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Reseña Basura | ‘RoboCroc’ (2013) : Un Cocodrilo que Debería Haberse Quedado Offline

Hasta ayer a las 22h, mi plan era escribir una Reseña Basura sobre ‘Dinosaur World’ una cinta deleznable, pero como decía Nietzche: ‘Cuando miras fijamente al abismo este te devuelve la mirada’. En el rincón más recóndito de Amazon Prime vídeo el mal me guiñó el ojo y yo acudí a su llamada.  El nombre de esa maldad es Robocroc.

Robocroc

La sinopsis de ‘Robocroc’ es sencilla a la par que desconcertante. Un cohete con nanorobots se estrella en un zoológico. Los robots se liberan y, por alguna razón, deciden introducirse en Stella,  un cocodrilo enorme. El resultado: un reptil programado para matar y con un apetito insaciable. ¿Su dieta? Cualquier cosa que se cruce en su camino. ¿Su objetivo? Hacer que los espectadores nos preguntemos por qué estamos viendo esto.

Con esta premisa arranca una serie de escenas que no hacen más que conseguir que sintamos vergüenza ajena con unos diálogos metidos con calzador en momentos en los que no encajan y que son peores que los escritos por los monos del señor Burns. Personajes planos, con cero evolución que están ahí para ser meros clichés de todo lo que funciona (o no funciona) en el cine.

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La acción de la película transcurre entre un zoológico, un lago, una pista de quads y un parque acuático. Los protagonistas se pasean de un escenario a otro persiguiendo al ‘Robocroc’ o huyendo de él, pero sin tener muy claro qué van a hacer con él. ¿Destruirlo? ¿Capturarlo? ¿Pedirle que acabe con la vida del guionista? Nadie lo sabe. Lo único seguro es que el cocodrilo tiene más cambios de ubicación que un conductor de Uber en hora punta.

El reparto de ‘RoboCroc’ merece un premio por tomarse en serio este rodaje y por haberse visto involucrado en este esperpento.  Sus expresiones faciales oscilan entre «¿Por qué estoy aquí?», “Mañana despido a mi agente” y «¿Dónde está mi cheque?». Tampoco se puede sacar oro de un guion que parece haber sido escrito por una inteligencia artificial de AliExpress.

Los efectos especiales de ‘RoboCroc’ son tan convincentes como un billete de un millón de dólares con la cara de Pikachu. El cocodrilo robótico parece haber sido un descarte de un videojuego de Playstation 2 y cuanto más robótico se vuelve y menos animal, peor son los animaciones y su aspecto. En lugar de aterrorizar, provoca risas.

robocroc 2

Conclusión

‘RoboCroc’ es una película que hace que te preguntes como este guion llegó a manos de un productor y le dio luz verde y como un director dijo ‘Sí’ a ponerse tras las cámaras. Supongo que todos tenemos facturas que pagar.

Un largometraje de 82 minutos en el que los créditos duran 30 segundos, ya que los nombres pasan a más velocidad que el autobús de ‘Speed’,  supongo que nadie quería ver su nombre ensuciado por esta ‘joyita’.

‘Robocroc’ te hace cuestionar tus elecciones de vida. ¿Por qué estás viendo esto? ¿Qué hiciste mal en tu existencia para merecer esto? Pero, en última instancia, películas como esta nos recuerdan que hay cosas peores que las plagas de Egipto

En resumen, ‘RoboCroc’  es un desastre glorioso. Si alguna vez necesitas una cura para el insomnio o simplemente quieres reírte de lo absurdo, esta película es para ti. Pero, por favor, no intentes aplicar la lógica aquí. Al final de este filme se nos queda una pregunta en el tintero: ¿Dónde está Cocodrilo Dundee cuando se le necesita?

Aquí os dejo el tráiler de esta joya:

Un saludo y sed felices.

Novedades de Dolmen Editorial de junio de 2024. Otro mes más, otra barbaridad.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de junio. Un mes de inicio del verano, en el que el equipo de Vicente García nos trae de todo … Y todo muy, muy bueno.

Es un mes muy duro para hacer recomendaciones. En junio, Dolmen Editorial nos trae un poco de todo … Cómic europeo, tiras de prensa americanas, cómic español (con reedición y también producción propia), cómic argentino, una nueva y esperada entrega de Kelly Ojo Mágico, dentro de la Línea Albión

Novedades Dolmen Editorial de junio de 2024

Vamos a intentar seleccionar tres títulos (al menos tres), pero nos dejaremos fuera obras irrenunciables. Vamos con ello …

1.- Ideas Negras de André Franquin.

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«Publicadas originalmente entre 1977 y 1983 en el suplemento Le Trombone illustré y en la revista Fluide Glacial, André Franquin (Gastón Elfage, Spirou y Fantasio) utiliza el humor negro como mecanismo de crítica y denuncia social, en una sucesión de afilados gags contra la religión, la pena de muerte, la guerra, la energía nuclear o a favor de los derechos de los animales y el medio ambiente. Ideas Negras es una obra que, medio siglo después, sigue estando más vigente que nunca y demuestra el carácter reivindicativo del cómic.

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Esta edición de lujo incluye todas las tiras cómicas originales firmadas por uno de los autores más importantes de la historia de la bande dessinée, además de numerosos extras como bocetos, artículos y varias entrevistas que profundizan y diseccionan la vida y obra del autor, incluyendo dos piezas firmadas por Ángel de la Calle (Pinturas de Guerra) y Jordi Canyissà (Ibáñez. El maestro de la historieta)».

Tendremos disponible esta nueva edición de Ideas Negras del maestro André Franquin, el próximo 27 de junio. Más información sobre este título en la web de la editorial, pinchando aquí.

2.- Parque Chas.

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«Una ventana que no debe ser abierta bajo ningún pretexto. Una estación fantasma del suburbano. Un coche vampiro. El Cuco de las cloacas. Una terraza señorial sobre una mansión que asoma a un canal veneciano de finales del siglo XVII… Los secretos que esconde Parque Chas son motivo de leyendas, muerte y pasión.
¿Existe alguna explicación del porqué de estos fenómenos paranormales? Mucho cuidado, porque todos aquellos que prefieran la verdad a la felicidad tendrán que pagar el precio más alto.

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Magia, misterio, horror, leyendas urbanas, sucesos extraordinarios y hasta una guerra espacio-temporal con una especie alienígena.
Ricardo Barreiro (As de Pique) al guion y Eduardo Risso (100 Balas) al dibujo nos sumergen en este fantástico barrio de Buenos Aires, en una combinación de géneros que ya es historia del cómic argentino».

Tendremos disponible este Parque Chas, el próximo 27 de junio. Más información sobre este título en la web de la editorial, pinchando aquí.

3.- Asako.

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«Después de su encuentro con Yin Tarín y Grogu Antonio, el pequeño orejitas de piel verde favorito de todo el mundo, Asako Paca continúa repartiendo conocimiento por toda la galaxia. Sin embargo, muy pronto se cruzará en su camino un nuevo peligro que la obligará a repartir otra cosa. La llegada del almirante Trantran amenaza con poner fin al periodo de paz y la única que podrá detenerle será ella. Porque si dependiera de los demás, mal vamos…
Enrique V. Vegas continúa adaptando la mitología moderna del universo de Star Wars a su popular y personal «universo cabezón», ahora a todo color y a un tamaño mayor que el habitual.

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Los Cabezones de las Galaxias son ya un clásico moderno de la historieta de nuestro país y la saga, con esta nueva parodia de la serie protagonizada por Asako, sigue creciendo para felicidad de sus muchísimos fans».

Y hasta aquí nuestras recomendaciones del presente mes, de las novedades de Dolmen Editorial.

No obstante, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todo el catálogo de Dolmen, previsto para este mes de junio.

Como os digo siempre, echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

 

 

Los 15 mejores testamentos cinematográficos de la historia del cine

Este 2023 ha sido un año magnífico para el cine. Películas como Cerrar los ojos, Napoleón, Los asesinos de la luna, Los Fabelman o la próxima Ferrari mantienen la llama de un arte que se desvanece en su forma más clásica: la de las salas.
Pero también es un año que invitan a la reflexión. Porque directores como Martin Scorsese, Ridley Scott, Steven Spielberg, Michael Mann o Víctor Erice rondan o superan los 80 años. Por no mencionar los 93 años de Clint Eastwood, rumbo a la que puede ser su última película. O de Francis Ford Coppola, que estrenará Megalópolis con 85 años. 
Por eso, hoy he querido recopilar las mejores despedidas cinematográficas, sin centrarnos en la carrera de estos directores. Sin duda, Alfred Hitchcock, Howard Hawks o John Ford merecían mejor testamento a toda una carrera y, por ello, no aparecerán en esta lista.
Comenzamos.

1. F.W. Murnau: Tabú (1931)

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Un accidente de tráfico nos privó prematuramente de uno de los mayores talentos del cine mudo y, por ende, de la historia del cine. No olvidemos que el cine sonoro, debido a las enormes cámaras que se necesitaban y a otras dificultades logísticas (que se pueden ver en la infravalorada Babylon), tardó años en recuperar el virtuosismo con las imágenes que alcanzaron los autores del mudo.
Murnau fue uno de los más importantes. Autor de obras maestras incontestables como Nosferatu, El último o Amanecer, su última película fue Tabú, una aventura rodada en tono documental en Tahití y Bora-bora.

2. Serguei M. Eisenstein: Iván el terrible parte II: la conjura de los boyardos (1958)

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La última película de otro de los padres del cine, el soviético Serguei M. Eisenstein, fue la segunda parte del notable díptico histórico sobre Iván el terrible.
Limitado por la censura soviética, Eisenstein apenas dirigió un puñado de películas desde su brutal Acorazado Potemkin, una de las obras maestras esenciales de la historia del cine, o Alexander Nevsky, película que cuenta con una de las mejores batallas de la historia del cine.
En esta segunda parte, el pionero del montaje se apaña para superar la dura censura de Stalin, que se negaba a ver a su alter ego, el zar Iván el Terrible, como un hombre con luces y sombras; y alumbrar una película que supone el mejor punto y final de su carrera.

3.  Fritz Lang: Los crímenes del dr. Mabuse (1960)

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Ecléctico como pocos, Fritz Lang fue todo un superviviente del cine. Tras alumbrar algunas de las obras maestras del cine mudo (Mabuse, Metrópolis, Los nibelungos), Lang tuvo que huir del nazismo y se convirtió en un director de estudio más. De hecho, uno de segunda fila que supo seguir rodando con maestría sin tener los medios de los más afortunados.
Finalmente, volvió a Alemania quince años después de la Segunda Guerra Mundial y rodó, a la manera de los thrillers alemanes de los años 60, Los crímenes del Dr. Mabuse, donde regresó a uno de los personajes clave de las películas de su juventud.

4. Joseph L. Mankiewicz: La huella (1972)

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Es probable que la década de los 70 fuera la más interesante de la historia de Hollywood. No solo por la irrupción de los nuevos autores surgidos de las escuelas de cine (que ahora, en 2023, afrontan las que probablemente sean sus últimas películas), sino por los últimos cantos de cisne de aquellos cineastas que hicieron grande al Hollywood más clásico.
Uno de ellos fue Joseph L. Mankiewicz, brillante guionista y director autor de obras como Eva al desnudo o Cleopatra que, en 1972, rodó su última película, una joya teatral basada en la obra de Anthony Shaffer. La huella es un juego criminal que contiene uno de los mejores duelos interpretativos de todos los tiempos, el de un veterano Laurence Olivier dándole el relevo a un joven Michael Caine.

5. Luchino Visconti: El inocente (1976)

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Tras una carrera de más de treinta años intentando plasmar la decadencia de los estamentos aristocráticos a los que él mismo perteneció, el director de obras como Rocco y sus hermanos, El gatopardo o La tierra tiembla se despidió del cine con El inocente, película en la que, como buen epitafio, se resumen todas las constantes estilísticas y las obsesiones narrativas de su director.
El inocente relata la caída a los infiernos de un matrimonio aristócratico en la que unos cuernos por venganza tendrán consecuencias imprevisibles para los protagonistas. Una joya.

6. Luis Buñuel: Ese oscuro objeto de deseo (1977)

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El considerado por muchos como mejor director de la historia del cine español nos regaló con su última película toda una recopilación de su particular mirada sobre la relaciones de dependencia que se establecen en la pareja.
Ese oscuro objeto de deseo narra la relación entre un hombre maduro y rico y una mujer joven que solo lo quiere por su dinero y que no mantiene relaciones sexuales con él. Aparte del estilo ya conocido de su director, lo más destacado de su última película fue la elección de dos actrices de carácter diametralmente opuesto (uno ardiente y la otra más fría y distante) para interpretar al mismo personaje. No se puede imaginar mejor forma para reflejar lo desconcertante que puede llegar a ser una relación amorosa.

7. Sergio Leone: Érase una vez en América (1984)

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Tras doce años sin dirigir, el director que había patentado el spaghetti western se enfrentaba a su proyecto más acariciado, sin saber que moriría tan solo cinco años más tarde mientras preparaba una película sobre la batalla de Stalingrado.
Tras cinco western, Leone se introducía fuera de su ámbito natural para contar la historia de unos amigos que acaban convirtiéndose en poderosos gángsters. Una obra magna, interminable, con todos los conflictos propios del subgénero mafioso pero con una compleja reflexión sobre la amistad, el amor, el paso del tiempo y, en definitiva, la pérdida que la convierten en una de las mejores películas de la historia del cine. 

8. David Lean: Pasaje a la india (1984)

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Después del fracaso de la incomprendida La hija de Ryan (1970), una película más intimista que anteriores superproducciones como Lawrence de Arabia, El puente sobre el río Kwai o Doctor Zhivago, el director David Lean no volvió a rodar hasta su testamento cinematográfico en 1984.
Aunque inferior a sus grandes superproducciones, Pasaje a la India todavía conserva el pulso narrativo de Lean y su talento innato para manejar ambiciosas vías narrativas. Lástima que lo que prometía ser la gran película sobre el colonialismo británico en la India derive en un notable, aunque simple, drama judicial.

9. Andrei Tarvskosky: Sacrificio (1986)

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Tarvskosky es uno de los directores más sacralizados por la crítica y menos entendidos por el público general. Básicamente, por su particular cadencia narrativa (cada uno de sus planos dura más del doble que uno «normal»), por lo críptico de su argumento y por la preponderancia de lo potente de sus imágenes.
Fiel a su estilo, Sacrificio fue un avance más en su particular estilo, no apto para todos los gustos pero magistral para aquellos que se emocionen con imágenes impactantes independientemente de la potencia de su trama.

10. John Huston: Dublineses (1987)

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Si algo se puede decir de John Huston, más allá de que rodó unas cuantas obras maestras entre 1941 (año de El halcón maltés) y 1987, es que vivió. Mucho. Aventurero nato (en todos los sentidos), Huston fue de los pocos directores de cine que pudo elegir su testamento cinematográfico y, más aún, este estuvo a la altura.
Dublineses, adaptación de una novela de James Joyce, con guión de su hijo Tony Huston y protagonizada por su otra hija Anjelica, es una película de apenas 80 minutos marcada por su simplicidad y su capacidad de penetración en el espectador. Una joya clásica en plena década de los 80 que Huston rodó en silla de ruedas y con bombona de oxígeno.

11. Stanley Kubrick: Eyes Wide Shut (1999)

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Conocido por su perfeccionismo a la hora de abordar cada uno de sus proyectos y doce años después de La chaqueta metálica, el director Stanley Kubrick rodó Eyes Wide Shut con la pareja cinematográfica del (entonces) momento: Tom Cruise y Nicole Kidman.
Concebido aparentemente como un thriller erótico propio de los noventa en el que se exponía el aparentemente perfecto matrimonio de las dos estrellas de Hollywood, lo realmente interesante de esta Eyes Wide Shut es el viaje interior de un perfecto Cruise como un hombre que bucea en el lado oscuro que esconde tras una fachada ideal. Ese que todos nos guardamos de enseñar.

12. Ingmar Bergman: Saraband (2003)

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Fiel a su estilo y dos décadas después de su aparente testamento cinematográfico con Fanny y Alexander, el director sueco Ingmar Bergman se despidió del cine con esta secuela de Escenas de un matrimonio, en el que los protagonistas de esta película, Erland Jopheson y Liv Ullman se reencuentran treinta años después.
Como todo testamento de autor, Saraband es continuista con respecto al reconocible estilo de Bergman, con una gran capacidad para diseccionar el interior de los seres humanos y de las complejas relaciones entre ellos con tan solo una imagen.

13. Richard Donner: Dieciseis calles (2005)

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El director de películas como La profecía o Superman se despidió del cine con un thriller propio de serie B pero que se engrandece tanto por la labor de su director como por la de su protagonista, un Bruce Willis avejentado que realiza una de sus mejores interpretaciones, aunque sea de las menos conocidas.
Odisea urbana de redención a través de las calles de Nueva York, Dieciseis calles es un thriller policiaco que va directo al hueso en su retrato de la corrupción policial. 

14. Sidney Lumet: Antes que el diablo sepa que has muerto (2007)

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Cincuenta años después de dirigir uno de los debuts más deslumbrantes de todos los tiempos, la estupenda Doce hombres sin piedad (una de las mejores películas judiciales de la historia del cine), el cineasta norteamericano Sidney Lumet se despidió del cine con otra obra maestra, esta vez del género criminal.
Dos hermanos (impresionantes Phillip Seymour Hoffman y Ethan Hawke) desesperados por conseguir dinero se reencuentran y se disponen a atracar la joyería de su padre. Puro cine negro clásico narrado con pulso y mala leche moderno, Antes que el diablo sepa que has muerto no solo es uno de los mejores testamentos cinematográficos, sino también una película para iniciarse en el fascinante mundo de Lumet.

15. Tony Scott: Imparable (2010)

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El mundo del cine jamás fue justo con Tony Scott, cuyo mayor pecado fue ser hermano de Ridley. Sí, el que acaba de estrenar Napoleón. El que lo mismo te hace El consejero que alumbra Alien, Blade Runner o Gladiator.
Retratado como un mero director comercial más, el tiempo ha ido colocando a Tony Scott como uno de los mejores directores de género de los últimos treinta años. Su despedida antes de suicidarse fue esta Imparable, nueva (magistral) colaboración con Denzel Washington y un Chris Pine entonces en alza. Una adrenalítica cinta sobre un tren que no puede frenar que no ha sido suficientemente valorada.
¿Y vosotros qué pensáis? ¿Estáis de acuerdo con estos testamentos cinematográficos? ¿Creéis que falta alguna?
¡Un saludo y sed felices!
¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Resident Evil 4 Remake: el retorno de las cunetas y las pesetas

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez García.

Como ya sabemos todos, en este blog somos muy de Resident Evil. Somos de Resident Evil 1, de Resident Evil 2, de Resident Evil 3, de Resident Evil 4 y de Resident Evil Code Veronica, todos ellos los jugamos cuando salieron en su época en PC. Nos quedamos, como un porcentaje no pequeño del Pueblo, algo aturdidos como su quinta y sexta partes, pero recuperamos la Fe en la saga con la maravillosa séptima entrega y la continuista de la anterior pero tontorrona y faldicorta octava entrega. Incluso nos hemos pasado el Resident Evil Remaster dos veces, gozándolo cual cochinos jabalís. No llegamos a tanto al jugar al Residente Evil Zero. Pero hoy damos al Pueblo lo que éste quiere: Resident Evil 4 Remake. Lo último de la saga.

Es sabido que este blog es una ONG o una organización de servicio público. Es por eso que repetimos lo de siempre: somos conscientes de lo cansado que es leer, somos gente mayor y nos dormimos en el sofá sin querer, incluso babeando en el proceso. Así que ahorramos a todo posible lector parte de su sufrimiento y dolor: estamos a favor de Resident Evil 4 Remake. Lo estamos en el mismo sentido que estamos a favor de las remontadas en el fútbol, del jamón, de la tortilla de patata, de los viernes por la tarde, de chapotear en el mar y de realizar el acto sexual de follar.

Y ahora pasamos a la versión larga de los porqués. Podríamos estar escribiendo hasta acabar con toda salud mental del que lee tras haber acabado con la nuestra escribiendo, pero seremos amables e intentaremos ir al grano. Para empezar, Resident Evil 4 marca el gran cisma en la saga. Sí, entre los «clásicos» (es un decir) y los «modernos» (también es un decir). Se ha dicho mil veces y es cierto: Resident Evil 4 es un antes y un después para los juegos de aventuras y de acción, siendo copiado en mecánicas jugables no sabemos cuantas veces, incluso hasta hoy.

Objetivamente el 4, 5 y 6 vendieron barbaridades. Objetivamente el creador de Resident Evil, Shinki Mikami, ha dicho varias veces que lo de las cámaras fijas fue simplemente un apaño, que le da vergüenza cuando le dicen que con las cámaras fijas se conseguía dar más miedo o que las cosas eran mejores. También que él quería un juego en primera persona, pero que por aquella época no iba a quedar del todo bien para la tecnología y la habilidad con las tres dimensiones existente. Así, nos encontramos con que teniendo en cuenta sus intenciones lo más parecido que siempre tuvo en mente es algo similar al Resident Evil 4 (con muchas comillas, porque aquello fue un sin dios de cancelaciones, empezar de cero, reciclar cosas para hacer otros videojuegos y demás). Resident Evil 4 es el más importante e influyente de la saga junto a la primera entrega.

No creo que debamos detenernos mucho en lo visual porque es lo sencillo: es apabullante. El motor propio que tiene Capcom para sus Resident Evil desde la séptima entrega combina espectacularidad con optimización, haciendo que pueda funcionar perfectamente en ordenadores muy muy viejos (como el mío). Artísticamente este remake ha cambiado para mejor respecto al original. El original era un juego muy luminoso y muy plano en cuanto a las luces.

En Resident Evil 4 Remake la oscuridad reina en muchas zonas, los interiores son lúgubres, los sonidos son inquietantes y las voces de los enemigos al fin son de españoles autóctonos. Sí, a todos nos hacían gracias por lo ridículas que eran las voces «en mexicano» de supuestos campesinos de un pueblo español, donde se ambienta el juego, pero el tono de fanfarría y despiporre se ha abandonado un poco para intentar seguir la senda artística y tono de los anteriores remakes hechos. El propio protagonista o el resto de personajes de la historia siguen el mismo espíritu.

La historia de Resident Evil 4 Remake es poco más o menos la misma con prácticamente las mismas zonas, situaciones o enemigos. Se ha eliminado alguna cosa y algunas conversaciones son más coherentes con lo que sabemos de los personajes en anteriores entregas de los remakes, siendo un conjunto más cohesionado. Se ha prescindido de aquellas horribles conversaciones por códec/radio con los villanos de la historia, que eran rídiculas en fondo y forma (herencia mala de los Metal Gear Solid). Las frases míticas siguen ahí, los giros del tapete igual. Ashley, la hija del presidente de los Estados Unidos que va a rescatar el progagonista a un pueblo de España, ha mejorado enormemente (no era difícil) en cuanto a complejidad, ser creíble y menos insoportable.

Pero el plato fuerte del original era la jugabilidad. La cámara en el hombro del protagonista, la vista en tercera persona, el pulidísimo sistema de disparo que era un delicia en cuanto a facilidad, manejo y agilidad, todo el sistema de mejora de las armas, los tesoros, etc. Todos los puntos fuertes han ido a mejor en Resident Evil 4 Remake y además se ha quitado lo que ya en su día eran manchas a soportar: las veces que nos pedían pulsar un botón rápido para esquivar algo (los insoportables Quick Time Events) y el engorrosísimo manejo del inventario. Respecto a lo último, en el original te tirabas a saber cuanto tiempo organizando objetos para poder usarlos y ahora con un botón se te auto-organiza todo de manera bastante razonable, pudiendo dedicarnos más a pegarnos con hordas de gente que a recolocar sprays de curación y municiones. También hay accesos rápidos para las armas y no tenemos que entrar todo el rato al inventario. En resumen, el inventario lo veremos lo mínimo, lo cual es un alivio.

Dentro de la espectacular jugabilidad hay que comentar que se dispara aún mejor y por eso los enemigos son más rápidos. Reaccionan antes, esquivan de vez en cuando. Las batallas con hordas de estos son el plato fuerte de Resident Evil 4 Remake, y salir vivo de éstas es enormemente satisfactorio, por más que moriremos más veces que en el original pero no es juego difícil. Tiene sus picos de dificultad, claro, pero en general podemos decir que la curva de dificultad se parece a la de nuestro aprendizaje. Hay momentos de escasez de recursos, pero suele estar bien pensado cuando te dejan más alivio tras combates especialmente duros y cuando te van dejando mucha munición para precisamente soltarte un miura. Como en el original, la variedad de situaciones es enorme, desde batallas en plazas de pueblo, a batallas en escaleras de caracol, en castillos con cañoñes, persecuciones de vagonetas a lo Indiana Jones, escapadas en lancha motora mientras todo explota, peleas en laberintos y, claro, proteger a la hija del presidente. El juego te sorprende cuando crees que ya estás hecho a todas las situaciones y te pone sobre la mesa otra más.

Y llegando aquí hay que decirlo otra vez: Ashley no es tan insoportable como en el original. La hija del presidente de los Estados Unidos está menos rato con el protagonista. Además se pone menos en medio de los tiroteos, de las cosas que explotan y de las cosas que cortan. También podemos curarla sin usar nuestros items de curación, solo dando a un botón si la vemos herida. Incluso hay zonas donde ella nos abre puertas o ayuda en puzzles. En uno de ellos en mi caso ella tenía subido un puente y viendo que llegaba yo con un enemigo detrás lo bajó cargándose al bicho. Impresionante. En definitiva, la Ashley del Resident Evil 4 Remake es hasta soportable. Increíble pero cierto.

También se han mejorado peleas contra jefes finales. Las de Krauser en el original eran una estafa de pulsar botones en los quick time events y listo, sustituyéndolas por algo vagamente similar a Sekiro, con sus contraataques a cuchillo y su medir espacios. La de Salazar ha pasado de lanzarle un misilazo a la cara y a seguir a ser una pelea que vale la pena jugarse, hasta el punto de que puede ser la más divertida del juego o casi. Oh, bueno, puede seguir siendo un misilazo a la cara (o un huevazo, ya me entenderán los veteranos del juego). La final sigue siendo un poco peché, las cosas como son: sigue sin tener ninguna cosa novedosa y es muy monstruo final de Resident Evil estándar.

Resident Evil 4 Remake sigue teniendo galerías de tiro y uno de los modos de juego más famosos y divertidos de la historia de los videojuegos: el modo Mercenarios. Sigue siendo una genialidad divertidísima, gamberra y rápida. También tenemos el modo de juego en el que controlamos a la diseñada con una sola mano Ada Wong (de verdad, es exagerado el esfuerzo rijoso que se ha puesto en diseñarla para el remake). Su historia complementa a la de Leon S. Kennedy, el protagonista de la historia principal. Lo hace de manera mucho más orgánica y compacta que Resident Evil 2 Remake, donde realmente los dos caminos posibles (Leon o Claire) eran el mismo con algún cambio (pasaban por los mismos sitios, hacían casi los mismos puzzles, etc). La aventura rijosa de Ada Wong nos llevará unas horitas (no muchas) y es un complemento simpático, teniendo batallas contra jefes finales distintos con herramientas distintas. Ada Wong puede balancearse casi como Spider-Man con un aparato que tiene lanza-garfios, permitiendo ser mucho más móvil, rápida y ágil que Leon en sus peleas o la hora de moverse /huir.

En definitiva, Resident Evil 4 Remake es otra gran triunfada de Capcom, con una racha increíble de aciertos desde Residente Evil 7 quitando un pequeño bajón con Resident Evil 3 Remake (que ni mucho menos es malo pero sí bajó un poco el nivel de Resident Evil 2 Remake). Es increíble lo inmensamente divertida que es casi cada parte del juego, es increíble que casi no haya ningún rato de aburrimiento o acostumbrarte al ritmo o mecánicas. Lo han vuelto a hacer. Otra vez. En el Resident Evil ambientado en Españita, con sus pesetas como moneda del juego, su personaje español que baila flamenco ante la muerte (el inicio del modo de juego de Ada es complicado que mezcle de manera tan extraña el miedo y el ridículo) y sus aldeanos mamadísimos con un martillo enorme vestidos de toro. Ah, Capcom, cómo sabes lo que nos gusta.

Sed felices.

¿Ha muerto el cine?

Parece que estoy ante el fin del mundo y no todo es blanco o negro. La vida real, fuera de Internet y más en concreto las RRSS, nos han enseñado que no todo es blanco o negro. Pero realmente me hago la pregunta: ¿Ha muerto el cine?  Y no porque haya muerto ahora mismo, sino porque posiblemente esté muriendo y ahora nos estamos dando cuenta. Y además lo digo con intención porque posiblemente, tal y como esta concebido a día de hoy, no tenga solución, ¿o sí?

¿Ha muerto el cine?Y lo que escribo son datos, no opiniones. Y antes de seguir, me gustaría aclarar que este artículo está publicado el 29 de mayo de 2024, para aclarar posibles y futuribles malentendidos.

La recaudación en España, por poner ejemplos patrios, ha bajado un 25,5% respecto al año pasado, con un último fin de semana con mínimos históricos, el peor dato en 20 años sin contar la pandemia, claro está. Y esto sigue en declive y en retroceso. Y digo esto porque si lo comparamos con el 2014, hace 10 años, la bajada es del 45%, y si nos vamos a 2005, la caída es del 55%. Quizás es pronto para decirlo, pero la mitad de los espectadores que iban al cine hace 20 años ya no van. Vamos en caída libre y creo que esto no es bueno para nadie.

¿El precio del cine es muy caro? Posiblemente, pero la gente se gasta cantidades ingentes para ver un partido o un concierto de su artista favorito, sin contar festivales o terrazas en los bares. ¿Puede ser que hayan cambiado las prioridades? ¿Puede ser que hayan cambiado las formas de entretenimiento?

Las plataformas nos han cambiado y por ende han cambiado las formas de consumir ocio. Antes ibas al cine o no veías las películas en años. Y eso de ver series… las series eran consumo barato de televisión con actores fracasados que en el cine no tenían nada que hacer. Ahora todo es diferente. Ahora los televisores ya no son la pantalla pequeña como tal; son gigantes con una definición increíble. Además, parece que las series están desplazando al cine de su hegemonía audiovisual, por tener más recorrido y unos presupuestos estratosféricos. Y las series te las ves en tu casa, no en el cine.

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Por tanto, la experiencia de ir al cine ya no parece que sea un evento por el que pagar cuando en casa lo tienes todo y con un mando con el que puedes parar lo que estés viendo si tienes que ir al baño. Que sí, que el cine no es barato y más cuando vas con la familia, y además tienes que sumar las palomitas y refrescos. Pero como dije antes, hay ocios más caros que seguimos consumiendo pero que no podemos disfrutar de la misma manera en casa.

¿El cine ha muerto? Quizás no, pero se está muriendo. En otros países la caída en taquilla no es tan grande, pero también existe un descenso. No se si hay solución o parches.  Supongo que la tarifa plana al mes que hacen algunas cadenas valdrá para mitigar pérdidas, como las butacas gigantes, las pantallas gigantes… pero aun con todo, la sangría no se cierra.

¿Vosotros qué pensáis del declive del cine? Yo estoy preocupado por un Arte, con mayúsculas, que parece que está muriendo, al menos como lo hemos conocido hasta ahora. Habrá que ir proponiendo otras formas de ir al cine, porque como espectáculo, como evento o experiencia, como escribí antes, se está quedando atrás por la comodidad de ver las películas en casa.

Un saludo y sed felices.

Aquellos Maravillosos 90: Fincher y El Club de la Lucha

El Club de la Lucha

En esta ocasión, y solo por esta vez, vamos a romper las dos primeras leyes de El Club de la Lucha.  El año pasado tuvimos tuvimos un nuevo estreno del director David Fincher: El asesino (The Killer) y me gustaría usarlo de excusa para hablar largo y tendido sobre uno de mis directores favoritos, así como de una de sus grandes obras.

Tanto libro como película tienen bastantes años, por lo que no voy a presentar la trama ni personajes. Lo que sí haré es indicar cuando haga spoilers de libro y película, pero recomiendo haber visto alguna de las obras antes de leer el artículo.

El comienzo

David Leo Fincher nació un lluvioso día de agosto de 1962 en Colorado, Estados Unidos. Creció como cualquier chico normal norteamericano, excepto por el pequeño detalle de ser vecino de George Lucas. ¿Soy el único que se los imagina con una relación estilo Daniel el travieso?  En 1983 fue fichado como camarógrafo y asistente de fotografía para Industrial Light & Magic ¿no te suena? ¿Y si te digo ILM? La empresa encargada de producir efectos visuales por ordenador fundada por Lucas, que trabajó en películas como la primera trilogía (la buena) de Star Wars, E.T., Regreso al futuro y Los Goonies entre otras muchas.

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De hecho, un joven David Fincher tiene el orgullo de aparecer en los créditos de El retorno del Jedi (1983) e Indiana Jones y el Templo Maldito (1984).

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Luego David Leo Fincher hizo carrera realizando spots publicitarios, llamando primero la atención con un comercial para la Sociedad Estadounidense Contra el Cáncer, y tuvo los coj…es de poner a un feto fumando para concienciar sobre los efectos de fumar. Como podéis suponer, el spot causó críticas y expectación a partes iguales. Fincher nunca decepciona.

 

Este comercial le puso en la mirilla de personas importantes y continuó realizando spots publicitarios para grandes empresas como Coca Cola, Pepsi o Nike; siendo además habitual en los videoclips de Madonna (cuando lo petaba). Mención aparte se merece también comentar que el bueno de David dirigió el videoclip de Bamboleo, la obra maestra del grupo Gipsy Kings.

 

Algunos años después llegó la hora de la verdad: David descolgó el teléfono de madrugada y le propusieron dirigir la tercera parte de Alien con 20th Century Fox, que terminaría estrenándose en 1992.

Tenía la edad de 27 años, mucha ilusión y ganas, pero no tenía la experiencia para estrenar su carrera con una superproducción que tenía el difícil, por no decir imposible, reto de seguir el legado de las dos obras maestras que habían firmado unos años atrás Ridley Scott y James Cameron.

El rodaje de Alien 3 (aquí retro-análisis) fue tortuoso para todas las partes y un fracaso en taquilla. Hoy en día, y viendo el futuro que ha tomado la saga, creo que todos estaremos de acuerdo en que no es tan mala como se pintó en su día.

En 1995 llegó el año de verdad en que David puso el punto de inicio a su carrera artística. El mismo año en que se estrenaban Sospechosos habituales y Doce monos, nació David Fincher como autor; se estrenaba Seven (Se7en), uno de los mejores thrillers de la historia del cine con un reparto de lujo: Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow y Kevin Spacey entre otros.

El otro protagonista

Aquí tengo que hacer punto y aparte y me gustaría que nos fuéramos a Burkank, en el condado de Walla Walla en Washington, donde un joven y rebelde Charles Michael Palahniuk intentaba publicar novelas mientras David no lo pasaba demasiado bien rodando Alien 3.

El estilo pesimista, rebelde y perturbador de Charles Michael Palahniuk no casaba con lo que los editores de la época buscaban publicar. Pero Charles era un rebelde sin causa, y en 1995, lejos de tirar la toalla y mientras todos alucinábamos con Seven, escribió una novela aun más perturbadora, pesimista y rebelde que sus anteriores obras.

Su inspiración llegó de un día de camping, donde tuvo una pelea con unos vecinos ruidosos y al volver al trabajo quedó sorprendiendo por la reacción de sus compañeros, quienes no comentaron e incluso ignoraron las marcas que mostraba su cara después de la pela. Esto encendió la mecha en su cabeza.

Para su sorpresa, esta vez sí cuajó y en 1996 se publicó Fight Club (El club de la lucha). A pesar de todo, Chuck Palahniuk no obtuvo un gran éxito inmediato con su novela, pero pasó por varios despachos importantes hasta llegar al escritorio de una productora de la 20th Century Fox, que compró a Chuck los derechos de una adaptación por diez mil dólares. 

La producción

el club de la lucha

Para hacerse cargo del guion fue contratado un inexperto Jim Uhls (Jumpers, 2008). Para la dirección tenían cuatro prometedoras propuestas: Peter Jackson, Bryan Singer, Danny Boyle y el protagonista de nuestra historia: David Fincher, que colgó con furia el teléfono cuando la Fox, con quien había tenido tantos problemas en Alien3, le propuso el proyecto.

Las tres opciones restantes no cuajaron del todo, y que David Fincher intentara comprar los derechos de la obra a Chuck Palahniuk unos años atrás no hizo más que sumarle puntos para que obtuviera el mando. Finalmente, y con varias promesas bajo el brazo por parte de la Fox (como que Brad Pitt se uniera al reparto), David Fincher aceptó hacerse cargo del proyecto. Promesas que evidentemente los productores de Hollywood no tomaron en serio, llegando a reunirse en secreto con actores como Russel Crowe para ofrecerle el papel aTyler Durden.

Pero el productor jefe intermedió para hacer cumplir el deseo del director y que este se volviera a reunir con Brad, eso sí, con un contrato de diecisiete millones de dólares. Para el papel de Narrador/Jack, los productores consideraron mejores opciones a Matt Damon y a Sean Penn pero, debido a la insistencia de Fincher, la balanza cayó a favor de Edward Norton por un salario bastante inferior a su compañero: dos millones y medio de dólares.

Para el papel de Marla Singer se pensó en Janeane Garofolo, pero rechazó el papel por el contenido sexual de su personaje. Otras actrices que se tomaron en cuenta fueron Courtney Love, Winona Ryder y Reese Whiterspoon. Finalmente, la actuación de Helena Bonham Cartar en Las alas de la paloma hizo que David Fincher le propusiera el papel.

En 1998 empezó el rodaje de la película, donde los actores tuvieron que aprender a boxear y a elaborar jabones. Algo más radical fue Brad Pitt, quien llevó la actuación del método hasta el extremo y se picó los dientes (una funda realmente) para que su personaje no fuera físicamente tan perfecto.   ¿Harías lo mismo por diecisiete millones de dólares?

Las reglas del club de la lucha:

La primera regla del Club de la Lucha es: Nadie habla sobre el Club de la Lucha.

La segunda regla del Club de la Lucha es: Ningún miembro habla sobre el club de la Lucha.

La tercera regla del Club de la Lucha es: La pelea termina cuando uno de los contendientes grita «basta», desfallece o hace una señal.

  La cuarta regla del Club de la Lucha es: Solo dos hombres por pelea.

5º  La quinta regla del Club de la Lucha es: Solo una pelea cada vez.

La sexta regla del Club de la Lucha es: Se peleará sin camisa y sin zapatos.

 La séptima regla del Club de la Lucha es: Cada pelea durará el tiempo que sea necesario.

  La octava regla del Club de la Lucha es: Si esta es tu primera noche en El Club de la Lucha TIENES QUE PELEAR.

La visión de Fincher

La obra de Palahniuk ha sido con más o menos acierto analizadas y llevadas a su terreno por prácticamente cualquier ideología, grupo, colectivo, etc. No creo que el mensaje de la película sea tan críptico, confuso o profundo como nos quieren hacer creer ciertas personas.

Es verdad que la parte creativa no ayudó a que el público comprendiera la película. La excesiva violencia presentada en unos confusos trailers dificultó que el público la recibiera de buen agrado.

Su estreno en el Festival de Venecia no fue nada bueno, siendo presentada por unos fumados Brad y Edward haciendo chistes incómodos, que hoy día se han convertido en una gran anécdota. Una vez que terminó la película, el público se quedó frío, sin saber muy bien qué habían visto. N uestro Carlos Boyero escribió: «Pretenciosa gilipollez (…). Todo resulta un disparate con pretensiones de gran espectáculo».

Es una comedia negra, irreal, una sátira que no se toma en serio y que busca burlarse de todos, como pasó décadas atrás con La naranja mecánica (Kubrick, 1971). Al igual que otras películas de la época como Trainspotting o American Psycho critican el consumismo, capitalismo y acomodamiento en nuestras vidas, temas que siguen vivos más que nunca. En esa ironía de la película está su punto fuerte. Hasta resulta curioso que la película esté producida por una gran corporación como Fox.

No digo que no tenga varias lecturas e interpretaciones, pero qué pasa por la cabeza de aquellas personas que formaron clubs de luchas reales o cantidad de movimientos políticos radicales que han tergiversado el mensaje de la película para justificar sus actos.

Quiero decir: claramente no es una película que te motive a pegarte con otras personas para sentirte vivo ni los personajes son una influencia positiva; en ningún momento las escenas de violencia son agradables y además el comportamiento de los personajes roza el ridículo.

No entiendo que haya personas que piensen en Tyler Durden como alguien inspirador o que justifiquen mínimamente los actos terroristas de su Proyecto Estrago. La solución que aportan es solo destruir el mundo para empezar de nuevo un mundo según sus ideas. Son niños de 30 años representando el grito de auxilio de una generación que se siente perdida e insatisfecha en la vida moderna. Una generación azotada por la crisis de la época (burbuja punto com) y el vértigo social, quizás propiciados por unos cambios abruptos tecnológicos que no beneficia a todos, y que actualmente podemos seguir viendo con las redes sociales.

El otro punto fuerte es el gusto estilístico de Fincher que ya pudimos ver en Seven. La película mejora al libro en muchas escenas debido a esto. Las sombras y esa iluminación que podemos ver sobre todo en las sórdidas escenas de lucha que llegan a resultar hasta grotescas. Pocas veces hemos visto un mejor uso de la voz en off, que llega incluso a narrarnos las escenas que vemos, convirtiendo lo que sería un recurso torpe en uno narrativo e imprescindible para el correcto funcionamiento de la película.

La obra está llena de escenas inolvidables, como cuando el narrador asiste a terapias de grupo siguiendo el consejo de su médico, que no le quiere recetar un tratamiento para curar su insomnio, y termina volviéndose adicto a estos grupos y solo así es capaz de alcanzar la paz mental en un espacio donde puede expresarse libremente con personas que están peor que él, terminando en tener que ponerse de acuerdo con Marla para no coincidir en las terapias. Una pena que este personaje sea tan desaprovechado, sobre todo en el libro.

Otra de mis escenas favoritas es la de sexo entre Marla y Tyler, que usó la técnica que popularizó la película Matrix (estrenada ese mismo año).

aNTE MI MONTAÑA MÁS ALTA ME ENCUENTRO, Y ANTE MI MÁS LARGO VAGABUNDEO: POR ESO DEBO PRIMERO BAJAR MÁS PROFUNDAMENTE DE LO QUE JAMÁS SUBÍ:

¡MÁS ABAJO EN EL DOLOR DE LO QUE JAMÁS ASCENDÍ, INCLUSO EN SU MÁS OSCURO TORRENTE! DE LO MÁS PROFUNDO DEBE LLEGAR LO MÁS ALTO!

(así habló zaratustra, friedrich Nietzsche)

Podemos ver presentes grandes referencias a Nietzsche y su idea del superhombre en la obra, en su idea de tocar fondo para alcanzar la plenitud, y al final es Tyler Durden quien representa la fuerza que necesita el narrador para caer cada vez más bajo, comenzando con perder su casa y pertenencias.

Tyler empuja ese cambio, el reflejo del ideal masculino para él, un carisma que logra influir en las otras personas hasta lograr que estas actos terroristas. Pero Durden no refleja el superhombre de Nietzsche; todavía está en proceso. Tyler es sucio, descuidado y no piensa en las consecuencias, como cuando intenta matarse con el coche o se quema la mano con lejía ¿Quizás un modo de tocar fondo? No lo veo claro. El estado mental del narrador se ve reflejado en la casa de Tyler: sucia, desordenada, llena de cosas sin valor (otra de las principales críticas de la obra) y prácticamente inhabitable por una persona cuerda.

Película vs. Libro

ATENCIÓN SPOILERS

Creo que la adaptación de Fincher a la novela es de gran calidad e incluso la supera en prácticamente toda la obra. Fincher logra un estilo visual impactante, unas escenas hipnóticas y el reparto es de gran calidad. El libro es más rebelde y hay escenas que literalmente fueron censuradas por parte de la producción, más otras que Fincher tuvo que luchar para que no fueran descartadas. Si te gusta mucho la película te recomiendo que le des una oportunidad al libro de Palahniuk. Es frenético y sorprendente, sobre todo en la parte final, donde parece que está más inspirado su autor.

Hay muy pocas diferencias entre las obras en la primera mitad de película, pero es en el final donde creo que el libro supera a la obra de Fincher. El final del mismo es aún más terrible: Narrador cree que ha muerto y que está en el cielo, pero en realidad se encuentra en un hospital psiquiátrico. Este se cartea con Marla y los enfermeros del hospital forman parte del Proyecto Estragos, quienes le dicen que todo sigue según el plan y que van a acabar con la civilización para hacer del mundo algo mejor.

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Análisis de Franklin. Miniserie. Episodios 5 a 8 y balance final

Franklin, la miniserie de Apple TV+ ha llegado a su final y analizamos lo que nos ha dejado. Creada por Kirk Ellis y dirigida en sus ocho episodios por Tim Van Patten, la misma recrea con un magnífico Michael Douglas los años en que Benjamin Franklin ofició en Francia como mediador diplomático a los fines de conseguir apoyo para la revolución americana.

Hola otra vez. Aquí estamos nuevamente para analizar la miniserie Franklin, en este caso la segunda mitad que, vistos ya los ocho episodios, ha sido claramente superior a la primera. Más allá de algunos puntos débiles que más abajo analizamos, la propuesta termina con un balance más que positivo. Cumplo en advertir que, a diferencia de nuestro análisis de los cuatro primeros episodios (que pueden leer aquí), en este caso hay obviamente SPOILERS. A ver qué ha pasado…

Matrimonio Fallido

Habíamos quedado al cierre de los cuatro episodios anteriores con Franklin (Michael Douglas) negociando apoyo en Francia y un John Adams (Eddie Marsan) que, recién llegado de América, manifestaba venir a reemplazarle. Tal como habíamos previsto en nuestro anterior análisis, el antagonismo entre ambos tiene lugar central durante toda la segunda mitad de la miniserie.

Adams objeta el poco apoyo que Franklin ha obtenido para la causa americana en el tiempo que lleva allí, al igual que la moral decadente y libertina de los franceses y del propio Franklin, quien arguye en su favor que al menos ha logrado una alianza y, por otra parte, no parece dispuesto a querer abandonar el país…

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Por el contrario, está intentando insertar a Temple (Noah Jupe) en la aristocracia francesa y ha arreglado con Monsieur Brillon (Marc Duret) el casarlo con su hija Cunégonde (Lily Dupont), cuya madre Anne (Ludivine Sagnier), viene algo más que coqueteando con Benjamin. Obviamente a esta no cae en gracia la relación y menos aún cuando la han concertado a sus espaldas, así que se interpone entre ambos (literal: se les sienta al medio) para bajarle el pulgar al matrimonio . Franklin debe buscar por otro lado si quiere que Temple permanezca en Francia…

Negociaciones Secretas

Franklin y Adams se reúnen con el conde Vergennes (Thibault de Montalembert) y quedan en evidencia las diferencias de método: Adams es necio, impetuoso y quiere ir demasiado rápido, lo cual deviene en que no consiga nada, mientras que Franklin, cauto y conocedor del temperamento de los franceses a la luz del tiempo que lleva entre ellos, consigue un desembolso de tres millones de libras.

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Por otra parte, el marqués de Lafayette (Théodore Pellerin) ha regresado a París después de haber sido erróneamente dado por muerto en las Américas y a pesar de del despecho a la realeza al trasladarse y actuar allí por cuenta propia propia, está decidido a redoblar la apuesta y trama un ataque y saqueo contra Liverpool, lo cual horroriza a Adams, pero cuenta con el aval de Franklin y entusiasma especialmente a su nieto.

En tanto, Paul Wentworth (Tom Hughes), el diplomático británico que viene encontrándose a escondidas con Edward Bancroft (Daniel Mays), quiere hacer dudar a los franceses de la lealtad de Franklin para provocar un enfrentamiento, pero a Bancroft le disgusta la idea porque Benjamin es su amigo y no quiere hacer nada en su contra ni someterle a engaño. Wentworth propone entonces ir por el lado de Adams…

Un asesinato tiene lugar, pero la víctima es un doble de Franklin que, temiendo por su seguridad, este había puesto en su lugar. Bancroft ha estado involucrado, pero Frankin desconfía de Adams, quien acaba de ser prácticamente despachado de Versalles tras desaprobar Vergennes su propuesta de acuerdo de paz con Gran Bretaña.

El Despertar de Temple

Temple, por su parte, continúa intentado formarse como adulto e insertarse en la alta sociedad francesa, pero no le va tan bien. Durante una jornada de caza junto a Jacques (Aïtor de Calvairac) y su nuevo grupo de “amigos”, se resiste a matar un ciervo y ello le hace dudar si quiere pertenecer a ese ambiente.

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No solo eso, sino también el modo en que Jacques menosprecia a Odette (Sonia Bonny), la cantante de ópera que este ha traído de Italia y con quien está teniendo una relación. La cosa acaba entre la niebla de la madrugada con ella y Temple juntos en el parque.

Tras quedarse él dormido, no hay rastros de ella ni del resto, razón por la cual no le queda más remedio que regresar en un carruaje junto a varios desposeídos y ello le hace ver lo frívolo del mundo al que está queriendo integrarse en contraposición con una realidad que subyace por debajo y que presagia la revolución.

En cuanto a la relación con Odette, al menos para ella, no parece haber ido más allá de una noche y al tiempo se entera que ha quedado embarazada, pero se ha autoprovocado un aborto. Cuando le pregunta si el hijo era de Jacques, ella nada responde y su silencio, desde luego, propina al joven otro duro golpe…

Carta Rota

Las noticias de América dicen que los británicos se han rendido en Yorktown y que se busca un acuerdo de paz para demarcar la frontera de Canadá. Adams ha vuelto para hablar con Franklin, pero esta vez acompañado por John Jay (Ed Stoppard), otro de los padres fundadores y artífices de la constitución americana.

A su vez, parece haber problemas para Bancroft, de cuyo contacto con los británicos no hay rastro. Pronto nos enteramos que ha sido detenido y, al ser interrogado, juega sus cartas e introduce a Vergennes dudas acerca de la lealtad de Franklin, a quien acusa de estar negociando un acuerdo de paz con los británicos a espaldas de Francia.

En realidad, eso es lo que están queriendo justamente hacer Adams y Jay, pero no Franklin, que quiere mantener su palabra empeñada con los franceses, para quienes un pacto entre americanos y británicos sería no solo decepcionante sino que haría caer en saco roto el esfuerzo económico que Francia viene haciendo para ayudar a Estados Unidos al punto de haber sido prácticamente arrastrada a la quiebra.

La salud de Franklin está muy deteriorada: se le advierte cada vez más afectado por la gota y ni aun así deja de beber oporto. Para Adams, se trata de una actuación, pero la cosa cambia cuando durante una de las reuniones le ve sufrir un desmayo. Benjamin tiene un cálculo en la vejiga y quiere que Bancroft le opere, pero este no se atreve y sugiere un cirujano más experimentado.

Durante su convalecencia, los británicos juegan una carta sucia y es literal, porque hacen llegar a Adams una carta firmada con fraude por Temple en la cual este incrimina a su abuelo de estar trabajando para ellos. Pero algo ha cambiado en Adams y, tras ir a ver a ver a Franklin para enseñarle la misma, la termina destruyendo con el argumento de que, a pesar de sus defectos y de todas las cosas que de él no le gustan, sabe perfectamente que no es un traidor.

Hay Acuerdo

El episodio final muestra las negociaciones de paz con los británicos, resueltas por apenas seis personas en una habitación: tres americanos y tres ingleses. Jay es demasiado frío y Adams demasiado impulsivo, por lo cual la postura de Franklin se impone como la más moderada y consigue lo que quiere aun con concesiones y a pesar de crearle ello un problema con Francia y particularmente con Vergennes.

De hecho, este se disgusta y se siente traicionado al enterarse, pero hablando luego con Franklin, este le hace tomar conciencia de que en realidad ambos mintieron y él también estuvo negociando con los británicos a escondidas. La cosa, dentro de todo, queda bien, aunque cuando Vergennes pregunta qué ha ganado Francia con su apoyo económico a Estados Unidos, Benjamin le responde que la gratitud eterna del pueblo norteamericano y hasta se atreve a pedirle más dinero…

Terminada la misión, Franklin regresa a Estados Unidos, un país que contribuyó a crear pero en el cual prácticamente no ha vivido. Se despide de Temple, quien se queda en Versalles luego de haber sido designado ministro de juegos por haberle ayudado a ganar una partida de ajedrez al hermano del rey y hasta desliza la posiblidad de ir a Inglaterra con su padre, a quien Benjamin, sin embargo, no está dispuesto a perdonar.

Se despiden en emotivo abrazo y, ya en el barco, Franklin se encuentra con Jacques, el amigo de Temple que prácticamente ha sido expulsado de su casa por su moral libertina y por robarle joyas a su madre. No tiene dónde ir, así que probará suerte en América y Franklin, en obvia autorreferencia, le dice que le recuerda a cierto muchacho…

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Balance Final

La increíble actuación de Michael Douglas (llevada al punto máximo durante su convalecencia) sumada a la magnífica reconstrucción de época en decorados, peinados, maquillajes y vestuarios, hacen que el resultado final se lleve un aprobado. Ojo, no sin peros: las mayores debilidades han pasado por los personajes secundarios, particularmente algunos que han tenido papel decisivo hacia el final (como Jacques o Madame Helvétius), pero que no habían tenido antes el suficiente desarrollo para justificarlo.

Y en otros casos, como el Temple, hay un gran trabajo de Noah Jupe dando vida a un jovenzuelo cruzado por el despertar sexual y su búsqueda de un lugar en el mundo, pero la evolución final del personaje se resuelve de manera algo apresurada, sin que se sepa en qué momento pasa a adquirir la madurez que termina manifestando. Posiblemente sus experiencias lo hayan llevado a ese punto, pero entonces no se entiende por qué quedarse en Francia y hay, de hecho, alguna licencia histórica, pues en la vida real regresó a América con su abuelo y volvería a tierras galas unos años después; aquí se han saltado un paso…

La trama se ha vuelto particularmente atrapante a partir del quinto episodio y la segunda mitad de la miniserie supera claramente a la primera gracias a que el personaje principal tiene antagonistas más claros, como Adams y Jay. Las negociaciones mantienen la intriga hasta último momento y logran generar suspenso aun cuando ya se sepa cómo terminará la historia, lo cual es un mérito. Es en esos tres personajes o en otros directamente relacionados, como Bancroft o Vergennes (estupendos Daniel Mays y Thibaut de Montalembert), donde la serie ha tenido su mayor fuerza en contraposición con el tratamiento débil que ha dado a la mayoría de los personajes secundarios.

Y si algo confirma una miniserie como esta es lo equivocado de pensar que una trama basada en el diálogo sea aburrida y haga falta necesariamente acción. De la guerra en América solo hemos tenido destellos aislados o los ecos llegados a Europa, pero sin embargo ha tenido un lugar central en la historia, solo que resolviéndose mayormente en habitaciones cerradas. Y el que la diplomacia sea la que finalmente da fin al conflicto puede dar lugar a doble lectura en un mundo como el actual, con conflictos bélicos en los cuales el diálogo brilla por su ausencia.

Punto interesante: las ambigüedades. Franklin es hombre de palabra y no quiere decepcionar a sus amigos franceses, pero sabe por otra parte de la necesidad de un acuerdo urgente con los británicos para que su joven nación sobreviva. Y la amistad tiene un lugar importante, al punto de volver relativo cualquier juicio hacia el otro: sobre el final, Franklin revela que siempre supo que Bancroft trabajaba para los ingleses, pero sin embargo no permitió que ello fuera en detrimento del vínculo que les unía y hasta confió en él para pedirle que le hiciese una intervención quirúrgica.

Pero también, desde luego, tiene sus fantasmas y contradicciones, al punto que lo que perdona a su amigo (ser leal a la corona británica) es lo mismo que no le perdona al padre de Temple, es decir a su propio hijo. La diplomacia, claro está, es mucho más difícil de ejercer puertas adentro de la familia y Franklin ha logrado de hecho convencer a los británicos de llegar a un acuerdo y a los franceses de que no les ha traicionado, pero no ha tenido el mismo éxito en persuadir a Anne de casar a su hija con Temple.

Más allá de eso, la relación entre él y su hijo (a quien nunca vemos) queda algo neblinosa y nunca terminamos de saber si su decepción tiene que ver con la lealtad del mismo a Gran Bretaña o bien hay algo más, un punto que hubiera requerido mayor desarrollo y explicación.

Pero más allá de los detalles, Franklin termina siendo un más que digno drama histórico que ha cumplido su objetivo y permitido ahondar desde la ficción en una etapa no tan conocida del personaje histórico, por cierto estupendamente recreado por un Michael Douglas que, casi octogenario y lejos ya de revolcadas épicas con Sharon Stone o Glen Close (aunque tampoco es aquí ningún mojigato), muestra una madurez actoral que debería convertirlo al menos en nominado indiscutible para la próxima entrega de los Emmy.

Hasta la próxima y sean felices…

Crítica de Furiosa: De la saga de Mad Max. Una más que digna precuela que profundiza en el universo Mad Max

Ya tenemos en nuestras pantallas Furiosa: De la saga de Mad Max, precuela de Mad Max: Furia en la carretera dirigida por George Miller y protagonizada por Anya Taylor-Joy y Chris Hemsworth. Han pasado nueve años desde el estreno de la película anterior así que había muchas ganas de ver que nos tenía preparado George Miller en su nueva visita al páramo, más después del buen sabor de boca que dejó la cinta protagonizada por Tom Hardy y Charlize Theron entre público y crítica (seis Oscars incluidos)

La historia que vamos a ver es básicamente la historia de Furiosa, el personaje interpretado por Charlize Theron y al que ahora da vida una genial Anya Taylor-Joy. Descubriremos como fue a parar a la ciudadela Inmortan Joe y sabremos cuándo y por qué se rapa la cabeza, quién le da su característica arma y cómo perdió el brazo.

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En este periplo vital tiene gran importancia un personaje llamado Dementus, interpretado por un efectivo Chris Hemsworth. Es quien aparta a nuestra protagonista siendo una niña del jardín donde vivía acabando de paso con la vida de su madre. El objetivo de Dementus es que Furiosa le diga donde está ese jardín de la abundancia, aunque por circunstancias del destino no le quedará otra que acabar ofreciendo a Furiosa a Inmortan Joe para sellar una alianza con él. Y será en ese nuevo escenario donde la joven crecerá y aprenderá todo lo necesario para convertirse en la temible mujer que veremos luego en Mad Max: Furia en la carretera.

Parece que vamos a estar ante una nueva versión del cine de venganza que tan buenos momentos nos ha hecho pasar últimamente (por ejemplo, con la saga John Wick). Pero George Miller es un tipo muy listo y nos ofrece muchísimo más, una historia en la que conocemos la estructura política del paramo que orbita a través de tres ejes como son la Ciudadela (que produce agua y comida), El Criadero de las Balas (armas y munición) y la Ciudad de la Gasolina (combustible). Es dentro del delicado equilibro que tiene que haber entre estos tres poderes donde Furiosa buscará su venganza contra un ambicioso Dementus.

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Por ello hay que señalar que Furiosa es una película que se aleja del planteamiento Mad Max: Furia en la carretera. Ya no estamos ante una road movie en la que acción se antepone a la narrativa. En esta ocasión, sin dejar de lado las luchas con “autos locos”, vamos a asistir a un gran espectáculo narrado en cinco actos que recogen la historia de la protagonista y en la que hay un perfecto equilibrio entre las escenas de acción y los diálogos y pasajes expositivos que sirven para profundizar en la mitología de este fascinante universo.

Sin olvidar lo bien trabajados que están los protagonistas. Miller se toma su tiempo para ahondar en las motivaciones de los personajes (no en vano la película dura casi dos horas y media), dotando de mayor sentido a las secuencias de acción que surgen como consecuencia de la vida de los personajes. En este sentido, la construcción de Furiosa es muy buena, con una Anya Taylor-Joy que logra hacer suyo al personaje a pesar del buen sabor de boca que dejó la interpretación de Charlize Theron. Empieza siendo una niña que ve el cielo abierto al poder librarse de Dementus (aunque su vida bajo el manto de Inmortal Joe tampoco es que sea una bicoca). Luego logra pasar de un destino de concubina al de una guerrera de la carretera gracias a su determinación y aplomo (y a la ayuda de un alma caritativa como Pretoriano Jack). Y es gracias a este papel como consigue ponerse en posición de afrontar una venganza largamente esperada.

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Hay que señalar que es en este desarrollo del personaje donde podemos encontrar algunos pequeños fallos de guion. Resulta poco creíble como Furiosa logra engañar a todo el mundo siendo una joven atractiva y sin mácula, en un lugar lleno de hombres sucios y gañanes que sabiendo que era una chica habrían acabado con ella de muy mala manera. Es un pequeño borrón necesario para que la historia funcione, pero un borrón al fin y al cabo.

En cuanto al tratamiento de Dementus, solo puedo decir que me quito el sombrero. Miller escribe un personaje odioso, pero a la vez atractivo y con carisma, que, sin ser el lápiz más afilado del estuche, tiene una astucia y ambición le llevan a una posición de poder asombrosa (al más puro estilo Donald Trump). Y es un placer ver a Chris Hemsworth darle vida. Sólo un actor que pueda juntar una enorme presencia física y un afilado sentido del humor podría salir airoso del reto y el algo que el señor Hemsworth hace con muy buena nota.

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También hay que señalar que la película brilla con luz propia en las escenas de acción. Entre ellas destacan dos: el asalto al enorme camión cisterna de la Ciudadela, con coches explotando, motos convirtiéndose en ala-deltas y nuestra protagonista intentando apagar fuegos. Y la batalla en El Criadero de las Balas, con las grúas del asentamiento como elemento principal y diferenciador. Hay algunas críticas por el hecho de que Miller a utilizado más elementos digitales en esta cinta que en la anterior, pero que queréis que os diga, no creo que se note tanto y el resultado sigue siendo fantástico.

En resumen, Furiosa es una muy digna precuela de Mad Max: Furia en la carretera que logra ir más allá en el sentido argumental logrando hacer crecer el universo Mad Max sin olvidarse de ofrecer unas escenas de acción espectaculares. Es cierto que puede quedarse un escalón por debajo ya que no sorprende tanto, pero solo por ver el desarrollo de los personajes y echar un vistazo más profundo al páramo ya merece la pena. Lo malo es que parece que no está funcionando demasiado bien en taquilla, lo cual no consigo entender y es una verdadera pena ya que Miller ha comentado que tiene en mente una película más y si esta no es un éxito vamos a tener complicado poder verla.

Novedades de Astiberri Ediciones de junio de 2024.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de junio. Echemos un ojo …

Novedades de Astiberri Ediciones de junio de 2024.

Ya tenemos disponiblela información de las novedades que nos traerán los amigos de Astiberri Ediciones para este mes de junio.

Este mes tendremos lanzamientos tan importantes como El Invasor de José Antonio Pérez Ledo y Alex Orbe.

Astiberri

También tendremos El Ojo del Lobo, una adaptación del autor Mathieu Sapin basada en la novela de Daniel Pennac.

Dolmen

Pero esto no ha terminado, saldrá también este mes Los Evaporados, otra adaptación de Isao Moutte basada en la novela de Thomas B. Reverdy.

Astiberri

Por otra parte, tendremos la séptima entrega de La Cantina de Medianoche y varias reediciones de El Abismo del Olvido, Los Muertimer y mucho más.

Justo aquí debajo, os dejamos el pdf completo con las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de junio.

Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

Atlas, J.Lo contra las máquinas mientras nos apalancamos en el sofá

Atlas es la película de la semana en Netflix. Protagonizada por Jennifer López, Simu Liu (quien te ha visto y quien te ve, Shang-Chi), Sterling K. Brown y Mark Strong y dirigida por Brad Peyton, la película se sitúa en lo más visto de la plataforma mientras la crítica la ha puesto a caldo. Vamos al lío.

J.Lo contra las máquinas

Atlas nos sitúa en el año 2071 o por ahí. Las máquinas se han rebelado contra la humanidad. Una IA doméstica con pinta de Ken asiático (Simu Liu) ha tomado consciencia de si misma, adivinando que los humanos acabaremos por destruir el planeta, así que ha montado una revolución con otros robots, convirtiéndose en la primera IA terrorrista de la historia.

Harlan, que así se llama el bicho, huye al espacio exterior y Atlas Shepherd (Jennifer López) ira tras él, junto a un grupo de rangers del espacio, a destruirle. Para eso deberá hacer lo que más tema, sincronizarse con una IA mecha llamada Smith (no se complicaron con el nombre, no) que será su única opción de supervivencia. Y mira que nos avisaron, que lo de la IA había que controlarlo, que ya lo dijo James Cameron hace años pero no, no hay manera. La humanidad tiene ganas de que estalle la rebelión de las máquinas.

Atlas

No nos engañemos. Atlas es el enésimo vehículo para el lucimiento personal de J.Lo, actriz algo limitada que por mucho que grite y ponga cara de sufrimiento no es capaz de derramar una lagrimita en todo el metraje. Y la verdad es que la cinta no empieza mal, de hecho muestra bastante ritmo en su primera media hora, mucho más que otras cintas de Netflix de las que preferimos olvidarnos.

Lo malo es que luego decae bastante, cuando los diálogos entre Atlas y Smith se superponen a lo que debería ser la acción, transitando por el camino de los topicazos hasta llegar al final que todos esperamos. En ese sentido no pueden ser más convencionales. Que el villano se lleve su castigo y redención para el resto.

Simu Liu

100 millones para esto

Si, parece que Atlas ha costado la friolera de 100 millones. Luego vendrá Netflix a decirnos que nos sube los precios para ofrecernos más calidad. Encima se ve que no tienen miedo a las comparaciones y la estrenan el mismo día que llega a los cines Furiosa: de la saga Mad Max (película del Madmaxverso, por si no ha quedado claro).

Esos 100 milloncejos no es que luzcan demasiado en pantalla porque por momentos (en muchos momentos de hecho) tenemos la sensación de estar ante una cinemáticas de videojuego, lo que hace que la película baje muchos puntos en su valoración. Ya mayor parte del presupuesto se lo habrán pulido en pagar a J.Lo y a sus secundarios de lujo, totalmente desaprovechados, es especial Mark Strong (¿futuro Charles Xavier?; ojala) y Sterling K. Brown, quien estará pensando que pá que lo nominan al oscar si al final tiene que hacer esto.

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¿Y hay algo bueno? Pues hombre, en su primera media hora es bastante entretenida. Después hay que reprimir algún que otro bostezo y en su parte final, aunque ya lo hayamos visto antes, vuelve a tener algo de ritmo.

En resumen, que Atlas es un nuevo intento de Netflix de crear un blockbuster que perdure pero paga el precio de tener a Jennifer López como protagonista. Dentro de unos días ya nos habremos olvidado de ella. Eso si, si te da pereza o no puedes ir a ver la nueva de Mad Max, para pasarte un par de horas tirado en el sofá en modo off, resulta ideal. Un saludo, sed felices.

Análisis de Star Trek: Discovery. Temporada 5. Episodio 9

Ya nos queda un solo episodio para decirle adiós a Star Trek: Discovery y mientras la emoción nos embarga, hacemos repaso de lo que nos ha dejado el noveno y penúltimo de esta temporada final. La serie, creada por Bryan Fuller y Alex Kurtzman, está disponible por Skyshowtime para España y por Paramount+ para América Latina.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Cuánta emoción y sobre todo cuánta tristeza de saber que solo nos queda un episodio, pero aquí estamos a pesar de todo para analizar el noveno y penúltimo de Star Trek: Discovery, cuyo título es Puntos de Lagrange

Una entrega que está dirigida por nuestro grande y querido Johathan Frakes y que deja sensaciones encontradas, pues si bien está cargada de épica y momentos visuales sublimes (más algún homenaje a Star Trek II: La Ira de Khan), nos llena a la vez de dudas de frente al último capítulo al hacer que nos preguntemos cómo demonios para resolver en un único episodio tantas cuestiones pendientes.

Pero en fin, pasemos ya mismo a ver qué nos ha dejado el episodio, no sin antes dejar de advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Malas Noticias

Regresado de su misión diplomática y en la sede de la Federación, Saru vuelve a encontrarse con T´Rina y le trae de obsequio unas flores exóticas que, según dice, traen buena suerte a contrayentes de futuras e inminentes nupcias. Pero la emoción del reencuentro queda atrás al enterarse de las noticias sobre la Discovery y particularmente de que han sufrido problemas durante un enfrentamiento con un crucero breen.

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Más aún: según palabras de la presidenta Rillak, la noticia de la muerte de Ruhn ha corrido entre los breen como el olor de la sangre y los otros Primarcas están ahora tras las tropas que el fallecido ha dejado vacantes de liderazgo: entre ellos, la tan temida Tahal

Saru se pregunta cómo podrá la Discovery hacer frente a una flota y Rillak le informa que ya han ordenado refuerzos, pero que posiblemente no lleguen a tiempo y además podrían interpretar su llegada como señal de belicosidad. La opción es parlamentar, pero los breen no responden los llamados de T´Rina a pesar de recibirlos.

Solo queda que alguien se acerque con una lanzadera para dialogar y Saru, asumiendo el riesgo, se ofrece como voluntario debido a que la que está en peligro es su nave. T´Rina acepta y hay una emotiva despedida, como si compartieran dudas de que él logre regresar con vida aun a pesar de que asegure que volverán a encontrarse…

Lagrange

En la Discovery, han conseguido restablecer varios sistemas dañados y entre ellos los escudos, pero hay problemas con el propulsor de esporas, ya que si bien Stamets ha logrado ponerlo en funcionamiento nuevamente, no hay precisión de destino para el próximo salto y necesita unas dos horas para corregir el inconveniente. La realidad es que no disponen de ese tiempo si quieren llegar a la Tecnología de los Progenitores antes que los breen, así que Michael ordena efectuar el salto como sea y donde caigan.

En efecto, así lo hacen y la nave es zamarreada súbitamente por una violenta sacudida: se hallan en el disco de acreción de un agujero negro y la descomunal atracción gravitatoria los está chupando. Pero Tilly descubre que se trata de un sistema binario, lo que significa que los agujeros son dos y así, valiéndose de la gravedad de uno consiguen escapar del otro y que los motores hagan el resto para dejarlos en el punto de Lagrange, es decir en la ubicación justa para mantenerse estables entre ambos agujeros.

Una vez que, en épica maniobra, consiguen hacerlo, descubren que también allí y a unos sesenta mil kilómetros de su posición, se halla una estructura cilíndrica semejante a un barril o quizás a una versión ampliada de la pieza que les han quitado los breen. En teoría, debe contener la tecnología de los Progenitores, lo cual significa que la búsqueda ha terminado y, por cierto, no se podía pensar en mejor lugar para mantener guardado tan peligroso secreto.

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Más aún: considerando la antigüedad de los agujeros negros, debe estar allí desde tiempos impensables, aunque la estructura que la protege, en consonancia con las pistas que han venido siguiendo, data de unos ochocientos años. Pero uno de los problemas es que la misma está hecha de un material impenetrable y el otro es que los breen ya están allí…

No se trata de Tahal sino de los que ahora responden a Moll por su condición de esposa del Vástago. Antes de que desde la Discovery puedan reaccionar, capturan la estructura con un rayo tractor y la llevan a su nave. Son malas noticias, pero lo bueno es que no saben que la Discovery está allí, ya que la han dado por destruida y además se mantiene oculta.

De inmediato, Michael y los suyos se ponen a elaborar un plan que aproveche tal desconocimiento. El mismo consiste en adosarle al objeto un transpo-lock (tarjeta que opera como dispositivo de transporte) y sacarlo de allí pero, claro, eso implica que alguien debería subir a bordo del acorazado para colocarlo y no pueden transportarse y mantenerse ocultos a la vez.

La forma es acercarse lo más posible con una lanzadera y transportar desde la misma un equipo camuflado con réplicas de trajes breen y tecnología de traducción. O mejor dicho, dos equipos: Alpha, integrado por Adira y Rhys, buscarán llegar a los sistemas para hackear los escudos en tanto que Bravo (qué bueno que sigan usando esos códigos en el siglo XXXII), integrado obviamente por Michael y Book, deberá colocar el dispositivo de transporte en la estructura para sacarlo de la nave y alcanzar la zona de las lanzaderas a los fines de escapar escapar.

Stamets objeta que Adira sea parte del grupo y se ofrece como voluntario, pero el tiempo urge y Tahal está en camino, así que hay que actuar rápido y Adira puede resolver el hackeo antes que él. Michael deja a Rayner al mando de la Discovery y una sombra se apodera del rostro de este al enterarse que Tahal está viniendo pues, como supimos dos episodios atrás, fue la responsable del brutal genocidio en su planeta. A su vez, él designa a Tilly como primer oficial interino, zanjando en cierto modo diferencias pasadas.

Portal

A bordo del acorazado, Moll se ha convertido en líder de la noche a la mañana. Habrá que pensar que los breen son muy respetuosos de los derechos de sangre y del vínculo matrimonial que la une al Vástago, pero no deja de sorprender que pasen a obedecerla tan sumisamente cuando hasta hace poco querían acabar con ella y con el propio L’ak.

Moll está obsesionada con volver a la vida al difunto. No termina de quedar claro cómo piensa hacerlo, si la Tecnología de los Progenitores es una especie de lámpara de Aladino o qué, pero de momento quiere ingresar en la estructura para apoderarse de la misma.

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Tras calzar a modo de llave la pieza del mapa, la misma se abre y de su interior brota una luz iridiscente. Moll envía a uno de los suyos a acercarse para ver dentro, pero apenas lo hace es chupado por la luz y ya no se vuelve a saber de él ni aparecen rastros en los escaneos. La sensación es que la abertura fuera una puerta espacio-temporal estilo Stargate.

Moll recibe de uno de subordinados la sugerencia de mantenerse por su seguridad en el puente hasta tanto logren lidiar con la estructura. Sabiendo entonces que la cosa requerirá tiempo, almacena el cuerpo de L’ak en un buffer portátil para preservarlo hasta tanto consigan hacerlo.

Baño de Aceite

En la Discovery y antes de partir hacia lo que considera un plan demencial, Book se pregunta cómo se las apañarán con la tecnología una vez que tengan acceso a ella. Es entonces cuando por primera vez Michael nos pone al tanto de lo que el guardián del Archivo (el falso Book) le dijera antes de salir del paisaje mental: “Construir la forma del uno entre los muchos”. Nadie entiende qué significa eso, pero ella supone que en algún momento le será útil.

Camuflados como breen, el cuarteto se acerca al acorazado en la lanzadera aprovechando que la turbulencia de los agujeros les impide ser detectados. El problema es que la temperatura está a punto de hacer colapsar la misma y terminan transportándose en el último instante antes de su destrucción. Una vez a bordo, se encuentran con un grupo breen y se produce un instante de tensión cuando la tecnología de traducción tarda en operar pero, una vez que lo hace, Michael utiliza sus conocimientos de xenoantropología para preguntarles sobre el sarkurés, ritual festivo que al parecer están preparando, lo cual aleja de ellos las sospechas y allana el camino.

Se separan las parejas. Thys y Adira van en procura de hackear el sistema y toman conocimiento de la presencia de Moll, así como del liderazgo que ahora ha asumido. Logrando deshacerse de un oficial a cargo del sistema de escudos (“siempre el alférez”, ironiza Adira) se ponen a trabajar para bajar los mismos.

Michael y Book, mientras tanto, van en busca de la estructura y, por el camino, no tienen mejor idea que repasar culpas en cuanto a que su relación no haya funcionado: no sé si es el mejor momento ni lugar, pero bueno… Al llegar a la estructura, descubren que se halla protegida por un blindaje de cuarentena y Michael troca su traje de guerrera en oficial científica para acercarse y desactivarlo. Oficiando como guardia y a modo de distracción, Book tiene una charla con un soldado breen al que invita al sarkurés como si se tratara de un baile de graduación y este, a su vez, le invita a compartir previamente un baño de aceite: me hizo reír…

Plan B

A bordo de la Discovery y a la espera de novedades, Rayner no para de deambular nervioso por el puente de un lado a otro y Tilly le llama la atención por eso, ya que contagia su estado al resto. Le aconseja tomar lugar en la silla como todo capitán, pero se niega.

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Pronto se enteran que los escudos breen han caído, lo cual crea las condiciones para transportar la estructura y rescatar al equipo. Para para ello deben abandonar su ocultamiento, lo cual implica revelar su presencia a los breen cuando ellos creían haber destruido a la Discovery.

Rayner establece comunicación con Moll y cuando esta le pregunta por Michael, la informa falsamente de que ha muerto. La pone además al tanto de que Tahal está en camino (¿no lo saben?) y de que lo mejor para ella sería ponerse bajo protección de la Federación. Moll le cuelga el llamado…

Para colmo de males, Michael y Book han logrado eliminar el blindaje que protege la estructura, pero han sido sorprendidos y detenidos, lo cual lleva a que Moll se entere que Rayner le ha mentido y ordena llevarla a la pareja a un calabozo.

Pero Michael, que sigue en comunicación con Rayner, juega una carta que es guiño a Star Trek II: La Ira de Khan y, de modo semejante a como Kirk con Spock, desliza en su conversación una referencia en código que en su caso remite a un antiguo poema de Kellerun (planeta natal de Rayner) y a la forma en que ella fuera rescatada tras su primer enfrentamiento con Moll y L’ak.

Rayner entiende el plan: se trata de activar los escudos e ingresar con la Discovery al acorazado breen haciendo colapsar los suyos propios, lo cual devendrá en una explosión que arrojará al espacio a la estructura mientras bajan los escudos para transportar a Michael y su grupo.

En efecto y en momento épico y visualmente impresionante, así lo hacen, pero Moll, en su desesperación de que le quiten la tecnología y ya no pueda revivir a L’ak, se arroja dentro de la estructura y Michael, en una decisión no sé si tan inteligente, lo hace detrás…

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El resto del grupo ha sido rescatado y la estructura flota en el espacio mientras la flota de Tahal se acerca. Rayner toma por fin la silla de capitán y anuncia que sacarán a Michael y Moll de donde quiera que se hallen…

Balance del Episodio

Le tenía fe a este episodio al estar Jonathan Frakes al frente del mismo. Sin embargo y con todo lo que amo a nuestro querido Riker, quien ha sido responsable de algunos de los mejores episodios de la serie e incluso de la franquicia, esta ha sido una entrega que nos ha dejado llenos de dudas y se queda algo por debajo de las dos anteriores.

Ojo: no es que haya sido un mal episodio. Ha estado muy entretenido y tenido un par de esos momentos épicos que tanto nos gustan además de, como viene siendo regla en la temporada, una magnífica factura visual, apreciable tanto en la recreación de los agujeros negros como en el interior del acorazado breen. El problema es que no resuelve algunas cuestiones que, a la luz de lo poco que nos queda, hacen temer para la serie un final apresurado.

En primer lugar, por lo menos yo, le ponía fichas a que esta entrega, por ser la penúltima, nos mostrase por fin la Tecnología de los Progenitores y nos hiciera comprender su esencia a los fines de que en la última tengamos ya vía libre para dar rienda suelta a las emociones sin andar pensando tanto. Pero no: la tan mentada tecnología sigue siendo un misterio y ni siquiera sabemos adónde han ido a parar Michael y Moll al cruzar el portal o cómo diablos le irá a servir a la primera la enigmática frase que le dejara aquel guardián del Archivo antes de abandonar el paisaje mental.

Y a propósito, una cuestión: ¿a qué tanto suspenso para decirnos la frase ahora cuando después de todo era tan críptica que de todos modos no nos hubiera espoileado nada? Y por otra parte, si Michael ya había superado la prueba y demostrado ser digna de recibir el secreto de la tecnología tanto tiempo oculta, ¿por qué complicarle las cosas con una frase tan misteriosa en lugar de simplemente decirle qué debía hacer cuando se hallase ante la misma?

La subtrama de Moll, por otro lado, sigue siendo lo más flojo de la temporada. No se entiende cómo pudo haber pasado tan rápido de paria fugitiva a líder mesiánica, como tampoco en qué forma piensa utlizar la Tecnología de los Progenitores para regresar a la vida a su amado L’ak una vez que la tenga en su poder.

A ello debemos sumar que Tahal viene llegando y, de acuerdo a lo que nos han dicho, eso no es poca cosa, pero la cuestión es que vamos a terminar conociéndola durante un único capítulo o quizás unos pocos minutos del mismo y no sé hasta qué punto nos permitirá ello descifrar su personalidad, sus convicciones o por qué se le teme tanto más allá de lo que Rayner contó acerca del genocidio en su mundo natal.

A lo que voy con todo esto: nos queda una sola entrega y en ella tenemos que resolver el enigma de la Tecnología de los Progenitores, además de conocer en profundidad a Tahal y estar atentos a un escenario de triple encuentro, quizás con el agregado de Saru, que tiene una misión diplomática en curso.

A ello hay que agregar que falta cerrar las historias de amor entre este y T´Rina, así como también entre Michael y Book, que ya cansan un poco con tantas dudas y cuestiones pendientes quintando clima en momentos inoportunos. Y ya que hablamos de Book, también debe resolver esa vieja cuestión familiar que le une a Moll y quizás plantar ese esqueje que le fuera entregado en el Archivo y que, se me ocurre, podría ayudar a refundar Kwejian.

¿Me equivoco o es demasiado para un solo episodio? Desde luego que hablo desde el prejuicio y a partir de lo que este que acabamos de ver nos ha dejado e insisto, no ha sido un mal capítulo, pero hubiera ido mucho mejor ubicado un par de episodios antes del final y no tan cerca como ha terminado cayendo.

Ojalá que showrunner y guionistas tengan la clave para resolver todo eso sin que parezca que están apurados por ir al baño y Star Trek: Discovery tenga en lo emocional el final que merece, sobre todo teniendo en cuenta que es la serie que ha ayudado a resucitar y revitalizar la franquicia.

Pero todo eso lo sabremos recién con la ultima entrega a la vista y parece mentira estarles diciendo que les espero para compartir el final de una serie que, más allá de irregularidades, nos lo ha hecho pasar bien. Esperemos que una buena serie no termine siendo recordada por un mal final: confiemos en que no

Hasta la próxima y sean felices. Larga vida y prosperidad…

Reseña de Perro de Estroncio 1. Dolmen Editorial ¡Por fin una edición a la altura de esta mítica serie!

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de hablaros de una de las series más carismáticas del noveno arte … Y peor tratadas en nuestro país. Hoy queremos hablaros de la nueva edición, por parte de Dolmen Editorial, de Perro de Estroncio 1.

2000 AD es una mítica revista británica con periodicidad semanal que lleva publicándose desde el 26 de febrero de 1977. Ha pasado por diferentes editoriales. Comenzó en IPC Magazines, para luego ser producida por la famosa Fleetway, hasta que fue comprada Rebellion Developments en el año 2000.

2000 AD es una revista que está consagrada a uno de mis géneros favoritos: La Ciencia Ficción. En el momento que estoy escribiendo estas líneas, se encuentra en su programa número 2375.

¡Ahí es nada!

Perro de Estroncio. Tomo 1. Dolmen Editorial.

Estroncio

Perro de Estroncio nació en 1978. Igual que un servidor. Fue creado por el incansable e inigualable John Wagner y nuestro inconmensurable Carlos Ezquerra (con un poquito de ayuda de Ian Gibson).

No debemos olvidar que, tan solo un año antes, John Wagner y Carlos Ezquerra habían dado a luz, nada más y nada menos que a uno de los más carismáticos personajes del noveno arte: El Juez Dredd.

Antes de seguir hablando de Perro de Estroncio, hemos de deciros que tenemos reseña de Juez Dredd vs. Muerte, en nuestra sección El cómic de la semana, pinchando aquí.

Hecho este inciso … Vamos a seguir con nuestra serie estrella de hoy … Perro de Estroncio

Una devastadora guerra nuclear en nuestro planeta ha aniquilado al 70% de la población terrestre y los efectos radiactivos del isótopo Estroncio 90, ha producido severas y horripilantes mutaciones en la población mundial (y también en animales).

Estamos en el siglo XXII y tras miles y miles de años, el ser humano no a aprendido de sus errores y los efectos del Estroncio 90 en una parte minoritaria de la población, ha enseñado una nueva manera de oprimir, perseguir, odiar y si les es posible … Matar a los mutantes.

El incremento del número de nacimientos de niños mutantes, algunos de ellos con serias malformaciones físicas (y psíquicas en algunos casos), provocó un incremento exponencial del «odio al diferente».

Se promulgaron leyes que prohibieron que los mutantes tuvieran empleo o regentaran cualquier tipo de negocio.

Los mutantes se vieron obligados a mendigar. Muchos de ellos murieron de hambre …

Además … Durante muchísimos años, numerosos criminales consiguieron huir de la Tierra y esconderse en los lugares más recónditos de la galaxia.

Los poderes fácticos no podían permitir que los criminales quedaran impunes y por ese motivo crearon el Cuerpo Especial de Agentes de SD (Seguir y Destruir).

Estroncio

Perseguir a estos criminales era excesivamente peligroso para los «respetables ciudadanos de bien». Por este motivo, los gobernantes de nuestro planeta permitieron que los mutantes pudieran trabajar solamente de una cosa: Agentes del Cuerpo de SD.

De esta manera se mataban dos pájaros de un tiro. Se podía arrestar a los criminales y entregarlos a la justicia y como el trabajo era sumamente peligroso, muchos de los Agentes de SD (todos ellos mutantes) podrían perder la vida.

¡Dos problemas resueltos!

Estos Agentes de SD eran odiados y despreciados. Puede que más (incluso) que los criminales a los que arrestaban o ajusticiaban. Estos Agentes del Cuerpo SD eran llamados despectivamente como Stromtium DogPerros de Estroncio.

Uno de estos Agentes de SD es Johnny Alpha, un mutante cuya maldición son unos ojos que emiten poderosos Rayos Alpha, que funcionan como una máquina de rayos X. Estos Rayos Alpha con capaces de penetrar tanto la materia inerte como la carne.

Johnny Alpha, junto con su fiel compañero Wulf (un bravo vikingo que se ha visto desplazado en el tiempo), surcarán la galaxia para seguir y destruir a los más peligrosos criminales.

No importa lo lejos que se escondan ni lo peligrosos que estos sean. Nuestro equipo protagonista los seguirá, los localizará y los neutralizará.

¡De una manera u otra!

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Por fin una edición como se merece esta serie.

Las publicaciones de la revista 2000 AD en general y de Perro de Estroncio en especial, han sido injustamente maltratadas en nuestro país.

En España, la extinta MC Ediciones comenzó su publicación en cinco números en grapa (de 32 páginas) y a color. A partir del sexto número fue Quality Comics quien se encargó de ello, hasta finalizar en el número 11.

En Mayo de 2008, Editorial Kraken comenzó a publicarlo en un formato «Archivos completos«, al igual que lo hizo con Juez Dredd. Stromtium Dog finalizó su andadura en Kraken en su segunda entrega. Estos dos números fueron publicados en blanco y negro.

¡Y por fin llegó la presente edición de Dolmen Editorial!

Tenemos ante nosotros un tomo en tapa dura y lomo recto, que cuenta con un papel satinado que cuenta con un muy buen gramaje en las 168 páginas que contiene.

El volumen cuenta con una reproducción restaurada que respeta la edición original, en cuanto a que cuenta con páginas en color y en blanco y negro, según corresponde a la publicación original en la revista Starlod primeramente y con posterioridad en 2000 AD.

Esta primera entrega se encuentra disponible desde el 2 de noviembre de 2023 y cuenta con un P.V.P. de 27,90€. Tenéis más información de la obra en la web de Dolmen Editorial, pinchando aquí.

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El incomparable equipo creativo.

John Wagner (T.B. Groover). Guionista. Nació en Pensilvania (EEUU) en 1949. A los 12 años se marchó con su madre a Escocia, tras la separación de sus padres.

Lleva activo en la industria del cómic desde los años 70′. Desde entonces y casi siempre junto a Patt Mills (otra leyenda del cómic) nos trae innumerables historias que merecen la pena ser leídas.

Su carrera en el noveno arte comenzó a finales de los años 60′, en la editorial D.C. Thomson & Co. Posteriormente se hizo escritor independiente y también pasó a formar parte de la editorial IPC en los años 70′.

Desde IPC, trabajó en casi todas sus revistas como AD 2000BattleEagleScream! y Roy of the Rovers. En IPC creó numerosos personajes como Juez Dredd, Perro de Estroncio, Robo Hunter o Button Man.

Llevó a trabajar para DC Comics guionizando Batman. También guionizó la miniserie de Batman/Juez Dredd.

Wagner continúa escribiendo para 2000 AD y Judge Dredd Megazine.

Estroncio

Carlos Ezquerra. Dibujante. Nació en Ibdes (Zaragoza) el 12 de noviembre de 1947 y falleció de cáncer el 1 de octubre de 2018.

Estuvo trabajando para el mercado británico casi en la totalidad de su carrera. Como una anécdota a tener en cuenta, es que en sus primeros trabajos firmaba bajo el pseudónimo L. John Silver.

en los años setenta comenzó en Battle Picture Weekly, dibujando series como Rat Pack, Major Eazy y El Mestizo.

Es conocido y reconocido mundialmente por ser el cocreador (junto con John Wagner) de uno de los personajes más carismáticos del noveno arte: El Juez Dredd.

Hablando del Juez Dredd, debo hacer un pequeño inciso para que leáis aquí, la reseña de Juez Dredd: Dredd vs. Muerte, también editado por Dolmen Editorial, que realizó mi gran amigo y compañero Mario Losada.

También con John Wagner creó a este Perro de Estroncio para la revista Starlord, en 1978.

Su gran talento y majestuoso trazo, no pudo pasar inadvertido para el mítico guionista Garth Ennis, que no dudó en recurrir a nuestro Carlos Ezquerra para dibujar series como La Brigada de Fusileros, Historias de Guerra, Bloody Mary, Solo un Peregrino o algunos números especiales de Predicador, para DC Comics.

Debo añadir que es uno de mis dibujantes favoritos. Dibujó una de las mejores sagas de Juez Dredd que he leído nunca: Apocalypse War. Espero que Dolmen reedite esa mítica etapa, como viene haciendo hasta ahora con Dredd.

Johnny Alpha y sus Perros de Estroncio era la serie favorita de Carlos Ezquerra en 2000 AD y nunca perdonó del todo a John Wagner y Patt Mills, que hicieran que mataran al personaje. aunque quisieron enmendarlo años después, devolviéndolo a la vida.

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Valoración final de este primer volumen.

Perro de Estroncio es un locurón de ciencia ficción, ambientado en un futuro remoto postapocalíptico. Las historias que nos narran sus autores, son divertidas, trepidantes, muy entretenidas y tremendamente adictivas.

Al igual que en todas las series (al menos las que yo conozco) de 2000 AD, sus aventuras se encuentran formadas por historias cortas de tres, seis u ocho páginas.

En este tomo 1, se alternan algunas páginas en color (originalmente publicadas así en la revista Starlord) con el poderoso dibujo en glorioso blanco y negro de nuestro Carlos Ezquerra.

Este formato de historias cortas de pocas páginas no te deja soltar el libro y quieres seguir, seguir, seguir … Y sin darte cuenta, has leído 70 páginas de golpe, casi sin pestañear.

Pero ahondando un poco el la aparente simpleza de las historias, John Wagner nos hace una feroz crítica a esa lacra que es el racismo. Johnny Alpha, al igual que el resto de Perros de Estroncio, arriesga su vida como cazarrecompensas y es rechazado por esa sociedad a la que pretende ayudar.

Incluso su propia hermana reniega del bueno de Johnny Alpha en una de las historias.

Los mutantes se malviven y se mueren de hambre en este futuro distópico. Tampoco pueden utilizar el transporte público como cualquier otro ciudadano.

Los autores nos reflejan la tristemente añeja opresión a las minorías. Vosotros mismos podéis buscar ejemplos de la actualidad. Pero no quiero ponerme trascendental …

Perros de Estroncio es un pedazo de serie. Con un dibujazo. Entrad en ello, disfrutadlo, saboread el arte de nuestro maestro Carlos Ezquerra y sobre todo …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: Hoosiers (1986), la mítica película que encumbró el cine deportivo

¿Es Hoosiers la mejor película de deportes de la historia? No lo sé, pero lo que sí está claro es que es el largometraje que cimentó las bases narrativas de lo que tiene que ser ya no solo el cine de deportes, sino una magnífica película.

El deporte tiene algo en común con el cine, gracias a la mezcla que nos deja un espectáculo deportivo con poderosas historias humanas. Ambas disciplinas son capaces de combinar la emoción desde diferentes ángulos pero que confluyen en un mismo vértice y que es precisamente la emoción. Y es que el cine y el deporte, tienen la potestad de inspirar, motivar y conmover a cualquier persona sin distinciones de edades u orígenes.

Hoosiers tiene alma de cine y espíritu deportivo; mezcla ambición narrativa con un buen equipo de actores dispuesto a darlo todo en pantalla. Es capaz de hacernos subir a una montaña rusa de emociones, en la que viajamos de la alegría al drama mientras nuestro corazón bulle de energía porque está disfrutando de la competición. Y al final, después de sudar, sufrir y luchar, entiendes cuando suena el pitido del árbitro que, tanto en la vida como en la cancha, un pequeño instante puede cambiar la historia para siempre.

Hoosiers la mítica película de baloncesto

Hoosiers es una película estadounidense de 1986, dirigida por David Anspaugh e interpretada por Gene Hackman, Barbara Hershey y Dennis Hopper.  El guion corre a cargo de Angelo Pizzo y la música está compuesta por el maestro Jerry Goldsmith. Como curiosidad diremos que obtuvo en 1987 dos nominaciones a los Oscar, al mejor actor de reparto para Dennis Hopper y a la mejor banda sonora para Jerry Goldsmith.

La trama de Hoosiers nos cuenta como un entrenador, Norman Dale, de mal genio y con un pasado lleno de sombras, es contratado para entrenar a un equipo de baloncesto en Hickory, una pequeña ciudad de Indiana.  Allí, el baloncesto es una religión y las nuevas propuestas de Norman harán que choque contra todos, sufriendo el rechazo tanto de parte de los jugadores como de los vecinos que intentan echarle. Pero siendo un entrenador de espíritu inquebrantable, es capaz de dotar de actitud y pasión a su equipo de baloncesto e incluso lograr unir a todo el condado gracias al juego del mismo.

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Como hemos recalcado, Hoosiers está llena de emociones, positivas y negativas, que confluyen alrededor de los temas que trata. No solo el baloncesto, sino que nos habla de la superación personal, la presión de grupo y el alcoholismo.

El acierto radica en que es capaz de manejar todos estos temas de una manera directa, sin recurrir al sentimentalismo y dejando que las emociones fluyan por la película como el balón sobre la cancha. La naturalidad de las pasiones del ser humano descritas desde la visión deportiva hace que la película sea inspiradora.

Encontramos en Hoosiers buenas frases de esas que se quedan para el recuerdo, y que se pueden utilizar de material educativo, tales como “Cinco jugadores en la cancha funcionando como uno solo: equipo, equipo, equipo – ninguno es más importante que el resto”, con la que se refleja la importancia del trabajo en equipo, o “Mis entrenamientos no están diseñados para vuestro divertimento”, frase capaz de resumir en unas pocas palabras el carácter del entrenador.

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Otro de los puntos a favor que tiene Hoosiers es el buen trabajo coral de todos los actores en general, que defienden con garra la narrativa de la película y son la fuerza que vincula a la historia con el baloncesto. Logrando como buen equipo ser capaces de mantener la contundencia necesaria para mantener el interés en lo que estamos viendo y que no decaiga. Todo ello, concentrado en el mecanismo deportivo a partir del cual se describen las historias de todo un grupo humano en un pequeño pueblo: el baloncesto.

De manera especial destaca Gene Hackman, que logra una composición austera, llena de matices que le dan profundidad al personaje, convirtiéndose en el base que guía a Hoosiers hacia la victoria. Un Dennis Hopper embriagado en su autodestrucción recuperado por el deporte, cuya redención sirve de catarsis para contraponer la melancolía con la adrenalina de ganar y también darle una concesión dramática a la película, todo hay que decirlo.

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Aunque la historia de Hoosiers no rebose originalidad, hay que tener en cuenta que al ser de los años ochenta es innovadora: tiene suficientes elementos para ser una posible campeona. Con diálogos acertados y algunas ideas que dan una capa de profundidad al relato, como la importancia del esfuerzo, la integridad, el compañerismo y las segundas oportunidades. Que demuestra que podemos hacer una buena finta para elegir un camino diferente al que tenemos, conquistando a base de esfuerzo y voluntad nuevas posiciones en la cancha de la vida.

Mención especial para la excelente banda sonora de Hoosiers. Habilidosa a la hora de dar una modulación épica a los partidos de baloncesto. Creando una tormenta competitiva con instantes llenos de tensión, que nos invita a adentrarnos en la emoción del partido como si fuéramos una parte más de ese pueblo que vibra con su equipo. Con un sonido espectacular, donde los ecos del pabellón se contraponen a los silencios rurales que acompañan las bellas imágenes de los mares de cereales del medio oeste americano.

Una música, un guion, unos actores que rebosan credibilidad, la fisicidad del baloncesto y la naturalidad de las emociones humanas componen un lienzo estimulante de lo que puede llegar a ser el deporte. Un tipo de cine donde cabe una narrativa interesante, un poco de amor, luces de redención, entrenamientos exigentes, alguna que otra bronca y una música envolvente. Todos estos elementos se convierten en ganadores cuando el balón rasga la red, logrando que Hoosiers se posicione como una de las mejores películas deportivas de todos los tiempos.

El cómic de la semana: Juez Anderson Shamballa

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Juez Anderson Shamballa. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Juez Anderson Shamballa, 2000 AD sigue creciendo

Para todos los amantes del cómic de los 70 y 80, y de la línea 2000AD inglesa, estamos actualmente en un momento de gracia. La editorial Dolmen está publicando gran parte de este sello en España en tomos de tapa dura. Tenemos por un lado Juez Dredd, y por otro series como Perro de estroncio o Nemesis the Warlock. Y además, de nueva aparición un nuevo título llamado Rogue Trooper, del que pronto haremos reseña.

Juez Anderson Shamballa

Y de todos ellos, el personaje y la colección más famosa es la del Juez Dredd, dónde se fueron desarrollando varios personajes secundarios y enemigos de postín, como por ejemplo el Juez Muerte. Y es justo en este tomo en el primero que ha sacado en formato de lujo Dolmen en España, el tomo llamado Dredd vs Muerte, donde uno de los personajes que aparecen es la Juez Anderson, de la prestigiosa División PSI. Y es que como dije antes, el reconocimiento de la serie del Juez Dredd fue tan grande que tuvo spin-offs de cierto calibre y calidad.

Juez Anderson Shamballa es realmente un spin-off del Juez Dredd, pero es una parte imprescindible de la línea 2000AD hasta tal punto que en Estados Unidos ya han sacado a la luz un segundo tomo titulado Satan, con los mismos autores que este. ¿Y quienes son los creativos? Tenemos a Alan Grant a los guiones, al que ya conocemos de otros títulos como Perro de Estroncio y de muchas grandes historias del Juez Dredd. Y a los lápices aparece Arthur Ranson, autor que no conocía y que realmente me ha sorprendido por su realismo.

Juez Anderson Shamballa

La mayoría de los grandes autores ingleses, al cabo de los años, pasaron al otro lado del Atlántico para realizar series de las grandes editoriales americanas, que en los 80 y los 90 pagaban realmente bien. Sin embargo no me suena haber visto a Ranson en ninguna serie. Quizás se deba a que era un buen ilustrador pero algo carente de movimiento y dinamismo en las viñetas. Pero poco más puedo achacar a este ilustrador que me parece que en Juez Anderson Shamballa realiza un gran trabajo. No lo veáis por tanto como algo negativo.

Cabe destacar que este tomo se compone, como el resto de leyendas de otros personajes del sello 2000AD, de historias cortas, en este caso sobre la juez Anderson. Pero conviene decir que las narraciones de Juez Anderson Shamballa no se componen de relatos independientes, sino que se continúan hasta formar pequeñas sagas. La primera gran historia llamada Triada se divide en 9 partes, todas publicadas originalmente en la revista 2000AD a finales de 1989. El resto de relatos, como el que da nombre al tomo, Shamballa son ya posteriores y a color.

Si eres de los lectores clásicos de los años 70 o principios de los 80, estos cómics, más modernos y mejor elaborados, todo sea dicho puede ser que no cumplan con ese olor a añejo. Pero sin embargo puedo asegurar que Juez Anderson Shamballa es de lo mejorcito que vas a encontrar dentro del sello 2000AD. Recomendado.

Juez Anderson Shamballa

DE MEGA-CITY UNO Al TÍBET! La Juez Cassandra Anderson es una telépata precognitiva de la División Psi del Departamento de Justicia. Su alto sentido de la justicia y una empatía psíquica abrumadora la convierten en una de los mejores jueces de Mega-City Uno. Sin embargo, las tragedias recientes han hecho que su fe en el sistema empiece a derrumbarse. Cuando un malvado brote psíquico aterroriza a todo el mundo, Anderson deberá dejar de lado sus dudas y viajar más allá de las puertas de la percepción para salvar a la humanidad. Inédita hasta la fecha en España, este volumen incluye cuatro historias clásicas del personaje, entre ellas la aclamada Shamballa, el mejor trabajo firmado en la revista 2000 AD por Alan Grant y Arthur Ranson, maestro de las luces y las sombras. Un volumen repleto de techno-thriller, noir, fantasía mística y fatalismo que examina las emociones y el espíritu del ser humano.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Dolmen editorial.

Juez Anderson Shamballa

Un saludo y sed felices.