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Análisis de Los Amos del Aire. Miniserie. Episodio 9: Final

Llegó a su desenlace Los Amos del Aire, miniserie que, producida por Steven Spielberg y Tom Hanks, retrata los eventos y personajes ligados al 100° Grupo de Bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial. El noveno y último episodio, cuyo título es simplemente Parte 9, ha tenido luces y sombras. Creada y desarrollada por John Shiban y John Orloff, la miniserie puede ser visionada, ahora en su totalidad, por Apple TV+.

Y llegamos al final de Los Amos del Aire con un episodio de una hora y veinte minutos de duración. Un cierre que, distribuido entre el agua y la tierra, ha devuelto a la serie mucho de su suspenso, además de tener una intensa carga emotiva, aunque también, y sobre todo hacia el último tercio, algunos lugares comunes y toques patrióticos innecesarios que deslucen el concepto que, se suponía, estaba detrás.

Pero vayamos a ver qué nos ha dejado entonces esta entrega final, cumpliendo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

 

Quien luche contra monstruos, cuide de no convertirse él mismo en un monstruo. Cuando miras largo tiempo a un abismo, el abismo también mira dentro de ti” (Friedrich Nietzsche)

Salvado por Stalin

Presionado desde el este y el oeste, el III Reich se halla en sus días finales. Prueba de ello es que, a medida que las fuerzas aliadas avanzan hacia Alemania, los bombarderos que las acompañan encuentran el cielo prácticamente despejado, signo inequívoco de que la Luftwaffe se está quedando sin aviones.

Ello no significa, desde luego, que no tengan artillería aérea y, de hecho, un cohete alcanza el avión de Rosenthal. Con uno de los motores en problemas y otro directamente en llamas, la tripulación debe abandonarlo a riesgo de caer entre las líneas alemanas. La opción es llegar más allá del río Oder, cuya margen oriental está ya en manos de los rusos, pero el único que logra saltar allí es Rosenthal, precisamente último en dejar el avión.

Y tampoco es que ello sea el gran alivio porque está el riesgo de que los soldados del Ejército Rojo le confundan con un alemán y le maten, cosa que, de hecho y apenas poner pie en tierra, comprueba que hacen con los que encuentran. Al momento de ser sorprendido en su escondite, sin embargo, levanta las manos y grita desesperadamente: “¡Amerikani! ¡Roosevelt, Stalin, Coca Cola!”, lo cual hace que le identifiquen como aliado y se zafe de terminar sus días bajo las balas soviéticas.

Un traductor ruso le pone más tarde al tanto de que será subido a un avión con destino a Teherán y luego trasladado a Inglaterra en un camino que se le anticipa peligroso. Nada para él si se lo compara con haber sobrevivido a un avión en llamas y estar a fracción de segundo de ser ajusticiado como supuesto nazi.

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Por el camino le toca ser testigo involuntario del horror de los campos de concentración, imagen que remite a aquel crudo noveno episodio de Hermanos de Sangre. El hedor es insoportable. Cadáveres quemados y congelados se amontonan ante las ahora vacías barracas mientras un oficial le anoticia de que han encontrado otros campos como ese y ni siquiera es el más grande. El espanto tiñe el rostro de Rosenthal, que de esta forma toma conocimiento de un aspecto de la guerra que no conocía y que golpea especialmente a su condición de judío.

Antes de ir a tomar su avión, habla incluso con algunos de los sobrevivientes, particularmente un hombre que dice que si Dios existe, se ha olvidado de él. A diferencia de Rosenthal, no tiene ninguna familia a la cual regresar, pues él mismo ha enterrado a la que tenía por órdenes alemanas. Desgarrador momento que hace al piloto americano tomar conciencia de que su situación dista de ser la peor en una guerra de cuyas reales dimensiones recién toma conciencia…

Nüremberg

En la base aérea americana hay clima de nerviosismo por la falta de noticias de Rosenthal o de su avión. Ello se nota especialmente en Crosby, ya de vuelta de su excursión neoyorquina y sintiéndose quizás culpable por haber trazado las rutas de la misión que puede eventualmente haber costado la vida a su amigo. Se le ve incluso irascible y hasta reacciona con violencia ante sus propios compañeros, como cuando uno desliza una broma sobre Westgate, la oficial-espía británica de quien, por otra parte y sorprendentemente, nada sabemos en este episodio.

Pero el gran arco de la historia, sin duda, tiene relación con los pilotos prisioneros del otro lado. De hecho, hay orden de evacuación en Stalag Luft III, lo que evidencia que los rusos están demasiado cerca y por tal razón se los trasladará más hacia el oeste.

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En tortuosa caminata bajo la nieve y después en tren, acaban arribando a Nüremberg, donde un desgarrador y gris panorama de destrucción muestra que no ha quedado edificio en pie mientras algunos sobrevivientes hurgan entre las ruinas intentando probablemente rescatar algún alimento u objeto de valor.

Pero hay más imágenes devastadoras, como el encuentro con las nuevas fuerzas del III Reich, integradas mayormente por ancianos y adolescentes que son poco más que niños. La inminente derrota del nazismo está mostrando la peor de sus caras: la desalmada pérdida de todo sentido de humanidad, ahora también extensiva a su propia gente…

Fuga en la Nieve

Los alemanes deciden retomar el camino, aparentemente con destino de cruzar el río Danubio, lo cual preocupa especialmente a los norteamericanos porque una vez traspuesto el mismo estarán en punto de no retorno y con la posibilidad de que les acaben matando a todos, lo que Gale descarta porque entonces no tendría sentido tanto traslado.

Pero no es la única preocupación: los oficiales nazis pretenden, además, que caminen de noche, lo cual les convierte no solo en víctimas del inclemente frío nocturno sino también de los propios cazas estadounidenses que, imposibilitados de identificarles desde el aire, acaban incluso disparándoles y matando, sin saberlo, a varios de sus connacionales.

Al pasar por una población abandonada, John urde un plan de escape y esta vez con apoyo de Gale. No se trata de una fuga masiva, como la que en su momento y con desigual suerte intentaran los británicos, sino de que unos pocos logren zafarse de los guardias para alcanzar las líneas de los aliados y ponerles al tanto de la situación del resto. Al ser pocos, las posibilidades de éxito son mayores.

Sin embargo, al momento en que intentan saltar un muro, John es capturado y solo la oportuna mediación de uno de sus superiores americanos, amenaza de motín incluida, impide que los alemanes le den muerte. Gale, mientras tanto, ha logrado trasponer el muro e internarse en el bosque junto a otros dos compañeros. En una imagen bellamente poética y a la vez estremecedora, se cruzan un caballo blanco con la cruz y la cresta manchadas en sangre.

Pero jóvenes alemanes (presumiblemente de las Juventudes Hitlerianas) los alcanzan e incluso dan muerte a uno atravesándolo desde atrás con una bayoneta. Los otros dos, no obstante, logran desarmar a los atacantes y Gale está a punto de acabar con uno de ellos, pero la imagen de un niño asustado en el suelo es demasiado fuerte, así que le permite irse: si un título se ha ganado Gale a lo largo de la serie es el de “muchacho bueno”. Las armas alemanas, por otra parte, ni siquiera tenían balas: es obvio que también están escaseando…

Atrapa la Bandera

El resto de los prisioneros, ya en pleno corazón de Alemania, llega hasta su nuevo campo de detención, pero de inmediato celebran la aparición en el cielo de los P-51 americanos, uno de los cuales destruye un puesto de guardia.

En su necedad, los alemanes abren fuego contra los presos y la cosa acaba en motín. Logran eliminar a los guardias restantes y, para alertar a los aviones de que el campo ya está en sus manos, John se trepa al mástil a los fines de arriar la bandera nazi y colocar la de barras y estrellas, que no sé por qué les permitían aún tener con ellos: imagen innecesaria, burda y obvia que está entre lo peor de la serie…

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Adiós a Europa

Y vienen los reencuentros. Rosenthal ha logrado regresar a la base, lo cual es festejado efusivamente por todos y confirma una vez su papel como referente. Particularmente emotivo es, desde luego, el reencuentro con Crosby, quien lo anoticia de que Jean está embarazada. Interesante momento se produce cuando, reflexionando sobre el horror de la guerra, Crosby lanza a Rosenthal la cita nietzscheana antes mencionada y este responde que los nazis lo tienen merecido, frase que solo él logra dimensionar al haber visto con propios ojos el espanto de los campos de concentración.

Gale y John (Buck y Bucky, como sistemáticamente me he negado a llamarlos para evitar dolores de cabeza) también se vuelven a encontrar con el resto y a treparse a los aviones, que sobrevuelan Holanda arrojando alimentos a los hambrientos locales que en el suelo escriben “Gracias, Yankees”. Madre mía: ¿era necesario?…

Y de allí a la rendición alemana de agosto de 1945, que es celebrada a pura felicidad, como también la noticia de que pronto regresarán a sus casas. Gale y John vuelven a subirse a un avión y, en acto simbólico, el primero ocupa el lado izquierdo. Más lugares comunes: tras decirles que los extrañarán, niños desde el suelo les ven partir mientras sus miradas traslucen tanto nostalgia como admiración y suena música emocionante de fondo.

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Por último y antes de los créditos finales, se narra en leyendas el destino final de los distintos involucrados y (esta vez no hay ironía) emociona realmente ver los verdaderos rostros y saber qué ha sido de ellos…

Balance Final

Pudo haber sido un perfecto final: no lo fue. Pudo haber sido una perfecta miniserie: no lo fue. No me malentiendan: hemos visto un buen episodio y una buena serie, que viene a cerrar (¿será así?) la trilogía de la segunda guerra mundial producida por Steven Spielberg y Tom Hanks. Pero claramente se queda un par de escalones por debajo si la comparamos con las casi perfectas Hermanos de Sangre y The Pacific.

Lo que hacía grande a las mismas era lo descarnado y desolador del concepto. Cuando hace algunos meses escribí una retrospectiva sobre Hermanos de Sangre, puse como título “cuando el dolor opaca toda victoria”, idea que, en mi modesta opinión, resumía en pocas palabras el sentido final de la propuesta: no se trataba de retratar el heroísmo de modo sentimental, sino de retorcer la conciencia al mostrarnos las devastadoras consecuencias humanas de las guerras, incluso del bando vencedor. Porque el concepto central era justamente que no había vencedor…

En Los Amos del Aire, esa idea guía solo ha aparecido esporádicamente y en este último episodio ha tenido su mejor expresión en ese diálogo entre Crosby y Rosenthal en el cual, aunque contrapuestas, sus posturas resultan creíbles y mueven a la reflexión. Y si decidí encabezar con una frase de Nietzsche, no es por lo que la serie haya sido, sino por lo que quizás podría o debería haber sido. Pero como siempre, no podemos analizar lo que no se hizo sino solo lo que se hizo…

Los Amos del Aire ha tenido luces y sombras, a lo que este episodio no ha sido la excepción. Quizás sea una pena que lo hayan hecho tan largo porque hasta los dos tercios la cosa funciona muy bien y pinta para final memorable que nos haga incluso olvidar algunas irregularidades y huecos narrativos de episodios previos.

Pero la avalancha de lugares comunes e imágenes sensibleras del último tercio ha exhibido y potenciado hasta el paroxismo muchos de los defectos de la serie. Bandera flameante con John en lo alto del mástil, niños corriendo en cámara lenta, apretón de manos entre oficial blanco y oficial negro y, por último, un “gracias yankees”: todos momentos que podrían haber sido evitados y deslucen el resultado final en aras de un sentimentalismo barato y rayano en el patrioterismo (que no debe ser confundido con el patriotismo).

Quizás el problema más recurrente en la serie haya sido el tratamiento de los personajes. Rescato como los de más sólida construcción a Crosby y Rosenthal, magníficamente interpretados por Anthony Boyle y Nate Mann. Ambos son personajes completos con contradicciones, dudas y conflictos que les atormentan.

Crosby es, de hecho, quien más se acerca a la profundidad de Hermanos de Sangre. Y no hablo solo del sentido de culpa y autocrítica que se desprende de la cita de Nietzsche, sino también de sus dudas por el mundo que han dejado atrás y en el que quizás ya no tengan lugar. Lejos de la imagen de “buenazo” del principio, terminó incluso mostrando reacciones violentas o siendo capaz de ceder a la tentación y permitirse una infidelidad (por cierto, ¿qué demonios pasó con Westgate?).

Otro tanto para Rosenthal, en cuyo caso pesa además el ser judío. También tiene sus dudas, pero las ahoga en el horror de la guerra. Cuando le dice a Crosby que los alemanes merecen lo que les pasa, busca tranquilizar su conciencia convenciéndose de que el espanto por él presenciado en el campo de concentración es capaz de justificar la acción más criminal contra sus responsables. En su interior anida el monstruo del que habla Nietzsche

En cambio y de manera paradójica, los dos personajes principales fueron poco a poco perdiendo interés aun cuando la trama girara mayormente en torno a ellos. Gale (Austin Butler) jamás pudo dejar su lugar de “muchacho bueno y atractivo” sin matiz ni tormenta interior alguna: es el único que se acerca a hablar con Alex (Branden Cook) cuando caen los afroamericanos en Stalag Luft III y hasta es capaz de perdonar la vida al adolescente alemán que acaba de matar a su compañero. Poco creíble…

En cuanto a John (Callum Turner), que pintaba para personaje más cruzado por sentimientos y conflictos, se ha terminado desdibujando en este último episodio y ya ni siquiera sabemos por qué hace lo que hace ni en qué momento dejó atrás el desquicio y falta de cordura que parecían haberse apoderado de él en episodios previos. Un personaje que termina desperdiciado…

Y luego están todos esos secundarios que, por temprana muerte o simple e inexplicable desaparición, salen de la serie con la misma rapidez que entran y solo consiguen que sintamos desorientación acerca de si debíamos prestarles atención o no: es el caso de Curt (Barry Keoghan), de Quinn (Kai Alexander), de Bailey (Ian Dunnett Jnr), de Paulina (Joanna Kulig), de las muchachas de la resistencia belga, del primer interrogador alemán o, desde luego, de la ya mencionada Westgate (Bel Powley), de quien terminamos sabiendo incluso menos que Crosby…

Y si dejé para el final a los pilotos de Tuskegee no es porque les dé menos importancia, sino todo lo contrario. Su aparición algo tardía en el episodio anterior contribuía a echar luz sobre un aspecto de la segunda guerra mundial no suficientemente tratado. Y no hablo de inclusión forzosa ni reivindicaciones étnicas, sino de un tema interesantísimo, tanto desde el punto de vista histórico como desde el sociológico o antropológico.

Ya sabemos, en ese sentido, que Spielberg es un hombre que actúa muchas veces por reacción: si se le acusa de ausencia de actores afroamericanos, responde con El Color Púrpura (1985) y si se le recrimina hacer cine demasiado pasatista con Jurassic Park (1993), ya está listo para responder con La Lista de Schindler (1993): hasta parece autoindulgencia…

A lo que voy: es posible que, por las críticas sobre falta de actores negros en Hermanos de Sangre, haya respondido en esta serie con los pilotos de Tuskegee, pero solo les dedicó un capítulo y ni Alex ni Macon (Josiah Cross) pintaron absolutamente nada en esta última entrega, que solo se limitó a mostarles dibujando (en el caso de Alex) o con rostros que expresaban tristeza o felicidad según el momento.

Entonces, si el tratamiento de los afroamericanos en la guerra ha sido tan superficial, tenemos que caer en la cuenta de que, en lugar del sentido sociológico que podría muy bien haber tenido, su inclusión ha sido única y lamentablemente una forma de cumplir con las exigencias de agenda en los tiempos actuales.

Insisto: Los Amos del Aire ha sido en el balance una buena serie. Ha tenido una factura visual impresionante con batallas y acciones aéreas muy impactantes en los episodios tercero, quinto y noveno, de las mejores que se hayan visto en cualquier propuesta de tv o streaming.

Ha tenido asimismo momentos de alto suspenso, incluso en esta última entrega, que nos tuvo con el corazón en la boca a la espera de que Rosenthal pudiera caer tras las líneas rusas o haciéndonos sufrir con los aviones norteamericanos disparando a sus propios compatriotas.

Ha entregado además algunas grandes actuaciones e intensos momentos de reflexión que, particularmente, tuvieron su mayor fuerza en el cuarto episodio, así como algunas imágenes inolvidables que han bordeado lo poético sin perjuicio de lo estremecedor, como el avance a través de la ciudad de Nüremberg en ruinas o la escena del caballo.

Pero el poco aprovechamiento de muchos personajes y la insufrible colección de lugares comunes al final hacen que el resultado definitivo se quede por debajo de Hermanos de Sangre o The Pacific y, sobre todo, no acierte en el concepto final que destilaban esas series. Quizás tampoco era la intención…

Agradeciendo el haberme acompañado durante estos análisis, nos encontramos en cualquier momento por esta web. Hasta pronto y sean felices…

Tráiler de Atlas, de Jennifer Lopez: Una película de ciencia ficción que pinta muy pero que muy bien

El otro día me sorprendió Netflix sacando tráiler de Atlas, la nueva película de Jennifer López que vuelve a la plataforma a intentar superar lo conseguido el pasado año con The mother, siendo la película original más vista de Netflix, al menos durante el primer semestre del 2023. A mi y a Pedro nos gustó verla repartir estopa. Aquí tenéis crítica.

Pues resulta que Atlas es toda una superproducción al menos visto el tráiler. La historia trata sobre una analista del gobierno Atlas Shepherd (JLo), que recela de la IA. Por lo que podemos vislumbrar en el tráiler Atlas es enviada a recuperar un robot en un planeta alejado y vemos que todo se tuerce acabando con Atlas sola en ese planeta desconocido.

Dirige un especialista en esto de los blockbusters, Brad Peyton, realizador de Proyecto Rampage y San Andrés.

A Jennifer Lopez la acompañan Simu Liu, Sterling K. Brown, Gregory James Cohan, Abraham Popoola, Lana Parrilla y Mark Strong,

Atlas se estrena en Netflix el próximo 24 de mayo. ¿Estaremos ante otro bombazo de Netflix? Esperemos que si.

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Un saludo y sed felices.

X-Men 97: El estreno de la semana. Os dejamos con algunas escenas y con las primeras críticas.

Esta semana se estrena X-Men 97, secuela de la serie animada de los 90. Desde que se anunció mi emoción por verla no ha cesado. Me rememora a esas tardes en las que llegaba de las clases con ganas de disfrutar de mis series de superhéroes favoritas.

Durante unos años en los 90 vivimos nuestro UCM particular en series de animación, Spiderman, Batman (de DC), X-Men, Conan, Los 4 Fantásticos y Iron Man. Incluso hay una de Estela Plateada en Disney+ que no recuerdo que se estrenase nunca en España.

 


EN CF: X-Men’97 presenta su primer tráiler


 

El caso es que han salido las primeras reacciones a los tres primeros capítulos y son muy positivas:

«Después de volver a ver la serie animada original #xmen y ahora los primeros episodios de #XMen97 , ¡puedo decir honestamente que la serie es fantástica! Así es como lo recuerdas, preservando los personajes y los temas, pero evolucionando con un toque más cinematográfico y hermosas escenas de acción».

«He visto los primeros 3 episodios de #XMen97 y este programa entendió la tarea. Se destaca como un resurgimiento de X-Men: la serie animada, con animación y narración mejoradas, pero aún así se siente como una continuación adecuada. Y sí, ¡los créditos iniciales siguen sonando!»

«Los primeros tres episodios de #XMen97 son absolutamente épicos. Supera las expectativas en todos los sentidos. La nostalgia es fuerte, pero es mucho más. Hermosa animación, excelente narración y, sobre todo, lo que más me gusta de los X-Men: ¡EL DRAAAMAAAAA!»

«¡Realmente disfruté los primeros 3 episodios de #XMen97 ! Muchos guiños a historias clásicas de Chris Claremont que la serie OG nunca llegó. Hacen una versión de «avance rápido» de uno de mis arcos favoritos de X-Men, condensando años de historias en un par de episodios, pero a mí me funciona. “¡Para mí, mis X-Men!”
 

«Vi los primeros tres episodios de #XMen97 y solo una explosión del pasado y una carta de amor al programa animado de los 90. Los mutantes que amamos están de regreso y hay tantas emociones, desde risas hasta emoción y tristeza».

«He visto #XMen97 y el mayor cumplido que puedo hacer es que se siente *simplemente* como ver el programa original: una recreación perfecta que captura el alma de lo que hizo que la serie de los 90 fuera tan especial».

«Acabo de ver los primeros tres episodios de #XMen97 y puedo decir con confianza que los fanáticos de la serie animada original de X-Men estarán muy contentos con ella. También disfruté mucho el estilo de animación actualizado. ¡Será genial tener a los X-Men nuevamente en el centro de atención!»
Y así he encontrado varias opiniones más. Parece que el «hype» está por las nubes. Ojo que el primer clip que han adelantado parece que certifica todo lo visto anteriormente. Os dejo con la secuencia:

En ella veremos al mismo grupo que nos encandiló hace casi 30 años y con la misma banda sonora que habré tarareado millones de veces.

La serie ha sido creada por Beau DeMayo, despedido fulminantemente de Marvel recientemente.

La trama comienza tras la muerte del profesor Charles Xavier. Cíclope lidera el grupo, además sabemos que espera un hijo con Jean Grey.

La sorpresa mayor se da cuando la Patrulla X descubre que Charles Xavier en el testamento ordena que todas las posesiones incluida la mansión del grupo pertenezcan a su viejo amigo y enemigo Magneto.

La serie se estrena el próximo 20 de marzo de 2024 con la emisión de los dos primeros capítulos.

Sinopsis: Secuela de X-Men: The Animated Series, serie que se hizo famosa en la década de los noventa. (FILMAFFINITY)

Un saludo y sed felices. Y no desconfiéis de los mutantes… ¿o lo veis como Magneto que siempre fundamentó su lucha por la especie mutante en el enfrentamiento entre ésta y el Homo sapiens?

Retro-Análisis: De Profesión Duro (Road House,1989), el más culposo de los placeres

Hoy en nuestra sección de retro-análisis y a poco de estrenarse el anunciado y esperado remake, hacemos repaso de De Profesión Duro (Road House), clásico de acción de los ochenta que, con producción de Joel Silver y dirección de Rowdy Herrington, contribuyó a convertir a Patrick Swayze en ícono del género.

Bienvenidos a un nuevo retro-análisis que, en esta oportunidad y con motivo del próximo estreno del remake, está dedicado a De Profesión Duro (Road House), película de 1989 que, conocida en Latinoamérica como El Duro, marcaría el punto de despegue de Patrick Swayze como estrella del cine de acción además de convertirse con el paso del tiempo en clásico indiscutible del género.

El filme contaba con la producción de todo un especialista como Joel Silver, sin duda sinónimo de éxito y uno de los más emblemáticos productores de los ochenta detrás de títulos como Límite: 48 Horas, Comando, Arma Letal, Depredador o Jungla de Cristal entre otros. La dirección recaía sobre los hombros de Rowdy Herrington, constituyendo para este su primera experiencia en tal rol por haber hecho sus armas más bien como técnico electricista en varios filmes de terror o ciencia ficción de la década. No deja de ser un buen chiste que Rowdy (ruidoso) sea su verdadero nombre de pila…

De Profesión Duro es una de esas películas muy características de la época a las que se puede tildar de placer culposo. Tiene una trama bastante básica y algunos diálogos generan sonrisas, pero sin embargo y por alguna razón que trataremos de determinar, es una tontería que acaba funcionando…

A pesar de que la mayor parte de la trama se ambienta en el estado de Missouri, el rodaje fue realizado íntegramente en California, tal la razón de que en algún momento se vean montañas por detrás de los personajes, algo imposible de ver en dicho estado.

La Historia

Dalton (Patrick Swayze), de quien nunca sabremos en toda la película si es su nombre o apellido, es portero en un club nocturno de New York, donde debe encargarse de despachar a los que se ponen pesados. Algo de fama se habrá hecho porque desde la pequeña ciudad de Jagger (Missouri) llega el dueño de un bar llamado Double Deuce ofreciéndole una jugosa paga para contratar sus servicios de seguridad. Dalton acepta, pero pone la condición de que las cosas se hagan a su modo.

No es solo un tipo duro y experto en lucha y artes marciales; además ha estudiado filosofía, practica disciplinas de relajación, lo pasa leyendo y, a pesar del trabajo que hace, tiene un discurso de paz y amor sintetizado en la frase “en una pelea, nadie gana” (primera de las cuatro frases inolvidables de esta película).

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Tras dejarle incomprensiblemente su Buick sesentero a un anciano y hacerse de un Mercedes usado en un compra-venta, llega a Jagger y le alquila a un granjero una austera habitación sin siquiera televisión (no necesita). En cuanto a su lugar de trabajo, es un caos de golpes, borrachos pendencieros, botellas que vuelan, sexo fácil y músicos que deben tocar tras una barrera por la lluvia de proyectiles. Al hacerse cargo de la seguridad, arenga a su personal con un discurso casi weberiano acerca de cuándo evitar la fuerza y cuándo utilizarla: “sean amables… hasta que ya no puedan serlo” (segunda frase).

En poco tiempo, logra poner el local más o menos en orden aun a costa, claro, de ganarse enemigos que cada tanto le destrozan el auto. Pero su verdadero problema no son ellos sino un mafioso local llamado Brad Wesley (Ben Gazzara), que es quien prácticamente controla la ciudad y tiene a la policía en el bolsillo, además de ser un hombre sin sutilezas. Al echar Dalton del Double Deuce a un sobrino suyo, Wesley le tomará entre ceja y ceja, a lo que se suma que los terrenos de su mansión, donde siempre hay clima de festejo, lindan con la granja en que vive Dalton.

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Este último no solo conoce de filosofía, zen o tai-chi, sino también al parecer de cirugía ya que cose sus propias heridas (en tu cara, Rambo), aunque una profunda y hecha con cuchillo le obliga a asistir a la sala de primeros auxilios local y, tipo de suerte, es atendido por Elizabeth Clay (Kelly Lynch), una doc hermosísima. Pero también mala suerte, ya que en un pueblo chico – infierno grande es difícil que no esté todo interconectado ni las personas vinculadas entre sí, por lo que Elizabeth, como no podía ser de otra forma, es la ex de Wesley.

No quiero contar demasiado más sobre la trama en sí, pero ni falta hace decir que la cosa se pondrá muy pero muy violenta con muchas peleas, tiros y explosiones, en medio de todo lo cual arribará también al lugar Wade Garrett (Sam Elliott), amigo y mentor de Dalton que, a pesar de ello, no tiene empacho alguno en flirtear con la doctora.

Y si es tan Tonta, ¿por qué funciona?

Bien, digámoslo de manera sencilla: la historia es de lo más simplona, repleta de lugares comunes y hasta podría decirse carente de imaginación.  Y sin embargo funciona. De Profesión Duro es una película de acción bien de los ochenta, en la cual no importa tanto que el argumento sea la gran originalidad, sino que entretenga y vaya si lo hace.

No se está, por lo tanto, descubriendo América si se dice que tanto los malos como los buenos están perfectamente marcados y no tienen matices, que los autos explotan al primer disparo o que hay una colección de frases de antología del tipo “el dolor no duele” (tercera) o “me follaba a tipos como tú en la cárcel” (cuarta).

De hecho y en lo básico, es argumentalmente una película clase B, pero con producción y actores clase A y hasta un camión-monstruo específicamente fabricado para filmar una única escena, sin perjuicio de que el paisaje de fondo pueda incluir, como fue dicho, extrañas montañas que poco tienen que ver con Missouri.

Pero algo tendrá para que todavía al día de hoy un veterano actor ya nonagenario como Sam Elliott siga diciendo que cada vez que alguien le reconoce y saluda, le menciona invariablemente esta película como la primera o quizás única que de él recuerda. ¿A qué se debe pues que haya sobrevivido de esa forma en la memoria del público? Pues a varios factores…

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El Elenco Justo

En primer lugar, tenemos a Patrick Swayze, un actor prácticamente surgido del riñón de Francis Ford Coppola que, después de su primera quiebra, se dedicó a hacer películas de menor presupuesto con intérpretes jóvenes y desconocidos. Tal fue el caso de Rebeldes (The Outsiders, 1983), en la que Swayze compartía cartel con Matt Dillon, Rob Lowe, Emilio Estévez, Diane Lane, Ralph Macchio, Heather Langenkamp, C. Thomas Howell o Tom Cruise, todos para ese entonces ilustres desconocidos.

Pero mientras que todos sus compañeros de elenco tuvieron de allí en más un rápido camino ascendente, a él le esperaban varios años a la sombra hasta que en 1987 protagonizara, junto a Jennifer Grey, la exitosa Dirty Dancing.

Y si esa película le significó un espaldarazo en musicales y comedias románticas (su camino hacia Ghost), De Profesión Duro fue la que lo posicionó como actor de acción, género que también le calzó perfecto, al punto que dos años después coprotagonizaría junto a Keanu Reeves una de las mejores películas de acción de los noventa: la soberbia Point Break, insólitamente conocida en España como Le llaman Bodhi.

Es que por mucha envidia que nos generara a unos cuantos del sexo masculino, hay que reconocer que Patrick no solo tenía todo, sino que además hacía todo bien: era atractivo, tenía los ojos de nuestras novias encima, actuaba o incluso cantaba dignamente y si con todo ello no fuera suficiente, era además gran bailarín y luchador, como aquí demuestra.

Las coreografías de peleas, de hecho, son uno de los puntos fuertes de la película: están muy logradas y en su momento hicieron las delicias de los amantes de escenas de lucha, tanto gracias a él como a los hábiles ángulos y enfoques que consiguen las cámaras.

Pero además, Patrick compone en esta película una dupla sexy y de mucha química con una sensual y ascendente Kelly Lynch que, si bien venía de hacer Cocktail junto a Tom CruiseBryan Brown y Elisabeth Shue, era todavía para el público una virtual desconocida. A partir de aquí, sin embargo, quedaría identificada para muchos como “la doc de Road House” y ello le abriría puertas que, cuatro años más tarde, la llevarían a protagonizar quizás la mejor interpretación de su carrera al componer a una lesbiana despechada en la comedia Tres de Corazones.

Por cierto, Kelly Lynch llegó a la película en reemplazo de Annette Bening, que fue la inicialmente elegida, pero finalmente descartada por su poca química con Swayze, lo cual indudablemente fue un gran acierto.

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Y si decimos que la química entre ambos funciona, es seguramente mérito de los dos, pero también de una fotografía y una iluminación que los saben aprovechar y que, como no podía ser de otra forma en los ochenta y primeros noventa, no privan al espectador de los consabidos momentos eróticos, teniendo las escenas de alcoba bastante piel de ambos en exposición…

Pero no todo se agota en ellos. La película cuenta además con un villano odiosamente inolvidable compuesto por Ben Gazzara y un Garrett que, encarnado por el siempre bueno y carismático Sam Elliott, se convierte a partir de su irrupción en el filme en complemento perfecto para Swayze, lo cual no le priva de jugar al trío con él y Lynch, aunque más no sea en sugerente fantasía que no llega a concretarse.

Estética y Música

Otro de los puntos altos del filme es el bar como ámbito nocturno y universo propio. Soy de los que creen que los bares son mundos aparte y me gusta cuando un director sabe captar eso. Álex de la Iglesia lo consigue de manera genial en El Bar, aunque en formato diurno. Pero la nocturnidad de puertas adentro, esa que nos da la sensación de que al trasponer el umbral entramos en una dimensión paralela con reglas propias, es algo magistralmente logrado por Walter Hill en Cruce de Caminos (inigualable) y tiene también en De Profesión Duro un perfecto exponente.

De hecho, la película transcurre en su mayor parte de noche y sus momentos desencadenantes tienen lugar durante la misma, siendo las escenas de día más bien circunstanciales o complementarias.

Por último, pero no menos importante, la banda sonora del gran Michael Kamen se complementa perfectamente y sin conflicto alguno con la música de rock, blues, soul o rhythm & blues que suena a lo largo de la cinta y que tiene como principal estrella a Jeff Healey, el enorme guitarrista ciego que aparece liderando la banda estable del Double Deuce (otro punto de contacto con Cruce de Caminos, en donde aparecía Steve Vai).

Así, en versiones interpretadas por su banda, suenan clásicos inmortales de The Doors (Roadhouse Blues) , Willie Dixon (Hoochie Coochie Man), Bob Dylan (When the Night comes falling from the Sky), Creedence Clearwater Revival (Travelin´Band), Eddie Floyd (Knock on wood) o Wilson Pickett (Mustang Sally), siendo una verdadera pena que en el álbum del soundtrack varias de esas canciones hayan sido omitidas.

También se oyen, pero con sus propias voces, a Otis Redding y Bob Seger e incluso Patrick Swayze que, repitiendo la experiencia que tan bien le saliera con Dirty Dancing, interpreta un par de canciones y es incluso coautor de una de ellas.

Valoración y Legado

Si has leído hasta aquí este artículo sin haber visto De Profesión Duro, es posible que te quedes con la idea de que es una mala película. Pero si la has visto, entenderás que este es uno de esos filmes que son buenos y malos a la vez, pues por mucho lugar común o historia manida que le encuentres, atrae de una forma que te mantiene pegado de principio a fin y acaba haciéndote preguntar por qué ya no se harán películas así…

De Profesión Duro pertenece a una época especial y única en que no había lugar para la autoindulgencia ni las disculpas. Es un producto bien logrado, que busca entretener y lo consigue merced a un consabido cóctel de acción, romance y erotismo, al que hay que sumar el carisma de Patrick Swayze y los buenos desempeños de quienes lo acompañan.

Inútil tratar de ver el filme con ojos intelectuales: si vas a buscar expresionismo alemán o neorrealismo italiano, deberás buscarlo respectivamente en el expresionismo alemán y en el neorrealismo italiano, pero claramente no aquí…

No es que la película haya sido un éxito arrasador a su paso por los cines, pero su fama comenzó a cimentarse al ser lanzada para el medio hogareño, convirtiéndose sin duda en uno de los VHS más requeridos hacia finales de los ochenta y perdurando como clásico de culto hasta el día de hoy. Una pena, eso sí, el final de Patrick, a quien después de protagonizar con gran suceso la serie La Bestia, le fuera diagnosticado a principios de 2009 un avanzado cáncer de páncreas que no solo le privaría de rodar una segunda temporada, sino que además le llevaría en poco tiempo a un trágico final.

El filme, por otra parte, tuvo una flojísima “secuela” en 2006 titulada Road House 2: Última Llamada, la cual, dirigida por Scott Ziehl y protagonizada por Johnathon Schaech, fue directamente al video casero sin paso por los cines. Uno se preguntaría a quién se le podía ocurrir que una secuela funcionase sin Swayze, pero en realidad hay muy poco en la película que ayude a definirla como tal y hasta deja la sensación de no haber sido rodada con ese fin, sino que se le inventó ese título solo para promocionar el simultáneo lanzamiento en DVD de la original.

Y en pocos días más conoceremos el remake en Prime Video, que vuelve a estar producido por Joel Silver, pero cuenta en esta oportunidad a Doug Liman como director y a Jake Gyllenhaal como protagonista, lo cual no deja de ser una enorme coincidencia considerando que tanto él como Swayze estuvieron juntos en Donnie Darko (aquí retro-análisis de un servidor). Seguramente estaremos analizando el filme en esta web y si quieren saber más, les dejo artículo y tráiler en su momento publicados.

Esperamos, eso sí, que haga algo de justicia al original o logre al menos rescatar parte de su magia…

Hasta la próxima y sean felices…

El cómic de la semana: Liga de la Justicia El clavo

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Liga de la Justicia El clavo. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Liga de la Justicia El clavo de Grandes Novelas Gráficas de DC

Tengo que recalcar que estamos ante el tomo de Grandes Novelas Gráficas de DC. Y todo esto viene, o es debido a que existen otros formatos en España que contienen esta saga de Liga de la Justicia El clavo. ¿Es esta la mejor posible? Antes de responder, tengo que añadir que además hubo una segunda parte llamada Liga de la Justicia Otro clavo. Pues bien, esta novela gráfica contiene las dos partes, las dos sagas, contiene el pastel al completo. Por tanto ya vamos entendiendo que este volumen si podría ser la mejor edición posible.

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¿Y que decir de esto? ¿Merece la pena? Empiezo con el autor completo, Alan Davis, un magnífico dibujante británico, para mi uno de los mejores de todos los tiempos que además hace las labores de guionista. Y el entintado recae en Mark Farmer uno de sus habituales, aunque siempre estuvo más ligado a otros artistas como Paul Neary, sobre todo en obras como Excalibur.

El dibujo es magnífico, sobre todo en un cómic de superhéroes donde se destila más un dibujo mes a mes, que en obras europeas. Pocos autores plasman en el papel los personajes como Davis. Respecto al guion, Davis ya demostró ser un artista con momentos de brillantez, como por ejemplo en Excalibur tras la marcha de Claremont ya a principios de los 90. Alan Davis si demuestra ser un competente escritor con grandes ideas, y aquí en Liga de la Justicia El clavo se inventa un mundo alternativo, una especie de What if…? muy interesante a todos los niveles. En esta historia nos cuenta que pasaría si viviéramos en un mundo sin Superman. Y no es que esté muerto, es que los Kent no le encontraron, ni le criaron, porque el día en el que le deberían haber rescatado de su aterrizaje en la Tierra, se encontraron con un pinchazo en la furgoneta. Un mísero clavo cambió la historia del universo reciente para siempre.

Y la historia y el transcurso de la misma es totalmente recomendable, un must-have de verdad, de los que hay que tener.

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Debido a la increíble repercusión que tuvo en su momento Liga de la Justicia El clavo, se sacaron de la manga una secuela, Otro clavo, que continuaba justo las aventuras de los personajes de ese mundo alternativo, después de los acontecimientos de la primera historia. Hasta aquí todo bien. Y me parece estupendo y de valorar que este tomo de Grandes Novelas Gráficas de DC contenga las dos partes. Pero eso si, la secuela es bastante peor que la original. El dibujo sigue siendo maravilloso, pero la historia ya es harina de otro costal, ya no es significativa. Pasamos de tener una gran obra a otra mediocre.

¿Qué es estupendo tener las dos partes en un sólo tomo? Si. ¿Qué esta Novela Gráfica es muy completa y viene toda la obra? Si. Pero sobre todo hay que tener en cuenta que El clavo es una obra sobresaliente y su secuela de aprobado. Con estas premisas, si las aceptas, estás ante una Novela Gráfica que como mínimo deberías leer.

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¿Y si los Kent no hubieran encontrado la nave de Superman por una circunstancia tan mundana como un neumático pinchado? La Liga de la Justicia de América habría salido adelante sin su principal referente. Pero ahora que hay un enemigo misterioso al acecho y Batman va a quedar fuera de combate, la presencia del Hombre de Acero no les vendría nada mal.

Alan Davis es uno de los dibujantes más aplaudidos del cómic de superhéroes, y también ha ejercido como guionista en obras como JLA: El clavo y JLA: Otro clavo, las dos espectaculares miniseries que recopila este volumen y en las que Davis colabora con Mark Farmer, su entintador habitual.

La Edad de Plata de DC Comics ha influido en numerosos autores actuales, incluido Alan Davis, que se sumerge en dicha época para mostrarnos la alineación más clásica de la JLA y de aliados como los Metal Men. El clavo es una forma idónea de leer a los superhéroes de siempre con un estilo contemporáneo.

Edición original: JLA: The Nail núms. 1-3, JLA: Another Nail núms. 1-3 USA

Sin más os dejo a continuación enlace a ECC Cómics y justo debajo la portada del tomo en España.

Liga de la Justicia El clavo

Un saludo y sed felices.

Ninja Kamui, el anime desgarrador que apunta a bombazo en 2024.

Se ha estrenado una nueva serie sobre ninjas que está dando mucho de que hablar, se trata de Ninja Kamui. Sus capítulos se pueden ver desde el 10 de febrero en HBO Max. Aunque la venganza es ya parte del universo básico del género de la acción, esta vez la diferencia, es que nos introduce en el fascinante mundo de los ninjas con sus códigos y técnicas secretas. Una serie, que hará las delicias de los fans que disfrutan con los enigmáticos relatos del lejano oriente.

Ninja Kamui puede recordarnos a una reciente serie como es Samurái de ojos azules, pero si se puede encontrar alguna diferencia, es que Ninja Kamui supera con creces los litros de sangre que se ven en la serie de Netflix. Además de combates brutales entre ninjas y asesinos, con sangrientas consecuencias.

La trama nos cuenta, que después de escapar de su clan y esconderse en las zonas rurales de Estados Unidos, el ex ninja Joe Higan, es emboscado por asesinos que quieren cobrar la recompensa que han puesto sobre él y sus seres queridos, debido a su traición. Después de sobrevivir a la matanza de su familia, Joe vuelve a retomar su antiguo nombre, Ninja Kamui, con el que empezará una odisea de venganza. Se irá sumergiendo en una espiral de violencia que lo devorará mientras acaba con todo el clan que lo entrenó.

Ninja Kamui el anime de acción de principios de año.

Ninja Kamui, está dirigida por Park Sunghoo, para los estudios E&H production y CGI Sola Entertainment. Como curiosidad, una adaptación a videojuego titulada Ninja Kamui: Shinobi Origins, está siendo elaborada para su lanzamiento a lo largo del segundo trimestre de 2024. Un detalle importante, es que se encuentra disponible con doblaje en español, buenas noticias para los que no estén acostumbrados a leer los subtítulos.

La primera impresión, en líneas generales, sobre la serie, es que tiene una excelente factura en su animación, dando especial relevancia a la calidad de los movimientos y de las peleas. Algo, que es imprescindible en una serie que contiene un alto grado de acción y violencia. Violencia por otro lado, que no se guarda nada en su expresión en la pantalla, ya que desde el primer capítulo, la sangre y la muerte se convierten en el punto de conexión entre la historia y el espectador. Hay un ligero aroma a homenaje de algunos animes de la vieja escuela, tales como Ninja ScrollFist of the North Star.

Una de las cosas interesantes sobre los ninjas, siempre han sido, las llamativas técnicas de combate que posee cada personaje. Algunas más realistas que otras, todo hay que decirlo, pero siempre atractivas visualmente. Ninja Kamui nos introduce en el mundo contemporáneo donde los ninjas intentan llevar una apariencia normal. Sin embargo, son perseguidos y cazados por el clan que los entrenó.

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Es en la lucha donde despliegan sus habilidades superhumanas, sí a veces los ninjas parecen herederos de los superhéroes, aunque claro, queda el debate de quien nació antes, los ninjas o los súper. De las destrezas que posean con sus talentos, dependerá su resistencia para defenderse de los ataques. En Ninja Kamui no hay medias tintas, la vida no vale más que la potencia que puedas tener para matar o, por lo menos, no ser asesinado.

El tono de la serie es de una profunda oscuridad, en consonancia con su protagonista y su descenso al infierno del odio. Hay que apuntar, que Ninja Kamui es mucho más violenta y seca que las películas de John Wick, que ya es mucho decir. Sin embargo, tiene una seductora plasticidad en sus peleas, gracias a una animación pulcra y elegante, que te hace quedarte hipnotizado ante la ferocidad de la lucha. No hay concesiones, ni heridos, ni perdón, los ninjas solo entienden la muerte como forma de vida, pero acabas admirándoles por su exquisito estilo.

Algo bueno que consigue el anime, es evitar los tópicos sin complicarse en su argumento, gracias a un diseño de personajes atractivo. Pone el énfasis en las técnicas de combate, que logran darle fluidez a la narración sin la necesidad de grandes discursos. Sobre todo, con su buena planificación de las coreografías, que lucen esplendidas tras los borbotones de sangre. Ninja Kamui contiene elaboradas escenas de acción en las que combina; ninjas, tecnología puntera, técnicas de combate y patadas voladoras. Un cóctel que cumple a la perfección con la premisa de ofrecer una espectacular serie de acción.

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En definitiva, Ninja Kamui es una serie recomendable con una gran dirección artística. Sobre todo, si eres de los que disfrutas con el descomunal uso de la violencia o con la presencia de continuos ríos de sangre inundando cada secuencia. Puesto que son dos elementos claves, tanto para desarrollar la historia, como para disfrutar de la lucha entre los ninjas. Aunque no solo destaca por eso, ya que tiene una soberbia producción técnica, que hace que nos encontremos ante uno de los animes más espectaculares del año.

¿Estás preparado para la venganza? Sí es así, estás listo para acompañar al ninja en su camino intenso, violento y cargado de odio. 

Crónica de los días 1 y 2 del Festival Sombra de Madrid: Club Zero, La mesita del comedor, Sleep y ¡mucho más!

El Festival de Cine Fantástico Europeo Sombra Madrid arrancaba el pasado día 13 con sus primeras sesiones. Por la mañana en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense hubo doble sesión de cortometrajes a concurso (IntercanviAliciaLa última caja…) y por la tarde fue la proyección de su primer largometraje: Club Zero.

Como comentábamos en el artículo de presentación anterior, el Festival Sombra de Madrid es un nuevo brazo del Sombra de Murcia que cumple este 2024 su XIII edición y que toma el relevo del desparecido Nocturna de Madrid a raíz de la pandemia. Javier García Caballero dirige en Murcia y en Madrid, el que se espera será un lugar de encuentro y liturgia de aficionados al terror y fantástico que seguro crecerá año tras año.

En este artículo voy a repasar brevemente la programación que he podido ver en los dos primeros días —13 y 14— y haré lo mismo el resto de semana. Hoy Club Zero (2023), el corto Angustias (2023), La mesita del comedor (2022), Tenebre (1982), We Are Zombies (2023) y Sleep (2023).

sombra poster cosas felices

 

Club Zero (2023) de Jessica Hausner – 22 de marzo en cines

La profesora Miss Novak (Mia Wasikowska), se incorpora en una escuela europea de élite para dar clases de nutrición. Sus cuestionables métodos basados en reducir la cantidad de ingesta de forma drástica hasta el punto de no comer, terminan calando en algunos de sus estudiantes con los que establece un fuerte vínculo.

La realizadora austriaca nos entrega una película de interesante argumento, con unos primeros compases prometedores que se desinfla un poco en su segunda mitad cayendo en una tautológica monotonía. Aun así, mira el género de terror de soslayo para trazar un hiperbólico relato sobre el sectarismo y sus falsos gurús, las taras sociales y la educación, mediante una puesta en escena acorde a su distópico —aunque más actual que nunca— contenido, basada en un continuo zoom in/zoom out y un recurrente uso del plano aberrante y mal encuadrado.

El color y vestuario sirven a la directora para construir la identidad homogénea de este grupo sectario, así como describir el sector estudiantil desde la sátira más ácida al puro estilo Borgli en Sick of Myself (2022).

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Angustias (2023) de Aída Cordero

Cortometraje sobre una pareja mayor (Marian Salgado y Jack Vincent) que decide ingresar en un asilo de vampiros, no sin antes convertirse en ellos.

Un trabajo de muy bajo presupuesto pero súper disfrutable, con ecos del expresionismo alemán en su concepción formal y un galante Carlos Urrutia magnífico como vampiro. Aída Cordero recupera a la actriz Marian Salgado (¿Quién puede matar a un niño?, La endemoniada) tras muchos años lejos del cine.

Los actores protagonistas Marian Salgado y Jack Vincent y su directora Aída Cordero nos han honrado con su presencia para presentar este curioso cortometraje proyectado por el festival junto a La mesita del comedor.

angustias cosas felices Aída Cordero, Marian Salgado y Jack Vincent presentando Angustias en la Sala Azul de la Facultad de Ciencias de la Información (UCM)

La mesita del comedor (2022) de Caye Casas

María (Estefanía de los Santos) y Jesús (David Pareja) acaban de ser padres pero no pasan por su mejor momento. Para completar su mudanza compran una variopinta mesita de comedor que deparará de forma inesperada en la peor de sus pesadillas.

El relato de Caye Casas es sencillo y —amén de un par de escenas— transcurre en un solo escenario, que le basta para mantener una tensión asfixiante en todo momento. El humor tiene mucha presencia en la cinta, incluso transcurrido el trágico incidente desencadenante de la acción, lo que hace más llevadera una situación terrible, al tiempo que sitúa a sus personajes continuamente al borde del ridículo sin dejarse derribar.

La mesita del comedor es escabrosa, grotesca y terrorífica conceptualmente, pero ante todo es inteligente y consigue conducir la narración por un cauce de máximo disfrute con unos intérpretes —¡grande Estefanía de los Santos! a la que recuerdo por su magnífico papel en Grupo 7 (2012)— más que notables. Que no os cuenten nada de la película, porque cuanto menos sepáis mejor.

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Tenebre (1982) de Dario Argento

Un famoso novelista estadounidense (Anthony Franciosa) visita Roma para presentar su nuevo libro, Tenebre, cuando unos misteriosos y sangrientos asesinatos comienzan a sucederse en la ciudad italiana de forma idéntica a los que ocurren en su libro.

Sombra nos ofrece una retrospectiva del maestro del giallo italiano Dario Argento (SuspiriaRojo oscuro, Phenomena…). Esta inteligente selección, permite alejarnos de las películas más laureadas del maestro para indagar en una cinta igual de sobresaliente pero quizá algo más desconocida que Suspiria (1977) o Rojo oscuro (1975). En Tenebre el italiano narra con una cámara espía, omnipresente, casi líquida; una amenaza constante pero poco visible −como suele ocurrir en el slasher− que funciona a modo de juego del gato y el ratón con algunos sorprendentes giros de guion y sangre −roja oscura− por doquier. La excelsa ambientación musical de Claudio Simonetti, Massimo Morante y Fabio Pignatelli eleva una obra fundamental para cualquier fan del terror y del giallo.

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We Are Zombies (2023) de François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell (RKSS)

En un futuro distópico en que vivos y muertos vivientes con conciencia conviven, tres jóvenes amigos se ven obligados a combatir con una gran empresa a la que roban dinero, que busca venganza secuestrando a la abuela de uno de ellos.

Mi mayor sorpresa hasta el momento del festival. Una película de la que no tenía ninguna expectativa y que se ha terminado convirtiendo posiblemente en el mayor disfrute de la jornada. Es una comedia de zombies para pasarlo en grande, con efectos especiales muy considerables para lo que se puede esperar, en la que no hay grandes pretensiones más allá de entretener y hacer reír. Tiene una duración efectiva de 80 minutos, en los que la acción y la comedia combinan a la perfección, aunque quizá habría estado bien bajarse −más todavía− al barro del gamberrismo. Su desarrollo recuerda a otras comedias de zombies como Bienvenidos a Zombieland (2009) y, sobre todo, Zombies Party (2004). ¡Que vivan los zombies!

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Sleep (2023) de Jason Yu

Una mujer embarazada comienza a preocuparse seriamente por los comportamientos de su marido mientras duerme. Algo anecdótico en un principio va convirtiéndose en una actitud agresiva y dañina, por lo que buscan ayuda en una clínica del sueño.

El cine de terror asiático es probablemente uno de los más perturbadores que existe, sin embargo encuentro en Sleep un ejercicio fallido. El sonambulismo como herramienta para el terror suena de inicio como un planteamiento muy curioso, pero poco a poco va cayendo en los tópicos más trillados del género y no termina de explotar el potencial de su propuesta, apartando también rápidamente el interés que podía generar el oficio como actor de su protagonista: se da mucha importancia a este aspecto, para luego eliminarlo sin demasiada explicación. Aún así, crea momentos de auténtica tensión −la breve escena de arranque es magnífica− y juega a darle la vuelta a sus personajes de una forma muy inteligente.

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Y hasta aquí mi crónica del Festival Sombra de Madrid referida a las dos primeras jornadas de su programación. He visto todo lo que he podido, dejando en el camino algunas proyecciones como las dos sesiones oficiales de cortometrajes que daban comienzo al festival y −por incompatibilidad de horarios− la película serbia The Uncle (2022), de la que he escuchado maravillas. Durante los tres días que quedan, seguiré publicando mis impresiones sobre todo lo que pueda ver. 

Muchas gracias por leerme e id al cine.

Reseña de Justicia (2005), la Liga de la Justicia de Alex Ross

Alex Ross es una figura importante para entender el cómic superheroico de los años 90, ya que dibujó la Marvels de Kurt Busiek y el Kingdom come de Mark Waid. Casi diez años después, en 2005, estrenó Justicia, nueva maxi serie con La liga de la justicia que reunía a casi toda la plana mayor de la Edad de Plata de DC Cómics. Ahora, la editorial ECC relanza este clásico dentro de su línea de novelas gráficas de DC.

Reseña de Marvels, la obra maestra de Kurt Busiek y Alex Ross.

Aunque no existe un periodo oficial establecido, la Edad de plata de los cómics abarcó, aproximadamente, entre 1956 y 1971. Fue una época marcada por la infantilización de todos los personajes del noveno arte ante el temor de que estos pudieran pervertir la mente de los lectores de cómics. Es decir, los niños. En general, es una edad bastante mal considerada a nivel crítico. Justicia viene a hacer…pues eso, justicia a aquella época.

La trama que orquesta Alex Ross enfrenta a la Liga de la justicia y la Legión de la condena. Los villanos que la componen tienen un sueño conjunto en el que el mundo es arrasado y los héroes no son capaces de salvarlo. Por ello, por primera vez, los supervillanos ponen sus poderes al servicio de la humanidad mientras neutralizan a los superhéroes para que la gente pierda la fe en ellos.

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Con este punto de partida, Alex Ross desarrolla una trama en la que aparecen la mayor parte de los personajes de DC. No solo la Liga de la justicia de la Edad de plata (aquí no está Cyborg, por poner un ejemplo). También aparecen Shazam, la Patrulla Condenada, Plastic Man, los Jóvenes Titanes, La legión de la condena, Joker, Doctor Sivana o Dos Caras, entre otros.

Sin embargo, la historia no alcanza la maestría de Kingdom Come o Marvels. Los primeros números, con la Liga superada como pocas veces, mientras los villanos sacan partido a sus poderes para ayudar a los demás, atraen porque el conflicto parece difícil de resolverse. Desgraciadamente, la historia acaba derivando en el «más de lo mismo»: los héroes dándose tortas de toda clase y condición con los villanos mientras Ross muestra la capacidad de resistencia y aguante de los miembros de la Liga de la Justicia. De hecho, al final hay tantos personajes en juego que la batalla final es demasiado dispersa.

Se agradece el intentar dar voz a gran parte de los héroes. En general, todos están bien retratados pero yo destacaría a Shazam, un héroe que parece hecho a la medida de Ross (ya tenía un papel realmente importante en Kingdom Come), Wonder Woman, Aquaman y Hal Jordan, el Green lantern original.

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Eso sí, lo que merece la pena es el impactante dibujo hiperrealista de Alex Ross, a la altura de lo visto en sus obras maestras. No abusa de las splash pages, pero las que aparecen en el tomo sobrecogen, con un magnífico diseño de personajes tanto en sus trajes originales como en sus variantes más…metálicas.

En definitiva, esta Justicia es una obra fundamental para acercarse a los superhéroes de DC, aunque queda por debajo de obras maestras como Kingdom Come o los primeros años de Injustice. Lástima de un punto de partida que prometía el conflicto más difícil de superar por esta Liga de la justicia y que, al final, ofrece más de lo mismo. Al menos es un cómic que nos hace creer en un mundo mejor, en un mundo que nos hace feliz.

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Enlace a Justicia (Grandes novelas gráficas de DC) en ECC Cómics

Los miembros de la Liga de la Justicia han tenido una pesadilla en que son incapaces de evitar una catástrofe nuclear. En principio, no es más que un sueño, pero cuando entre en acción la Legión de la Condena para neutralizar a los héroes de uno en uno, ¿quién sabe si terminará haciéndose realidad?

El guionista y dibujante Alex Ross regresa al Universo DC tras Kingdom Come y Los mejores superhéroes del mundo, acompañado por Jim Krueger y Doug Braithwaite para contarnos una historia intemporal de la Liga de la Justicia de América.

Héroes contra villanos. Así han sido los cómics de toda la vida, esos a los que Justicia rinde homenaje. Ross, Krueger y Braithwaite nos devuelven a la Edad de Plata por medio de las encarnaciones más emblemáticas de Wonder Woman, Flash, Lex Luthor, el Acertijo y compañía, los protagonistas de una trama que, tras la aparente sencillez de antaño, oculta la complejidad y los matices de los tebeos contemporáneos.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Ya tenemos tráiler de The Crow (2024), con Bill Skarsgård en la piel del icónico personaje

A treinta años de la ya emblemática película que protagonizara Brandon Lee, se viene The Crow (2024), reboot dirigido por Rupert Sanders y protagonizado por Bill Skarsgård. Echa un vistazo al tráiler a ver cómo luce…

En 1994 el egipcio – australiano Alex Proyas sorprendió con una versión de The Crow (El Cuervo) que tenía en su papel principal a Brandon Lee dando vida a Eric Draven (un apellido que suena intencionalmente a The Raven, lo que también se traduce como El Cuervo). Pero aquella película, que a su vez adaptaba el cómic creado por James O´Barr y publicado en 1989, pasó además a la historia por la penosa muerte en el set de Brandon, que seguía así el destino trágico de su padre Bruce Lee.

La nueva versión dirigida por Rupert Sanders (Blancanieves y la Leyenda del Cazador, Ghost in the Shell), se anuncia como una nueva reinterpretación de la historia original de O´Barr, pero a la vez y según propias palabras del director, no omite la película de Proyas como si nunca hubiera existido, sino que por el contrario está también planteada como homenaje a Brandon Lee.

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Lo que le atrajo del proyecto, sigue diciendo, fue “la oportunidad de hacer un romance oscuro, algo que tratara sobre la pérdida, el dolor y el velo etéreo entre la vida y la muerte”. El filme busca equilibrar la luz con la oscuridad más de lo que lo hacía aquella primera versión e incluso profundizar en la relación que antes de la tragedia tenían Eric y Shelly, quien es interpretada por la cantante británica FKA Twigs (nombre de pila: Tahliah Debrett Barnett).

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Bastante más oscuro y siniestro, habrá que ver si para bien o para mal, luce al parecer en este reboot el personaje principal en la encarnación de Bill Skarsgård, quien viene de dar vida a Pennywise en las dos películas de It dirigidas por Andy Muschietti.

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“Las almas gemelas Eric Draven y Shelly Webster – reza la sinopsis oficial -son brutalmente asesinadas cuando los demonios de su oscuro pasado los alcanzan. Al tener la oportunidad de salvar a su verdadero amor sacrificándose, Eric se propone vengarse despiadadamente de sus asesinos, atravesando los mundos de los vivos y los muertos para arreglar las cosas equivocadas”.

El tráiler luce bien, pero sería interesante conocer vuestra opinión. ¿Cómo lo ven? ¿Tienen expectativas con el reboot o creen que la sombra de Brandon Lee es demasiado pesada? Les leo. De momento, el estreno es el 7 de junio.

Hasta la próxima y sean felices…

 

Las Series que nos hacen Felices: The 100 (Los 100), a diez años de su estreno

Se cumple hoy diez años de que llegara a la pantalla de The CW, la serie The 100 (Los 100) que, creada por Jason Rothenberg y a lo largo de siete temporadas, sería emitida hasta septiembre de 2020 erigiéndose en uno de los grandes referentes de la ciencia ficción televisiva de la pasada década, sosteniéndose en una trama post-apocalíptica que iría de menor a mayor en audacia. Una buena oportunidad para volver a echarle ojo…

Cuando The 100 (Los 100) se estrenó en The CW allá por marzo de 2014, la sensación era que estábamos ante un entretenimiento post-apocalíptico sin mayores pretensiones, con buenas dosis de acción y un elenco de actores jóvenes y atractivos.

Es cierto que desde sus comienzos la serie fue muy entretenida, pero no había forma de pensar que se mantendría más allá de dos temporadas con lo limitado de su premisa, como tampoco que alcanzaría los niveles de audacia argumental a que llegaría, convirtiéndose en una de las mejores series de ciencia ficción de la década pasada y quizás de todos los tiempos.

El Arca

Basada en la saga de novelas de la autora Kass Morgan y creada por Jason Rothenberg, The 100, filmada mayormente en Vancouver (una localización por esos días predilecta debido a la menor presión impositiva), se inicia como un drama espacial en el cual una catástrofe nuclear ha devastado la Tierra y unos pocos miles de humanos sobreviven al desastre en doce estaciones orbitales que, con el correr de los años, deciden unirse en una sola, llamada muy apropiadamente El Arca.

La misma es gobernada con férrea mano por un Canciller y su Consejo, pero han pasado noventa y siete años y tres generaciones desde el desastre en la Tierra, comenzando ya la colonia a verse afectada por la carencia de recursos, pérdida de oxígeno y superpoblación, lo cual genera severos controles de natalidad, así como que muchos jóvenes caigan en la marginalidad, las drogas o la delincuencia al no encontrar expectativas reales.

Debido a la necesidad de aleccionar a las nuevas generaciones y a la imposibilidad cada vez mayor de sostener tanta gente en la colonia, los delitos son invariablemente condenados con la pena de muerte cuando los acusados tienen más de dieciocho años, pero no así cuando son más jóvenes, lo que genera el problema del abarrotamiento carcelario.

La situación crítica que atraviesa El Arca, sin embargo, brinda la posibilidad de quitarse a unos cuantos de encima con un fin a la vez útil: cien jóvenes son sacados de la cárcel y enviados a la Tierra con la misión de comprobar si, a casi un siglo de la catástrofe, la radiación se ha retirado y el planeta es habitable. De ser así, ello permitiría al resto dejar El Arca e instalarse en un mundo que nunca han siquiera pisado.

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Una Serie Valiente

Con esa base se desarrolla una historia que se va poniendo cada vez mas interesante pero también, y sobre todo a partir de la segunda temporada, más oscura y sin concesiones. En efecto, hay en la Tierra quienes han sobrevivido a la radiación y se han agrupado en clanes que compiten o luchan entre sí, siendo la llegada de los jóvenes del espacio (spacekru, como ellos los llaman) un nuevo foco de conflicto.

También hay quienes, en un bunker subterráneo militar de las colinas, han sobrevivido por no estar en contacto con la radiación, pero solo pueden seguirlo haciendo a través de transfusiones de médula no contaminada, lo cual convierte a los recién llegados en apetecible bocado por haber nacido y crecido fuera de la Tierra y estar, por lo tanto, ajenos a la radiación post-catástrofe.

A lo largo de las temporadas, la historia transita por inteligencias artificiales, mundos virtuales, regresos al espacio, agujeros negros y un segundo apocalipsis en ciernes al que los clanes de la Tierra llaman “praimfaya” (el fuego primitivo). Por cierto y en gran detalle, estos últimos hablan un argot llamado trigedasleng que, apocopado en la serie como trig, fue desarrollado por el lingüista David J. Peterson, mismo creador de las lenguas dothraki y valyrian para Juego de Tronos.

Además, unos pocos de quienes habitan la Tierra han desarrollado un tipo de sangre al cual en trig se llama “natblinda” y suele ser traducido como Sangre Oscura o Sangre Nocturna según países de habla hispana: solo aquellos que la poseen pueden aspirar a ser comandantes de clanes. El origen de esa sangre y su relación con la radiación es algo que se va conociendo poco a poco durante las cuatro primeras temporadas, por lo que no quisiera hacer spoiler al respecto, sino solo decir que tendrá una importancia clave en la historia.

Lo bueno de la serie es que los guionistas tienen la habilidad de someter todo el tiempo a los protagonistas a decisiones reñidas con su propia ética y hacer, por extensión, que cada uno de nosotros replantee a la vez la suya propia: la de The 100 es, a medida que avanza, una historia que corroe y carcome nuestra conciencia.

Y no nos presenta personajes seguros y omnipotentes que duermen tranquilos con sus decisiones; por el contrario, viven en una tormenta de dudas, remordimientos y culpas. “¿Cuántos límites más vamos a cruzar para sobrevivir?” se preguntan. “La certeza es un lujo que los líderes no pueden permitirse” llegan a afirmar. Y es así como una serie que empieza como pasatiempo adolescente termina en profunda reflexión sobre valores y decisiones, haciendo que nos preguntemos cómo actuaríamos nosotros mismos en situaciones así de límite…

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Nunca nos pone las cosas fáciles: cuando alguien mata a otro, el guion no echa mano del clásico y cobarde recurso de mostrarnos que merecía morir, sino que nos deja tan atormentados en dudas como a los protagonistas. Hay muchas situaciones en que se nos hace difícil (o hasta imposible) tomar partido, pues cada uno de los implicados en los distintos conflictos suele tener algo de razón y también algo de culpa.

A veces, el héroe de una temporada pasa a villano en la siguiente o viceversa, lo cual es de admirable valentía argumental. E incluso el guion toma decisiones que son exactamente opuestas a las que al fanservice gustaría. Y aun así, sin embargo, la serie se las apaña para seguir siendo exitosa y mostrar a los fans que el mejor camino puede llegar a ser el más difícil de aceptar.

Es así que a lo largo de las temporadas y al estilo Juego de Tronos, son muchos los personajes principales que mueren, tanto que de los cien originales se pueden contar con los dedos los que quedan para el final de la serie: de más está decir que no diré cuáles…

Los Personajes

Clarke Griffin (Eliza Taylor) es sin duda el principal personaje de una serie que, a medida que avanza, se va articulando en torno suyo. Hija de madre médica y condenada por delincuencia juvenil a bordo del Arca, demuestra desde el principio dotes de líder que asume aun a pesar suyo, pero que la convierten casi siempre en voz de su grupo al momento, por ejemplo, de pactar o negociar con otros.

También y por eso mismo, Clarke es quien tiene a cargo las decisiones más difíciles, que las más de las veces son radicales, no escatiman en riesgos y entran en conflicto tanto con la moral como con sus amistades y relaciones. Es un personaje al que por momentos amamos y por momentos odiamos, sabiendo Eliza Clarke, sin ser una actriz deslumbrante, darle el perfil justo para hacerlo creíble en su ambivalencia.

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Y si hablamos de Clarke, hay que hablar también inevitablemente de Lexa (Alycia Debnam-Carey), quien no es parte de los cien ni ha nacido en el Arca sino en la Tierra post-apocalíptica y con Sangre Nocturna. Desde los doce años se convirtió en Comandante de su tribu y, más tarde, de los doce clanes unidos que viven en conflicto con la Nación de Hielo.

Pero a partir de la llegada de Clarke y su encuentro con ella, habrá entre ambas una relación muy especial, pues al ser ambas líderes de los suyos entrarán en conflicto, pero a la vez sentirán una cierta identificación que se irá haciendo cada vez más simbiótica a medida que avancen las temporadas y cada una de ambas es vaya constituyendo en contraparte, complemento y espejo de la otra…

Y siguiendo con los personajes importantes a lo largo de la serie, no podemos obviar a los hermanos Blake, con su traumática historia familiar. Bellamy (Bob Morley) es de ambos el mayor, pero su madre Aurora tuvo a bordo del Arca una segunda hija en abierta contradicción con las normas vigentes sobre control de natalidad. Por tal motivo (y aclaro que no estoy contando nada que no se sepa ya en el primer capítulo), Octavia (Marie Avgeropoulos) debe crecer oculta en una habitación mientras su madre, incluso, se prostituye con los guardias para protegerla.

Pero una salida con su hermano a una fiesta de disfraces termina haciendo que el gobierno del Arca sepa de su existencia, lo cual motiva que su madre sea arrojada al espacio en castigo por su falta y ella, al no tener aún dieciocho años, puesta en prisión. Al momento de ser enviados los cien a la Tierra, Octavia será parte de los mismos y su hermano Bellamy, para protegerla, se infiltrará como falso guardia.

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A partir de su relación con un guerrero y una guerrera terrestre, que serán a la postre y respectivamente su amante y  su mentora, Octavia se irá poco a poco convirtiendo también en guerrera y líder por derecho propio, llegando incluso en algún momento a comportarse de manera casi dictatorial, pero constituyéndose sin duda en uno de los más interesantes personajes de la serie.

Calidad In Crescendo

Podríamos seguir hablando de personajes a lo largo de las siete temporadas porque hay muchos, pero haría este artículo muy engorroso de leer y no es la intención. Lo mejor de la serie tal vez esté entre la segunda y quinta temporada, pero siempre mantiene su nivel, aun cuando (como suele ocurrir) las opiniones sobre la última estén divididas y muy especialmente sobre un final del cual hay que decir que, guste o no, se condice con el tono audaz que tuvo toda la serie.

Y los efectos visuales, que en la primera temporada hacen algo de agua por falta de presupuesto, van mejorando muchísimo con el correr de las siguientes, a la par de un maquillaje y un vestuario realmente magníficos y una fotografía que, a través de primeros planos o cámaras temblorosas en mano, contribuye a realzar el dramatismo, la inmediatez o el vértigo que viven los protagonistas: podrá gustar a algunos y a otros no, pero calza a la perfección con el nerviosismo que se busca transmitir.

En Conclusión

The 100 es, sin duda, una de las grandes series de ciencia ficción por las cuales será recordada la década pasada y, por sobre todo, una demostración de cómo lo que empieza sin mayores pretensiones puede convertirse en una propuesta valiente, audaz y arriesgada, incluso a contramano de los fans.

Presenta además una cantidad considerable de personajes interesantes y no tiene concesiones en eliminarlos si así la historia lo requiere. Si eres de los que dejaron de ver The Walking Dead por la muerte de… (ups, casi lo digo), entonces esta no es tu serie…

A diez años de su estreno, The 100 es una serie que sigue invitando a redescubrirla y de la cual posiblemente volvamos a hablar cuando pasen otros diez. Y si no la has visto, la invitación queda hecha, como también la promesa de que entrarás en un mundo fascinante.

Hasta la próxima y sean felices…

 

Reseña de Batman: Tiempo Muerto, de Tom King y David Márquez

Muy buenas. Hoy os traigo reseña de mi última lectura, Batman: Tiempo muerto, del gran Tom King que en esta  ocasión se rodea muy bien, con el dibujante David Márquez y el color de Alejandro Sánchez Sin más dilación me pongo al lío no sin antes dejaros algunas de mis reseñas del Caballero Oscuro.

Reseña de Batman El Mundo (2021) de ECC Ediciones.

Batman/Tortugas Ninja, tomo de ECC que recopila las tres miniseries.

Reseña de Batman: Silencio, de ECC.

El cómic de la semana: La tumba de Batman (2021).

Reseña de Superman, Batman, Wonder Woman: Metrópolis de ECC Cómics.

Reseña de Batman: Origen.

Reseña de Batman: La saga cinematográfica.

Reseña de Batman: El príncipe oscuro.

El cómic de la semana: Batman: Tierra Uno.

Reseña de Batman: Reptil.

Reseña de Batman: El Detective.

Reseña de Batman: El Tribunal de los Búhos.

Batman: La muerte de la familia.

NOTICIA batman tiempo muerto

Tom King se marca a priori un gran ejercicio de estilo narrativo

A estas alturas creo que sobra que os presente a Tom King, pero os daré unas breves pinceladas. King llegó a Marvel para hacer una joya con Gabriel Hernández Walta, hablamos de esa obra maestra que fue La Visión. Hicimos hasta dos reseñas de ese cómic. Las tenéis aquí y aquí. También cogió a un personaje icónico como Mr. Milagro e hizo una serie limitada. Es creador de El Sheriff de Babilonia, como dijo mi compañero Fernando una obra maestra con mensaje. Tom King, ese hombre que fue capaz de traer de vuelta a Rorschach de forma tan magistral. Y su etapa con Batman con esos altibajos y «ese final» con la boda.


EN CF: EL CÓMIC DE LA SEMANA: RORSCHACH, DE TOM KING Y JORGE FORNÉS


Después tenemos al arte a David Márquez el cual sinceramente no conocía y me ha dejado un gran sabor de boca. Vine aquí por Tom King y recomiendo este cómic por el dibujo de Márquez. Impresionante composiciones de paginas, mimo a los detalles y estilo realista  lo que hace que leer el cómic sea un deleite para los ojos. Si a eso le sumamos el color de Alejandro Sánchez hablamos de un grandísimo acabado visual.

Hablaba del estilo narrativo de Tom King para afrontar esta obra y es que seamos sinceros, se lo ha currado aquí bastante… pero me ha chirriado. Y me da pena decir esto porque es un gran ejercicio de estilo narrativo saltando espacios temporales, jugando con el tiempo y los personajes en definitiva, para contarnos un robo desde diferentes puntos de vista de los distintos personajes y entre ellos el propio Batman. Y he de decir que los primeros números son atrapantes, puro Tom King, pero la historia conforme va avanzando va cayendo hacía el hastío motivado por esa historia construida a base de puzzles que a veces cuesta creer y seguir argumentalmente.

Tampoco ayuda al menos en mi caso que nos desubique de la historia y nos lleve a cuentagotas a la Grecia clásica para contarnos la génesis del objeto que va a ser robado en la línea actual.

Tom King es un gran narrador de eso no hay dudas, pero a veces tiende a gustarse demasiado y a enredarse en su mundo y aquí le pasa. Este Batman Tiempo Muerto no es un trabajo menor y se nota por los nombres implicados y por la historia que se nos cuenta. King se lo curra pero pienso que ese jugar con el tiempo, esa manía de decir hora y día que a veces te hace plantear volver atrás en el relato para saber si has avanzado o retrocedido me ha provocado en definitiva cansancio narrativo.

Por otro lado King nos trae a clásicos personajes para esta aventura, como Catwoman, Acertijo y Killer Croc. Y crea a dos personajes nuevos que me han llamado la atención, sobre todo Servicio, un rival invencible para Batman y que ha entrenado con los mejores aprendiendo técnicas de combate legendarias. Luego tenemos a la ruda y eficaz Agente Espinoza.

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Valoración final

Tom King en esta ocasión se pasa de frenada con esta «orgía» narrativa que se monta. El cómic se comienza leyendo muy bien pero acaba produciéndose cierto hastío hacia el último tercio. La parte de la Grecia clásica directamente me ha sobrado. Mención especial al dibujo de David Márquez, me ha parecido genial trayéndonos un gran Batman. Y por parte de King esperemos que este gran personaje que ha creado, Servicio, pueda ser visto nuevamente en nuevas historias de El Caballero Oscuro.

Cubierta Batman TiempoMuerto

Un saludo y sed felices.

Novedades de ECC Ediciones junio 2024

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos las novedades de ECC Ediciones junio 2024.

ECC Ediciones junio 2024

En el mes de junio celebraremos por todo lo alto la llegada del alocado, divertido y descabellado mundo de Rick y Morty con la primera parte de La saga del batido espacial: una delirante nueva serie que estamos seguros hará las delicias de los más fans y que conquistará a nuevos lectores. Los cómics basados en la serie de animación más irreverente se unen a nuestro catálogo, de la mano de Warner Bros.

En el sello DC, dos esperados regresos. Por un lado, el del aclamado guionista Tom King con El Pingüino, donde reinventa al mítico villano con motivo de El Amanecer de DC, en colaboración con Rafael De LaTorre. Por otro, el de Joshua Williamson. Tras Crisis Oscura y Green Arrow, turno para Batman y Robin, una nueva etapa de esta ya clásica cabecera, esta vez con Simone Di Meo completando el equipo creativo.

Además de los mencionados Rick y Morty, en el sello ECC Cómics presentamos nuevas aventuras de las Tortugas Ninja y la tercera entrega del thriller de terror y ciencia ficción más esperado de 2024, w0rldtr33, de James Tynion IV y Fernando Blanco.

Terminamos el repaso de la mano de ECC Manga con otro de los platos fuertes del mes: Litchi Hikari Club Collaboration, de Wayama Yama y Usamaru Furuya. Se trata del regreso de esta obra de culto, pero también de una colaboración de lujo entre dos de los mangakas más aclamados por lectores de todo el mundo.

Un saludo y sed felices.

Análisis de The Walking Dead: The Ones who live. Temporada 1. Episodio 3

Con la tercera entrega titulada Adiós, seguimos analizando The Walking Dead: The Ones who live, el spin-off de la franquicia que continúa la historia de Rick y Michonne. Creada por los propios Andrew Lincoln y Danai Gurira junto a Scott M. Gimple, la serie puede ser vista en AMC+.

Hola otra vez, caminantes del apocalipsis. Aquí estamos nuevamente para analizar otra entrega de The Walking Dead: The Ones who live, en este caso correspondiente a un tercer episodio que, en tres líneas temporales (pasado, pasado reciente y presente), arroja algo más de luz sobre lo ocurrido con Rick después de que dejáramos de verle en la serie principal y también sobre cómo fue que Jadis pasó de carroñera a alta oficial en la CRM.

Sin más trámite, pasemos a ver qué nos ha dejado el capítulo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de invitarles, si así lo desean, a echar ojo a nuestros análisis previos, tanto de esta como de otras series de la franquicia.

Análisis de The Walking Dead: The Ones who live

Análisis de The Walking Dead

Análisis de Fear the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: World Beyond

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: Dead City

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon

Jadis y Rick

Comenzamos con un flashback que nos lleva varios años atrás a lo que en su momento no vimos: los días inmediatamente posteriores a la llegada de Rick a la República Cívica, luego de ser prácticamente puesto a bordo de un helicóptero por Jadis cuando esta era todavía líder de los carroñeros y no lucía uniforme militar ni pelo cortado a la taza. De hecho, les vemos encontrarse en un parque mientras ella compra aros de cebolla.

Consultada por él sobre la razón de haberle llevado allí, todo parece haber sido parte de un intercambio: entregaba personas a la CRM a cambio de suministros e incluso, en el caso puntual de Rick, de la posibilidad de quedarse allí y ascender sin necesidad de pasar previamente por la condición de consignataria. Él le recrimina haberle llevado a un lugar del que no puede salir y ella replica haberle salvado la vida.

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La Última Luz en el Mundo

En un pasado más reciente, nos encontramos con Rick acudiendo a Thorne para que le ayude a mantener en condición de consignataria a Michonne (Dana Bethune, como por cuenta propia se ha hecho allí conocer) y que no sea identificada como A.

Ya en la actualidad, volvemos al encuentro entre Rick y Jadis, con ella amenazándole con hacer daño a sus seres queridos si intenta escapar junto a Michonne, cuya presencia, recordemos, ha reconocido. Intenta hacerle ver que la CRM es “la última luz en el mundo” y le llama a sumarse al proyecto de quinientos años para reconstruir el mismo sobre bases mejores. Cuando él pregunta por qué no le amenazó antes como sí lo hace ahora, Jadis responde que sabía que no escaparía, pero estando ahora Michonne, juntos son “capaces de cualquier cosa”.

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La Cura y el Veneno

Por otra parte, el general Beale (Terry O´Quinn) anuncia que habrá próximamente una reunión de comandantes y altos oficiales en un lugar apartado llamado Cascadia y que la CRM tiene la misión de “limpiar” de hordas de caminantes (“deltas” en la jerga que utilizan). Hablando en privado luego con Rick, muestra dudas sobre su lealtad y hasta se refiere a él con la palabra “phármakon” que, en griego, vale tanto para cura como para veneno.

En cuanto a Thorne, se la lleva aparte para comunicarle un ascenso: la sudafricana ha sido elevada al rango de sargento comandante mayor, lo que la ubica por encima de Rick y deja en claro que Beale está jugando al “divide y reinarás”.

Pero Rick quiere sacar a Michonne de allí cuanto antes y, por tal razón, le deja instrucciones para escapar por los túneles del alcantarillado del mismo modo que él intentara hacerlo antes, tras lo cual deberá llegar a la vera del río y encontrar una canoa en la cual, cree ella, él la estará esperando. No es así: cuando llega al lugar en la noche, encuentra en efecto la misma, pero no hay señales de Rick y sí en cambio un cadáver con medio cuerpo en el agua e identificado con una chaqueta de la CRM. El plan de él era hacerla aparecer por muerta…

Retrato

Rick va a ver a Jadis para comunicarle la novedad de que Michonne (según cree) ya no está con ellos. Después de todo, la condición que ella había impuesto era que no escaparan juntos, pero nada dijo de que Michonne lo hiciera en soledad: mientras él siga allí, el resto no debería importarle.

Pero cuando Rick vuelve con los consignatarios, ve a Michonne (o Dana) entre ellos. Como si nunca se hubiera ido, está eliminando zombies contra el vallado, quedando en claro que ha decidido regresar en lugar de huir y abandonarle.

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Llevándola aparte, la reprende al respecto: le dice que para mantener a Judith a salvo, es importante que él permanezca adentro, pero Michonne no entiende razones y, a decir verdad, no es para menos cuando él es tan críptico en lugar de explicarle todo más claramente.

Lo cierto es que la CRM le ha dado a ella un voto de confianza y ahora hasta tiene la posibilidad de caminar por la ciudad, lo cual le hace cruzarse con el puesto de un artista llamado Benjiro (Julian Cihi) en el cual reconoce varios retratos de ella silueteados en blanco y muy semejantes al del teléfono móvil que hallara.

El joven le cuenta que, efectivamente, Rick le encargó aquel retrato y otro de un muchacho que no llegó a poder hacer y de quien ella, de inmediato, deduce que sería Carl. Benjiro se muestra sorprendido de que, en pocos minutos, le dijo más que Rick en tres años…

Tenso Triángulo

Al mando de Thorne y ya asignados a la logística en cercanías de Cascadia, Rick y Michonne se dedican con el resto de los efectivos a limpiar la zona de zombies como les fuera encomendado. Pero se genera un problema cuando, transportando un explosivo, las ruedas se traban y Thorne da orden de dejarlo allí.

Desobedeciéndola, Michonne toma el mismo y, abriéndose camino por entre los zombies con ayuda de Rick, logra llevarlo hasta el punto justo para atraer a la horda y hacerla volar por los aires. Fue una decisión acertada y exitosa, pero a Thorne no le gusta nada que se haya saltado el protocolo…

El clima es de tensión, lo cual se ve incrementado por el hecho de que la sudafricana percibe claramente que Rick tiene con la tal “Dana” una relación más cercana de la que busca aparentar: no es solo alguien que le salvó la vida o una sobreviviente a la cual él rescató. En un momento hasta parece a punto de matarla, pero Rick se interpone y lo evita.

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Aunque el aire da impresión de cortarse con cuchillo, la cosa entre los tres parece más o menos apaciguarse, pero no: al regresar en helicóptero en medio de una tormenta, Michonne decide poner su propio plan en marcha y, en momento Jason Bourne, aferrar a Rick para lanzarse ambos de la aeronave, no sé si al mar, al río o a un lago…

Balance del Episodio

Llegada mitad de temporada y a pesar del tremendo cliffhanger final y los interrogantes que el mismo abre, la sensación es que, como las ruedas del explosivo que Michonne termina empujando, la trama pareciera por momentos empantanada en un clima demasiado introductorio o transicional del cual no termina de salir. Y no es una alegoría al azar, ya que por momentos es únicamente Danai Gurira quien se pone el episodio encima para que no caiga en la instrascendencia.

Pero la serie, de momento, da impresión de no terminar de despegar como sí lo habían hecho para esta altura otros spin-offs como TWD Dead City o incluso TWD Daryl Dixon que, a pesar de ciertos problemas de ritmo, había ya dado más definiciones para su primera mitad. Es cierto que en parte es lógico, porque el tiempo que tanto Rick como Michonne han estado fuera de pantalla obliga a la permanente actualización de información faltante, pero ya es hora de que la historia tenga algo más de presente, pues hay situaciones que no acaban de definirse o, por el contrario, se matan al nacer.

Solo por citar un ejemplo: el triángulo Rick-Michonne-Thorne pintaba interesante, pero al saltar la pareja del helicóptero, todo hace presumir que Thorne lleva camino de villana antagonista, a la vez que no acabamos de saber para quién juega…

Cualquiera sea el carácter de la facción rebelde iniciada por Okafor (si es que realmente fue él), aún no sabemos si Thorne sigue siendo leal a su causa por considerarse en deuda (él no la mató después de que ella intentara asesinarlo) o si, por el contrario, le encontró el gusto a su reciente ascenso y está jugando para la CRM. Nos quedan solo tres capítulos y la trama interna de la República Cívica aún está débilmente contada: esperemos que logren hacerlo en lo poco que resta…

Los personajes secundarios siguen también siendo un gran problema para la serie: Michonne se hace amiga de una compañera consignataria llamada Cleo (Tessa Slovis), la cual parece simpática, pero no se avanza demasiado en esa relación o en desarrollar su personalidad y cuesta creer que vayamos a hacerlo ahora que Michonne ha escapado. Esperemos que se logre dar sentido a la inclusión del personaje y no la acaben matando a poco de aparecer como han hecho con varios en los dos capítulos anteriores.

Lo mejor del episodio han sido los momentos de amor-tensión entre Rick y Michonne, en buena medida gracias al gran trabajo de Danai Gurira que, como hemos dicho anteriormente, es la principal responsable de que el episodio no naufrague del todo y siga manteniendo interés, incluso con los relatos en off en que lee cartas para Shoto, como llama en código a Judith.

Lo que no se entiende es por qué Rick no le hizo las cosas más fáciles contándole todo sobre la MCR y su “pacto” con Jadis: hubiera tal vez evitado que ella regresase y ahora tiene un problema extra, pues ese “rescate” final puede poner en peligro a sus seres queridos y, muy especialmente a Judith.

En fin, nos quedan solo tres episodios y urge que la serie entre en un mayor terreno de definiciones que, esperemos, comiencen a llegar con la segunda mitad de temporada. Hasta aquí no se puede decir que hayamos visto un episodio malo, pero claramente tampoco ninguno memorable o que nos vuele la cabeza si consideramos el tiempo que hemos estado esperando por ver de nuevo a Rick y Michonne.

Hasta la próxima y sean felices…

The Batman 2 retrasa su estreno hasta 2026

Malas noticias para los fans de los superhéroes en general y de Batman en particular.  Warner Bros. ha anunciado que pospone el estreno de la secuela de The Batman un año entero, así que habrá que armarse de paciencia para volver a ver a Robert Pattinson enfundarse el traje. En vez de llegar a los cines el 3 de octubre de 2025 como estaba previsto hasta ahora la nueva cinta del Caballero Oscuro lo hará el 2 de octubre de 2026.

‘The Batman’ (2022) | Un Impecable thriller negro que no va gustar a todos

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Según Deadline, la razón del cambio de fecha sería todavía (¡todavía!) las huelgas de actores y guionistas del año pasado que tantos retrasos causaron en las fechas de estreno de muchos proyectos. Con todo, ‘The Batman II’ llegará a los cines cuatro años después de la primera entrega.

No tenemos confirmación del resto del elenco de la primera parte, que recordemos incluía a Zoë Kravitz, Paul Dano, Andy Serkis, Colin Farrell y Jeffrey Wright, aunque todo parece indicar que si no todos, buena parte de ellos volverán a las pantallas en la cinta de 2026. Sin olvidar la más que posible presencia de Barry Keoghan dando vida al Joker.

Lo que si tenemos seguro es que el director volverá a ser un Matt Reeves que logró encandilar al público con su visión del personaje, recaudando la película un total de 772 millones de dólares en todo el mundo teniendo un presupuesto de 180 millones.

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Así que los fans del personaje tendrán que conformase con El Pingüino, spin-off de The Batman que traerá de vuelta a la figura de Oswald Cobblepot, interpretado por Colin Farrell y que se adentrará en el vacío de poder en Gotham tras la caída de Carmine Falcone. Recordemos que se trata de una serie de ocho episodios que se emitirá a finales de este 2024 en HBO Max.