada, Harry se acerca y cuando le reciben dos tipos fornidos, y él le dice a la recepcionista que vaya pidiendo una ambulancia para esos dos tiparracos. Tras eso, y tras provocarle un infarto al citado mafioso mediante su don de palabra, Harry lo achacará a que el pobre tipo vio la cuenta de la boda. ¿Que atracan un restaurante chino donde está Harry? Pues él mira a uno de los asaltantes y le dice que ha olvidado su galleta de la suerte, y que dice que el tipo la acaba de cagar.

Y este es a grosso modo «Harry el Sucio» Callahan, un tipo que conviene tener siempre de vuestro lado (aunque no muy cerca por si os disparan por su culpa) y que no os pille quebrantando la ley. Esto es todo por hoy. ¿Y a vosotros, os gusta el personaje? ¿Qué recuerdos os trae? ¡Hasta otra!

Análisis de Clase Letal (Deadly Class). Temporada 1. Episodio 6

Bienvenidos una semana más a la Sala de Estudios de King’s Dominion, el lugar desde el que vamos a analizar todos los capítulos de Clase Letal. Así que ya sabéis, si no queréis leer spoilers más os vale ver el capítulo antes de leer este post.

Aquí puedes ver los análisis de los capítulos anteriores

Después de los grandes momentos que nos dejó el episodio anterior, ahora toca tomarnos un respiro, responder algunas preguntas y dejarlo todo preparado de cara a la recta final de la temporada (recordemos que sólo tendrá diez capítulos).

El pasado y el presente de María

La primera que busca respuestas es Madame Gao, la jefa de King’s Dominion que habíamos conocido en el capítulo tres. Quiere saber qué ha pasado con Chico ya que el joven narco está desaparecido. Para ello interroga a María y Saya dado su relación con él (pero nosotros ya sabemos todos su destino).

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Madame Gao Interroga a María para saber que le ha pasado a Chico

María soporta un peso tremendo. A los remordimientos por la muerte de Chico se une el tener que esconder que ella es la asesina, el ser ahora la jefa de los narcos en la escuela y tener el encargo de averiguar que ha pasado con su novio. Pero por otro lado se encuentra feliz ya que ha empezado una relación con Marcus, un romance mucho más sano que el que tenía con Chico. Y nos enteramos que ha dejado de medicarse. ¿Medicarse por qué? Saya le cuenta a Marcus que María es bipolar y necesita la medicación, además de la protección del que se supone que es su novio.

La pobre María no puede más y se pone a recordar su infancia. Cómo siempre en Clase letal esto significa que una secuencia de animación. Vemos a la familia de una pequeña María trapicheando con droga en su casa cuando son brutalmente asaltados por el cacique del lugar, El Alma del Diablo, su hijo pequeño y uno de sus secuaces. El Diablo crucifica al padre de María en la plaza del pueblo pero su hijo (Chico) conoce a la niña y le pide que la perdone, les podría ser útil en el futuro.

Ya conocemos todo sobre María, su pasado, su enfermedad, el peso que carga… Es normal que la pobre este un poco sobrepasada.  Incluso hasta llegar al punto de disparar una flecha a Marcus cuando está en el tejado a solas con Saya, en una actitud muy cariñosa que hace que los celos la vuelvan loca. Marcus la persigue y tienen una fuerte discusión. El muchacho no entiende lo que le pasa y María le dice que tiene miedo, siempre tiene miedo y eso hace que se vuelva loca, pero que por favor la perdone. Es un momento de catarsis emocional de los dos jóvenes que acaba con un polvo que parece sellar el futuro de su relación. Pero a pesar de todo Marcus también se siente atraído por Saya y la japonesa por él, sin olvidar que las dos chicas son muy amigas. El triángulo amoroso sigue desarrollándose.

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Marcus y María se acuestan juntos después de una fuerte discusión en la que sacan todo lo que llevan dentro

Chester y sus locuras

Nuestro amigo Caraquemada sigue a lo suyo. Intenta grabar un video en el que se le ve matando a dos personas y autonombrándose “Cara Cabron“ (Fuck Face en el original). Pero es tan torpe que se no ha metido cinta en la cámara. Está claro que sigue en su idea de hacerse famoso a través del asesinato.

Luego llama a King’s Dominion para hablar con Marcus y dejarle claro que su encuentro en Las Vegas fue real. Le recuerda que la vida que está viviendo nuestro protagonista debería ser suya por derecho, ya que fue él quién mató a toda la gente en el correccional, así que debería ser Chester quien estuviera en la escuela de asesinos y fuera famoso.

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Chester se autroproclama Cara Cabrón

Por eso le dice a Marcus que tiene el cadáver de Chico (más concretamente su cabeza) y que el joven tiene sólo tres días para encontrarlo o mandará la cabeza al cartel y le contará cómo murió.

Conociendo a Madame Gao

Por fin conocemos un poco más de Madame Gao. En este capítulo queda claro que es alguien muy importante en la escuela. Incluso se enfrenta al profesor de lucha ya que considera que no trata de manera justa a Brandy, la rubia de los paletos sureños de la escuela. Gao da una paliza al profesor y deja a la rubia que grabe su nota en la frente del pobre profesor.

Esto le lleva a tener una reunión con el director Lin, donde nos enteramos que ambos son hermanos. Pero unos hermanos muy diferentes ya que no se criaron juntos. Ella desde muy niña tuvo que empezar a aprender a ser asesina y es algo que nunca ha perdonado a Lin, que tuvo una vida según Gao más sencilla. Para la mujer tiene que haber más disciplina en la escuela y le echa en cara a su hermano su favoritismo hacia Saya, una chica que Gao no puede ni ver.

Willie encuentra el amor

Además de María, el que parece estar pasándolo peor es Willie. Ha caído su fachada de chico duro y no poder ser cómo realmente es le tiene acabado.  A pesar de estar mal, consigue para su amigo Marcus un trabajo en una tienda de comic. En dicha tienda Willie conoce una chica con buen gusto en los cómic (quiere comprar Watchmen de Alan Moore). La joven se llama Gabriel y el que Willie pueda mostrarse con ella cómo es realmente será un alivio para el pandillero.

willie
Willie tiene su momento chico conoce a chica

Lin y su secreto

El capítulo acaba con el descubrimiento más inesperado de todos. Sabíamos que la familia de Lin había muerto (algo que él le recuerda a su hermana para que vea que no ha tenido una vida tan facil). Pero en la última escena del episodio vemos al director llegar a una casa en la que le están esperando… ¡su hija y su mujer!  Su esposa resulta ser la mujer con la que estuvo en el episodio cuatro. Recordemos que entonces comentaba que ella había podido dejar atrás el mundo de violencia al que pertenecía. Ya sabemos cómo lo hizo, fingiendo su muerte y la de su hija para tener una vida oculta y más tranquila con su marido, alejando además a la niña de un destino que parece marcado por la sangre.  ¿Qué pasará si se entera de esto Madame Gao y el resto de la familia de Lin?

Se acercan nubarrones en el futuro de los protagonistas de la serie: Chester, el triángulo amoroso de Marcus, María, y Saya, la familia de Lin, la desaparición de Chico y las represalias del cartel… Quedan cuatro episodios que prometen ser muy movidos.

RECOMENDACIONES DEL CAPÍTULO. Una película: Noche de miedo. Una canción: Someboy de Depeche Mode. Un comic: Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons. Un libro: Dune, de Frank Herbert.

Mejor Comedia o Musical: los Óscar

Óscar                                                                                                                                                                                                      Del ingl. Oscar, y este de or. inc. (origen incierto para poco acostumbrados al diccionario).                                                 1. m. Galardón que se entrega, por elección de una selecta Academia -conocedora de los criterios únicos, magnos y bíblicos necesarios para valorar un producto audiovisual- que se ve todos los filmes del mercado (incluyendo los buenos), algunos cortometrajes y los documentales que mejor pinta les tienen, a las categorías que ellos creen pertinentes dentro de la producción de susodichos productos. También a los cortos y documentales, pero esos importan menos porque no dan dinero ni audiencia.                                                                                                   2. m. Ceremonia mundialmente conocida y seguida, mediática, ostentosa y lujuriosa, que sirve como un expositor de moda donde la élite hollywoodiense posa con sus ropajes y adornos millonarios, burlándose de los pobres y de sus minucias, conformando la secta más elegante del mundo (también hay tíos majos, no os penséis). Allí se entregan los premios nombrados en la acep. 1. y resulta, a fin de cuentas, ser más aburrida que un campeonato de dardos a las siete de la mañana en Teledeporte.

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«Si hago más de 50 el Óscar para Black Panther»

Hablemos de los Óscar. De los Óscar como premio (figurita dorada planteada como claro símbolo del séptimo arte -o eso debió de pensar el que la diseñó-), de lo que representan (para mí menos que un Grammy, que ya es decir) o de la gala. Casi prefiero hablar de lo que hay detrás, me quedo con lo que representan y, sobretodo, con lo que podrían haber sido.

No se si saben ustedes, que estarán aquí esperando leer o bien que Black Panther se merecía ganar a mejor película o bien maldiciones, una tras otra, sobre estos premios corrompidos por la industria vomitiva de Hollywood (de lo primero no veréis, de lo segundo es probable), que los Globos de Oro dividen la mejor película en dos categorías: Drama y Comedia o Musical. Hagamos lo mismo. Así no entramos en el conflicto Roma vs Green Book. Mejor Drama, pues, se lo doy a Roma. Yo no tengo ninguna duda. Hay quien sí la tiene, o mejor dicho, quien nunca se lo daría. Será por opiniones en este mundo… Pero Mejor Comedia o Musical no va para Green Book, no. En Green Book no hay ni la mitad de fanfarria ni un tercio de la comedia que en la auténtica vencedora. Así que, sin duda alguna, Mejor Comedia o Musical va para los Óscar.

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Se abre el telón y este tío tiene un Óscar

Así es, los señores y señoras de la Academia son los mayores cómicos de la Industria. Pocos hacen más gracia que ellos: ni los Monty Python, ni los hermanos Marx, ni Charles Chaplin ni la Liga de la Justicia. Se les quedan cortos, porque, ¿acaso no hay chiste mejor que ser el jurado de los premios de cine supuestamente más prestigiosos del mundo y no saber la diferencia entre Sonido y Edición de Sonido? Sus razonamientos tienen que ser tronchantes: “Hay mucha música y suena bonito. Ale, pues le damos los dos de sonido, venga. Ya está Manolo, nos da tiempo de ir a jugar un dominó”. Aunque no creo que se llamen Manolo. Como mucho Mel. O si no Jack, John o Joe, que al caso nos vale igual.

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Meros aprendices

Pero los chistes continúan, ya no solo en el propio espectáculo circense que en España nos espera año tras año a las dos de la mañana y que solo algunos atrevidos y un puñado de kamikazes presencian hasta su final, sino también en los meses previos. ¡Qué generosos son los payasos de la Academia que nos brindan preliminares de su espectáculo para hacernos reír durante todo el año! No se si recordáis el día en que anunciaron la categoría de Mejor Película Popular (aún habían de creer que era buena idea). Los Óscar siempre tienen la problemática de no saber renunciar a un sector del público, y con esto no estoy contando ninguna novedad. Han premiado, generalmente, a las películas que más o menos generan consenso entre público y crítica, y en ciertos momentos también taquilla. Películas que no son canela en rama pero que tampoco están mal. Como Green Book. Es correcta. Dirección sin más, guión notable, actuaciones de lo mejorcito, pero al fin y al cabo del montón. Nada más. Con el tiempo se evidencia la tendencia a generar millonadas de productos mucho menos interesantes cinematográficamente hablando pero con gran éxito y afluencia de público, y por otro lado, una menor audiencia en la Gala de los Óscar. Dejan de interesar, pero no solo porque sean un peñazo absoluto, sino porque a la gran mayoría del público, el groso de las películas que se nominan les dan igual. Llegados a este punto, los Óscar necesitan una forma de acercarse al público mayoritario. ¿Cómo? Con una categoría a Mejor Película Popular [insertar risas enlatadas]. Me extrañaría que nada más anunciar esta cagada no hubiera persona ni medio especializado poniendo a la Academia a caer de un burro, que, por supuesto, fue lo que pasó. Y claro, como buenos servidores del populus se tuvieron que retractar: ya no habrá la categoría de marras, y menos mal, aunque en realidad me importa más bien poco lo que hagan.

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El próximo a Mejor Actor Popular

Otra cosa diferente es su segunda cagada, o broma. Sí, broma. Perdón, quería decir broma. Esa tan graciosa que decía tal que: Mejor Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Cortometraje de Ficción y Mejor Maquillaje serán entregados durante la publicidad. Sabemos que los cortos, al igual que los documentales, interesan prácticamente cero (por cierto, una pena lo de Sorogoyen. Si no habéis visto Madre os lo recomiendo, hacedme caso) y que el maquillaje todavía menos. En dos semanas nadie se acordará de quién ganó a maquillaje, si es que hay alguien que a día de hoy se acuerde. Montaje, pues oye, si la Academia quiere llegar al gran público no creo que sea a través del montaje (aunque supongo que por esa regla de tres lo único que interesaría sería la mejor película). Pero lo que más me choca es Fotografía. Uno de los premios más importantes (sin desmerecer ninguno). En fin, que con esta tontería más de 50 reconocidos cineastas dieron su ultimátum a los premios dando a entender la falta de respeto que todo el tinglado suponía. Entonces, los académicos, tras pronunciar un expresivo “Oh, shit, we’re so fucked” volvieron a rebobinar y finalmente los cuatro premios se emitieron.

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«No había trapecista ni domador de leones y nos trajimos a éste»

Decíamos que los Óscar quieren contentar al público mayoritario, amante del mainstream (lo llevan haciendo desde el inicio de los tiempos, pese a quién le pese). Pero las cosas cambian, los gustos, las modas, y el público de hoy es difícil de conquistar. ¿O todo lo contrario? Me imagino a Cuarón, o a Scorsese, Villeneuve o los Coen, me da igual, no os vayáis a pensar que soy adorador incondicional del mejicano, intentando estudiar cómo contentar a ese público (que no creo que lo hagan, ni falta que les hace), teniendo severos dolores de cabeza dándose cuenta de que no pueden. No pueden a menos que se pongan bajo las órdenes de… ¿Kevin Feige? ¿Que adapten en acción real La Bella Durmiente? ¿Que contraten a Dwayne Johnson? ¡Vaya usted a saber! Pero estamos hablando de cuatro directores maestros (cinco, que los Coen son personas por separado) que no se van a dejar llevar por esas modas. Ahí es donde entra el conflicto. La Academia, como robot algorítmico pensará el día de las nominaciones: Si premio lo bueno, a la audiencia deja de interesarle la Gala; si premio lo mainstream, perdemos caché y nos ponen a parir. Academia.exe dejó de funcionar. Reiniciamos sistema. ¿Sabéis cuando abres un Power Point en el Libre Office o viceversa y se descoloca todo? Así es como salen las nominaciones. Un barullo impresionante e ilógico. Es esa la forma en que The Favourite y Black Panther han sido colocadas al mismo nivel. Porque la Academia no sabe a quién contentar, no elige bando. Y así seguirá, o eso parece. 

Sed felices.

The Magic Order: el primer cómic de Netflix, por Mark Millar

Cuando Netflix compró Millarworld, la propietaria de los derechos de las creaciones de Mark Millar, hicimos un artículo. No era para menos: se trataba de la primera compra de esta plataforma, y se había adentrado en un mercado tan marginal como el cómic. Muchos suponíamos, dados los antecedentes cinematográficos de este prolífico guionista de tebeos, que simplemente se había abastecido con una serie de propiedades para adaptar. Parece ser el caso, dados los recientes avances en la serie de Jupiter’s Legacy, pero antes de eso ha lanzado un nuevo cómic con Image, que la empresa se ha encargado de promocionar en su canal de YouTube y cuya publicación acaba de llegar a su fin en Estados Unidos. ¿Qué ofrece The Magic Order? ¿Es buen material para una serie? Y, lo más importante, ¿se trata de una buena historieta?

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=wLbvqioTrxA]

Una familia mágica

Hemos escuchado muchas veces la premisa que el escocés nos presenta en esta ocasión: en la Antigüedad, las criaturas más horribles y poderosas que uno se pueda imaginar dominaban la tierra. Sin embargo, una orden de hechiceros consiguió expulsarlos y, desde entonces, vela para proteger a la Humanidad de todos los peligros sobrenaturales a los que, sin saberlo, se enfrenta diariamente. Los protagonistas son los tres hijos de Leonard Moonstone, uno de los magos más legendarios de esta organización, que forman una familia fragmentada y que, a pesar de mantener la cordialidad entre sus miembros, tiene muchos esqueletos en el armario.

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La villana de esta función es Lady Albany, una hechicera malvada que pretende vengarse de los magos por una afrenta cometida en el pasado, y que viene acompañada de un misterioso asesino, El Veneciano, y de su fiel criado multiforme. Cuando los miembros de la orden empiecen a caer uno por uno, los hermanos más díscolos de la familia Moonstone tendrán que recurrir a Gabriel, retirado del mundo de la magia por una tragedia del pasado.

Un espectáculo visual

Dejémoslo claro desde el comienzo: los seis números que componen esta miniserie resultan un pasatiempo más que correcto, con momentos endiabladamente divertidos y un ritmo frenético que demuestra la maestría de Millar en el oficio de entretener. El dibujo del magnífico Olivier Coipel retrata a la perfección tanto los momentos más íntimos de los protagonistas como las impresionantes escenas de batalla.

Y esa es una palabra que define muy bien a este tebeo: impresionante. También grande, épico. Los autores saben que la existencia de un mundo mágico oculto bajo el nuestro es un tema muy trillado, y que la decadencia de franquicias como Harry Potter demuestran que muchos están cansados de este tipo de historias de fantasía urbana. ¿Cómo logran diferenciarse? Fácil: aprovechando que el cómic no tiene las limitaciones del cine y la televisión. Estos magos no se limitan a hacer desaparecer objetos con una varita, sino que pueden trastocar las leyes del espacio y el tiempo con relativa facilidad. En este sentido, el mayor hallazgo del tebeo es el modo en el que los dos autores conjugan sus talentos para crear un sistema de magia cuyas normas no se explican demasiado bien, pero que incluye hechizos muy originales e increíblemente poderosos. Visualmente, resulta apabullante.

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Sin embargo, estos fuegos artificiales no nos impiden notar las carencias del Millar más reciente. Decíamos al comienzo que se trata de un escritor prolífico, pero lo es gracias al escaso desarrollo que le dedica a sus historias. En este caso, a pesar de las ingeniosas frases lapidarias y de las buenas ideas que derrocha en estas viñetas, uno se queda con ganas de más. Todo parece hecho con una plantilla, desde los aceptables protagonistas hasta la mezquina villana, por no hablar de un giro que cualquier asiduo a las historias de este guionista podrá ver a la legua. Los creadores han confirmado que habrá una segunda miniserie, pero el escocés parece más interesado en ofrecer una gran cantidad de tramas sencillas y fácilmente adaptables que en desarrollar sus ideas. No me lo imagino, para desgracia de unos seguidores entre los que me incluyo, llevando sobre sus hombros el peso de una serie regular.

Una oportunidad perdida

Y, una vez reseñado el cómic, me gustaría destacar que Netflix ha perdido la oportunidad de expandirse a un mercado nuevo. ¿Cómo? Aprovechando el acuerdo con Millar y colgando el tebeo en su catálogo digital, en un modelo similar a la plataforma de vídeo bajo demanda DC Universe. Aunque cobrara un precio adicional por él, podría haber llamado la atención sobre unos personajes y una trama que seguramente adapte en el futuro, atrayendo a nuevos espectadores. Además, ya desde un punto de vista más egoísta, una difusión como esta habría sido extraordinariamente positiva para el medio del cómic, que está necesitado de una implantación efectiva en el mercado digital.

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En definitiva, aunque se trate de una miniserie muy entretenida, destaca más por lo que podría haber sido que por lo que es, en varios sentidos. Y, avisamos, una adaptación sin unos buenos efectos especiales le restaría gran parte del encanto que tiene.

Crítica: La chica del tambor

Auspiciada por el éxito de la miniserie El infiltrado (The Night Manager) sus productores ejecutivos se han lanzado nuevamente a la literatura de espionaje de John Le Carré. En este turno han decidido adaptar La chica del tambor (The Little Drummer Girl). Novela publicada en 1983 y llevada al cine un año más tarde con la dirección del gran George Roy Hill siendo la pareja protagonista Diane Keaton y Klaus Kinski. A nosotros nos gustó la adaptación de El infiltrado, podéis leerla aquí. ¿Queréis ver nuestro veredicto final acerca de La chica del tambor? Seguid leyendo.

Reparto y aspectos técnicos de primer nivel.

Michael Shannon lidera el reparto de esta miniserie de seis capítulos de duración. Lo acompañan Alexander Skarsgard y un gran descubrimiento, Florence Pugh. Los dos primeros son viejos conocidos de la pequeña pantalla. Shannon despuntó en aquella maravilla que fue Boardwalk Empire y el pasado año protagonizó la miniserie basada en hechos reales,Waco. Skarsgard es conocido por ser uno de los vampiros protagonistas de True Blood. Florence Pugh a priori es la menos llamativa del reparto. Yo la descubrí en Malevolent, película original de Netflix en la que ya Florence sobresalía sobre un reparto casi amateur. En La chica del tambor Pugh se come al resto del reparto siendo una actriz talentosa a la que veremos más a menudo en grandes producciones a partir de ahora.

Florence Pugh como Charlie en La chica del tambor.

En la dirección tenemos a Park Chan Wook, quien dirigiese la gran Oldboy. Es sin duda alguna lo mejor de la serie junto a Florence Pugh. Sobresale la labor de dirección del cineasta coreano como así la del director de fotografía Kim Woo-Hyung. La puesta en escena es soberbia, cuidada hasta el más mínimo detalle. Si a ello le sumamos una espectacular ambientación enriquecida por esa vuelta al mundo que damos con la serie (Ya solo en el primer capítulo visitamos  Berlín, Múnich, Londres, Atenas y Naxos) no podemos más que reconocer que el cineasta coreano acaba adueñándose del proyecto para ser su primer trabajo televisivo en Estados Unidos y con guion ajeno. Y termino alabando igualmente la banda sonora compuesta por Jo Yeong-wook, colaborador habitual del directo Park Chan Wook. Una música muy adecuada al género de espías. Yeong-Wook es uno de los mejores compositores asiáticos.

La historia.

Estamos en 1979 en la Alemania occidental. Una bomba explota en la casa de un diplomático israelí. El sale ileso pero su hijo muere. Acto seguido conocemos a Martin Kurtz  (Michael Shannon ) quien propone al Mossad reunir rápidamente a un equipo para perseguir a los responsables. Se sabe que el acto terrorista ha sido perpetrado por Khalil. ¿Y cómo dar con él? A través de su hermano  Salim y su novia Anna, una activista europea. La operación acaba con la muerte de Salim pero no todo está perdido. Marty urde un astuto plan. Khalil nunca llegó a conocer a Anna, por lo que decide buscar a una joven que represente el papel de la terrorista. Para ello el agente Becker (Alexander Skarsgard) debe seducir a una joven actriz inglesa que frecuenta los ambientes de la izquierda radical, Charlie. En un viaje a Naxos de la compañía teatral en la que Charlie trabaja es captada por Becker. El juego del ratón y el gato acaba de comenzar. Charlie interpretará para el Mossad, nunca mejor dicho, el papel de su vida. El proceso de entrenamiento de la joven es de lo más interesante. Florence Pough, como decía antes en el apartado anterior, sobresale sobre los demás. Se come la pantalla. Becker, su «novio», será quien la transforme, le enseña técnicas de seducción, como se tiene que comportar ante Khalil, en definitiva Charlie interpreta a Anna. Charlie es Anna.

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Si esta parte de la serie es interesante pero ciertamente de un ritmo demasiado pausado la serie alcanza más dinamismo cuando nuestra protagonista llega al campamento terrorista. Vemos como el carácter de Charlie va cambiando, su toma de decisiones hace que la vida de ella o de otras personas pendan de un hilo pero ante todo es capaz  de mantener la tapadera. No contamos más para no hacer spoiler, la serie tiene varios giros y sorpresas que es mejor no destripar para que vosotros vayáis descubriendo.

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Valoración Final.

No es una serie que yo me atreva a recomendar a todo el mundo. Sobresaliente en muchos aspectos, sobre todo técnicos, adolece en ocasiones de un buen pulso narrativo siendo en ocasiones muy lenta, que no aburrida. Seis capítulos de una hora de duración aproximada que son en consecuencia nada maratoneables. Es una serie que hay que ir degustando como el buen vino. Tiene aroma a clásico, a cine de espionaje de los de antes, nada comparable a series que hemos visto recientemente como Bodyguard, Jack Ryan o Condor. Disfrútenla como buenos gourmets de la televisión. Series como esta ya no se hacen.

Un saludo y sed felices.

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Reseña de Las aventuras del Capitán América, centinela de la libertad de Panini Cómics

Muy buenas. Vuelvo con todos vosotros para traeros mi valoración sobre el último cómic que he leído. Hablamos de Las aventuras del Capitán América, de Fabian Nicieza y Kevin Maguire. Hay que decir para quien no lo sepa (aunque viendo la portada parece evidente) que esta historia es una especie de «Año Uno», se nos cuenta los orígenes del superhéroe de las barras y estrellas, un símbolo de la libertad frente a la lucha contra el nazismo. Sin más dilación comenzamos.

La moda del Año Uno.

En 1988 Frank Miller y David Mazzucchelli nos trajeron con Batman: Año Uno una nueva aproximación de los orígenes del personaje.  En Marvel aprovecharon el concepto del Año Uno al cumplirse el cincuenta aniversario del Capitán América. Del Capi ya nos habían contado el origen, primeramente como no por Stan Lee y Jack Kirby y posteriormente en marzo de 1981 “La leyenda viviente”, una historia autoconclusiva que se publicó en el Captain America nº 255 con portada de Frank Miller. Del guion se encargaba Roger Stern y del dibujo John Byrne. Curiosamente este fue el último número de esta dupla en la colección del supersoldado tras comenzar una breve pero exitosa etapa en el 247 que les llevaría hasta este 255.

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Como decíamos, en 1991 coincidiendo con el cincuenta aniversario de la génesis del personaje, Marvel decide volvernos a contar el nacimiento de una leyenda en una suerte de Año Uno. Para ello confían dicha labor en Fabian Nicieza como guionista y Kevin Maguire como dibujante, aunque este último hará también de cabeza pensante. En el magnífico prólogo de Julián M. Clemente se nos cuenta los entresijos de la concepción de la obra y como se hizo tan cuesta arriba a Maguire que tuvo que delegar por agotamiento en otros dos dibujantes como Kevin West y Steve Carr, quienes trataron de mantener el estilo. Para mí no hay apenas diferencia y la obra en su conjunto se mantiene uniforme.

Era físicamente incapaz de terminar. Llegué a un estado mental en el que probablemente nunca hubiera acabado el cómic”, explicó Maguire en Comics Scene #26 USA, de mayo de 1992. “Fue por mi culpa, pero me sirvió para aprender una valiosa lección: no te cargues con algo tan pesado, no pienses que algo va a ser lo más importante que vas a hacer nunca. Si no me hubieran quitado la serie, todavía seguiría trabajando en ella”.

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Capitán América. Centinela de la Libertad.

Menuda sorpresa me he llevado con este cómic. Estamos ante una compra obligada. Nicieza y Maguire bordan el origen del supersoldado, solo lamento no haber conocido antes esta obra. Si a ello le añadimos la cuidada y bonita presentación en tomo y con algunos extras interesantes no me queda más que recomendarlo.

Hay que decir que aunque nos llega en tomo, el mismo está dividido como fue concebido originalmente, en una miniserie de cuatro números. En el primero conoceremos al enclenque pero valeroso Steve Rogers. Paralelamente vamos conociendo  el Proyecto Renacimiento donde Steve será el elegido entre una terna. Nicieza y Maguire acababan cada número con un fantástico continuará, propio de los seriales de la época en la que está ambientada. En los siguientes números veremos las clásicas aventuras del héroe en su lucha contra el régimen nazi. Hará aparición su más famoso enemigo Craneo Rojo junto al Führer Adolf Hitler. Steve viajará a la Francia ocupada a luchar junto a la Resistencia. Tendrá aliados como el joven e impetuoso Bucky y la teniente Cinthia Glass, oficial adjunta al Proyecto Renacimiento. Cinthia será el personaje en el que se basarían para la creación de uno de los personajes secundarios más queridos del UCM, Peggy Carter.

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Valoración Final.

Es un pedazo de cómic. Aventuras, acción espionaje y romances en la II Guerra Mundial. Con un gran héroe, el Capitán América y grandes personajes como el Coronel James Fletcher que pese a su carácter recio y marcial será un buen y admirado jefe para Steve Rogers, o los ya comentados Bucky y Cindy Glass, un personaje muy jugoso en esta historia. Nicieza y Maguire crearon una obra para la posteridad del cómic americano, los orígenes de Capitán América. Ya se había contado y muy bien pero nunca con el apasionamiento de estos dos autores.

Sin más, un saludo y sed felices.

Autores: Steve Carr, Kevin Maguire, Fabian Nicieza. Número de páginas: 216 pp. Tamaño: 17X26. Contiene: The Adventures of Captain America, Sentinel Of Liberty 1-4 USA. Formato: Tomo en tapa dura. Interior: Color. ISBN: 9788491677925

Descripción

A comienzos de los noventa, Fabian Nicieza y Kevin Maguire llevaron a cabo una ambiciosa puesta al día de los orígenes del Capitán América, en una fabulosa miniserie en formato de lujo nunca antes reeditada en España.
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