Hoy nos ha golpeado con fuerza: Ha muerto Jim Shooter, ex editor en jefe de Marvel Comics, ha fallecido a los 73 años, víctima de un cáncer de esófago que llevaba años resistiendo. Su partida no deja un vacío: deja una huella imborrable. Shooter no fue solo un gestor de plazos; fue quien empujó a Marvel desde una empresa tambaleante hacia una era de expansiones, éxitos y conflictos.
Un niño prodigio que creció con historias
Imagina tener solo 14 años y enviar un cómic autopublicado a DC. Eso fue lo que hizo Shooter, quien consiguió publicar historias de Superboy y la Legión de Superhéroes. Fue ese arranque precoz el que lo empujó a una carrera meteórica. En 1976 entró en Marvel y, para 1978, era el editor en jefe, con la responsabilidad de rescatar el sello cuando las ventas flaqueaban.
La era Shooter que cambió el rumbo
Shooter instauró reglas estrictas, eliminó retrasos crónicos y fortaleció la disciplina editorial, la célebre “deadline doom” quedó atrás .
Pero más que eso, fue quien:
Apoyó a genios como Chris Claremont, John Byrne, Frank Miller, Walter Simonson y Roger Stern, y permitió que Los Vengadores, El Hombre de Acero y Thor despegaran de verdad .
Pergeñó Secret Wars, el primer mega-evento Marvel, que introdujo el simbionte negro de Spider-Man y abrió la puerta a crossovers que cambiaron para siempre el negocio del cómic .
Lanzó la revolución del mercado directo, dejando los kioscos para apostar por tiendas especializadas y ese público que quería lecturas más adultas y elaboradas .
Sí: le debemos a Shooter el impulso de esas etapas doradas de los 80.
El lado polémico de un visionario
No todo fue aplausos. Su estilo autoritario generó tensión. Le reprocharon su mano dura, incluso acusaciones de homofobia por no permitir personajes gays en ciertas etapas. Pero muchos colegas, como Mark Waid, recordaron su pasión y su capacidad para crear una industria sólida .
Más allá de Marvel: Valiant, Defiant, Broadway
Tras su salida en 1987, Jim no se detuvo. Fundó:
Valiant Comics, convirtiéndola en su legado más exitoso. Con personajes como Bloodshot o X-O Manowar, impulsó la independencia creativa .
Defiant y Broadway Comics, intentos valientes, aunque de corta duración, de seguir rompiendo moldes.
Y más tarde volvió a trabajar en proyectos independientes y como editor consultor .
Fue un innovador que nunca se conformó con repetir fórmulas.
Ha muerto Jim Shooter, pero su legado habla
Hoy, decenas de colegas, periodistas y fans publican tributos y recuerdos. En Facebook, Marvel reconocía que el mundo del cómic “está profundamente triste” por su pérdida . En redes, Mark Waid recordaba:
“Campeón del cómic, me inspiró desde que leí su trabajo a los 13 años” .
No se limita a la nostalgia: es reconocimiento a un tipo que, con sus luces y sombras, hizo grande a una industria.
Hasta siempre, Jim Shooter
No solo cierra una página de Marvel; cierra un capítulo vital de la historia del cómic. Un tipo que empezó en cuadernos caseros y murió dejando un catálogo repleto de momentos inolvidables. Raro que habrá quien diga que el cómic no sigue vivo gracias a él. Y si nos reímos con un crossover, sentimos la épica de una saga, o lloramos con un cliffhanger… es probable que haya sido mientras alguien leía un cómic que Shooter hizo posible.
Descansa en la viñeta eterna. Hoy, el cómic te debe, Jim. Y nosotros también.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el inmenso placer de presentaros las novedades de Norma Editorial y también de su sello Astronave, previstas para este mes de julio. Agarraos que vienen curvas …
Novedades Norma Editorial y Astronave. Julio 2025.
Este mes de julio es uno de los meses del año más difícil, en lo que respecta a la recomendación de títulos de una sola editorial.
A continuación, os dejamos los títulos que más nos llaman la atención:
1. Blacksad 3: Alma Roja (Edición de lujo) – Díaz Canales & Guarnido Tercera entrega de la edición especial de esta serie noir imprescindible. Incluye entrevistas, arte inédito y una cubierta exclusiva.
2. Bogavante Johnson. Integral 2. Mike Mignola, John Arcudi y otros.
Este segundo y último volumen recopila las aventuras pulp de Bogavante Johnson, el icónico justiciero salido del universo Hellboy y A.I.D.P.. Es una edición integral que incluye historias previamente publicadas como:
El fantasma del pirata y los monstruos de metal del centro de la ciudad
Una cadena forjada en vida
El Prometeo de hierro
La obra cuenta con ilustraciones de renombrados artistas como Troy Nixey, Kevin Nowlan, Peter Snejbjerg, Stephen Green, Tonci Zonjic, entre otros, y colores de Dave Stewart.
3. El arte de volar & El ala rota (Cofre edición coleccionista) – Altarriba & Kim Reedición conjunta de dos obras maestras que narran la historia política de España a través de una familia. Un homenaje gráfico a toda una generación.
4. Sin City 2: Mataría por ella (Edición de lujo y estándar) – Frank Miller Nueva edición espectacular del clásico noir de Miller, con bocetos inéditos, nueva traducción y un cofre de coleccionista.
Y hasta aquí nuestras recomendaciones de las novedades de Norma Editorial, previstas para este mes de julio.
De todas formas, justo un poquito más abajo, os dejamos el pdf completo con todas las novedades de la editorial barcelonesa, previstas para este mes.
Echad un ojo, disfrutad, refrescaos, muchísimo cuidado en la carretera y sobre todo …
Ya tenemos el tráiler de Proyecto Salvación, la próxima película protagonizada por Ryan Gosling. Basada en la novela de Andy Weir titulada Project Hail Mary, que en España se tituló Proyecto Hail Mary, pero que para la gran pantalla se ha optado por cambiar el nombre para titularla Proyecto Salvación. Cosas de los traductores, entiendo. Pero al fin y al cabo es la misma película. Y para echar más leña al fuego, el título que llevará en gran parte de Latinoamérica será Proyecto fin del mundo. Cada uno a su rollo.
Andy Weir es el autor de otra novela de Ciencia Ficción que también se adaptó a la gran pantalla, pero esta vez por Ridley Scott. A esa película que nos referimos fue Marte (título en España), pero cuyo título original es The Martian. Y sí, la novela se tituló en España, El Marciano, pero los que adaptan las películas de Andy Weir, parece que les gusta cambiarles el título, y nos quedamos con Marte, así a secas.
¿De que va Proyecto Salvación?
El profesor de ciencias Ryland Grace (Ryan Gosling) se despierta en una nave espacial a años luz de casa sin recordar quién es ni cómo ha llegado hasta allí. A medida que recupera la memoria, empieza a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa sustancia que provoca la extinción del sol. Deberá recurrir a sus conocimientos científicos y a sus ideas poco ortodoxas para salvar todo lo que hay en la Tierra de la extinción… pero una amistad inesperada significa que quizá no tenga que hacerlo solo.
Y llegó a su final la tercera temporada de The Walking Dead: Dead City, la serie que, creada por Eli Jorné y emitida por AMC+, sigue a Maggie y Negan en la New York postapocalíptica. Analizamos lo ocurrido en el octavo y último episodio, además de hacer balance de lo que nos ha dejado la temporada y prever qué podemos esperar de la tercera.
Hola otra vez, caminantes y sobrevivientes. De nuevo aquí para repasar y analizar un nuevo episodio de The Walking Dead: Dead City, en este caso el octavo que, titulado Si la Historia fuera una Conflagración, viene a cerrar en buena forma una segunda temporada algo irregular e inferior a la primera. Un capítulo que ha recuperado mucho del tono oscuro que la serie tuvo desde sus inicios y la convirtieron en el mejor spin-off de la franquicia, además de traernos por un momento a la mejor versión de Negan (o peor, según como se vea) y un déjà vu de alto impacto para los fans.
Pero pasemos mejor a ver qué es nos ha dejado este final de temporada no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en esta web los análisis previos, tanto de esta como de las demás series que componen esta franquicia que tanto nos gusta.
Después de que Maggie fuera noqueada por la Dama al final del anterior episodio, inicia el que nos ocupa atada de pies y manos en el piso de una habitación y, justamente, con un golpe en la cabeza. Intenta escapar utilizando la llave de un cajón para cortar las cintas que la atan y en ese momento llega la revivida Dama, con quien finalmente se conoce…
Pregunta lógica: Maggie quiere saber por qué diablos no está muerta. Respuesta ilógica: muy suelta de cuerpo, la Dama dice que el cadáver que vio era solo “una de las que ya estaban muertas”, a la cual hizo arder hasta que crujiera. ¿Alguien entendió? Yo no…
La Dama advierte la llave faltante y le exige a Maggie su devolución, obviamente extorsionándola con Hershel. Así que Maggie se la devuelve (yo no lo hubiera hecho, pero lo mío para con ese muchacho ya es para esta altura saña) y la Dama comienza a ensalzarla reconociendo sus virtudes por haber llegado hasta allí. Dice ver en ella lo que en su momento creyó ver equivocadamente en Negan, obvia invitación a aliarse para acabar con él.
Maggie recibe después la visita de Hershel y, entre lágrimas, reconoce su obsesión con Negan y pide disculpas por ello (ay, Maggie…) pero, de manera paradójica e inesperada, él le dice que podrían tener un nuevo comienzo juntos si ella mata a Negan como la Dama requiere. Ese muchacho siempre encuentra la forma de caerme siempre un poco peor de lo que ya me venía cayendo…
Preparativos
En el museo, Bruegel amontona armas antiguas mientras reflexiona sobre las guerras pasadas y anoticia a Armstrong de que Negan finalmente quiere rendirse, terreno ideal para la emboscada que viene planeando. Pero cuando Armstrong quiere saber sobre Ginny, responde con evasivas provocando que el ex marshal se irrite y le ponga un cuchillo a la garganta…
Bruegel, sin embargo, recurre al suyo propio que siempre lleva en su reloj y logra desarmarlo hiriéndolo en una mano. Dice ahora darse cuenta de lo importante que la chica es para Negan, así como también de que, bajo su apariencia de vaquero duro, Armstrong es un sentimental.
En la iglesia y con música de órgano, Negan y los ahora suyos reciben a Bruegel y su comitiva, que le han traído de regalo una escultura española del siglo XIII. Él, sonriente, les ofrece a cambio sentarse a compartir un banquete que se ve suculento pero, ante la lógica sospecha de que la comida pueda tener algo, Bruegel responde que ya han comido y prefieren, en cambio, sentarse a ver cómo lo hacen ellos.
Negan y un par de los suyos prueban y nada ocurre, pero inmediatamente dan vuelta la mesa y de abajo surgen un montón de caminantes que comienzan a gruñir (¿por qué no lo hacían antes?) y abalanzarse sobre los hombres de un preocupado Bruegel mientras Negan, divertido, mira la escena degustando una fruta.
El lugar se convierte literalmente en un infierno, no solo por los zombies sino por la acción combinada de metano y lanzallamas, pero Bruegel también tiene su propio caballo de Troya: ordena a Armstrong voltear la escultura y en su interior están las armas antiguas recolectadas en el museo. A pura cimitarra y espada, los hombres de Bruegel comienzan a despachar caminantes y quien tiene ahora expresión de preocupación es Negan, que va por su bate.
Desembarco
A todo esto, en un otero sobre la costa, Pierce habla con una de las vigías que, apostada allí por Negan, lo chicanea con su supuesta cobardía al no haber acompañado a este y los suyos; él reafirma que su mundo es ahora ese y no tiene nada a lo que regresar. En ese momento ven con los binoculares una embarcación a lo lejos y varios botes vacíos en la orilla: digamos que muy bien no estaban vigilando para no haber visto lo que es casi un “Día D”…
La cuestión es que ha llegado la segunda oleada de Nueva Babilonia e instantes después un hombre armado se halla allí para matar a la vigía y, no sé por qué razón, darle la chance a Peirce de que se identifique o diga de qué lado está, a lo cual este, en su enésimo cambio de bando, responde que es de Nueva Babilonia…
Llamarada
Después del pandemonium desatado en la iglesia, Bruegel y Armstrong alcanzan a escapar por los túneles, pero son interceptados por Negan y sus hombres mientras Maggie se halla en las sombras a la espera de la oportunidad de matar a este último para así cumplir con la Dama y, según cree, poder marcharse con su hijo.
Pero se produce entonces una escena que hace acudir a su memoria los peores recuerdos, ya que Negan hace arrodillarse a Bruegel y Armstrong mientras traza en el aire fintas con su bate y, volviéndole la sonrisa sádica de otros tiempos, juega a decidir a cuál mata primero. Todo retrotrae, obviamente, a aquel famoso episodio de la serie principal en que ajusticiaba primero a Glenn y luego a Abraham, lo que hace que Maggie se sienta pésimo y se le reactiven los deseos de venganza tantas veces reprimidos.
Armstrong sale sorteado para morir, pero Negan manda todo al demonio y decide que es a Bruegel a quien quiere despachar primero. Este suplica por su vida y apela a que podrían todavía trabajar juntos y controlar el metano, prólogo justo para que Negan le introduzca en la boca una manguera y lo llene de dicho elemento. Tras ello, le echa fuego y Bruegel, como en un siniestro número circense, estalla por su boca en una llamarada antes de que, ya muerto, Negan le caiga una y otra vez con el bate sobre la cabeza hasta destrozarle.
Horrorizado, Armstrong alcanza a escapar y los matones de Negan salen a buscarle, pero Maggie surge de las sombras para matarles uno por uno. Armstrong se trenza en duelo con Negan logrando este desarmarle, pero cuando está a punto de rematarlo con su bate, Maggie le hunde desde atrás un cuchillo en la espalda. Negan se retuerce en su agonía mientras ella apreta los dientes y hunde aún más el arma en escena que pareciera extrañamente tener algún componente erótico…
Negan intenta escapar pero cae al piso y Maggie a está a punto de liquidarle con su propio bate cuando el brazo de una niña zombie emerge de entre unos barrotes y ambos reconocen trágicamente a Ginny. Negan se siente morir: la niña finalmente ha muerto, condenándole a la no redención. Maggie, también visiblemente dolida al verla, parece apiadarse de su enemigo y le pasa el cuchillo para que termine de rematarla…
Diálogo Silencioso
Llevándolo a un apartamento abandonado, Armstrong extrae el cuchillo de la espalda de Negan y atiende su herida mientras este se lamenta por haber perdido su única oportunidad y Maggie parte a “hacer algo”.
Regresando pues a lo de la Dama, se encuentra con un enfurecido Hershel que le recrimina no haber cumplido su palabra. O sea, el mismo imbécil que antes le echara en cara su obsesión con Negan, ahora le enrostra el no matarlo. Rostro en lágrimas, ella dice que haberlo hecho no hubiera solucionado las cosas y le anuncia que no se irá de New York a los fines de estar disponible allí para él. Y para que haya tercera temporada, claro…
Ya de regreso en el apartamento, Maggie, Armstrong y un maltrecho Negan en recuperación ven desde las ventanas avanzar por las calles a las desembarcadas fuerzas de Babilonia mientras se preguntan cómo sigue todo. Sin mover los labios, dialogan con el pensamiento acerca de los caminos que se bifurcan y si deben optar por un pasado que quizás no sea cómo lo recuerdan o, en cambio, ir hacia lo desconocido. La conclusión final parece ser que la única opción es mantenerse juntos ante lo que sea que se venga…
Balance de Temporada
A diferencia de la primera, esta segunda temporada anduvo a los saltos: tras un gran comienzo se cayó, repuntó, volvió a caerse y termina con un intenso episodio que le da dentro de todo un buen cierre más allá de repetir las incoherencias argumentales que la han caracterizado.
¿Por qué se mantienen en silencio los zombies mientras Negan los tiene bajo la mesa? ¿Por qué la vigía que este dejó nunca vio el desembarco? ¿Por qué los de Nueva Babilonia envían tan seguros y confiados una segunda oleada cuando jamás recibieron dato alguno de la misión exploratoria? ¿Por qué no controla la Dama las ligaduras de Maggie para ver cómo han quedado una vez que esta le devuelve el cuchillo? Ni hablar de su “explicación” sobre el cadáver…
Pero más allá de todo eso ha sido una entrega que ha recuperado mucho del tono oscuro que desde un principio ha tenido la serie, además de entregarnos una buena batalla en la iglesia tras el intercambio de presentes griegos, aun cuando haya tenido también la triste consecuencia de que tuviéramos que decirle adiós a Kim Coates, cuyo personaje, odioso pero magníficamente actuado, daba lamentablemente para mucho más.
Ypor un momento hemos tenido de vuelta al viejo Negan, pues la escena en que hace arrodillarse a Bruegel y Armstrong no solo trae para Maggie recuerdos dolorosos sino también para nosotros, al hacérsenos imposible no ver allí a Glenn y Abraham. Quizás sea una morbosa variante de fanservice, pero hay que reconocer valentía a los responsables de la franquicia en regresar a uno de los momentos que más cuestionamientos ha levantado de los fans en su momento, aunque paradójicamente sea también uno de los más icónicos que ha dejado.
Y la aparición de Ginny zombificada hizo en Negan estallar sus contradicciones al no solo revivir su trauma con respecto a los niños, sino también hacerle sentir que había perdido su última oportunidad de redención: una vez más, gran actuación de Jeffrey Dean Morgan, que pasó por estados muy cambiantes a lo largo del capítulo.
Desde ya que todos estábamos a la espera de ver si finalmente tanto tono de despedida de su parte hallaba finalmente su corolario y acababa en la justicia poética de ver a Maggie asesinándolo, cosa que por un momento dio amago de ser así aun cuando supiéramos que no iba a haber nunca tercera temporada si uno de los dos moría.
En cuanto a Hershel, ya no tengo palabras para decir cuánto lo detesto y desde ya que jamás aceptaré a ese idiota como la excusa argumental para que Maggie permanezca en New York pero, bueno, soy consciente de que soy yo y esa es mi cuestión con él, sin tener por qué ser necesariamente la de de todo el mundo o, al menos, de quienes miran la serie…
El episodio final ha tenido, además, logrados momentos estéticos y en eso habrá tenido que ver que estuviera dirigido por Michael E. Satrazemis, uno de los más curtidos y experimentados en la franquicia. Impactante y desgarradora la escena en que la cámara desenfoca el rostro de la niña zombificada para mostrarnos, en segundo plano y doloroso contraste, su animalillo de juguete. También, por su fuerte simbolismo, la imagen del reloj-cuchillo de Bruegel ya destruido y con sangre encima. Y, por supuesto, el diálogo silencioso del final que nos hace preguntarnos si las palabras fueron realmente dichas o solo estuvieron en las mentes de los protagonistas…
Lo que queda claro es que la tercera temporada tendrá como protagonista a un trío en lugar de un dúo, ya que a Maggie y Negan, sin los cuales no existe la serie, se les suma ahora Armstrong en una alianza impensada minutos antes, cuando Maggie quería matar a Negan y este a Armstrong. Espero, eso sí, que en el futuro este último, amén de sus buenas intenciones, muestre más inteligencia que hasta aquí o se desharán de él muy pronto.
Habrá que ver además quién asume ahora el papel de villano, pues la serie se ha encargado de despachar uno a uno a los que han aparecido. Por el lado de Nueva Babilonia ya no veremos a la gobernadora ni tampoco (por suerte) a la mayor Narváez, en tanto que del lado de New York no contaremos con Bruegel y solo pueden quedar dando vueltas la Dama y el Croata, de quien no hemos tenido noticia en el capítulo.
En definitiva, una temporada que acaba bien en el balance más allá de algún que otro disparate argumental y si bien muestra una caída con respecto a la primera, no ha sido tan marcada como en The Walking Dead: Daryl Dixon y nos deja al menos un buen sabor de boca o, por lo menos, mejor que a Bruegel…
Quedan invitados entonces para cuando llegue la tercera o para cualquier otra serie de la franquicia que estemos reseñando o analizando…
Reconozco que me interesa poco la fórmula 1. Me bajé del barco con los primeros conflictos de Fernando Alonso con Hamilton y no he vuelto a acercarme a un deporte que combina la fiabilidad de la tecnología con la pericia del piloto. Y creo que es algo importante que aclarar antes de hablar de F1: la película, la última superproducción de Apple TV que cuenta con el protagonismo de Brad Pitt y e apoyo de toda la industria de la fórmula 1.
Convencido por un antiguo compañero y ahora jefe de escudería Rubén Cervantes (Javier Bardem), el veterano Sonny Hayes (Brad Pitt) regresa a la fórmula 1 tras casi 30 años sin pilotar un monoplaza. Hayes, un hombre únicamente dedicado correr distintos tipos de carreras, debe ayudar a que su escudería gane al menos una carrera de las nueve que quedan en la temporada para poder subsistir. Para ello, tendrán que entenderse con el novato Joshua Pierce (Damson Idris), su compañero de equipo.
F1: la película cuenta con un título claro y directo que viene a reforzar la idea de que, en esencia, la película es un enorme anuncio de la industria de los Hamilton, Verstappen, Alonso y compañía. Como lo fue Top Gun (sobre todo la de 1986) con su propaganda a favor del ejército de aire americano. Ambas tienen en común la producción de Jerry Bruckheimer, el verdadero artífice del cine de acción americano de los años 80 y 90. Suyas son Días de trueno, La roca, Enemigo público o la saga Piratas del caribe. Y, tras el sorprendente éxito de Top Gun: Maverick, decidió repetir director y fórmula trasladándola a los vehículos de la fórmula 1.
A Joseph Kosinski se le aupó al estrellato por su increíble labor en la puesta de escena aérea de Top Gun: Maverick, apostando por un enfoque de la espectacularidad más tradicional que el uso del digital, tan en boga en el cine de superhéroes. Para ello, en F1 continúa aumentando la apuesta rodando durante el transcurso de los grandes premios reales de la temporada y diseñando coches con hasta dieciséis soportes para colocar las cámaras donde nunca antes han sido vistas.
El objetivo es la inmersión total, y a fe que lo consigue con extraordinarias secuencias de carreras que superan a las reales. No solo por el montaje, sino por las argucias de su personaje protagonista, que hubiera sido sancionado unas cuantas veces en el mundo real.
Como, por desgracia, era de esperar, F1 lo juega prácticamente todo a las carreras. Y esto lo digo porque su guión apenas importa y, cuando debe hacer acto de presencia, tampoco es que innove mucho. Esta es una película que hemos visto mil veces y sabemos lo que va a ocurrir.
Eso sí, a la hora de acelerar, la película va como un tiro y no deja un segundo de respiro. A lo que ayuda la inmensa banda sonora de un Hans Zimmer que nos hace recordar a sus composiciones electrónicas de los noventa.
Si a algo se la juega F1 aparte de las escenas de carreras es al carisma de Brad Pitt, un actor que ha vuelto a estar en la cresta de la ola tras su Oscar por Érase una vez en Hollywood. Tras haberse equiparado a Leonardo Di Caprio (un actor mucho más gestual), ahora es el turno de la inevitable comparación con Tom Cruise.
Sin poder comparar sus carreras, este es un papel más a la medida de Pitt, con ese carácter más chulesco y canalla del que se ha castigado el cuerpo, algo que no pega mucho con el aura de invulnerabilidad del bueno de Tom.
El resto de los personajes cumplen sin más, siendo meros previsibles comparsas del protagonista, salvo Javier Bardem, que sabe imprimir carácter a un personaje secundario y extraer la relación más genuina de la película.
En definitiva, F1: la película es un entretenido blockbuster veraniego que nos ofrece la experiencia más inmersiva en el mundo de las carreras de la historia del cine. Un lujoso vehículo (nunca mejor dicho) al servicio de Brad Pitt que carece de la hendidura dramática de Rush o Le Mans 66 pero que da lo que ofrece, lo que ya es mucho en una época en la que todo es plano y digital.
El 3 de julio de 1985 llegaba a los cines Regreso al Futuro (Volver al Futuro para América Latina), película dirigida por Robert Zemeckis, producida por Steven Spielberg y protagonizada por una impagable dupla. A cuatro décadas de ello, la analizamos minuciosamente buscando establecer qué la mantiene vigente al día de hoy al punto de convertirla incluso en objeto de culto para nuevas generaciones.
Bienvenidos a un nuevo retro-análisis, hoy para desbrozar, a cuarenta años de su estreno, un clásico que sigue vigente como lo es Regreso al Futuro (Back to the Future, 1985) Buscaremos entender las razones que la han elevado a condición icónica y el porqué de que siga siendo aún referencia ineludible en la cultura masiva. Y si les interesa leer otros retro-análisis vinculados, pueden pinchar en los links de los títulos de películas que aparecen en azul y que son justamente las que en nuestra web hemos analizado.
No es que para mediados de los ochenta las historias de paradojas temporales fueran ajenas a la ciencia ficción: por el contrario, ya poblaban la literatura y el cómic pero el cine aún no se había hecho eco y hasta allí las películas sobre viajes en el tiempo se basaban en su inmutabilidad.
Tanto The Time Machine(1960) como El Planeta de los Simios (1968), quizás las dos mejores, tomaban justamente esa premisa. La posibilidad de alterar el pasado fue esbozada en The Final Countdown (1980), con un portaaviones norteamericano yendo a parar al día anterior al ataque a Pearl Harbour, pero a la larga la historia permanecía inalterada.
La Zona Muerta (1983) jugó también con las paradojas, pero más bien en cuanto a alterar el futuro que el pasado. En Terminator (1984), el antecedente más cercano, un robot era enviado desde el futuro para asesinar a la madre de quien sería luego líder de la resistencia, pero una vez más la línea temporal terminaba quedando igual más allá de alguna sutileza y un particular loop en relación al nacimiento de John Connor.
Robert Zemeckis y Bob Gale tenían, por el contrario, la idea de jugar con un pasado que pudiese ser alterado y, como consecuencia, también el futuro. Desde 1980 venían dándole vueltas, pero no acababan de dar con una historia que les convenciese ni un sello que se encargarse del proyecto: Disney lo rechazó y Columbia mostró algo más de interés, pero al pedir un segundo borrador, no les convenció.
Pesaban los fracasos de las recientes películas sobre viajes en el tiempo como la mencionada The Final Countdown o Los Bandidos del Tiempo (1981), así como los de las dos primeras de Zemeckis (Locos por Ellos y Frenos Rotos, Autos Locos), divertidas e infravaloradas comedias que no habían funcionado bien en taquilla, como tampoco la sátira bélica 1941 (1979), único filme de Steven Spielberg hasta allí escrito por Zemeckis.
La cosa cambió para la dupla después deTras el Corazón Verde (1984, conocida también como Tras la Esmeralda Perdida), exitosa película de aventuras protagonizada por Michael Douglas y Kathleen Turner en una línea Indiana Jones. Y fue la propia Amblin Entertainment fundada por Spielberg la que terminó asumiendo el proyecto en asociación con Universal Studios.
De todas formas, se introdujeron cambios. La máquina del tiempo original no era el DeLorean que después conocimos, sino un dispositivo fijo en la caja de un camión. Y el accidental viaje al pasado de Marty McFly terminaba con consecuencias mucho más globales que las concernientes a su familia o comunidad.
Michael J. Fox fue siempre la primera opción para interpretar a Marty, pero en ese momento era una de las estrellas juveniles de la exitosa serie Enredos de Familia y se veía complicado que hallase un hueco en su agenda. Perdido por perdido, contactaron a Gary Goldberg, productor de la misma, para que le acercase el guion pero, temiendo que Fox abandonase la serie, este lo escondió sin decirle palabra…
La falta de respuesta del joven actor hizo que Zemeckis y Gale tomaran su silencio como negativa y fueron por Eric Stoltz, quien terminó filmando gran parte de una película que nunca veríamos. Ya para ese entonces Christopher Lloyd se había quedado con el papel del “Doc” Emmett Brown por encima de John Lithgow, Jeff Goldblum, Gene Hackman, Robin Williams y James Woods entre otros, en tanto que Melora Hardin fue la elegida para interpretar a Jennifer Parker, novia de Marty.
Pero Stoltz no convencía a director ni productores: acertaba en lo dramático pero no en el toque de comedia juvenil buscado. El indicado seguía siendo a todas luces Fox, así que volvieron a la carga por él y se pusieron nuevamente en contacto con Goldberg para que les hiciera de nexo. Este no tuvo más remedio que sincerarse y admitir que nunca le había mostrado el guion que antes le habían pasado. Pidiendo las disculpas del caso, se lo acercó esta vez y el joven actor aceptó sin siquiera leer el guion, previo compromiso de no dejar Enredos de Familia.
Zemeckis nunca especificó cómo fue la charla con Stoltz para comunicarle su despido, pero recuerda ese día como uno de los más duros de su carrera e incluso de su vida. Eric, dice, era “un buen actor en el papel incorrecto”. Casi cuarenta días de rodaje fueron borrados como si no se hubiera filmado nada y el presupuesto se estiró otros cuatro millones de dólares, jugada suicida si no llegaba a salir bien.
Durante tres meses, Fox debió llevar agenda doble entre Enredos de Familia y Regreso al Futuro, lo cual hacía que estuviera agotado y falto de sueño. Pero además, su inclusión generaba cambios en torno al personaje debido a su baja estatura. Se decidió que el “Doc” caminara encorvado para que no se notara tanto la difencia de veinte centímetros entre ambos y se sustituyó a Melora Hardin por Claudia Wellspor temor a a que el público no aceptara una novia de Marty más alta que él.
Crispin Glover y Lea Thompson fueron los elegidos para dar vida a los padres y Thomas F. Wilson para el odioso Biff. La banda sonora fue confiada a Alan Silvestri, quien ya había trabajado para la dupla Zemeckis-Gale en Tras el Corazón Verde, y la fotografía asignada a Dean Cundey, de ganado prestigio en icónicos filmes de John Carpenter como Halloween (1978), La Niebla (1980) o La Cosa (1982).
El rodaje final (es decir sin las partes filmadas por Stoltz) se llevó a cabo entre enero y abril de 1985 en los estudios de Universal y alrededores de Los Angeles, incluyendo un rancho que era propiedad de Walt Disney Pictures que, paradójicamente, había rechazado antes el proyecto…
La Historia
Marty McFly es un joven de diecisiete años que vive en la ficticia localidad de Hill Valley, California. Adicto a la ciencia, la tecnología, la guitarra y el skate, tiene un padre loser y una madre alcohólica, más dos insulsos hermanos con empleos poco interesantes (Marc McClure y Wendie Jo Sperber). Sus refugios son su novia Jennifer y su excéntrico amigo y mentor científico, el “Doc” Emmett Brown.
La película comienza mostrando una infinidad de relojes distribuidos por el laboratorio de este último mientras las noticias hablan de un cargamento de plutonio robado por terroristas libios (paranoia común por aquellos días). Marty da un salto al comprobar que se ha quedado una vez más dormido y, por mucho skate de que se valga, llegará tarde al colegio y será regañado (también una vez más) por el director Strickland (James Tolkan).
Quien tiene el plutonio robado es el “Doc”, que a su vez se lo robó a los libios y lo necesita para un experimento que, según dice, cambiará la historia. Habiendo convertido un DMC DeLoreanen una máquina del tiempo cuyo condensador de flujo requiere justamente tal elemento, envía al perro Einstein un minuto hacia adelante y, al resultar con éxito, aúlla de felicidad y divaga tecleando distintas fechas significativas que podría visitar, siendo la última 26 de octubre de 1955, fundamental para él por haber probado ese día por primera vez viajar en el tiempo.
Pero los libios le encuentran y lo acribillan sin piedad mientras un desesperado y desconsolado Marty no tiene más remedio que escapar en el DeLorean que, inesperadamente, se estrella contra un granero…
Sigue en Hill Valley, pero todo luce distinto. El reloj de la torre principal está funcionando como treinta años atrás, antes de caerle el rayo que motivaría en los ochenta campañas para restaurarlo. El futuro alcalde se desempeña como camarero en un bar, el matón acosador Biff anda ya fastidiando en versión juvenil y Strickland siempre fue calvo…
Marty se halla en 1955, última fecha tecleada por Brown en su máquina del tiempo, y no puede regresar porque le falta plutonio, por lo que necesita con urgencia encontrar al “Doc”, único capaz de ayudarle aun en su versión de los cincuenta.
Y lo peor ni siquiera es eso, sino que, sin querer, cambia la historia al salvar a su padre de ser atropellado y termina embestido en su lugar. El conductor del vehículo es su abuelo materno que, en lugar de llevar a George para atenderlo en su casa como ocurriera originalmente, lleva a Marty provocando que su hija Lorraine se enamore de él, es decir de su propio hijo y no de George como debía ser…
No contaré más; solo que si Marty quiere regresar al futuro necesita encontrar a Emmett y además recomponer la historia para que sus padres se enamoren entre sí o ni él ni sus hermanos nacerán nunca. Todo en una trama repleta de giros, momentos divertidos y, sobre todo, dulce nostalgia por un pasado más simple…
Cambiar el Pasado
Como decíamos antes, las películas previas partían de la premisa de que el tiempo era inmutable y si asomaba ligeramente la posibilidad de cambiarlo, había que reprimirla de inmediato y dejar la línea intacta, pero nadie se había atrevido a cruzarla y arrojarse al abismo de la paradoja: el tiempo era una presencia omnipotente que siempre acababa por imponerse.
Regreso al Futuro abre en el cine el camino a las paradojas hoy tan comunes en la cultura popular. Y no lo hace buscando un público de nicho ya familiarizado con el concepto desde la literatura o los cómics, sino uno más amplio, de distintas edades y prefencias de género cinematográfico.
Si el viaje de Marty McFly hubiera sido a la América de la colonia, por ejemplo, podría haber tenido buena aceptación entre un público afecto a la ciencia ficción, pero probablemente en nadie más. Cuando Zemeckis y Gale optan por 1955, están evocando un pasado que en ese momento era para muchos conocido. Esa apelación a la nostalgia da a la película un toque distintivo y único que la diferencia de lo que se había hecho antes.
El filme recurre a una estrella bien identificable para los adolescentes o jóvenes de ese entonces como Fox, pero lo lleva a un pasado reconocible para padres o abuelos. No debe haber mejor forma de reunir generaciones y es absurdo discutir si la película idealiza los cincuenta (para algunos sinónimo de guerra fría, racismo o paranoia nuclear) porque apunta más claramente a lo micro que a lo macro.
Las referencias a la marcha del mundo o a la política en general son mínimas y cuando las hay se refieren más a los ochenta que a los cincuenta, como los terroristas libios o el divertido momento en que el “Doc”, en su incredulidad, pregunta si el vicepresidente estadounidense es en 1985 Jerry Lewis después de que Marty le anoticia de que el presidente es Ronald Reagan, también actor.
El pasado puede ser una experiencia social, pero también individual o familiar y el contexto global no borra lo que cada uno pueda haber vivenciado como experiencia personal: a eso apunta Regreso al Futuro.
El guion es impecable, por no decir perfecto. No deja detalle librado al azar. Cada mínima cosa mencionada tendrá importancia luego, como las campañas para reparar el reloj, los carteles promocionando al alcalde para su reelección, el skate, la guitarra o el plutonio.
No hay rellenos ni baches: todo calza a la perfección y de modo tan natural que parece fortuito, no solo desde lo argumental sino también desde lo simbólico o conceptual: los relojes del principio rinden sin duda homenaje al inicio de The Time Machine, pero también preanuncian que un reloj, justamente, acabará siendo clave en la trama.
Las bromas temporales son geniales, como la mencionada de Ronald Reagan o Marty pidiendo una Pepsi “free” (libre, sin azúcar), a lo que el despachante, asociando “libre” con “gratis”, responde enérgicamente “si quieres una Pepsi la pagas”. O el chaleco que lleva Marty y que todos toman por salvavidas, muestra de lo cambiantes que pueden ser las modas o lo ridículo que puede verse algo sacado de su contexto.
Ni hablar de que el baile en que los padres de Marty se conocen sea animado por una banda liderada por Marvin Berry (primo ficticio de Chuck Berry, prócer fundador del rock n´roll) que, cuando escucha al joven interpretar Johnny B. Goode, llama de inmediato a su primo para hacerle oír lo que podría ser “el nuevo sonido que está buscando”.
Maravilloso loop, porque esa canción está compuesta por el propio Chuck que, de acuerdo a esa escena, se la habría escuchado a Marty a través del teléfono. Zemeckis repetirá de hecho un chiste parecido más tarde al mostrar a Forrest Gump, de niño, enseñando a Elvis el contoneo que le sería característico.
De hecho, hablábamos antes de que las paradojas y loops ya existían en el cómic y no he escuchado a nadie decirlo pero, de modo semejante a lo que aquí hace Marty con el rock n´ roll, Jimmy Olsen había llevado la “beatlemanía” a la Judea del 1.000 a.C. en el número 79 de su propia revista publicado en 1965 (les invito a leer mi artículo al respecto), teniendo Superman que viajar al pasado para solucionar el entuerto…
Sería interesante saber si será Zemeckis, Gale o Spielberg quien leyó ese cómic, pero estoy seguro de que alguno lo hizo o quizás los tres. ¿Más pruebas? Pues Marc McClure, que aquí interpreta al hermano de Marty, fue también quien precisamente dio vida a Jimmy Olsen en el Superman de Richard Donner y sus secuelas.
De hecho, la película está repleta de homenajes a la cultura del cómic o del pulp. El momento en que un niño le muestra a su padre la portada de una revista y asocia a Marty y su vehículo con una historia llamada “Alien Zombies from Pluto” (Zombies alienígenas de Plutón) es glorioso y ni hablar cuando, al ver a Marty ya sin casco, advierte a viva voz que el invasor ha tomado ya forma humana. Las grandes películas se aprecian no solo en la generalidad, sino en los detalles y ese es genial, además de hilarante…
Es que la mezcla de géneros es otro de los puntos fuertes del filme y aunque haya una historia de fondo que nos mantiene en suspenso hasta el final (la escena con la torre, el rayo y el DeLorean es pura adrenalina), los toques cómicos están siempre presentes, fusionando de manera magistral ciencia ficción y comedia de enredos.
Lo que sí se advierte es una permantente disputa entre Spielberg y Zemeckis, no en el sentido literal de conflicto, sino porque hay momentos en que Zemeckis pareciera plantarse y decir “esta es mi película”, sobre todo en los toques más oscuros, como cuando Biff intenta violar a Lorraine en el auto o el despuntar de una posible relación incestuosa entre esta y Marty, al cual incluso besa sin saber que es su hijo: uno de los puntos, justamente, por los que Disney había rechazado el proyecto.
La Química Perfecta
La elección de Michael J. Fox no pudo ser más acertada. Cuesta imaginar cómo hubiera quedado la película actuada por Eric Stoltz (y estaríamos justamente planteando una línea temporal alternativa), pero Fox es un adolescente perfectamente creíble en cada reacción, gesto o modismo, más allá de que la imagen de Marty McFly se convirtiría para él después en una cédula de identicación que haría en lo sucesivo a sus personajes parecerse demasiado (la mirada perdida en un punto impreciso mientras otro actor le habla, por ejemplo).
Pero si por algo funciona tan bien la parte actoral es por la fantástica dupla que compone con Christopher Lloyd, de una química tan excepcional que hace casi imposible recordarlos por separado. Y Lloyd está genial como ese científico desalineado, excéntrico y estéticamente inspirado en Albert Einstein y en el director de orquesta Leopoldo Stokowski.
El resto del elenco está a la altura y no es meramente decorativo, sobre todo Crispin Glover y Lea Thompson, a quienes toca la dificil tarea de actuar no solo sus respectivas versiones adultas y adolescentes, sino también las personalidades radicalmente diferentes con que Marty los encuentra cuando, sobre el final, descubre que su viaje al pasado ha acabado de todas formas teniendo consecuencias en el presente.
Los efectos están muy bien para la época y lo paradójico es que ni siquiera fueron terminados debido a que el estreno se adelantó para aprovechar la temporada veraniega, lo que hizo que la película llegara a los cines apenas tres meses después de concluido el rodaje. Aun así, la parte visual sigue funcionando muy bien al día de hoy y se destacan especialmente los trabajos de escenografía y maquillaje al tener que transformar respectivamente lugares y actores para que luzcan con treinta años de diferencia.
La Música
La banda sonora merecería casi un artículo aparte. Alan Silvestri ya había compuesto para Zemeckis la de Tras el Corazón Verde, pero sería Regreso al Futuro la que daría impulso definitivo a su carrera con un épico y emocionante leitmotiv principal que recuerda mucho a John Williams, compositor fetiche de Steven Spielberg, y que justamente se haría tan fácilmente reconocible para el público como los de las sagas Indiana Jones oJurassic Park.
De modo análogo, Silvestri se convertiría en compositor predilecto de Zemeckis en filmes icónicos como ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988), Forrest Gump (1994), Contact (1997), Náufrago (2000), Expreso Polar (2004) o Beowulf (2007), amén también de bandas sonoras para filmes no menos recordados como Depredador (1987), Abyss (1988), El Guardaespaldas (1992), Rápida y Mortal (1995), Capitán América, el Primer Vengador (2011) o las de la saga Avengers (2012-2019).
Pero en una película que se ambienta en los ochenta y los cincuenta, no todo se agota en la partitura de Silvestri, pues interviene mucha música identificatoria de ambas décadas. Desde ya que el tema más conocido y que más comúnmente se asocia con la cinta es The Power of Love, una de las dos canciones de Huey Lewis & The News que suenan.
A Huey Lewis no le atraía la idea componer para una película: decía no saber cómo hacer una canción llamada Regreso al Futuro ni acompañarla con una letra acorde. Zemeckis le dijo que simplemente compusiera lo que le viniera en gana y así presentó The Power of Love, cuya letra no tiene nada que ver con la trama y acompaña los créditos iniciales mientras Marty viaja en skate del laboratorio a la escuela.
La canción le significó a Huey Lewis & The News su primer número uno y si se presta atención a los arreglos y a cada instrumento, se puede apreciar una elaborada ingeniería musical en contra de la sensación de pop simplón y facilongo que a primera oída podría generar. Y Lewis tuvo incluso una breve escena en el filme como jurado de concurso de bandas.
Además, como hemos dicho, The Power of Love no es la única canción de la banda en el filme, pues los créditos finales son acompañados por Back in Time, en la que Lewis sí se atrevió a escribir sobre la trama: “¡Resultó que es bastante fácil – manifestó –! En cierto modo es más fácil, ya que no tienes que involucrarte demasiado”.
Pero además la banda sonora incluye cancionero de los cincuenta y no cabe duda de que Johnny B. Goode ocupa un lugar central, más aún a partir de la ya mencionada e hilarante broma de Chuck Berry y su primo con ese genial loop en el cual el célebre músico se inspira en una canción que Marty ejecuta, pero que este a su vez conoce por haber sido compuesta por Chuck: es el uroboros, la serpiente que se devora a sí misma…
Hay que destacar de todas maneras que, aunque Fox hace la mímica realmente bien, quien canta y toca la guitarra no es realmente él, como suele creerse y a veces leo incuso por allí. La confusión se debe a que los créditos finales dan como intérprete a Marty McFly & The Starlighters, banda tan ficticia como Marvin Berry & The Starlighters. Pero quien canta es Mark Campbell (vocalista de la banda Jack Mack and the Heart Attack), siendo la guitarra ejecutada por el músico de sesión Tim May.
Quizás ello haya servido de inspiración a Walter Hill para, al año siguiente, hacer que en Cruce de Caminos (1986) otro ícono juvenil de los ochenta como Ralph Macchio simulara tocar sobre el escenario una guitarra en realidad ejecutada por el gran Steve Vai.
Valoración y Legado
La aprobación de crítica y público fue prácticamente unánime. Con un presupuesto de diecinueve millones de dólares, la película recaudó casi trescientos noventa y se elevó a la condición de clásico indiscutido que resiste el encorsetamiento de género. Es más: creo que no ha habido desde entonces otro título que lograra fusionar tan bien la comedia de enredos con la ciencia ficción y gustar al público de ambas. El impacto en la cultura popular ha sido inmenso y llega hasta nuestros días.
Regreso al Futuro tuvo dos secuelas que completan la trilogía, teniendo la primera de ellas como eje un salto de treinta años hacia adelante en el tiempo y la tercera uno de cien años atrás, lo cual mezcla una vez más los géneros agregando también el western. Ambas muy exitosas, además de recomendables y divertidas, siendo un gran ejercicio ver la trilogía completa en un fin de semana. Eso sí: por obvias razones, ninguna vuelve a tener el toque nostálgico de la primera.
Han circulado novelas, videojuegos y cómics, mereciendo destacarse entre estos últimos una serie titulada Regreso al Futuro – Historias nunca contadas y Líneas Temporales Alternativas (aquí nuestro artículo), la cual, a través de cinco entregas y de diferentes artistas, explora los huecos e intersticios que va dejando la historia (por ejemplo, cómo siguieron las cosas en 1955 después de que Marty regresó a su presente o qué pasó con el “Doc” entre que viaja al futuro y regresa del mismo en el final de la película).
También ha existido entre 1991 y 1992 una serie animada que, con dos temporadas, daba más protagonismo a la familia del “Doc” (la cual no formará hasta la tercera película) que a la de Marty. Y un musical que, con libreto de Gale y música de Silvestri, fue estrenado en Manchester en 2020 para pasar luego con éxito por el West End londinense y por Broadway, donde se mantuvo en cartel hasta enero de este año.
Y ha habido varias veces rumores de cuarta parte, siempre descartados. Ni la enfermedad de Fox (Parkinson) ni la edad de Lloyd (86) ayudan y quizás lo mejor sería dejar todo así…
Regreso al Futuro es una película con un guion perfecto, una magnífica química entre sus actores y un increíble manejo combinado de suspenso y comedia de situaciones. Tiene la virtud de ser atractiva para diferentes edades y públicos logrando que la nostalgia sea sentida como tal tanto por quienes vivieron los cincuenta como por quienes no.
Y lo paradójico (concepto muy adecuado a la historia que cuenta) es que al verla hoy nos vuelve a producir la misma sensación, pero la nostalgia está cambiada de los cincuenta a los ochenta, que eran el presente al momento de estrenarse el filme, pero hoy un recuerdo tan entrañable como en aquel momento los cincuenta. Una película, en pocas palabras, que se sigue aún reinventando a sí misma. ¿Para qué entonces una cuarta parte?
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Contrapaso, Mayores con reparos. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
‘Contrapaso, Mayores con reparos’ nos devuelve al mundo que creó Teresa Valero con su ‘Contrapaso, los hijos de los otros’, ese mundo de la postguerra, esa España oscura del NO-DO y la censura
Desde la primera viñeta, nos encontramos en esa España marcada por la represión, la escasez y un ambiente social asfixiante para quienes nos comulgaban con las ideas del régimen. Esto podría ser un mero decorado donde narrar la trama en cuestión, pero este contexto histórico se convierte en un protagonista más.
En el primer cómic de esta serie ya vimos como tenían que luchar contra la censura nuestros protagonistas, tanto León, como Sanz o Paloma y aquí la cosa se acrecienta con la llegada de la industria de Hollywood a nuestro país. Bienvenido Míster Marshall.
‘Contrapaso, Mayores con reparos’ capta a la perfección el impacto que estas películas tuvieron en una sociedad con demasiadas carencias y con una gran hambre de evasión y modernidad. Una modernidad que contrasta con la censura que sufre cualquier tipo de producción para que sea estrenada en las pantallas españolas.
El cómic no se limita a señalar la existencia de la censura como dato anecdótico; profundiza en cómo se intervenía en cada fotograma, como se modificaba con doblaje cada línea de diálogo, moldeando la historia para que se ajustara a los cánones morales y políticos del régimen.
Esta representación de la censura no solo es históricamente precisa, sino que también es un elemento narrativo clave que genera tensión, frustración y, en ocasiones, un humor absurdo.
Y en medio de toda esta vorágine de la llegada de Hollywood y como se tratan de ocultar las penurias y que los ‘yanquis’ tomen a España por lo que no es, es donde aparece muerto alguien en una sala de cine con un rollo de película en la boca.
Nuestros protagonistas se van a ver inmersos en esta trama que va a ocultar mucho más de lo que parece y que los va a llevar a caminar por los límites y a veces cruzarlos para obtener la verdad en un país que eso dependía de la ideología.
Lo que se va desmadejando de las muertes de gente poderosa en los cines es una trama excelentemente narrada para que todo tenga coherencia y sentido y cuando descubramos la verdad sea todo un shock.
Teresa Valero, no lo ha construido a unos personajes que son carismáticos y con los que empatizar es fácil, si no que los ha puesto en un España en horas bajas en las que el estraperlo era más común que ver salir el sol. Una piel de toro corrupta y oscura que va a llevarnos por unos callejones por los que no nos va a gustar andar.
Lo curioso y algo chocante de este ‘Contrapaso, Mayores con reparos’ es que comienza con un caso que parece ser el que llevará la batuta de este tomo, pero no es así y todo acaba derivando una historia que también tiene asesinatos, pero que tiene que ver con el cine… o no. Esperemos que haya un tercer tomo que nos continúe el final.
Ya hablé en el anterior cómic de como se había llevado la relación de León y Paloma, el gusto con el que lo hizo la autora, y aquí no puedo más que quitarme el sombrero por como avanzan (o no) los sentimientos de ambos. Son personajes tan carismáticos y bien escritos que se sufre por sus miserias y se celebran sus escasas victorias.
Conclusión
‘Contrapaso, Mayores con reparos’ tiene una habilidad increíble para fusionar el rigor histórico con la experiencia de disfrutar de un thriller oscuro en la España de la postguerra. Teresa Valero te lleva un país convulso que trata de agarrarse a la modernidad venida de Hollywood con el miedo de no ser acusados por el régimen y acabar en la cárcel. Un país de la injusticia y en el que la “verdad” solo estaba en manos de quien tenía el poder.
Este cómic nos va a narrar una historia oscura de asesinatos que nos desvelarán lo peor del ser humano de lo que se puede llegar a hacer para conseguir su propósito.
No puedo develar nada de la trama, pero os puedo asegurar que hay giros de guion impactantes y descubrimientos que os van a dejar helados. No todo lo que brilla en el mundo del cine es oro y aquí ocurre igual.
‘Contrapaso, Mayores con reparos’ es una lectura que no solo entretiene, sino que también invita a la reflexión sobre un periodo complejo de la historia española, demostrando que el cómic es un medio poderoso para explorar las complejidades del pasado.
A los noventa y tres años nos dejó Lalo Schifrin, compositor argentino de prestigiosa carrera en Estados Unidos y Europa, responsable de bandas sonoras como Bullitt, Harry el Sucio u Operación Dragón, sin olvidar por supuesto el mítico tema de apertura de la serie Misión: Imposible que todavía sigue sonando y del cual las películas de la correspondiente saga no pudieron jamás prescindir.
El eximio compositor, pianista, arreglista y director de orquesta Boris Claudio Schifrin (más conocido como Lalo Schifrin) había nacido en Buenos Aires un 21 de junio de 1932. Al ser hijo de un violinista estable del Teatro Colón de dicha ciudad, fue la propia herencia familiar su puerta de entrada a la música, estudiando en el Conservatorio Nacional de Música de su país para luego viajar a Francia y hacerlo en el de París. Regresó luego a Buenos Aires y para ese entonces estaba particularmente interesado en el jazz, por lo que formó una big band, pero fue un golpe fortuito el que le abrió el camino al reconocimiento mundial.
Ello ocurrió en 1956 cuando, durante una visita de Dizzie Gillespie a Argentina, el enorme músico y trompetista le invitó a una jornada de improvisación de la cual participaron también Quincy Jones y Astor Piazzolla. Gillespie quedó tan impresionado con su talento que le pidió que escribiera para él una suite en cinco movimientos y el resultado (Gillespiana) le valió relevancia internacional e incluso pasar a formar parte del quinteto del mencionado músico. Ya para ese tiempo, instalado en New York, mostraba un mayor eclecticismo que lo hacía acercarse a géneros como el jazz latino o la bossa nova, e incluso convertirse en arreglista para el compositor español Xavier Cugat.
Los productores de cine y televisión comenzaron a fijarse en él y desde 1963 se instaló en Hollywood. Compró, sin saberlo, una casa que había sido propiedad de Groucho Marxy un día se encontró con la inesperada visita del legendario actor cómico que quería rememorar su antiguo hogar y compartió con él una larga charla que duró casi toda la jornada.
El tema de apertura que compuso y grabó para la serie Misión: Imposible (1966-1973) sería sin duda el que lo catapultaría a la fama y el que al día de hoy nos suena en mente apenas oímos su nombre y no es para menos, pues esas notas de piano sobre una irregular secuencia rítmica que dan luego paso a una intrigante melodía en flauta se convirtieron en sinónimo de suspenso de allí en más. En mi opinión personal, y me hago cargo, el mejor tema de apertura de toda la historia…
De hecho, fue imposible prescindir del mismo en las películas de la saga que se fueron estrenando en los últimos treinta años (aquí nuestros análisis), aun cuando muchas veces fuera reversionado. «Sin esa música – llegó a decir la actriz Kathy Batesun poco en broma y un poco en serio -, Cruise hubiera fracasado en su primera misión y no hubiera habido más secuelas».
Adam Clayton y Larry Mullen Jr. (respectivamente bajista y baterista de U2) hicieron por ejemplo y justamente para el primer filme de la saga una versión que, con la secuencia cambiada de 5×4 a 4×4, recibió elogios del propio Schifrin: “Si en aquella época se me hubiera ocurrido hacer una versión así – manifestó –, todavía se estaría bailando”.
Fue ganador de cinco premios Grammy (hoy varios medios dan cuatro, pero olvidan el latino) y seis veces nominado al Oscar sin ganarlo para finalmente recibirlo de manera honorífica en 2018 de parte nada menos que de Clint Eastwood, quien tuvo para él palabras muy sentidas y conceptos elogiosos en esa ceremonia. Y al recibirlo de sus manos, el propio Schifrin bromeó diciendo «¡Misión cumplida!». Era, de hecho, uno de sus grandes amigos, al igual que el compositor John Williams, con quien se admiraban mutuamente.
A los noventa y tres años y por complicaciones derivadas de una neumonía, nos dejó ayer quien fuera sin duda uno de los compositores más personales y emblemáticos del cine y la televisión, sin desmedro de una carrera musical brillante por peso propio más allá de la pantalla.
Gracias por tantas partituras inolvidables y por haber sido parte de nuestras vidas, a veces incluso sin que lo supiéramos. Hasta siempre Lalo y gracias por todo…
El pasado miércoles 25 tuvo lugar en Kinépolis Ciudad de la Imagen la gala anual de los Premios Fugaz al cortometraje español, a la que tuve el placer de asistir como invitado de prensa.
La gala comenzó a las 20:00h y contó con invitados excepcionales de la talla de Eduard Fernández, Luisa Gavasa, Vanesa Romero o Nerea Barros. El ventrílocuo y actor Jaime Figueroa la condujo como excepcional presentador haciendo reír en más de una ocasión al público ante sus extravagantes números cómicos.
Arantxa Echevarría con el Fugaz de Honor en el photocall de los Premios Fugaz 2025
Un total de 21 premios fueron entregados en sus respectivas categorías a diferentes obras seleccionadas entre 600 candidatas por una comisión de más de 1600 profesionales del sector, y este año el galardón honorífico fue entregado a Arantxa Echevarría por su aportación al cine español. La directora de Carmen y Lola (2018), Chinas (2023) y La Infiltrada (2024), también comenzó en el cortometraje con obras como Panchito (2010) o De noche y de pronto (2012).
En esta nueva edición se incluyó la categoría de Mejor Cortometraje Hispanoamericano, decidido en colaboración con más de 20 festivales de América Latina, y Mejor Cortometraje de Escuela, elegido entre los principales centros de formación cinematográfica del país.
De partida, los cortos con más nominaciones eran: Una cabeza en la pared, con diez candidaturas; 893 kilómetros, con ocho; y Líbranos del mal, con cinco. Con cuatro nominaciones estaban: El Príncep, Cuando llega el frío, Violetas, El otro, Ne me quitte pas, Donde se quejan los pinos, Insalvable y Ángulo muerto. Muchos de los cortos presentes en los Fugaz son los que después destacan en los premios Goya, por lo que es importante seguirles la pista.
La frase más repetida durante los premios fue: «El corto es cine». Y es que esa es la labor fundamental de los Fugaz: reivindicar y dar visibilidad al cortometraje, un formato comúnmente denostado y acusado de ser «el hermano pobre» del largo. El cortometraje también es cine, el cortometraje es película, y los presentes lo tenían muy claro. Se habló de que quizá estaría bien ampliar el espectro de difusión del corto volviendo a proyectarlo previo a las películas en el cine, tal y como se hacía antaño. Ignasi Camós, director general del ICAA, mencionó que había mantenido alguna charla al respecto con exhibidores.
Los nominados Eduard Fernández y Javier Pereira en el photocall de los Fugaz 2025
Palmarés de los Fugaz 2025
Mejor Cortometraje – Una cabeza en la pared
Mejor Dirección – Cristian Beteta por Ángulo muerto
Mejor Dirección Novel – Jose Luis Lázaro por Cólera
Mejor Guion – Belén Sánchez-Arévalo y Javier Marco por Insalvable
Mejor Dirección de Producción – Jaume Subirós por Una cabeza en la pared
Mejor Dirección de Fotografía – Alejandro Buera por Una cabeza en la pared
Mejor Montaje – Bruno Martín por 893 kilómetros
Mejor Dirección de Arte – Helena Gallego por Una cabeza en la pared
Mejores Efectos Visuales – Heliodoro Carbonell por El otro
Mejor Vestuario – Héctor Loureiro por Una cabeza en la pared
Mejor Maquillaje y Peluquería – Raquel Vadillo por Líbranos del mal
Mejor Sonido – Pedro Iniesta por Donde se quejan los pinos
Mejor Banda Sonora – Alberto Torres por Una cabeza en la pared
Mejor Interpretación Masculina – Ramón Barea por 29 de febrero
Mejor Interpretación Femenina – Eva Llorach por Ángulo muerto
Mejor Cortometraje de Animación – Carmen y la cuchara de palo
Mejor Cortometraje Documental – Behind the wall
Mejor Cortometraje Breve – Origami
Mejor Cortometraje Hispanoamericano – Cuando todo arde (Argentina)
Mejor Cortometraje de Escuela – De Madrid al cielo
Mejor Largometraje – La estrella azul
Fugaz de Honor – Arantxa Echevarría
El equipo de Una cabeza en la pared, ganador del Mejor Cortometraje y seis premios más
Es muy probable que Arthur Conan Doyle no alcanzara a imaginar que sus relatos sobre Sherlock Holmes iban a tener un impacto tremendo en la cultura popular. Muestra de ello es el cómic Hereje, intriga renacentista que ha publicado Planeta.
Hereje se sitúa en la ciudad belga de Amberes en 1529, cuando el imperio español, católico, todavía gobernaba en los Países Bajos. Y, con ello, la Inquisición, que requiere de los servicios de Cornelius Agrippa, un conocido y excéntrico científico con dotes para la alquimia y la magia, para investigar una serie de macabros asesinatos que azotan a la ciudad.
Escribe y dibuja Charlie Adlard, que ha trabajado en obras como Judge Dredd, Marvel UK, X-files, Mars Attacks, X-Men, Hellfire Club, Batman, The Establishment, 2000AD o Warlock…En 2005, fue nominado a los prestigiosos premios Eisner en la categoría de mejor artista por Los muertos Vivientes (The Walking Dead cómic).
Adlard narra una historia clásica de detectives basada en el mencionado modelo de Sherlock Holmes. Esto es, el de una investigación llevada a cabo por una pareja compuesta de un detective ingenioso, peculiar y excéntrico junto con un ayudante fiel y, en el caso de Hereje, joven.
De hecho, el precedente más claro de Hereje es El nombre de la rosa, la inmortal novela (y película) con unos asesinatos en una abadía investigados por un veterano, inteligente y excéntrico monje franciscano acompañado de un joven bajo su tutela. Historia que, de por sí, es un claro homenaje a Sherlock Holmes.
¿Y quién es nuestro detective en este caso?
Cornelius Agrippa, una figura fundamental en el Renacimiento, un hombre experto en múltiples disciplinas, como el ocultismo, la filosofía, la cábala, la medicina y la nigromancia. Un adelantado a su tiempo que se libró del castigo de la Inquisición por su influencia en los hombres poderosos de la época.
Y su ayudante es un joven Johann Weyer, discípulo de Agrippa y, más tarde, uno de los primeros hombres que denunció la persecución a la que estaban sometidas las mujeres consideradas brujas.
Ambos se embarcan en una divertida investigación que hará las delicias de los fanáticos de la intriga histórica. Aquí tenemos a una cruel Inquisición, torturas, macabros asesinatos, distintos sopechosos y giros narrativos.
El dibujo es extraordinario y repleto de detalles históricos, aunque se hubiera agradecido, y esto es personal, el que Hereje se hubiera presentado a color. No creo que su historia se beneficie del blanco y negro, por muy oscura que sea la época en la que se sitúa.
En definitiva, Hereje es una divertida novela gráfica de intriga que se suma a la legión de historias derivadas del canon Holmesiano. Una historia de asesinatos con una pareja de detectives que se lee de un tirón.
Una novela gráfica original del extraordinario dibujante Charlie Adlard (The Walking Dead, Altamont)
Bélgica, 1529: una macabra serie de asesinatos conmociona la ciudad de Amberes. La todopoderosa Inquisición obliga a que el caballero, médico, abogado y reputado nigromante Cornelius Agrippa investigue para ellos. A medida que los asesinatos se intensifican, Agrippa, su hija Juliette y su alumno Johann Weyer se ven inmersos en una vorágine de asesinatos, locura y magia.
Una novela gráfica original del extraordinario dibujante Charlie Adlard (The Walking Dead, Altamont), distinguido durante dos años con el título honorífico de «»Comics Laureate»»; y del galardonado novelista y guionista de cómics Robbie Morrison (Edge of the Grave, Cast a Cold Eye).
«»¡Genial! Un relato sangriento e intrigante de unos narradores en el apogeo de su talento»». Frank Quitely»
Esta mañana SFFGazette.com ha lanzado un bombazo: TRON: Ares estrena dos portadas molonas en Empire Magazine, y por fin nos deja un vistazo oficial a cómo será esta vuelta… ¡junto a una sombra que ya tramamos con cautela!
1. Portadas que truenan
No son simples fotos promocionales: son una declaración de intenciones. Una nos muestra a Ares (Jared Leto, o al menos su traje) emergiendo del mundo digital hacia nuestra realidad, con fuerza y tensión visual. La otra, a la joven desarrolladora Eve Kim (Greta Lee), conectada con redes y código, con la ciudad al fondo, esperando que la IA pisando fuerte altere su vida.
2. “Filmado por un robot”: las palabras de Joachim Rønning
Joachim Rønning no anda con medias tintas: TRON: Ares busca recrear la sensación de que “el Grid filma al programa”. IMAX, cámaras controladas por motores mecánicos, movimientos que imitan programación pura. Porque si vamos a volver al mundo digital, que sea para sentirlo de verdad, sin filtros humanos.
3. Steven Lisberger recontextualiza la saga
El padre de TRON, Steven Lisberger, suelta una frase que retumba:
“Lo que sucede es demasiado vanguardista en su momento… luego el mundo lo asimila.”
Este Ares promete no ser una segunda oportunidad. Es una evolución: tecnología que ya avanza más rápido que nosotros, IA que atraviesa fronteras, y la osadía de repensar cuánto control tenemos realmente del código que nos rodea.
4. La ausencia de Leto en pantallas y polémicas
En las portadas de Empire y los stills publicados… no aparece Jared Leto. ¿Motivos? Netflix y Disney deben medir riesgos. Leto ha negado acusaciones de conducta sexual, que han rondado desde 2005, pero lo cierto es que la campaña parece evitarlo por ahora .
Resulta llamativo: ustedes muestran la visión, el vuelo, la acción… pero callan al actor. Sin que sepamos cómo será el montaje final, el mensaje es doble: el personaje cuenta más que la cara detrás del código.
5. Un reparto potente
Llegan refuerzos: Greta Lee, Evan Peters, Hasan Minhaj, Jodie Turner-Smith y (en un guiño histórico) Jeff Bridges regresando como Kevin Flynn. Esta mezcla promete tensión emocional, humor y epicidad digital .
6. ¿Qué podemos esperar con ganas?
Estética computacional y robótica: ese estilo visual “filmado por máquina” tiene músculo futuro.
Relectura de if/else emocional: IA y humanidad encontrándose, y venimos nosotros para ver el choque.
Juicio constante: el personaje titular puede eclipsar al actor por la forma en que Disney gestione el release.
Cógete fuerte porque esta noticia no es un rumor: Aaron Sorkin dirigirá una secuela de La red social, basada en la investigación de The Facebook Files del Wall Street Journal. Sí, el creador original vuelve, pero esta vez,… no para contar cómo nació Facebook, sino para desenmarañar los pelos alborotados del escándalo: desinformación, salud mental y el asalto al Capitolio de 2021. Porque Aaron Sorkin además de dirigir, también la escribirá.
¿Qué nos puede traer este nuevo guion?
Un guion de Aaron Sorkin es como un café doble: fuerte, cargado, lleno de diálogos que vibran en tu cabeza. Esta vez no es un regalo a emprendedores, sino una llamada de atención: “esto salió mal y tenemos que sentirlo”.
La investigación original contagió la idea de que Facebook sabía pero no actuó. Ahora, Sorkin lo borda: un relato que pasa de los bytes a los temblores sociales. Y como sabe hacerlo, “menos tecleo, más efecto en el mundo”.
¿Pero es cine realista… o decepcionante?
Sorkin no es un documentalista. Es un cuentacuentos que deja huella. Su desafío: convertir investigaciones periodísticas en personas, emociones y culpa. Si logra que sintamos el peso moral, esa punzada como de culpa colectiva, no sólo informará, también hará que se te remuevan las tripas.
En una industria sedienta de escapismo, ¿alguien nos dará algo tan crudo como el reflejo de nuestra propia responsabilidad digital?
¿Qué sabemos del proyecto?
Será con Sony Pictures, unido al respaldo que ya rueda en Hollywood.
Está en fase de guion y preproducción: así que aún no hay fechas, reparto ni boom mediático.
El título tentativo es The Social Network Part II… pero esperad, porque pueden retorcerlo en algo más mordaz, más Sorkin.
¿Qué actores podrían regresar?
Por ahora, silencio radio: no sabemos si Jesse Eisenberg volverá como Zuckerberg. Pero imagínate: volver a verle el tic nervioso, la sonrisa forzada… y ahora con café bajo el ojo por temporadas de insomnio informativo. Si regresa, será nostalgia y también advertencia.
Riesgos y desafíos
Puede quedar plano si cae en el sermón. Sorkin tiene que mantener ritmo y tensión.
Si Zynga no es Zuckerberg, puede estrellarse: necesitamos personajes, no recortes periodísticos.
Hollywood tiende a suavizar. Si suaviza esto, matará la esencia punk del original.
¿Qué puede sorprendernos más?
Ver a actores regresando frente a nuevas versiones de sí mismos: Zuckerberg comete errores, pero ya es dueño del imperio.
Música: tal vez Hans Zimmer vuelva a ayudar o alguien nuevo con otro golpe emocional.
Un cierre menos final y más advertencia: no es “la historia del pasado”, es “la historia que se repite cada mañana”.
En resumen
Esta secuela promete ser un hachazo cinematográfico hacia un espejo que nos vemos cada día. No solo porque Facebook dejó de ser el centro de nuestro mundo: lo sigue siendo, pero ya no solo es red social; es respiración, política, salud mental, poder e identidad.
Que Sorkin regrese como director podría significar que se siente con fuerza, no para recrear un recuerdo, sino para prender fuego a la memoria colectiva, con palabras, ritmo y verdad.
Y si lo consiguen… Porque no solo puede ser un blockbuster. Puede ser un aviso. Un refresh moral. Y quizás, solo quizás, algo que nos haga abrir los ojos.
Que se llevaba tiempo buscando a un director para la nueva etapa del agente secreto ingles no era un secreto. Denis Villeneuve, el director detrás de éxitos como La llegada, Blade Runner 2049 y las dos entregas de Dune, ha sido oficialmente anunciado por Amazon MGM Studios como el director de la próxima entrega de Bond, James Bond.
Tras la despedida de Daniel Craig y la reciente adquisición de Eon Productionspor parte de Amazon, parecía que nos habíamos quedado huérfanos y que esto iba a tardar en arrancar, pero (por suerte no ha sido así)
La elección de Villeneuve no es casual. El cineasta canadiense tiene un estilo visual muy potente y su habilidad para crear mundos atractivos y envolventes es más que evidente en sus trabajos anteriores. Su filmografía se cuenta por éxitos y es un testimonio de su talento para equilibrar la acción con personajes interesantes con dilemas morales. Estas cualidades podrían inyectar sangre fresca y una nueva dimensión al espía más famoso del mundo.
La noticia ya es oficial, aunque los detalles sobre la producción aún son nulos, sobre todo porque se espera que Villeneuve se embarque en este proyecto después de completar la tercera entrega de Dune. Esto nos hace suponer que tendremos que esperar un mínimo de tres años para ver a Bond bajo su dirección.
La era post-Craig ha abierto la puerta a un sinfín de posibilidades para James Bond, incluyendo la incógnita sobre quién será el próximo actor en pedir un Martini agitado no mezclado.
¿Será capaz de revitalizar la franquicia y llevarla a nuevas alturas creativas?¿Mantendrá la esencia clásica de Bond mientras le imprime su sello personal? Solo el tiempo lo dirá, pero lo que es seguro es que la próxima película de James Bond promete ser todo un evento cinematográfico.
¿Creías que estos temas musicales estaban especialmente compuestos para las películas en las que los recuerdas? Pues no: hacemos un repaso de composiciones que quedaron identificadas con filmes famosos a pesar de ser anteriores a los mismos.
La asociación entre sonido e imagen se ha hecho inevitable desde mediados del siglo XX. Mucho tuvieron que ver en ello la televisión y la cultura del video-clip, pero sin duda también el cine, pues las bandas sonoras suelen quedar en nuestro recuerdo y puede ocurrir que no logremos separar a ciertos temas musicales de las películas en que sonaban. La mayoría de las veces se trata de piezas compuestas especialmente para las mismas, pero hay casos en que no es así y la relación se hace, sin embargo y de todas formas, ineludible.
Repasamos pues un listado de temas que han quedado para siempre relacionados con las bandas sonoras de películas para las que sin embargo no habían sido compuestos. Y los categorizamos, justamente, desde el menos al más fuertemente identificado con cada película en cuestión.
#15 – Relax (Frankie goes to Hollywood) / Doble Cuerpo (Brian De Palma, 1984)
Frankie goes to Hollywoodfue una banda que, bajo los auspicios de Trevor Horn, causó muchísimo impacto en 1984 al saltar al mercado con la rareza de un álbum debut doble, pero más todavía con la canción Relax, que sonaba por esos días a rabiar en radios, discotecas y MTV, particularmente a partir de un video-clip promocional que levantó mucha polvareda por lo explícito de un erotismo que rozaba lo por-no (lo escribo así para que Google no me baje los algoritmos).
Seguramente fue por eso que a Brian De Palma se le ocurrió recurrir a la canción en el thriller Doble Cuerpo(Doble de Cuerpo para América Latina) para acompañar la escena en que Jake Scully (Craig Wasson) ingresaba al club nocturno (un microcosmos en sí mismo) en procura de hallar a la actriz y bailarina erótica Holly Body (Melanie Griffith).
El propio líder de la banda Holly Johnson aparecía en esa escena cantando la canción al tiempo que daba vida a una especie de anfitrión o presentador del club. Y al poco tiempo un nuevo video-clip circulaba por los canales de música incluyendo imágenes de la película. Casi imposible para el común del público no pensar que el tema había sido compuesto especialmente para la misma.
Esta es una de esas películas que sembraron confusión al tomar el nombre de una canción preexistente, pues Oh, Pretty Woman es un clasicazo de Roy Orbison de 1964 que tuvo incluso muchas otras versiones, siendo las de Al Green y Van Halen quizás las más populares.
Pero al estrenarse en 1990 la exitosa comedia románticaPretty Woman (Mujer Bonita), el director Garry Marshall decidió echar mano de la del propio Orbison en varias partes de la película, siendo posiblemente de las más recordadas la escena en que Vivian (Julia Roberts) se pasea por Rodeo Drive para tomarse venganza de los locales de ropa que en su momento la habían rechazado por su traza de “mujerzuela”.
#13 – You could be mine (Guns N´Roses) / Terminator 2: El Juicio Final (James Cameron, 1991)
Aunque muchos relacionen al tema con Terminator 2: El Juicio Final (aquí retro-análisis), el mismo ya había sido lanzado por los Guns N´Roses como single en junio de 1991 e incluido tres meses después en Use your Illusion II, álbum que formaba parte de un lanzamiento doble, aunque los discos, lanzados el mismo día, podían comprarse por separado (de hecho, y junto con Estranged y Civil War, fue uno de los temas que hizo que me comprara el segundo antes que el primero).
En la película es utilizado para musicalizar la fuga en moto del joven John Connor y vuelve a sonar con los créditos finales. El video-clip promocional alternaba imágenes de la banda en vivo con otras extraídas del filme mientras Arnold Schwarzenegger ingresaba al concierto y avanzaba amenazante entre la concurrencia. En el final y como si fueran objetivos, escaneaba uno a uno a los miembros de la banda al salir del estadio para luego desentenderse y seguir su camino.
#12 – Kiss from a Rose (Seal) / Batman Forever (Joel Schumacher, 1995)
Fina, delicada y sentida balada de Seal que saltó a los primeros puestos de las listas tras su inclusión en el filme Batman Forever (aquí retro-análisis), tercero de la saga del murciélago iniciada por Tim Burtony ahora continuada por Joel Schumacher. Pero no fue compuesta para la misma y, de hecho, Seal tenía esa canción ya desde 1987, es decir cuatro años antes de la publicación de su álbum debut de 1991 en el cual, sin embargo, no la incluyó, sino que esperó para hacerlo recién al segundo, de 1994.
El tema sería al otro año parte de la banda sonora del filme y hasta del álbum que salió a la venta (en versión algo abreviada al final, cosa que recuerdo que me molestó). Y para aumentar la confusión, fue acompañada por un video-clip que incluía imágenes de la película.
# 11 – The End (The Doors) / Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979)
Tengo un recuerdo muy poderoso de esta canción, pues a los trece años me encantaba acompañar a mi hermano mayor a buscar arena al puerto de San Fernando (Buenos Aires, Argentina) y a eso de las cuatro de la madrugada escuchábamos en la radio del camión un programa que se cerraba justamente con ese tema, que yo no sabía aún de quién era.
Después supe que The End es una increíble canción de The Doors incluida en su homónimo álbum debut de 1967, pero en la radio se oía con un helicóptero de fondo que no estaba en la grabación original y di por sentado que sería alguna edición de quienes musicalizaban el programa.
Hasta que vi Apocalypse Now (aquí retro-análisis) y entendí todo, pues así es justamente como se escucha el tema en la película en una lisérgica escena con un Martin Sheen desahuciado en un cuarto de mala muerte en Saigón y un ventilador cuyas aspas se van convirtiendo en las de un helicóptero. Inolvidable escena con el magistral sello de Francis Ford Coppola que por mucho tiempo produjo asociación inmediata entre película y canción a pesar de que hubiera doce años de diferencia entre ambas…
Es bueno aclarar que en la misma película y poco después de ese momento inicial suena la famosa Cabalgata de las Valquirias de Richard Wagner en la icónica escena de los helicópteros, pero no la incluyo en este listado porque allí hay una relación simbólica diferente: lo que Coppola busca (y logra) es que se asocie el accionar norteamericano en Vietnam y sudeste asiático con los nazis, a los cuales, acertada o equivocadamente, se suele relacionar con Wagner, y suelen ser la primera imagen que nos viene a la cabeza al escuchar esa pieza más allá de lo emblemático de la mencionada escena.
#10 – Stand by Me (Ben E. King) / Cuenta Conmigo (Rob Reiner, 1986)
Al igual que Mujer Bonita, este es uno de esos casos en los cuales la película adopta el nombre de una canción previa a ella, pero el éxito cinematográfico instala en el público la idea de que es al revés. Stand by Me (traducida al español como Cuenta Conmigo) es una película de Rob Reiner de 1986 que se basa en el relato El Cuerpo de Stephen King, pero nada tiene que ver con el terror, sino que es una entrañable historia sobre el valor de la amistad y con un elenco infantil de lujo.
Pero la canción de la cual el filme toma su título y que suena en el mismo es de 1962 y está compuesta y escrita por el artista soul Ben E. King. Y aunque tuvo muchísimas versiones (incluida una maravillosa de John Lennon), se recurrió a la original, que reingresó a los charts de ventas de singles veinticuatro años después de su lanzamiento.
# 9 – Unchained Melody (The Righteous Brothers) / Ghost: Más allá del Amor (Jerry Zucker, 1990)
Balada bien de los cincuenta que, inesperadamente, saltó a los primeros lugares en ventas treinta y cinco años después de ser editada por primera vez. De hecho, había tenido en el medio montones de versiones a cargo de artistas tan variados como Elvis Presley, Iva Zanicchio Liberace, pero el director Jerry Zucker decidió usar la de los Righteous Brothers, no exactamente la original de 1955 sino la que, con apoyo orquestal, ellos mismos habían regrabado como relanzamiento en 1965.
En la película Ghost: Más Allá del Amor (según países también Ghost: La Sombra del Amor o Ghost: El Fantasma del Amor), exitazo en taquilla que cuenta la romántica y sobrenatural historia de una relación que trasciende la misma muerte, el tema acompaña las escenas íntimas entre Patrick Swayze y Demi Moore. De pronto y para todo el mundo, era “el tema de Ghost”.
Caso particular, porque el tema no fue compuesto para la película pero sí grabado por primera vez para ella. El dúo folk Simon & Garfunkel era en los sesenta uno de los artistas predilectos del director Mike Nichols, quien por eso mismo les pidió que compusieran un par de canciones para la banda sonora de El Graduado, filme que estaba rodando. Paul Simon presentó entonces un par de canciones recién salidas del horno, pero no convencieron al director, que les preguntó si no tenían alguna otra.
Los miembros del dúo lo debatieron en privado y recordaron que tenían compuesta una canción aún sin título definitivo a la que provisoriamente habían denominado Mrs. Roosevelt, pero ese apellido no encajaba demasiado en la métrica. Decidieron entonces rebautizarla como Mrs. Robinson en clara referencia al personaje que interpreta Anne Bancroft en la película y cuando se lo mostraron a Nichols, este preguntó: “¿Tenían un tema llamado Mrs. Robinson y no me lo habían dicho?”.
Gracias a la película, la canción acabó siendo número uno en ventas de singles y, por cierto, no es la única del dúo incluida en la banda sonora, pues también suena The Sounds of Silence, otro clásico no compuesto especialmente, aunque menos asociado con el filme.
#7 – Another Brick in the Wall Part 2 (Pink Floyd) / Pink Floyd: The Wall (Alan Parker, 1982)
¿Quién no ha visto alguna vez a los niños del colegio marchando a ritmo marcial para terminar cayendo uno tras otro en una picadora de carne? Es, desde luego, la primera imagen que nos despierta Another Brick in the Wall – Part 2 con su crítica feroz al tradicionalista sistema educativo británico.
Pero la canción no fue compuesta para la película de Alan Parker de 1982, ya que el multivendedor álbum conceptual The Wall , lanzado en 1979 por la legendaria banda Pink Floyd, ya incluía tanto a esa como a la mayoría de las canciones que suenan en el filme. Y si bien Roger Waters tenía ya desde un principio la idea de acompañar al disco con una película, se barajaban opciones muy diferentes, hablándose por ejemplo de una mezcla de actuación en vivo con animaciones.
Fue Parker quien se apareció con la idea de construir una película basada en el álbum, pero más bien argumental y muy surrealista, así que se la propuso justamente a Waters para llevarla a cabo…
# 6 – Chi Mai (Ennio Morricone) / El Profesional (Georges Lautner, 1981)
Este es un caso especial, porque Chi Mai sí fue compuesta por Ennio Morricone para una película, pero no para la que la mayoría del público asocia inmediatamente al oírla. El gran compositor italiano había escrito esa canción para el filme italiano Maddalena (1971), pero decidió reutilizarla diez años después en la banda sonora de la película francesa El Profesional (aquí retro-análisis) que, dirigida por Georges Lautner, catapultó a Jean-Paul Belmondo como ícono del cine de acción.
Solo a un genio como Morricone se le podía ocurrir que una pieza tan melancólica y evocativa podía quedar bien en la propuesta y en efecto así fue. Para todo el mundo, Chi Mai es el tema de El Profesional, con excepción del Reino Unido, donde quedó ligado para siempre a alimento para mascotas debido a su inclusión en un famoso aviso publicitario.
# 5 – Born to be Wild (Steppenwolf) / Easy Rider: Buscando mi Destino (Dennis Hopper, 1969)
Para muchos, la canción fundacional del hard-rock, pero también, y más aún, sinónimo de motocicletas y rebeldía en la cultura popular a partir de su inclusión en la película Easy Rider, de Dennis Hopper (también conocida, según países, como Busco mi Destino o Busco mi Camino): un himno, casi.
El tema había sido lanzado por la banda canadiense Steppenwolf en 1968 e incluido ese mismo año en su icónico álbum debut, pero al rodarse la película al año siguiente fue utilizado como placeholder (es decir, como relleno temporal hasta que hubiera una banda sonora definitiva) y a Peter Fonda (uno de los actores principales del filme) se le ocurrió que no había que reemplazar nada porque era imposible que algo cuadrase mejor al espíritu rebelde de la cinta. Al día de hoy se hace difícil no pensar en carretera, motos y chaquetas de cuero apenas suena el riff inicial.
# 4 – You can leave your Hat on (Joe Cocker) / Nueve Semanas y Media (Adrian Lyne, 1986)
Después del strip-tease de Kim Basinger en Nueve Semanas y Media, esta canción ha quedado no solo indisolublemente ligada a ese filme, sino a cualquier momento de carácter festivo erótico, al punto de simplemente comenzar a sonar apenas alguien se quita un mínimo guante.
Lo curioso es que You can leave your Hat on (en cuya letra justamente alguien pide a su amante que se desvista lentamente y solo se deje, si quiere, el sombrero puesto) fue compuesta y grabada primeramente por Randy Newman en 1972. La versión incluida en la película, de todas formas, no es esa, sino un cover que Joe Cocker registró para su disco Cocker, de 1986 (es decir, tampoco fue grabada para el filme), pero después de ser incluida en la banda sonora de esta icónica película del cine erótico ya casi nadie aludiría a la misma por su título, sino llamándola simplemente “el tema de Nueve Semanas y Media”.
En un restaurante, una mujer maldice, se trepa a una mesa y amenaza a los clientes con un arma mientras grita a viva voz que es un asalto. Inmediatamente se dispara uno de los temas más icónicos en la historia del cine que, sin embargo, no fue tampoco compuesto para la película. Se trata, claro, del inicio de Pulp Fiction (aquí retro-análisis), obra capital de Quentin Tarantino que vino a reinventar el cine cuando se estaba volviendo aburrido de tan cuidado y prolijo.
Pero Tarantino no mandó componer música específica para el filme, sino que echó mano exclusivamente de su propia discoteca personal, siendo varias las canciones que han quedado asociadas al mismo, como You never can tell, del legendario Chuck Berry, que acompaña la famosa escena del baile entre John Travolta y Uma Thurman.
No obstante, la que más ha quedado claramente identificada es sin duda Misirlou, canción de 1962 interpretada por Dick Dale & the Del-Tones que, famosa por su guitarra frenética y el especial uso del reverb, es pieza fundamental del llamado surf- rock y la que acompaña los créditos iniciales tras la famosa escena antes mencionada.
Mike Oldfield acababa en 1973 de editar su álbum debut Tubular Bells, obra maestra musical en sí misma sobre la cual les invito a leer un excelente artículo que tenemos en nuestra web. Pero cuando William Friedkin lo escuchó por absoluta casualidad, quedó automáticamente prendido de esa hipnótica escala de notas del principio y dijo “quiero usar eso en la película”.
La película, claro, era El Exorcista (aquí retro-análisis) que, estrenada ese mismo año, se convertiría en referente ineludible del cine de terror. Bastaron unos pocos segundos de la partitura de Oldfield para que el público hiciera una relación ya indisociable, al punto que muchos creían que el álbum Tubular Bells era la banda sonora de El Exorcista. Y esos pocos segundos, además, llevaron al disco a número uno en ventas e impulsaron el ascenso de un sello discográfico hasta ese momento de segunda línea: Virgin Records.
# 1 – Also sprach Zarathustra (Richard Strauss) / 2001, Una Odisea Espacial (Stanley Kubrick, 1968)
Creo que no podía ser para otra el número uno. Cuando uno escucha las primeras notas de la introducción de Así habló Zaratustra (Also sprach Zarathustra), op. 30, de Richard Strauss (estrenada originalmente en 1896), es imposible que no acudan de inmediato a nuestra mente los primates y el monolito en esa increíble escena inicial (de las mejores de la historia del cine), casi una película en sí misma dentro de una obra maestra como lo es 2001, Una Odisea Espacial, deStanley Kubrick (aquí retro-análisis).
No pudo ser más oportuna ni genial la idea de utilizar esa pieza para musicalizar un momento que acabaría siendo tan icónico y memorable que, por cierto, el compositor jamás llegó a ver por haber fallecido casi dos décadas antes del estreno de la película. Además, no es el único Strauss en la banda sonora, pues Kubrick (muy afecto a incluir música clásica en sus filmes) echa también mano del famoso vals Danubio Azul, deJohann Strauss (quien no está emparentado con Richard) para musicalizar las no menos increíbles escenas espaciales que vienen después del salto temporal.
Al igual que ocurre con Tubular Bells y El Exorcista, la introducción de Así habló Zaratustra es para el común del público y al día de hoy “el tema de 2001”.
En fin, ¿qué les ha parecido el listado? ¿Sabían que todas estas piezas musicales no habían sido compuestas especialmente para las películas con que las identificaban? ¿Recuerdan algún otro ejemplo que se me haya escapado? Les leo y espero que el artículo les haya gustado.
