A la espera del inminente tráiler de Daredevil Born Again, se acaban de publicar tres nuevas imágenes del propio hombre sin miedo, de Kingpin, Karen Page a máxima resolución. Y ojo, digo máxima resolución porque si pincháis en la imagen lo vais a ver en tamaño grande tanto el nuevo traje de Daredevil en Born Again «sin la doble D» como a su archienemigo Kingpin
Y estas imágenes son oficiales filtradas por Marvel Studios, ya sin las famosas marcas de agua y en máxima resolución.
La primera imagen es del nuevo traje de Daredevil en Born Again, y como dije antes sigue sin aparecer la doble D en el pecho. Esta imagen según filtra Disney corresponde al episodio seis de la temporada.
Las otras dos imágenes siguientes muestran a Vincent D’Onofrio como Wilson Fisk, también conocido como Kingpin y en la siguiente Matt Murdock con Karen Page.
¿Esto significa que el tráiler está cerca? Evidentemente ya que el estreno de la serie es el 4 de marzo y el tráiler debería salir este mes.
Os dejo ahora con las imágenes a toda resolución. Pinchad sobre ellas para verlas más grande.
Charlie Cox ha hablado sobre los planes descartados para Daredevil en Netflix:
«La tercera temporada había sido bien recibida y ya se habían puesto a trabajar en la cuarta»
«Me habían propuesto un arco argumental muy interesante para la temporada. Según tengo entendido, estaban muy volcados en romper esa temporada en la sala de guionistas y, de la noche a la mañana, desapareció.»
«Nunca pensé que volvería a ser una serie de televisión. Simplemente asumí que habíamos hecho eso, así que tal vez sería otra cosa»
«Así que me quedé de piedra cuando me dijeron en 2022 que íbamos a hacer una serie, pero también me emocioné. Es un gran medio para este personaje. Queda mucha historia por contar. Así que cuanto más tiempo tengamos para hacerlo, ¡mejor!».
Netflix ha querido empezar el año 2025 fuerte con Te echo de menos, una adaptación de la novela homónima del prolífico escritor estadounidense Harlan Coben. Al igual que ya sucedió el año pasado con Engaños (Fool me Once) , la plataforma de la N roja quiere atrapar al espectador con este drama lleno de intriga y giros en su trama, la firma inequívoca de su creador.
Te echo de menos es una miniserie de tan solo cinco episodios que está protagonizada por Rosalinda Eleazar como Kat Donovan, una agente de policía que investiga desapariciones; Ashley Walters como Josh, el prometido de Kat; Richard Armitage como Ellis, el superior de Kat; Jessica Plummer como Stacey, la amiga investigadora de Kat; y Oscar Kennedy como Brendan, un joven que denunciará la desaparición de su madre y cuyo caso llevará Kat.
Te echo de menos: una trama que se retuerce sobre ella misma.
Kat es una mujer policía que intenta sobrellevar lo mejor que puede su vida después del asesinato, hace once años, de su padre: un oficial de policía de renombre al que admiraba y amaba a partes iguales. A este trágico suceso se une la desaparición de Josh, el hombre con el que iba a casarse. Aunque, en realidad, más que desaparición fue un abandono sin dar explicaciones, algo que a Kat le ha costado superar.
Su vida parece estar encarrilada ahora. Centrada en su trabajo y en su madre, ella deja pasar los días intentando olvidar todo lo que le destrozó hace unos años y sabiendo que aún no ha sido capaz de pasar página.
Y justamente eso es lo que descubrirá cuando su mejor amiga Stacey le recomiende una aplicación de citas online y su sorpresa será enorme cuando en ella se encuentre con Josh. Como era de esperar, Kat contacta con él en un intento desesperado de volver a verlo. Pero lo que sucede es que acaba siendo bloqueada, algo que la deja aun más confundida.
Mientras tanto, el hombre que asesinó a su padre será ejecutado en unos días. Kat tiene muchas preguntas que hacerle y encuentra el modo de colarse en prisión para descubrir que se inculpó del crimen, pero no lo cometió. Sin duda un duro golpe para la mujer, que se encuentra con que el verdadero asesino de su padre sigue suelto en la calle.
Y a todo eso hay que sumar su trabajo. Brendan, un joven adolescente, se pone en contacto con ella para pedirle ayuda para encontrar a su madre, quien se ha ido de viaje con un hombre al que conoció por internet, en una aplicación para citas… Sí, puedes unir los puntos o sumar uno más uno, y la respuesta te llevará a que ese hombre es Josh.
Como te puedes imaginar, la vida de Kat ha cambiado a peor. En solo unas horas, los fantasmas de su pasado han regresado al presente mostrándose de un modo que jamás hubiera esperado. Las heridas a las que creía cerradas y sanadas han vuelto a abrirse trayéndole el dolor de aquellos días. Pero esta vez, Kat está dispuesta a obtener respuestas caiga quien caiga.
No es la mejor adaptación de las novelas de Harlan Coben.
Te echo de menos debe su título a la canción de John Waite de 1984. Una canción que Kat y Josh solían cantar cuando salían de fiesta con sus amigos. Aunque, en realidad la canción dice No te echo de menos en absoluto (I ain’t missing you at all) ; un juego de palabras para ocultar una realidad que resulta ser diferente a lo que se dice.
Algo que cuadra muy bien con las tramas de Harlan Coben y que aquí se vuelve a repetir. Está claro que si algo funciona ¿para qué cambiarlo? El problema es cuando se abusa tanto de él que acaba siendo un montón de clichés que se repiten en cada una de las series que adaptan las novelas del escritor estadounidense.
Con eso no quiero decir que Te echo de menos sea una mala serie, pero tampoco consigue destacar, por lo que se queda a medio camino entre un quiero y un no puedo. Algo que tienen siempre estas adaptaciones es la intriga y el misterio que te atrapa en los primeros minutos con una exposición de hechos que hace que quieras saber cómo continua esta historia. Aquí ya entran los gustos de cada uno, y como seguidora de este tipo de tramas tengo que decir que no me ha resultado tan atrapante como otras.
El espectador va a asistir a una investigación algo sosa y muy conveniente donde las pistas no se buscan, sino que ellas mismas saltan sobre la mesa. A esto se une el popurrí de las tres tramas que se mezcla de un modo poco creíble y eso hace que te cuestiones muchas cosas mientras estás viendo. Sin hablar de que muchos de los giros son previsibles y la sorpresa no existe.
Y el final de Te echo de menos no contribuye a que la miniserie remonte. Todo sucede de una manera precipitada y con muy poco desarrollo, como si tuvieran prisa por terminarla. De manera que te queda una sensación de que algo le falta. Todo queda resuelto y no hay opción a una continuación, pero sientes que una de las tramas (desde mi punto de vista la más interesante) se cierra sin más, y no pude evitar sentirme un poco decepcionada.
Toca repasar las series más esperadas de 2025. Si algo sabemos es que se van a estrenar decenas y decenas. En esta lista, aclaro, me he centrado en nuevas series. Así que no aparecen ni tercera temporada de Invencible ni la segunda de Separación, por poner un par de ejemplos. Llama la atención la cantidad de series que explotan mundos ya conocidos, lo que da una idea de que, probablemente, ha desaparecido la originalidad en el mundo televisivo.
Ha costado encontrar proyectos originales en esta lista de lo más esperado. Desarrollada por el creador de la magnífica Fargo y de la olvidada Legion, Alien: Planeta Tierra será una precuela de Alien: el octavo pasajero.
Concretamente, estará situada dos años antes de los acontecimientos que vimos en la obra maestra del cine de terror de 1979 y parece ser que se centrará en una invasión de los Alien al planeta Tierra. Timothy Olyphant (Justified, The mandalorian) será uno de los protagonistas de una serie que podremos ver en Disney + y que, por primera vez en la franquicia, no nos situará en el espacio.
It. Bienvenidos a Derry
Y otra precuela. Casi todos los implicados en el díptico de It vuelven para esta precuela producida por Max sobre la llegada de Pennywise al pueblo de Derry.
Así, Andy Muschietti y Jason Fuchs dirigen y escriben respectivamente y Bill Skarsgard, en el candelero para bien (Nosferatu) y para mal (El cuervo) regresa como el Payaso asesino en una serie que promete profundizar en la mitología del mítico villano creado por Stephen King.
El caballero de los siete reinos
Segundo spin off de Juego de Tronos tras La casa del dragón, El caballero de los siete reinos será una miniserie que adaptará los cuentos de Dunk y Egg, breves relatos escritos por George R.R. Martin y situados noventa años antes de los acontecimientos de Juego de Tronos.
Por lo tanto, a diferencia de La casa del dragón (que adapta un libro de historia desarrollado por Martin en colaboración con otros autores), El caballero de los siete reinos sí que adapta un relato de ficción cien por cien Martin, por lo que esperamos que la calidad del guión sea superior a la ofrecida por la decepcionante segunda temporada de La casa del dragón.
Además, El caballero de los siete reinos se centrará en los estamentos más bajos de la sociedad de Poniente, una de las grandes olvidadas de las series anteriores.
Peter Claffey será Dunk, un caballero de errante de origen humilde al que le acompaña Egg (Dexter Sol Ansell), un príncipe Targaryen de incógnito.
Duster
Con tanto Star Wars y Star Trek, a muchos se nos olvida que J.J. Abrams es una de las figuras fundamentales de la televisión del siglo XXI, ya que fue creador tanto de Alias como co-creador de Perdidos.
Ahora, tras la polémica Star Wars: El ascenso de Skywalker, regresa a una serie de Max con Rachel Hilson como una agente del FBI negra en la Estados Unidos de los 70 que se alía con un veterano y experto conductor interpretado por Josh Holloway, el guaperas de Perdidos.
Task
La miniserie de 2025 con el sello de calidad (ya perdido) de HBO.
Mark Ruffalo, que ya lo reventó con la espectacular La innegable verdad (con doble papel), regresa a Max interpretando a un agente del FBI que debe investigar a una comunidad asediada por las drogas. Al guión está Brad Ingelsby, creador de esa maravilla de 2021 llamada Mare of Easttown.
Por lo tanto, con Task esperamos un policíaco intenso y emocional que deje poso una vez finalizada.
Paradise
El creador de This is us, Dan Fogelman, cambiará radicalmente de tercio y se pasa al thriller político de alto nivel con Paradise.
Sterling K. Brown (también salió en This is us) es el jefe del servicio secreto de la Casa Blanca y se verá envuelto en una conspiración que comienza con el asesinato del presidente (James Marsden, el Cíclope de toda la vida).
El tráiler promete entretenimiento y tensión a raudales. Veremos en qué queda.
Érase una vez el Oeste
Da igual la época o el año, siempre apetece algo de western. Tras la estupenda Godless, Netflix regresa al género con una superproducción situada en un violento 1857, entre pioneros, indios, animales salvajes y mormones.
Dirige Peter Berg, todo un artesano del cine de acción (El último superviviente, La sombra del reino) que también ha hecho sus pinitos en televisión (Friday Night Lights o Ballers) y escribe Mark L. Smith, guionista de El renacido. Por el trailer, parece que veremos una violenta recreación de aquella época liderada por Taylor Kitsch (John Carter) o Shea Whigam (Misión Imposible: Sentencia mortal), entre otros.
Día cero
Uno de los primeros estrenos del año, con el que Netflix pretende dar la campanada, será Día Cero, thriller político en el que el gobierno estadounidense deberá hacer frente a un atentado devastador, privando de los derechos civiles a todo aquel que resulte sospechoso.
Lo más llamativo es que Día cero es la primera serie protagonizada por Robert De Niro, bien acompañado por Angela Bassett, Joan Allen, Matthew Modine o el gran Jesse Plemons, que nos aterró a todos en Civil War.
Un conflicto casi imposible protagonizado por Ricardo Darín, uno de los mejores actores del mundo. La serie, producida por Netflix, ha sido creada por Bruno Stagnaro, uno de los realizadores televisivos más grandes de Argentina. La calidad está asegurada.
Daredevil: Born Again
El miedo es palpable. Porque, cuanto más alto se está, más dura será la caída. No tengo ninguna fe en las series Marvel… pero es que es Daredevil, mi personaje favorito de la editorial. Un superhéroe que rozó la perfección con aquellas tres temporadas, aderezadas por la simpática The defenders, en Netflix allá por 2018.
Born Again es el título del cómic más importante en la historia del superhéroe y uno de los mejores de la historia, pero ya fue parcialmente adaptado en la tercera temporada, así que no tengo ni idea de qué nos deparará esta nueva aproximación creada por Dario Scardapane (creador de la notable The Punisher) en la que Daredevil deberá encontrar su tono y espacio tras sus apariciones en Spiderman: No way home y She-Hulk.
Regresan los carismáticos Charlie Cox (impensable otro Matt Murcock, Vincent D’Onofrio como Kingpin (en un enfoque bien distinto a la serie de Netflix) y Jon Bernthal como The Punisher. Por favor, que no anden con experimentos. Puede ser el pepinazo del año.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Ya casi estamos en 2025 y Nuevo Nueve Editores nos trae tres pedazo de títulos que tenemos que leer. Vamos a echarles un ojo a sus novedades previstas para este mes de enero.
Novedades de Nuevo Nueve de enero de 2025
Este primer mes del año, la editorial madrileña nos trae tres pedazo de títulos. Sinceramente, creo que tendríamos que comprar los tres. Pero como siempre … Debemos seleccionar uno de ellos.
Y nuestra elección es …
Criaturas 4.
«Mientras todo el equipo de supervivientes es arrojado al corazón de Yog-Sothoth para escapar de la infernal Nueva York de la divinidad oscura, ¡el abuelo y los niños descubren que han viajado en el tiempo! Así que aquí están de vuelta en la Gran Manzana… ¡pero en 1928!
La oportunidad de visitar a HP Lovecraft, el escritor que parece estar en el centro de todos los problemas del Jefe, Vanille y los demás… pero que también podría ser el terrible ‘Hombre del saco’…»
Tendremos disponible el final de este increíble serie, el próximo 15 de enero. Pinchad aquí para obtener más información de Criaturas 4.
Debo referir que esta serie me encanta. Tenemos reseña en la web de todas sus entregas:
Este miércoles 1 de enero se estrenó en cines de España Heretic (Hereje) (2024), la nueva película dirigida por Scott Beck y Bryan Woods (La casa del terror, 65), con un Hugh Grant antagónico y espeluznante. Religión y terror convergen en un único escenario opresivo que hará a sus protagonistas replantearse su profunda fe.
Tráiler de Heretic (Hereje) de Scott Beck y Bryan Woods
Las jóvenes misioneras Paxton (Chloe East) y Barnes (Sophie Thatcher) llaman de puerta en puerta a los vecinos de una pequeña localidad para tratar de captar creyentes, cuando uno de ellos las invita a pasar. El Sr. Reed (Hugh Grant) convierte su visita en un brutal juego del gato y el ratón durante una noche de tormenta.
Póster de Heretic (Hereje) de Scott Beck y Bryan Woods
Una cuestión de fe
El apuesto Hugh Grant, tan reconocido por comedias románticas británicas como Notting Hill(1999) o Cuatro bodas y un funeral(1994), queda muy lejos en esta película. Aquí el actor se pone el traje del mal, o más bien de lo macabro, pues sus intenciones no quedan del todo claras en ningún momento, para establecer una atmósfera cada vez más inquietante sobre unos personajes —a través de los cuales miramos— a los que les lleva una ventaja insondable.
Si la cuestión religiosa parece una mera excusa para aprisionar a las jóvenes caperucitas de la caridad en la morada del lobo, pronto se descubre como el elemento central de la narración sobre el que se construye la película. El Sr. Reed trata mediante juegos y acertijos constantes de poner entre la espada y la pared a las chicas para que se cuestionen los mecanismos y veracidad de las religiones, así como intenta con notoria insistencia dar respuesta a la pregunta sobre cuál es la religión verdadera.
En este juego tan típico del gato y el ratón, en que las intenciones de ellas son huir y las de él que no lo hagan, el humor aparece constantemente por las ocurrencias tan anticlimáticas de Grant: la comparación de las doctrinas religiosas con los juegos de mesa, la mención a Lana del Rey o la extraña encuesta sobre la franquicia de comida rápida preferida.
Todas estas salidas de tono tan abruptas y bien hilvanadas con el resto del discurso, no son más que trucos para confundir al espectador —recordemos, a la misma altura que las protagonistas— sobre los motivos que impulsan al misterioso antagonista, haciéndolo aún más terrorífico y enigmático: ¿terminará matando a las chicas o tan solo quiere sermonearlas? ¿Qué quiere realmente de ellas el Sr. Reed? La pregunta se resuelve poco a poco en un proceso paralelo al que el anfitrión orquesta para alcanzar sus objetivos.
Dentro de la opresiva situación en que la película nos sitúa, sin escapatoria aparente y bajo el control de un terrorífico Hugh Grant, aflora cierta reflexión sobre la religión y la fe que aporta una profundidad mayor. En un monólogo casi ininterrumpido, secundado además por «casos prácticos», el pintoresco Reed demuestra su saber teológico como si de una ponencia docente se tratase. Se podría decir que la película de Beck y Woods es una suerte de horrífica y filmada obra teatral que desmonta creencias al tiempo que mantiene una tensión casi palpable. Me recuerda en cierta forma a la interesante The Man from Earth(2007).
Víctima de su propia trampa
No obstante, como suele ocurrir en esta clase de películas en que protagonistas y espectador desconocen la mayor parte de la información y la tensión se construye en base a la incertidumbre, Heretic se desinfla en cierto punto y, aunque alcanza un final con moraleja bastante acorde a lo que venía planteando, llega a duras penas, como fatigada por unos compases anteriores carentes del músculo de sus primeros. La película, por querer sorprender, se pierde un poco hacia el fin del segundo acto cuando rompe el tono y la impostura asoma, derrumbando ligeramente el correcto castillo de naipes que venía levantando.
Conclusión
El éxito de Heretic (Hereje) en Estados Unidos no es para menos. Se trata de una película de terror que aborda la religión desde un prisma analítico e incisivo, que quizá los más dogmáticos rehúsen, sin dejar a un lado la tensión y malestar propios del género. Hugh Grant carga en sus espaldas la mayor parte de su peso con un personaje que, junto al Longlegs de Nicolas Cage, podría valorarse como el más inquietante e interesante del cine de terror de 2024.
En 2021 llegó a la plataforma de streaming Netflix una producción surcoreana que arrasó en internet, convirtiéndose en una de las más comentadas por los aficionados y en la serie más vista de la historia de la plataforma.
La primera temporada de El juego del calamar (Creada por Hwang Dong-hyuk ) nos cautivó con su historia original sobre juegos tradicionales infantiles surcoreanos transformados en una auténtica pesadilla para sus participantes. En el relato seguimos a Seong Gi-Hun (Lee Jung-jae), un padre adicto a las apuestas que, debido a su adicción, ha perdido grandes sumas de dinero y se encuentra profundamente endeudado con personas dispuestas a cobrarse esas deudas a cualquier precio.
Desesperado por su situación, recibe una invitación para participar en un juego a cambio de dinero. Obligado por la presión de sus deudas, acepta la oferta y, al entrar en el juego, descubre que no está solo: comparte la experiencia con otros 456 participantes que también buscan saldar sus propias deudas.
Lo que al principio parece un inocente juego infantil pronto se convierte en una pesadilla para todos, ya que implica la muerte de muchos de los participantes en su lucha por conseguir el dinero. Tras superar innumerables desafíos, nuestro protagonista regresa en esta segunda temporada con el objetivo de intentar detener los juegos.
Su funcionamiento como secuela
Considero que esta temporada no es perfecta ni mucho menos y presenta algunos fallos bastante evidentes. Sin embargo, a pesar de ello, sigue siendo una temporada muy buena. La serie toma todo lo que funcionó en su primera entrega y lo potencia en varias áreas en esta secuela. Esta temporada cuenta con más personajes secundarios, y cada uno de ellos está mejor desarrollado que en la anterior. Cada personaje tiene su propia historia y convicciones; ninguno se siente como una copia de alguien de la primera temporada. Todos poseen su propia esencia y aportan un nuevo entendimiento de los juegos para el protagonista.
Además, el elemento del suspense se eleva al máximo. En esta ocasión, se otorga mucha más relevancia a los nuevos personajes, y en cada juego se percibe un peligro constante para todos. Realmente se consigue la sensación de que nadie está a salvo y que cualquiera podría ser el siguiente jugador eliminado.
Quiero destacar especialmente el primer capítulo, donde hay escenas en dos juegos que transmiten una tensión máxima, acompañadas por una actuación magnífica de los actores implicados. Estas escenas mantienen al espectador al borde del asiento, sumido en la incertidumbre de cómo se resolverán los juegos.
El corazón de la serie
El juego del calamar no se caracteriza por ser una serie con los mejores personajes ni con una dirección ejemplar. Creo que su punto más fuerte reside en el uso de sus decorados, y en esta ocasión no se queda atrás. Exceptuando el juego de «Luz verde, luz roja», que es el único que se repite de la primera parte, los nuevos juegos destacan por su gran originalidad y continúan siendo el alma de la serie. Es fascinante ver como, aunque inicialmente presentados de forma inocente, los juegos se transforman rápidamente en un infierno.
Los juegos son la parte más entretenida de la serie y aunque el inicio puede resultar algo lento hasta que se llega a ellos, una vez alcanzado ese punto no hay vuelta atrás. La serie sigue creciendo a partir de sus juegos y de las dinámicas que generan entre los personajes.
Los fallos de la temporada
Aunque la serie es entretenida y una gran segunda parte, también cuenta con numerosos fallos. El primero de ellos es una de las subtramas, que se siente fuera de lugar y poco interesante. Aunque parece estar planteada más que nada para la siguiente temporada, esta subtrama no aporta nada significativo a la serie, y su eliminación no cambiaría el resultado final.
Otro de sus fallos son las incongruencias en el guion. Si bien se trata de un producto más comercial que no busca la perfección en este aspecto, hay ciertas incoherencias en las decisiones de los personajes que resultan fuera de lugar. Esto le resta mucho a la serie, ya que se trata de decisiones muy marcadas que parecen diseñadas únicamente para hacer avanzar la trama.
¿Un mal final?
Aunque no me gustaría entrar en detalles sobre el final, en las redes sociales se está debatiendo si se trata de un final malo o anticlimático. A mi parecer, el capítulo final no fue de mis favoritos y puede llegar a sentirse fuera de lugar. Sin embargo, el final de temporada supone el cierre de la evolución de los personajes a lo largo de esta entrega. Tras ese desenlace, ninguno de los personajes será el mismo en la siguiente temporada. Por ello, no considero que sea un mal final, sino más bien uno poco satisfactorio.
En conclusión, El juego del calamar sigue siendo una gran producción de Netflix que, pese a sus altibajos, mantiene un alto nivel y potencia sus virtudes al máximo. La segunda temporada de El juego del calamar demuestra cómo se debe hacer una continuación y cómo, incluso en superproducciones, se puede respetar una buena visión creativa, entregando un resultado final sólido.
La nueva edición de los Premios Globo de Oro tuvo como claros ganadores en las categorías de cine a Emilia Pérez y The Brutalist, así como en tv y streaming a Shogun. Adrien Brody, Colin Farrell, Jodie Foster, Demi Moore, Zoe Saldaña, Sebastian Stan y la brasileña Fernanda Torres, entre otros, fueron premiados en las distintas categorías actorales.
En el hotel Beverly Hilton de Los Angeles y ya en horas de madrugada para España, tuvo lugar la 82° entrega de los Premios Globo de Oro, ceremonia que fue conducida por la comediante Nikki Glaser, primera mujer en hacerlo en solitario desde que fuera instituido el preciado galardón al que muchos consideran antesala del Oscar.
Dwayne Johnson y Auli’i Cravalho fueron los encargados de anunciar el primer premio de la noche que correspondió a la categoría mejor actriz de reparto en cine. Sonó raro (que no es igual que decir no merecido) que las dos primeras nominadas en ser mencionadas fueran Selena Gomezy Ariana Grande, ambas procedentes del mundo de la canción, aunque la estatuilla correspondió finalmente a Zoe Saldaña, premio controversial por haber gran consenso en que su rol en la película Emilia Pérez no es de reparto sino principal.
Emilia Pérez, comedia musical francesa dirigida por Jacques Audiard, fue el filme más ganador al quedarse con cuatro estatuillas en las categorías de película en comedia o musical, película en lengua no inglesa, actriz de reparto y canción original. El segundo lugar en cantidad de premios correspondió a The Brutalist, drama histórico de tres horas y media de duración dirigido por Brady Corbet que salió airoso como película dramática, al igual que en dirección y actor principal.
Por su parte Shogun, serie de época la cual pueden leer en esta web los análisis de mi compañero Pedro, resultó la gran vencedora en tv y streaming al quedarse con las cuatro categorías en que estaba nominada: serie dramática, actor principal, actriz principal y actor de reparto.
Adrien Brodyresultó ganador como mejor actor en drama para cine por su papel en The Brutalist, significándole ello su primer Globo de Oro, ya que no lo había obtenido en su anterior y única nominación porEl Pianista (2002), que sí le valió un Oscar. La particular coincidencia es que se lo termina llevando por interpretar también a un sobreviviente del holocausto.
Demi Moore, con cuarenta y cinco años de carrera, se quedó con su primer premio en actuación al imponerse como actriz en comedia o musical por su rol en La Sustancia. Visiblemente conmovida, pronunció un emotivo discurso reconociendo haber pensado que su carrera estaba definitivamente sepultada y recordando cuando los productores la tildaban de actriz ligera y sin profundidad.
Sebastian Stan, conocido por los fans de Marvel por interpretar al Soldado de Invierno y que había sido ya el año pasado nominado por Pam & Tommy, se alzó con el premio a mejor actuación masculina en comedia o musical por su papel en Un Hombre Diferente, en tanto que la brasileña Fernanda Torres dio la sorpresa al imponerse como mejor actriz de drama en cine por sobre pesos pesados como Nicole Kidman, Tilda Swinton, Kate Winslet o Angelina Jolie.
En la categoría de película animada, el premio correspondió a Flow, triple coproducción letona, francesa y belga que tiene la particularidad de no incluir diálogos, sino solo onomatopeyas. El Mal, de la película Emilia Pérez, fue elegida como mejor canción, en tanto que el músico Trent Reznor, cerebro y líder de la excelente banda Nine Inch Nails, resultó galardonado junto a Atticus Ross por la banda sonora de Desafiantes, siendo para la dupla el segundo Globo de Oro en su haber, además de tener otros tantos Oscar.
En fin, vamos al listado, indicando en negrita el ganador o la ganadora en cada categoría…
CINE
Mejor película – Drama
The Brutalist Un completo desconocido Cónclave
Dune: Parte Dos
Nickel Boys September 5
Mejor Película – Musical o comedia
Un Dolor Real Anora Emilia Pérez Desafiantes Wicked La Sustancia
Mejor Película de Animación
Flow Del Revés 2 Memoir of a Snail Moana 2 Wallace & Gromit: La venganza se sirve con plumas Robot Salvaje
Logro de Taquilla
Alien: Romulus Beetlejuice, Beetlejuice Deadpool & Wolverine Gladiator II Del Revés 2 Wicked
Mejor Película en Lengua no Inglesa All We Imagine as Light – (EE.UU., Francia, India) Emilia Pérez (Francia) I’m Still Here (Brasil) The Girl With The Needle (Polonia, Suecia, Dinamarca) The Seed of The Sacred Fig (Estados Unidos, Alemania) Vermiglio (Italia)
Mejor Actuación Femenina – Drama
Pamela Anderson (The Last Showgirl) Angelina Jolie (Maria) Nicole Kidman (Babygirl) Tilda Swinton (La habitación de al lado) Fernanda Torres (I’m Still Here) Kate Winslet (Lee)
Mejor Actuación Masculina – Drama
Adrien Brody (The Brutalist) Timothée Chalamet (Un completo desconocido) Daniel Craig (Queer) Colman Domingo (Sing Sing) Ralph Fiennes (Cónclave) Sebastian Stan (El aprendiz)
Mejor Actuación Femenina – Musical o Comedia
Amy Adams (Canina) Cynthia Erivo (Wicked) Karla Sofía Gascón (Emilia Pérez) Mikey Madison (Anora) Demi Moore (La Sustancia) Zendaya (Desafiantes)
Mejor Actuación Masculina – Musical o Comedia
Jesse Eisenberg (Un dolor real) Hugh Grant (Hereje) Gabriel LaBelle (Saturday Night) Jesse Plemons (Tipos de Gentileza) Glen Powell (Hit Man) Sebastian Stan (Un hombre diferente)
Mejor Actriz de Reparto
Zoe Saldaña (Emilia Pérez) Ariana Grande (Wicked) Felicity Jones (The Brutalist) Margaret Qualley (La Sustancia) Selena Gomez (Emilia Pérez) Isabella Rosellini (Cónclave)
Mejor Actor de Reparto
Yura Borisov (Anora) Kieran Culkin (Un dolor real) Edward Norton (Un completo desconocido) Guy Pearce (The Brutalist) Jeremy Strong (El aprendiz) Denzel Washington (Gladiator II)
Mejor Dirección
Jacques Audiard (Emilia Pérez) Sean Baker (Anora) Edward Berger (Cónclave) Brady Corbet (The Brutalist) Coralie Fargeat (La Sustancia) Payal Kapadia (All We Imagine as Light)
Mejor Guion
Emilia Pérez, Jacques Audiard Anora, Sean Baker The Brutalist, Brady Corbet, Mona Fastvold Un Dolor Real, Jesse Eisenberg La Sustancia, Coralie Fargeat Cónclave, Peter Straughan
Mejor Banda sonora Original Cónclave The Brutalist Robot Salvaje Emilia Pérez Desafiantes Dune: Parte Dos
Mejor Canción Original
“Beautiful That Way” (The Last Showgirl)
“Compress/Repress” (Desafiantes) “El Mal” (Emilia Pérez)
“Forbidden Road” (Better Man)
“Kiss the Sky” (Robot Salvaje)
“Mi Camino” (Emilia Pérez)
TV – STREAMING
Mejor Serie de Televisión – Drama
El Chacal La Diplomática Mr. and Mrs. Smith Shogun Slow Horses El Juego del Calamar
Mejor Serie de Televisión – Musical o Comedia
Abbott Elementary The Bear The Gentlemen Hacks Nadie quiere esto Only Murders in the Building
Mejor Miniserie
Mi Reno de Peluche Disclaimer Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez El Pingüino Ripley True Detective: Noche Polar
Mejor Actriz – Drama
Kathy Bates (Matlock) Emma D’Arcy (La Casa del Dragón) Maya Erskine (Mr. and Mrs. Smith) Keira Knightley (Palomas Negras) Keri Russell (La Diplomática) Anna Sawai (Shogun)
Mejor Actor – Drama
Donald Glover (Mr. & Mrs. Smith) Jake Gyllenhaal (Se presume inocente) Gary Oldman (Slow Horses) Eddie Redmayne (El Chacal) Hiroyuki Sanada (Shogun) Billy Bob Thorton (Landman)
Mejor Actriz – Musical o Comedia
Kristen Bell (Nadie quiere esto) Quinta Brunson (Abbott Elementary) Ayo Edebiri (The Bear) Selena Gomez (Solo Asesinatos en el Edificio) Kathryn Hahn (Agatha en todas partes) Jean Smart (Hacks)
Mejor Actor – Musical o Comedia
Adam Brody (Nadie quiere esto) Ted Danson (Un Hombre Infiltrado) Steve Martin (Solo Asesinatos en el Edificio) Jason Segel (Shrinking) Martin Short (Solo Asesinatos en el Edificio) Jeremy Allen White (The Bear)
Mejor Actriz en Miniserie
Cate Blanchett (Disclaimer) Jodie Foster (True Detective: Noche Polar) Cristin Milioti (El Pingüino) Sofía Vergara (Griselda) Naomi Watts (Feud: Capote vs. the Swans) Kate Winslet (El Régimen)
Mejor Actor en Miniserie
Colin Farrell (El Pingüino) Richard Gadd (Bebé Reno) Kevin Kline (Disclaimer) Cooper Koch (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez) Ewan McGregor (Un Caballero en Moscú) Andrew Scott (Ripley)
Mejor Actriz de Reparto
Liza Colón-Zayas (The Bear) Hannah Einbinder (Hacks) Dakota Fanning (Ripley) Jessica Gunning (Bebé Reno) Allison Janney (La Diplomática) Kali Reis (True Detective: Night Country)
Mejor Actor de Reparto
Tadanobu Asano (Shogun) Javier Bardem (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez) Harrison Ford (Shrinking) Jack Lowden (Slow Horses) Diego Luna (La Máquina) Ebon Moss-Bachrach (The Bear)
Mejor Actuación en Comedia de Stand-Up
Jamie Foxx (Jamie Foxx: What Had Happened Was) Nikki Glaser (Nikki Glaser: Someday You’ll Die) Seth Meyers (Seth Meyers: Dead Man Walking) Adam Sandler (Adam Sandler: Love You) Ali Wong (Ali Wong: Single Lady) Ramy Youssef (Ramy Youssef: More Feelings)
Y eso es todo de momento. Nos encontramos el próximo mes para conocer las nominaciones a los Premios Oscar. Hasta entonces y sean felices…
En el primer retro-análisis del año hacemos repaso de 10.000 a.C. (2008), aventura prehistórica dirigida por Roland Emmerich que se pierde en su propio viaje y termina por no llegar a destino ni dar lo que propone.
Bienvenidos sean a un nuevo retro-análisis, primero de 2025. Y dado que el año pasado iniciamos con una película ambientada en la prehistoria, este año comenzamos con otra en la misma línea, como lo es 10.000 a.C. (2008), dirigida por Roland Emmerich. Y aunque no soy supersticioso ni creo en cábalas, espero que sirva de buen augurio ya que 2024 ha sido un gran año para esta sección a la que hemos logrado dar continuidad y regularidad, siendo publicados cuarenta y nueve retro-análisis en el transcurso del mismo, lo que significa casi uno por domingo y, por lo tanto, nos pone felices.
Roland Emmerich es un director alemán que, aunque formado en su país, siempre se caracterizó, por rodar en inglés para llegar a más gente. Gracias a su éxito en video hogareño, Estación Lunar 44 le permitió ser conocido por la industria de Hollywood y, primero bajo auspicios de Mario Kassar y luego de Michael Bay, desarrollar allí una carrera con resonantes éxitos de taquilla como Soldado Universal (1992), Stargate (1994), Independence Day (1996),El Patriota (2000), El Día de Mañana (2004) o la que hoy nos ocupa: 10.000 a.C.
Por lo general, sus películas transitan la ciencia ficción, el cine catástrofe o el drama histórico, casi siempre con personajes bien lineales y un empalagoso discurso patriótico (o más bien patriotero), difícil de entender cuando ni siquiera nació en Estados Unidos. Pero bueno: por algo será amigo de Michael Bay…
Emmerich gusta mucho de poner la bandera en primer plano o de dar al presidente de Estados Unidos un importante y activo rol ante invasiones o desastres naturales. Pero claro: 10.000 a.C es una película que versa sobre la prehistoria y allí no puede hacer nada de eso…
La idea de hacer una película que transcurriera en esa etapa de la humanidad cuadraba en el amor que Emmerich decía sentir por En Busca del Fuego (Jean-Jacques Annaud, 1981), filme referente si los hay dentro de lo que podríamos llamar “cine prehistórico”. En un principio fue Columbia Pictures quien dio luz verde pero se desligó luego por problemas de agenda y el proyecto acabó en manos de Warner.
El guion corrió por cuenta del propio Emmerich en colaboración con Harald Kloser, compositor austríaco también migrado a Hollywood que además tenía a su cargo la banda sonora, como antes había tenido la de El Día de Mañana. Si Emmerich le invitó a coescribir el guion fue porque justamente le gustaron algunos de sus aportes y sugerencias para dicho filme.
En cuanto a los actores, el director (muy afecto a los elencos corales) no quería en esta oportunidad nombres demasiado conocidos para que no distrajeran al público o lo sacasen de época.
Steven Strait no era, de hecho, ninguna celebridad a pesar de tener una cierta carrera en teatro y haber trabajado como modelo publicitario para prestigiosas marcas como Dolce & Gabbana. En cine, había hecho su debut en la película de DisneySky High(2005) y tenido papeles en la cinta de terrorLa Alianza del Mal(2006) o en el drama policial Asuntos de Familia (2009). Pero no era alguien demasiado conocido para el gran público y a lo sumo estaba sindicado como muchacho guapo y atractivo.
En cuanto a Camilla Belle, su camino previo al filme tiene muchos puntos de contacto con el de Strait. No solo había nacido en el mismo año (1986), sino que además había sido modelo publicitaria, tenido su debut cinematográfico en una película de Disney (en su caso Volver a Hawaii, de 2000) y pasado por el cine de terror (Cuando un Extraño llama, de 2006), pero su actuación más elogiada la tuvo componiendo a una chica sordomuda en El Silencio (2006). No obstante ello, tampoco era una figura de renombre…
La fotografía corrió a cargo de otro europeo emigrado como lo es el suizo Ueli Steiger, quien ya tenía reputación por sus trabajos en la comedia juvenil Some Girls (1988) o en el thriller Labios Ardientes (1990), e incluso a las órdenes del propio Emmerich en la antes mencionada El Día después de Mañana o en el remake de Godzilla (1998).
El rodaje se realizó en cuatro países y tres continentes diferentes. La idea de Emmerich era filmar todo en África, particularmente en Namibia y Sudáfrica, pero ciertos problemas con los permisos para las tomas aéreas desde helicópteros hicieron que algunas partes debieran ser rodadas en Nueva Zelanda y Tailandia. La película llegó a los cines estadounidenses el 5 de marzo de 2008.
Pero en fin, veamos de qué iba la historia y, por si les interesa, les dejo link con otros retro-análisis a cargo de un servidor sobre filmes ambientados en la prehistoria…
“Solo el tiempo puede separar la verdad de la leyenda”. Con esa frase en off a cargo de Omar Sharif (que, contrariamente, nos deja pensando si no será al revés), se inicia una película que nos cuenta la historia de los Yagahl, tribu de cazadores-recolectores nómades liderados por un tal Tic’Tic (Cliff Curtis), a quien cabe el honor de portar la Lanza Blanca por ostentar el título de “gran cazador”.
Una anciana a la que identifican como Vieja Madre (Mona Hammond) tiene una visión profética en la cual, después de la Última Cacería (sí, suena a Spider-Man, pero viene a ser algo así como la jubilación de Tic’Tic), habrá un nuevo líder que guiará a la tribu hacia otras tierras, ayudándoles a escapar del hambre que, por ausencia de mamuts, vienen sufriendo (no se nota demasiado)…
También dice que este les guiará en la lucha contra los “demonios de cuatro patas”, a quienes aún nadie ha visto, pero son responsables de haber masacrado completa a una tribu, cuya única sobreviviente es una niña de intensos ojos azules que ha sido criada por los yagahl y que está, según la anciana, destinada a ser esposa del nuevo líder.
Vemos luego a la niña ya siendo toda una muchacha y respondiendo al nombre de Evolet (Camilla Belle). Desde la infancia se atraen mutuamente con un joven cazador llamado D’Leh (Steven Strait), quien, de cara a la Última Cacería, compite con Ka’ren (Mo Zinal) por ser el nuevo portador de la Lanza Blanca, aunque a decir verdad parece más interesado el segundo que el primero.
Básicamente se trata de dar caza a una manada de mamuts, los cuales han vuelto a aparecer, pero básicamente a su “manak” o líder. D´Leh es quien logra esto último, ganándose así el respeto de la tribu, como también la Lanza Blanca y el derecho a tomar por esposa a quien quiera, aunque está descontado que será Evolet.
Internamente, sin embargo, sabe que no le cupo gran hazaña porque el animal, simplemente, cayó sobre su lanza. Sintiendo culpa, decide pues en la noche regresar a Tic´Tic la Lanza Blanca mientras Evolet, enterada, lo toma como desprecio porque de ese modo no solo renuncia a su liderazgo, sino también a ella.
La profecía parece haberse roto y los Yagahl estar a merced de la inminente llegada de los “demonios de cuatro patas”, básicamente jinetes que lucen mezcla de cosacos, tártaros y mongoles, los cuales asolan el campamento dejando un tendal de muertos, capturando esclavos y muy especialmente a Evolet, a quien el líder se lleva atada a su caballo ante la mortificada mirada de D´Leh, que nada puede hacer.
Sin embargo y una vez que los atacantes se han ido, D´Leh se une con Tic´Tic, Ka´ren y un niño llamado Baku para iniciar un viaje en pos de encontrar y rescatar a Evolet, lo cual hacen siguiendo pistas que, cual Gretel, ella les va dejando (¿no era más fácil seguir las pisadas o las bostas de los caballos?). De ese modo, recorrerán los más variados paisajes (literal) entrando en contacto con peligrosas criaturas prehistóricas y extrañas tribus por ellos desconocidas…
Un Viaje Anacrónico y a Puro Cliché
Por regla general no escrita, las películas sobre la prehistoria lo son también de viajes. Y si bien es cierto que en ese tipo de sociedades era muy poco probable que individuos o pequeños grupos se separasen del resto (cuando lo hacían, era en grupos de aproximadamente treinta), todo se puede dar con una buena excusa argumental: en la ya mencionada En Busca del Fuego, el trío principal era desterrado por (supuestamente) haber dejado apagar la llama del clan. En Hace un Millón de Años, el protagonista quedaba aislado por un terremoto. Y enAlpha (2018) , un joven cazador corría idéntica suerte tras caer por un barranco y darle los suyos por muerto.
Aquí no hay ninguna buena excusa. Que un puñado de personas se desprendiera del resto como grupo comando en misión de rescate es tan inverosímil que mueve a risa. Y aun si su objetivo final fuera restablecer la profecía, se termina pareciendo a una de esas historias de viajes en el tiempo en que hay que restablecer la línea temporal, lo cual, sin subestimar a nadie, suena a ejercicio de lógica algo complejo para nómadas del mesolítico.
El viaje es en sí mismo muy extraño y cuesta delinearlo en un mapa. Los paisajes van desde montañas nevadas hasta junglas, sabanas y desiertos, todo sin solución de continuidad y cambiando abruptamente de uno a otro. La sensación final es que el grupo de cazadores hubiera viajado a pie desde los Montes Urales hasta el Kalahari, ¿pero cuántos meses o años de caminata requiere eso y qué tan probable sería encontrar a Evolet entera y aún virgen transcurrido ese tiempo?
La fauna, con sus infaltables mamuts y tigres dientes de sable, luce en general bastante acorde al período. Más dudosos son los emúes gigantes y carnívoros que atacan al grupo en los pantanos y que parecen lucir como forusrácidos que, según tengo entendido, solo habitaron en el continente americano y llevarían siete u ocho mil años de extinguidos para el tiempo en que se desarrolla la película.
Y ya que estamos con los anacronismos, las viviendas de los yagahl se ven demasiado evolucionadas y poco prácticas para un pueblo nómade que acampa hoy aquí y mañana allá. Tampoco sus vestimentas cuadran demasiado y mucho menos los peinados, con esos dreadlocks y extensiones tan cool. Eso sin hablar de los rasgos suaves y delicados, los cuerpos lustrosos o los lampiños pectorales de gimnasio.
A diferencia de la mayoría de las películas de género prehistórico, aquí nadie se tomó el trabajo de inventar un idioma, aunque más no sea uno simple y gutural: los yagahl hablan un inglés tan perfecto que deleitaría a cualquier profesora añosa y doctorada en Shakespeare. Y ni hablar de sus giros y expresiones: esa frase tan poética en off del principio está dicha supuestamente por uno de ellos sin olvidar que D´Leh es capaz de decir con absoluta naturalidad “soy más viejo de lo que parezco”…
Los caballos que montan los esclavistas lucen bastante actuales (además de que faltaban siete mil años para la domesticación de dicho animal) y tampoco cuadran mucho sus embarcaciones a vela con aparejos y jarcias. Para quitarse el problema de encima, se nos dice que hay quienes afirman que vinieron de las estrellas o de una tierra que se hundió allende el mar.
Son además constructores de pirámides y esclavizan a los pueblos que subyugan (¿eso no lo vimos ya en Stargate?), por lo cual D´Leh unirá a los oprimidos de diferentes etnias en contra de ellos, lugar común manido si los hay y muy querido por el director, que echó mano de ese recurso no solo en Stargate, sino también en los bodrios patrioteros Independence Day o (valga la redundancia) El Patriota. Y como hemos dicho antes, si no nos pone esta vez la bandera de Estados Unidos en la cara es porque el contexto de época no se lo permite (estoy seguro que habrá buscado la forma sin encontrarla).
Ahora bien, ¿no están también plagadas de anacronismos e imprecisiones geográficas las otras películas sobre la prehistoria? Sí, todas y cada una: incluso En Busca del Fuego, en menor medida, tiene sus baches al respecto. Pero tanto en esa película como en Hace un Millón de Años (1966), El Clan del Oso Cavernario (1986), Alpha (2018) o Entre las Sombras (2022), hay de fondo una historia que en mayor o menor medida divierte y entretiene. Y los anacronismos de Hace un Millón de Años tenían como únicos objetivos hacer convivir a humanos con dinosaurios y mostrar a Raquel Welch en bikini de cuero. Misión cumplida…
Aquí nada conduce a nada y la historia peca de lo que nunca debería pecar una película que pretende combinar épica, romance y aventura: ser aburrida. Los personajes están toscamente delineados, siendo lisos y sin desarrollo, a lo que tampoco contribuye lo acartonado de las actuaciones, incluidos Camila Belle, que tiene un potencial mucho mayor, o Steven Strait, a quien veremos bastante mejor años después en la excelente serie The Expanse, de la cual pueden leer aquí nuestros análisis.
Los diálogos son igualmente inconducentes. Quien piense que una película ambientada en la prehistoria no requiere de buenos diálogos está equivocado; muy por el contrario, esa etapa de la humanidad constituye todo un desafío para un guionista, pues el público debe captar y entender los sentimientos, móviles y conflictos de los protagonistas sin entender palabra del idioma que hablan. Y en este caso, encima, hablan inglés pero no conducen a nada. Emmerich manifestó quererlo así para que el espectador asumiera un mayor compromiso emocional, pero nada más lejano…
Y si los diálogos no conducen a nada, ciertas situaciones de la trama tampoco. Sobre el comienzo se plantea una competencia o conflicto entre D’ Leh y Ka´ren que pinta importante, pero no se vuelve a explorar. Y hacia la mitad hay un momento algo bíblico en el que D’ Leh libera y salva la vida a un tigre dientes de sable que, en devolución de favor, le perdona la suya propia…
Tiene algo de parábola del León de San Marcos y parece haber cierta conexión entre humano y felino, pero de todos modos no importa porque ese vínculo queda al poco tiempo prácticamente olvidado en la trama, salvo porque una tribu llamada Naku tiene una profecía (aquí todos tienen una) sobre alguien que llegaría un día para salvarlos y sería capaz de comunicarse con “diente de lanza”, tal el nombre que dan al tigre dientes de sable.
En Conclusión
A pesar de haber tenido un buen desempeño en taquilla, 10.000 a. C tuvo una pobre recepción por parte de los críticos, algo casi inherente a toda la carrera de Roland Emmerich, quien siempre tuvo perfectamente en claro que no hace las películas ni para ellos ni para los científicos.
Pero no deja de ser válido preguntarse cuál era el sentido de ubicar esta historia en el tiempo a que hace referencia el título y si no hubiera sido mucho mejor llevarla algunos miles de años adelante, pues lo único que justifica el contexto prehistórico es la presencia de mamuts y tigres dientes de sable que ni siquiera terminan siendo sustanciales a la trama.
Por mucho que Emmerich diga amar En Busca del Fuego, su película es más bien un pastiche que puede remitir a Conan el Bárbaro, a El Guerrero Número Trece o incluso a El Señor de los Anillos, pero sin tener las virtudes de ninguna (y si les sorprende mi alusión a la trilogía de Peter Jackson, presten atención a las prácticamente idénticas tomas aéreas del grupo caminando por las montañas).
Sumémosle diálogos sin sentido, personajes sin profundidad, actuaciones que no quedan en la memoria y los típicos clichés del director repetidos hasta el hartazgo, como la arenga “emotiva” con música de fondo o las cámaras lentas en contexto de batalla. En los papeles, 10.000 a. C. era una propuesta que prometía, pero a la larga termina fallando en lo principal, que es entretener y divertir, dos requisitos absolutamente esenciales en cualquier aventura prehistórica que se precie.
Y si le pongo dos estrellas en lugar de una, es por la bella fotografía de Steiger, por la hermosa música de Kloser (superior en épica y emoción a las escenas a las que hace fondo) y por el conmovedor plus de escuchar en off la voz de una leyenda como el ya desaparecido Omar Sharif.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos El Zorro Regresa de entre los muertos. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
El Zorro Regresa de entre los muertos, un buen cómic que gustará a la mayoría
Sean Murphy es un genio. Y creo que es actualmente uno de los mejores dibujantes de cómic del mundo. Y de verdad que lo digo honestamente, sin tapujos, independiente del cómics que haga. Y en este El Zorro Regresa de entre los muertos lo vuelve a demostrar, con un arte en sus lápices que no decae. Todo lo que hace este señor, todo lo que hace Sean Murphy es maravilloso. Es como el rey Midas, todo lo que toca es oro.
En este artículo estáis viendo la reproducción de algunas páginas del cómic. Como podéis ver su arte es esplendoroso. Sólo con abrir el cómic y poder ver estas composiciones ya merece la pena su adquisición. El guion es más normal, un argumento estándar, que sin llegar a ser malo, pero si podemos decir que es la parte más floja del tomo, sin lugar a dudas. Por ejemplo, el color recae en Simon Gough, que también confiere al cómic un lugar en el Olimpo del cómic. Y es que cuando estaba haciendo este artículo me he ojeado Tokyo Ghost, otra obra anterior de Sean Murphy, y si se nota la evolución del autor… y del color.
Y por cierto, recomiendo Tokyo Ghost, una gran obra con Remender a los guiones y Murphy a los lápices. Pero también destacar el empleo del color en El zorro. Y es que aunque siempre hablamos bien de Murphy, el color de Simon Gough le da más contexto que otras obras anteriores. Bien por el colorista que se come a otros autores como a Hollingsworth en Tokyo Ghost.
Pero parece claro que aunque Murphy es un magnífico (y me quedo corto) dibujante, y un correcto guionista, sus mejores obras salen cuando tiene a un escriba, un buen escritor al otro lado. Ya se que muchos me estaréis diciendo, pero Mario ¿que pasa con El caballero blanco? Y es verdad. Sobre todo la primera serie es muy buena, pero es que creo que parte de una buena idea a la que le puede faltar algo de fuerza en los diálogos, y en la implantación del entorno. Y esto es un poco lo que le puede faltar a El Zorro Regresa de entre los muertos, es un buen cómic con un guion correcto y un dibujo digno de estar en el Museo del Prado, pero sigo pensando que con un guionista como Rick Remender, con el que ya trabajó en el pasado, estaríamos hablando de una obra maestra.
En resumen (para el primer cómic de la semana del año), El Zorro Regresa de entre los muertos es un cómic sobre todo para los amantes del dibujo. El cómic se compone de guion y dibujo, eso sin contar con el color o el entintando, claro está. Pero lo que puedo decir es que el dibujo es de sobresaliente y el guion de aprobado. Para mi es un cómic que debería estar expuesto en las estanterías, porque sólo con ver la composición de las páginas ya te alegra el resto del día. Pero si eres de los que sólo buscan un guion complejo con giros argumentales, olvídate de este cómic.
SEAN MURPHY OBRA SU MAGIA Y REVIVE DE LA MEJOR DE LAS FORMAS AL POPULAR JUSTICIERO DE LAS NOVELAS PULP Y LA TELEVISIÓN
Diego está convencido de que es El Zorro. De niño, fue testigo del asesinato de sus padres a manos del cártel de drogas, liderado por El Rojo, que controla su pueblo de La Vega. Desde entonces, el trauma ha llevado su mente a un pasado en el que él es El Zorro, y consecuentemente se ha entrenado en la lucha con la espada y la equitación. Habilidades que le serán necesarias para liberar La Vega y vengar a sus padres plantando cara al villano conocido como El Rojo.
Sean Gordon Murphy revive al clásico justiciero de la California mexicana en una aventura dibujada con sus espectaculares lápices y el evocador color de Simon Gough.
La Navidad es un momento de alegría y paz que, en muchas ocasiones, nos invita a redescubrir nuestras películas favoritas, aquellas que nos dejan con un buen sabor de boca y que disfrutamos en familia. Sin embargo, hay muchas películas ambientadas en Navidad que no necesariamente abordan los temas habituales de este tipo de cintas. Aunque se alejen del canon tradicional de las películas navideñas, todas son excelentes opciones que merecen ser vistas en estas fechas.
Iron Man 3
Aunque a menudo pasa desapercibida debido a su relativa poca popularidad entre los seguidores de Marvel, esta película marcó la primera vez que una cinta del MCU se ambientó en la época navideña.
Se trata del cierre de la trilogía de Iron Man. En esta entrega, retomamos la historia de Tony Stark, quien, tras la batalla de Nueva York junto a los Vengadores, debe enfrentarse a las secuelas tanto físicas como psicológicas. Al mismo tiempo, un nuevo enemigo amenaza su vida y la de sus seres queridos, obligándole a abandonar todos sus lujos mientras se enfrenta también a viejos conocidos que vuelven a complicarle la existencia.
Aunque no es ni la mejor película del género ni la mejor de la trilogía de Iron Man, sigue siendo una cinta con mucha personalidad que logra entretener de principio a fin. Además, es innegable que el carisma de Robert Downey Jr.. es, en muchas ocasiones, suficiente para mantenernos pegados a la pantalla.
Batman Regresa
Siguiendo con la línea de los superhéroes, nos encontramos con uno de los mayores clásicos del género. La película de 1989 marcó un antes y un después para el cine de superhéroes. Ambientada cerca de las fechas navideñas, aunque la trama no gira en torno a esta festividad, su presencia se hace notar en los decorados y en la atmósfera que envuelve a la ciudad.
La historia nos presenta a Bruce Wayne, quien, años después de los acontecimientos de la primera película, vuelve a enfundarse el traje de Batman. Esta vez, Gotham y sus altas esferas políticas se encuentran amenazadas por el Pingüino, el nuevo villano de la ciudad, que junto a otros personajes pondrá en jaque al Caballero Oscuro.
Batman regresa no sigue los elementos típicos de las historias navideñas, ni siquiera se ajusta del todo a los convencionalismos del género de superhéroes, lo que la convierte en una obra única. Su estilo propio y su increíble estética hacen que merezca la pena revisitarla, tanto por lo que representa para el género como por su impecable realización.
Spencer
Aunque Spencer no sea una película tan conocida, considero que merece una mención en esta lista. En esta ocasión, la Navidad juega un papel importante en la trama, siendo el punto de partida del conflicto principal.
La cinta nos sumerge en la vida de la Princesa Diana durante las fiestas navideñas, cuando debe reunirse con la familia real en medio de las polémicas sobre el Príncipe Carlos y los constantes enfrentamientos con la Reina Isabel. La película se centra en las consecuencias psicológicas que sufría la princesa: el estrés, la ansiedad de ser siempre el centro de atención y cómo esto afectaba tanto su vida como sus relaciones familiares.
Aunque se podría argumentar que aborda temas típicos de la Navidad, como las reuniones familiares, Spencer es más bien una exploración íntima de Diana, utilizando la Navidad como un pretexto para retratar su confinamiento emocional junto a la realeza. Es una película que, a pesar de no ser tan popular, vale absolutamente la pena por su guion magistral y por lo que podría considerarse una de las mejores actuaciones de la década a cargo de Kristen Stewart.
La caza
Adentrándonos en el cine europeo, encontramos La caza (Jagten), una película danesa en la que parte de la trama transcurre durante la época navideña, lo que influye significativamente en el desarrollo de la historia.
La película narra la historia de Lucas, un maestro de preescolar que, debido a una falsa acusación de abuso infantil, ve cómo su vida se desmorona. En el entorno de un pequeño pueblo, Lucas se convierte en el blanco de un linchamiento social implacable, lo que le lleva al límite mientras lucha por recuperar su vida y su dignidad.
Evidentemente, La caza no es una película que desprenda el espíritu navideño ni es adecuada para un público familiar. Es un relato duro y desgarrador que mantiene al espectador al borde de la tensión mientras sigue el calvario de su protagonista. La dirección magistral de Thomas Vinterberg dota a la película de un realismo impactante y, aunque puede ser considerada polémica, no cabe duda de que se trata de una de las mejores películas europeas de la pasada década.
Eyes wide shut
Eyes Wide Shut es una película especial, no solo por ser obra del legendario Stanley Kubrick, sino también por el misticismo que la rodea. A pesar de sus temáticas oscuras y controvertidas, merece un lugar en esta lista, ya que transcurre en Navidad, con escenas que incluyen fiestas navideñas y una Nueva York iluminada por las decoraciones de la temporada.
La película nos presenta a Bill y Alice, un matrimonio cuya relación se tambalea tras un revelador sueño de Alice, lo que desata una fuerte discusión entre ambos. Esto lleva a Bill a deambular por las calles de Nueva York en plena noche, donde se encuentra con lo más oscuro de la ciudad y con los secretos que permanecen ocultos a plena vista.
Eyes Wide Shut es reconocida tanto por su calidad cinematográfica como por las historias y teorías que surgieron tras su estreno. Fue la última película de Stanley Kubrick, quien falleció poco después de completarla, alimentando rumores y especulaciones sobre los temas que aborda. Centrándonos en la obra en sí, es una pieza magnífica, con una fotografía cautivadora y un aura de misterio constante que mantiene al espectador enganchado. A pesar de su polémica, es imposible no seguir con fascinación el viaje de Bill mientras la película explora los rincones más oscuros del deseo y el poder.
Siguiendo con uno de los grandes clásicos del cine, encontramos Ciudadano Kane. La Navidad juega un papel clave como uno de los puntos detonantes de la trama, desencadenando acontecimientos que son esenciales para el desarrollo de la historia.
Ciudadano Kane es una de las películas más icónicas de la historia del cine, y no es para menos. La cinta presenta una de las mejores deconstrucciones de un personaje jamás vistas, explorando cómo el poder y el dinero pueden corromper y conducir a la más absoluta soledad. Es una obra que disecciona el vacío que deja la búsqueda obsesiva de la riqueza y el control.
La película, dirigida porOrson Welles , marcó un hito en la historia del cine al ser pionera en técnicas narrativas y cinematográficas revolucionarias. Aunque su legado no está ligado directamente al espíritu navideño, la fecha tiene un peso simbólico crucial para entender la esencia de la historia y la icónica revelación final: «Rosebud».
El padrino
Y si hablamos de clásicos, no podíamos dejar fuera a la que muchos consideran la mejor película de todos los tiempos: El Padrino. Aunque la mayor parte de la película no transcurre durante la Navidad, su inicio se sitúa cerca de estas fechas, e incluso en cierto momento vemos a Michael Corleone buscando regalos para su hijo, lo que enlaza la trama con esta época.
El Padrino sigue la historia de la familia Corleone, una de las cinco mafias más poderosas de Nueva York, que se ve amenazada por nuevos rivales que buscan tomar el control de la ciudad. En medio de esta disputa, Michael Corleone, el miembro más alejado de las actividades familiares, se ve arrastrado al conflicto. A medida que la historia avanza, Michael debe abrazar su lado más oscuro para proteger a los suyos y garantizar la supervivencia de su familia.
Sin lugar a dudas, El Padrino es una de las mejores películas de la historia del cine. Su impacto en la industria es incuestionable, con una narrativa impecable que explora cómo el poder corrompe y cómo, a pesar de todo, la familia puede ser lo más importante en un mundo donde la lealtad se vende al mejor postor.
Y con esto concluimos esta lista un tanto inusual de películas ambientadas en Navidad. Aunque ninguna de ellas irradie el típico espíritu navideño, todas son obras excepcionales que pueden disfrutarse tanto en esta época del año como en cualquier otra.
Bienvenidos a un nuevo análisis de Star Wars: Tripulación perdida, la serie que está empeñada en que olvidemos el mal sabor de boca que dejó The Acolyte. ¡Y por el fantasma de Rennod que lo está consiguiendo!
Este quinto episodio es el mejor de lo que llevamos de serie. Tiene acción, intriga, ritmo y un gran Jude Law que hace que su personaje sea uno de los mejores de toda la sagaOs dejo con el enlace a análisis anteriores y vamos al lío.
En la primera escena regresamos a At Attin, donde los padres de los niños intentan buscar una forma de atravesar La Barrera, si bien están también pendientes de el misterioso Supervisor, quien puede estar haciendo las gestiones oficiales para localizar a la tripulación perdida.
Tras desconectar a SM-33 y ya de vuelta en la nave, los protagonistas debaten sobre si conectar de nuevo al robot pirata, cosa que finalmente hacen. Y menos mal porque SM-33 aporta gran cantidad de información. Así descubrimos oficialmente el nombre de la nave, Ceniza de Ónice pero sobre todo quién era su antiguo capitán.
Se trata de Tak Rennod (y mira que pensamos que lo de Donner al revés era un simple homenaje), quien resulta ser el Barbanegra de Star Wars, un sanguinario pirata que descubrió la ubicación de At Attin.
Según SM-33, en el camino a At Attin, Rennod sospechó que habría un motín de la tripulación.Demostrando que sus sospechas eran correctas, el Primer Oficial de la Ceniza de Ónice desafió a Rennod.Sin embargo, la concubina de Rennod lo traicionó y lo apuñaló en el pecho con su propia daga (¿podría ser la que lleva Jod Na Nawood, la que saca del cuerpo de un esqueleto en el episodio 3?)
Sin embargo, antes de su muerte, Rennod bloqueó a la tripulación amotinada y la dejó fuera de los controles de la nave.Como la tripulación no pudo detenerlo, la Ceniza de Ónice se estrelló contra la superficie boscosa de At Attin, matando a toda la tripulación pero antes guardó las coordenadas en su antigua guarida, en el planeta Lanupa, que ahora ha sido reconvertido en balneario espacial, un área de recreo similar al Canto Bight que apareció en Los últimos Jedi.
En Lanupa descubrimos que Jod Na Nawood también ha viajado bajo el alias de Dash Zentin y que tiene cuentas pendientes con todo el mundo, especialmente con una caza-recompensas llamada Pokkit (Kelly MacDonald), que no duda en vender la ubicación de Nawood a sus antiguos camaradas. Así que no queda otra que ir deprisa.
Al más puro estilo Los Goonies, Jod Na Nawood y los chicos sortean trampas y descifran enigmas para llegar a la guarida de Tak Rennod, donde Nawood desafía a Fern en un combate por ser el capitán. Como es lógico y a pesar del intento de desafío de Wim (lo de la espada al revés es de lo mejor que hemos visto), Nawood gana y los chicos se escabullen.
¿El último Jedi?
A estas alturas empezamos a saber cosas, como quién era el capitán de SM-33 y por qué es importante At Attin. Se trata del planeta donde se acuñaba la moneda de la Antigua República y por tanto el planeta del tesoro infinito, como dicen en los primeros episodios.
Lo que aun no sabemos es quién es en realidad Jod Na Nawood, alias el Capitán Silvo, alias Jack Carmesí, alias Dash Zentin, alias Jodwick Zank. Lo que está cada vez más claro es que no es un jedi porque un jedi no amenaza con matar a niños ni tampoco llena las cámaras de ácido para matar a todo el que se encuentre allí. Pero, sin embargo, quizás si fue un jedi o estuvo en camino de serlo.
No solo sabe usar la fuerza. En una conversación con Wim en la Ceniza de Ónice, Nawood le habla de olvidar a su familia, como hizo él, porque todo eso son apegos que le impiden llegar a donde quiere. Todo eso forma parte del adiestramiento jedi pero la frase definitiva es «Tu enfoque determina tu realidad», que se la suelta Qui-Gon Jinn a Anakin en La amenaza fantasma.
A esa le sigue «Ten la vida que tu quieras vivir», que parece el mantra que adoptaría alguien que piensa que la galaxia es decadente y que, quizás, sobrevivió a la purga en el Templo Jedi.
Por si fuera poco, en la escena final del episodio, Jod Na Nawood demuestra que sabe bien cómo sujetar un sable laser y por la cara que pone, eso no le trae muy buenos recuerdos.
Y hasta aquí llegamos. Nos leemos en el siguiente episodio. Felices fiestas, feliz año nuevo y sed buenos.
Ya nos quedan solo dos episodios para concluir la séptima tempora de Outlander y analizamos hoy el decimocuarto. La serie, creada por Ronald D. Mooresobre los libros de Diana Gabaldon, es emitida para España porMovistar+ y para Latinoamérica por Disney+.
Bienvenidos otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Apenas dos capítulos restan para concluir la séptima temporada de Outlander y aquí estamos para ver qué nos ha dejado el decimocuarto, cuyo título es Nunca te acostumbras (Ye dinna get used to it), el cual tiene la particularidad de estar escrito por la propia Diana Gabaldon, autora de la saga de novelas originales en que se basa la serie.
El rumbo de la temporada, sobre todo en esta segunda parte, no repunta y prácticamente todo se siente como relleno inconducente. Se viene la batalla y Jamie parece tener un papel cada vez más decisivo en la revolución americana, lo cual es desde luego preocupante para el devenir histórico y más aún cuando le vemos departiendo con personajes como Washington o Lafayette.
No tenemos noticias de Roger y sí de Brianna, como también de Ian y Rachel, aunque no sé para qué. Sin más preámbulo, pasemos a ver qué nos ha dejado el episodio no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí los análisis previos.
Cena con Washington
Comenzamos en Londres en 1775 con John Grey reunido con su hermano Hal. Hay diferencias de opinión acerca de la revolución americana, siendo más pacifista el primero y más belicoso el segundo, quien hace prometer a John que nunca se pasará al bando revolucionario. Sin embargo, vamos de inmediato a 1778 y vemos a John romper su promesa y, haciéndose llamar Bertram Armstrong, jurar lealtad a los Estados Unidos como forma de salvar el pellejo tras caer nuevamente en manos de los rebeldes.
Entretanto, en Filadelfia, donde todos se cruzan con todos, Claire está haciendo las compras porque sabe que en la noche tendrá invitados a cenar muy especiales en casa de John, entre ellos nada menos que George Washington. Caminando, se lleva por delante un hombre de acento francés y estilo galante que, entre todas las casualidades posibles y habiendo tanto francés dando vueltas por la ciudad, tenía que ser, por supuesto, el marqués de Lafayette (Charles Crehange), de quien se entera que esa noche será justamente uno de sus invitados.
Ya en la cena, y ya convertido oficialmente en capitán de brigada, Jamie es consultado por Washington acerca de la marcha de la lucha revolucionaria y él llama la atención sobre el hecho de que los británicos están más cerca de lo que se venía pensando.
En momento patriótico insoportable y casi patriotero, Washington les obsequia una bandera (la original de las trece estrellas) y hace referencia a Betsy Ross, la costurera a la que la mitología popular adjudica su diseño. Claire se muestra emocionada y dice que “una nación sin bandera es como un horno sin fuego”. Suena a aforismo barato, pero Washington parece impresionado.
En privado, Jamie se muestra luego preocupado por tener que conducir un cuerpo de treinta mil hombres. Claire le advierte que controle su influencia o Brianna terminará encontrando su nombre en los libros de historia. Esta vez tiene razón…
Home Invasion 2
Hablando de Brianna, regresamos al siglo XX para verla en la noche volver a Lallybroch, donde supuestamente debía encontrarse con el cerrajero que cambiaría todas las cerraduras. Una nota en la puerta, sin embargo, la anoticia de que él ya ha estado allí y quedó en reprogramar.
Brianna vuelve entonces al auto en busca de la escopeta y, agazapándose entre la maleza, alcanza a ver a través de la ventana a dos sujetos con pasamontañas en el interior de la casa. La fortuna le juega en contra, pues en ese momento arriba una furgoneta y son Ernie y Fiona, con los niños que habían quedado a su cuidado.
Viendo descender del vehículo a Jeremiah, Brianna corre hacia él para rogarle que suba nuevamente. Fiona explica que vinieron porque Rob anduvo buscándola y temían por ella. Mientras ponen en marcha la furgoneta, uno de los sujetos intenta treparse a la misma, pero con sorprendente facilidad Brianna logra golpearlo y sacárselo de encima. En ese momento, llega al lugar Rob, quizás pensando que sus dos secuaces son aún más estúpidos que los ladrones de Solo en Casa (ups, aún no se había estrenado).
De todos modos, Brianna dice después a Ernie y Fiona que cambiará de estrategia a partir de ahora e irá al encuentro de Roger que, por cierto, no está en Boston, como ellos creen. Parece que el viaje en el tiempo que para ella veníamos anticipando tendrá lugar finalmente. ¿Se encontrará con Roger o se cruzarán con caminos invertidos? Sería interesante, de hecho, saber a qué época va a parar ella si decide ir a las piedras, ya que Roger dijo que él cayó en 1739 porque pensó en su padre.
Visita en el Campamento
Ian y Rachel siguen edulcorados y a puro arrumaco. Él dice que le gusta como suena “esposo” y ella lo sorprende hablando con alguien que no está allí. Ian explica que hablaba con su padre y que tiene que ver con la guerra que se viene. Ella se emociona y quiere ayudarlo con las pinturas de ocasión, que él le instruye cómo aplicar. ¿A alguien le importó esto? Ok, sigamos…
En el campamento rebelde, Claire se encuentra con John y, obviamente, también lo hace Jamie, que le arroja una mirada de hielo. Claire le atiende su maltrecho ojo, lo cual implica reacomodarle el globo ocular para liberar el músculo. Suena desagradable y de hecho lo es; por fortuna ocurre en off, pero debo confesar que me dolió mi propio ojo…
En el campamento británico, William es prácticamente ninguneado por el capitán Richardson (Ben Lambert), que le echa en cara su aspecto desaliñado, su uniforme descuidado y la ausencia de gorjal que, recordemos, el joven entregó en su momento a Jane (Arabela) en forma de pago para quitársela de las garras al capitán Harkness.
Casi como si la hubiera llamado, un momento después la joven se aparece por su tienda acompañada de su hermana menor Fanny (Florrie May Wilkinson). Dicen venir huyendo del capitán Harkness, quien ha regresado al burdel por ella, pero pronto sabremos que es más complicado. William dice que no quiere que la vean como prostituta por más que ella admita serlo y se compromete a no delatarla siempre y cuando trabaje como lavandera para no levantar sospechas.
Jane manifiesta no tener idea de cómo lavar ropa ni tan siquiera de cómo hacer compras, pues en el burdel jamás manejó dinero por cuenta propia sino que todo iba a parar a manos de su madama Madge. Parece, de todas formas, aceptar el ofrecimiento, pero en la noche sorprende a William apeándosele a la cama de campaña en busca de emoción…
Superado por la situación, él la expulsa, pero al momento en que ella se gira para marcharse, se arrepiente y la toma por un brazo para besarla. Jane le confiesa después que la verdadera razón de su presencia allí tiene que ver con Harkness, pero no del modo en que se lo contó. Es cierto que este ha regresado al burdel, pero no por ella sino porque arregló con Madge por la virginidad de Fanny, así que le terminó clavando un cuchillo en la garganta.
Asqueado y horrorizado, William se compromete a mantener silencio ante quienes las buscan, así como a ayudarles a llegar a New York. Se me ocurre que se puede venir un enfrentamiento con Harkness y que eso termine deviniendo para él en un cambio de bando…
Mensajero
Richardson, a todo esto, tiene un nuevo mensaje para darle a William y espera que esta vez sea capaz de entregarlo. Se trata de una carta que debe hacer llegar a una unidad de hessianos (mercenarios alemanes) que se hallan acampados más adelante.
Del otro lado, John se encuentra con su hermanastro y ex amante Percy Beauchamp (que no tiene parentesco con Claire) y este le pone al tanto de que Richardson está enviando a su “hijo” hacia una trampa. Claire, algo tarde, les anoticia de que ya sabía que Richardson es un traidor que trabaja para los rebeldes y John se enfada por no habérselo dicho. Ella se justifica en que en aquel momento lo vio como un aliado y no como motivo de preocupación (ok, ¿pero ni siquiera comentarlo?).
Ahora que William va con un recado para los hessianos, es obvio que está siendo llevando a una trampa y, en efecto, le vemos llegar al campamento de los mismos y entregar la nota al jefe que, de manera sospechosa y tras leerla, le invita a quedarse a cenar…
Balance del Episodio
Otro capítulo anodino y de relleno. La continuación de la guerra americana sigue en eternos preparativos y, obviamente, la batalla caerá a caballo entre los dos últimos episodios de la temporada. El encuentro fortuito con Lafayette es de lo más hilarante por lo casual, pero lo peor de todo es que ya tenemos esas cosas normalizadas.
Sin noticias de Roger ni de Buck, el arco de Ian y Rachel no conduce a ningún lado y el de Brianna merece párrafo aparte, pues no se sabe si son más estúpidos los compinches de Rob o los “tíos” de Jeremiah, capaces de exponer al niño llevándolo a Lallybroch y permitiéndole incluso descender del vehículo cuando lo están buscando. Por suerte, Brianna viene demostrando gran habilidad para sacarse de encima a maleantes y acosadores, ya sea con una sartén o con una escopeta. Definitivamente, este arco dejó de ser interesante…
Lo de Jane yendo a ver a William con su hermanita es igual de insólito. ¿Qué hizo? ¿Se apareció de buenas a primeras diciendo que venía a verlo? ¿No se supone que la están buscando? Y no deja de ser sorprendente la facilidad con que encontró el campamento británico: se entiende por qué perdieron la guerra. Lo que estaba claro era que reaparecería y, según se ve, su única función en la historia es que William se saque de la cabeza a Rachel o, a más largo plazo, que termine cambiando de bando al tener que enfrentarse con Harkness. Así y todo, con sus traumas y conflictos, William me sigue pareciendo uno de los personajes más interesantes.
Como tantas veces he dicho, ignoro cuál es el camino que llevarán los libros de Diana Gabaldon para esta altura de la historia, pero estando ella como escritora del episodio, se me hace difícil pensar que sea muy diferente o más sustancioso que esta pobre temporada que estamos viendo. La falta de imaginación queda patente en el hecho de que, como en eterno loop, vamos hacia arcos ya recorridos: otra vez William llevando un mensaje y otra vez una batalla que enfrentará a padre e hijo. De ideas nuevas, nada…
Por destacar algo, hay algunos detalles históricos interesantes que se ajustan bastante bien a la evidencia, como la presencia de los hessianos, mercenarios alemanes que en el siglo XVIII sirvieron a los británicos. O la importancia de los mensajeros durante la guerra de independencia americana. O el que William ofreciera a Jane ser lavandera, pues ese era por lo general el oficio declarado y diurno de la mayoría de las prostitutas: de allí que se sorprenda cuando ella dice no tener idea al respecto.
Pero, en fin, la cuestión es que nos quedan solo dos episodios y pocas esperanzas podemos abrigar de que ello alcance para salvar una temporada que hasta aquí es claramente la peor. Y eso que yo pensaba que la tercera era insuperable, pero por lo menos no era aburrida…
Comienza un nuevo mes y un nuevo año. Canina, Paradise, Custodia Repartida, High Potential y, para amantes de Marvel, la serie animada Tu Amigo y Vecino Spider-Man son los principales (bah, los únicos) estrenos de Disney+ para este enero de 2025.
Se nos fue 2024 y aquí estamos para recibir un nuevo año de estrenos en Disney+, con una lista de enero que viene tan pobre como es ya costumbre de un largo tiempo a esta parte (incluso quizás un poco más), pero con la novedad de que por fin tenemos una película después de tantos meses…
Nos estamos refiriendo a Canina (Nightbitch), comedia negra con tintes de horrorque, estrenada en Estados Unidos en diciembre, se salta en España y Latinoamérica el paso por las salas cinematográficas para llegar directamente vía streaming. Cuenta la historia de una mujer que, estando su marido siempre de viaje por cuestiones laborales, debe prácticamente abandonar todo, incluidos trabajo e inclinaciones artísticas, para pasar a ser ama de casa de tiempo completo y dedicada al nacimiento y crianza de su primer hijo.
Hasta allí, nada fuera de lo normal o que no hayamos visto pero, en un giro surrealista, se termina haciendo amiga de un perro y ella misma comienza a convertirse gradualmente en uno, seguramente metáfora de los cambios que impone la maternidad como mandato cultural y lo difícil que se les hace a las mujeres, a diferencia de los hombres, dedicarse de lleno a una carrera o una profesión.
Escrita y dirigida por Marielle Heller sobre el bestseller de Rachel Yoder, la película tiene como protagonista central a Amy Adams, ganadora de dos premios Emmy y seis veces nominada al Oscar, aunque sin obtener nunca (quizás injustamente) la preciada estatuilla. Estreno el 24 de enero.
Ya entre las series, llega a la plataforma Pesadillas: La Desaparición que, en rigor de verdad, es la segunda temporada de la serie basada en la exitosa saga de novelas de R. L. Stine (que, recordemos, tuvo también una adaptación a serie animada y otra a película), pero dado el formato de antología que la misma presenta, se trata en esta temporada de una nueva historia con personajes y actores diferentes.
David Schwimmer, en el papel principal, interpreta a un padre divorciado cuyo hermano ha desaparecido en 1994 junto a otros jóvenes. Sus hijos, con un grupo de amigos, se dedicarán a investigar el hecho y ello les hará entrar en contacto con fenómenos paranormales ligados a una sustancia misteriosa y desconocida.
Con sus ocho capítulos, Pesadillas: La Desaparición estará disponible desde el 10 de enero.
De la mano de Dan Fogelman, creador de la aclamada This is Us, llega Paradise, la cual se anuncia como un thriller político de tintes dramáticos que transcurre en una idílica localidad llamada justamente como la serie y en la cual, alejados del mundanal ruido, residen conocidas celebridades o personajes retirados del mundo de la política. La aparente paz se rompe con el asesinato de un ex presidente de Estados Unidos, lo que hace emerger problemas y conflictos insospechados en medio de una red de secretos y conspiraciones.
El papel principal está a cargo de Sterling K. Brown, quien ya había trabajado con Fogelman en la mencionada This is Us, interpretación que le valió en su momento un Globo de Oro. Le secundan James Marsden (X-Men, Westworld) y Julianne Nicholson, ganadora de un Emmy como actriz de reparto por su papel en Mare of Easttown.
La serie promete giros inesperados y su primera temporada cuenta con nueve episodios, de los cuales los tres primeros estarán disponibles el 28 de enero y el resto irán de allí en más llegando semanalmente.
Custodia Repartida es una serie española que constituye la primera experiencia en ese terreno del cineasta Javier Fesser, responsable de comedias taquilleras como Campeones o La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón, además de ganador de dos premios Goya y nominado al Oscar por el corto Binta y la Gran Idea.
Con ocho episodios, la serie cuenta la historia de un matrimonio que se divorcia, pero busca mantener la mejor relación posible por el bien de su pequeña hija de cinco años. Sin embargo, ninguno de ambos está en condiciones de cuidarla: ella porque su trabajo le absorbe demasiado tiempo y él porque no tiene salario fijo ni empleo estable.
Otro de los estrenos es High Potential que, basada en la serie francesa Haut PotentielIntellectuel, está creada por Drew Goddard, quien como director acredita la aclamadaLa Cabaña en el Bosque (2010) y como guionista Cloverfield(2008) y Marte (2015), entre otras.
La serie, cuya primera temporada consta de nueve capítulos, trata sobre una madre soltera que, desempeñándose como empleada de limpieza en el Departamento de Policía de Los Angeles, termina sin embargo, y debido a su altísimo coeficiente intelectual, ayudando a resolver un crimen, lo cual hace que la conviertan en consultora. Pero ella, al mismo tiempo, echará mano de su capacidad para tratar de determinar qué ocurrió con su primer novio y padre de su hija mayor, quien lleva años desaparecido desde que esta era un bebé.
La serie ya fue estrenada el mes pasado en Hulu con muy buenas críticas que, entre otros aspectos, destacaron el trabajo de Kaitlin Olson en el papel principal. Estreno el 29 de enero.
En el terreno de la animación y para fans de Marvel, nos llega Tu Amigo y Vecino Spider-Man, la cual puede ser vista como un gran “What If” al plantear una historia alternativa en la cual Norman Osborn (Duende Verde) es el mentor de Peter Parker en lugar de Tony Stark.
Realizada íntegramente con animación digital, la serie está creada por Jeff Trammell para la nueva división Marvel Animation, responsables de X-Men´97. Lo bueno es que, al versar sobre un universo paralelo, no hace falta, como viene siendo costumbre, haber visto y recordar al mínimo y más absurdo detalle cada una de las películas y series que el MCU haya estrenado en todos estos años. Aun así, no faltan guiños a las películas ni a los cómics, de los cuales la serie, principalmente, se nutre en su estética. Y la música (como no podía ser de otra forma considerando el título) es la misma de la clásica serie animada de los sesenta…
Estreno el 29 de enero.
Y no hay más de momento, así que pasemos al listado…
PELÍCULAS
. Canina (24 de enero)
SERIES
. Pesadillas: La Desaparición (10 de enero)
. Custodia Repartida (24 de enero)
. Paradise (28 de enero)
. High Potential (29 de enero)
Y eso es todo. No sé por qué, pero siento como si tuviera que pedir disculpas por la pobre cantidad de estrenos, pero ello no significa que no haya cosas interesantes y espero que hayan encontrado algo de su gusto. Nos volvemos a encontrar en febrero: hasta entonces y sean felices…
No puedo negar que estoy embelesado con ‘Creature Commandos’ y que el trabajo que está realizando James Gunn para construir unos personajes increíbles es admirable. Cada episodio está superando mis expectativas y eso que ya las tengo bastante altas.
Gunn nos ha ido presentando al Frankenstein de David Harbour paulatinamente y desde hace poco haciendo equipo con Flag senior, pero esta semana ha tenido su capítulo. Se nos ha contado qué pasó tras su enfrentamiento con ‘The Bride’ y ha sido algo demoledor. No por ser gore (eso se lo guarda para la trama que nos narra el presente) o demasiado gamberro, sino por cómo es capaz el guion de hacernos reír con ese personaje que por momentos roza lo estúpido y cómo vemos de nuevo su lado oscuro.
Decir que nos han engañado ya va siendo algo muy normal con esta serie; ya lo hizo con Weasely su incidente con los niños y ahora lo ha hecho, pero a plazo más largo, ya que ha ido humanizando al personaje de Frankenstein para que bajemos la guardia con él.
Gunn ha conseguido que durante todo este episodio veamos a esta criatura como alguien que solo necesita amor, que lo que ocurrió en el recuerdo del primer capítulo fue algo aislado, pero no es así. Este giro no solo añade una nueva dimensión al personaje, sino que también plantea preguntas interesantes sobre la naturaleza del bien y el mal.
Al principio, se nos presenta a Frankenstein como un ser inocente y casi estúpido, alguien que despierta nuestra simpatía y compasión. Sin embargo, a medida que avanza la trama, especialmente a través de su historia con la anciana, descubrimos una faceta completamente diferente de su personalidad.
Esa interacción con la anciana revela su lado oscuro, lleno de maldad y egoísmo y también nos plantea preguntas interesantes sobre la naturaleza del bien y el mal y cómo evolucionará. La anciana, con su bondad y vulnerabilidad, parece que ha conseguido redimir a Frankenstein y ahí es donde llega el giro de final de capítulo que es brutal.
Pero como todo episodio de ‘Creature Commandos’ tiene dos partes y la otra es el presente en el que Flag nos va a dejar un cliffhanger que no sé cómo van a continuar porque nos ha dejado a todos con la boca abierta.
Y toda la explosión de acción y gore es apabullante y divertida a la vez. Ver a Doctor Fósforo atravesar un tanque haciendo una peineta es de otro planeta.
Conclusión
El quinto episodio de «Creature Commandos» es un testimonio del talento de Gunn para crear personajes complejos y multidimensionales y cómo engañarnos por el camino. Nos ha hecho bajar la guardia con Frankenstein solo para revelarnos su verdadera naturaleza en el momento más impactante.
Esto no puede más que mejorar con todo lo que nos está dejando abierto con el futuro de Flag o qué tiene que ver en esto clayface. James Gunn está consiguiendo que personajes mas secundarios tengan su momento de gloria y que entren en el DCU por todo lo grande.
Aquí os dejo la maravillosa intro de ‘Creature Commandos’:
