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Series y películas de Netflix que debes ver en agosto

Carlos María Porras Castaños
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Series y películas de Netflix que debes ver en agosto

Bienvenidos un mes más a esta sección donde os mostramos los nuevos contenidos que llegan a Netflix a primeros de mes. Estamos en agosto, un mes a priori poco propicio para estrenar grandes cosas ya que el personal está en otros menesteres, playa, piscina, montaña, cerveza, etc. No obstante os digo ya que sorpresas. Sin más preámbulos nos ponemos al lío.

Series de contenido propio:

Olvidar lo que dije antes, para un servidor los estrenos de este mes son difícilmente superables en todo el año. Vamos a tener grandes series de estreno y el regreso de algunas de vuestras favoritas. Así el 2 de agosto vuelve Queridos Blancos con su tercera temporada. Es una dramedia que trata sin tapujos la cuestión racial.

El 8 de agosto uno de los estrenos que hay que apuntarse si o si. Wu Assassins. Muchas incógnitas con respecto a esta serie. Nos espera un derroche de fantasía y artes marciales. Una serie protagonizada por Iko Uwais, quizás la estrella absoluta del género, conocido sobre todo por su papel en la bilogía The Raid. La sinopis desde luego es curiosa, Kai Jin, un joven chef del barrio chino de San Francisco, tras el encuentro con un espíritu místico, obtiene los antiguos poderes mortales de la Tríada China conocida como «Wu Xing».  Tendrá que utilizar sus nuevas habilidades  para frenar los poderes sobrenaturales de sus enemigos. A Iko Uwais le acompañan en el reparto Byron Mann, Mark Dacascos y Tzi Ma.’Wu Assassins’ constará de diez episodios.

El 9 de agosto se estrena Las chicas del cable con su cuarta temporada junto a otro de los platos fuertes del mes GLOW, que estrena su tercera temporada. En esta ocasión las desventuras de la lucha de Ruth (Alison Brie) y Debbie (Betty Gilpin) por triunfar con su espectáculo de wrestling las llevará a la ciudad de Las Vegas. Allí se darán cuenta que las luces de neón no son para ellas.

https://www.youtube.com/watch?v=lNdHAnmfAP8

El 16 de  agosto es otra fecha a señalar en el calendario. Estreno de la segunda temporada de Mindhunter, la mejor serie del 2017. Aquí tenéis mis aportaciones a la primera temporada:

¿Qué sabemos de la segunda temporada? Con Holden Ford en una situación aparentemente comprometida por lo que vimos al final de la primera temporada, en esta nueva temporada, Ford (Jonathan Groff) y Bill Tench (Holt McCallany) vuelven a formar equipo con la psicóloga Wendy Carr (Anna Torv) para resolver los crímenes ocurridos en Atlanta entre 1979 y 1981. 28 muertos, todos afroamericanos. En esta ocasión contaremos con la entrevista a Charles Manson, interpretado por Damon Herriman. Como se que sois muy listos ya sabéis que es el mismo actor que da vida al mismo personaje en el próximo estreno de Quentin Tarantino, ‘Érase una vez en Hollywood. David Fincher, Carl Franklin y Andrew Dominik son los directores de los nueve capítulos que forman la segunda entrega de Mindhunter. A falta de tráiler os dejo la caracterización de Damon Herriman como Charles Manson.

manson

Y acabamos con el 30 de agosto, estreno de El cristal oscuro. Una película de mi más tierna infancia que ahora Netflix ha covertido en serie y que funciona a modo de precuela de la del año 1982 en la que Jim Henson y Frank Oz fueron los responsables. El director de películas como Transporter, El increible Hulk y Ahora me ves, Louis Leterrier, se encarga de la realización de la moderna adaptación.

Otras series:

  • Derry Girls: Temporada 2 – 2 de agosto
  • Patriota no deseado con Hasan Minhaj: Volumen 4 – 4 de agosto
  • El director desnudo – 8 de agosto
  • Sintonía – 9 de agosto de 2019
  • Apache: La vida de Carlos Tevez – 16 de agosto
  • 45 revoluciones – 16 de agosto
  • La víctima número 8 – 16 de agosto
  • Frontera verde – 16 de agosto
  • Hyperdrive – 21 de agosto
  • El menú de los millonarios: Temporada 2 – 27 de agosto
  • Workin’ Moms: Temporada 3 – 29 de agosto
  • 13 mandamientos – 30 de agosto
  • The A List – 30 de agosto
  • Casados con el diseño – 30 de agosto
  • Vis a vis: Temporada 3 – 30 de agosto

Estrenos de películas de producción propia.

A la espera de que no tenga que tirar este artículo al retrete, tenemos un mes tranquilo en cuanto a producción propia nos referimos. Destacamos el 2 de agosto el estreno de Otherhood (Más que madres). Carol (Angela Bassett), Gillian (Patricia Arquette) y Helen (Felicity Huffman), tres viejas amigas, se sienten olvidadas y abandonadas por sus hijos adultos. Así que deciden ir a Nueva York a verlos y, en su travesía, se proponen redefinir sus relaciones cuando descubren que las vidas de todos necesitan un cambio. Basada en la novela «Whatever makes you happy» de William Sutcliffe.

https://www.youtube.com/watch?v=LjKwoeqmYvg

Dos películas más (a priori) se estrenan con el sello A Netflix original film. El día 18 es el turno de Sextuplets (Sextillizos) Un futuro papá descubre que tiene cinco hermanos gemelos y se embarca en un alocado viaje para encontrar a sus compañeros de útero. Marlon Wayans los interpreta a todos. El acabóse. El 30 de agosto podremos ver La Grande Classe en la que dos mejores amigos vuelven a su ciudad natal para una reunión de la escuela secundaria, con la esperanza de ver a sus antiguos «bullies» y volver a conectar con los amores adolescentes. Nada del otro mundo a priori como podéis observar.

Otros estrenos cinematográficos:

  • Ex Machina– 1 de agosto
  • The Boy Next Door – 1 de agosto
  • Furious 7 – 1 de agosto
  • The Stepford Wives – 1 de agosto
  • Here Comes the Boom – 1 de agosto
  • The Amazing Spider-Man – 1 de agosto
  • The Smurfs – 1 de agosto
  • Pulp Fiction – 1 de agosto
  • Arthur Christmas – 1 de agosto
  • Boyka: Undisputed – 1 de agosto
  • Unknown – 1 de agosto
  •  The Rite – 1 de agosto
  •  Gladiator – 1 de agosto
  • Rampant – 1 de agosto
  • Elena – 3 de agosto
  • Nadie sabrá nunca – 5 de agosto
  • Molly’s Game – 5 de agosto
  • Screwball – 6 de agosto
  • King Arthur: Legend of the Sword – 10 de agosto
  • Butterfly– 15 de agosto
  • Zam Zam – 15 de agosto
  • Paris Paris – 15 de agosto
  • That Is Mahalakshmi – 15 de agosto
  • It Takes Two – 15 de agosto
  • Journey 2: The Mysterious Island – 15 de agosto
  • Ocean’s Thirteen – 15 de agosto
  • The Prince of Egypt – 16 de agosto
  • The Big Lebowski – 16 de agosto
  • It’s Kind of a Funny Story – 16 de agosto
  • Hot Fuzz – 16 de agosto
  • Pitch Black – 16 de agosto
  • Ali G Indahouse  – 16 de agosto
  • Harry and the Hendersons  – 16 de agosto
  • Role Models (16/08) – 16 de agosto
  • Hellboy II: The Golden Army  – 16 de agosto
  • Psycho (16/08) – 16 de agosto
  • Drag Me to Hell – 16 de agosto
  • Bean: The Ultimate Disaster Movie – 16 de agosto
  • The 40-Year-Old Virgin – 16 de agosto
  • Casper – 16 de agosto
  • The Post – 19 de agosto
  • The Hitman’s Bodyguard – 24 de agosto
  • Steve Jobs – 27 de agosto
  • Krampus – 27 de agosto
  • Flatliners – 27 de agosto
  • Feo pero sabroso – 31 de agosto

Un saludo y sed felices.

Reseña de Rumble 4. Alma sin piedad. David Rubín se une a John Arcudi en una nueva aventura del dios guerrero espantapájaros

Adrián De La Fuente Lucena
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Reseña de Rumble 4. Alma sin piedad. David Rubín se une a John Arcudi en una nueva aventura del dios guerrero espantapájaros

«RUMBLE convoca a lo noble, legendario y monstruoso de lo humilde y lo mundano».

Comicbook.com

 

Introducción

La editorial Astiberri nos obsequia en el mes de julio de 2019 con el cuarto tomo de la colección Rumble, que recopila el 2 volumen de la edición americana, con el arco argumental de 5 números, titulado Alma sin piedad. Además de una historia corta, a modo de preludio, de la mencionada saga, Rumble 4. Alma sin piedad incluye bocetos y otros extras sobre el proceso de trabajo del dibujante de esta historia, David Rubín, así como diversos pin – ups y portadas alternativas.

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Valoración de Rumble 4. Alma sin piedad

El guionista John Arcudi vuelta a tomar a la deidad guerrera Rathraq, la cual creó junto con el dibujante James Harren para Image en 2015. Lo hace en un nuevo arco argumental con un nuevo compañero de viaje en el dibujo, se trata de David Rubín. Se puede decir entonces que la calidad en el apartado artístico de este dios, con la apariencia de un espantapájaros, no decae en absoluto.

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La temática sigue siendo la misma. Una criatura, antaño de apariencia poderosa, ha de hacer frente, en nuestro tiempo, a aquellos demonios que ya combatió hace diez mil años a favor de la raza humana. Misión en la que va descubriendo que la humanidad está tan corrompida por dentro como lo está él por fuera. Una humanidad en la que lo que está bien y lo que está mal no está tan claro como lo estaba en El momento de esplendor de nuestro héroe. Puede que, precisamente por eso, y por las duras pruebas que ha tenido que pasar durante la lucha con sus eternos adversarios, nuestro personaje ha pasado de ser un defensor de los débiles a un salvaje sanguinario, que antepone su misión a todo lo demás, tratando con cierto desdén a los que eran sus aliados en este mundo: Bobby, Del y Timah.

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Para complicar más las cosas la raza humana parece haberse cansado de ser el blanco de los ESU, los monstruos a los que combate Rathraq, y han decidido crear un especie de Frente de Liberación Humana contra los mismos. Algo que, indudablemente, molesta a estos últimos quienes tratarán de impedir dicha empresa.

La temática del cazador de monstruos o la de dioses y semidioses combatiendo a criaturas sobrenaturales para beneficio de la humanidad, que los venera, no es excesivamente original. Se puede decir que es una constante en las leyendas del ser humano desde El Poema de Gilgamesh, probablemente la obra literaria más antigua del mundo, pasando por las diferentes mitologías que conforman nuestra cultura. Lo novedoso de Rumble es la forma en que se recoge todo eso. Arcudi es consciente del legado que maneja y lo moldea para elaborar un atractivo relato que evita cargar de excesivas referencias para no aburrir al lector. Estamos pues ante un cómic que, aún pareciendo nuevo, atesora multitud de guiños a historias místicas y sobrenaturales de las que uno puede percatarse si sabe mirar.

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Historias fundamentalmente trágicas en las que, sin embargo, hay espacio para el humor. Humor bien dosificado, humor en el momento oportuno, para no vulgarizar, simplificar o restar valor a lo que se está contando. Un historia de valor, amistad y honor pero también de rencor, venganza y miedo. Todas ellas cualidades que parecen darse tanto en los seres humanos como en las divinidades y en los seres sobrenaturales que combaten.

Y si James Harren era ideal para plasmar todo esto en viñetas, no lo es menos su sucesor en este volumen, David Rubín. Es conocido el gusto de este autor por llevar a las viñetas historias de corte heroico y mitológico. Ya lo hizo con El Héroe, novela gráfica en la que adaptaba Los Doce Trabajos de Heracles, o con Beowulf, junto con el guionista Santiago García. Por no hablar por su habilidad para mezclar contextos sobrenaturales con entornos de ciencia-ficción dando lugar a multitud de ingeniosas criaturas. Muestra de ello es su dibujo en Ether, con guión de Matt Kindt.

Por lo que no es de extrañar que en el tomo que nos ocupa el autor confiese su admiración por Rumble y su inmensa alegría cuando Arcudi contacto con él para ofrecerle ser el dibujante del segundo volumen de su obra. Algo que acepto inmediatamente. Leído Rumble 4. Alma sin piedad salta a la vista que Rubín disfruta con este título dado la épica y espectacularidad que transmite en sus páginas.

Así que los lectores habituales de Rumble pueden estar tranquilos, la calidad está asegurada. Y los que quieran engancharse ahora, que no se asusten. Aunque este es el volumen cuatro en la edición española, al ser el dos en la americana se pone al lector en situación de todo el pasado de Rathraq y de sus secundarios así como también se introducen nuevos personajes y situaciones que darán que hablar en el futuro. De manera que no hay excusa para no probar Rumble 4. Alma sin piedad.

Esto ha sido todo. Espero tus comentarios sobre este post. ¡Muchas Gracias y un abrazo!

 

 

En clave de western: Recordando el juego Sunset Riders

José Carlos García
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En clave de western: Recordando el juego Sunset Riders

¡Hola vaquer@s! Aquí os traigo una nueva entrega de la sección «En clave de western«. Como sabéis (en caso de no saberlo os lo refresco), esta sección se encuentra dando sus primeros pasos por la web, y la finalidad de la misma no es otra que darle al western la visibilidad que merece sea la época que sea y el año que sea. Y por eso me apetece hablaros hoy de uno de esos juegos de arcade que fue una auténtica revolución en su día, y que en la actualidad sigue gozando de prestigio entre quienes jugamos a él en su día. Hoy es el turno de hablaros del juego… ¡Sunset Riders! Aquí os dejo la encantadora intro del juego, muy llamativa en su día cuando pasabas por delante de la máquina recreativa.

Creado en 1991 por Konami, estamos ante uno de los mejores juegos de su época sobre el salvaje oeste. ¿Cuál era la historia tras Sunset Riders? Realmente no estamos ante un juego que siga una línea temporal o una serie de acontecimientos conectados en cada nivel del juego, sino que durante los 8 niveles jugables, el objetivo en todos y cada uno de ellos era llegar hasta el jefe final, que era un forajido buscado, para acabar con él y cobrar la recompensa. No obstante, la gracia de este juego se encuentra en varios factores: los personajes, la variedad de escenarios, y el inmenso carisma que desprende.

Sunset Riders 2

Empecemos por los personajes. Los protagonistas elegibles por el jugador son 4 cazarrecompensas llamados Steve, Billy, Bob y Cormano. Mientras que los dos primeros llevaban revólveres, Bob llevaba un rifle y Cormano una escopeta. No obstante, la posibilidad de encontrarse alguna recompensa durante los niveles permitía que las diferencias entre un arma y otra no importase mucho al conseguir temporalmente disparos especiales. Junto a estos personajes, los antagonistas también tienen su punto de interés, porque cada uno de los jefes finales tiene un aspecto distinto y unas habilidades diferentes entre sí, a pesar de que nos pueda parecer todo muy automático.

Por otra parte, la variedad de escenarios y la jugabilidad en cada uno de ellos era muy disfrutable. Podíamos encontrarnos niveles en los que íbamos a pie disparando a todos los pistoleros que apareciesen, pero también había fases en las que tocaba ir a caballo, o sobre un tren, e incluso… ¡correr sobre los animales de una estampida! En cada nivel se podía ir por arriba o por abajo, en un formato de juego muy similar a otro juego que conoceréis, como era el Contra. Y sobre los escenarios, había un extenso recorrido por las diferentes zonas tan vistas en el western: desde recorrer poblados indios a trenes en marcha, pasando por peleas en el interior de un saloon, pasajes en bosques, o el recorrido por algún pueblo lleno de pistoleros y obstáculos a sortear. En definitiva, estamos ante un juego que proporciona mucho disfrute en su recorrido, y que puede causar un efecto similar a los Metal Slug salvando las distancias claro está. La posibilidad de jugar de manera cooperativa entre varios jugadores es un aliciente más para poder pasarse el juego con mayor eficacia.

Sunset Riders 3

Sobre el carisma del juego… ¿es obvio no? Estamos ante un JUEGAZO del salvaje oeste, con unos personajes protagonistas bien diseñados y una mecánica de juego muy adecuada para el formato arcade, si bien hay que admitir que cuando se adaptó este juego a la Mega Drive y la Super Nintendo, en ninguno de los dos casos mantuvo la calidad de la versión original por distintas razones. Es por ello que el western se disfruta en toda su intensidad en un juego como éste, dinámico, sin dejar un segundo de descanso, y que además se puede disfrutar en compañía de otras personas, lo que ayuda a crear una atmósfera de lo más intensa.

Porque sí, el western es un género fantástico para disfrutar en cualesquiera que sean los formatos donde se presente. En este caso ha sido en formato de videojuego, pero estamos ante una oportunidad fantástica de rememorar las mejores cosas del género, de cabalgar junto a los protagonistas hacia un nuevo amanecer y atrapar los diferentes enemigos que se buscan durante el juego. Y además, a día de hoy no es nada difícil que podáis jugar al Sunset Riders en alguna página de internet, y descubrir un placer olvidado o uno completamente nuevo que puede comenzar a partir de la lectura de este artículo. Y esto es todo por hoy. ¡Hasta la próxima cabalgada!

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Análisis de Swamp Thing (La Cosa del Pantano). Temporada 1. Capítulo 8

Adrián De La Fuente Lucena
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Análisis de Swamp Thing (La Cosa del Pantano). Temporada 1. Capítulo 8

Introducción

Te doy la bienvenida, simpatizante del pantano, a un nuevo post de mis análisis de la que, hasta que se estrene la segunda temporada de Doom Patrol, es nuestra serie favorita. Hablo, como no, de Swamp Thing (La Cosa del Pantano). Sin contar el episodio que nos ocupa estamos a dos capítulos de que termine esta serie y parece que la dirección hacia la que se encamina tiene más similitudes con la historia «Una lección de anatomía» de Alan Moore y Steve Bissette para Swamp Thing Vol 2 #21 (84) que con la saga de La Podredumbre de Scott Snyder y Jeff Lemire. Mis predicciones han fallado.

Si más preámbulos pasamos a comentar el comienzo del largo camino a casa de nuestro héroe, que es, precisamente, el título de este capítulo, Long Walk Home, dirigido por E.L. Katz y escrito por Gary Dauberman y Mark Verheiden.

Swamp Thing

La Cosa del Pantano rescata a Avery y este lo captura

Como he dicho en la introducción, me equivoqué en mis predicciones. Avery no se convertirá en un avatar de La Podredumbre sino que será encontrado y curado por La Cosa del Pantano. En el proceso La Cosa del Pantano le explicará que han sido los abusos que del pantano han hecho gente como él lo que ha favorecido la expansión de La Podredumbre. Por ese motivo El Verde lo ha elegido a él como su campeón, buscando así equilibrar la situación.

swamp thing 3

En el transcurso de una tensa conversación entre ambos, Avery descubre que Swamp Thing es Alec Holland y que siente algo por Abby, así que, en agradecimiento por haberle salvado la vida, se compromete a  proporcionarle la ayuda de Jason Woodrue para volver a la normalidad.

Por desgracia la codicia le puede tanto a él como a Woodrue, a quien no les interesa que  Alec vuelva a ser humano para poder hacer negocio con sus células regenerativas. Así que los dos volverán al pantano pero con un equipo especial, probablemente proporcionado por El Cónclave, que consigue capturar a La Cosa del Pantano.

Swamp Thing S1E8 Avery Jason

Abby, al darse cuenta en Atlanta de lo que pretende Ellery con Alec, vuelve a Marais para avisarle pero llega tarde.

Cierre

Pues lo comentado ya. Por lo que hemos podido ver en este episodio todo parece ir dirigido a una adaptación de la historia de Moore y Bissette titulada «Una lección de anatomía». El como se adapte es algo que veremos y comentaré más detalladamente en los dos episodios que quedan. Lo que si quería llamar la atención de este episodio es sobre algo un poco trillado y es el recurso de justificar la forma de ser del villano por la forma en que lo han educado sus padres o por lo que ha visto en su entorno, sintetizado en la frase «Yo soy así porque mis padres me han hecho así». Lo cual se ha aplicado al padre de Avery, quien fue castigado, asesinado, por El Verde, por maltratar a la naturaleza. Y, pese a que Avery presencia el asesinato de su padre, parece que reproduce, al llegar a ser adulto, la misma actitud. Dado que no hay nada contado acerca de la niñez de este personaje en las viñetas se puede aceptar esto como explicación de su forma de ser, aunque a mi no me acaba de convencer. Si bien, en parte, somos el entorno en que nos criamos y los padres que nos educan, eso no quiere decir que siempre nos condicione hasta el punto de no poder decidir, libremente, al ser adultos, cómo queremos ser. Me da la impresión que, al recurrir al «Yo soy así porque mis padres me han hecho así», se está buscando también que seamos capaces de empatizar con el personaje. Para mi gusto, de un tiempo a esta parte, hay demasiada insistencia en empatizar con todo y todos. A veces, en la ficción, parte del encanto de algunos personajes es que nunca lleguemos a identificarnos total o parcialmente con ellos. De la misma manera que, en la vida real, no simpatizamos con todo el mundo. Eso es muy humano.

Otro cosa que me ha chocado mucho en este episodio, también con  Avery, el Avery adulto, es el momento en que observa que La Cosa del Pantano está venciendo al mencionado equipo especial. Es entonces cuando grita ¡Holland! y le dispara con lo que parece ser una escopeta, noqueandolo el tiempo suficiente para que lo congelen. ¿Un anciano con una escopeta consigue lo que no puede las armas especiales de un equipo de asalto? Me ha parecido algo forzado.

Esto es todo, habitante del pantano. Espero que leas los dos últimos posts dedicados a los dos últimos episodios de Swamp Thing y espero tus comentarios. ¡Muchas Gracias!

Doscientas veces ha ido al cine a ver Vengadores: Endgame un fan

Carlos María Porras Castaños
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Doscientas veces ha ido al cine a ver Vengadores: Endgame un fan

Estimados lectores ¿Cuántas veces habéis visto Vengadores: Endgame? Yo una y con ganas de que llegue al mercado doméstico para disfrutarla nuevamente. Como veréis nada que ver con Agustin Alanis, nuestro (dudoso) protagonista de hoy quien ya ha visionado hasta más de doscientas veces la película. Aquí tenéis al angelito en cuestión, en el video adjunto.

Digo yo que se sabrá los diálogos ya, ¿No? Hay que decir que dicha proeza además de hacerle pasar en el cine la mayor parte de su vida le ha costado más de dos mil dólares solo en entradas. A eso añadirle, palomitas, refrescos, (os recuerdo que la película duraba tres horazas) transporte, etc. ¿Una proeza? Como dirían a cierto espartano: ¡¡This is madness!!

Fue supuestamente (yo es que esto me lo creo lo justo, fíjate tu) el pasado 24 de julio cuando Alanis anunció que alcanzó las 200 funciones de Vengadores: Endgame. Para celebrarlo le acompañaron su familia y amigos.

Otros con mucho tiempo libre.

Pobre Anthony Mitchell. ¿Que quién es? Pues uno que había visto 103 veces el pasado año en cines Vengadores: Infinity War. ¿Y qué le decimos ahora a Steve Ruppel? Si gente, ese que había visto hasta 116 veces en cines Capitana Marvel. Tienen que estar agobiados, esto es como cuando en las carreras de motos y de coches te doblan pista. En toda la cara.

El caso de Ruppel es llamativo: vio la película siete veces en un mismo día. Dice que para no aburrirse se concentraba en diferentes detalles específicos. Para la obtención del récord Guinness se le exigió que comprobara sus múltiples visitas al cine.

“Para que fuese oficial, me tenían que tomar ciertas fotos, como algunas enfrente del cartel de la película, y debía presentar dos testimonios por escrito de testigos declarando que sí estuve allí”.

Sin duda alguna toda una proeza, ¿El premio? Pues artículo en Las cosas que nos hacen felices. Ahora, te digo una cosa Kevin Feige, ya no tiene tanto mérito ser la peli más taquillera de la historia.

Un saludo e id al cine, pero con criterio, leches.

Reseña de Black Jack 5. Más aventuras de nuestro médico favorito.

Adrián De La Fuente Lucena
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Reseña de Black Jack 5. Más aventuras de nuestro médico favorito.

Introducción

Te saludo en una nueva reseña, la quinta ya, del quinto tomo de Black Jack. Colección enmarcada en el proyecto de Planeta Cómic conocido como Biblioteca Tezuka, dedicado a publicar en España las obras más destacadas de Osamu Tezuka, autor japonés de referencia, apodado en su país como el dios del Manga por su decisiva contribución artística que sentó las bases de lo que hoy es el cómic japonés. En concreto Black Jack es una de las obras más personales de este autor en tanto que su protagonista ejerce la medicina, profesión que él estudió. De manera que vuelca sus conocimientos en la medicina y en la situación de la profesión en la época de la obra, para crear sus historias.

Historias que mantienen la extensión vista en tomos anteriores. A saber, las 27 historias que componen este tomo son autoconclusivas, de alrededor de 12 páginas, en las que Tezuka aprovecha la situación en la que opera, nunca mejor dicho, Black Jack, para denunciar la situación en la que se encontraba la medicina del momento, así como todo tipo de lacras sociales. Recordemos que Black Jack es un médico que opera sin licencia por sumas astronómicas de dinero, situación que, unido a su apariencia poco agraciada y carácter huraño, crea antipatía en un primer momento al lector, como estrategia para meternos en la historia y ver tanto la hipocresía como la corrupción del entorno en el que se mueve. Entorno que va más allá de Japón. El prestigio del que goza Black Jack, por su destreza con el bisturí, le ha dado una fama mundial. Razón por la que viaja por todo el mundo para ofrecer sus servicios cuando son requeridos.

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Valoración de Black Jack 5

Tezuka continúa, en estos episodios, haciendo gala del estilo que he comentado en la introducción. Así que los entusiastas del mismo no quedarán defraudados. Si bien hay que destacar que en este tomo ya no encontramos historias particulares en las que se profundice tanto en el pasado de Black Jack sino que, a través de la forma de reaccionar ante las situaciones en las que se encuentra, vamos conociendo, cada vez más y mejor, a nuestro querido doctor. Si bien no deja de añadir detalles de su vida pasada, como en el caso del capítulo Teruteru – Bôzu, donde conocemos a uno de los antiguos compañeros de facultad de Black Jack, quien ayudará a su viuda a salir de una complicada situación resultado de la adicción de su difunto marido a las apuestas en las carreras de caballos. Título, por cierto, que alude a un muñeco del mismo nombre, fabricado con un pañuelo y un cordel, que se solía colgar en las puertas o portales de las casas japonesas para desear que amainara la lluvia o dejara de llover el día siguiente. El que varios de estos muñecos se coloque al final de esta historia en la casa de la familia ayudada por Black Jack en un día lluvioso, bien podría significar que pasará el chaparrón en sentido literal y metafórico.

La única constante de estas aventuras de Black Jack, aparte de la aparición de algún que otro personaje que recuerda al de otros mangas de Tezuka, es la incombustible Pinoko. La cual continua siendo el contrapunto humorístico al serio médico. A la par que cuida su casa e incluso le ayuda en sus operaciones, cuando estas tienen lugar en la misma. El que ella se considere su mujer, mientras que Black Jack la considera como su hija, da lugar a situaciones desternillantes. Aunque no deja de tener algo de trágico, ya que hablamos de un ser que piensa como una mujer adulta pero está atrapada en el cuerpo de una niña. Así que eso da lugar a situaciones frustrantes.

No abandonamos a Pinoko porque en el tomo que nos ocupa tiene lugar un relato que podría considerarse de las pocas continuaciones de una historia previa que tuvo lugar en el primer tomo. En ella Black Jack tiene que extirpar otro quiste teratomatoso similar del que se sirvió en el primer tomo para crear a Pinoko. Pese a que, en esta ocasión, salvar al paciente implica no poder conservar el quiste para repetir lo que hizo con Pinoko, esta no dejará de insistir ante la posibilidad de poder tener un hermano.

Otro personaje que se presenta por primera vez para luego volver a aparecer en este mismo tomo es Biwamaru. Biwamaru es un invidente que presume de curar a la gente más pobre por medio de la acupuntura. El que, además, anime a sus pacientes a que no se operen lo confrontará con Black Jack y de eso se servirá Tezuka para mostrarnos hasta donde es licito usar la medicina tradicional. Asimismo, en el segundo capítulo en el que Biwamaru y Black Jack se encuentran se nos introduce a Hyôjirai, el forjador que pone a punto el instrumental de ambos, que tiene una peculiar visión tanto de la profesión médica como del dinero.

Si hay alguna de las historias de este tomo que quieras comentar, ya sabes, házmelo saber en comentarios. ¡Muchas Gracias! ¡Hasta la siguiente reseña de Black Jack!

Análisis de El cuento de la criada. Temporada 3. Capítulo 9

Fernando Vílchez
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Análisis de El cuento de la criada. Temporada 3. Capítulo 9

Bienvenidos una semana más a Gilead, la distopía no tan distópica donde los hombres ostentan un cargo y las mujeres son monedas de cambio. Sin embargo, la revolución se está cociendo a fuego lento…

Análisis de la tercera temporada de El cuento de la Criada

Análisis de la primera temporada de El cuento de la criada.

Análisis de la novela El cuento de la criada.

Análisis de la segunda temporada de El cuento de la criada.

Antes de nada, una disculpa. Ha sido difícil compaginar las vacaciones con la escritura y eso ha supuesto un retraso de una semana en el noveno capítulo de esta temporada. Por ello, tanto el análisis de este capítulo como el del décimo saldrán antes del estreno del undécimo.

Dicho esto, una nueva reflexión. Se ha confirmado una cuarta temporada de la serie. De momento, no lo veo una buena decisión porque me da la sensación de que ni siquiera el creador de El cuento de la criada sabe en qué temporada desea acabar, lo que lleva a un alargamiento artificial de las tramas que se está notando mucho en esta tercera temporada.

FIN DEL NUDO

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En lo que respecta al noveno episodio, Heroica cierra el segundo arco narrativo de June de esta temporada, el de su descenso a los infiernos que comenzó con la revelación de que los Waterford iban a reclamar a Hollycole a Canadá. Para ello, la serie innova (lo que le no le viene nada mal) en un episodio que transcurre en un único espacio, la habitación donde se encuentra DeMatthew (su nombre es Natalie) ingresada tras ser disparada a finales del episodio anterior.

Debido al acoso que ella mismo indujo a DeMatthew, June es castigada a permanecer día y noche en la misma habitación, en actitud de oración por el bebé de la criada. Ella se encuentra en muerte cerebral y el esfuerzo del médico se centra únicamente en el feto.

Derrotada psíquicamente, se derrumba al perder la noción del tiempo y del espacio por el aislamiento. A diferencia de otros episodios de esta temporada, todas las escenas se viven desde el punto de vista de la protagonista, a imagen y semejanza de la primera temporada.

June es incapaz de distinguir que es real y qué pertenece a su imaginación. Sufre alucinaciones de niñas que acuden al hospital y desconocemos qué conversaciones a lo largo del episodio ocurren dentro de su cabeza. Está derrotada porque tiene la certeza de que no volverá a ver a su hija.

Solo piensa en hacer daño, en acabar con la vida de DeMatthew porque así ella podría ser condenada y ejecutada, no por misericordia hacia la criada disparada. Así, las ideas son homicidas en la superficie. En el fondo, June tiene pensamientos suicidas.

EL RESURGIR DE LA HEROÍNA

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Existen dos puntos de inflexión en este capítulo que revierten su situación.

Uno es la conversación con Janine, la criada bienintencionada, la que abandera el perdón. DeMatthew era una traidora, pero no dejaba de ser una criada, una de las suyas. Y le escupe a la cara lo que todas piensan, lo que nosotros pensamos: que, últimamente, todo gira alrededor de June y sus problemas. Nada de la lucha de todas contra Gilead. Desde que había decidido volver a Gilead, la lucha de June era personal.

El segundo es la conversación con el médico que atiende al bebé de DeMatthew. Previamente, June había intentado atacar a Serena con un bisturí. Hacer daño a otros para buscar su propio final. Sin embargo, pese a todo lo ocurrido, la relación entre Serena y June es lo suficientemente íntima como para que la Esposa sepa que algo no está bien, que la fuerte June se estaba desmoronando. Por ello, pese a haber sido herida, no lo denuncia y le pide al médico que suture el corte de June.

Si bien la labor del médico es, cuanto menos, cuestionable, su conversación con June se antoja liberadora para nuestra protagonista por recordar a su madre, una doctora que siempre se enfrentó a los obstáculos que se le presentaron. No solo eso, si no que también le dedica una frase que se marcará a fuego en la mente de June y en la de los espectadores: él está salvando al bebé para honrar la vida de la madre. ¿Cómo va a honrar June a sus hijas si muere?

Cuando June se marcha del hospital al terminar su oración (el bebé de DeMatthew es extraído mediante cesárea y van a dejar morir a la madre) se cruza con una de las niñas que va al hospital a realizarse la prueba de la menarquia.

Es entonces cuando se da cuenta de que, al igual que todas las Criadas eran una sola (ya fuera June, Janine o Natalie), todas las niñas podían ser como su hija desaparecida. Así, June abandona el individualismo para centrarse de nuevo en la lucha colectiva: va a intentar, aunque no sabe muy bien cómo, sacar a todas las niñas de Gilead.

De esta manera, vuelve la heroína de la serie y comienza la recta final de la temporada. El camino no está exento de baches, pero esperemos que el resultado final merezca la pena.

Un saludo y sed felices!

El cómic de la semana: Marvel Gold. Los nuevos mutantes 2. Fiesta de pijamas

Mario Losada
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El cómic de la semana: Marvel Gold. Los nuevos mutantes 2. Fiesta de pijamas

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Los nuevos mutantes 2. Fiesta de pijamas. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

La llegada de Bill Sienkiewicz a la colección de los Nuevos Mutantes supuso un antes y un después en la serie, pero de manera literal. Nunca antes un autor marcó tanto el transcurso de un cómic sobre todo en el apartado gráfico. Incluso afectó en la tendencia de los guiones y en los propios seguidores de la serie, que creían leer un cómic para adolescentes y de repente se encontraron con un tebeo muy diferente.

New Mutants Vol 1 25

Y es que para mediados de los 80 los lápices del bueno de Bill se podrían considerar rompedores, transversales y algo rarunos para una colección con el aura de lectura juvenil. Tenemos que considerar que en esa época los cómics estaban empezando a quitarse esa costra de para niños, escritos para lectores de corta edad, y empezaban a hacerse hueco como lectura ligera para todos los públicos. Los autores en los 80 ya no escribían para infantes y sus diálogos y situaciones empezaban a alejarse de la tendencia marcada por los influencers de los año 60 como Stan Lee. Pero ese cambio no ocurre de la noche a la mañana, eso tiene un recorrido que se fue forjando poco a poco en la década de los 70 y que despegó en los 80, la década mágica en los cómics estadounidenses.

Los Nuevos Mutantes, así como la Patrulla-X (X-Men) la colección más vendida de la editorial por aquel entonces, estaban guionizados por el mismo hombre, por Chris Claremont, quizás el autor de Marvel más importante de su historia sólo por detrás de Stan Lee. Bueno, supongo que muchos de vosotros me podréis decir que os gustan otros autores o escritores, pero aquí no hablo de preferencias, digo de influencias, de su legado y Claremont cambió el rumbo de las series Marvel durante más de una década.

New Mutants Vol 1 30

Evidentemente la serie insignia era la Patrulla-X (aunque el rey sin corona de la editorial era Spiderman) pero los Nuevos Mutantes siempre estaba entre las 5 más vendidas mes a mes. Esto significaba que hacerse cargo de esta serie tenía una responsabilidad extra ya que era una de las que más seguidores poseía además de ser cabecera de la editorial. La llegada de Sienkiewicz cambió significativamente el cariz de los guiones de Claremont, tal y como sucediera en la Patrulla-X con la llegada de otros dibujantes. Parece que el guionista británico era camaleónico enfocando sus historias según el autor gráfico que tenía delante. Con Sienkiewicz no fue ajeno a esto, a esta tendencia y los Nuevos Mutantes maduraron de golpe, dejando su enfoque juvenil a uno bastante más adulto. Lo que empezó siendo una serie más adolescente se convirtió en un carrusel de argumentos más complejos y maduros, oscuros, desgarradores gracias a la llegada de un dibujante con un estilo en su trazo muy alejado del convencionalismo de las series populares del momento.

Los lectores vieron este cambio (al menos en su mayoría) como un paso atrás en una colección que creían que había adoptado un cariz que no tenía nada que ver con sus orígenes. En un primer momento molestó la llegada del dibujante y las protestas no se hicieron esperar. Pero por el contrario y con el tiempo, nos empezamos a dar cuenta que la mejor etapa de los Nuevos Mutantes aconteció justo en este tomo que engloba por completo la estancia de Sienkiewicz en la colección. Podemos decir que el autor era un adelantado a su tiempo, con dibujos poco convencionales que dotaban a sus personajes de un dinamismo y movimiento que pocas veces se han podido contemplar en los cómics de superhéroes americanos. Incluso a día de hoy sus trazos resultan cuanto menos frescos, diferentes, poco convencionales… fijaos la revolución que fue en los años 80.

Hoy me alegro por todos vosotros que por primera vez vais a disfrutar de este cómic, porque me parece que si hacéis un esfuerzo y lo leéis con la visión que podríamos tener décadas atrás, lo vais a leer del tirón, a saborear de tal manera que incluiréis a Bill Sienkiewicz como uno de vuestros dibujantes predilectos.

Os dejo el enlace al cómic de Panini Cómics y debajo de estas líneas la portada original en España.

sclam186 0

Un saludo y sed felices.

Crítica de Batman: Hush (Silencio). La película

Carlos María Porras Castaños
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Crítica de Batman: Hush (Silencio). La película

Sean bienvenidos a la crítica de una nueva película de la división animada de Warner. Donde sinceramente creo que las cosas se hacen mejor que en el DCU, por lo menos hasta la llegada de Aquaman que ya trajo cierta tranquilidad.

Hacía tiempo que no os traía una crítica del Batman animado, os dejo algunas de mis aportaciones:

Y otros artículos relacionados:

Batman: Hush (Silencio) Un nuevo enemigo para el caballero oscuro.

Inventar un nuevo enemigo a estas alturas del cuento debe ser muy difícil, en Batman: Silencio, cómic de Jeph Loeb y Jim Lee, deciden optar por ese camino. Y vaya villano que nos traen, uno que a mí personalmente me cautivó. No es la mejor vestimenta desde luego, gabardina y unas vendas que le cubren la cabeza, pero la psicología y motivaciones del personaje me gustaron mucho. Una historia coral que nos hizo ver a Superman, Gordon, Batgirl, Hiedra Venenosa, Catwoman y muchos personajes icónicos más del universo de Gotham y DC. Si a ello le sumamos el excepcional dibujo de Jim Lee, nos encontramos ante una gran aventura del Caballero Oscuro que no deberíais dejar pasar. En ECC han hecho recientemente una chulísima edición.

batman jim lee

La adaptación. La temida adaptación.

Últimamente no hemos tenido mucha suerte con las películas animadas de Batman, si Año Uno y El regreso del caballero oscuro destacaron por ser escrupulosamente fieles respecto al material que adaptaban, incluso con un dibujo que recordaba al de David Mazzuchelli y Frank Miller, en sucesivas adaptaciones no hemos tenido ya tanta suerte, siendo el ejemplo más claro la muy pobre y muy fallida adaptación de La broma asesina. Allí viendo que el material que trasladaban no les llegaba para una película decidieron expandirla con una primera mitad que mejor olvidemos. Además de cambiar las motivaciones de los personajes y en consecuencia alterar el espíritu de la obra de Alan Moore, no consiguieron trasladar el encanto de la obra quedando como la película más aburrida de las que adaptan las mejores historias de Batman. En Gotham a luz de Gas como podéis ver en la crítica, estuvieron más afortunados. Y si bien la adaptación era tan libre que poco o nada del original quedaba en la película, esta era tan entretenida que poco importaba.

Y llegamos a Hush donde problema por material no va a ser. Hablamos de una historia cerrada de 12 números, Batman #608-619, de diciembre de 2002 a septiembre de 2003 en su primera edición.

batman hush animated film
Jim Lee mostrando su potencial

No obstante desde el primer minuto se observan cambios. La historia comienza igual, un secuestro de un menor pero si en el cómic el enemigo era Killer Croc, en la película optan por Bane (¿?). El trasfondo es el mismo, un rescate. Aunque Batman derrota a Bane, el dinero desaparece, por obra y gracia de la coprotagonista, Catwoman, quizás el personaje más interesante de la película tras el enigmático villano. Una alianza imposible entre la carismática Selina e Hiedra Venenosa nos hace descubrir que la mujer de verde controla al romance del murciélago. La entrada de Metrópolis y Superman da más dinamismo a una película en la que el ritmo in crescendo no decae. Y la presentación del nuevo villano en  la película hace que la trama principal adquiera más notoriedad con un disparo de francotirador de Hush contra la bat-cuerda de Batman que hace que nuestro héroe caiga al vacío, sufriendo una fuerte conmoción cerebral. Alfred finge un accidente de coche y llama al Doctor Thomas Elliot, un amigo de la infancia de Bruce que tendrá gran importancia en la historia. A partir de aquí nada es lo que parece, comenzando una trama de engaños y cacería al señor de la noche en la que la identidad de Batman será comprometida.

hush batman
Puños de kriptonita

Que se  ha cambiado respecto al original.

No quiero comentar y desvelar spoilers. Pero Elliot, el médico amigo de la infancia de Bruce, es un personaje vital en la película y más aún en el comic donde a modo de flashbacks se nos contaba la relación entre ambos. En la película se pierden todos estos detalles quedando un poco light la introducción del personaje. Pero esto no estropea el producto final. Como tampoco lo hace ciertas decisiones del guionista Ernie Altbacker (Justice League Dark, Teen Titans: The Judas Contract) que realiza un buen y coherente trabajo al actualizar la historia del cómic. Porque si, asistimos a cambios que atañen al final de la historia, pero creo que son cambios que benefician a la película.

Hush Dr Thomas Elliot
Doctor Thomas Elliot

Valoración Final.

Respecto al PG-13, considero que no era necesario. Algunas palabrotas y tensión sexual entre Bruce y Selina que tampoco considero que sea para asustarse. El diseño de animación sin ser malo, si parece que se va quedando obsoleto. Hay escenas de acción interesantes que combinan CGI con la animación tradicional, pero se va echando en falta que Warner apueste económicamente más fuerte por este tipo de producciones. En conclusión, la división animada de Warner sigue gozando de buena salud y tras la bilogía de La muerte de Superman, nos ha llegado esta entretenida película que adapta otro clásico del cómic. El resultado está lejos de producciones como Batman: Under The Red Hood (Batman: Bajo la capucha roja), Batman: Año Uno o El regreso del caballero oscuro, pero aún así es un producto ameno y entretenido que debería de satisfacer a los fans del defensor de Gotham.

Un saludo y sed felices. 

Secret Obsession (2019): un thriller de Netflix que ya se nos ha olvidado

Máximo Simancas
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Secret Obsession (2019): un thriller de Netflix que ya se nos ha olvidado

Un servicio de vídeo bajo demanda debe ofrecer novedades constantes a sus suscriptores, en el intento de mantener su fidelidad. Así, Netflix recupera viejos animes como Evangelion o Hellsing, y renueva su catálogo con las temporadas más recientes de series como Stranger Things o La casa de papel. Así, ofrece un producto distinto a cada sector de su audiencia, porque sabe que esta es increíblemente diversa, y que no todos tienen los mismos gustos. Esto supone para este tipo de servicios una ventaja primordial sobre la televisión, ya que les permite ofrecer productos más arriesgados que apasionen a los nichos a los que van dirigidos, sin sacrificar su permanencia como negocio. El caso de Filmin en España lo demuestra.

Entonces, ¿por qué siguen existiendo películas como Secret Obsession?

Puede parecer una pregunta algo tramposa o poco comprensible, pero es que Secret Obsession es uno de esos productos cuya existencia ya parece obsoleta una vez llegados al siglo XXI, al menos dentro de una plataforma de vídeo bajo demanda, y más teniendo en cuenta lo mucho que Netflix ha promocionado este desastre cinematográfico que tenemos entre manos. Así que procura no dormirte de aburrimiento, que nos toca contarte por qué Secret Obsession es un filme tan prescindible como incomprensible.

Ya no me acuerdo

La protagonista de esta cinta, interpretada por una Brenda Song conocida por sus series en el canal Disney Channel, interpreta a una mujer que está huyendo de un hombre con un cuchillo que pretende matarla. A pesar de que logra escapar de su perseguidor, esto no supondrá el fin de sus problemas: en su huida, un coche la atropellará, y esto acabará resultando en una pérdida parcial de memoria. Los últimos años de su vida se esfuman de un plumazo, y despierta en el hospital sin acordarse de ese hombre que va a visitarla: su marido.

secret obsession netflix las cosas que nos hacen felices

Este la llevará a su retirada casa de las afueras, donde intentará que se adapte a su nueva y tranquila vida. Mientras tanto, un detective de la Policía investigará este accidente, y se dará cuenta de que hay algo que no encaja. El largometraje sigue los pasos de este personaje en la búsqueda de la verdad, y de la víctima tratando de adaptarse a una vida que no reconoce y de superar el trauma que le ha supuesto huir de ese asesino.

Tienes razón

Sí, la tienes. Si piensas que puedes predecir la gran sorpresa de esta película y hasta hacer una aproximación de lo que sucederá en cada uno de los tres actos, lo más probable es que estés en lo cierto. No sé cuánto tiempo le habrán concedido desde Netflix a los guionistas de esta película para terminar de escribirla, por lo que no seré demasiado duro con ellos: una rápida consulta a IMDb me confirma que tanto Peter Sullivan como Kraig Wenman, encargados del guión, escriben para una cantidad obscena de películas al año, por lo que no es de extrañar que recurran a los lugares comunes de este subgénero del thriller para acabar el trabajo con rapidez. Sin embargo, cuando no hay ningún aliciente en las interpretaciones ni en los diálogos más allá de la intriga, no saber plantear un misterio ni resolverlo adecuadamente acaba condenando a Secret Obsession al más absoluto fracaso creativo.

secret obsession netflix marido las cosas que nos hacen felices

Toda la película parece una copia constante de otras, como si un algoritmo especialmente rígido hubiera interpretado lo que el público quiere en un producto de este estilo. La totalidad del metraje está consagrada a que sus personajes vayan del punto A al punto B, siguiendo un camino que todos conocemos y que no se nos permite disfrutar. Los actores, por supuesto, no son ninguna excepción: todos y cada uno de ellos, excepto el sufrido intérprete que encarna al detective, parecen estar leyendo sus diálogos directamente del guión. De nuevo, a saber cuánto tiempo habrán tenido para grabar esta bazofia.

Conclusión

Pero la bazofia al menos tiene sabor, ¿no? Hay películas cuya calidad es más que cuestionable pero que han amasado una gran cantidad de seguidores. Secret Obsession no es una de ellas: se trata de uno de esos olvidables productos con los que Antena 3 o Televisión Española suele remediar nuestros problemas de insomnio a la hora de la siesta. Uno que ni siquiera huele a bazofia, porque es tan aséptico que no huele a nada. Esto es comprensible en el caso de la televisión tradicional: al fin y al cabo, busca crear un producto inofensivo que, si no atrae, por lo menos no ofenda a la mayor parte de los espectadores de esa franja horaria. Algo que poner de fondo cuando no hay nada mejor que hacer.

Pero… ¿en Netflix? ¿Qué sentido tiene para un servicio de vídeo bajo demanda ofrecernos una cinta como esta cuando tenemos la libertad de escoger qué queremos ver y cuándo lo queremos? ¿Quién va a ver un thriller como Secret Obsession pudiendo ver Dark o El juego de Gerald? ¿Quién va a seguir viendo esta muestra de despreocupación después de los primeros veinte minutos? Cualquiera podemos tragarnos una peli mala de un género que nos guste… ¿pero quién se va a parar a visionar algo tan inocuo como esto?

Por lo que parece, un servidor. Pero, al menos, lo hago para advertir a quien esté leyendo esto de que vea otra película o haga algo más interesante durante la hora y media de vida que Secret Obsession roba vilmente a sus espectadores.

Remakes de Disney, ¿necesarios?

Carmen
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Remakes de Disney, ¿necesarios?

Buenos días queridos lectores,  y bienvenidos a esta nueva entrada donde hablaremos de los tan queridos como odiados remakes de Disney, que llevan saliendo desde hace un tiempo a esta parte, comenzando por Cenicienta en 2015.

Mi opinión más bien es la del lado de los detractores, y es que no acabo de comprender el porqué no dejan de volver a intentar contar historias que ya están contadas y además bien. No se trata de adaptaciones, dejando de lado películas como Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton, no se trata de reinterpretaciones, explicando la historia desde nuevos puntos de vista. Simple y llanamente se trata, hablemos claramente, de sacar los cuartos y estirar el chicle hasta los extremos más desvergonzados y caras que existen. Pero claro, hay un punto verdaderamente interesante en todo este asunto, y es realmente sobre el punto por el que vengo a hablar aquí.

el libro de la selva cosasfelices 1

No es la primera ni la última vez que veremos cómo grandes gigantes como Disney comienzan a sacar remakes o similares sobre alguna obra en concreto con el fin de sacar dinero, pero curiosamente han decidido hacerlo por sus clásicos de animación. Puede que la causa de esto se deba a que después de todo son sus obras más notables, queridas y conocidas, puede que opten por hacer remakes y no películas por lo redondas que son y lo bien cerradas que están e incluso puede que sea una mezcla de todas estas razones. Pero en mi caso no puedo evitar sentir que hay algo subyacente, consciente o inconsciente, que explica este fenómeno y el desparpajo con el que ocurre: un desprecio hacia la animación como medio. Este desprecio no deja de ser algo mas viejo que Matusalén, porque no poco se escucha el famoso «los dibujos son para niños» y esa clase de asociaciones, aunque poco a poco estos prejuicios se estén superando.

Sin embargo la realidad es que aún están ahí. Dejando de lado el evidente dinero que ganan por la ya existente horda de fans y que las películas ya están hechas, seamos sinceros, no se hace con otras películas que igualmente cuentan con estas ventajas. Si en algún momento, por ejemplo, se OSASE hacer un remake de Star Wars las chispas saltarían, y el grito se pondría en el cielo con completa seguridad. O con Piratas del Caribe. O con LOTR. Pero no importa que le pasen la mano por la cara a películas de animación como El libro de la selva, Aladdin o el más reciente Rey León. Parece que los ejecutivos se sienten con la potestad suficiente como para no dudar de que esto será bien recibido y de que no pasa nada, que simplemente será una forma fácil y legítima de sacar dinero.

Pero, ¿por qué? parece que se tiene la idea general de que el guión de estas películas, lo que se cuenta, es fácil de readaptar y de reproducir, más que hacerlo con una película live-action, «con unos pequeños cambios aquí y allá quedará una película que guste y que estará bien», lo que de nuevo es un desprecio hacia la animación que aunque sutil y ni siquiera malintencionado, no deja de ser sorprendente y molesto. Porque se asume que es una simpleza, una perrogrullada y un paseo de niños. Que el plano se haga así es una simple coincidencia que poco tiene que ver con el resultado final de la película y la opinión que merece, o el diálogo, o la paleta de colores que se usó, la técnica de animación o que fuese 2 o 3D. Tienen la poca vergüenza de asumir que pueden copiar y pegar una película con un resultado final como el que tuvieron y que además a los fans les parezca fenomenal.

aladdin remake cosasfelices

Y no os confundáis, porque muy probablemente Disney sepa que no puede reproducirlo, que Aladdin salió una vez y no más, que tendrán que hacer segundas partes, spin-offs u otras películas para llegar a su nivel. Lo que sí sienten es la seguridad suficiente, el respaldo social necesario, como para permitirse atreverse a hacer esto sin que el haya críticas o quejas, y es que este desprecio hacia el medio es general.

¿Cuándo aprenderemos que hay cosas; guiones, desarrollos, expresiones faciales, efectos especiales que la animación sabe crear mejor que el medio convencional? No puedes adaptar One Piece a live-action y que salga bien. No puedes adaptar Big Hero 6 y que quede bien. Ni Inside Out. La magia de la animación es precisamente esa, que es un medio en el que el límite es la imaginación, que en muchísimos aspectos puede volar más lejos que el cine convencional, en el que se juega con lo imposible, con cosas que no existen y cuyo mayor ventaja es la suspensión de la incredulidad. Y por eso es por lo que funciona tan bien en niños, es una conclusión lógica y predecible una vez que comprendes a esta forma de contra historias, de la índole que quieras.

Así que no, perdonadme, no es que desprecie a estas nuevas películas, sino que respeto a las anteriores, a las que no son lo suficientemente anacrónicas y que además cuentan exactamente lo mismo que cuentan estas películas, punto por punto. Estas películas ni son actualizaciones, ni nuevos puntos de vista, ni nada. Son copias prescindibles y con una intencionalidad tan clara que espantan.

Un saludo y sed felices.

Todo lo que sabemos sobre Watchmen: HBO prepara una revolución superheroica.

Fernando Vílchez
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Todo lo que sabemos sobre Watchmen: HBO prepara una revolución superheroica.

Aunque el evento Marvel y su fase 4 ha abarcado la atención de toda la Comic-Con, no debemos desviar la atención de lo que HBO ha propuesto tras el fin de la serie más mediática de la historia.

Todas las noticias sobre la San Diego Comic Con 2019

Tras la polémica última temporada de Juego de Tronos, HBO parece dispuesta a seguir acaparando el amor de los seriéfilos con el estreno de series como la tercera temporada de Westworld y la primera temporada de La materia oscura o Watchmen, la que tiene todos los ingredientes para convertirse en la serie madre del mundo de los superhéroes.

¿Exagerado? En Lascosasquenoshacenfelices os explicamos el porqué de esta afirmación.

EL MATERIAL: WATCHMEN DE ALAN MOORE Y DAVE GIBBONS.

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El cómic, como todo arte, no se libra de sus vacas sagradas. Sin duda, Watchmen es una de ellas. Junto con el Regreso del Caballero Oscuro, de Frank Miller, la obra de Alan Moore y Dave Gibbons se considera la cima, aún hoy no superada, del cómic superheroico.

En Internet pululan multitud de análisis acerca del significado e impacto de la obra. Basta decir que la trama que comienza con el asesinato del Comediante, uno de los pocos superhéroes que puede actuar bajo mandato del Gobierno de Estados Unidos, es toda una reflexión y deconstrucción de la figura del superhéroe, personajes con múltiples defectos pese a ser tratados como auténticos dioses merecedores de toda admiración.

EL ARGUMENTO DE LA SERIE: UN REMIX

Parafraseando a Damon Lindelof, creador de la serie, Watchmen no será una adaptación como la película de Zack Snyder. Ni siquiera una secuela como Doomsday Clock de Geoff Johns. La serie cuenta como canon el final de la novela gráfica. El destino de Rorschach, Dr. Manhattan, Ozymandias, Buho Nocturno o El Comediante ya está escrito. El argumento se centrará en el mismo mundo décadas después.

En el tráiler visto en la Comic-Con, parece que hay un grupo que rinde homenaje a Rorschach, el antihéroe de la novela gráfica original. Son los que llevan máscaras en blanco y negro (reflejo no solo de su máscara, si no de la visión que Rorschach tenía del mundo) y parecen tener intenciones terroristas. Son blancos y tienen una iglesia como sede. Dado que Rorschach se identifica con la extrema derecha, no sería de extrañar que fuera una célula terrorista con reminiscencias del Ku Klux Klan.

Por otro lado, tenemos a los agentes de policía enmascarados de amarillo liderados por el personaje de Don Johnson. Parece que no será el cuerpo de policía oficial, si no un grupo paramilitar que busca enfrentarse a los terroristas con las mismas armas.

En medio de estos dos bandos, observamos a Angela Bar, una mujer que se enfunda una máscara para convertirse en una nueva heroína. Además, tenemos a Ozymandias (cuyo plan fue el eje narrativo de Watchmen), declarado oficialmente muerto según un periódico del tráiler, y que parece estar orquestando una nueva jugada.

PESOS PESADOS.

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El creador de la serie es, ni más ni menos, que Damon Lindelof, creador de dos de las series que más han dado de que hablar en el siglo XXI: Perdidos y la infravalorada The Leftlovers. ¿Alguien duda de que volverá a generar polémica con Watchmen?

Asimismo, se ha confirmado que la directora del episodio piloto es Nicole Kassell, con experiencia en múltiples series de HBO y en largometrajes como El leñador.

La banda sonora estará compuesta por los oscarizados Trent Reznor y Atticus Ross (La red social).

En cuanto al reparto, esto es lo que sabemos hasta ahora:

  • Regina King – Angela Abar
  • Don Johnson
  • Tim Blake Nelson – Looking Glass
  • Louis Gossett Jr. –  Old Man
  • Adelaide Clemens
  • Andrew Howard
  • Jeremy Irons – Adrian Veidt / Ozymandias
  • Tom Mison – Marcos Maez
  • Frances Fisher – Jane Crawford
  • Jacob Ming-Trent
  • Yahya Abdul-Mateen II – Cal Abraham
  • Sara Vickers –  Erika Manson
  • Dylan Schombing
  • Adelynn Spoon – Emma Abar
  • Lily Rose Smith
  • Jean Smart – Agente Blake

Como véis, HBO echa toda la carne en el asador. Regina King ha sido la ganadora del Oscar a mejor actriz secundaria en esta edición, y estará acompañada de actores veteranos como Tim Blake Nelson (Oh Brother), Louis Gossett Jr. (Oficial y caballero) o Don Johnson (Django Desencadenado). Además, al igual que ocurrió en Westworld con la presencia de Anthony Hopkins, HBO se ha asegurado el fichaje estrella de uno de los grandes actores de su generación, el oscarizado Jeremy Irons.

Un saludo y sed felices!

Confirmada la segunda temporada de Luis Miguel, la serie para el 2020

Javier Vergara
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Confirmada la segunda temporada de Luis Miguel, la serie para el 2020

El 2018 fue un año muy satisfactorio, tanto para Netflix como para Luis Miguel. La plataforma de streaming tuvo entre sus títulos más exitosos la serie del ídolo mexicano, mientras que para el «Rey Sol» fue volver a estar en los primeros planos tras que su carrera, sumamente laureada, ya no contaba con el brillo que tuvo en las décadas de los 80 y 90.

Para ese nuevo despegue de Luismi, mucho tuvo que ver la serie que trata sobre su extensa carrera, desde sus inicios con su padre como representante, el español conocido artísticamente como «Luisito Rey», hasta el éxito arrollador y mundial que consiguió en los 90 con la reversión de los clásicos boleros con su álbum Romances. Todo esto bajo la supervisión del propio ídolo.

PADRE LUISMI

Tras la primera temporada que dejo todo listo para una segunda parte, llegaron las mil y una especulaciones, surgiendo ahora una voz oficial para afianzar esa confirmación. Y es que el productor ejecutivo de la serie, Miguel Alemán Magnani, de Gato Grande Productions, lo confirmó en una entrevista con el diario mexicano Reforma.

«Acaba Luis Miguel de terminar una gira muy importante por Estados Unidos. Está descansando y ahorita empieza a revisar muy fuerte todos los capítulos de la serie dos. Empiezan a grabar a fin de año… El primer trimestre del año que entra vamos a empezar (al aire)»

Como cabía esperar, el productor no quiso anticipar nada y se guardó cuáles serán los principales temas que se tocarán en el guion, así que sigue siendo un misterio que etapas de la vida del astro veremos en esta segunda parte, pero se cree que mantendrá la misma tónica que tantos réditos dio a la primera temporada.

«Espero que venga igual porque es una continuidad, con cosas muy importantes e igual de fuertes, de difíciles. Es todo lo que sigue siendo la vida de una estrella, que ya no hay muchas, y conocer cómo es difícil ese balance, entre ser alguien normal y una estrella.» Finalizo.

Una pregunta que quedo dando vueltas sin confirmación aun, es si Diego Boneta seguirá encarnando el papel principal. Por lo pronto fue tal el éxito que logro el actor de 28 años, que tendrá participación en la película Terminator: Destino Oscuro.

Luis Miguel, la serie, tiene la particularidad que llego a Estados Unidos y otras partes del mundo recién el 12 de julio de este año.

Todos esperaremos ansiosos el 2020 para conocer más sobre la intrigante y misteriosa vida, de tal vez, una de las mejores voces de  la canción latina de todos los tiempos.

One Piece 949, el rey de la prisión

Mario Fernández Filloy
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One Piece 949, el rey de la prisión

Bienvenidos una vez más, fieles adeptos de Oda, a un nuevo análisis de One Piece. En esta ocasión, del capítulo 949 del manga. El capítulo de hoy es corto y no tiene demasiada profundidad argumental, por lo que el análisis será muy breve. Como resumen, Luffy se hace respetar de nuevo consiguiendo que todos los prisioneros lo apoyen. Comencemos.

Continúa la batalla en Oden

Luffy y compañía siguen peleando contra los subordinados de Kaido, mientras uno de ellos, el que tiene la poderosa arma con carga de veneno, sigue disparando a los prisioneros. Por primera vez en toda la serie, Luffy y Chopper utilizan un ataque conjunto. Luffy un Heavy Stamp y Chopper un puñetazo con su transformación robusta.

949 luffy chopper

Los tres vainas rojas también siguen generando bajas entre los subordinados del Yonkou y Raizou le lanza las llaves de las celdas a Kid para que se libere de sus esposas.

949 kid

Mientras tanto, los prisioneros siguen muriendo a causa del veneno, que les quema la piel y los mata entre terribles agonías, además de extenderse fácilmente hacia otros y causarles el mismo efecto. El veneno se llama «Momia» y efectivamente es muy dolorosa, provocando unas altísimas fiebres y haciendo que la sangre salga a borbotones por todos los orificios que las quemaduras van originando en el cuerpo del afectado. Y cuando ya están muertos, se levantan como zombies para contagiar a otros.

949 momia

Luffy contra los infectados

Luffy se enfrenta a los afectados por el virus que intentan atacarlos, ya que el subordinado de Kaido, con cuatro palabras consiguió convencerlos de que atacaran a los «buenos» por encima de sus principios como enemigos del Yonkou. Entonces, Luffy los rodea con sus brazos estirados y empiezan a infectarlo, a lo cual, supongo que gracias al Haki, Luffy tiene cierta resistencia. En ese momento se encara y grita:

949 luffy p

Los golpea y les recuerda que no son más que esclavos y que les están comiendo la cabeza para que, como he dicho, vayan en contra de sus principios y ataquen a sus salvadores siguiendo órdenes de aquellos que los quieren muertos y que los encerraron en esa prisión. Entonces, recuerda en alto la promesa que le hizo a O-tama, que conseguiría que Wano fuera en un futuro un lugar donde comer hasta hartarse.

949 kaido

Y uno tras otro continúa dando mensajes tajantes, atrevidos y confiados. Al más puro estilo Luffy. Este es el Rey de los Piratas. Y en capítulos como este se ve a las leguas. Su valentía, su sacrificio y su constancia son inimitables. En ese momento se gana totalmente la confianza de los prisioneros que, por fin, se deciden por un bando, por el bando correcto.

El subordinado de Kaido que tiene la smile del Elefante se dispone a lanzar una bomba de Momia que contiene el veneno de 200 balas excite normales. Pero Luffy le tapona la trompa y la bomba explota dentro de él. Ya han empezado a correr las teorías de que esta es la primera persona que Luffy asesina. Y si bien lo más normal y lógico sería que hubiera muerto, no creo que Oda quiera destrozar la esencia de One Piece y de su personaje principal de un plumazo.

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Y por último nos recuerdan que quedan 8 días para la gran batalla.

Y hasta aquí el análisis de esta semana, nos vemos en el 950, en el ínterin, sed felices.

 

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